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Corgan, entre la arquitectura y la calle

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El graffiti puede aparecer en una pared, una persiana o una fachada, pero también puede terminar en una instancia judicial o administrativa: eso ocurrió en Mendoza, donde una mujer fue declarada responsable por 22 pintadas en espacios públicos y bienes privados de la metrópoli.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De pintar una persiana a enfrentar 22 infracciones: el caso artístico que abrió un debate en Mendoza</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Aunque muchas veces se piensa al arte urbano únicamente desde su costado artístico, <strong>su vínculo con el espacio público también puede llevarlo al terreno judicial y administrativo</strong>. La convivencia entre las intervenciones urbanas y las normativas municipales genera desde hace años distintos debates, especialmente <strong>cuando una obra aparece sobre una superficie sin autorización</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y en <strong>Mendoza</strong>, un caso reciente volvió a poner esa relación en el centro de la discusión.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_de7782a41c.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Una de las intervenciones hechas por la mujer acusada en Mendoza (Prensa Ciudad de Mendoza).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La situación comenzó el 3 de enero, <strong>cuando una mujer fue encontrada mientras realizaba una pintada sobre la persiana de un comercio ubicado en Mitre 1657</strong>, Ciudad de Mendoza. Durante el procedimiento, <strong>los agentes secuestraron 17 envases de pintura en aerosol</strong>, además de otros elementos, y se labró un acta por una presunta infracción a los artículos 21 y concordantes de la Ordenanza Municipal N.º 3877/14, Código de Convivencia Ciudadana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La normativa establece la <strong>prohibición de realizar grafitis, pintadas, manchas, garabatos, escritos, inscripciones o pegatinas tanto en espacios públicos como en bienes privados sin autorización previa</strong>. Al mismo tiempo, la legislación municipal contempla que los murales artísticos realizados con autorización del propietario y, cuando corresponde, del municipio, quedan exceptuados de esa prohibición.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A partir de aquella primera intervención, la Municipalidad inició una investigación para determinar si existían otras pintadas vinculadas con la misma autora. El procedimiento <strong>permitió identificar 21 grafitis adicionales realizados en fachadas, comercios y edificios públicos</strong>, cuyas características y similitudes fueron utilizadas para relacionarlos con la mujer investigada.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La investigación también llevó a <strong>identificar una cuenta de Instagram donde se registraban y difundían las intervenciones, tanto durante el proceso de realización como una vez terminadas</strong>. De acuerdo con la información oficial, durante la audiencia los integrantes del Jurado Vecinal incluso solicitaron comprobar los tatuajes que la mujer tenía en ambos brazos antes de continuar con la deliberación.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_97675bb1e6.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El arte urbano como centro de debate en Mendoza (Prensa Ciudad de Mendoza).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El caso llegó entonces al <strong>Jurado Vecinal</strong>, una herramienta implementada por la Ciudad de Mendoza que permite la participación directa de vecinos en el análisis de determinadas infracciones al Código de Convivencia. En esta oportunidad, <strong>siete ciudadanos participaron voluntariamente de la evaluación y, después de analizar los hechos, determinaron por unanimidad la responsabilidad de la mujer por las 22 pintadas</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>sanción económica</strong> es uno de los puntos que más llamó la atención. Como la multa se aplica por cada infracción, <strong>la suma de las 22 podría alcanzar los $10 millones de pesos argentinos ($6 mil dólares estadounidenses)</strong>. La Municipalidad informó además que, ante una eventual falta de pago voluntario, puede iniciarse un procedimiento de apremio en los juzgados tributarios y, una vez firme la sentencia y ante el incumplimiento, avanzar con medidas como el embargo o la inhibición.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Más allá del expediente, <strong>el caso también abrió una discusión alrededor del graffiti y el espacio público</strong>. En redes sociales aparecieron opiniones que cuestionaron la magnitud de la sanción y <strong>defendieron la idea de que determinadas intervenciones pueden contribuir a embellecer una ciudad</strong>, mientras otras posiciones remarcaron que intervenir una propiedad o un espacio público sin autorización supone igualmente incumplir una normativa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_7ab97a783a.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El graffiti como centro de atención del Jurado Vecinal (Prensa Ciudad de Mendoza).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>La discusión también se cruzó con otros usos del espacio público y con el accionar de partidos políticos</strong>, especialmente por la colocación de carteles y propaganda en postes, paredes y otros elementos urbanos. El propio municipio de Mendoza ya había advertido en años anteriores a las agrupaciones políticas que las pegatinas, grafitis y soportes gráficos que afectaran la vía pública también podían ser sancionados.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Así, un caso que comenzó con una pintada sobre una persiana terminó abriendo una conversación mucho más amplia: <strong>¿dónde termina la expresión artística y dónde comienza la intervención no autorizada sobre el espacio público?</strong> En Mendoza, esa discusión ahora quedó atravesada por un Jurado Vecinal, 22 infracciones y una sanción económica que podría alcanzar los diez millones de pesos.</span></p>

22 grafitis y una multa de hasta $10 millones_ el caso que sacudió al arte urbano en Mendoza (1) (1).avif

22 grafitis y una multa de hasta $6 mil dólares: el caso que sacudió al arte urbano en Mendoza

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Cartoons Urbanos, el proyecto que convierte a las figuras del género urbano en muñecos de cartón

