Al igual que todos los meses del año, Street Art Cities, plataforma referente en el arte urbano mundial, lanzó una competencia para declarar el mejor mural de junio, y Latinoamérica se hizo presente en la votación con obras en Venezuela, Brasil y Perú.<h2>De Brasil a Venezuela: el arte callejero latino compite por el podio</h2>Con dos nominaciones y con San Pablo como ciudad protagonista, Brasil es el país latinoamericano con mayor presencia en la votación. Una de las obras brasileñas elegidas para formar parte de la competencia fue “Rainha Abelha” del artista Monsterectoplasma. Con sede en el barrio Jardim Tremembe, la pieza representa la figura de una mujer de piel oscura decorada con motivos tribales y geométricos en tonos dorados en distintas partes de su cuerpo como los labios, los ojos, el cuello y las mejillas sobre un fondo amarillo vibrante. Entre otros detalles de la obra, la silueta femenina presenta sobre su cabello un broche dorado en forma de flor acompañado de una abeja, que le aportan el toque natural y mezclan la belleza con la naturaleza.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Rainha_Abelha_una_de_las_obras_brasilenas_presente_en_la_competencia_8ba05797a1.jpeg"></figure>“Rainha Abelha”, una de las obras brasileñas presente en la competencia (Street Art Cities).Vila Gustavo es otro de los barrios paulistas sede de uno de los murales latinoamericanos que participan en la competencia organizada por Street Art Cities para elegir el mejor mural del mes de junio. Realizado por Plinio Cristovive, la obra muestra una figura femenina de piel en tonos fucsia o rosados intensos con una cabellera blanca/plateada acompañada de flores que adornan su pelo y sus hombros. A su vez, la pieza también se encuentra protagonizada por un árbol con ramas negras y frondosas flores rosas, simulando un cerezo o árbol de sakura, símbolo muy ligado a la cultura japonesa. El fondo presenta un estilo conquistado por formas geométricas y bloques de colores morado, turquesa y azul.De la mano de la obra “Acoger” del artista Macedo, Perú es otro de los destinos latinoamericanos con huella en la encuesta realizada por Street Art Cities. Ubicado en San Roque de Cumbaza, la pieza presenta la figura de una mujer pintada en tonos amarillos y naranjas recostada sobre un gran hongo de color azul violáceo en medio de un bosque repleto de árboles. En sus brazos, lleva una pequeña ave también coloreada de amarillo y rodeada de pequeños hongos azules y morados.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/La_obra_Acoger_de_Macedo_en_San_Roque_de_Cumbaza_0b5d7f3904.jpg">La obra "Acoger" de Macedo en San Roque de Cumbaza (Street Art Cities).Más allá de presentar un sinfín de elementos que pelean por adueñarse del mejor fragmento de la intervención artística, el detalle protagonista de la obra es la corona o también llamado tocado de flores que la mujer porta sobre su cabeza. Si bien parece un simple detalle para aportar aún más naturaleza a la obra, el objeto está formado por distintas flores de plantas medicinales de la Amazonia tales como ajo sacha, llantén, malva, angel sisa, achiote y ayahuasca.&nbsp;Realizado en el marco de Ciudad Mural, festival de muralismo venezolano, la obra “El valor detrás de un producto” del artista Cris Herrera también se ganó un lugar dentro de la competencia organizada por la plataforma Street Art Cities para elegir el mejor mural del mes de junio. Ubicado en Clarines, la obra muestra la figura de tres toros trabajados en tonos rojizos, marrones y rosados sobre un fondo también en una tonalidad rosada, que acompaña la estética de la obra.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Venezuela_dice_presente_con_el_El_valor_detras_de_un_producto_del_artista_Cris_Herrera_5f693f22b3.jpg">Venezuela dice presente con el “El valor detrás de un producto” del artista Cris Herrera (Street Art Cities).<h2>Todo lo que tenés que saber sobre la votación</h2>Con la presencia de obras de países como Australia, Francia, Canadá, Bélgica y Portugal entre los nominados, la competencia organizada por Street Art Cities para determinar la mejor intervención artística del mes de junio finalizará el jueves 10 de julio. ¿Cómo puedo votar? La manera de elegir y nominar qué obra se quedará con el premio puede realizarse a través de la&nbsp;<a href="https://streetartcities.com/awards/2025-06">página oficial</a> de la plataforma.

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Obra del artista Plinio Cristovive ubicada en la ciudad de San Pablo, Brasil.jpg

