Luego del boom de su último disco y el anunció de su gira internacional “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour”, el puertorriqueño Bad Bunny fue inmortalizado en los muros de Mérida, la capital de Yucatán, por el artista urbano Datoer.<h2>El homenaje artístico al puertorriqueño en Mérida</h2>Ubicado en la calle 74 y 75 del barrio San Sebastián en el Centro Histórico de Mérida y creado por el artista urbano Datoer, el rostro de Bad Bunny quedó plasmado en los muros de la ciudad mexicana. La obra representa el rostro de Benito Antonio Martínez Ocasio, nombre de pila del cantante, rodeado de un entorno floral repleto de colores como el rojo, el naranja y el verde, entre otros, con una camisa blanca y una pava, sombrero típico del jíbaro puertorriqueño elaborado con hojas de palma del “yarey”, en su cabeza. La pieza también cuenta con la inscripción “Siempre serás mi baile inolvidable”, frase que hace referencia a la letra de “BAILE INoLVIDABLE”, una de las canciones más emblemáticas del último material discográfico del artista boricua que ya cuenta con más de 200 millones de reproducciones. <img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Vista_panoramica_del_mural_creado_por_el_artista_Datoer_e06373d1a1.jpg">Vista panorámica del mural creado por el artista Datoer (Facebook/Datoer).<h2>Datoer, el artista detrás de la obra</h2>Arnold Cruz Cetina, conocido en la escena del arte bajo el seudónimo de Datoer, se ha convertido en uno de los artistas con mayor prestigio dentro de Mérida, capital del estado de Yucatán. Bajo la premisa de embellecer y dotar de colores los rincones de la ciudad y con un currículum repleto de piezas, el artista ha plasmado con sus obras los muros meridianos de distintas temáticas: flora y fauna, personajes de caricaturas como One Piece y Naruta o videojuegos como Talking Tom, animales como perros, flamencos, gatos y conejos y rostros humanos. Con años de trayectoria en el mundo del arte, Datoer ha logrado establecer su nombre y se ha consolidado como uno de los grandes muralistas a lo largo del territorio mexicano.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Mural_realizado_por_Datoer_en_Valladolid_Yucatan_8d4b4546a9.jpg"> Mural realizado por Datoer en Valladolid, Yucatán (Instagram/Datoer).<h2>“DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour”, la gira del boricua</h2>El puertorriqueño Bad Bunny anunció “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour”, la gira mundial de presentación de su último disco. El ícono del género urbano latinoamericano dará inicio al tour de recitales el viernes 21 de septiembre en el Estadio Olímpico de Santo Domingo, luego se presentará en destinos como Ciudad de México, Buenos Aires, Sídney, Tokio y Londres y bajará la persiana del recorrido internacional el miércoles 22 de julio en el King Baudouin Stadium de Bruselas. <img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_flyer_oficial_de_las_fechas_del_tour_mundial_de_Bad_Bunny_1_45f8c1feea.jpg"> El flyer oficial de las fechas del tour mundial de Bad Bunny (Instagram/Bad Bunny).

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Bad Bunny vive en los muros de Mérida

El Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires presentó “Mi Barrio, Mi Mural”, una iniciativa destinada a revitalizar el espacio público mediante intervenciones de arte urbano.<h2>La iniciativa que llenará de color la Ciudad Autónoma de Buenos Aires</h2>Impulsada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, la convocatoria “Mi Barrio, Mi Mural” forma parte de una iniciativa que convoca a artistas emergentes urbanos de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires con el objetivo de transformar espacios barriales a través de murales que fortalezcan la identidad y el sentido de pertenencia de la comuna. A través de un proceso de selección, la convocatoria elegirá seis propuestas para intervenir murales en diferentes ubicaciones de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, y los artistas seleccionados recibirán todos los materiales necesarios para realizar su obra.“La propuesta busca transformar espacios públicos poniéndolos en valor con intervenciones artísticas que refuercen el sentido de pertenencia de los vecinos con sus barrios. Trabajamos para lograr un entorno urbano más limpio y ordenado para todos, y en este caso el objetivo es recuperar muros que lindan con espacios verdes, plazoletas o paredones bajo nivel que han sido y son frecuentemente objeto de graffitis y pintadas”, señaló César Torres, secretario de Gobierno y Vínculo Ciudadano, sobre la iniciativa “Mi Barrio, Mi Mural” y su objetivo para con la ciudad.<h2>¿Qué lugares fueron elegidos para las obras?</h2>Una vez finalizado el proceso de selección, los seis artistas elegidos por la iniciativa “Mi Barrio, Mi Mural” tendrán la misión de transformar los siguientes espacios públicos de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Comuna 1 (Cochabamba 262), Comuna 3 (Plazoleta “Rosa Cirullo de Carnaghi”, Alberti 1350), Comuna 4 (Tilcara y Pío Mugica), Comuna 6 (Av. Patricias Argentinas 92), Comuna 12 (Av. Balbín y Av Parque Goyeneche) y Comuna 14 (Plazoleta Hospital Fernández, Cerviño 3356).<h2>La huella de la iniciativa artística en la ciudad</h2>Durante el segundo semestre del año pasado, algunos barrios de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires como Palermo, Lugano y Pompeya han atravesado el embellecimiento artístico con obras realizadas también por artistas urbanos emergentes que muestran la historia y la cultura de cada zona. El muralista Emiliano Piñeiro (Arteando) intervino la Comuna 4 con una obra en homenaje a la tradición tanguera de Pompeya, los artistas Somos Cuore, Ice y Oveja MPC dejaron su huella en Lugano con “Cielo urbano”, obra que transforma un paso bajo nivel con un cielo despejado en tonos azules en la Comuna 8, y el artista Pogo realizó una obra con escenas urbanas icónicas como el Planetario y el Hipódromo en la Comuna 14.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_iniciativa_busca_embellecer_los_rincones_de_la_Ciudad_con_intervenciones_artisticas_c4516a2487.jpg"> La iniciativa busca embellecer los rincones de la Ciudad con intervenciones artísticas (Gobierno de Buenos Aires).

