Con una propuesta que desafía las normas a través de la rebeldía, el paste up se ha convertido en otra de las formas de expresión artística reinantes en Latinoamérica.<h2>Paste up, la rebeldía artística que rellena las paredes</h2>Conocido bajo el nombre de paste up, la técnica de intervención urbana consiste en pegar tipografías, ilustraciones, imágenes y fotografías en espacios públicos. Al igual que las distintas formas de expresión artística, el paste up no requiere de un gran número de elementos para crear una pieza: material impreso en papel, un adhesivo capaz de fijar las imágenes o las ilustraciones a superficies lisas y limpias y herramientas para aplicar la obra al espacio. La serenidad del estilo permite que los artistas diseñen sus obras con tiempo y en un estudio tranquilos para posteriormente poder cubrir los sitios de arte sin apuro. A su vez, el paste up no requiere ni de estudios o habilidades formales ni tampoco de un gran pasar económico para adquirir los materiales necesarios para las obras o intervenciones.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Obra_de_BAPASTEUP_colectivo_argentino_cb46cf2647.jpg"> Obra de BAPASTEUP, colectivo argentino (Instagram/Bapasteup).<h2>Versatilidad desde el diseño hasta la técnica</h2>Otra de las características de la forma de intervención urbana es la versatilidad en cada una de las aristas. El paste up no solo permite diseñar las obras con dibujos a mano alzada, pinturas, collages, fotocomposiciones, acuarelas, impresiones con plantilla estilo stencil, xilografía y linograbado, entre otras, sino que también ofrece un extenso catálogo de situaciones y sitios para intervenir como muros, postes de luz, trenes, suelos, escaleras, rampas y más. La libertad a la hora de elegir qué material formará parte de la obra, si habrá o no tipografía, las distintas opciones de materiales y colores para utilizar y de qué tamaño será cada elemento que la componga también integra el listado de flexibilidad que tanto distingue a la técnica urbana.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Paste_up_en_los_muros_de_Buenos_Aires_cc447efd32.jpg"> Paste up en los muros de Buenos Aires (Maleva).<h2>Algunos de los artistas emblemas del estilo</h2>Al igual que las distintas formas de expresión artística reconocidas mundialmente, el paste up también cuenta con un listado de artistas latinoamericanos e internacionales que le brindaron aún más exposición a la técnica. Los estadounidenses Shepard Fairey, famoso por su icónica obra "OBEY", y Judith Supine, la británica Swoon y el francés WK Interact son algunos de los grandes representantes del estilo en el exterior. En cuanto a América Latina, Argentina es la nación emblema de la técnica. Con artistas como Ale Giorgga, Diego Martin Staffolani y Gerdy Harapos y colectivos como BAPASTEUP y Movimiento Petrushaus, el país sudamericano ha dejado su huella y se ha consolidado como el exponente principal del continente en la escena del paste up.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_iconica_obra_Obey_del_estadounidense_Shepard_Fairey_en_los_muros_4840b3fa6d.jpg"> La icónica obra "Obey" del estadounidense Shepard Fairey en los muros (Widewalls).<h2>Orígenes y primeros pasos en el mundo del arte</h2>El paste up tal y como lo conocemos hoy en día se construyó en base a tres episodios: primeras raíces en el mundo, desembarco en Latinoamérica y llegada a Estados Unidos. Las primeras observaciones del estilo se dieron en las calles de París con artistas como Toulouse-Lautrec bajo el período conocido como la Belle Époque, caracterizado por un gran esplendor cultural y social y por un notable progreso tecnológico. Tras dejar su huella en el viejo continente, la técnica comenzó a aparecer en Latinoamérica a principios de la década del 60 en manos del artista argentino Alberto Greco, quien realizó acciones con impronta de pegatina urbana. Y por último, la nación norteamericana descubrió la forma de expresión artística durante las décadas de los 70s y 80s a través de los movimientos punk, de protesta y contraculturales. El estilo continuó cautivando los distintos rincones del mundo y se estableció como una de las técnicas artísticas más novedosas de la escena.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Alberto_Greco_el_argentino_pionero_del_paste_up_en_Latinoamerica_b4c73cca59.jpg"> Alberto Greco, el argentino pionero del paste up en Latinoamérica (Galería del Infinito).

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Paredes del barrio bonaerense de Palermo Soho repletas del estilo paste up.jpg

