Montevideo recibió la exhibición&nbsp;Van Gogh: El Sueño Inmersivo, que transformó la&nbsp;Rural del Prado en una obra digital monumental que inició el&nbsp;25 de noviembre y terminará el 28 de diciembre de 2026. Esta&nbsp;experiencia artística 360º ofrece al público uruguayo un viaje multisensorial sin precedentes, que sigue el éxito que cosechó en capitales mundiales como&nbsp;París,&nbsp;Nueva York,&nbsp;Barcelona y&nbsp;Buenos Aires.&nbsp;<h2>La pintura cobra vida</h2>La muestra utiliza&nbsp;tecnología avanzada para proyectar más de&nbsp;200 obras del artista. Las&nbsp;paredes, el&nbsp;piso y el&nbsp;techo se convierten en una superficie envolvente de más de&nbsp;1.000 m². Las icónicas obras, como&nbsp;La noche estrellada,&nbsp;Los girasoles y&nbsp;El dormitorio en Arlés, cobran&nbsp;vida mediante&nbsp;proyecciones en&nbsp;alta definición. Un&nbsp;diseño sonoro y una&nbsp;banda sonora original, creada especialmente para el evento, acompañan la narrativa visual. El público se mueve con&nbsp;libertad por el espacio y elige su&nbsp;ritmo y&nbsp;perspectiva. Una&nbsp;inmersión total en el universo pictórico elimina las barreras de los marcos tradicionales.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_905b12041a.png">Una recreación a escala del cuadro “El dormitorio en Arlés” [Imagen], por InfoBae.<h2>Dimensiones interactivas&nbsp;</h2>La experiencia&nbsp;multisensorial incluye varios espacios temáticos y creativos. La&nbsp;sala de proyecciones inmersivas presenta las obras animadas a una escala&nbsp;monumental. Los visitantes pueden admirar los girasoles infinitos, una instalación visual inspirada en las famosas flores amarillas. Un&nbsp;espacio de dibujo creativo invita a&nbsp;niñas,&nbsp;niños y&nbsp;adultos a reinterpretar el estilo de&nbsp;Van Gogh. Además, la exhibición contiene una parte de hologramas que expande el universo visual y una&nbsp;recreación a escala del&nbsp;cuarto en Arlés. Las&nbsp;cartas de Van Gogh a su hermano&nbsp;Theo se escuchan en&nbsp;voz en off, de manera que añaden un&nbsp;tono íntimo y emocional al recorrido.<img class="image_resized" style="width:100%;" src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_5f677f4ec5.png"> Los girasoles cubren paredes y piso, con visitantes que observan la experiencia en sillas de playa [Imagen], por&nbsp;Cortesía Fever.<h2>Datos claves para la visita</h2>Van Gogh: El Sueño Inmersivo se desarrollará hasta el&nbsp;28 de diciembre de 2026. Los&nbsp;horarios son&nbsp;todos los días de&nbsp;15:00 a 22:00 Hs, con el último&nbsp;ingreso permitido a las&nbsp;21 Hs. La&nbsp;Rural del Prado es el&nbsp;lugar del evento, con&nbsp;ingreso por la&nbsp;Av. Buschental. Las&nbsp;entradas están disponibles para la&nbsp;venta a través de&nbsp;<a href="https://redtickets.uy/">redtickets.uy</a>.&nbsp;Precios de las entradas:&nbsp; General: $890. Niños (hasta 12 años): $590. Pack familiar (2 adultos + 2 menores): $2490. Pack grupal (4 entradas generales): $2990. Menores de 2 años: ingreso gratuito.<h2>Un fenómeno global</h2>La muestra forma parte de una movida cultural global que utiliza la&nbsp;tecnología para acercar el&nbsp;arte clásico a&nbsp;nuevos públicos. Este&nbsp;boom de&nbsp;experiencias inmersivas llegó para cambiar la forma de experimentar los museos.&nbsp;Van Gogh: El Sueño Inmersivo combina&nbsp;historia,&nbsp;emoción y&nbsp;tecnología en una experiencia&nbsp;educativa,&nbsp;sensorial y&nbsp;artística apta para&nbsp;todas las edades. La exhibición rinde un&nbsp;homenaje sensorial al artista y permite al espectador apreciar la vitalidad de sus&nbsp;pinceladas.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/dZkQSjZYsgc" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>