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“Mi Barrio, Mi Mural”, la iniciativa que pinta la Ciudad Autónoma de Buenos Aires

El emblemático barrio porteño de&nbsp;La Boca, exhibe un&nbsp;museo a cielo abierto que atrae todos los días a miles de visitantes. Las paredes narran historias de las olas de&nbsp;inmigrantes genoveses que se asentaron en la zona a partir de la década de 1880 y evocan la pasión desbordante por el&nbsp;Club Atlético Boca Juniors, fundado en 1905 por jóvenes italianos.&nbsp;El&nbsp;arte urbano revitaliza sus calles empedradas, muchas de las cuales conservan el trazado irregular original. Los&nbsp;colores aplicados originalmente con pintura naval sobrante, dialogan con la arquitectura singular de conventillos construidos con chapa. Cada mural es un fragmento tangible del alma boquense.<h2>El color y la figura como protagonistas</h2>Los&nbsp;murales boquenses tienen una paleta cromática sinigual. El amarillo intenso, presente en muchas fachadas, contrasta con el azul profundo del cielo y el río. El rojo pasión, símbolo de la energía del barrio, se mezcla con el verde esperanza de un futuro mejor. Los artistas utilizan el color para transmitir emociones arraigadas en la historia del lugar.La&nbsp;figura humana es central en muchas representaciones, con especial énfasis en los&nbsp;rostros curtidos de los antiguos pobladores. Cada personaje cuenta una historia y mantiene viva la&nbsp;memoria&nbsp;del lugar.<h2>Caminito</h2>Caminito es una peatonal inaugurada oficialmente en 1959 y oficia como el corazón del arte boquense. Las casas multicolores, restauradas y mantenidas son un símbolo inconfundible. Artistas plásticos locales exhiben sus obras al aire libre a lo largo de la calle. Pintores, escultores y artesanos ofrecen su talento directamente al público. El tango resuena en cada esquina, interpretado por músicos callejeros y bailado por parejas que improvisan coreografías apasionadas. La calle allí es un escenario vivo y dinámico, y turistas de todo el mundo se mezclan en esta atmósfera festiva y colorida.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/colores_vibrantes_de_caminito_en_buenos_aires_1_1_4a479a44c8.jpg">Surgió de las vías abandonadas del ferrocarril, transformándose en un paseo peatonal en 1959 [Imagen], por Inmobiliariabarbier.<h2>¿Cómo llegar?</h2>Para arribar a La Boca hay varias opciones de&nbsp;transporte. En&nbsp;colectivo, numerosas líneas te acercan; consultá aplicaciones como&nbsp;Moovit o&nbsp;Google Maps para encontrar la mejor ruta desde tu ubicación. El&nbsp;taxi o&nbsp;remís son un viaje directo y cómodo. Muchos&nbsp;tours turísticos también incluyen La Boca en su recorrido. Una vez allí,&nbsp;Caminito y sus alrededores son el epicentro del arte callejero, fácilmente explorables a pie. Para planificar tu viaje, busca "cómo llegar a La Boca" o "transporte a La Boca".<h2>Visitas guiadas</h2>Para los turistas interesados en profundizar en la riqueza del arte urbano boquense, diversas&nbsp;visitas guiadas dan una perspectiva experta. Estos recorridos, conducidos por historiadores del arte o artistas locales, permiten descubrir los significados ocultos detrás de los murales, conocer las biografías de los artistas y comprender el contexto histórico y social de las obras. Además, incluyen paradas en los murales más emblemáticos, así como en talleres de artistas y espacios culturales del barrio.&nbsp;Existen diversas opciones de&nbsp;visitas guiadas, a través de&nbsp;tours gratuitos del gobierno de la ciudad (<a href="https://turismo.buenosaires.gob.ar/es/recorrido/la-boca-0">https://turismo.buenosaires.gob.ar/es/recorrido/la-boca-0</a>),&nbsp;excursiones pagas de agencias de turismo online como Viator y GetYourGuide, o&nbsp;free walking tours con guías locales.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Los_tours_guiados_de_la_boca_1_2_eb8cbe8443.jpg"></figure>Los guías comparten biografías de los artistas, revelan las técnicas utilizadas y explican cómo el legado inmigrante y la identidad barrial se plasman en las paredes del barrio [Imagen], por myguideargentina.<h2>Nombres propios que dejan su huella&nbsp;</h2>Muchos artistas dejaron su impronta en La Boca. Cada uno aporta con un estilo y visión particular, que logra enriquecer el panorama cultural boquense.&nbsp;Benito Quinquela Martín es un referente indiscutible, que con sus pinturas, caracterizadas por la representación vigorosa de la vida portuaria y el uso del color, forjó parte de la identidad del barrio. Sus murales, como los que adornan la&nbsp;Escuela Museo Benito Quinquela Martín, embellecen edificios emblemáticos y forman parte del patrimonio cultural.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_homenaje_urbano_a_Quinquela_martin_1_1_9c90216f95.jpg"> Un representativo homenaje a Benito Quinquela Martín [Imagen], por Letra P.Artistas contemporáneos como&nbsp;Alfredo Segatori, conocido por sus intervenciones de gran formato y su técnica de "aerografía espontánea", continúan su legado con una visión actual.&nbsp;Otros nombres importantes como&nbsp;Marino Santa María, con su estilo figurativo y sus escenas costumbristas, y&nbsp;Juan Carlos Castagnino, con su compromiso social y su representación de los trabajadores, también forman parte de esta rica historia artística.&nbsp;<h2>Diversas técnicas&nbsp;</h2>Los artistas urbanos de La Boca utilizan diversas técnicas para plasmar sus relatos visuales. El&nbsp;muralismo, con su capacidad para narrar historias complejas en grandes superficies, es una de las más extendidas. El&nbsp;stencil, que permite la reproducción rápida de imágenes y mensajes, aporta dinamismo y una estética urbana característica. El&nbsp;graffiti, con su espontaneidad y su conexión con la cultura callejera, añade una dimensión más rebelde y personal. Algunos combinan diferentes técnicas, materiales reciclados y texturas para crear obras originales y sorprendentes. Cada intervención busca generar un impacto visual y emocional en el espectador.<h2>Un lienzo histórico</h2>La Boca siempre se caracterizó por ser un crisol de culturas, recibiendo principalmente a inmigrantes provenientes de&nbsp;Génova, Italia. Llegaron en masa a fines del siglo XIX, buscando nuevas oportunidades. Construyeron sus precarias viviendas de chapa y pintaron las fachadas con diversos restos de pintura naval (lo que explica la multiplicidad de colores). Hoy, los&nbsp;artistas callejeros continúan esa tradición estética y reinterpretan el pasado con una mirada contemporánea. Las obras se integran al paisaje barrial y combinan tanto con los edificios históricos como con las costumbres locales. Todas estas son expresiones profundas de una identidad forjada en la inmigración y el trabajo portuario.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Los_murales_de_La_Boca_1_1_136743d0ae.jpg"> Felipe Berná ganó el concurso oficial que proponía plasmar la pasión futbolera. La propuesta fue votada por 45 mil personas [Imagen], por Clarín.El arte urbano de La Boca es un&nbsp;patrimonio cultural&nbsp;transformado con la aparición de nuevos murales. Otros se restauran gracias a iniciativas de los propios artistas para preservar la memoria visual del lugar. Las paredes respiran la historia del barrio, como un archivo visual en constante actualización.&nbsp;