Noticias

Paste Up, el arte callejero que se pega en cada rincón de la ciudad

En el marco de la iniciativa “Pintamos la ciudad que queremos”, artistas locales convocados por el Municipio iniciaron la pintura de murales en distintos lugares de San Miguel de Tucumán con el objetivo de embellecer el lado urbano de la capital.<h2>La iniciativa que decora San Miguel de Tucumán</h2>De la mano de artistas locales convocados por la intendenta Rossana Chahla y bajo el propósito de transformar y llenar de color las paredes y los muros de San Miguel de Tucumán, la segunda edición de la iniciativa “Pintamos la ciudad que queremos” ya se puso en marcha y dio inicio al proceso de embellecimiento artístico de la capital. “Recibimos 421 propuestas de las cuáles fueron seleccionados cien murales, algunos de los cuales ya iniciaron. El objetivo es terminarlos en abril cuando se cumplan los 180 días del segundo año de gestión. Con este programa se está dando una gran transformación de nuestra ciudad”, señaló Soledad Valenzuela, secretaria de Cultura del Municipio. Más allá de buscar decorar los rincones con obras artísticas, otra de las metas de la iniciativa es jerarquizar el espacio público a través del arte y acercar la producción artística local a la ciudadanía.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_artista_Cinthya_Mamondes_en_accion_en_la_plazoleta_Islas_Malvinas_0266d680af.jpg"> La artista Cinthya Mamondes en acción en la plazoleta Islas Malvinas (Ciudad de San Miguel de Tucumán).<h2>La huella de “Pintamos la ciudad que queremos”</h2>Con intervenciones artísticas en sitios como los barrios Judicial, Villa 9 de Julio, San Martín y Floresta, artistas como Cinthya Mamondes comenzaron el embellecimiento del espacio público de San Miguel de Tucumán con piezas artísticas que van desde representaciones de figuras como Mercedes Sosa y Lola Mora, coloridas flores y escenas de la industria azucarera y de la cosecha del limón hasta obras relacionadas con el ferrocarril, paisajes norteños, acontecimientos de la historia local como la Batalla de Tucumán, personajes urbanos, animales, manifestaciones deportivas, pinturas abstractas y rostros, entre otros contenidos. “Hay artistas que son muy reconocidos en San Miguel de Tucumán y artistas emergentes muy jóvenes. El objetivo es que la gente viva y transite el arte”, comentó la secretaria de Cultura del Municipio.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/uhTWE5wfiaY" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><h2>¿Qué es la iniciativa “Pintamos la ciudad que queremos”?</h2>Como parte de uno de los diez compromisos asumidos por la intendenta Rossana Chahla, la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de San Miguel de Tucumán invitó a artistas locales a presentar proyectos para la realización de cien murales en distintos rincones de la capital tucumana con el objetivo de promover manifestaciones artísticas y culturales que permitan jerarquizar el espacio público a través del arte y potenciar la identidad de la ciudad. A los artistas elegidos, se les brindarán los materiales pictóricos necesarios para las obras y, además, $400.000 en concepto de honorarios. Durante la primera edición, la iniciativa permitió embellecer las paredes de la capital con veinte murales distribuidos en el centro y en los barrios de la periferia.

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“Pintamos la ciudad que queremos”, la iniciativa que decora San Miguel de Tucumán.jpg

La movida muralista que revoluciona Tucumán

Así como Brasil ofrece a Os Gêmeos y Argentina posee a Grupo Sismo, Uruguay cuenta con Colectivo Licuado, dueto formado por Florencia Durán y Camilo Núñez que ha dejado su huella en América, Europa y Asia.<h2>La dupla uruguaya que conquista el arte latino</h2>Conformado por Florencia “Fitz” Durán y Camilo “Theic” Núñez y con el año 2010 como punto de partida, Colectivo Licuado es un dúo artístico uruguayo sensación en el arte de Latinoamérica. Con obras en distintas partes del mundo como Montevideo, Buenos Aires y Berlín y un estilo que mezcla influencias del muralismo clásico con técnicas contemporáneas del arte urbano, la dupla se ha instalado como una de las agrupaciones más populares tanto a nivel nacional como internacional.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Colectivo_Licuado_el_duo_uruguayo_que_conquisto_el_arte_latinoamericano_5f14edce8f.jpg"> Colectivo Licuado, el dúo uruguayo que conquistó el arte latinoamericano (El Observador).<h2>Un poco del currículum de Colectivo Licuado</h2>Creada en el marco del Festival Urbano Barrio Arte en Chile, “La mujer sin fronteras” es una de las obras más emblemáticas del dúo artístico uruguayo. La pieza representa la imagen de Elodie Arshak, amiga de la dupla, sentada arriba de un globo terráqueo mientras escribe una bitácora de viaje. Otro ícono fundamental en el currículum de Colectivo Licuado es la intervención en uno de los patios del Cabildo de Montevideo, uno de los edificios más históricos de la capital uruguaya. Ante la desproporcionada cantidad de obras de artistas masculinos sobre femeninos en la colección de obras que integran el establecimiento, el dúo retrató las figuras de Petrona Viera, María Freire y Leonilda González, tres artistas mujeres. Realizado en Fanzara, España, y en representación de los cosechadores de la zona, “La cosecha” también forma parte del amplio y espectacular repertorio artístico de la dupla uruguaya conformada por Florencia Durán y Camilo Núñez.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_mujer_sin_fronteras_obra_de_Colectivo_Licuado_en_Chile_2833a0edef.jpg"> “La mujer sin fronteras”, obra de Colectivo Licuado en Chile (PerezBozo).<h2>Las pinceladas distintivas de la dupla charrúa</h2>Uno de los rasgos más distintivos en las obras es la representación de figuras humanas. Sus murales suelen mostrar personajes con vestimentas tradicionales o elementos simbólicos que conectan con la historia y la idiosincrasia del lugar donde pintan. Además, utilizan una paleta de colores terrosos y vibrantes con un marcado uso de contrastes que le otorgan profundidad y dramatismo a sus creaciones. La estética del dúo también se distingue por su meticulosa composición y la precisión en los detalles, lo que les permite generar imágenes de gran impacto visual.

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Florencia Durán y Camilo Núñez, los dos integrantes de Colectivo Licuado.jpg

