Bajo una idea antipatriarcal y conformado por artistas exclusivamente del género femenino, Paste Up Morras es uno de los colectivos de la técnica paste up más reconocidos en la escena artística de México y del continente latinoamericano.&nbsp;<h2>Paste Up Morras, el colectivo mexicano que apoya la lucha femenina</h2>Creado a fines del año 2018 y con el objetivo de aumentar la visibilidad de las mujeres en la escena del arte callejero, Paste Up Morras es una de las organizaciones artísticas antipatriarcales con mayor popularidad en el territorio mexicano. Con la técnica del paste up, estilo que consiste en pegar tipografías, ilustraciones, imágenes y fotografías en espacios públicos, como método de expresión y bajo pensamientos antipatriarcales y la lucha contra el acoso y la violencia de género, el grupo se ha ganado el respeto y el apoyo no solo de la comunidad artística local por su trabajo, sino también de la colectividad femenina por el confrontamiento a través del arte ante dichas problemáticas que afectan a la sociedad.El arte del colectivo Paste Up Morras (Paste Up Morras).Además de conquistar distintos rincones del territorio mexicano con sus obras, el colectivo también ha formado parte de exposiciones, eventos y marchas donde han demostrado y exhibido su arte revelador a través de las pegatinas.<h2>Apoyo, inspiración y huella: el mensaje detrás de los stickers</h2>Más allá de propulsar la técnica del paste up con sus diseños y sus propuestas y darle mucho más reconocimiento dentro de la escena del arte callejero mexicano, el colectivo Paste Up Morras también cuenta con un mensaje aún más profundo detrás de cada obra. La agrupación de artistas mexicanas ha apoyado a familias de víctimas de femicidios y a mujeres que fueron privadas de su libertad por defensa propia y también ha estado detrás de problemáticas como el acoso, el machismo y la violencia de género, entre tantas otras. A su vez, el colectivo se transformó también en un refugio y un centro artístico no sólo para aquellas artistas que hayan vivido situaciones de dicho estilo, sino también en una nueva fuente de inspiración y un ejemplo a seguir dentro de la escena del arte urbano feminista latinoamericano. Paste Up Morras, el colectivo feminista que conquista México (Paste Up Morras).

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Paste Up Morras, el colectivo que pega arte y rompe el patriarcado

Al igual que todos los meses del año, Street Art Cities, plataforma líder en la escena del arte urbano mundial, lanzó una votación para reconocer al Mejor Mural del mes de mayo, y Latinoamérica conquistó las nominaciones con grandes representantes.<h2>México dice presente</h2>El territorio mexicano es una de las sedes seleccionadas por la plataforma Street Art Cities para elegir al Mejor Mural del mes de mayo. Con una mujer mitad guerrera y mitad madre tejiendo su trenza y rodeada de lobos tradicionales mexicanos como protagonista, la obra “La Louve” de la artista Lucie-flety se ganó un lugar entre los murales nominados. “DtMF” de Alaniz es otra de las piezas mexicanas presentes en las nominaciones: el mural es un tributo artístico a la flora, la fauna y el bello paisaje de Tulum, uno de los destinos más maravillosos de México. Creado en el marco del Chicken Fest Topolobampo y ubicado en Sinaloa, el artista Snapsantoyo plasmó la imagen de una niña mirando hacia arriba y tumbada en el mar con gotas de agua en su rostro.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Dt_MF_la_obra_creada_por_la_artista_Alaniz_0367af6091.jpg"></figure>“DtMF”, la obra creada por la artista Alaniz (Street Art Cities).<h2>Argentina, otro representante latinoamericano</h2>El mural “La magia de lo invisible” del artista Gonzalo Telleria, también conocido como Mundo Revés, es la única obra argentina presente en la competencia organizada por Street Art Cities. Ubicada en Villa Mercedes, San Luis, y creada con látex y pintura en aerosol, la pieza representa la fuerza ancestral del puma con el objetivo de inspirar a quienes lo contemplan a conectar con la profundidad de la consciencia y la magia de lo invisible.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/La_magia_de_lo_invisible_del_artista_argentino_Gonzalo_Telleria_6fa9a0a49e.jpg">“La magia de lo invisible” del artista argentino Gonzalo Telleria (Street Art Cities).<h2>La huella de Colombia</h2>Con tres nominaciones, Colombia es uno de los grandes representantes de la región en la competencia. Con la imagen de un hombre vestido con una playera azul y un short rojo y la perspectiva de estar durmiendo dentro del muro donde se realizó la obra, la pieza “A veces sueño que sueño” del artista Omar Alonso integra el listado de los murales cafeteros presentes en las nominaciones. Creada por los artistas Eski-bel y Muerto y ubicada en Bogotá, la obra “El Jardín de Thanatos" es otra de las piezas que pelea por el título del Mejor Mural del mes: el mural muestra un espacio dominado por un paisaje rojo y cuestiona la relación entre la metrópolis y la naturaleza. El colectivo Lisérgico Laboratorio Creativo también se ganó un lugar en las nominaciones con una obra en un colegio de Calarcá que elogia el poder creativo de la infancia y empodera a los más pequeños. La obra representa la imagen de un niño con un gato anaranjado en sus brazos en medio de la naturaleza.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/La_obra_A_veces_sueno_que_sueno_del_artista_Omar_Alonso_d3cabe3e92.jpg">La obra "A veces sueño que sueño" del artista Omar Alonso (Street Art Cities).<h2>Bolivia, el referente latino en la competencia</h2>Con obras en la ciudad de Cochabamba, Bolivia se consolidó como el mayor representante de América Latina en la competencia organizada por la plataforma Street Art Cities. “La Chola Lisa” de Juan Manuel Sanabria, obra que fusiona la imagen de la Gioconda, icono del arte occidental y del renacimiento europeo, con la chola andina, figura histórica de la cultura boliviana, “Madre Coca” de Lina, pieza inspirada por el concepto aymara de “chi’ixi” y protagonizada por la hoja de coca y los rituales, “De frente y por lo alto” de Serpientesal, obra que retrata el camino de dos niñas y su eventual transición por la adolescencia, y “Manos que tejen historia” de Gim, pieza que celebra la fuerza y ​​la continuidad del conocimiento ancestral en Bolivia, son las obras bolivianas que compiten por el título del Mejor Mural de mayo.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Madre_Coca_obra_ubicada_en_Cochabamba_y_creada_por_la_artista_Lina_082d9d41c7.jpg"> "Madre Coca”, obra ubicada en Cochabamba y creada por la artista Lina (Street Art Cities).<h2>Filite y Maestrografite, los representantes de Brasil</h2>Con los artistas FIlite y Maestrografite a la cabeza, Brasil es otro de los países latinoamericanos con presencia en las nominaciones. Ubicada en la ciudad de San Pablo, la obra “Troca de Pele” del artista Filite es una de las piezas elegidas por Street Art Cities: el mural representa la imagen de una mujer en pleno “cambio de piel”. La otra pieza brasileña nominada al Mejor Mural de mayo se encuentra también en territorio carioca y muestra un paisaje con una montaña nevada, un sol anaranjado, parte de un cerezo japonés y aves que sobrevuelan el panorama.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/La_obra_del_artista_Maestrografite_en_las_calles_de_San_Pablo_d0104740f4.jpeg">La obra del artista Maestrografite en las calles de San Pablo (Street Art Cities)