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La republica de la boca, un atractivo artistico y turistico incomparable (2) (1).jpg

La Boca, un impactante museo a cielo abierto

Desde su temprana edad, Nandy Mondragón sintió una profunda conexión con la&nbsp;creación artística. Fue su madre, también artista, quien sembró en ella la semilla de la expresión manual y el&nbsp;dibujo. Este vínculo familiar significó el primer motor de una trayectoria que hoy la posiciona como una&nbsp;voz potente en el&nbsp;arte urbano contemporáneo.<h2>El realismo como lenguaje, la identidad como bandera</h2>El&nbsp;realismo constituye el núcleo del&nbsp;estilo artístico de Nandy Mondragón. El abordaje que elige trasciende la mera representación mimética, ya que explora el&nbsp;color y la&nbsp;forma con una mirada innovadora. Los&nbsp;efectos visuales, como el negativo, el glitch y el pixelado, irrumpen en sus obras, para generar nuevas capas de significado y&nbsp;deformar la imagen para interpelar al espectador.&nbsp;La palabra&nbsp;"Riqueza" adquiere una dimensión profunda en su vocabulario artístico. Para Nandy, este concepto se vincula directamente con el&nbsp;conocimiento de su identidad. Comprender la&nbsp;historia de su tierra, con sus múltiples facetas, es un pilar fundamental para su proceso creativo. Esta conciencia histórica nutre su&nbsp;inspiración y la define como una&nbsp;artista política. A través de su arte, comunica su ser y su pensamiento.<h2>Territorio y comunidad</h2>El&nbsp;contexto territorial y el&nbsp;espacio donde intervendrá con su arte influyen significativamente en su proceso creativo. Nandy prioriza&nbsp;escuchar el sentir de la comunidad que convivirá diariamente con su obra. Se considera un&nbsp;medio para dar voz a aquellos que históricamente fueron&nbsp;vulnerados, marginados y estigmatizados. Tiene un compromiso social que se manifiesta en la elección de sus temas y en la manera en que busca generar un impacto en su entorno.Para el proceso creativo inicia con la definición de un&nbsp;concepto, una idea o un sentimiento. Una vez establecido este núcleo, selecciona cuidadosamente los&nbsp;elementos gráficos que integrará para construir una&nbsp;narrativa visual coherente. El objetivo primordial es&nbsp;transmitir su mensaje de la manera más efectiva y resonante posible.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Nandy_Mondragon_en_accion_produccion_de_mural_1_1_d8a928243f.jpg"> Una artista cuya obra trasciende la estética para convertirse en una voz elocuente del territorio [Imagen], por Instagram/ @Nandy_Mondragon.<h2>Un camino de autoaprendizaje y exploración</h2>Inicialmente, se sumergió en el universo del&nbsp;manga japonés. Luego, la obra de la ilustradora Loish se convirtió en una importante influencia. Sin embargo, su fascinación por capturar la&nbsp;realidad la llevó a tomar fotografías de retratos como referencia constante. Este ejercicio empírico de observación y reproducción fue fundamental en sus inicios.Ingresó al&nbsp;Instituto Popular de Cultura (IPC), lugar que marcó un punto de inflexión en su formación. Allí, su experiencia previa le permitió destacarse entre sus compañeros. El IPC le brindó la oportunidad de explorar una&nbsp;diversidad de materiales y técnicas. Dibujar se convirtió en una actividad incesante, la&nbsp;clave para su notable&nbsp;evolución gráfica.<h2>Desafíos internos y externos</h2>El mayor&nbsp;desafío para Nandy Mondragón reside en su propio interior. Experimenta&nbsp;fases de cansancio, insatisfacción e incluso dudas, por lo que superar estas barreras internas es un proceso constante. Además, enfrenta el reto de las&nbsp;críticas y la&nbsp;impaciencia de los espectadores, con las diversas reacciones que sus obras generan.La&nbsp;naturaleza constituye una fuente inagotable de&nbsp;inspiración, aunque también encuentra estímulo en&nbsp;textos, emociones, texturas, pensamientos, experiencias y conversaciones.<h2>Las redes sociales</h2>Nandy Mondragón reconoce que las&nbsp;redes sociales representan una&nbsp;herramienta efectiva para alcanzar a una audiencia global. Estas plataformas le permitieron establecer&nbsp;conexiones valiosas con otros artistas y descubrir&nbsp;festivales y residencias a los que aspira aplicar.&nbsp;Sin embargo, también identifica&nbsp;contras significativas. Una es la proliferación de información dificulta discernir entre lo&nbsp;real y lo falso. Y, por otro lado, la incomodidad de la realidad digital que prioriza el número de&nbsp;seguidores y el&nbsp;alcance por encima de la&nbsp;calidad del trabajo artístico.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Muralismo_en_altura_by_Nandy_Mondragon_1_1_40053e0be2.jpg">Esta obra realizada en la ciudad de Cali, visibiliza especies locales como la rana espléndida y el lagarto azul, con el objetivo de generar conciencia ambiental y promover la preservación [Imagen], por Instagram/ @Nandy_Mondragon.Con su&nbsp;paleta realista y su profundo compromiso con la&nbsp;identidad y la&nbsp;justicia social, deja su huella en el&nbsp;tejido urbano.&nbsp;