Colectivo Licuado, el dúo uruguayo que conquista Latinoamérica

La Universidad Nacional de las Artes (UNA) y el Municipio de Partido de&nbsp;la Costa, lanzaron, en conjunto, una innovadora&nbsp;Diplomatura en Muralismo. Este programa formativo, busca revitalizar las técnicas ancestrales y fortalecer la expresión cultural en la región.&nbsp; Representa un paso significativo en la&nbsp;promoción de las artes visuales y el desarrollo comunitario. Las inscripciones estuvieron abiertas hasta el 10 de marzo de 2025 y es probable que se abra una&nbsp;nueva convocatoria a futuro.<h2>Ocho diplomaturas&nbsp;</h2>El convenio, que abarca un período de tres años, permitirá la llegada de ocho diplomaturas a la zona, las cuales abarcan una amplia gama de disciplinas artísticas y culturales. Estas incluyen: la&nbsp;Diplomatura en Luthería, que explorará el arte de la construcción de instrumentos musicales; la&nbsp;Diplomatura en Música Popular, que profundizará en los géneros y estilos musicales propios de la región; la&nbsp;Diplomatura en Vestuario, Maquillaje y Peinados en la Escena, que brindará herramientas para la caracterización de personajes en el ámbito teatral y artístico; la&nbsp;Diplomatura en Puestas Escénicas de las Danzas Folklóricas, que analizará la puesta en escena y la coreografía de las danzas tradicionales; la&nbsp;Diplomatura en Folklore para Actos Escolares, que proporcionará recursos para la enseñanza del folklore en el ámbito educativo; la&nbsp;Diplomatura en Muralismo y Arte Ancestral, que será el foco principal de este artículo; la&nbsp;Diplomatura en Gestión y Producción de Festivales Populares, que capacitará en la organización y gestión de eventos culturales; y la&nbsp;Diplomatura en Producción para las Artes Populares en Escena, que abordará los aspectos técnicos y logísticos de la producción artística.<h2>Los desafíos de ser artista</h2>Los&nbsp;recursos disponibles para los artistas, tanto a nivel público como privado, son&nbsp;limitados, lo que dificulta su acceso a financiamiento, espacios de trabajo y oportunidades de desarrollo profesional. La&nbsp;valoración social del trabajo artístico es un problema arraigado en muchas sociedades, donde las artes no siempre se consideran una&nbsp;profesión legítima o un&nbsp;aporte esencial a la sociedad.&nbsp;Muchos artistas se ven obligados a&nbsp;complementar sus ingresos con otros trabajos no relacionados con su campo, para poder&nbsp;subsistir. Esta situación afecta su&nbsp;bienestar económico, su&nbsp;capacidad para dedicarse plenamente a su arte y desarrollar su potencial creativo.<h2>Un convenio que pinta el futuro&nbsp;</h2>Las entidades involucradas formalizaron el convenio que marca el inicio de una colaboración fructífera en el ámbito de la educación artística. La&nbsp;Escuela Municipal de Bellas Artes de Mar de Ajó, ubicada estratégicamente en la calle Sacconi e Yrigoyen, se convertirá en el epicentro de este programa, como un espacio de aprendizaje y creación donde los estudiantes podrán explorar las profundidades del muralismo y su impacto en la sociedad. Toda la&nbsp;comunidad de las artes visuales populares (mayores de 16 años) recibió una invitación abierta y entusiasta a participar en este proyecto que promete enriquecer el panorama artístico de la región.Las cursadas se llevarán a cabo bajo una&nbsp;modalidad mixta, mediante la flexibilidad de las&nbsp;aulas híbridas. Las&nbsp;clases virtuales serán dictadas por&nbsp;docentes de la UNA, expertos en sus respectivas áreas, mientras que las&nbsp;clases presenciales contarán con el acompañamiento de un&nbsp;tutor a cargo, quien brindará apoyo y orientación a los estudiantes. En cuanto a las actividades presenciales, se desarrollarán en tres sedes estratégicas: el&nbsp;Centro Cultural de San Clemente del Tuyú.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Diplomatura_en_muralismo_1_3a69b52f98.jpg"> La digitalización del arte presenta tanto oportunidades como desafíos para los artistas, quienes deben adaptarse a nuevas formas de producción y distribución [Imagen], por Agencia de Noticias San Luis.<h2>El muralismo</h2>El&nbsp;mural, como forma de expresión artística, constituye una&nbsp;herramienta poderosa capaz de transmitir mensajes, narrar historias y plasmar la identidad cultural de una comunidad. Los&nbsp;fines de esta herramienta variaron significativamente a lo largo de la historia, adaptándose al&nbsp;contexto histórico, social y político en el que se desarrolla.&nbsp;La diplomatura propone un&nbsp;acercamiento profundo a las&nbsp;técnicas específicas del muralismo, con el objetivo de proporcionar a los estudiantes las herramientas necesarias para crear obras duraderas y de alta calidad, destinadas a embellecer los&nbsp;espacios públicos y enriquecer la vida de la&nbsp;comunidad en la que se emplazarán.&nbsp;Para desempeñarse con éxito en el ámbito es fundamental poseer un sólido conjunto de&nbsp;conocimientos plásticos, técnicos y teóricos. Sin embargo, de igual importancia es todo aquello que se refiere a la&nbsp;gestión de proyectos y los&nbsp;aspectos de seguridad e higiene, que resultan vitales para el trabajo en el&nbsp;espacio urbano, donde los artistas se enfrentan a diversos desafíos y riesgos. No se debe dejar de lado el hecho de que el&nbsp;creador de arte público es, en esencia, un&nbsp;trabajador.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/proceso_muralismo_1_cedd3819b9.jpg">El turismo cultural puede ser una herramienta que genere un impacto económico directo en la comunidad artística local, promueva el desarrollo de proyectos y ofrezca a los artistas nuevas oportunidades de exponer su trabajo [Imagen], por Wikimedia Commons.Los&nbsp;artistas en todo el mundo enfrentan una serie de&nbsp;desafíos significativos que dificultan su capacidad para&nbsp;vivir de su trabajo. La&nbsp;inestabilidad económica es una constante en la vida de muchos artistas, quienes deben lidiar con&nbsp;ingresos irregulares y la&nbsp;falta de seguridad laboral. El&nbsp;reconocimiento y la&nbsp;valoración de su trabajo suelen ser&nbsp;escasos, lo que se traduce en una&nbsp;falta de apoyo y una&nbsp;percepción social que no siempre reconoce el&nbsp;valor cultural y económico de las artes.&nbsp;Es fundamental que las&nbsp;políticas culturales se orienten hacia la&nbsp;mejora de las condiciones laborales de los artistas, en pos de garantizar un&nbsp;acceso equitativo a los recursos, promover la&nbsp;valoración social de su trabajo y crear un&nbsp;entorno favorable para el desarrollo de las artes.