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Los murales latinos que compiten por el trono mundial del arte urbano

El arte urbano conquista las calles con una paleta de&nbsp;técnicas que transforman la&nbsp;expresión visual en los espacios públicos. Con trazos meticulosos de la&nbsp;brocha y el impacto del&nbsp;aerosol, cada método le da una&nbsp;identidad única a los muros de la ciudad. Estas prácticas ampliaron los límites&nbsp;estéticos y lograron un&nbsp;diálogo entre los&nbsp;artistas y el&nbsp;entorno urbano. Con&nbsp;materiales innovadores y enfoques mixtos, la&nbsp;pintura en el arte callejero expande cada vez más sus posibilidades.<h2>Aerosol</h2>El&nbsp;aerosol es el recurso emblemático del&nbsp;graffiti y una de las herramientas más&nbsp;versátiles en el arte urbano. En su aplicación permite crear&nbsp;degradados, efectos de&nbsp;sombreado y contornos&nbsp;definidos con rapidez y fluidez. Las&nbsp;válvulas y&nbsp;boquillas intercambiables otorgan distintos grosores y&nbsp;texturas, de forma que se potencia la&nbsp;expresividad en cada obra. Diferentes artistas como&nbsp;Banksy y&nbsp;Os Gêmeos utilizan esta técnica para transmitir&nbsp;mensajes críticos y construir&nbsp;escenarios visuales impactantes.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Captura_de_pantalla_2025_01_15_174157_6e82357acf.png"> [Imagen], por Antoro.<h2>Pincel y rodillo</h2>El&nbsp;pincel y el&nbsp;rodillo continúan vigentes en el&nbsp;muralismo urbano, porque son herramientas que facilitan la creación de&nbsp;composiciones detalladas y efectos&nbsp;pictóricos que evocan el&nbsp;clasicismo. Los murales de&nbsp;Diego Rivera y los frescos contemporáneos de artistas como&nbsp;Farid Rueda evidencian cómo la&nbsp;técnica permite una interacción minuciosa con el&nbsp;color y la&nbsp;forma. Además, el&nbsp;rodillo posibilita la cobertura de amplias&nbsp;superficies con uniformidad, lo que agiliza el&nbsp;proceso creativo.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Artista_urbano_pinta_con_rodillo_d991989d22.jpg"> [Imagen], por InfoArte.<h2>Plantillas y estarcido</h2>Las&nbsp;plantillas cambiaron el&nbsp;arte callejero. Con este recurso se permite la&nbsp;reproducción de imágenes con una precisión inigualable. La&nbsp;técnica, también conocida como&nbsp;estarcido, consiste en recortar&nbsp;diseños sobre&nbsp;papel o&nbsp;acetato y aplicar&nbsp;pintura a través de las secciones&nbsp;vacías. Es ideal para la creación de&nbsp;patrones y figuras&nbsp;rápidas, porque asegura&nbsp;uniformidad en cada aplicación.&nbsp;Shepard Fairey es uno de los artistas que popularizó este método.<h2>Acuarela y tintas</h2>Las&nbsp;acuarelas y&nbsp;tintas se asocian más con soportes convencionales, pero su uso en el&nbsp;arte urbano es un hecho. Principalmente, sirven para lograr la&nbsp;transparencia y la&nbsp;fluidez del color sobre&nbsp;superficies rugosas. Al aplicarse sobre muros&nbsp;absorbentes, generan efectos&nbsp;orgánicos que desafían la&nbsp;rigidez del espacio público. Este enfoque es utilizado por&nbsp;creadores que tienen como objetivo una&nbsp;estética efímera y&nbsp;experimental en sus&nbsp;intervenciones urbanas.<h2>Pintura luminiscente y UV</h2>La incorporación de&nbsp;pigmentos fotoluminiscentes y&nbsp;tintas UV dio lugar a una&nbsp;nueva dimensión en el&nbsp;arte callejero. Estas pinturas&nbsp;reaccionan a la&nbsp;luz negra o almacenan&nbsp;energía para emitir&nbsp;brillo en la&nbsp;oscuridad, de manera que transforman las&nbsp;obras según el momento del día.&nbsp;Murales y&nbsp;grafitis que parecen convencionales bajo la&nbsp;luz del sol revelan un&nbsp;universo oculto cuando cae la noche. Una&nbsp;técnica quizás menos conocida por los simples mortales, que busca&nbsp;sorprender e&nbsp;innovar en la&nbsp;narrativa visual urbana.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Pintura_luminiscente_y_UV_b3bdca8d90.jpg"> [Imagen], por Pinterest.<h2>Pegatinas y posters</h2>Por último, las&nbsp;pegatinas y&nbsp;posters. El&nbsp;arte callejero no se limita a la&nbsp;pintura directa sobre&nbsp;muros. Esta es una&nbsp;estrategia efectiva para la&nbsp;difusión rápida de&nbsp;imágenes y&nbsp;mensajes. Es denominada&nbsp;"wheatpaste" y se utiliza&nbsp;engrudo para adherir los&nbsp;carteles. Muy común en&nbsp;movimientos de protesta y en la&nbsp;consolidación de identidades visuales.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/a_RTE_URBANO_CON_PEGATINAS_e8c9686d37.jpg"> [Imagen], por RED/ACCIÓN.El&nbsp;arte urbano se rige por la combinación de varias&nbsp;técnicas. Muchos&nbsp;creadores combinan&nbsp;aerosoles con&nbsp;pinceladas, incorporan&nbsp;collages a los&nbsp;murales o intervienen sus&nbsp;obras con&nbsp;materiales inesperados. Esta&nbsp;hibridación expande las posibilidades de la&nbsp;expresión visual en la ciudad y logra piezas que desafían lo establecido y&nbsp;reconfiguran la percepción del&nbsp;espacio público. El&nbsp;secreto de esta práctica radica en la capacidad de&nbsp;reinventarse.