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cuando una cancha vuelve a cobrar vida, el cambio no se limita a la pintura: también se recupera un espacio de encuentro para toda una comunidad. Eso hizo True Buckets en Gurabo, Puerto Rico, donde reacondicionó una cancha y la bautizó en homenaje a Ricardo “Ricky” Izarri Rivera.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Del abandono al básquet callejero: True Buckets renovó una cancha en Gurabo</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>baloncesto callejero</strong> es una de las grandes expresiones de la cultura deportiva urbana en <strong>Puerto Rico</strong> y <strong>True Buckets</strong> se convirtió en uno de sus <strong>grandes referentes digitales</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En los últimos días, <strong>el proyecto volvió a llamar la atención al transformar una cancha de Gurabo y convertirla además en un homenaje a Ricky</strong>, un joven de 17 años de edad que falleció en un accidente.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El espacio fue bautizado como cancha <strong>Ricardo Andrés Izarri Rivera</strong>, en memoria de Ricky, y <strong>fue completamente reacondicionado por el equipo de True Buckets</strong>. La intervención comenzó con <strong>una limpieza profunda de la superficie y de los aros mediante agua a presión</strong>, seguida por un proceso de recuperación de las zonas deterioradas y de preparación de la cancha para la nueva pintura.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Ddo86-3prKk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/Ddo86-3prKk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/Ddo86-3prKk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de True Buckets (@true.buckets)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después de <strong>retirar partes de la pintura en mal estado</strong> y trabajar sobre las superficies que necesitaban una recuperación, llegó el momento de <strong>reconstruir visualmente el espacio</strong>. Durante varias jornadas, el equipo avanzó con el pintado, la colocación de cintas para delimitar las líneas y la intervención de los aros, <strong>hasta completar una cancha con la identidad característica de True Buckets</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La nueva imagen está dominada por los colores <strong>azul, naranja y blanco</strong>, mientras que <strong>el logo del proyecto aparece en el centro de la superficie</strong>. A un costado también quedó presente <strong>el nombre de Ricardo Andrés Izarri Rivera</strong>, un detalle que convierte a la cancha no solamente en un espacio deportivo renovado, sino también en un lugar de memoria.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1e378adcf3.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">True Buckets como emblema del baloncesto callejero en Puerto Rico (Instagram/True Buckets).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto contó con el trabajo artístico de los puertorriqueños <strong>Hans María y De Tó</strong>, además de la participación de diferentes integrantes de la comunidad de True Basket. Entre quienes colaboraron aparecen Julián Torres y Bebote, junto con el resto del equipo, <strong>aportando herramientas, materiales y horas de trabajo para completar la transformación</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">https://www.streetartlatam.com/articulo/el-emblema-del-baloncesto-callejero-en-puerto-rico/1000423</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La intervención también incorporó <strong>bancos para el público</strong>, pensados para acompañar los encuentros y recuperar la idea de la cancha como punto de reunión. De esta manera, el reacondicionamiento no quedó limitado a la superficie de juego, sino que<strong> </strong>buscó <strong>devolverle al lugar las condiciones necesarias para que la comunidad pudiera volver a disfrutar del básquet callejero</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>publicación </strong>con la que <strong>True Buckets</strong> mostró el proceso rápidamente comenzó a circular por redes sociales y <strong>reunió millones de reproducciones y cientos de miles de likes</strong>, acompañada por comentarios cargados de emoción, agradecimiento y cariño hacia Ricky, a quien muchas personas recuerdan simplemente como Ricky.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6621786cfb.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">True Buckets como punto de reunión en la comunidad puertorriqueña del baloncesto (Instagram/True Buckets).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La repercusión también dejó en evidencia<strong> el vínculo que existe entre True Buckets y la comunidad puertorriqueña</strong>. Lo que comenzó como un proyecto de contenido alrededor del básquet callejero terminó convirtiéndose en <strong>una plataforma capaz de movilizar personas para recuperar un espacio deportivo y resignificarlo a través del trabajo colectivo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En ese sentido, la renovación de la cancha de Gurabo vuelve a mostrar una de las principales características del proyecto liderado por Juan Calzada: <strong>utilizar el básquet callejero como una herramienta para conectar personas, contar historias y transformar lugares</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Esta vez, además, el objetivo tuvo un significado especial. La cancha quedó como un homenaje permanente a Ricky y, al mismo tiempo, como un espacio recuperado para que chicos, jóvenes y toda la comunidad puedan volver a encontrarse alrededor de una pelota.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Porque detrás de cada nueva línea, cada aro pintado y cada pared recuperada hay algo que va mucho más allá de una remodelación: <strong>la posibilidad de devolverle vida a un lugar que forma parte de la identidad de un barrio y de mantener viva la memoria de una persona a través del deporte</strong>.</span></p>

True Buckets, el proyecto número uno del baloncesto callejero en Puerto Rico.avif

True Buckets y una cancha que volvió a cobrar vida en Puerto Rico

¿La Inteligencia Artificial amenaza al arte urbano_.avif

¿La inteligencia artificial amenaza al arte urbano?