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Oportunidad para artistas urbanos: en Argentina lanzaron una diplomatura en muralismo

El&nbsp;macromuralismo&nbsp;es una tendencia artística&nbsp;cada vez más visible en el espacio urbano. A través de este estilo, los artistas transforman fachadas completas&nbsp;de edificios, muros o grandes estructuras en inmensos&nbsp;lienzos al aire libre. De esta manera, crean obras de arte que significan mucho más allá de la pintura decorativa. Este tipo de&nbsp;muralismo&nbsp;embellece el entorno, refleja&nbsp;identidades culturales, y da voz a comunidades invisibilizadas. En los lugares más diversos, este método se coloca como un fenómeno artístico que transforma el espacio público y la percepción de quienes interactúan con él.<h2>¿Qué es el macromuralismo?</h2>El macromuralismo se diferencia de los murales tradicionales principalmente por su magnitud. Estas obras pueden abarcar desde una fachada hasta barrios enteros, cubriendo cientos o miles de metros cuadrados. Este procedimiento tiene varios requisitos, entre ellos&nbsp;planificación, diseño y, muchas veces, la colaboración de varios artistas. Generalmente, retratan temas que resuenan en la vida cotidiana del entorno donde se crean, como la identidad local o la cultura popular.Además, requiere&nbsp;técnicas y materiales específicos para soportar las inclemencias del clima y la intemperie. El gran tamaño implica&nbsp;desafíos técnicos, como el uso de grúas y andamios o la aplicación de pinturas especiales que garantizan su durabilidad. Por ello, cada obra es un&nbsp;proyecto ambicioso, demandante de tiempo, recursos y, sobre todo, una visión clara de lo que se desea expresar.<h2>Los primeros pasos&nbsp;</h2>El muralismo tiene una larga historia en&nbsp;América Latina, pero el macromuralismo es una corriente relativamente reciente. Surgió como una respuesta a la necesidad de revitalizar grandes espacios urbanos marginados, dándoles una nueva identidad visual. En muchos casos, estos&nbsp;murales monumentales&nbsp;se realizan en colaboración con los residentes locales, quienes participan en el diseño y, en algunos casos, incluso en la ejecución de la obra.&nbsp;<h2>Macromurales en América Latina</h2>Algunas ciudades de América Latina adoptaron el macromuralismo como una herramienta de regeneración urbana y crearon obras convertidas en iconos visuales. En&nbsp;Valparaíso, Chile, el colectivo Un Kolor Distinto desarrolló la obra&nbsp;“La Niña de la Mochila”. Este enorme mural cubre una fachada entera en el Cerro Bellavista. Fue inspirada en la cultura local y en la historia de la ciudad, y es un símbolo de identidad para el barrio, frecuentemente visitado por turistas y habitantes locales.Otro ejemplo impresionante se encuentra en Buenos Aires, Argentina, donde el artista Alfredo Segatori realizó el mural&nbsp;“El regreso de Quinquela”. Esta obra rinde homenaje al pintor Benito Quinquela Martín, conocido por su representación de la vida portuaria. La obra de Segatori celebra el carácter trabajador de la zona y revive el&nbsp;espíritu de Quinquela, convirtiéndose en un punto de referencia cultural y artístico en la capital argentina.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Homenaje_macromural_a_Quinquela_martin_e79014587b.jpg">En 2015, el mural en homenaje al pintor Quinquela Martín fue premiado como el más grande del mundo [Imagen], por Billiken.En&nbsp;Medellín, Colombia, la comuna 13 es famosa por sus macromurales que cuentan la historia de resiliencia de sus habitantes. Anteriormente, fue conocida por su violencia y experimentó una revitalización en gran parte impulsada por el&nbsp;arte urbano. Los murales de artistas como Chota13 y Perro Galgo dieron vida a las paredes con imágenes que representan la identidad y las luchas de la comunidad, convirtiéndose en una atracción&nbsp;turística&nbsp;y en un símbolo de la capacidad del arte para impulsar&nbsp;cambios positivos.<img><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_macromuralismo_del_arte_urbano_d99e18a49b.jpg"> En Cartagena, se encuentra un mural de 245 metros de largo en la Institución Educativa Nuestra Señora del Carmen, creado en homenaje al ambientalista Rafael Vergara Navarro y alusivo al cambio climático [Imagen], por Fundación Futuro Latinoamericano.El macromuralismo logra un impacto significativo en las comunidades donde se realiza. En barrios donde la pobreza o el abandono dejaron marcas visibles, los macromurales funcionan como un&nbsp;recordatorio de la vitalidad. Estas obras sirven como&nbsp;bases&nbsp;de educación y reflexión, tanto para quienes viven en el área como para quienes la visitan. Entre los temas abordados, predominan justicia social, derechos humanos, ambiente y cultura,&nbsp;con el fin de promover conciencia en un&nbsp;espacio abierto.&nbsp;Este método artístico consigue crear “museos al aire libre”, accesibles para todos. Con cada nueva obra, esta tendencia recuerda&nbsp;el poder del arte para transformar, conectar y dignificar espacios y personas.