Noticias

Los murales latinos que buscan ser los mejores de junio

Al igual que cualquier otra corriente artística, el graffiti también presenta una serie de consejos o tips para todas aquellas personas que desean dar sus primeros pasos dentro del estilo con raíces en Estados Unidos, y Street Art Latam te los cuenta.<h2>El kit básico para comenzar a grafitear</h2>Si bien la técnica y el estilo son aspectos de importancia, uno de los puntos más significativos a la hora de iniciarse en el mundo del graffiti es la elección de los elementos de trabajo. La técnica cuenta con tres objetos principales: pintura en spray, plantillas y herramientas para pintar. ¿Un consejo? Asegurarse de que cada uno de estos elementos sean de la mejor calidad posible, ya que no solo rendirán más, sino que también mejorarán el trabajo en todos los aspectos. Con el objetivo de evitar respirar los vapores tóxicos de la pintura en spray, las mascarillas también forman parte del kit básico para comenzar a pintar las paredes de tu ciudad. <img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Latas_de_pintura_uno_de_los_elementos_claves_del_graffiti_7b39847602.jpg">Latas de pintura, uno de los elementos claves del graffiti (Flame).<h2>¿Cómo saber qué pared pintar?</h2>Históricamente, el graffiti se encuentra asociado con actividades y pinceladas sobre todo ilegales. Lo ideal y lo aconsejado por los profesionales es mantenerse alejado de ese tipo de actividad, y dar tus primeros pasos en la corriente en lugar públicos que estén permitidos tales como muros de graffiti o proyectos artísticos comunitarios. Al mismo tiempo, también se puede colorear alguna pared o sitio de aspecto privado, siempre y cuando se consulte el permiso con el dueño de la propiedad antes de realizar cualquier tipo de movimiento u obra de arte. Otro tip a la hora de elegir el sitio para pintar es evitar cualquier zona de peligro y llevar seguridad de todo tipo para esquivar algún daño que pueda producirse tanto desde el lado artístico como externo a las pinturas y los sprays.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Graffiti_icono_del_arte_urbano_5975397399.jpg"></figure>Graffiti, ícono del arte urbano (Adorama).<h2>Obras pequeñas mejor que piezas monumentales</h2>Ya habiendo conocido los elementos principales y básicos para llevar a cabo los primeros graffitis y qué sitios utilizar como lienzos, tus graffitis pueden comenzar a colorear los muros. Otro aspecto importante al momento de trasladar los diseños de la mente a los muros es arrancar poco a poco con obras minimalistas, tags, letras, líneas y estilos poco complejos de realizar. El momento de ser un grafitero de élite internacional ya llegará. Muchas veces la práctica de los diseños en hojas de papel u otros materiales también ayudan a la hora de llevar la práctica a la acción de los sprays. Una vez hayas logrado dominar la parte más sencilla, podrás traspasar las fronteras y llenar los muros de tu ciudad con obras que sorprenderán al público.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Letras_lineas_y_disenos_simples_las_obras_ideales_para_iniciarse_en_el_graffiti_1a2162ff19.jpg"></figure><h2>Letras, líneas y diseños simples: las obras ideales para iniciarse en el graffiti (Quo). Todo lo que necesitás saber para arrancar en el graffiti</h2>Ya con el conocimiento de los materiales básicos e imprescindibles, los consejos a la hora de elegir el muro o el objetivo de la obra y el tamaño y tipo de diseño que buscamos realizar, te traemos el listado definitivo para desempeñarte en el graffiti.<ul><li>Sprays</li><li>Mascarilla</li><li>Plantillas</li><li>Herramientas para pintar</li><li>Diseños sencillos como letras, tags y líneas</li><li>Lugares públicos y permitidos</li></ul>Una vez hayas conseguido y ubicado cada uno de estos elementos, podrás comenzar a dar tus primeros pasos en el apasionado y reconocido mundo del graffiti.

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Guía básica para debutar en el arte del graffiti

La Ciudad de México se ha instalado como uno de los epicentros del arte urbano a lo largo de México, y acaba de marcar un nuevo hito en la escena local al convertirse en la primera ciudad en contar con un mural realizado con la asistencia de la Inteligencia Artificial de Meta.<h2>Arte urbano e Inteligencia Artificial en la Ciudad de México</h2>No hay dudas de que la Inteligencia Artificial se ha consolidado como uno de los últimos grandes avances tecnológicos de la sociedad. Y ahora, su impacto también se hizo visible en el arte urbano con la presentación de “Portal Artesanal”, el primer mural en la Ciudad de México elaborado con el apoyo de la Inteligencia Artificial de Meta.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_artista_Saner_en_accion_7d1438706a.jpg"></figure>El artista Saner en acción (Meta).Creada por el artista Edgar “Saner” Flores y ubicada en uno de los muros del emblemático mercado artesanal de Coyoacán, la intervención artística representa las figuras de alebrijes, corazones de vidrio, animales como el teporingo, la rana del pedregal, el colibrí y otros elementos y guiños a las tradiciones prehispánicas y a la cultura mexicana. Así mismo, la obra, que recibió la cooperación de Meta AI como herramienta de inspiración y exploración creativa, también presenta una paleta de colores distinta en cada uno de los diseños que protagonizan el mural que le brindan un toque único y característico a la pieza.“Una de mis intenciones de por qué pintar en este estilo es porque mi misión es volver a enamorarme de mi mexicanidad: de dónde vengo, cuál es mi identidad y por qué estoy orgulloso de ser mexicano”, declaró el artista mexicano en el acto inaugural del mural en el Bazar Artesanal Mexicano, que también contó con la presencia de Glenda Michel, gerente de Políticas Públicas, Innovación y Tecnologías Transformadoras México, Centroamérica y el Caribe de Meta, quien destacó la idea de buscar agilizar, potenciar y complementar el trabajo de artistas, emprendedores y comunidades a través de la Inteligencia Artificial.<h2>Saner, el artista detrás del hito artístico</h2>Nacido en el Estado de México, Edgar “Saner” Flores logró establecerse como uno de los artistas visuales con mayor reputación dentro de la escena del arte urbano mexicano. Con un interés marcado en el dibujo y el muralismo mexicano desde temprano, el también diseñador gráfico plasmó los muros del territorio mexicano con obras protagonizadas por seres con reminiscencias prehispánicas e intervenciones influenciadas por el folklor mexicano, estilos que se convirtieron en su toque distintivo. Más allá de contar con el título de ser el autor del primer mural en la Ciudad de México realizado con el apoyo de la Inteligencia Artificial de Meta, Saner se ha convertido en uno de los grandes referentes del muralismo y el arte local.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Edgar_Saner_Flores_posando_junto_a_Portal_Artesanal_el_mural_realizado_con_ayuda_de_la_IA_e35fc22c4c.jpg">Edgar "Saner" Flores posando junto a "Portal Artesanal", el mural realizado con ayuda de la IA de Meta (Meta).