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Las múltiples técnicas del arte urbano para transformar ciudades

El arte corre por las venas de&nbsp;Henrique Montanari. La trayectoria del artista brasileño es una combinación de técnicas e influencias. Desde sus inicios en la pintura al óleo hasta su distintivo "sprayssionismo", el arte se entrelazó con su vida, sus luchas y su visión de un futuro esperanzador en América Latina. Toda su historia es un testimonio de&nbsp;resiliencia y una invitación a creer en el poder transformador de la expresión artística.<h2>Origen</h2>Es mundialmente conocido como&nbsp;EDMX. Nació en 1977 en la ciudad brasileña de San Pablo. Si hablamos de su formación académica, cuenta con una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de São Paulo y una prolífica trayectoria en el mundo del&nbsp;diseño desde 1996. Esa visión creativa que posee lo llevó a explorar nuevos horizontes, trasladándose a Toronto en 2002, donde en 2003 completó un Posgrado en&nbsp;Animación Digital 3D en Seneca College.<h2>Una metamorfosis constante</h2>Para Montanari, la&nbsp;evolución artística es un proceso&nbsp;dinámico e ininterrumpido. Cree firmemente en la necesidad de un&nbsp;aprendizaje constante y una&nbsp;reinvención personal para evitar la obsolescencia creativa. En su búsqueda supo explorar nuevas&nbsp;tecnologías y&nbsp;lenguajes artísticos.Trabaja con el&nbsp;realismo en escala de cinza, pero adoptó el término "sprayssionismo" para describir su&nbsp;estilo distintivo. Esta técnica se basa en combinar la precisión del realismo con la&nbsp;estética del spray, para crear obras que impactan desde la distancia. Además, integra&nbsp;técnicas tradicionales con&nbsp;recursos tecnológicos para otorgar nuevos significados a los materiales que utiliza en su proceso creativo.<h2>Reconocimiento internacional</h2>Tras regresar a San Pablo en 2004,&nbsp;EDMX dedicó una década a la&nbsp;animación, colaborando con importantes estudios en Brasil, Inglaterra y Estados Unidos. Sin embargo, la demanda del trabajo corporativo lo impulsó a un cambio significativo. Con su amplio conocimiento de diversas plataformas creativas, decidió enfocarse plenamente en su&nbsp;producción artística. Este giro lo consolidó como una figura del&nbsp;street art, incluso fue el único artista sudamericano incluido en el renombrado libro "Street Art in times of Corona 2020".<h2>Ser artista en América Latina</h2>Para Montanari, ser&nbsp;artista en América Latina hoy representa tanto un&nbsp;honor como un desafío. En un contexto complejo y lleno de contrastes, el artista asume un rol importante como&nbsp;voz de su tiempo, donde refleja las realidades y los sueños de su entorno.&nbsp;El&nbsp;mensaje central que busca transmitir a través de su arte es un faro de&nbsp;esperanza en un mundo marcado por la adversidad. Él insiste en que "nem tudo está perdido" (no todo está perdido).<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Mural_de_Henrique_montanari_en_San_pablo_1_1_9fc23ff627.jpg"> Grafiti de 800 m² en la Av. 9 de Julho, San Pablo. Cubre toda la parte lateral de un edificio de ocho pisos y esta integrado con un filtro de realidad aumentada en Instagram [Imagen], por Ivan Shupikov.<h2>Proceso creativo</h2>La&nbsp;génesis de una nueva obra de Montanari es un evento&nbsp;espontáneo e impredecible. Las ideas pueden surgir en cualquier momento y lugar; en el bullicio del metro, la serenidad de la playa, durante una conversación casual o a partir de una experiencia personal intensa. Esta&nbsp;imprevisibilidad alimenta la frescura y la originalidad de su trabajo.Describe su&nbsp;proceso creativo como una inmersión en la "energía caótica". Si bien realiza una&nbsp;investigación exhaustiva, las ideas están en&nbsp;constante flujo y pueden evolucionar radicalmente hasta el último momento.&nbsp;La&nbsp;inspiración la obtiene más allá de los límites del&nbsp;mundo del arte, porque encuentra una musa en la&nbsp;vida misma, en las&nbsp;personas que lo rodean, la&nbsp;fuerza de la naturaleza y en el mismo&nbsp;universo.&nbsp;<h2>Premios en el mundo del arte</h2>El talento de&nbsp;EDMX fue ampliamente reconocido a través de prestigiosos galardones internacionales. Obtuvo el primer premio en la categoría de&nbsp;Mixed Media en los Global Art Awards 2018 en Dubai, fue finalista en Arte Laguna 2020 y en los Global Art Awards 2020 en Shanghái, también en&nbsp;Mixed Media. En los American Art Awards, cosechó múltiples reconocimientos, incluyendo el tercer lugar en&nbsp;Pop Art e Innovación en 2018, el segundo y tercer lugar en&nbsp;Pop Art y Figura Humana Acrílica en 2017, y nuevamente el tercer lugar (Innovador y&nbsp;Pop Art) y el quinto lugar (Expresionismo-Figura Humana) en 2018.<h2>Un legado familiar</h2>El camino de Montanari en el&nbsp;mundo del arte comenzó en la infancia, guiado por su tío, un pintor clásico. Aprendió las bases de la&nbsp;pintura al óleo con&nbsp;escenas del cotidiano, donde plasmó su visión en cada superficie disponible. Esta&nbsp;formación temprana sentó las bases de su comprensión del color, la forma y la composición, elementos que hoy presentes en sus obras, reinterpretados a través de una lente contemporánea.<h2>Rock, skate y maestros antiguos</h2>En lo que respecta a sus&nbsp;influencias artísticas son tan diversas como su propia trayectoria. Creció inmerso en la&nbsp;energía del rock y la&nbsp;cultura del skate, movimientos que le aportaron una sensibilidad por la&nbsp;contracultura urbana. Esta pasión se incorporó con su admiración por los&nbsp;grandes maestros de la pintura tradicional, para crear un diálogo único entre el pasado y el presente en su imaginario creativo.<h2>Las redes sociales</h2>Reconoce la&nbsp;importancia de las redes sociales en la&nbsp;divulgación del arte en la actualidad. Sin embargo, se encuentra en un proceso de "desintoxicación digital" y utilizarlas principalmente como una&nbsp;herramienta de trabajo. Una reflexión que subraya la necesidad de encontrar un equilibrio saludable en la era digital.<h2>El arte en la sociedad&nbsp;</h2>Para Montanari, el&nbsp;arte desempeña un&nbsp;papel fundamental en la&nbsp;sociedad actual, "arte salva", afirma. Esa visión resalta el poder del arte como&nbsp;medio de expresión,&nbsp;reflexión,&nbsp;crítica y, sobre todo, como una fuente de&nbsp;esperanza.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Mural_de_Montanari_realizado_en_pandemia_2020_1_7d8db12bcd.jpg">Mural realizado en 2020, durante la pandemia mundial [Imagen], por Henrique Montanari.Entre sus&nbsp;proyectos futuros, se prepara para embarcarse en la creación de un&nbsp;mural interactivo de gran escala (100 metros cuadrados) en la periferia de São Paulo, con el apoyo del PROAC. una obra ambiciosa que refleja su compromiso con el&nbsp;arte público.La&nbsp;mayor satisfacción que la&nbsp;creación artística le proporciona a Montanari es la&nbsp;libertad. En el acto de pintar, dibujar o dar forma a sus ideas, él encuentra una&nbsp;liberación de las convenciones y una conexión profunda con su ser interior.Henrique Montanari decidió terminar con una frase contundente: "Render-se nunca, retorcer jamais", un&nbsp;mensaje de perseverancia y&nbsp;fe en los sueños, porque anima a creer en las aspiraciones personales y a perseguirlas con determinación.