<p>El stencil es una de las técnicas más reconocibles del arte urbano y una forma sencilla de llevar una imagen, palabra o diseño a una superficie.</p><p>A diferencia de otras disciplinas, no requiere grandes conocimientos para dar los primeros pasos: con una plantilla, pintura y algunos materiales básicos es posible crear una intervención sobre una superficie permitida.</p><h2>¿Qué es un stencil y qué materiales se necesitan?</h2><p>El stencil consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una imagen o diseño sobre una superficie. Al aplicar pintura sobre las zonas recortadas, el material atraviesa esos espacios y genera la figura elegida.</p><p>Para comenzar, se pueden utilizar materiales relativamente fáciles de conseguir:</p><ul><li>Una hoja de papel o cartulina para realizar el diseño.</li><li>Un material más resistente para crear la plantilla, como acetato, plástico fino o cartón.</li><li>Lápiz y regla.</li><li>Cutter o herramienta de corte.</li><li>Pintura en aerosol o pintura aplicada con rodillo o pincel.</li><li>Una superficie permitida sobre la que realizar el diseño.</li><li>Guantes y, si se utiliza aerosol, protección respiratoria adecuada y buena ventilación.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0345934320.png" alt=""><figcaption>Plantilla de stencil (Ana Fernandes).</figcaption></figure><h2>Del diseño hasta la pintura: el paso a paso para hacer un stencil</h2><h3>Elegí el diseño</h3><p>El primer paso es definir qué imagen, palabra o ilustración querés convertir en stencil. Para empezar, lo recomendable es utilizar una figura sencilla, con pocos detalles y formas fácilmente reconocibles.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artistas pintando sobre un stencil en Chile (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h3>Prepará la plantilla</h3><p>Dibujá o imprimí el diseño sobre el material que vas a utilizar como plantilla. Si la imagen tiene diferentes zonas de color, podés preparar una plantilla independiente para cada capa.</p><h3>Identificá las zonas que vas a recortar</h3><p>Antes de utilizar el cutter, definí qué partes de la imagen deben quedar abiertas para permitir el paso de la pintura. Es importante mantener pequeños puentes de material para que las diferentes partes de la plantilla permanezcan conectadas.</p><h3>Recortá el stencil</h3><p>Con cuidado, recortá las zonas previamente marcadas. Este paso define gran parte del resultado final, por lo que conviene trabajar lentamente y mantener los bordes lo más limpios posible.</p><h3>Fijá la plantilla</h3><p>Colocá el stencil sobre una superficie limpia y permitida y asegurate de que quede bien sujeto. Cuanto menos se mueva durante la aplicación, más definidos quedarán los bordes del diseño.</p><h3>Aplicá la pintura</h3><p>Aplicá una capa fina y uniforme de pintura sobre las zonas abiertas de la plantilla. Si utilizás aerosol, evitá cargar demasiado una misma zona para reducir el riesgo de que la pintura se filtre por debajo del stencil.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce7aa6c5e9.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil finalizada en las calles (Hugo L. Casanova).</figcaption></figure><h3>Retirá la plantilla</h3><p>Una vez aplicada la pintura, retirala con cuidado antes de que se acumule demasiado material en los bordes. De esta manera podrás descubrir el resultado final del diseño.</p><h3>Experimentá con capas y colores</h3><p>Cuando ya tengas práctica, podés combinar diferentes plantillas, colores y capas para crear diseños más complejos. Esta técnica permite pasar de una imagen simple a composiciones mucho más elaboradas.</p><p>El stencil demuestra que el arte urbano también puede construirse a partir de procesos simples: una buena idea, una plantilla bien diseñada y el control de la pintura pueden ser suficientes para transformar una imagen en una pieza visual.</p><p><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208">https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208</a></p><p><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208">https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208</a></p><p>&nbsp;</p>

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Cómo hacer un stencil: paso a paso para crear tu propia plantilla

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Si alguna vez viste de cerca el proceso de creación de un mural, probablemente hayas notado algo extraño: antes de pintar, el artista llena la pared de garabatos.</p><p>Y no, no lo hace al azar, sino que es parte de una técnica conocida como <em>doodle grid</em>, que ayuda a trasladar bocetos a gran escala.</p><h2>Doodle grid: por qué los muralistas llenan de garabatos las paredes antes de pintar</h2><p>Es muy probable que, si alguna vez prestaste atención a cómo los artistas realizan sus murales, hayas notado que antes de comenzar con la pintura final suelen llenar la superficie de líneas, formas, letras y garabatos. Y aunque a simple vista pueda parecer algo hecho al azar, en realidad se trata de una técnica utilizada para trasladar un boceto a gran escala con mayor precisión.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e0bb6afe05.png" alt=""><figcaption>Doodle grid hecho por Martín Ron (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure><p>Conocida como <em>doodle grid</em> o cuadrícula de garabatos, esta técnica funciona como una especie de mapa visual sobre la pared. El artista cubre previamente la superficie con diferentes referencias, generalmente utilizando un color claro o spray, para después utilizarlas como puntos de orientación mientras reproduce el diseño a mano alzada.</p><p>A diferencia de una cuadrícula geométrica tradicional, donde la pared se divide en cuadrados para mantener las proporciones, el <em>doodle grid </em>propone una referencia mucho más intuitiva y dinámica. Los garabatos permiten ubicar elementos, calcular proporciones y trasladar partes complejas del boceto sin necesidad de recurrir necesariamente a un proyector.</p><p>Además, esta técnica resulta especialmente útil cuando se trabaja sobre superficies de gran tamaño o en espacios exteriores donde las condiciones de luz pueden dificultar el uso de proyectores. Una vez que comienza la pintura definitiva, las líneas y formas utilizadas como referencia quedan completamente cubiertas, haciendo que desaparezca ese particular “mapa” que permitió construir el mural.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>De esta manera, lo que para cualquier persona puede parecer una pared llena de garabatos sin sentido funciona en realidad como una herramienta de planificación: una manera más rápida, flexible e intuitiva de conservar las proporciones y trasladar un diseño desde un boceto pequeño hasta una obra de grandes dimensiones.</p>

