La gastronomía también puede ser una forma de recorrer la historia de un lugar. Eso propone La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta, un nuevo espacio cultural de CDMX que recupera ingredientes, técnicas y tradiciones para convertirlas en una experiencia.<h2>Un recorrido por los sabores, historias y tradiciones de Milpa Alta: así es el Museo Vivo de la Cocina</h2>En el sur de la Ciudad de México, Milpa Alta cuenta con un nuevo espacio dedicado a una de las expresiones más importantes de su identidad: la gastronomía.Se trata de La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta, un proyecto que propone entender la cocina como un sistema cultural en el que conviven ingredientes, agricultura, técnicas heredadas, rituales y vida comunitaria.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_8da0bb4594.png">Interior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).El museo funciona dentro de un inmueble con más de 100 años de historia, que durante la época de la Revolución Mexicana fue una hacienda y un espacio destinado a la labranza. El edificio se encuentra en el corazón de Villa Milpa Alta y actualmente fue recuperado para convertirse en un espacio dedicado a preservar y difundir la tradición culinaria de la región.El recorrido está compuesto por seis salas temáticas, cada una dedicada a diferentes aspectos de la cultura gastronómica de Milpa Alta. La primera aborda la milpa como modelo agrícola y su relación con ingredientes como el maíz nativo, la calabaza, el frijol y los quelites.Otra de las salas pone el foco en el maguey, el pulque y el nopal, productos que forman parte de la identidad de la región. El recorrido también pasa por el mercado como espacio de intercambio y tradición oral, con referencias a alimentos como la barbacoa, los tamales, los cocoles y el atole.La experiencia continúa en el espacio dedicado a la molienda, donde aparecen herramientas tradicionales como el metate y el molcajete y se explora el proceso detrás de algunos de los sabores más representativos de la cocina mexicana.También hay un sector dedicado a las temporaleras y las cocineras tradicionales, con especial atención sobre quienes recolectan durante determinadas épocas del año hongos, flores, frutos y diferentes elementos que ofrece la tierra. Finalmente, La Mesa Infinita funciona como un homenaje a las cocineras tradicionales y a la identidad comunitaria que se construye alrededor de los fogones y la mesa.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_05de2825d8.png">El exterior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).Pero el Museo Vivo de la Cocina busca ir más allá del recorrido tradicional. El espacio cuenta además con una palapa destinada a conferencias, degustaciones y talleres vivenciales, donde los visitantes pueden participar en experiencias vinculadas con la preparación de alimentos tradicionales.Entre las actividades previstas aparecen talleres para aprender a elaborar preparaciones como pipián, mole verde y tamales de hongo, además de diferentes experiencias relacionadas con los ingredientes y técnicas de la cocina de Milpa Alta. El espacio también funciona como plataforma para que artesanos y productores locales puedan acercar sus productos al público.La propuesta busca que la gastronomía no quede entendida simplemente como una colección de recetas o platillos del pasado. Por el contrario, el museo presenta la comida como una manifestación cultural que continúa viva y que se mantiene a través de las personas, los cultivos, las técnicas y los conocimientos transmitidos entre generaciones.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_7d5b58346a.png">Interior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta se encuentra en Sonora Sur 10, Barrio Los Ángeles, Villa Milpa Alta, Ciudad de México. El espacio recibe visitantes de lunes a domingo, de 10:00 a 19:00 horas, con entrada gratuitaDe esta manera, el Museo Vivo de la Cocina se suma a la oferta cultural de CDMX con una propuesta que permite conocer un territorio desde un lugar diferente: no solamente a través de sus edificios, historias o paisajes, sino también mediante aquello que llega todos los días a la mesa.Porque detrás de cada tortilla, cada mole, cada ingrediente y cada receta existe una historia de tierra, comunidad y conocimiento. Y justamente eso busca preservar La Casona: una cocina que no pertenece únicamente al pasado, sino que continúa viva en el presente.Para llegar en transporte público, una de las opciones es tomar la Línea 12 del Metro hasta la estación Tláhuac y desde allí abordar un camión con destino al Mercado de Milpa Alta; desde ese punto, el museo se encuentra a unos cinco minutos a pie. Otra alternativa es viajar por la Línea 2 del Metro hasta Tasqueña, combinar con el Tren Ligero hasta Xochimilco y luego tomar un transporte hacia el Centro de Milpa Alta. En automóvil, se puede acceder por la Carretera Xochimilco-Oaxtepec, siguiendo la desviación hacia Buenavista hasta llegar a Sonora Sur.