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El primer mural en CDMX que nació con ayuda de la IA de Meta

El continente latinoamericano sigue dejando su impronta más allá de sus fronteras, y la ciudad de Nueva York agregó una nueva intervención artística con sello latino a su currículum: “Foundations” de la emblemática grafitera ecuatoriana Lady Pink.<h2>Lady Pink deslumbra con su arte urbano en Nueva York</h2>Más allá de los ya icónicos Times Square y Central Park, la ciudad de Nueva York sumó una nuevo atractivo turístico y artístico a su extenso listado. Ubicado en el exterior del edificio PS1 del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), el mural “Foundations” de la artista de origen ecuatoriano Lady Pink se consolidó como una de las últimas obras de arte urbano desplegadas en la metrópoli estadounidense. La intervención artística representa el legendario "5Pointz", un emblemático complejo de edificios situado en el barrio de Queens famoso por su arte urbano y grafitis y demolido en el año 2013.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Lady_Pink_durante_la_creacion_del_mural_Foundations_en_Nueva_York_9de98f5516.jpg"></figure>Lady Pink durante la creación del mural "Foundations" en Nueva York (Instagram/Lady Pink).Lleno de color y dinamismo, el mural cuenta con un enorme pie de piedra como figura protagonista repleto de la firma de distintos artistas como Zephy, Meresone, Revolt, Dalek y Toofly, entre otros. Alrededor de la extremidad, también aparece un tren subterráneo de color rosado cubierto de graffitis y, de fondo, un paisaje urbano con edificios clásicos sobre un cielo de tonalidades violetas, rosadas y azules.“Me siento honrada de haber sido elegida para pintar el mural de este año justo fuera de su entrada principal. Está basado en un cuadro que hice hace años y que está en una colección privada”, escribió la artista ecuatoriana en su perfil de Instagram.<h2>¿Quién es Lady Pink, la legendaria grafitera ecuatoriana?</h2>Si de grafiteros latinoamericanos históricos hablamos, Lady Pink es uno de los principales nombres que figuran en el listado. Nacida en Ecuador y criada en la ciudad estadounidense de Nueva York, Sandra Fabara, nombre de pila de la artista, dio sus primeras pinceladas en el arte urbano a finales de los años 70 con graffitis en distintos puntos de la metrópoli. Durante sus inicios, la ecuatoriana se hizo popular en la corriente local al ser la única mujer capaz de competir con los chicos en la subcultura del graffiti. Uno de los puntos de mayor reconocimiento de su carrera llegó tras protagonizar la película "Wild Style", uno de los films más importantes en la escena del hip-hop y del arte urbano. Y desde ese momento, su legado en la escena local no paró de crecer: presentó sus primeras exposiciones, continuó extendiendo su currículum artístico y se consolidó como una figura.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Lady_Pink_la_ecuatoriana_que_conquisto_el_graffiti_mundial_946ba874bd.jpg">Lady Pink, la artista ecuatoriana que conquistó el graffiti mundial (Instagram/Lady Pink).Ya con más de cuarenta años de trayectoria, el nombre de la artista ecuatoriana se ha establecido como uno de los más icónicos dentro del graffiti. Lady Pink no solo dejó su huella en importantes colecciones de arte como las del Museo Whitney, el MET de Nueva York, el Museo de Brooklyn y el Museo de Bellas Artes de Boston, sino que también logró colaborar con sellos de primer nivel como Louis Vuitton, Supreme y Lancôme.&nbsp;En pocas palabras, Lady Pink es mucho más que una pionera del graffiti: es un símbolo de resistencia, talento y representación en un mundo históricamente dominado por hombres. De origen ecuatoriano, Sandra llevó la identidad y la cultura latina a los muros de una de las ciudades más emblemáticas del arte callejero y se grabó en las páginas doradas del arte urbano latinoamericano y estadounidense.

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“Foundations”, el mural de Lady Pink que revoluciona Nueva York