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El universo creativo de Henrique Montanari

Conformado por Dayron López y Raymundo Rocha y con huella a lo largo del territorio mexicano, el Colectivo Chachacha es una de las agrupaciones artísticas con mayor legado y reputación dentro de la escena artística de México.<h2>Colectivo Chachacha, un ícono del graffiti mexicano</h2>Creado en el año 2010 por Dayron López y Raymundo Rocha, el Colectivo Chachacha se ha consolidado como una de las agrupaciones artísticas más importantes de México. Con intervenciones en distintos puntos del territorio mexicano como Veracruz, Chiapas, Puebla, Oaxaca, Cancún, Guadalajara, Ciudad de México, Michoacán y Morelos, entre otros sitios, el dúo impuso su importa en la escena local a través de la gráfica urbana, los tatuajes y la creación de banderas y se instaló como uno de los pilares más importantes del país norteamericano.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Colectivo_Chachacha_icono_del_arte_urbano_mexicano_a79d2ddf52.jpg"> Colectivo Chachacha, ícono del arte urbano mexicano (Instagram/Juarez Digital).<h2>Obras, presentaciones y legado: el currículum de la dupla</h2>Con más de diez años en la escena artística mexicana, el Colectivo Chachacha ha logrado crear un legado de obras y piezas artísticas que lo han llevado a ganarse un lugar dentro del olimpo mexicano del arte urbano. Realizada en el año 2017 y ubicada en el Centro Cultural Casa Talavera, “El ídolo del barrio” es una de las creaciones más reconocidas del dúo conformado por Dayron López y Raymundo Rocha. La obra representaba los sonideros, uno de los fenómenos más típicos del barrio de La Merced, y estaba conformada por un mural hecho en madera y dos impresiones.<figure class="image"><img></figure>Muro pintado en el barrio de Tlilhuacan (Colectivo Chachacha).La exposición “Rasgos” es otra de las piezas más famosas del colectivo mexicano: la obra exploró la reapropiación de signos e imágenes del entorno urbano y su relación con el imaginario social y fue presentada en la Galería Principal de la ENPEG. El dúo también ha participado de exposiciones en distintas zonas de México como Azcapotzalco y Tlatelolco, entre otros destinos, ha logrado colorear las grandes metrópolis del país norteamericano con sus obras y ha sido reconocido en múltiples ocasiones en la Bienal Nacional de Diseño, uno de los certámenes artísticos con mayor reconocimiento y&nbsp; de la Ciudad de México.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Parte_de_la_exposicion_Rasgos_del_duo_mexicano_0a4c173e87.jpg"> Parte de la exposición "Rasgos" del dúo mexicano (Colectivo Chachacha).

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Colectivo Chachacha, el dúo artístico que pinta México

La ciudad&nbsp;Bogotá&nbsp;se afianza como una&nbsp;capital de arte urbano en América Latina, y su&nbsp;Museo Abierto (MAB)&nbsp;es una reiteración de esta vocación al abrir sus calles y corredores a las&nbsp;expresiones artísticas de más de 900 creadores y colectivos. Con una propuesta que promueve la apreciación del arte y, al mismo tiempo, la recuperación del espacio público, el MAB acerca obras visuales a los ciudadanos, integrándolos como participantes activos en la construcción de un sitio más enriquecido culturalmente. La programación cuenta con recorridos gratuitos para que el público descubra las múltiples intervenciones realizadas en diferentes puntos emblemáticos.<h2>Integración ciudadana</h2>La serie de recorridos gratuitos permiten explorar las intervenciones artísticas en los corredores priorizados por el Distrito, como la Avenida El Dorado, la Calle 80, y la Carrera 13. Estos trayectos requieren inscripción previa y se llevan a cabo en horarios específicos. De esta forma,&nbsp;se involucra a los espectadores&nbsp;en una experiencia que conecta a la comunidad con los espacios intervenidos.La programación del MAB&nbsp;incluye diferentes estrategias para consolidar las prácticas artísticas y la integración ciudadana. El Festival de las Artes Visuales, el Distrito Grafiti, el Inventario de Superficies para el Arte Urbano y la Unidad de Reacción Artística Inmediata&nbsp;son algunas de ellas. A través de estos programas, se abrieron más espacios para que los artistas desarrollen sus proyectos en superficies autorizadas. Así, se llevó adelante la apropiación del espacio público mediante el arte, lo que significó una contribución a que las&nbsp;prácticas de grafiti y muralismo&nbsp;se integren al paisaje urbano alineándose con los intereses y valores de la comunidad.<h2>La experiencia del MAB</h2>El MAB transforma visualmente la ciudad e impulsa una conversación sobre el&nbsp;valor de estas expresiones&nbsp;en espacios históricamente percibidos como inseguros. Ciertos artistas como Juan Camilo Muñoz, conocido como&nbsp;Cos’One, encontraron una plataforma para sus creaciones y para&nbsp;cambiar la visión del grafiti&nbsp;en Bogotá. Estas iniciativas logran que el arte urbano colombiano alcance una relevancia internacional. Además, para autores como&nbsp;Diego Sisco, el MAB es una oportunidad de generar memoria y resignificación&nbsp;en los lugares intervenidos.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Arte_urbano_bogotano_8c41c4269d.jpg">[Imagen], por Galería Santa Fe.<h2>Inscripción y participación&nbsp;</h2>Para asistir a los recorridos, la inscripción se realiza mediante un formulario en línea, donde se puede seleccionar la fecha y hora de preferencia. Las jornadas son en&nbsp;puntos claves&nbsp;del MAB, como la Carrera 10 y la Calle 80, así como en la&nbsp;Avenida Caracas y la Carrera Séptima. Este acercamiento directo entre los ciudadanos y las obras, promueve la reflexión sobre el arte&nbsp;y su rol en el tejido social de Bogotá. De esta forma, el museo logró ser una iniciativa que exhibe obras, fomenta el sentido de pertenencia y el aprecio por la creatividad en la vida cotidiana de la ciudad.<h2>Una apuesta fructífera</h2>El MAB contribuye al&nbsp;embellecimiento&nbsp;de Bogotá y su impacto también se sintió en la seguridad y convivencia. Según datos, el proyecto logró una disminución del 41% en denuncias delictivas.&nbsp;La inversión superó ampliamente el millón de dólares, permitió recuperar áreas consideradas inseguras y las convirtió en espacios confiables. Esta sinergia fomentó un cambio cultural, donde el arte urbano cumple la función de&nbsp;transformar la percepción de los habitantes y transeúntes sobre su entorno.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Las_intervenciones_callejeras_que_conforman_el_museo_abierto_de_Bogota_8f6cb69199.jpg">[Imagen], por Radio Nacional de Colombia.El Museo Abierto de Bogotá fue clave para el desarrollo del arte urbano y una intensiva&nbsp;transformación social. Al reunir a cientos de artistas y colectivos en torno a la creación y el disfrute de intervenciones artísticas en el espacio público, revitalizó zonas olvidadas y construyó un legado de&nbsp;cambio cultural. En cada obra se encuentran&nbsp;mensajes que resuenan en las calles&nbsp;de Bogotá, dan voz a sus habitantes y conectan con la ciudad.