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El museo de CDMX donde la cocina mexicana se convierte en patrimonio vivo

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Corgan, entre la arquitectura y la calle

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FMS Argentina volvió a Buenos Aires: así fue el debut de la octava temporada

El Día de Muertos no se vive solamente el 1 y 2 de noviembre: en la Ciudad de México, la celebración comienza en octubre y transforma calles, plazas, museos y distintos barrios.<h2>Alebrijes, catrinas, ofrendas y mucho más: la agenda de Día de Muertos</h2>Cada año, la Ciudad de México cambia de colores para recibir una de las celebraciones más importantes de la cultura mexicana: el Día de Muertos. Aunque las fechas centrales son el 1 y 2 de noviembre, la temporada comienza mucho antes y durante octubre la capital se llena de desfiles, festivales, ofrendas, recorridos y actividades que permiten acercarse a distintas expresiones de esta tradición.En 2026, la agenda vuelve a ser amplia y ofrece propuestas relacionadas con el arte popular, la gastronomía, el turismo, la música, el deporte y las tradiciones mexicanas. Estos son algunos de los principales planes para tener en cuenta:<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_ace3a2873f.png">Mexicana celebrando el Día de los Muertos en las calles CDMX (Getty Images).<h3>Desfile de Alebrijes Monumentales — 17 de octubre</h3>El Museo de Arte Popular realizará una nueva edición de su tradicional desfile, con enormes figuras de cartonería recorriendo las calles de la ciudad. El recorrido comenzará en el Zócalo, pasará por 5 de Mayo, Avenida Juárez y Paseo de la Reforma y finalizará en la zona del Ángel de la Independencia. Las piezas permanecerán posteriormente en exhibición sobre Reforma.<h3>Festival artesanal de café, pan de muerto y chocolate — 17 y 18 de octubre</h3>En Jalapa 38, Roma Norte, habrá una propuesta gastronómica dedicada a algunos de los sabores más representativos de la temporada. Además de pan de muerto, café y chocolate, se anuncian talleres y actividades relacionadas con el cacao y la elaboración de catrinas. La entrada será gratuita y el horario previsto es de 10:00 a 19:00.<h3>Festival de Flores de Cempasúchil — del 18 de octubre al 1 de noviembre</h3>Paseo de la Reforma volverá a llenarse del tradicional color naranja con una feria dedicada al cempasúchil, donde productores de la Ciudad de México ofrecerán flores, plantas y artículos vinculados con la temporada.<h3>Entre flores, agua y espíritus — 24 de octubre</h3>Xochimilco será escenario de una experiencia vinculada con las tradiciones de Día de Muertos y el paisaje de sus canales, una de las zonas de la ciudad que mantiene una relación especialmente fuerte con esta celebración.<h3>Rodada Ciclista por el Día de Muertos — 24 de octubre</h3>Para quienes prefieren una alternativa más activa, la Rodada Nocturna recorrerá la ciudad desde la Fuente de Petróleos hasta el Centro Histórico, con actividades complementarias, disfraces y espacios de participación para ciclistas.<h3>Mega Procesión de las Catrinas — 25 de octubre</h3>Uno de los eventos más característicos de la temporada regresará a Paseo de la Reforma. La procesión reunirá a miles de personas caracterizadas como catrinas y catrines, con diferentes estilos y referencias a la cultura mexicana. Está prevista para las 18:00 horas y será gratuita.