El&nbsp;Arte Laguna Prize es un prestigioso concurso que otorga una oportunidad única para que diferentes artistas del mundo puedan visibilizar sus obras y conectar con el circuito artístico internacional. La participación y éxito de exponentes latinos, sumado a la inclusión de un curador guatemalteco en el jurado de su 20° edición, son la prueba de la influencia de esta plataforma artística en el escenario global.&nbsp;<h2>La vigésima edición y una convocatoria abierta al mundo</h2>Arte Laguna Prize abrió su convocatoria con amplia información disponible en su web oficial (<a href="https://artelagunaprize.com/">https://artelagunaprize.com/</a>). Contará con 10 categorías:&nbsp;pintura,&nbsp;escultura e instalación,&nbsp;arte fotográfico,&nbsp;videoarte y cortometrajes,&nbsp;performance,&nbsp;arte digital,&nbsp;gráfica digital y dibujo animado,&nbsp;arte ambiental/land art,&nbsp;arte urbano/street art y&nbsp;diseño artístico. Esta diversidad garantiza que artistas de diferentes ámbitos puedan encontrar un espacio para presentar sus obras.El plazo de inscripción vence el&nbsp;31 de julio de 2025 y se realiza de forma sencilla y directa a través de la web.&nbsp;Utilizando el código exclusivo de&nbsp;Street Art Latam “Latam2025” vas a tener un descuento en tu postulación. Cabe destacar que el concurso está abierto a todos los artistas, sin límites de edad o nacionalidad, siguiendo las bases oficiales del certamen.<h2>Grandes premios</h2>Los&nbsp;premios son una gran oportunidad para el desarrollo de la carrera de los artistas. El ganador recibirá 10.000 € y tendrá la oportunidad de exponer su obra en la muestra internacional del&nbsp;Arsenale Nord de Venecia, un lugar de gran prestigio en el circuito artístico mundial. Como si esto fuera poco, incluye valiosas colaboraciones con galerías, residencias y plataformas de arte en diversas partes del mundo.<h2>La mirada latinoamericana en el jurado&nbsp;</h2>Este año, el&nbsp;Arte Laguna Prize contará con el guatemalteco&nbsp;Emiliano Valdés en su jurado internacional. Valdés se desempeñó como curador jefe del Museo de Arte Moderno de Medellín desde 2014 hasta 2024. Posee una vasta trayectoria en el ámbito curatorial regional e internacional. Fue codirector de Proyectos Ultravioletas en Guatemala y curador asociado de la 10.ª Bienal de Gwangju en Corea en 2014. Además, formó parte del equipo curatorial de la Documenta 13 en Kassel en 2012.En la convocatoria del premio, se le menciona como “curador independiente y art advisor”, una descripción que encapsula su amplio conocimiento y visión. El rol que cumplirá en el jurado será fundamental para complementar el panel de expertos europeos y enriquecer la perspectiva de evaluación.<h2>Ediciones anteriores</h2>En las últimas ediciones, varios artistas latinoamericanos destacaron por la originalidad y profundidad de sus propuestas. Las obras, enraizadas en la cultura y las problemáticas de la región, lograron impactar con el jurado y el público.Desde México,&nbsp;Leyla Brashka cautivó al jurado en la edición 18/19, en la categoría&nbsp;Urban Art, con su impactante escultura “Quetzalcóatl Reborn”. Esta colosal obra móvil, inspirada en la mítica serpiente emplumada mesoamericana, representa símbolos ancestrales y estéticas contemporáneas. Para dar vida a esta pieza, presentada previamente en el festival Burning Man 2023, colaboró con la escultora Lisa Regan.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Brashka_Leyla_Quetzalcoatl_1_1_e59db5c984.jpg"></figure>El proyecto buscó difundir rituales y ceremonias prehispánicas, y conectar el arte con la herencia cultural de México [Imagen], por Arte Laguna Prize.Raúl Villaseñor, pintor mexicano, fue finalista en la 19.ª edición (2024) en&nbsp;Escultura/Instalación con “Matriz Políptica Oaxaqueña”. Esta serie de cinco pinturas se inspiró profundamente en la&nbsp;identidad visual de Oaxaca.&nbsp;Otro talento mexicano,&nbsp;Carlos Barrera Reyes, obtuvo su reconocimiento como finalista en&nbsp;Escultura/Instalación en la 19.ª edición (2024) con “Dyeing to Connect”. Esta&nbsp;instalación ambiental colaborativa es un homenaje al telar tradicional mexicano. Tejió 25 tapices con la invaluable colaboración de artesanos indígenas de Chiapas y Oaxaca. Para ello, empleó tintes naturales como la cochinilla, el añil y el palo de Brasil. Cada panel de esta instalación cuenta fibras locales como algodón, ixtle y seda, e incluso conjuros rituales.&nbsp;Heriberto Gomes, artista venezolano-costarricense, fue finalista en la 17.ª edición (2023) en la categoría&nbsp;Arte Urbano. La serie “La inmortalidad del momento”, compuesta por imágenes colocadas en calles que capturaron las huellas de los transeúntes, invita a una reflexión sobre la impronta que dejamos en el entorno urbano al transitarlo. Fue el único venezolano seleccionado en esa edición entre aproximadamente 20.000 propuestas.&nbsp;Cuba también dejó su impronta con&nbsp;Eli_noy, finalista en la categoría&nbsp;Land Art con su obra “Homeless”, en la 19.ª edición (2024). Esta pieza abordó problemáticas sociales y utilizó materiales reciclados del entorno cotidiano.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/cWK-qZ6vPdw" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>Arte Laguna Prize – Il sogno di un'opera | Official Video 2025 [Imagen], por YouTube/ @Arte Laguna Prize.El&nbsp;Arte Laguna Prize es un aliado clave para los creadores latinoamericanos. El premio representa oportunidades de visibilidad internacional en Venecia, acceso a residencias artísticas y vínculos con galerías globales.&nbsp;De esta manera, cada obra seleccionada y cada artista reconocido contribuyen a forjar un legado de innovación y belleza que perdurará, trascenderá el tiempo e invitará a los espectadores a sumergirse en la inmensidad del espíritu creativo.