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El espacio para el arte y la transformación urbana que presume Bogotá

El éxito del mexicano Penta Zero Miedo en la lucha libre ha trascendido las pantallas y las competencias como la WWE y ha llegado al arte, y Ecatepec, su tierra natal, ha homenajeado su figura con un mural de cincuenta metros.<h2>El mural en homenaje a Penta Zero Miedo en Ecatepec</h2>Ubicado en el municipio de Ecatepec, Estado de México, ciudad natal de la superestrella mexicana de la WWE, el mural en homenaje a Penta Zero Miedo no sólo se ha instalado como uno de los mayores tributos artísticos hacía el atleta, sino que también ha conseguido convertirse en una de las grandes obras de la zona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Penta_Zero_Miedo_y_la_obra_de_arte_juntos_en_Ecatepec_2f9fbb1506.jpg"></figure>Penta Zero Miedo y la obra de arte juntos en Ecatepec (Facebook).La obra representa la imagen del luchador con su característico atuendo y en su pose distintiva, donde enseña su guante negro con la inscripción “Cero Miedo”. Además, la pieza también contiene el retrato de su hermano y compañero de batallas, Rey Fénix, otro de los grandes luchadores mexicanos con presencia en la WWE, la máxima competencia de lucha libre a nivel internacional.<h2>La visita del luchador mexicano</h2>Tras la viralidad causada en redes sociales a través de posteos, la obra se convirtió en un monumento artístico y recibió la visita de cientos de aficionados de la lucha libre, y del protagonista y fuente de inspiración del mural también. Penta Zero Miedo se acercó al mural en uno de sus últimos viajes a Ecatepec, su tierra natal, se tomó fotos con la obra de arte y con algunos fanáticos que se presentaron también y aprovechó para dejarle un “saludo” a Dominik Mysterio, hijo del mítico Rey Mysterio, con quien ya ha peleado en un par de ocasiones y ha forjado una gran rivalidad.<h2>¿Quién es Penta Zero Miedo, el luchador detrás del mural?</h2>Con más de veinte años de trayectoria en el ambiente, Penta Zero Miedo, también conocido bajo el nombre de Pentagón Jr., se ha convertido en uno de los máximos referentes mexicanos en el circuito de la lucha libre profesional. El atleta ecatepense ha cosechado títulos en empresas y programas internacionales de renombre en la escena de la disciplina como The Crash, Lucha Underground, Ring of Honor e Impact Wrestling y también ha dejado huella en la WWE, el sello más prestigioso de la lucha libre internacional. Reconocido por su estilo dinámico sobre el ring y su peculiar gesto de “Cero Miedo”, Penta Zero Miedo logró instalar su mote en el listado de los peleadores mexicanos de lucha libre más emblemáticos de la historia.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Penta_Zero_Miedo_en_el_cuadrilatero_de_la_WWE_6378ffc568.jpg">Penta Zero Miedo en el cuadrilátero de la WWE (WWE).

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Penta Zero Miedo inmortalizado en Ecatepec