<h3>Festival del Cacao en el Museo Anahuacalli — del 29 de octubre al 2 de noviembre</h3>El Museo Anahuacalli recibirá una nueva edición del festival dedicado al cacao, con productores, chocolateros y propuestas gastronómicas relacionadas con uno de los alimentos más importantes de las culturas mesoamericanas. También habrá bebidas tradicionales como tejate y tascalate.<h3>Festival de Día de Muertos en Chapultepec: “La Puerta entre dos mundos” — del 29 de octubre al 4 de noviembre</h3>En el Paseo de los Compositores y Lago Mayor, dentro de la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec, habrá una experiencia que combinará arte, música, danza, gastronomía, altares y un espectáculo nocturno de drones.<h3>Ofrenda Monumental del Zócalo — del 29 de octubre al 2 de noviembre</h3>El corazón del Centro Histórico volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro de la temporada. La ofrenda de 2026 estará dedicada a la Catrina de José Guadalupe Posada e incluirá una estructura monumental de cartonería de 32 metros, tapetes de aserrín y flores de cempasúchil.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_dc3f410632.png">Desfile musical del Día de los Muertos (Getty Images).<h3>“El Camino”, iluminación de Día de Muertos — del 23 de octubre al 8 de noviembre</h3>Paseo de la Reforma también tendrá una intervención lumínica entre el Ángel de la Independencia y la Puerta de los Leones, pensada especialmente para disfrutar durante la noche.<h3>Gran Desfile de Día de Muertos — 31 de octubre</h3>El evento central de la temporada tendrá lugar el sábado 31 de octubre y llevará carros alegóricos, música, danzantes, mojigangas y contingentes temáticos hacia el Zócalo. Entre los homenajes anunciados aparecen figuras y símbolos de la cultura mexicana. La agenda oficial consultada lo ubica a las 14:00 horas, aunque algunas guías publicaron horarios diferentes, por lo que conviene revisar la información oficial antes de asistir.<h3>Ofrenda Viva Domingo x Arca Tierra — 31 de octubre</h3>En la Chinampa del Sol, esta propuesta buscará acercar la celebración al territorio chinampero con una experiencia alrededor de las tradiciones, la naturaleza y la memoria. Está prevista para el mediodía.<h3>Megaofrenda de la UNAM — del 31 de octubre al 2 de noviembre</h3>La comunidad universitaria también tendrá su propio espacio de celebración con la tradicional Megaofrenda en la explanada de Universum, una de las opciones más importantes para recorrer altares y homenajes durante las fechas centrales.<h3>Pasarela “La Catrina en Cuerpo y Color” — 29 de octubre</h3>El Museo Nacional de Culturas Populares será sede de una propuesta que llevará a la Catrina al terreno de la moda y la expresión visual. La actividad está prevista para el 29 de octubre a las 13:00 horas.<h3>Curso y talleres de Pan de Muerto — 29 y 30 de octubre</h3>Roma Norte también tendrá una alternativa para quienes prefieren una actividad gastronómica participativa: un curso de dos días en Tabasco 46, dedicado a preparar pan de muerto.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_a30e578c03.png">Celebración del Día de los Muertos en CDMX (Getty Images).<h3>Calaveritas Run — 1 de noviembre</h3>El Complejo Cultural Los Pinos recibirá una carrera nocturna de Día de Muertos a partir de las 19:30. Habrá diferentes distancias, categorías y una propuesta que invita a correr con caracterizaciones inspiradas en calaveras. La actividad es arancelada.Entre desfiles, ofrendas, recorridos, gastronomía, arte popular y propuestas para hacer en familia o con amigos, Día de Muertos volverá a convertir a la Ciudad de México en uno de los grandes escenarios culturales de México.

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¿Qué hacer el Día de los Muertos en CDMX?