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El Arte Laguna Prize, un eco majestuoso de la creación

El icónico muralista Martín Ron volvió a sorprender a la escena del arte urbano argentino con una obra en homenaje a uno de los próceres más importantes de la historia argentina: Manuel Belgrano.<h2>Belgrano vive en los muros de Rosario</h2>Ubicado sobre el contrafrente del Palacio Municipal de Rosario, ciudad donde Manuel Belgrano enarboló por primera vez la bandera argentina, el muralista argentino Martín Ron creó una de las obras más imponentes y significativas en tributo al prócer argentino. Financiada por las empresas Tersuave, Mamina y Lotería de Santa Fe, firmas locales, y realizada en el marco de las celebraciones del Mes de la Bandera y el legado del Tricentenario, la intervención artística está basada en un retrato oficial de Belgrano, atribuido al artista francés François Carbonnier, conservado en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de Buenos Aires y considerado como uno de los más fidedignos de todos. “Es un Belgrano nuevo, un retrato más estilizado y más hiperrealista para que se vea más fresco, más natural”, explicó el muralista, quien también reconoció la importancia de sacar de los museos y del Billiken, revista popular argentina, a los próceres, y ponerlos en la calle y que las nuevas generaciones se hagan preguntas.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Martin_Ron_el_muralista_argentino_que_pinto_a_Manuel_Belgrano_en_Rosario_59d4ff32f3.jpg"> Martín Ron, el muralista argentino que pintó a Manuel Belgrano en Rosario (Municipalidad de Rosario).Más allá de la presencia de Martín Ron, autor de la obra, y Pablo Javkin, intendente de la ciudad de Rosario, el acto de inauguración del mural en homenaje a Manuel Belgrano también contó con la asistencia de los representantes de las firmas que financiaron el proyecto así como también concurrencia de distintos funcionarios de la ciudad como Maria Eugenia Schmuck, presidenta del Concejo Municipal, Circo Ceisas, senador, y Rogelio Biazzi, coordinador de Gabinete, entre tantos otros.<h2>Martín Ron, la estrella artística detrás del mural</h2>Con más de 25 años de trayectoria en la escena del arte urbano y más de 300 murales alrededor del mundo, Martín Ron ha logrado establecerse como un pilar fundamental del muralismo en Argentina y en Latinoamérica. El artista nacido en Caseros no solo dejó su huella en los muros de distintas provincias argentinas como Buenos Aires, Córdoba, La Pampa, Santa Fe y San Juan, sino que también cruzó las fronteras y marcó los muros en países como Corea del Sur, Qatar, Rusia y Australia, entre otros destinos.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Crepusculo_una_de_las_obras_mas_populares_de_Ron_ubicada_en_San_Nicolas_de_los_Arroyos_24a6e2b6c9.jpg">“Crepúsculo”, una de las obras más populares de Ron ubicada en San Nicolás de los Arroyos (Martín Ron).<h2>¿Quién es Manuel Belgrano, el prócer retratado en Rosario?</h2>Nacido en Buenos Aires, Manuel José Joaquín del Corazón de Jesús Belgrano se ha convertido en uno de los principales próceres de la historia argentina. Más allá de haber sido el creador de la bandera argentina, uno de los hitos más importantes y destacados de su currículum, Belgrano también fue un miembro activo de la Primera Junta, el primer gobierno patrio de las Provincias Unidas del Río de la Plata, lideró campañas militares victoriosas, promovió la educación pública, mostró preocupación por los derechos de los pueblos originarios y guio el Éxodo Jujeño, la retirada estratégica del pueblo de Jujuy ante el avance realista. Una eminencia argentina con todas las letras.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Manuel_Belgrano_pintado_al_oleo_sobre_tela_por_Francois_Casimir_Carbonnier_92844ebb49.jpg">Manuel Belgrano pintado al óleo sobre tela por François Casimir Carbonnier (Wikipedia).

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El homenaje de Martín Ron a Belgrano que transforma las calles de Rosario

El mural&nbsp;"La Magia de lo Invisible", una creación del talentoso artista puntano&nbsp;Gonzalo Tellería, elegida como el&nbsp;segundo mejor mural del mundo en el mes de mayo. Esta obra maestra con una rica cosmovisión indígena, simbolismo y una explosión de color, llamó la atención de jurados y espectadores en la prestigiosa plataforma internacional&nbsp;Street Art Cities.&nbsp;<h2>La esencia detrás de "La Magia de lo Invisible"</h2>La ubicación exacta es en las esquinas de&nbsp;Milone y Perinetti, en el barrio Sol Naciente de Villa Mercedes. Esta pieza es como una ventana a lo inmaterial, a ese universo etéreo que escapa a la percepción común.&nbsp;La obra presenta una composición cautivadora; un&nbsp;puma y un colibrí, animales con profundo significado espiritual en diversas culturas ancestrales, se entrelazan en un tapiz visual de&nbsp;ojos y colores intensos, donde predominan los&nbsp;verdes, violetas y marrones.&nbsp;La elección del puma, símbolo de fuerza y liderazgo, y el colibrí, que representa la alegría y la resurrección, no es fortuita, ambos animales actúan como guías en este viaje hacia lo inmaterial. Los&nbsp;ojos dispersos en la composición actúan como portales, miradas que observan y son observadas.El propio artista describe su creación como una representación de “lo intangible, lo espiritual, las visiones que transmiten las plantas medicinales y la presencia de animales de poder”. Una declaración que revela la profundidad filosófica de la obra, una invitación a explorar dimensiones más allá de lo físico, a conectar con lo sagrado y lo ancestral.<h2>Competencia y voto popular</h2>Cada mes, la plataforma organiza un certamen que elige los murales más destacados alrededor del mundo. De esta selección mensual, los tres murales más votados avanzan a la&nbsp;competencia anual, que se celebra en diciembre, donde se elige al mejor mural del año a nivel global.&nbsp;El sistema de votación, accesible para todo aquel que quiera participar (<a href="https://streetartcities.com/awards/2025-05">https://streetartcities.com/awards/2025-05</a>), implica seleccionar la obra deseada, hacer clic en el botón de votación y confirmar la elección a través de un correo electrónico de validación, garantizando la transparencia del proceso.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Reconocimiento_municipal_al_artista_Gonzalo_Telleria_por_su_destacada_participacion_en_concurso_mun_1ff6f2970c.png"></figure>Entre casi un centenar de obras espectaculares, "La Magia de lo Invisible" logró ser una de las dos mejores del mundo [Imagen], por Instagram/ @cm.noticias.La movilización de la comunidad fue crucial para el éxito. El llamado a votar se difundió rápidamente, y miles de personas respondieron con entusiasmo. Este apoyo masivo subrayó el orgullo por la obra y el reconocimiento colectivo del potencial del arte como motor de desarrollo cultural y turístico para la provincia.&nbsp;<h2>Influencias de un artista global</h2>Gonzalo Tellería, de 32 años, no es un artista convencional y su trayectoria es un reflejo de una búsqueda constante de conocimiento y expresión. Con el perfil&nbsp;@mundo.reves en redes sociales, comparte sus obras, que se extienden por diversas provincias argentinas y por Brasil, donde residió durante cuatro años.&nbsp;La experiencia en el país vecino, particularmente su inmersión en una&nbsp;aldea indígena, marcó un antes y un después en su proceso creativo. Estas vivencias enriquecieron su paleta de colores e infundieron en su arte una profundidad espiritual y un respeto por la naturaleza que lo distinguen.&nbsp;La habilidad para plasmar ideas en una narrativa visual atractiva es una de sus mayores fortalezas. Con un estilo distintivo, caracterizado por usar elementos figurativos y abstractos, crea una experiencia inmersiva para el espectador. Además, la rapidez con la que completó la obra, en apenas&nbsp;cuatro días, es la prueba más fehaciente de su dominio técnico y la claridad de su visión.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Villa_Mercedes_en_el_podio_del_arte_urbano_mundial_Hoy_cierran_las_votaciones_y_tu_voto_pue_1_2a097532a1.png"></figure>La conexión con las plantas medicinales y su preponderancia en las ceremonias ancestrales se manifiestan en la energía que emana de "La Magia de lo Invisible" [Imagen], por Instagram/ @villamercedesinfo.La visibilidad que brinda Street Art Cities es invaluable, no solo para el artista, sino para la ciudad que alberga la obra, atrayendo a amantes del arte y turistas de todas partes del mundo, quienes ahora tienen una razón más para visitar Villa Mercedes y explorar su riqueza cultural.