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La razón por la que los muralistas hacen garabatos antes de pintar sus obras

<p>Toda escena artística tiene figuras que encuentran su identidad en una disciplina, pero también existen quienes deciden explorar distintos lenguajes, y en la Ciudad de México, Rodrigo Roji construyó una propuesta donde el tatuaje, el arte y el diseño conviven bajo una misma identidad.</p><h2>Rodrigo Roji y una identidad que cruza distintas disciplinas</h2><p>Nacido en 1990 y oriundo de Ciudad de México, Rodrigo Roji es un artista visual especializado en tatuaje de línea fina que también desarrolló trabajos vinculados a la pintura y la escultura, bajo una propuesta que se expande más allá de la piel y encuentra diferentes espacios dentro de la escena artística mexicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8ca3326281.png" alt=""><figcaption>Rodrigo Roji, el talentoso artista de Ciudad de México (Instagram/Rodrigo Roji).</figcaption></figure><p>Su recorrido lo llevó a ser invitado a tatuar en Bang Bang, uno de los estudios más reconocidos de Nueva York, además de colaborar con compañías mundialmente populares de la talla Apple, adidas, Nike, Corona y New Era.</p><h2>RARR, el universo de coleccionables de Rodrigo Roji</h2><p>Uno de los proyectos que amplió el universo creativo de Roji es RARR, una propuesta de juguetes coleccionables que combina diseño, cultura popular y arte urbano. Las piezas están realizadas en vinilo y, en muchos casos, son ediciones limitadas, con diseños toman referencias de diferentes mundos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Arte urbano y cultura popular.</li></ul><ul><li>Lucha libre.</li></ul><ul><li>Deporte y básquet.</li></ul><ul><li>Streetwear y diseño contemporáneo.</li></ul><p>El proyecto también permitió colaboraciones con nombres como Los Diablos Rojos, NBA y Adidas Originals, consolidando el vínculo del artista con diferentes espacios de la cultura urbana.</p><h2>Del tatuaje al streetwear: la expansión del universo de Rodrigo Roji</h2><p>La exploración de Roji también llegó a la moda con Sad Boy, una línea de ropa y streetwear que reúne prendas y elementos vinculados a su universo visual. Si bien figura temporalmente cerrado en sus canales oficiales, el proyecto también forma parte del recorrido que demuestra la amplitud de su propuesta artística.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dd8be02d98.png" alt=""><figcaption>La colaboración entre Rodrigo Roji y New Era (New Era).</figcaption></figure><p>Roji es además el creador de Not a Gallery, un estudio de tatuaje y galería de arte que funciona como punto de encuentro entre distintas disciplinas.</p><p>Entre tatuajes, esculturas, pinturas, coleccionables y diseño, Rodrigo Roji construyó una identidad que evita quedar encerrada en una única disciplina y conecta diferentes expresiones de la cultura contemporánea.</p>

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Rodrigo Roji, un artista entre tatuajes, pintura y escultura

<p>La escultura también puede nacer de aquello que queda fuera del circuito del consumo. Y en la Ciudad de México, Gastón Gallardo, conocido artísticamente como Galo Escultor, encuentra en objetos recuperados una materia prima para construir piezas que invitan a mirar el mundo desde otra perspectiva.</p><h2>Galo Escultor, una mirada que convierte los objetos en arte</h2><p>Dentro de la escena artística urbana y contemporánea de México, Gastón Gallardo, conocido en el mundo de la escultura como Galo Escultor o simplemente Galo, construyó una identidad marcada por la experimentación con materiales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2547439625.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Egresado de la Universidad Latinoamericana y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, el artista oriundo de la Ciudad de México combina su formación académica con una búsqueda que encuentra inspiración en aquello que muchas veces queda relegado al descarte.</p><p>Su trabajo parte de la recolección de objetos en mercados y tianguis, elementos que adquieren una nueva lectura cuando pasan por sus manos. En lugar de observarlos únicamente como materiales sin utilidad, Galo los entiende como pequeñas piezas de memoria y vestigios de la vida cotidiana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A partir de ellos crea esculturas únicas e irrepetibles, en las que aparecen figuras como caballos, peces, aves, rinocerontes, gorilas y tecuanes, entre muchas otras formas.</p><p>A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones individuales y colectivas y llevó sus piezas a distintos espacios culturales de México, entre ellos aparecen el Museo de la Ciudad de México, la Academia de San Carlos, la Biblioteca Vasconcelos y la Bienal de Fotografía de Oaxaca.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_59a87a2d53.png" alt=""><figcaption>Trabajos de Galo Escultor (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Su obra también se caracteriza por combinar distintos materiales y objetos de uso cotidiano, generando piezas en las que lo encontrado deja de ser simplemente un elemento viejo para convertirse en parte de una composición artística.</p><h2>Arte, consumo y una segunda vida para los objetos</h2><p>Detrás de cada pieza existe también una reflexión sobre la manera en que la sociedad produce, consume y descarta. La recuperación de materiales funciona como una forma de cuestionar ese ciclo y demostrar que aquello que perdió su función todavía puede adquirir un nuevo significado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_918c9ee247.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Así, Galo explora lo onírico, lo religioso y lo simbólico, utilizando la escultura como una herramienta para hablar sobre el ambiente y la cultura del descarte.</p><p>Cada creación es, en definitiva, una nueva oportunidad para mirar aquello que normalmente pasa desapercibido: objetos cotidianos que, después de ser encontrados y transformados, pueden convertirse en piezas únicas y volver a tener una historia.</p>