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Noticias

El fenómeno inmersivo de Van Gogh en Uruguay

Óscar Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más reconocidos de Latinoamérica gracias a un estilo completamente fuera de lo convencional: crear murales utilizando tapitas de botellas recicladas.<h2>Óscar Olivares, el venezolano que transformó el reciclaje en arte</h2>Dentro de la escena del arte urbano latinoamericano existen artistas que, con el paso del tiempo, terminan especializándose en un tipo de obra capaz de marcar su estilo y distinguirlos del resto. Desde Mode Orozco, el muralista mexicano que inmortaliza a ídolos del deporte latinoamericano, pasando por Luis Morales, el artista peruano vinculado a la cultura pop y la figura del león, hasta decenas de casos más repartidos a lo largo y ancho del continente que han logrado adueñarse de un estilo y convertirlo en propio, distinguiéndose y marcando tendencia por sobre el resto.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d01d8d64e8.png" alt=""><figcaption>El arte de Óscar Olivares en acción (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Y en Venezuela existe un artista que logró marcar tendencia con una manera de crear arte completamente fuera de lo convencional, dejando de lado la pintura tradicional para transformar residuos plásticos en auténticas obras monumentales.Ese es el caso de Óscar Olivares, el venezolano que conquistó el mundo a través de intervenciones creadas con tapitas de botellas recicladas.Nacido en Caracas, Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más populares del territorio venezolano gracias a un estilo marcado por la creación de murales y obras utilizando tapas plásticas como principal herramienta artística. Con huella en más de veinte países, el venezolano realizó intervenciones en gran parte de Venezuela y también en destinos internacionales de la talla de Miami, Houston, Denver, Madrid, Santo Domingo y Kuala Lumpur, construyendo una propuesta artística que logró trascender fronteras gracias a la combinación entre muralismo y reciclaje.Con un vínculo relacionado al arte desde la adolescencia —cuando con apenas 14 años comenzó a dibujar a figuras del fútbol venezolano—, el caraqueño fue construyendo una carrera que no solo lo posicionó como un emblema del arte urbano en Venezuela, sino también como uno de los máximos exponentes del muralismo ecológico a nivel continental. A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones locales e internacionales, recibió distintos reconocimientos y dejó murales tanto en Venezuela como en Estados Unidos, donde incluso cuenta con una obra en Hollywood considerada como el primer mural venezolano de la zona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3d0a47cae.png" alt=""><figcaption>Óscar Olivares y la Gioconda latinoamericana, una de sus obras más reconocidas (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Con el correr de los años, el venezolano terminó ampliando un currículum artístico que hoy lo tiene convertido en uno de los grandes referentes internacionales del arte con material reciclado, llevando su sello basado en tapitas de botellas a distintos rincones del planeta y fusionando muralismo, conciencia ecológica y participación comunitaria en una misma obra.<h2>El olimpo artístico de Óscar Olivares</h2>Todo artista cuenta con una especie de Olimpo de obras seleccionadas, no solo por haber marcado un antes y un después dentro de su carrera, sino también por la relevancia, la magnitud y el impacto que alcanzaron dentro de su currículum artístico. Y, por supuesto, Óscar Olivares también posee dicha sección dentro de su repertorio creativo.<ul><li>L’Italia a casa nostra: mural realizado con más de 180.000 tapas de botellas recicladas en la Casa D’Italia de Maracaibo, Venezuela, inspirado en la arquitectura italiana del Coliseo y en esculturas emblemáticas como La Piedad y el David de Miguel Ángel.</li></ul><ul><li><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-nueva-gioconda-hecha-con-100-000-tapas-en-el-salvador/1796">La Gioconda latinoamericana</a>: obra creada utilizando más de 100.000 tapas de plástico recicladas en el barrio de Zacamil, El Salvador, que representa a una mujer de rasgos latinos, cabello negro, vestido colorido, pendientes dorados y una mirada penetrante que remite a la icónica expresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.</li></ul><ul><li>Noche estrellada de Plástico: pieza artística realizada con 1.500 tapas recicladas y expuesta en el Carrousel du Louvre de París, reinterpretando la clásica obra de Vincent van Gogh desde una mirada ecológica y contemporánea.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ded3aa8e8.png" alt=""><figcaption>Noche estrellada de Plástico de Óscar Olivares (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Más allá de la magnitud visual de cada mural, el trabajo del venezolano logró convertir residuos cotidianos en obras capaces de recorrer el mundo y generar conciencia ambiental desde el arte urbano. Un sello artístico que terminó posicionando a Óscar Olivares como uno de los máximos referentes internacionales del muralismo ecológico contemporáneo.

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El artista que transforma tapitas de botellas en increíbles murales