Murales, graffiti y grandes intervenciones forman parte del paisaje cotidiano de Buenos Aires: ahora también pueden conocerse a través de los tours especializados de Nuva Turismo.<h2>El arte urbano como punto turístico de Buenos Aires</h2>Desde hace ya varios años, la ciudad de Buenos Aires se ha consolidado no solo como uno de los puntos artísticos más importantes a lo largo y ancho de Argentina, sino también como una de las grandes capitales del arte urbano latinoamericano. Sus calles, edificios, pasajes y espacios culturales están atravesados por una infinidad de obras y por la huella de artistas que transformaron distintos rincones de la ciudad en verdaderas intervenciones a cielo abierto.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_9c6a4c225b.png">Muralismo en las calles de Palermo Soho (Street Art Cities).Si bien una de las maneras más comunes de conocer estas obras es recorrer la ciudad durante una caminata, existen propuestas que buscan acercar este universo al público desde una mirada diferente. Y una de ellas es Nuva Turismo, una empresa dedicada al turismo alternativo en distintos puntos de Buenos Aires y que propone tours diferentes a las visitas tradicionales.La propuesta parte de una idea sencilla: Buenos Aires tiene una oferta inigualable de lugares y experiencias para descubrir, y el arte urbano es una parte fundamental de ese recorrido. Por eso, Nuva Turismo cuenta con circuitos que atraviesan algunos de los espacios más relevantes de la escena, desde lugares vinculados a la cultura y el arte como la Usina del Arte y el Buenos Aires Museo hasta zonas donde el arte urbano forma parte del paisaje cotidiano.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production%2Fimage_0d26ef0535.png">Muralismo en las calles de Palermo Soho (Street Art Cities).Los recorridos también pasan por espacios como los pasajes de Palermo Soho, el Mercado de las Pulgas y el Pasaje Lanin, además de distintos murales e intervenciones que permiten conocer otras formas de expresión artística presentes en la ciudad.De esta manera, los tours de Nuva Turismo funcionan como una alternativa para quienes quieren conocer Buenos Aires desde una perspectiva diferente y descubrir cómo el graffiti, los murales y las intervenciones urbanas conviven con algunos de los espacios culturales más importantes de la capital argentina.<h2>Todo lo que tenés que saber sobre los tours de arte urbano de Nuva Turismo</h2>Nuva Turismo ofrece dos experiencias vinculadas al arte urbano de la ciudad de Buenos Aires. Ambas tienen una duración aproximada de tres horas y se realizan en combi, con recorridos por distintos puntos de la ciudad.<ul><li>Graffiti Tour 1: paseo temático con destinos como el Pasaje Lanin, el mural de Maradona, el Centro Metropolitano de Diseño, la Usina del Arte, Exabrupto de Color y visita con entrada al Buenos Aires Museo, con una duración de tres horas en combi.</li><li>Graffiti Tour 2: paseo temático por murales de clínicas, pasajes de Palermo Soho, el Mercado de las Pulgas, los murales del Cementerio de Chacarita, con una duración de tres horas en combi.</li></ul>Para conocer más detalles sobre las experiencias, disponibilidad y reservas, se puede ingresar al&nbsp;<a href="https://nuvaturismo.com.ar/">sitio web de Nuva Turismo&nbsp;</a>o comunicarse directamente a través de WhatsApp al +54 9 11 3426-4144.

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Los tours de arte urbano para conocer Buenos Aires de una manera diferente