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Las transformaciones monumentales del macromuralismo

El arte de la&nbsp;poesía urbana logra conectar con una de las generaciones más creativas de la historia: los jóvenes entre 18 y 30 años. El movimiento&nbsp;Acción Poética es un colectivo originado en Monterrey, México, que transformó las&nbsp;calles y&nbsp;muros de Latinoamérica en espacios de reflexión, amor y esperanza. Este fenómeno llegó a varios rincones del continente, en un contexto en que las&nbsp;comunicaciones digitales y avances tecnológicos producen cierta saturación.&nbsp;<h2>Una idea simple que revolucionó el arte urbano</h2>En 1996, el poeta mexicano&nbsp;Armando Alanís Pulido ideó un movimiento que transformaría para siempre la manera en que las personas se relacionan con la poesía. La premisa era llevar las&nbsp;palabras a los muros de la ciudad para hacer del espacio público un lienzo que emocione e invite a la reflexión.&nbsp;Las primeras intervenciones fueron en Monterrey, pero pronto comenzaron a replicarse en ciudades de toda América Latina, y la magia del movimiento empezó a crecer de manera exponencial. Con cada muro pintado, Acción Poética lograba un&nbsp;impacto visual que penetraba en lo&nbsp;cultural y lo&nbsp;social.<h2>Un estilo inconfundible</h2>Las pintadas de&nbsp;Acción Poética se reconocen por su&nbsp;simplicidad estética. Estas tienen un fondo blanco y letras negras, generalmente en tipografía tipo máquina de escribir. Cada frase es cuidadosamente seleccionada para expresar&nbsp;emociones humanas universales, pero sin entrar en el terreno de lo político o religioso, lo que permite su aceptación en comunidades de&nbsp;toda índole.Las frases plasmadas en los muros, que pueden ser tan simples como "Te quiero" o tan profundas como "La vida es un suspiro", buscan siempre crear un impacto emocional inmediato.&nbsp;Acción Poética no intenta ser intrusiva ni polémica, sino inspiradora. Ellos tienen como objetivo el&nbsp;hacer pensar a las personas en su entorno, invitándolas a&nbsp;reflexionar sobre la vida cotidiana, el amor, la esperanza o la belleza de lo efímero.<h2>Un fenómeno que cruzó fronteras</h2>El movimiento comenzó en México y rápidamente su influencia alcanzó otros países de América Latina. En Argentina, fue impulsado por&nbsp;Fernando Ríos Kissner, quien comenzó a pintar sus propios versos en las calles de Tucumán, donde la comunidad local recibió con entusiasmo la idea de ver&nbsp;murales poéticos en cada rincón de la ciudad. Para 2011, Acción Poética ya se había convertido en un movimiento reconocido, y su presencia en la región se consolidó como una de las expresiones culturales más relevantes.Además, las&nbsp;redes sociales facilitaron la difusión del movimiento. En&nbsp;<a href="https://www.facebook.com/AccionPoeticaArgentinaOficial/">Acción Poética Argentina - Oficial</a> y<a href="https://www.instagram.com/accionpoeticaargentina/">&nbsp;Acción Poética Argentina en Instagram</a> permitieron que millones de personas compartan fotos de las pintadas en las ciudades, de forma que viralizan las frases de los murales y generan una&nbsp;comunidad virtual que promueve el arte y logró que alcance una&nbsp;dimensión global.<h2>Una voz para los jóvenes&nbsp;</h2>Para la&nbsp;generación millennial y la&nbsp;generación Z,&nbsp;Acción Poética les ofrece un espacio donde pueden&nbsp;sentir que su voz importa. Las frases de los murales, aunque generalmente anónimas, son una manera para que los jóvenes se expresen sin necesidad de recurrir a los canales tradicionales de comunicación.&nbsp;El movimiento logró mantener una&nbsp;identidad visual única, que generó una especie de&nbsp;firma de autor reconocible por cualquiera que camine por las calles de una ciudad. Las pintadas actúan como una invitación a&nbsp;detenerse y pensar en el mensaje que está detrás de esas palabras.<h2>¿Arte o vandalismo?</h2>A pesar de su éxito, el movimiento enfrentó&nbsp;críticas. En varias ciudades, acusaron a los artistas de Acción Poética de&nbsp;vandalizar propiedades privadas, ya que muchas de las intervenciones se realizan sin la autorización de los dueños.&nbsp;El trabajo del colectivo es realmente único, porque cambia la&nbsp;percepción del espacio urbano. Las ciudades, por lo general, son vistas como lugares de&nbsp;caos y&nbsp;congestión, pero con las intervenciones de Acción Poética, se convierten en lugares más&nbsp;humanos. Las paredes pintadas con frases poéticas sirven como&nbsp;islas de calma.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Mural_de_Accion_Poetica_en_Chile_1_fcbe84e907.jpg">En Chile, Acción Poética comenzó a ganar terreno en 2006, cuando el artista Fernando Ríos llevó este movimiento a las calles de Santiago [Imagen], por InfoBae.El movimiento integró lo mejor del arte tradicional con la modernidad mediante las herramientas de la&nbsp;era digital para difundir un mensaje hacia las nuevas generaciones. Con cada nuevo mural pintado, el movimiento crece como una de las formas de arte más poderosas en la cultura contemporánea.Acción Poética dejó en el&nbsp;arte urbano contemporáneo. Lejos de ser un fenómeno pasajero, este movimiento amplía su alcance y conecta a millones de personas con el poder de la poesía.&nbsp;

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Uno de los murales del movimiento Acción Poética (1).jpg