No hay dudas de que El Chavo del 8 es uno de los íconos televisivos más importantes de México, y Miguel Ángel Rodríguez Marín, artista veracruzano conocido bajo el nombre de “Poderozo”, le rindió un nuevo homenaje en Veracruz.<h2>El Chavo del 8 en los muros de Veracruz</h2>Ubicado sobre la calle Echeven y la Avenida Cuauhtémoc en Veracruz, Miguel “Poderozo” Ángel volvió a darle color a un nuevo espacio abandonado en la ciudad mexicana con un diseño dedicado a icónica serie El Chavo del 8: el mural representa los rostros de Roberto Gómez Bolaños y Carlos Villagrán en sus personajes dentro de la serie de televisión de "El Chavo del 8" y "Quico".<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_mural_en_homenaje_a_El_Chavo_del_8_creado_por_Poderozo_cfa0a6e0f6.jpg"> El mural en homenaje a El Chavo del 8 creado por "Poderozo" (Wenceslao Fuentes).La obra realizada por el veracruzano no solo ha mantenido y propagado las figuras de una de las series de televisión más emblemáticas de México, sino que también le ha otorgado una dosis de color y alegría a la zona.<h2>“Poderozo”, el artista detrás del mural</h2>Miguel Ángel Rodríguez Marín, reconocido en el mundo del arte bajo el seudónimo de “Poderezo”, es uno de los grafiteros más populares de Veracruz. Con más de sesenta murales y graffitis, el veracruzano ha dejado su huella en diferentes puntos de interés de la ciudad mexicana como las colonias como Pocitos y Rivera y avenidas principales como Cuauhtémoc y J.B. Lobos. “A veces hay bardas deterioradas que tienen mucho tiempo que nadie les da mantenimiento, que nadie las pela, entonces esas son las primeras que nos encargamos de decorar. Lo que yo trato de hacer es algo que ayude a mejorar el espacio, la vista, el colorido de las paredes, esa es una de las formas que ocupo”, comentó Miguel acerca de su estilo y procedimiento artístico en diálogo con el medio veracruzano La Silla Rota.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Miguel_Poderozo_Angel_el_artista_detras_del_mural_en_Veracruz_8082582011.jpg"> Miguel "Poderozo" Ángel, el artista detrás del mural en Veracruz (Raúl Solís).<h2>Otras huellas de El Chavo del 8</h2>Si bien el mural realizado por Miguel “Poderozo” Ángel es una de las primeras obras dedicadas a la icónica serie de televisión mexicana en la ciudad de Veracruz, el legado de la serie producida por Televisa ya ha dejado su impronta en distintos muros de Latinoamérica: el argentino Fabián Zaccaria pintó la figura de El Chavo, estrella principal de la serie protagonizada por el mexicano Roberto Gómez Bolaños, en un muro ubicado en José Hernández, barrio de San Francisco, Córdoba, y el artista Iván Ibarra Vargas homenajeó a la serie de comedia en el Boulevard Miguel Hidalgo con un mural con los rostros de los personajes más icónicos del programa como El Chavo, la Chilindrina, Don Ramón, Quico, Doña Florinda y el Señor Barriga.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Ivan_Ibarra_Vargas_con_su_mural_en_homenaje_a_El_Chavo_del_8_en_el_Boulevard_Miguel_Hidalgo_8a7bedb7e9.jpg"> Iván Ibarra Vargas con su mural en homenaje a El Chavo del 8 en el Boulevard Miguel Hidalgo (Fabricio Moreno).

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El Chavo y Quico viven en los muros de Veracruz

El&nbsp;Art Basel es el espacio donde el&nbsp;arte contemporáneo se encontró con las grandes&nbsp;audiencias internacionales. Desde su fundación en 1970, esta&nbsp;feria&nbsp;trascendió su condición inicial como un evento local en Basilea, Suiza, para convertirse en un referente global de&nbsp;creatividad, coleccionismo y vanguardia. Las ediciones realizadas en diferentes ciudades como&nbsp;Miami Beach y Hong Kong confirmaron su capacidad de adaptarse a contextos culturales variados, mientras mantenía un firme compromiso con la&nbsp;excelencia artística.