La escultura también puede nacer de aquello que queda fuera del circuito del consumo. Y en la Ciudad de México, Gastón Gallardo, conocido artísticamente como Galo Escultor, encuentra en objetos recuperados una materia prima para construir piezas que invitan a mirar el mundo desde otra perspectiva.<h2>Galo Escultor, una mirada que convierte los objetos en arte</h2>Dentro de la escena artística urbana y contemporánea de México, Gastón Gallardo, conocido en el mundo de la escultura como Galo Escultor o simplemente Galo, construyó una identidad marcada por la experimentación con materiales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2547439625.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure>Egresado de la Universidad Latinoamericana y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, el artista oriundo de la Ciudad de México combina su formación académica con una búsqueda que encuentra inspiración en aquello que muchas veces queda relegado al descarte.Su trabajo parte de la recolección de objetos en mercados y tianguis, elementos que adquieren una nueva lectura cuando pasan por sus manos. En lugar de observarlos únicamente como materiales sin utilidad, Galo los entiende como pequeñas piezas de memoria y vestigios de la vida cotidiana.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>A partir de ellos crea esculturas únicas e irrepetibles, en las que aparecen figuras como caballos, peces, aves, rinocerontes, gorilas y tecuanes, entre muchas otras formas.A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones individuales y colectivas y llevó sus piezas a distintos espacios culturales de México, entre ellos aparecen el Museo de la Ciudad de México, la Academia de San Carlos, la Biblioteca Vasconcelos y la Bienal de Fotografía de Oaxaca.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_59a87a2d53.png" alt=""><figcaption>Trabajos de Galo Escultor (Galo Escultor).</figcaption></figure>Su obra también se caracteriza por combinar distintos materiales y objetos de uso cotidiano, generando piezas en las que lo encontrado deja de ser simplemente un elemento viejo para convertirse en parte de una composición artística.<h2>Arte, consumo y una segunda vida para los objetos</h2>Detrás de cada pieza existe también una reflexión sobre la manera en que la sociedad produce, consume y descarta. La recuperación de materiales funciona como una forma de cuestionar ese ciclo y demostrar que aquello que perdió su función todavía puede adquirir un nuevo significado.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_918c9ee247.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure>Así, Galo explora lo onírico, lo religioso y lo simbólico, utilizando la escultura como una herramienta para hablar sobre el ambiente y la cultura del descarte.Cada creación es, en definitiva, una nueva oportunidad para mirar aquello que normalmente pasa desapercibido: objetos cotidianos que, después de ser encontrados y transformados, pueden convertirse en piezas únicas y volver a tener una historia.

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Galo Escultor, el artista que transforma lo descartado en piezas artísticas