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El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón 

En los últimos años, Medellín logró una&nbsp;metamorfosis urbana que dejó una huella profunda en la&nbsp;Comuna 13, uno de los barrios más emblemáticos y transformados de la ciudad. El arte urbano jugó un papel esencial en este proceso de&nbsp;revitalización. A partir de esto, se generaron tensiones sobre el futuro del&nbsp;territorio y la gente que lo habitan. Con una serie de&nbsp;intervenciones artísticas, este lugar atrajo a miles de turistas, artistas y colectivos de diversas partes del mundo. De esta manera, consiguieron el ascenso de un fenómeno social tan&nbsp;controvertido como es la&nbsp;gentrificación. Lo que antes era un barrio marcado por la pobreza y la violencia, ahora es un espacio lleno de creatividad.<h2>El símbolo de la transformación</h2>La&nbsp;Comuna 13 de Medellín tuvo una&nbsp;evolución fascinante. En sus inicios, era un lugar de&nbsp;confinamiento y marginalidad, pero se convirtió en un referente mundial de&nbsp;resiliencia,&nbsp;creatividad y&nbsp;renovación urbana. A lo largo de sus calles, los&nbsp;murales que adornan las paredes transmiten historias de resistencia de una sociedad que superó los&nbsp;difíciles años de violencia, producto del&nbsp;narcotráfico y de la presencia de&nbsp;grupos armados.Los colores, las formas y los trazos de cada mural son adornos que encierran relatos de&nbsp;superación y&nbsp;memoria colectiva. Gracias al arte, este lugar cambió su&nbsp;imagen pública. Ahora es donde los turistas se sienten atraídos por los espectaculares&nbsp;graffitis y el&nbsp;hip-hop, en la búsqueda de admirar la obra y entender el trasfondo de estas expresiones.Como en muchos procesos de transformación, este resurgir trae consigo efectos secundarios&nbsp;inevitables como lo fue&nbsp;el desplazamiento y la&nbsp;alteración de su esencia más profunda. Los artistas, al igual que los empresarios y el turismo fueron los principales agentes de&nbsp;cambio en este&nbsp;ecosistema urbano.<h2>El arte urbano como motor de cambio</h2>El&nbsp;arte urbano fue el máximo impulsor de esta&nbsp;renovación, porque dio visibilidad a las problemáticas del barrio y sirvió como herramienta de&nbsp;empoderamiento para la juventud. En la intervención participaron diversos colectivos artísticos como&nbsp;Casa Kolacho&nbsp;que canalizaron la energía de la&nbsp;juventud hacia la creación. Con estos proyectos, las paredes dejaron de ser espacios olvidados, para convertirse en&nbsp;fuentes de inspiración que narran historias de&nbsp;lucha,&nbsp;esperanza y&nbsp;cambio.Este arte representa una&nbsp;declaración de independencia frente a las adversidades del pasado, una forma de&nbsp;reapropiarse del espacio público. Los colores que cubren las calles consiguieron que Medellín sea reconocida internacionalmente, y al mismo tiempo, los artistas locales puedan compartir su trabajo con el mundo.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Comuna_13_el_barrio_de_medellin_que_renacio_con_el_arte_urbano_67f8413105.jpg">La Comuna 13 renació con el arte urbano [Imagen], por Señal Colombia<h2>El costo invisible</h2>A pesar de los logros y beneficios que trajo el auge del arte urbano en la Comuna 13,&nbsp;la gentrificación se instaló como un fenómeno controversial. La llegada de turistas y la&nbsp;inversión en el barrio dispararon los precios de las viviendas y modificaron la dinámica del lugar. Por su parte, las&nbsp;residencias antiguas, que alguna vez fueron el hogar de familias de&nbsp;clase baja, se reemplazaron por&nbsp;edificios modernos,&nbsp;cafeterías de moda y&nbsp;boutiques de lujo, orientadas principalmente a los turistas que visitan la zona atraídos por la popularidad del arte urbano.&nbsp;<h2>La resistencia</h2>La comunidad optó por nuevas formas de&nbsp;resistencia y&nbsp;autonomía. En los proyectos destacan algunos como&nbsp;Terrazas Verdes, liderados por&nbsp;Carlos Sánchez, conocido como 'Nene', con el objetivo de crear espacios de&nbsp;sostenibilidad y&nbsp;autosuficiencia dentro del barrio. Estas iniciativas buscan recuperar el espacio público para las personas que históricamente fueron ignoradas por las políticas urbanísticas. Las&nbsp;huertas urbanas y los espacios verdes son una forma de devolver el poder a los habitantes, para que sean actores fundamentales en el desarrollo del barrio.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Casa_Kolacho_uno_de_los_colectivos_protgonistas_en_la_transformacion_de_la_comuna_13_5fd8439a28.jpg">Casa Kolacho, el colectivo que participó en la conversión de las calles de la Comuna 13 con el grafiti y el hip-hop [Imagen], por Instagram/ @casakolacho.La&nbsp;gentrificación en Medellín transformó los barrios populares, anteriormente estigmatizados por la violencia. Ahora, estos son epicentros del&nbsp;arte urbano, que atraen al turismo y generan nuevas oportunidades económicas.&nbsp;