<h2>Talento latino</h2>La fuerte presencia latinoamericana deslumbró en Art Basel Miami Beach. Desde&nbsp;Argentina hasta&nbsp;México, pasando por&nbsp;Brasil y&nbsp;Colombia, una notable selección de&nbsp;artistas&nbsp;engalanaron los espacios de la feria. Galerías de renombre como&nbsp;Jorge Mara – La Ruche presentaron obras cruciales de maestros abstractos como&nbsp;León Ferrari y&nbsp;José Antonio Fernández-Muro, mientras que&nbsp;Proyectos Monclova exhibió la diversidad del arte contemporáneo mexicano con figuras como&nbsp;Gabriel de la Mora y&nbsp;Yoshua Okón. La&nbsp;Galerie Lelong &amp; Co. rindió homenaje a la monumental&nbsp;Zilia Sánchez de&nbsp;Puerto Rico, y el imponente fotograma "Amazogramas" de&nbsp;Roberto Huarcaya (Perú) capturó la atención en la sección Meridians. La participación de galerías latinoamericanas como&nbsp;A Gentil Carioca,&nbsp;kurimanzutto, y&nbsp;Casas Riegner, entre muchas otras, subraya la&nbsp;riqueza de la región.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_arte_latino_presente_en_art_basel_1_fadb23bc11.jpg"> Una obra que homenajea el importante legado que dejó la puertorriqueña Zilia Sánchez en el arte de América Latina con trabajos monumentales [Imagen], por artsy.<h2>Diversidad cultural</h2>Cada edición de Art Basel combina&nbsp;lo comercial con lo cultural, porque reúne a&nbsp;coleccionistas, curadores, artistas y amantes del arte en un mismo espacio. La selección de galerías participantes se realizó mediante un riguroso proceso de evaluación, para asegurar&nbsp; un nivel excepcional de calidad. Las galerías exhibieron&nbsp;obras icónicas&nbsp;de nombres consagrados y una plataforma apartada para artistas emergentes.El público no se limitó a recorrer los pasillos de la feria. Los programas como&nbsp;"Conversations" permitieron explorar ideas innovadoras a través de debates, mientras que las instalaciones monumentales y las proyecciones de video ampliaron los límites.<h3>El crecimiento de un gigante del arte</h3>El Art Basel nació de la visión de tres galeristas suizos: Ernst Beyeler, Trudi Bruckner y Balz Hilt. La&nbsp;primera edición reunió a 90 galerías de diez países&nbsp;y atrajo a más de 16.000 visitantes. En un principio, el evento buscó&nbsp;promover el trabajo de artistas europeos, pero con el paso de los años amplió su alcance para incluir propuestas de todo el mundo. Este crecimiento reflejó el auge del mercado del arte contemporáneo y marcó una evolución en la percepción del&nbsp;arte como un lenguaje universal.<h2>El mercado del arte</h2>El Art Basel es un escaparate de obras, que hace crecer económicamente al sector artístico. Los precios alcanzados por muchas piezas durante la feria marcaron tendencias para las subastas y ventas privadas a nivel internacional. Más allá de las transacciones comerciales, también contribuyó al desarrollo de una red de conexiones que involucró a instituciones culturales, coleccionistas privados y fundaciones.Sin embargo, su impacto no se limitó al aspecto económico, la feria estimuló conversaciones sobre la inclusión, la&nbsp;sostenibilidad&nbsp;y el papel del arte en los desafíos contemporáneos.&nbsp;<h2>La transformación digital&nbsp;</h2>Con el avance de la&nbsp;tecnología, la feria se adaptó a los cambios en la manera de consumir y exhibir arte. La&nbsp;creación de plataformas digitales permitió que las galerías participantes llegaran a un público más amplio, especialmente durante los años de restricciones sanitarias. Esta transición al entorno virtual&nbsp;abrió nuevas posibilidades, como&nbsp;exposiciones en línea y&nbsp;recorridos virtuales interactivos, que ampliaron el alcance de la feria más allá de sus sedes físicas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Las_obras_expuestas_en_el_Art_Basel_21ec2964d6.jpg"></figure>La plataforma clave para el descubrimiento de nuevos talentos artísticos [Imagen], por El País.La próxima edición de Art Basel Miami Beach está programada para llevarse a cabo del&nbsp;5 al 7 de diciembre de 2025, nuevamente en el&nbsp;Miami Beach Convention Center.A lo largo de su historia, Art Basel construyó un legado que influenció a artistas, coleccionistas y público en todo el mundo. La feria impulsó una visión del arte&nbsp;como un puente entre culturas y como una herramienta para el cambio social.&nbsp;