La decimotercera edición de los Juegos Suramericanos, que reunirá a más de 4.000 atletas en 43 deportes y 60 disciplinas, aterrizará en la provincia de Santa Fe, desde el próximo sábado 12 hasta el sábado 26 de septiembre, con Rosario, Santa Fe y Rafaela como las tres ciudades sede.<h2>Juegos Suramericanos 2026: Argentina se prepara para recibir una nueva edición</h2>Luego de la edición anterior realizada en Asunción y tras dos décadas de espera, los Juegos Suramericanos regresarán a tierras argentinas. En esta oportunidad, Rosario, Santa Fe y Rafaela serán las tres ciudades sede de la competencia, que se llevará a cabo del sábado 12 al sábado 26 de septiembre.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYaDudhjxdb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYaDudhjxdb/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>La decimotercera edición reunirá a más de 4.000 atletas de distintos países de la región, que competirán en 43 deportes y 60 disciplinas en busca de quedarse con las medallas y convertirse en protagonistas de una nueva edición de los Juegos Suramericanos.Además, esta edición cuenta con un hecho histórico: es la primera vez que ODESUR designa a una región como sede de los Juegos, con tres ciudades de la provincia de Santa Fe encargadas de recibir a las distintas competencias.<h2>¿Qué países participarán de los Juegos Suramericanos?</h2>La decimotercera edición de los Juegos Suramericanos contará con la participación de 15 comités olímpicos nacionales, que buscarán adueñarse del medallero y llevarse el protagonismo de la competencia.Los países participantes serán:<ul><li>Argentina</li><li>Aruba</li><li>Bolivia</li><li>Brasil</li><li>Chile</li><li>Colombia</li><li>Curazao</li><li>Ecuador</li><li>Guyana</li><li>Panamá</li><li>Paraguay</li><li>Perú</li><li>Surinam</li><li>Uruguay</li><li>Venezuela</li></ul>Brasil llegará a la competencia como el último ganador del medallero. En la edición pasada, disputada en Asunción, el país consiguió 133 medallas de oro y 319 preseas en total, y buscará repetir su dominio en tierras argentinas.<h2>BMX Freestyle, skateboarding y eSports: los deportes urbanos dicen presente en Santa Fe</h2>Dentro de las 60 disciplinas que formarán parte de los Juegos Suramericanos, el deporte urbano y electrónico volverá a tener presencia con tres disciplinas que ya lograron hacerse un lugar en las grandes competencias internacionales: BMX Freestyle, skateboarding y eSports.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7db37bf010.png" alt=""><figcaption>El peruano Deyvid Anderson Tuesta Mota en acción en los Juegos Suramericanos de Asunción (Instagram/Deyvid Anderson).</figcaption></figure>El BMX Freestyle y el skateboarding tendrán como sede a Rafaela, mientras que los deportes electrónicos se desarrollarán en Rosario, distribuidos de la siguiente manera:<ul><li>eSports: del domingo 13 al miércoles 16 de septiembre en el Mercado del Patio de Rosario.</li><li>BMX Freestyle: lunes 14 y martes 15 de septiembre en el EcoParque de Rafaela.</li><li>Skateboarding: viernes 18 y sábado 19 de septiembre en el EcoParque de Rafaela.</li></ul>La competencia contará, además, con seis clústeres y 20 escenarios distribuidos entre distintas locaciones de la provincia: los espacios contemplados serán el Museo del Deporte Santafesino, Parque Independencia, Mercado del Patio, Parque a la Bandera, Jockey Club Rosario y Rosario Golf Club.De esta manera, los Juegos Suramericanos 2026 no solo reunirán a algunas de las principales figuras del deporte continental, sino que también volverán a darle protagonismo a disciplinas vinculadas con la cultura urbana y los deportes electrónicos.