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Galo Escultor, el artista que transforma lo descartado en piezas artísticas

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>Después de conquistar generaciones dentro del mundo de los videojuegos, Street Fighter vuelve a ser noticia, aunque esta vez lejos de las consolas. La histórica franquicia de Capcom protagoniza una nueva colaboración junto a PUMA, que transformó a sus personajes más emblemáticos en una colección de sneakers.</p><h2>PUMA lleva el universo de Street Fighter a las icónicas Suede</h2><p>Cada vez es más común ver cómo la cultura pop, entiéndase por películas, series, videojuegos o libros, gana terreno dentro del mundo de los sneakers. Y uno de los últimos casos que vuelve a confirmar esta tendencia es la colaboración entre PUMA y Capcom, que lleva a algunos de los personajes más icónicos de Street Fighter al universo del calzado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1c7f05bfb1.png" alt=""><figcaption>Chun-Li de Street Fighter hecha sneaker por PUMA (PUMA).</figcaption></figure><p>En el marco del 58° aniversario de las PUMA Suede, una de las siluetas más emblemáticas de la firma alemana y un verdadero ícono de la moda urbana, la marca presentó la colección &quot;Street Fighter x Puma Suede Pack&quot;.</p><p>La colaboración está compuesta por tres modelos exclusivos inspirados en la histórica franquicia de videojuegos y, según trascendió, llegará a la tienda oficial de Puma y a puntos de venta seleccionados hacia finales de este año.</p><h2>Así luce la colección Street Fighter x PUMA Suede</h2><p>La cápsula está integrada por tres pares de zapatillas que toman como inspiración a algunos de los luchadores más emblemáticos de Street Fighter. Cada diseño adapta los colores, ataques y detalles característicos de su personaje para trasladarlos a la clásica silueta PUMA Suede.</p><ul><li>Chun-Li: combina cuero de primera calidad con tachas metálicas plateadas y detalles dorados, en referencia a los brazaletes y a la tradicional vestimenta de la luchadora china.</li></ul><ul><li>Ryu: apuesta por una base blanca con la clásica Formstrip de Puma en rojo y detalles que simulan salpicaduras de pintura negra. Además, incorpora una ilustración del Hadouken, el legendario ataque de energía del personaje.</li></ul><ul><li>Ken Masters: presenta un diseño inverso al de Ryu, con una base roja, la Formstrip en blanco y el mismo efecto de pintura negra. En este caso, el homenaje llega a través de una ilustración del Shoryuken, su icónico puñetazo ascendente.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7badbdd99.png" alt=""><figcaption>La suela de las zapatillas de PUMA inspiradas en el universo de Street Fighter (PUMA).</figcaption></figure><p>Como detalle adicional, cada uno de los pares incorpora una etiqueta con la inscripción &quot;World Warrior Tournament&quot; (Torneo Mundial de Guerreros), la competencia ficticia donde se desarrolla Street Fighter, además del nombre del personaje correspondiente impreso sobre la suela, reforzando el vínculo entre la colección y una de las franquicias más importantes de la historia de los videojuegos.</p>

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Ryu, Ken y Chun-Li de Street Fighter llegan a los sneakers con PUMA