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Art Basel, uno de los máximos exponentes del arte contemporáneo

Tras quince años de espera, Toluca volvió a adueñarse de la cima del fútbol mexicano, y Alexis Vega y Paulinho, dos de las máximas estrellas del equipo campeón, fueron inmortalizados artísticamente cerca del estadio Nemesio Diez.<h2>Los cracks de Toluca viven artísticamente en los muros</h2>Ubicado sobre la calle Felipe Villanueva, casi esquina con Constituyentes, a escasos pasos del estadio Nemesio Diez, y creado por el muralista Tolbe, el mural en homenaje a las figuras del mexicano Alexis Vega y el portugués Paulinho, pilares y estrellas de Toluca, se ganó un lugar dentro del corazón de los aficionados de los Diablos Rojos y se instaló como uno de los tributos artísticos más impactantes del fútbol mexicano. Con el color rojo como protagonista principal, la pieza representa la imagen de los futbolistas con la camiseta titular del equipo escarlata y en pleno festejo de gol.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Los_hinchas_de_Toluca_en_el_mural_de_Alexis_Vega_y_Paulinho_63992e0deb.jpg"></figure>Los hinchas de Toluca en el mural de Alexis Vega y Paulinho (Gobierno de Toluca).La inauguración de la obra contó con la presencia del muralista Tolbe, creador de la pieza, la esposa de Alexis Vega, los directivos del Club Deportivo Toluca, la Presidenta honoraria del DIF Toluca y algunos aficionados de los Diablos Rojos, que aprovecharon y tomaron algunas fotos de la misma.<h2>Tolbe, la cara detrás de la obra</h2>Antonio García, mejor conocido bajo el seudónimo artístico de Tolbe, es uno de los muralistas con mayor prestigio dentro de la escena del arte urbano toluqueño. Con varios años de trayectoria en el ambiente, Tolbe ha dejado huella en distintos rincones del territorio mexicano con obras dedicadas al mundo Toluca como retratos de ex futbolistas como Vicente Pereda y José Saturnino Cardozo y distintos diseños vinculados a los Diablos Rojos. A su vez, el muralista mexicano también ha decorado los muros de los lugares con figuras humanas, caricaturas y animales. El toluqueño no sólo se ha convertido en un referente artístico de los Diablos Rojos, sino que también ha sido una pieza clave para el embellecimiento urbano de la ciudad de Toluca con un extenso repertorio de murales que colorearon los rincones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Tolbe_durante_la_creacion_del_mural_b9054a5280.jpg"></figure>Tolbe durante la creación del mural (Poder Edomex).<h2>Toluca levantó la corona del fútbol mexicano</h2>Con goles de Luan García Teixeira y Alexis Vega, uno de los futbolistas retratados por el muralista local Tolbe, Toluca venció a América en el estadio Nemesio Diez y volvió a sentarse en el trono del fútbol mexicano tras quince años de espera. Los Diablos Rojos sumaron su undécimo título de la Primera División de México y ampliaron su legado en la competencia, donde sólo Chivas (12) y América (16) los superan.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Toluca_campeon_del_Clausura_2025_tras_derrotar_a_America_31b98a15fd.jpg"></figure>Toluca, campeón del Clausura 2025 tras derrotar a América (Toluca).

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Del césped a la pared: Alexis Vega y Paulinho inmortalizados en el Nemesio Diez

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