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Conocé qué es y cómo se desarrolló la gentrificación artística de Medellín

En las calles de&nbsp;Río de Janeiro, un ambicioso proyecto artístico irrumpió para transformar los fríos muros en coloridos y emotivos lienzos que homenajean la&nbsp;memoria afrobrasileña. Desde el año 2018, el colectivo&nbsp;NegroMuro inmortalizó a más de 60 figuras negras famosas, en busca de rescatar relatos y legados que el tiempo y la omisión institucional habían relegado a un injusto olvido. La propuesta embellece el paisaje citadino y reivindica la presencia de estos personajes en la construcción de la&nbsp;identidad cultural y política de Brasil.<h2>Muralismo reivindicativo</h2>El colectivo&nbsp;NegroMuro surgió a partir de la inquietud compartida entre el productor cultural&nbsp;Pedro Rajão y el talentoso artista visual&nbsp;Fernando Cazé, quienes identificaron una preocupante falta de representación de personalidades negras en la narrativa oficial de la ciudad. Ambos decidieron utilizar el&nbsp;arte urbano como una poderosa herramienta de&nbsp;reparación histórica, con el objetivo de mapear la&nbsp;memoria negra y proyectarla en los muros de&nbsp;barrios emblemáticos de Río de Janeiro. Cada mural busca desafiar la hegemonía cultural y resignificar el entorno urbano, de manera que visibilice a quienes sistemáticamente fueron marginados.<h2>Selección de figuras y proceso artístico</h2>La selección de personalidades que forman parte de&nbsp;NegroMuro fue un proceso cuidadoso y meticuloso, donde se priorizaron figuras cuya vida y legado tengan un&nbsp;vínculo significativo con la comunidad en la que será intervenido el mural. Antes de plasmar cada retrato, los creadores del proyecto establecieron&nbsp;diálogo con familiares, descendientes o representantes comunitarios para asegurar que la obra refleje la esencia y el impacto de la persona homenajeada.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_proyecto_Academia_Negra_de_Filosofia_rindio_homenaje_a_10_filosofos_negros_brasilenos_1_2c94fb95a1.jpg"> El proyecto "Academia Negra de Filosofía" rindió homenaje a 10 filósofos negros brasileños [Imagen], por ICL Noticias.El proceso artístico comenzó con una investigación detallada sobre la vida del homenajeado, seguida de bocetos que buscan capturar su&nbsp;fuerza simbólica. Luego, en una jornada colectiva, los murales cobraron vida a través de una explosión de colores y trazos a gran escala. Esta dinámica participativa fortalece el vínculo de la población con la obra y genera un sentido de&nbsp;pertenencia y orgullo.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Homenaje_de_Negromuro_a_Moacir_Santos_1_fde79face8.jpg"> Moacir Santos fue un influyente músico, compositor y arreglista brasileño, reconocido por su contribución al desarrollo de la música popular y el jazz en Brasil [Imagen], por Flickr.<h2>La expansión del proyecto</h2>El proyecto&nbsp;NegroMuro comenzó como una iniciativa independiente, financiada mediante donaciones y estrategias de&nbsp;crowdfunding, con la captación del interés y apoyo de la comunidad afrobrasileña y de numerosos simpatizantes de la causa. Con el paso del tiempo, la magnitud del impacto generado atrajo la atención de instituciones culturales y del propio&nbsp;ayuntamiento de Río de Janeiro, que se sumó mediante financiamiento. Esto permitió expandir la intervención a diversos barrios y fortalecer proyectos paralelos, como el&nbsp;Circuito da Igualdade Racial, una propuesta que combina arte, historia y educación en un recorrido significativo de la cultura negra en la ciudad.<h2>Murales icónicos&nbsp;</h2>Las obras más representativas de&nbsp;NegroMuro son el mural de la legendaria cantante&nbsp;Elza Soares, ubicado en el barrio de&nbsp;Água Santa, donde la artista creció y forjó sus primeras experiencias musicales. Otro mural de gran impacto es el que rinde homenaje a la reconocida antropóloga y activista&nbsp;Lélia Gonzalez, cuya imagen está en las calles de&nbsp;Santa Teresa, donde vivió y desarrolló gran parte de su carrera. Estas intervenciones tuvieron un efecto transformador en sus respectivas comunidades.<h2>Reconocimiento internacional</h2>El impacto de&nbsp;NegroMuro trascendió las fronteras de Brasil y atrajo la atención de medios internacionales, instituciones culturales y colectivos de arte urbano de diversos países. El reconocimiento recibido como una iniciativa pionera en la lucha contra el&nbsp;racismo estructural abrió puertas a colaboraciones con artistas de otras latitudes.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_proceso_de_creacion_del_mural_que_retrata_al_escritor_Machado_de_Assis_1_91f5a7b3a9.jpg">El proceso de creación del mural que retrata al escritor Machado de Assis [Imagen], por El País.Como todo en la vida,&nbsp;NegroMuro enfrenta diversos obstáculos, pero el compromiso de sus creadores y de la comunidad que los respalda se mantiene firme. Para el futuro, el proyecto planea expandirse a otras ciudades brasileñas y establecer alianzas internacionales que permitan el intercambio de conocimientos y técnicas artísticas.Este colectivo consiguió transformar el paisaje urbano de Río de Janeiro en un gigantesco museo a cielo abierto que honra la&nbsp;herencia afrobrasileña. A través de sus murales resignifica la historia y les da un lugar a figuras silenciadas.