<p>El arte puede aparecer en los lugares y materiales más inesperados: desde una lata de pintura hasta alimentos, arena o elementos reciclados. Y en México, una tradición artesanal encontró una nueva forma de expresarse.</p><p>Se trata de Taka Arte, un proyecto que lleva el arte huichol al universo Pokémon a través de piezas únicas hechas a mano, donde la cultura pop se encuentra con una tradición cargada de simbolismo.</p><h2>Taka Arte y la fusión entre Pokémon y arte huicho</h2><p>El universo artístico no se limita a las obras sobre un bastidor, los murales hechos con pintura o las esculturas tradicionales. Existen propuestas que encuentran en distintos materiales y técnicas una manera de crear, y en México el arte huichol es una de las expresiones que mantiene una fuerte identidad artesanal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4852f91116.png" alt=""><figcaption>Eevee hecho con arte huichol por Taka Arte (Taka Arte).</figcaption></figure><p>En ese escenario aparece Taka Arte, un proyecto que tomó esta técnica y la llevó hacia uno de los universos más reconocidos de la cultura pop: Pokémon. A través de piezas únicas realizadas a mano, la propuesta combina personajes de distintas generaciones con una estética artesanal que convierte a cada diseño en una obra particular.</p><p>Entre los Pokémon que forman parte de su universo aparecen:</p><ul><li>Mega Gyarados</li></ul><ul><li>Ivysaur</li></ul><ul><li>Charizard X</li></ul><ul><li>Dragonite</li></ul><ul><li>Eevee</li></ul><ul><li>Psyduck</li></ul><ul><li>Squirtle</li></ul><ul><li>Charmander</li></ul><ul><li>Sylveon</li></ul><ul><li>Gengar</li></ul><ul><li>Pikachu</li></ul><ul><li>Rayquaza</li></ul><ul><li>Bulbasaur</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá del componente visual, cada pieza busca conservar el vínculo del arte huichol con la naturaleza y la espiritualidad. Los colores, símbolos y formas no funcionan únicamente como elementos decorativos, sino que pueden representar historias vinculadas con la protección, la vida y la tradición.</p><h2>¿Qué es el arte huichol, la técnica con la que Taka Arte transforma los Pokémon?</h2><p>El arte huichol, también conocido como arte wixárika, es una expresión artesanal vinculada al pueblo wixárika de México. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores intensos, formas simbólicas y elementos relacionados con la naturaleza y la cosmovisión de esta comunidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d82e2f2537.png" alt=""><figcaption>Arte huichol (Marival Resorts).</figcaption></figure><p>Esta tradición puede encontrarse en distintas piezas y objetos decorativos, donde los colores y símbolos adquieren un significado que va más allá de lo estético. Taka Arte toma esa identidad artesanal como punto de partida para trasladarla a personajes y referencias de la cultura pop.</p><p>Así, Pokémon se convierte en el puente entre dos universos diferentes: por un lado, una tradición artística mexicana; por otro, una franquicia reconocida mundialmente.</p>

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Pokémon, arte huichol y piezas únicas hechas a mano: el universo de Taka Arte

<p>Muchas veces el arte urbano se relaciona con grandes murales, aerosoles y paredes intervenidas. Sin embargo, también puede aparecer en formatos mucho más pequeños y cotidianos, como un cartel pintado a mano, y el tapatío Brandon Mata es una eminencia a lo largo y ancho del territorio mexicano.</p><h2>Brandon Mata y el arte detrás de cada letrero</h2><p>En la escena mexicana existen distintos emblemas del arte urbano: algunos encuentran su inspiración en el deporte, otros en la naturaleza y otros en la cultura popular. Pero también están quienes entienden que el arte urbano va mucho más allá de las latas de pintura, los murales y los grafitis.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y es en Guadalajara donde aparece el nombre de Brandon Mata, uno de los artistas que lleva esa mirada a los carteles y letreros pintados completamente a mano.</p><p>Brandon Mata es un artista mexicano oriundo de Guadalajara especializado en rotulación a mano, una técnica que utiliza pinceles y pintura para crear carteles, anuncios y diferentes piezas gráficas directamente sobre distintas superficies.</p><p>Su trabajo puede encontrarse en espacios tan cotidianos como locales gastronómicos, pizzerías, puestos de comida y establecimientos de bebidas. Allí, aquello que a simple vista podría parecer un vinilo o una impresión industrial tiene detrás el pulso y la precisión del artista tapatío.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c26279d8b.png" alt=""><figcaption>El trabajo de Brandon Mata en acción (Instagram/Brandon Mata).</figcaption></figure><p>La rotulación convierte así una herramienta comercial en una pieza visual que combina tipografías, colores, composiciones y detalles realizados completamente a mano.</p><p>Aunque Guadalajara aparece como uno de los principales puntos de trabajo de Mata, su obra también llegó a diferentes ciudades y regiones de México.</p><ul><li>Guadalajara.</li></ul><ul><li>Puerto Vallarta.</li></ul><ul><li>Aguascalientes.</li></ul><ul><li>Nayarit.</li></ul><ul><li>Querétaro.</li></ul><ul><li>Jalisco.</li></ul><p>Su recorrido demuestra cómo la rotulación puede trascender la función de anunciar un producto o negocio para convertirse en una expresión artística propia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en tiempos donde gran parte de la comunicación visual se produce de manera digital, el trabajo de Brandon Mata recupera el valor de una técnica que depende directamente del pulso, la paciencia y la precisión. Cada cartel tiene, de esta manera, un componente irrepetible: detrás de cada letra, dibujo o composición existe una persona que tomó un pincel y construyó la pieza desde cero.</p>

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Brandon Mata y el arte de pintar letreros a mano

<p>El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.</p><h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2><p>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.</p><p>Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio</em>”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.</p><p>Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.</p><h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2><p>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “<em>Jamaican heart</em>”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.</p><p>Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.</p><h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2><p>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.</p><p>Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.</p><p>Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.</p><p>Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.</p>

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El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