Muros parlantes by Acción Poética

Call of Duty: Warzone se ha consolidado como uno de los shooters en primera persona más emblemáticos del último tiempo, y la Ciudad de México ha homenajeado de manera artística el regreso del mapa Verdansk al videojuego con el mural “Historias de Verdansk”.<h2>Verdansk conquistó los muros de la Ciudad de México</h2>Creado por los artistas Erick Sandoval Hofmann y Eyel Noel Melt y ubicado en la Ex Fábrica MX (Primavera 106, Tacuba, Miguel Hidalgo, CDMX), “Historias de Verdansk” es un tributo artístico a la vuelta del mapa Verdansk, recinto icónico del videojuego, al Call of Duty: Warzone. Con un diseño repleto de color y protagonizado por tres personajes del juego publicado por Activision, la obra recrea algunos escenarios emblemáticos como el estadio y la Superstore y resalta la figura de Ghost, uno de los personajes más legendarios de la franquicia.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Ghost_uno_de_los_personajes_mas_emblematicos_del_videojuego_c86df3772a.jpg"> Ghost, uno de los personajes más emblemáticos del videojuego (Instagram/Eyel).Con fecha y horario de visita de lunes a domingo de 11:00 am hasta 10:00 pm, la obra en homenaje a Verdansk permanecerá abierta hasta el jueves 24 de abril.<h2>Las caras detrás del mural</h2>Reputado por sus obras que mezclan colores vibrantes, surrealismo y realismo, el mexicano Erick Sandoval Hofmann es uno de los protagonistas detrás de “Historias de Verdansk”. El artista conocido también bajo el mote de Uneg logró dejar su huella a lo largo del territorio mexicano con murales que le han hecho ganar reconocimiento en la escena artística internacional. Otro de los artistas del tributo a la vuelta del mapa Verdansk al videojuego fue Eyel Noel Melt, destacado por sus obras bajo un estilo surrealista al combinar colores vibrantes y formas fluidas con texturas intrincadas. La obra situada en la Ex Fábrica MX también contó con la asistencia de los artistas Stan y Fragoso, también conocido como Fresh Pantera.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Erick_Sandoval_Hofmann_uno_de_los_artistas_detras_del_mural_en_accion_db51182a5d.jpg"> Erick Sandoval Hofmann, uno de los artistas detrás del mural, en acción (Instagram/Unegsurfer).

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El homenaje artístico al Call of Duty: Warzone en la Ciudad de México

Desde el año 2012, el mundo celebra cada 15 de abril el Día Mundial del Arte. Sin embargo, ¿conocés por qué se conmemora en esta fecha? Street Art Latam te lo cuenta.<h2>Día Mundial del Arte: ¿por qué se eligió esa fecha?</h2>Proclamado por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) y celebrado anualmente el 15 de abril en honor al nacimiento de Leonardo da Vinci, uno de los artistas más importantes e íconos de todos los tiempos y autor de obras como “La Gioconda”, “La Última Cena” y “Hombre de Vitruvio”, el Día Mundial del Arte es una de las jornadas más significativas del arte a nivel mundial. Con el objetivo de promover el arte como una herramienta para el desarrollo, la paz y la libertad de expresión, la fecha busca resaltar la importancia del arte en la sociedad, su capacidad para inspirar cambios y su impacto en la cultura global.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_Gioconda_pieza_pilar_del_Renacimiento_italiano_e8059bf7d1.jpg"> "La Gioconda", pieza pilar del Renacimiento italiano (Getty Images).<h2>Leonardo da Vinci, el ícono detrás de la fecha</h2>No hay dudas que si de artistas legendarios hablamos, el nombre de Leonardo da Vinci es uno de los primeros que aparece en nuestra mente. Nacido en la localidad de Vinci, el pintor, arquitecto, paleontólogo y escritor italiano es, sin lugar a dudas, una de las grandes leyendas del arte a nivel mundial. Con obras como “Adoración de los Magos”, “La Virgen de las Rocas”, “La Gioconda”, “La Última Cena”, “La Dama del Armiño”, “Hombre de Vitruvio”, “Anunciación” y “San Jerónimo”, entre otras tantas piezas, el italiano se ha grabado en las páginas doradas del Renacimiento italiano y del arte en general y se ha adueñado de uno de los asientos en la mesa de las personas más influyentes y gloriosas del arte mundial.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_Ultima_Cena_una_de_las_obras_mas_iconicas_de_Leonardo_da_Vinci_a1f82c5910.jpg"></figure>"La Última Cena", una de las obras más icónicas de Leonardo da Vinci (Getty Images).<h2>Desde Pablo Picasso hasta Martín Ron: los referentes del arte mundial y latino</h2>Si bien las obras y el impacto del italiano han sido significativas, y la elección de su fecha de nacimiento para tal reconocimiento lo demuestran, el mundo del arte también ha visto un gran puñado de artistas que han dejado su huella y también se han ganado un lugar en el olimpo del mismo. Vincent van Gogh, ícono mundial y autor de piezas como “La Noche Estrellada”, Pablo Picasso, fundador del cubismo y creador de obras icónicas como “Guernica”, y Frida Kahlo, artista mexicana destacada por piezas como “Las dos Fridas”, son tan solo algunos de los artistas que dejaron su estampa en los libros de historia. Sin embargo, y como todo en el mundo, el arte se continuó desarrollando, nuevas corrientes artísticas dieron a luz y artistas como el británico Banksy, el estadounidense Shepard Fairey, el portugués Vhils y el italiano Blu, entre otros, que continuaron con el legado de íconos como Picasso y Kahlo y se adueñaron del olimpo del arte en los últimos años.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Eduardo_Kobra_el_brasileno_sensacion_del_arte_urbano_latino_e_internacional_8d08f68cee.jpg"> Eduardo Kobra, el brasileño sensación del arte urbano latino e internacional (Instagram/Eduardo Kobra).A su vez, Latinoamérica, uno de los continentes más importantes en el mundo del arte, también continuó con la línea y sacó varios artistas que también dejaron una huella en lo suyo. El mexicano Diego Rivera, el colombiano Fernando Botero, el cubano Wifredo Lam y el ecuatoriano Oswaldo Guyasamín hace ya unos cuantos años, y los brasileños Os Gêmeos y Eduardo Kobra, la colombiana Nandy Mondragón, los argentinos Martín Ron y David Petroni y el uruguayo José Gallino en la actualidad son los grandes representantes a nivel continental e internacional.