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Negromuro, el homenaje a las grandes personalidades negras de Brasil

Buenos Aires no sólo cuenta con el privilegio y el prestigio de ser la ciudad más emblemática de Argentina, sino que también se ha convertido en una de las cunas artísticas más importantes del país sudamericano.<h2>Tin, Gabo, Joa y más: algunos artistas que no conocías</h2>Más allá de contar con grandes representantes como Martín Ron, Alfredo Segatori y Seba Cener, Buenos Aires ofrece un amplio listado de artistas que dejaron su huella en las paredes de la capital argentina. Joaquin Luciano Quinteros, conocido en el ambiente artístico bajo el seudónimo de Joa, es un muralista y artista plástico con huella en barrios de la ciudad como Caballitos, Balvanera, Villa Crespo, Almagro y Montserrat a través de obras relacionadas con figuras humanas y contenido vinculado a la flora y la fauna y repletas de colores. Gabo Luna es otro de los artistas con presencia en las calles de Buenos Aires. Con piezas en homenaje al Papa Francisco y a la Fuerza Aérea y a la Armada Argentina como obras más destacadas de su currículum artístico, Gabo ha logrado dejar su impronta en sitios como Adrogué, Lanús y Longchamps y también se ha consolidado dentro del listado de artistas más undergrounds de la capital argentina. Al igual que Joa y Gabo, Tin también se ha ganado un lugar en el listado de los artistas que plasmaron su arte en los distintos barrios de Buenos Aires. Bajo la idea de plasmar la expresión y la explosión desde el color y las texturas, el argentino ha representado distintas figuras artísticas como David Bowie, Charly García, Luis Alberto Spinetta, Carlos Gardel y Keith Richards, entre otros, y ha realizado colaboraciones con marcas y festivales como el prestigioso Lollapalooza, donde creó piezas sobre los músicos presentes.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Golondrinas_de_Plaza_de_Mayo_obra_realizada_en_el_barrio_de_Adrogue_por_Tin_Gabo_y_mas_artistas_3b201cb416.jpg"> “Golondrinas de Plaza de Mayo”, obra realizada en el barrio de Adrogué por Tin, Gabo y más artistas (Instagram/Abromurales).<h2>Antonio Gasalla, el gran junte de los artistas</h2>Ubicado en el cruce de la avenida San Martín y Farré en Rafael Calzada, localidad del partido de Almirante Brown, y creado por los artistas Tin, Gabo, María Agustina Villalba y Joa, el mural recrea imágenes de “Esperando a la carroza”, película icónica del cine argentino dirigida por Alejandro Doria en la cual Antonio Gasalla interpreta el personaje de “Mamá Cora”. Si bien gran parte de la pieza es en homenaje a la figura encarnada por el legendario actor, la obra ubicada en Rafael Calzada también representa a otros personajes del film como Antonio Musicardi y Elvira, papeles protagonizados por Luis Brandoni y China Zorrilla, respectivamente.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_detalle_de_la_representacion_en_homenaje_a_Antonio_Gasalla_783e13415e.jpg"> El detalle de la representación en homenaje a Antonio Gasalla (El Diario Sur).

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El mural en homenaje al actor argentino Antonio Gasalla en Rafael Calzada.jpg