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Juegos Suramericanos 2026: fechas, países, disciplinas y sedes en Santa Fe

Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.<h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.<h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1000079">La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</a><h2>La huella internacional de Ledania</h2>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.

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Ledania, la embajadora colombiana del color en el arte urbano

Para Lidia Gómez, el arte no siempre necesita un marco o un museo cerrado. Su incursión en el arte efímero, que incluye dibujos gigantes en la arena y esculturas de agua, responde a una conexión espiritual con el entorno de San Antonio Oeste, Río Negro. Aunque la marea borre sus trazos, la tecnología se encarga de que el impacto permanezca en la memoria colectiva a través de la fotografía y el video.&quot;Mi obra es algo versátil que te emociona para siempre&quot;, define. Esta práctica funciona como una ofrenda a la naturaleza donde el desapego es parte del proceso creativo. Ella prioriza la vivencia y el mensaje ecológico por sobre la comercialización del objeto artístico tradicional.<h3>De la Patagonia al mundo</h3>Uno de los hitos más recientes en su carrera es la nominación de su mural &quot;Polen del Futuro&quot; al ranking mundial de la plataforma Street Art Cities. La obra muestra a una abeja con una máscara antigás, lo que representa una crítica directa al uso de los agroquímicos. En julio del año pasado, esta pieza logró posicionarse entre las 10 mejores del planeta.&quot;Esa obra marcó un antes y un después por su repercusión significativa&quot;, afirma Lidia sobre el reconocimiento. Para ella, el muralismo es un lenguaje complejo que narra historias y requiere una planificación técnica que va mucho más allá de un simple dibujo en la pared.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27b394946f.png" alt=""><figcaption>&quot;Polen del Futuro&quot;.</figcaption></figure><h3>La mentoría francesa que rompió el bastidor</h3>La artista pintaba cuadros pequeños hasta que un gestor cultural del Museo de Aquitania en Burdeos descubrió su trabajo en las redes sociales. Este encuentro cambió su perspectiva de la escala. El desafío de pintar los barcos pesqueros en formatos monumentales la empujó a salir del taller y conquistar la vía pública.&quot;El gran formato impacta al espectador porque la obra es gigante&quot;, explica la autora sobre su transición al muralismo. Esta etapa le permitió realizar residencias artísticas en Europa y sumarse al Movimiento Internacional de Muralistas Italo-Graci, lo cual conectó su identidad patagónica con los circuitos internacionales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_46b589d777.png" alt=""><figcaption>Crear desde el territorio y dialogar con el mundo.</figcaption></figure><h3>Esculturas bajo el agua y fe de cemento</h3>El hecho de ser versátil la llevó a crear la Virgen Stella Maris, una escultura de casi una tonelada que descansa en el fondo del mar en Las Grutas. El desafío técnico fue extremo, ya que utilizó cemento de pH neutro para no dañar el ecosistema marino y diseñó una estructura capaz de resistir las mareas patagónicas más violentas.&quot;Me consagré como escultora el día que pasó la primera tormenta y la obra siguió ahí&quot;, recuerda con orgullo. Esta pieza no solo es un icono religioso, sino un arrecife artificial que interactúa con la fauna local, lo que logra fusionar el arte con la biología.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>El artista como científico y albañil</h3>Lidia defiende una visión de la profesión como un trabajo multifacético. En un entorno con escasez de materiales, ella aprendió a ser su propia gestora cultural y a dominar herramientas que van desde la motosierra hasta el software de edición. Su formación técnica le otorga una mirada pragmática sobre la producción de la obra.&quot;Los artistas somos un poco científicos, electricistas y albañiles&quot;, sostiene para describir la complejidad de su oficio. Para ella, el arte urbano en Latinoamérica hoy se equipara con el resto del mundo gracias a esta capacidad de adaptación y a una identidad visual muy marcada por el paisaje del sur.<h3>La nueva galería global</h3>La tecnología no es un accesorio, sino una herramienta central en su labor diaria. Sus dibujos de Lionel Messi y el Papa Francisco durante el Mundial de Qatar se volvieron virales y transformó sus intervenciones en la playa en un clásico esperado por la comunidad digital.&quot;Las redes influyen y a veces direccionan todo el trabajo artístico&quot;, reflexiona sobre la visibilidad que ofrecen las pantallas. Lidia entiende que el impacto hoy es doble, se busca emocionar al vecino que camina por la calle y al espectador que observa desde un celular en cualquier parte del mundo.