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¿Por qué se celebra el Día Mundial del Arte?

Así como cuenta con grandes referentes en escenas como la gastronomía, la música, la moda y el deporte, Latinoamérica también presenta un gran grupo de artistas importantes dentro del arte urbano como el uruguayo José Gallino, el chileno Cristóbal Persona y la colombiana Nandy Mondragón, entre otros.<h2>Cristóbal Persona (Chile)</h2>Cristóbal Espinosa, conocido en el mundo del arte bajo el nombre de Cristóbal Persona, es uno de los grandes referentes del arte urbano tanto en Chile como en Latinoamérica. Con más de siete años en el circuito, el chileno ha trabajado estilos como el realismo y el hiperrealismo y ha pintado obras con temáticas acerca de la comunión entre el ser humano y el cosmos, rostros de personas y figuras relacionadas con la flora y la fauna como elementos principales de sus piezas artísticas. Además de dejar su huella en países como Chile, España y Bolivia, el artista nacido en Maipú participó en festivales de muralismo como Museo Macul y Numu Ecuador y se quedó con el primer puesto en la prestigiosa competición organizada por Street Art Cities sobre el mejor mural del mundo por su obra “Charanguista Andino”, pieza ubicada en la localidad de Fene que representa a Sergio Madrid, maipucino de la agrupación Kollasuyu de música andina.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Obra_de_Cristobal_Persona_en_Santiago_de_Chile_4f83a6763a.jpg"> Obra de Cristóbal Persona en Santiago de Chile (Instagram/Cristóbal Persona).<h2>Nandy Mondragón (Colombia)</h2>Otra referente del arte urbano en Latinoamérica es la colombiana Nandy Mondragón. Graduada de la Institución Universitaria de las Culturas y las Artes Populares de Cali, la artista plástica y urbana ha colmado los muros colombianos con sus obras destacadas por sus colores y figuras realistas y se ha consolidado como una de las mayores exponentes nacidas en Colombia. Con piezas como “Nutria Neotropical”, obra realizada en el festival Uzathama en Silvania y protagonizada por una nutria marina, “El lagarto y la rana”, pieza en colaboración con la artista Rito Sin Sermones, y “Faro del Oriente”, obra realizada junto con Diana Teca, la artistas colombiana se hizo de un nombre en la escena latina.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Faro_del_Oriente_obra_realizada_por_Nandy_Mondragon_en_Cali_865972fc88.jpg"> "Faro del Oriente", obra realizada por Nandy Mondragón en Cali (Instagram/Nandy Mondragón)..<h2>José Gallino (Uruguay)</h2>Oriundo del departamento uruguayo de Salto y con presencia en la escena del graffiti desde hace más de diez años, José Gallino es otro de los artistas presentes en el listado de los grandes referentes del arte urbano latinoamericano. Con obras de realismo e hiperrealismo de figuras uruguayas como China Zorrilla, Edinson Cavani, Óscar Washington Tabárez, Juan José Morosoli y Antonio Grompone, el salteño conocido como Gallino Art en la escena artística ha conquistado las paredes uruguayas con su impronta caracterizada por el retrato detallado de rostros de personas y ha logrado establecerse como un pilar dentro del país sudamericano.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_retrato_de_Mandela_y_de_Malala_en_Montevideo_hecho_por_Jose_Gallino_78aed4d4c6.jpg"> El retrato de Mandela y de Malala en Montevideo hecho por José Gallino (Gallino Art).<h2>David Petroni (Argentina)</h2>Nacido en Buenos Aires y con estudios de Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Arte (UNA) y Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) de la Universidad de Buenos Aires (UBA), David Petroni es otro de los artistas presentes en el listado de los grafiteros más populares de Latinoamérica. Con obras en ciudades como Buenos Aires, París, Río de Janeiro, Lisboa, Roma, Barcelona y Miami, entre otras metrópolis, y trabajos que van desde la pintura hasta el grabado o el volumen tridimensional, el argentino logró adueñarse de un lugar en la mesa de los pilares del arte urbano argentino y latinoamericano.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Obra_de_David_Petroni_en_pleno_barrio_de_Once_b9cd85b4ee.jpg"> Obra de David Petroni en pleno barrio de Once (Instagram/David Petroni).<h2>Saner (México)</h2>A pesar de contar con grandes exponentes como Seher, Paola Delfín y Smithe, entre tantos otros nombres, Saner ha llegado a ser uno de los artistas urbanos más reconocidos de Latinoamérica. Con exposiciones en distintas partes del mundo como México, Estados Unidos y Europa y diseños con máscaras como elemento protagonista en cada uno de los retratos, Edgar Flores, nombre de pila del grafitero, el mexicano se ha establecido como uno de los grandes exponentes del graffiti tanto a nivel local como regional.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Obra_de_Saner_4d2162ab9f.jpg"> Obra de Saner (Vagabunda MX).