Los artistas que debés conocer del under porteño

Cix Mugre es el nombre que&nbsp;resuena en los muros de México y en diversas ciudades del mundo. Es más que un muralista, porque se encarga de narrar y transformar el&nbsp;paisaje urbano en un lienzo donde los colores vibrantes y las figuras oníricas crean un&nbsp;universo hipnótico. Cada una de sus obras es un portal que refleja la fuerza del&nbsp;muralismo mexicano y la riqueza de las&nbsp;culturas prehispánicas. A través de&nbsp;figuras caleidoscópicas y tonos&nbsp;eléctricos, evoca&nbsp;deidades antiguas, relatos mitológicos y una visión contemporánea de la&nbsp;identidad latinoamericana. Con intervenciones en más de diez países, su arte traspasó fronteras. Particularmente en&nbsp;Perú, encontró un&nbsp;eco especial, de riqueza visual y&nbsp;simbolismo andino.<h2>Trayectoria</h2>Nacido en&nbsp;Oaxaca, México,&nbsp;Antonio Triana, adoptó el seudónimo&nbsp;Cix Mugre. El artista proviene de una familia con profundas&nbsp;raíces indígenas; su padre es&nbsp;chinanteco y su madre&nbsp;zapoteca. Estas influencias fueron esenciales en su desarrollo, porque marcaron la esencia de su obra. Desde los 14 años, comenzó a incursionar en el&nbsp;graffiti y plasmó sus primeras creaciones en las bardas de&nbsp;San Antonio Tecómitl, en la&nbsp;Ciudad de México.A pesar de que el&nbsp;graffiti era visto como una actividad marginal,&nbsp;Cix no dejó que la percepción social limitara su expresión. Formó un estilo, evolucionó con rapidez, y lo que comenzó como simples tags se transformó en imponentes&nbsp;murales llenos de simbolismo. Con una técnica y temática que fueron refinándose con el tiempo, se volvió un artista capaz de reinterpretar la&nbsp;iconografía mesoamericana dentro de una estética moderna.<h2>Estilo&nbsp;</h2>El arte de&nbsp;Cix Mugre cuenta con elementos&nbsp;prehispánicos, una explosión de colores psicodélicos y una reinterpretación de la&nbsp;mitología mexicana a través de un lenguaje visual innovador. Con sus murales representa deidades como&nbsp;Quetzalcóatl,&nbsp;Tezcatlipoca o&nbsp;Tláloc, rodeadas de geometría hipnótica y patrones que recuerdan a los textiles tradicionales indígenas. Domina el color como nadie, emplea tonos&nbsp;fosforescentes, contrastes radicales y degradados que crean una sensación de movimiento dentro de cada pieza.Más allá de la estética, su trabajo tiene una&nbsp;carga profunda. Cada mural es un vínculo con el pasado, un esfuerzo por rescatar la&nbsp;memoria histórica y proyectarla hacia el futuro. En su técnica incorpora&nbsp;spray, acrílico y pincel, de manera que adapta su ejecución a cada superficie y espacio. En sus composiciones, las figuras parecen emerger desde otras dimensiones, una generación un diálogo entre lo&nbsp;ancestral y lo contemporáneo.<h2>Presencia en Perú</h2>La influencia artística cruzó fronteras y se impuso en países como&nbsp;Perú, donde su obra logró una conexión especial con la iconografía&nbsp;andina. En sus intervenciones en ciudades como&nbsp;Lima y Cusco, supo integrar elementos de la cultura&nbsp;incaica con su estilo característico, logrando un diálogo visual entre las tradiciones&nbsp;mexicanas y peruanas. El trabajo realizado en estos espacios resalta la&nbsp;hermandad histórica entre ambos países y refuerza la idea de que las civilizaciones precolombinas compartieron visiones del mundo.Por otro lado, sus murales en Perú siempre fueron recibidos con entusiasmo por la comunidad, ya que embellecen los espacios urbanos y generan un sentido de&nbsp;identidad y orgullo cultural. La fusión de&nbsp;dioses mexicas con elementos&nbsp;incaicos, como el&nbsp;Inti o el&nbsp;Puma Andino, crea una narrativa visual que refuerza la idea de un pasado compartido y de una resistencia cultural que sigue viva.<h2>Reconocimiento internacional</h2>A lo largo de su carrera,&nbsp;Cix Mugre participó en múltiples&nbsp;festivales de arte urbano y llevó su talento a diferentes continentes. En colaboración con otros muralistas de renombre trabajó y expuso su arte en países como&nbsp;Francia, Alemania, Argentina, Estados Unidos y Brasil. Tiene una habilidad para mezclar lo&nbsp;ancestral con lo futurista que le permitió consolidarse como una figura clave dentro del&nbsp;arte urbano contemporáneo. Además de su trabajo en murales, también incursionó en otras formas de expresión artística como el&nbsp;tatuaje y la ilustración digital, otra forma de llevar su estética a diferentes medios y audiencias.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Mural_de_CIX_en_Tijuana_Mexico_fdb95396f8.jpg">Obra de Cix Mugre en Tijuana, México [Imagen], por Pinterest.La&nbsp;trayectoria de Cix Mugre es un testimonio del&nbsp;poder transformador del&nbsp;arte urbano. A través de su&nbsp;estilo, logró&nbsp;contar historias y&nbsp;revitalizar tradiciones ancestrales. El estar tan presente en países como&nbsp;Perú destaca la&nbsp;universalidad de su&nbsp;mensaje y la&nbsp;capacidad del&nbsp;arte para&nbsp;unir culturas y&nbsp;generaciones.

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Murales ancestrales en clave futurista