<p>Mientras muchos artistas trabajan con pintura o lienzos, Toto Tatuer eligió un camino completamente distinto. A través del vidrio fracturado, el artista plástico de Ingeniero Maschwitz desarrolló una técnica propia que transforma las grietas en el principal recurso visual de cada una de sus obras.</p><h2>Conocé a Toto Tatuer, el argentino que crea retratos y símbolos utilizando vidrio fracturado</h2><p>Dentro de la escena artística argentina conviven propuestas de todo tipo: desde artistas dedicados al muralismo de gran escala hasta tatuadores que llevan el realismo como bandera. Y en ese amplio universo aparece Toto Tatuer, un artista que encontró a través de la resignificación de materiales cotidianos como el vidrio, el hierro y las cadenas una manera particular de construir su propia identidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Oriundo de Ingeniero Maschwitz, el artista plástico y también tatuador autodidacta logró convertirse en una de las figuras que más llaman la atención dentro de la escena artística de Buenos Aires gracias a una propuesta tan inusual como desafiante.</p><p>Su trabajo parte de elementos que forman parte de la vida cotidiana para transformarlos mediante procesos manuales que requieren precisión, paciencia y, en algunos casos, asumir ciertos riesgos durante su elaboración.</p><p>Actualmente instalado en el barrio porteño de Chacarita, Toto Tatuer llevó su particular mirada artística a proyectos junto a firmas de primer nivel como Samsung, Fernet Branca y McDonald&#x27;s, además de colaborar con figuras de la música como Cazzu.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95a4a74413.png" alt=""><figcaption>La Gioconda hecha con vidrio destrozado por Toto Tatuer (Toto Tatuer).</figcaption></figure><p>De esta manera, la obra del artista de Ingeniero Maschwitz logró trascender el circuito artístico tradicional para encontrar nuevos espacios donde los materiales y objetos cotidianos pueden adquirir una segunda vida.</p><h2>El vidrio roto como sello de identidad artística</h2><p>Más allá de resignificar materiales cotidianos como el vidrio, el hierro o las cadenas, Toto Tatuer desarrolló un lenguaje visual donde las fracturas se convierten en el principal recurso artístico. A través de impactos cuidadosamente controlados sobre el cristal, el artista construye retratos, animales, símbolos, frases e íconos populares utilizando las propias grietas como líneas de composición.</p><p>Entre las obras del artista de Ingeniero Maschwitz aparecen reinterpretaciones de clásicos como La Gioconda, escudos deportivos como el de Boca Juniors, corazones anatómicos, ojos, animales y composiciones tipográficas, siempre manteniendo al vidrio quebrado como protagonista absoluto de cada pieza.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa combinación entre técnica, precisión y materiales poco convencionales hace que cada trabajo sea irrepetible, ya que el patrón de fracturas nunca vuelve a repetirse exactamente de la misma manera. El resultado son obras que transforman un elemento asociado a la rotura en una expresión artística cargada de detalle, textura y profundidad.</p><p>En un contexto donde el arte contemporáneo busca constantemente nuevos lenguajes, Toto Tatuer demuestra que incluso un material asociado a la destrucción puede convertirse en el punto de partida para construir belleza. Una obra que invita a mirar las fracturas desde otra perspectiva y confirma que el arte también puede surgir allí donde muchos solo ven un objeto roto.</p>

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Toto Tatuer y el arte de transformar el vidrio roto en obras únicas

<p>El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.</p><h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2><p>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.</p><p>La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.</p><p>Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul><p>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.</p><h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2><p>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.</p><p>En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.</p><p>El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.</p><h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2><p>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.</p><p>La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.</p><p>Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.</p><p>La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.</p>

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Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

<p>No todas las obras requieren las mismas herramientas de trabajo. El tamaño, la superficie y el estilo del mural pueden determinar si conviene utilizar aerosol, rodillo o pincel, y desde Street Art Latam te acercamos una guía para conocer cuál es la indicada para cada obra.</p><h2>Aerosol: precisión, color y libertad para crear</h2><p>El aerosol es una de las herramientas más asociadas al arte urbano y resulta especialmente útil cuando se buscan líneas definidas, degradados, detalles y una mayor libertad para trabajar sobre grandes superficies. El hecho de utilizar aerosol también permite superponer colores y crear diferentes efectos según el tipo de boquilla utilizada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_41498d6a95.png" alt=""><figcaption>Persona utilizando un spray como herramienta de trabajo (Felicity Tai).</figcaption></figure><p>Para murales de estética urbana, graffiti o composiciones que requieren precisión y variedad de trazos, el aerosol suele ser una de las opciones más versátiles y elegidas.</p><h2>Rodillo: la mejor opción para cubrir grandes superficies</h2><p>El rodillo es una herramienta ideal para cubrir grandes superficies de manera rápida y uniforme. A diferencia del aerosol o el pincel, la principal ventaja del rodillo está en la cantidad de pintura que permite aplicar en poco tiempo, por lo que suele utilizarse para fondos, bases de color y zonas amplias del mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8605ed7d25.png" alt=""><figcaption>Rodillo, herramienta ideal para cubrir grandes superficies (Tima Miroshnichenko).</figcaption></figure><p>Además, puede combinarse con otras herramientas: por ejemplo, utilizar un rodillo para construir el fondo y después recurrir al aerosol o al pincel para sumar detalles, contornos y elementos más pequeños.</p><h2>Pincel: el aliado para los detalles y las terminaciones</h2><p>El pincel permite trabajar con mayor precisión y control, por lo que resulta especialmente útil para detalles, líneas finas, terminaciones y pequeñas zonas que requieren una aplicación más cuidadosa de la pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_995c5660d9.png" alt=""><figcaption>Detalles hechos con pincel en un mural (K).</figcaption></figure><p>También puede ser una buena opción cuando el mural incorpora técnicas más cercanas a la pintura tradicional o cuando se busca trabajar con diferentes texturas y grosores de trazo. Al igual que el rodillo, puede combinarse con aerosol para conseguir diferentes acabados dentro de una misma obra.</p><h2>¿Aerosol, rodillo o pincel: cuál es mejor para pintar un mural?</h2><p>No existe una única herramienta ideal: la elección depende del tamaño del mural, la superficie, el tipo de pintura y el resultado que se busca conseguir.</p><ul><li>Aerosol: muy bueno para líneas, detalles, degradados, contornos y estética ligada al graffiti.</li></ul><ul><li>Rodillo: excelente para cubrir superficies grandes y aplicar fondos o bases de manera rápida y pareja.</li></ul><ul><li>Pincel: más indicado para detalles, terminaciones, líneas precisas y trabajos que requieren mayor control.</li></ul><p>En muchos casos, además, las tres herramientas pueden utilizarse dentro de una misma obra para aprovechar las ventajas de cada una.</p>