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Mural de Nandy Mondragón junto a Rito Sin Sermones en Cali.jpg

De José Gallino a David Petroni: los grafiteros latinos que debes conocer

El&nbsp;arte urbano en&nbsp;América Latina es una manifestación diversa que refleja las particularidades&nbsp;culturales,&nbsp;sociales y&nbsp;políticas de cada país. Las&nbsp;técnicas y&nbsp;materiales empleados por los&nbsp;artistas urbanos varían significativamente entre naciones, lo que evidencia cómo el contexto local influye en la&nbsp;expresión artística. A continuación, exploraremos algunas de estas diferencias, predominantes en países como&nbsp;México,&nbsp;Brasil,&nbsp;Argentina y&nbsp;Colombia.<h2>México</h2>En&nbsp;México, el&nbsp;muralismo tiene profundas raíces históricas que se remontan a principios del siglo XX, con figuras emblemáticas como&nbsp;Diego Rivera,&nbsp;David Alfaro Siqueiros y&nbsp;José Clemente Orozco. Esta tradición llegó al&nbsp;arte urbano contemporáneo, donde los&nbsp;artistas utilizan principalmente&nbsp;pintura acrílica y&nbsp;aerosoles para crear&nbsp;murales de gran escala que abordan temas&nbsp;sociales y&nbsp;culturales. La&nbsp;técnica permite una integración detallada de elementos&nbsp;simbólicos y&nbsp;narrativos, de forma que conecta la tradición con el presente y fomenta un diálogo entre la&nbsp;obra y la&nbsp;gente.<h2>Argentina</h2>En&nbsp;Argentina, particularmente en&nbsp;Buenos Aires, la técnica predominante es el uso del&nbsp;esténcil en el&nbsp;arte urbano. Esta permite la&nbsp;reproducción rápida de&nbsp;imágenes y&nbsp;mensajes, de forma que facilita la difusión de contenido con carga&nbsp;política y&nbsp;social. Los&nbsp;artistas argentinos utilizan&nbsp;plantillas y&nbsp;aerosoles para plasmar sus&nbsp;obras en las calles, con el abordaje de temas como&nbsp;derechos humanos,&nbsp;memoria histórica y&nbsp;justicia social.&nbsp;<h2>Colombia</h2>En&nbsp;Colombia, el&nbsp;graffiti evolucionó como una forma de&nbsp;transformación del&nbsp;espacio público y expresión de las vivencias de comunidades marginadas. Las ciudades como&nbsp;Bogotá y&nbsp;Medellín tienen un auge en&nbsp;murales que narran historias locales y para ellos utilizan principalmente&nbsp;aerosoles y&nbsp;pintura látex. Los&nbsp;artistas colombianos suelen trabajar en colaboración con las comunidades, de manera que integran elementos de la&nbsp;identidad local y promueven mensajes de&nbsp;paz y&nbsp;reconciliación. Por lo tanto, es un hecho que este país reivindica el street art&nbsp;como herramienta para la&nbsp;transformación social y la construcción de&nbsp;memoria colectiva.<h2>Brasil</h2>Brasil es reconocido por su escena de&nbsp;graffiti, especialmente en ciudades como&nbsp;São Paulo y&nbsp;Río de Janeiro. Los&nbsp;artistas brasileños suelen usar&nbsp;aerosoles para crear&nbsp;obras que van desde&nbsp;letras estilizadas hasta complejas&nbsp;composiciones figurativas. Una característica distintiva es la incorporación de&nbsp;cuestiones locales y la experimentación con&nbsp;colores vivos y&nbsp;formas orgánicas. Además, proyectos como&nbsp;Negromuro en&nbsp;Río de Janeiro utilizaron el street&nbsp;art para homenajear a figuras prominentes de la&nbsp;comunidad negra.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Grafitti_en_Rio_de_Janeiro_fbb1580102.jpeg"> El distintivo graffiti brasileño [Imagen], por Velvet Escape.<h2>Contextos locales</h2>Las diferencias en las&nbsp;técnicas y&nbsp;materiales utilizados en el&nbsp;arte urbano latinoamericano están profundamente influenciadas por factores como la&nbsp;disponibilidad de recursos, las&nbsp;condiciones climáticas y las&nbsp;tradiciones culturales de cada país. Por ejemplo, en regiones donde los&nbsp;materiales de calidad son&nbsp;costosos o&nbsp;difíciles de conseguir, los&nbsp;artistas recurren a&nbsp;soluciones creativas y utilizan&nbsp;pinturas caseras o&nbsp;materiales reciclados. Además, las&nbsp;condiciones climáticas pueden determinar la elección de ciertos&nbsp;materiales; en zonas húmedas, se prefieren&nbsp;pinturas resistentes al agua para garantizar la&nbsp;durabilidad de las&nbsp;obras.La&nbsp;tradición artística local también juega un papel crucial. En países con una fuerte herencia&nbsp;muralista, como&nbsp;México, las&nbsp;técnicas tradicionales se adaptan y fusionan con&nbsp;estilos contemporáneos, mientras que en&nbsp;naciones con una historia de&nbsp;activismo político, como&nbsp;Argentina, el&nbsp;arte urbano se convierte en un&nbsp;vehículo para la protesta y la&nbsp;expresión social.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_movimiento_no_me_bano_en_argentina_82660424af.jpg"> El movimiento argentino “No me baño” es un símbolo de protesta mediante el arte urbano [Imagen], por La Gaceta.El&nbsp;arte urbano en&nbsp;América Latina es un reflejo de la&nbsp;diversidad regional. Las&nbsp;técnicas y&nbsp;materiales empleados por los&nbsp;artistas urbanos responden a las posibilidades y limitaciones del entorno, encapsulan las&nbsp;historias,&nbsp;luchas y&nbsp;aspiraciones de sus&nbsp;comunidades. Comprender estas diferencias nos permite apreciar la&nbsp;profundidad y&nbsp;complejidad del&nbsp;arte urbano latinoamericano y reconocer su papel fundamental en la&nbsp;construcción de identidades y en la&nbsp;transformación del espacio público.

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