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Un mural argentino en el top mundial de mayo

La colombiana Fariana se ha consolidado como una de las exponentes femeninas más importantes de la industria musical latinoamericana, y el arte urbano ha homenajeado su figura con un mural en plena Calle 8 de Miami, un lugar icónico para la comunidad latina en Estados Unidos.<h2>Fariana inmortalizada en los muros de Miami</h2>Ubicado en la Calle 8 de Miami, vía más famosa y emblemática de la Pequeña Habana y un sitio significativo para la colectividad latinoamericana en Estados Unidos, la figura de la colombiana Fariana se adueñó de uno de los muros de la zona.&nbsp;El mural representa el rostro de la artista y cuenta con una variedad de detalles que transforman a la pieza en una auténtica obra de arte: el característico cabello morado de la colombiana, las gafas de sol con el reflejo de la ciudad en ellas y los pendientes y las cadenas doradas.&nbsp;La obra fue creada por el artista Paulon, también conocido como Fumo Miles, un muralista reconocido con huella en distintos rincones de Estados Unidos, España y Alemania, entre otros sitios del mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_detalle_del_homenaje_artistico_a_la_colombiana_en_Miami_1ed5965fa3.png"></figure>El detalle del homenaje artístico a la colombiana en Miami (Fumo Miles).“Gracias por esto familia. No saben lo mucho que me llena el corazón. Cuando pases por esta calle icónica de Miami recuerda que aquí estuvo la Nena Fina”, escribió la artista colombiana en un post en su perfil de Instagram a modo de agradecimiento por el homenaje artístico en la calle de la ciudad estadounidense.La ubicación del mural no es una simple casualidad. Además de ser un sitio reconocido por la comunidad hispanohablante, la Calle 8 de Miami también es una zona emblemática en el repertorio musical de Fariana. La colombiana grabó allí los videoclips de “El Caballito” y “Dora”, dos de sus canciones más exitosas.<h2>Paulon, el artista detrás del homenaje a la colombiana</h2>Con más de diez años de trayectoria en la corriente del arte urbano, el artista madrileño Paulon se ha convertido en un emblema del muralismo a nivel internacional. Influenciado por el arte del tatuaje y con el realismo como estilo principal en sus diseños, el artista ha dejado su huella en distintos puntos del mundo: Madrid, Miami, Arizona, Sevilla, Ámsterdam, Barcelona, Berlín y Bangkok son tan solo algunos de los destinos con la impronta de Paulon en sus muros.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Mural_de_Paulon_en_Berlin_aeb7a643df.jpg"> Mural de Paulon en Berlín (Fumo Miles).<h2>¿Quién es Fariana, la artista colombiana que es furor?</h2>Farina Pao Páucar Franco, conocida artísticamente como Fariana, se ha establecido como uno de los pilares femeninos del género urbano en Colombia. Con éxitos como “El caballito”, “Dora” y “A fuego” y colaboraciones con emblemas de la industria latina como Ñengo Flow, Maluma, El Alfa, Arcángel, Ryan Castro y J Álvarez, la medellinense consolidó su figura en la escena local y se instaló como una de las estrellas más brillantes de la música latina.&nbsp;La Nena Fina, uno de los seudónimos de la artista, también ha demostrado ser una música polifuncional y completa con canciones de dancehall, reggae, reggaetón, trap, rap y pop, entre otros géneros. En pocas palabras, Fariana logró establecerse como un estandarte femenino dentro del género urbano colombiano y la industria musical latina.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Fariana_el_emblema_femenino_del_genero_urbano_en_Colombia_fbad0bfb85.jpg">Fariana, el emblema femenino del género urbano en Colombia (Instagram/Fariana).