Con la versatilidad, la sencillez y la libertad como características principales, el sticker art se ha ganado un lugar dentro de la escena del arte urbano como una de las formas de expresión artística más novedosas y originales.<h2>El arte con adhesivos que invade las calles</h2>El sticker art es una forma de arte callejero que consiste en transmitir un mensaje o representar una imagen a través de un sticker o una pegatina. Los adhesivos, protagonistas primarios en cada una de las obras de esta forma de expresión artística, no solo ofrecen una extensa variedad y libertad a la hora de seleccionar los diseños, sino que también pueden contener mensajes políticos o sociales. Los grandes centros urbanos suelen ser los sitios más elegidos por los artistas para desplegar sus obras. Sin embargo, la popularidad del estilo ha logrado aumentar el número de sitios elegidos para poner en acción el arte de los stickers y ha conquistado también pequeños centros, plazas y calles emblemáticas de ciudades.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Semaforos_paredes_y_escaleras_suelen_ser_sitios_conquistados_por_el_estilo_dbd615fc13.jpg"> Semáforos, paredes y escaleras suelen ser sitios conquistados por el estilo (Streets Dept).<h2>Rasgos del estilo</h2>No hay dudas de que la versatilidad del sticker art es una de las cualidades más representativas del estilo, y por lo que muchos artistas deciden hacer su camino en él. La posibilidad de pegar los adhesivos en distintas superficies como papel, madera y metal y también la capacidad de poder hacerlo en una gran variedad de sitios como paredes, escaleras, estaciones de buses o trenes y puentes transforman a la forma de expresión en una de las más sencillas y accesibles de la escena. A su vez, el estilo también cuenta con una gran facilidad a la hora de obtener los materiales y un gran abanico de personalización en los diseños de las pegatinas.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Sticker_art_el_arte_que_conquista_el_mundo_con_pegatinas_b258b6cc6a.jpg"> Sticker art, el arte que conquista el mundo con pegatinas (Streets Dept).El sticker art suele ser utilizado por marcas o sellos como campañas de marketing o para publicitar productos o elementos, y también tiende a ser usado por artistas para dejar su huella o tag en las obras. Los diseños suelen estar conformados por un color de fondo y la firma del autor de la pieza artística escrita con un rotulador. El arte con stickers presenta también distintas variantes artísticas como collages (superponer stickers para lograr una imagen), lettering (utilizar stickers con formas de letras para formar una frase) y stencil (utilizar plantillas para crear formas repetitivas o patrones), entre otras formas. Muchas agrupaciones o colectivos también utilizan este estilo para marcar territorios y demostrar superioridad ante el resto.<h2>Orígen y huella mundial: los primeros registros del arte</h2>A pesar de no contar con un claro registro histórico, muchas personas consideran que el sticker art tiene sus raíces en los 70s y 80s de la mano de activistas y punks que usaban pegatinas para expresar ideas políticas. Sin embargo, el arte de los adhesivos tuvo su auge como forma artística en los 90s junto con el crecimiento del graffiti y otras manifestaciones urbanas. Uno de los primeros artistas en dejar su huella en el estilo fue el estadounidense Shepard Fairey con la obra “Andre the Giant has a posse” a finales de la década de los 80. Con el correr del tiempo, el estilo fue apareciendo en distintas superficies en Italia, Francia, España y otros países y logró establecerse dentro de la escena del arte a nivel mundial.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Andre_the_Giant_has_a_posse_una_de_las_primeras_obras_del_sticker_art_280c18e0bf.jpg"> &nbsp;“Andre the Giant has a posse”, una de las primeras obras del sticker art (Deodato Arte).Países como Argentina, Colombia, Chile y México fueron las primeras naciones del continente latinoamericano en tomar el estilo y adaptarlo dentro de las distintas posibilidades de expresión artística.

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El sticker art vivo en las calles de las ciudades.jpg

Sticker art, el arte que conquista el mundo con pegatinas

Dirigida por Bruno Stagnaro y protagonizada por Ricardo Darín, El Eternauta ha traspasado la barrera literaria y se ha consolidado como una de las series más vistas en Netflix a nivel mundial, y el arte urbano argentino ha homenajeado el éxito de la adaptación con murales inspirados en personajes y momentos de la serie.&nbsp;<h2>Los homenajes artísticos de El Eternauta</h2>El Municipio de Almirante Brown presentó una serie de intervenciones artísticas en distintos rincones del conurbano que celebran el rotundo éxito de la adaptación de la emblemática historieta argentina creada por Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López. Con obras ubicadas en la intersección de las calles Pedraza y Payró (Glew), Lavalle y San Martín (Rafael Calzada), Espora y Constripto Bernardi (Adrogué) y Aristóbulo del Valle y Espora (Burzaco), los murales representan la imagen de Juan Salvo, personaje protagonista de la serie interpretado por el legendario Ricardo Darín, paisajes y locaciones de la producción como el Obelisco y viñetas y retratos originales de la icónica historieta de ciencia ficción argentina.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_representacion_artistica_de_Juan_Salvo_personaje_interpretado_por_Ricardo_Darin_en_un_rincon_ec9b146972.jpg"> La representación artística de Juan Salvo, personaje interpretado por Ricardo Darín, en un rincón de Almirante Brown (Municipio de Almirante Brown)."Seguimos en Almirante Brown impulsando este bellísimo programa que llena de color las calles y rincones del distrito, esta vez homenajeando a El Eternauta, que recientemente acaba de adaptarse a una serie, llevando la cultura argentina a todo el mundo", expresó Mariano Cascallares, intendente de Almirante Brown, acerca de la iniciativa artística municipal, que busca embellecer el espacio público y ya ha retratado a varias figuras argentinas como el papa Francisco y Antonio Gasalla.<h2>¿Qué es El Eternauta, la icónica historieta argentina?</h2>Creada por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López, El Eternauta es una de las historietas más emblemáticas de la literatura argentina y latinoamericana. La trama de la obra se centra en una invasión alienígena en la Tierra mediante una tormenta de nieve tóxica que acaba con la mayor parte de la población y la resistencia de supervivientes en la capital argentina liderada por Juan Salvo, el gran protagonista del cómic. La historieta no sólo recorre distintos lugares de Buenos Aires como el Obelisco, la avenida General Paz y el Monumental, estadio de River Plate, sino que también acompaña a los protagonistas en su lucha por sobrevivir y descubrir que ocurre en la ciudad.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Vineta_original_de_la_historieta_El_Eternauta_9e8001ac1c.jpg"> Viñeta original de la historieta El Eternauta (El Grito del Sur).

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