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Aerosol, rodillo o pincel: ¿qué herramienta usar para pintar un mural?

<p>El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.</p><h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

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Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

<p>La industria de los videojuegos continúa sorprendiendo con propuestas originales, y una de las más recientes es Meccha Chameleon, el título convierte al arte en la principal herramienta para sobrevivir, invitando a los jugadores a camuflarse con el entorno a través de la pintura y la creatividad.</p><h2>Meccha Chameleon, el videojuego donde el arte es la clave para sobrevivir</h2><p>En una industria donde los disparos, la aventura y la acción suelen quedarse con gran parte del protagonismo, el mundo de los videojuegos volvió a demostrar que todavía hay espacio para las ideas originales. Y es que, si en los últimos días navegaste por plataformas como TikTok, Instagram o YouTube, seguramente te cruzaste con videos de pequeños personajes blancos que desaparecen frente a los ojos de sus perseguidores al transformarse en paredes, señales de tránsito o cualquier rincón del escenario gracias al arte. Ese fenómeno tiene nombre: Meccha Chameleon.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6cd24c5e06.png" alt=""><figcaption>Imágenes del videojuego Meccha Chameleon (Steam).</figcaption></figure><p>Si bien los videojuegos de escondidas suelen poner el foco en la estrategia, el sigilo o la velocidad, Meccha Chameleon lleva ese concepto un paso más allá y convierte el arte en la principal herramienta para ganar cada partida. Su propuesta enfrenta a un equipo de buscadores contra otro de escondidos en una versión reinventada del clásico juego de la infancia, donde los jugadores deben pintar su propio cuerpo para camuflarse con el entorno y pasar completamente desapercibidos.</p><h2>Esconderse y sobrevivir a través del arte: el objetivo de Meccha Chameleon</h2><p>El lugar elegido para esconderse, la pose y, sobre todo, la creatividad a la hora de pintar el personaje son fundamentales para sobrevivir. El objetivo consiste en lograr un nivel de mimetismo capaz de engañar a los buscadores hasta que el tiempo se agote, mientras estos recorren el escenario intentando descubrir a todos los camaleones ocultos. Si alguno consigue permanecer escondido hasta el final de la ronda, la victoria será para el equipo de los artistas.</p><h2>Mona Lisa, señales de tránsito y escenas de series: el talento de los usuarios</h2><p>La creatividad de la comunidad ya comenzó a demostrar hasta dónde puede llegar esta mecánica. En redes sociales circulan partidas donde los jugadores logran convertirse en cuadros inspirados en la Mona Lisa, señales de tránsito, paredes completamente intervenidas y otros elementos del escenario, consiguiendo camuflajes tan precisos que, por momentos, resultan prácticamente imposibles de detectar.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@erthyxz/video/7661079258361548039" data-video-id="7661079258361548039" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@erthyxz/video/7661079258361548039?q=meccha%20chameleon&amp;t=1784757405170" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Más allá de su propuesta competitiva, Meccha Chameleon también deja una idea interesante: el arte deja de ser únicamente un recurso visual para transformarse en una verdadera mecánica de juego. La creatividad, la observación y la capacidad de integrarse al entorno terminan siendo tan importantes como la estrategia o los reflejos, demostrando que una buena idea artística también puede definir el resultado de una partida.</p><h2>¿Cómo jugar Meccha Chameleon?</h2><p>Para quienes quieran poner a prueba su creatividad, Meccha Chameleon ya se encuentra disponible a través de Steam con un valor de $3,99 dólares estadounidenses.</p><ul><li>Sistema operativo: Windows 10 de 64 bits.</li></ul><ul><li>Procesador: Intel Core i5.</li></ul><ul><li>Gráficos: Compatible con DirectX 11 o DirectX 12.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f911e313eb.png" alt=""><figcaption>Imágenes del videojuego Meccha Chameleon (Steam).</figcaption></figure><p>En una industria donde la acción y los disparos suelen marcar el rumbo de los grandes lanzamientos, Meccha Chameleon demuestra que el arte también puede convertirse en el protagonista de una experiencia competitiva. Un videojuego donde la creatividad, la observación y la capacidad para fundirse con el entorno terminan siendo las herramientas más importantes para sobrevivir.</p>

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