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Fariana se vuelve arte urbano en Miami

Si escuchamos la palabra arte, una de los primeros conceptos que se nos viene a la mente es la pintura. Sin embargo, y por más loco que suene, el arte urbano cuenta con un estilo que no requiere pinturas, latas o aerosoles ni elementos como pinceles o brochas para embellecer los muros y los rincones de las ciudades: el Tape Art.<h2>Tape Art, el arte que pinta con cintas</h2>Con cintas adhesivas como material emblemático y protagonista de las obras, el Tape Art consiste en crear y diseñar diferentes dibujos de todo tipo, forma, color y estilo para cubrir fachadas de edificios, muros, paradas de metro o autobús y otros rincones de la ciudad. Las cintas más utilizadas y comunes de ver en las obras son cinta de embalar, cinta de papel, cinta aisladora, popular por su flexibilidad, y cintas reflectivas o fluorescentes, usadas para efectos visuales especiales.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Mr_Galle_integrante_del_colectivo_aleman_Tape_Over_en_accion_9bfa3ce2ff.jpg"></figure>Mr Galle, integrante del colectivo alemán Tape Over, en acción (Tape Over).Los orígenes de este estilo se remontan a finales de la década de los 80 en Estados Unidos, donde un grupo de personas utilizó el suelo como lienzo para crear sobre él una serie de dibujos durante una actividad artística. Años más tarde, el Tape Art ganó popularidad y reconocimiento más allá del territorio estadounidense, tierra natal del estilo, e irrumpió con fuerza en distintos países de Europa, continente donde se desarrolló aún más y se consolidó dentro del listado de estilos artísticos.<h2>Un sin fin de beneficios y puntos altos</h2>El estilo originado en Estados Unidos presenta un sin fin de características y ventajas que lo convierten en una corriente artística única e irrepetible dentro del arte urbano. La cinta adhesiva no solo puede manipularse fácilmente para lograr los resultados deseados, sino que también se puede aplicar sobre diversas superficies como piedra, asfalto, madera, aluminio o vidrio, lo que permite llevar los diseños y los dibujos a cualquier lugar.&nbsp;Al mismo tiempo, es un tipo de arte rápido, efímero y que no requiere de un gran arsenal de elementos para poder crear las obras. Otra de las grandes ventajas y características del Tape Art es la posibilidad de llenar espacios como ventanas o techos y realizar diseños de tipo 3D que otros estilos como el muralismo, el graffiti o el stencil no presentan.&nbsp;Si bien el diseño puede mantenerse en las superficies por un largo rato, la corriente también permite retirar las piezas creadas de manera rápida, sencilla y sin dejar ningún tipo de marcas o daños sobre la superficie utilizada de lienzo, lo que ayuda a cuidar el espacio.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/La_Mia_referente_del_Tape_Art_a724c5810a.jpg">LaMia, referente del Tape Art (Tape Over).

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Tape Art, el arte callejero que transforma paredes con cinta adhesiva