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Muralismo y esculturas submarinas, por Lidia Gómez

No hay dudas de que la actual Copa del Mundo ya dejó imágenes imborrables: los récords de Lionel Messi, las sorpresas protagonizadas por selecciones como Cabo Verde y Curazao y los goles espectaculares de figuras como Erling Haaland y Kylian Mbappé.Sin embargo, en esta edición disputada en Estados Unidos, México y Canadá, otro protagonista también logró captar la atención de los fanáticos: los nuevos botines presentados por Nike, adidas y PUMA.En ese contexto, Street Art Latam conversó con Marcelo de Wilde, más conocido como Marcelo Botines, uno de los coleccionistas de calzado futbolístico más reconocidos de Argentina. Con más de 400 pares en su colección, repasó el origen de su pasión, la evolución de los botines a lo largo de los años y analizó las últimas innovaciones presentadas por las principales marcas deportivas.<h2>Marcelo Botines, el coleccionista argentino que construyó un museo del calzado futbolístico</h2>En cada Copa del Mundo hay un detalle que, además del juego, también capta la atención de millones de fanáticos: los botines que utilizan figuras de la talla de Lionel Messi, Neymar Júnior, Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé o Erling Haaland.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b494acac16.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines dando una conferencia en el evento Kicks and Fest (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure>Y en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá no es la excepción, con marcas como Nike, Adidas y Puma marcando el pulso del calzado de las grandes estrellas del fútbol internacional.Dentro de ese universo aparece Marcelo de Wilde, más conocido en redes sociales como Marcelo Botines, uno de los especialistas más reconocidos de Latinoamérica en materia de calzado futbolístico.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Con una colección de más de 400 pares en impecables condiciones y base en el barrio porteño de Mataderos, el creador de contenido construyó un archivo que reúne desde modelos históricos hasta piezas utilizadas por leyendas como Diego Maradona, Lionel Messi o Sergio Agüero. Junto a su socio Gonzalo Rodríguez, también atesora ediciones limitadas, botines firmados por figuras como Luis Figo, Enzo Fernández y Sergio Goycochea, además de trabajar de cerca con marcas de primer nivel para mostrar lanzamientos, tecnologías y novedades del universo botinero.<h2>David Beckham y el par que dio vida a Marcelo Botines</h2>Antes de convertirse en uno de los grandes especialistas en botines de Latinoamérica y construir una colección con más de 400 pares, Marcelo de Wilde ya arrastraba desde la infancia una fascinación por el calzado deportivo: “Mi pasión por coleccionar botines viene desde chico, que yo tenía muy en claro que me gustaban las zapatillas. En cada local que vendían zapatillas, me paraba a ver que modelo había: siempre buscaba una que me sea cómoda para jugar a la pelota, que la silueta me guste, porque antes solo podíamos comprar un solo calzado y lo teníamos para todo. No había poder económico como para tener un par para la escuela y otro para jugar a la pelota: era uno para todo”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b30d953ffc.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines enseñando calzado deportivo de la marca Skechers (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure>Lo que comenzó como un fanatismo por las zapatillas terminó transformándose en una pasión absoluta por los botines, una obsesión que años más tarde encontraría su punto de partida en una pieza muy especial. Y fue en el año 2017, cuando Marcelo adquirió un botín de David Beckham, par que abriría la puerta y daría comienzo al personaje de Marcelo Botines.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/del-vestuario-a-la-tribuna-asi-conquisto-el-streetwear-la-copa-del-mundo/1000217">Del vestuario a la tribuna: así conquistó el streetwear la Copa del Mundo</a><h2>La evolución del botín a lo largo de los Mundiales</h2>A lo largo de las distintas ediciones de la Copa del Mundo, el calzado deportivo atravesó una transformación constante, no solo desde lo estético, sino también en términos de tecnología, materiales y diseño. En ese recorrido, Marcelo Botines tiene en claro cuál fue una de las irrupciones más importantes en la historia reciente del fútbol y los botines.“Las evoluciones más interesantes que tuvimos a lo largo de las Copas del Mundo para mí, luego de pasar todo lo que fue la década del 50, 60 y 70, cuando llegó el Mundial de Estados Unidos 1994, que la marca adidas irrumpe con los Predator y un elemento por encima de la capellada para darle más contacto a la pelota, efecto y un poco más de poder, hay un cambio muy grande”, cuenta Marcelo sobre la que, para él, marcó un antes y un después en el calzado deportivo en Copas del Mundo.Sin embargo, dentro de ese repaso histórico, el coleccionista argentino también destaca otros hitos que modificaron la escena, como la irrupción de los botines tipo botita de Nike durante Brasil 2014 o el nacimiento de la línea Mercurial en Francia 1998, torneo en el que Ronaldo Nazário protagonizó además uno de los primeros grandes modelos signature pensados para una estrella del fútbol mundial.Aunque Marcelo también reconoce una evolución en cuanto a las cantidades y las variantes de cada marca: “El fútbol tuvo una evolución muy grande y así también los botines. Antes había un botín de cada marca y, ahora, tenemos tres o cuatro silos diferentes dentro de cada marca específicos para las posiciones del campo de juego según la velocidad, la técnica y el estilo”.<h2>La visión sobre los diseños de Nike, adidas y PUMA para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá</h2>Como bien mencionamos al inicio, marcas como Nike, adidas y PUMA han dejado una huella casi que imborrable en el diseño del calzado deportivo que sus estrellas utilizaran en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, esta vez con el color rosa como tonalidad protagónica.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>“Para este Mundial, no vemos ninguna tecnología que sea diferente o disruptiva a lo que ya veníamos viendo. Por el lado de Nike, tenemos una cápsula de aire en la placa de la suela y sus otros hilos totalmente idénticos. Desaparece la botita y vuelve a aparecer el Mercurial en todas sus versiones. Por su parte, adidas viene trabajando con los botines de antes (F50, Predator, Copa) y el botín especial para Lionel Messi llamado “El último tango”. PUMA tiene sus hilos Future, Ultra y King sin menciones especiales para algunos de sus jugadores”, comenta el coleccionista sobre la huella de las principales marcas en la presente edición del Mundial.

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