Desde su iniciático encuentro con el&nbsp;arte a través de la&nbsp;transgresión juvenil hasta la exploración de las complejas capas de significado en el espacio público,&nbsp;Said Dokins,&nbsp;artista visual mexicano&nbsp;especializado en&nbsp;caligrafía urbana, comparte en esta entrevista su singular trayectoria y profunda visión sobre el rol del arte en Latinoamérica y el mundo. Un relato que nos adentra en un universo donde la escritura expandida se convierte en un acto político, la ciudad en un lienzo cargado de tensiones y la memoria colectiva en una fuente inagotable de inspiración.<h2>La técnica&nbsp;</h2>Said Dokins&nbsp;no se adscribe a una técnica específica. "Si bien la gente en el mundo del Street art me conoce más por mis intervenciones de escritura monumental, en realidad lo que&nbsp;me atrae es el diálogo entre los distintos niveles de inscripción". Está interesado en la interconexión entre la caligrafía, las imágenes de archivo, el video, el audio y los objetos encontrados. La&nbsp; curiosidad por ello lo llevó a explorar&nbsp;territorios inexplorados.&nbsp;"Actualmente me he interesado por el uso de herramientas de biodatos&nbsp;como el cultivo bacteriano, la secuenciación de ADN y la neuroimagen, me dan curiosidad los efectos del significado dentro del&nbsp;giro bioinformático, me hacen pensar en las interconexiones entre la vida, el texto y nuestra interpretación de la existencia".<h2>Una propuesta vital</h2>Para él,&nbsp;ser artista en Latinoamérica hoy conlleva una profunda "doble conciencia". "Por un lado la&nbsp;potencia simbólica de nuestras raíces, y por otro, las violencias estructurales que enfrentamos". En este contexto, el arte se convierte en un acto de resistencia. "Ser artista aquí es resistir a través de lo que sea, tal vez desde la poética o insistir en la memoria, no se, creo que es siempre proponer formas de vida frente a las necropolíticas dominantes".En su obra no busca transmitir mensajes cerrados. “Me interesa más&nbsp;provocar preguntas, abrir grietas". Las ideas para sus obras nacen de diversas fuentes. "Puede surgir de una herida, de una lectura, del tránsito por la ciudad, de la presión o el estrés, de un muro que me interpela, de una conversación".<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Refraktur_Said_Dokins_public_art_installation_scultpture_001_1_1549e58652.jpg"></figure>Para Querétaro Experimental, el artista construyó un prisma cuadrangular de más de cinco metros de altura, basado en una serie de experimentos de física con materiales transparentes y reflectantes [Imagen], por Said Dokins.<h2>Un comienzo inesperado</h2>"Lo primero que recuerdo cuando alguien me dice la palabra arte, es a&nbsp;un grupo de adolescentes, incendiando una caseta telefónica en la calle", rememora. Aquella imagen impactante&nbsp;marcó su joven psique y sembró una semilla en su relación con el entorno urbano. Años después, las privatizaciones y la obsolescencia de las cabinas telefónicas se convirtieron en el&nbsp;catalizador de sus primeras intervenciones artísticas. "Un poco siguiendo las líneas de la imagen de los chicos incendiando una caseta telefónica,&nbsp;comencé a destruir los teléfonos y a rayarlos".Este acto vandálico inicial lo condujo a la escena del graffiti en la&nbsp;Ciudad de México&nbsp;durante los años noventa. Junto a su hermano y otros amigos, fundó el crew APC, cuyas siglas significaban, entre otras cosas,&nbsp;"Arte Popular Callejero". En aquel entonces, la improvisación y la rebeldía eran la norma.&nbsp;"Siempre improvisábamos algo: no teníamos válvulas así que las hacíamos con plastilina epóxica, no teníamos plumones entonces los hacíamos con desodorantes y esponjas de borrador, no teníamos aerosoles y los tomábamos de algún centro comercial, por lo regular sin pagar". Para ellos, estas acciones representaban pequeños actos de libertad&nbsp;y una forma de "devolverle a la ciudad lo que en cierto modo habían olvidado".<h2>Del graffiti latino a la bio-escritura</h2>Said Dokins tuvo&nbsp;influencias artísticas diversas y vastas. "Mis influencias cruzan distintos territorios: el graffiti latino, las escrituras medievales europeas, la caligrafía japonesa, y los sistemas simbólicos prefonéticos". La figura de Chaz Bojórquez, amigo y mentor, fue fundamental en su desarrollo.&nbsp;También lo inspiran los movimientos sociales, la filosofía, las prácticas situacionistas y la estética de lo áspero. En lo que respecta a su evolución artística fue un camino de constante exploración. "He transitado del graffiti a la instalación, de la caligrafía a la escritura lumínica y luego a la bio-escritura". Cada etapa representa un&nbsp;desafío a las convenciones&nbsp;y una búsqueda por interpretar el espacio público de manera personal.<h2>Desafíos creativos</h2>El principal desafío en su proceso creativo es&nbsp;mantenerse fiel a la intuición inicial. "Hay presiones institucionales, normativas, morales… pero intento en ese primer impulso que me lleva a hacer una obra". "También me desafía el diálogo con lo vivo, con lo que no controlo: el clima, el cuerpo, la comunidad. Creo que cada obra es más bien un campo de negociación".<h2>Inspiración urbana</h2>La inspiración trasciende los límites del mundo del arte. "Más bien creo que la ciudad me interpela, me pregunta, siempre con los límites, con las trabas, con el peligro, con la gente, con lo que no se ve. En realidad se trata de transitar, y en ese transitar encuentras las cicatrices del cuerpo social, en una biblioteca percibes los murmullos del archivo, en las bacterias que habitan nuestro cuerpo la sofisticación social, en las formas de resistencia popular la resiliencia, en la manera en que la luz cambia un muro a lo largo del día encuentras poesía".<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Olvido_01_1_1_22f99f0648.jpg"> Olvido, explorando la memoria como resistencia, 2022, Bogotá, Colombia [Imagen], por Said Dokins.<h2>Las redes sociales</h2>El impacto de las&nbsp;redes sociales en el arte es un hecho inapelable y Dokins tiene una&nbsp;visión crítica. "Fuera de los sistemas de control a los que pertenecen, usamos las redes sociales también como una herramienta, sin duda aceleran procesos de visibilidad, pero estas plataformas operan bajo&nbsp;lógicas mercantiles y geopolíticas muy rudas". Si bien reconoce su utilidad para la difusión, advierte sobre sus peligros. "Por lo mismo terminan estandarizando estéticas. El arte se convierte en un ‘contenido’ más y el artista en una ‘marca’".<h2>El rol del arte</h2>"Es paradójico que, siendo la cultura lo último en la escala de prioridades, aún se nos exija un rol transformador, casi mesiánico". Para él,&nbsp;el arte no tiene la obligación de resolver las crisis, pero sí la capacidad de generar nuevas preguntas, una mirada clara, con una crítica evidente por parte del artista.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Said_Dokins_mural_Italy_OK_1_7bbfb90e87.jpg"></figure>Intervención mural del llamado Incompiuto Siciliano, estilo que refleja la corrupción del Estado y la mafia siciliana [Imagen], por Vincenzo Cascone."A veces, entender cómo funcionan las cosas&nbsp;a diferentes niveles e incluso a nivel simbólico como se relacionan diferentes materialidades y sus significados".A través de su particular&nbsp;lenguaje caligráfico urbano, Said Dokins nos invita a descifrar las complejas escrituras de la ciudad y la memoria, recordándonos que el arte, en su esencia, es una poderosa herramienta para&nbsp;cuestionar, resistir y reimaginar las narrativas que configuran nuestra existencia. &nbsp;

Arte Urbano

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