¿Sabías que existe un técnica artística que consiste en crear imágenes pegando cinta adhesiva transparente sobre superficies como muros, árboles y puertas? Así es: se la conoce como celograffiti y su principal exponente es el ruso Evgeny Ches.<h2>¿Qué es el celograffiti, la técnica del plástico como lienzo?</h2>A lo largo de la historia, el arte ha estado en constante transformación: desde las pinceladas cargadas de emoción de Vincent van Gogh hasta el surrealismo de Salvador Dalí, pasando por los grandes muralistas que llevaron el arte a las calles.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9c55dce164.png" alt=""><figcaption>Efímero, sustentable y novedoso: el arte del celograffiti (Instagram/Evgeny Ches).</figcaption></figure>Cada época encontró nuevas formas de expresión y nuevos soportes. En ese recorrido de búsquedas, rupturas e innovaciones, el arte urbano también supo reinventarse, dando lugar a técnicas que desafían los límites tradicionales, y una de las más sorprendentes y originales es el celograffiti.El celograffiti es una técnica de arte urbano y efímero que propone una intervención poco convencional del espacio público. En lugar de pintar directamente sobre muros, paredes o fachadas, los artistas utilizan cinta adhesiva transparente —generalmente film plástico— tensada entre dos o más superficies, como postes de luz, árboles, rejas o columnas. De esta manera se crea una suerte de “muro flotante” que funciona como soporte artístico, permitiendo la creación de imágenes sin alterar de forma permanente el entorno urbano o natural.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DBBI-xjMije/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DBBI-xjMije/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Una de las particularidades más interesantes del celograffiti es su carácter temporal y reversible. Sobre estas superficies transparentes se pueden pegar fotografías para realizar una especie de mosaico, dibujar con aerosoles, intervenir con marcadores o incluso superponer distintas capas de imágenes, generando obras que dialogan con el paisaje que las rodea. Al no dejar rastros una vez retirado el material, la técnica plantea una nueva forma de entender el arte callejero: más respetuosa con el espacio, más experimental y abierta a la interacción y profundamente ligada a lo efímero.<h2>Evgeny Ches, el emblema internacional del celograffiti</h2>Hablar de celograffiti es, casi de manera inevitable, hablar de Evgeny Ches. Artista ruso nacido en la ciudad de Moscú, Ches es considerado el creador y principal referente de esta técnica que transformó la manera de intervenir el espacio público sin dejar huellas permanentes.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ab51e7ba05.png" alt=""><figcaption>Evgeny Ches en plena creación de un celograffiti (Evgeny Ches).</figcaption></figure>Su obra no solo marcó un punto de inflexión dentro del arte urbano, sino que también abrió la puerta a una nueva relación entre el artista, el entorno y el paisaje natural.El método que utiliza Evgeny Ches es tan simple como innovador. A través del uso de plástico transparente —similar al film utilizado para envolver alimentos—, el artista crea superficies suspendidas entre dos puntos fijos, generalmente árboles, donde despliega sus dibujos con aerosoles. Estas paredes efímeras funcionan como lienzos flotantes que permiten pintar sin dañar el entorno, integrando la obra al paisaje y respetando el espacio que la rodea.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/daSn7-fJGV4" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>En cuanto a sus diseños, el universo visual de Ches suele estar profundamente ligado al mundo animal: dinosaurios, ardillas, osos polares, ratas y monos son algunas de las figuras que han protagonizado sus intervenciones. Estas imágenes, que parecen emerger del paisaje, refuerzan el carácter orgánico y temporal del celograffiti, consolidando a Evgeny Ches como una figura clave en la evolución del arte urbano contemporáneo.El celograffiti propone una nueva forma de intervenir el espacio: efímera, libre y respetuosa. Puede aparecer entre postes de luz o árboles de un bosque, sin dañar el entorno. Un arte rápido, reversible y consciente, que existe solo por un instante.

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La técnica artística que pinta sin dejar huella

Gabriela Robaldo construyó una carrera que une arte, docencia y territorio. Su obra narra los mitos, los símbolos y la espiritualidad de una&nbsp;América profunda que dialoga con su gente y su paisaje. Lo resume en una oración:&nbsp;“A mí me late contar nuestra América Latina”. En cada trazo y en cada viaje, ella es una voz que cuenta, con pinceles, máscaras y memorias, la historia viva de nuestro continente.<h2>Un presente activo</h2>Gabriela Robaldo expone en&nbsp;Chile, participa del&nbsp;Festival Interamericano de Arte (FIBAC) en San Pedro y prepara su presentación en el&nbsp;Nevado Solidario de Oro en San Rafael, Mendoza. Además, brinda&nbsp;talleres gratuitos en Merlo, orientados a acercar el arte a comunidades barriales.Actualmente, trabaja en una serie inspirada en las&nbsp;máscaras del Carnaval de Oruro, en Bolivia, tras vivir experiencias previas con los&nbsp;Diablos del norte argentino.&nbsp;“Ser un artista hoy que representa América Latina es importante, es un poco jugado, pero es lo que yo necesito”, afirma.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_7982adfe21.png">En su taller, los colores, plumas y pinceles se mezclan con los mitos andinos que inspiran su nueva serie dedicada al Carnaval de Oruro.La artista dedica su obra a&nbsp;contar la ancestralidad latinoamericana y a visibilizar sus símbolos.&nbsp;“Cada vez que compramos algo, que decimos: ‘¡Ay, viajamos y compramos este platito!’, está con historia”, explica. En sus pinturas, las figuras del&nbsp;cóndor, el jaguar y la serpiente encarnan la fuerza de la naturaleza y el vínculo espiritual de los pueblos originarios.También conduce un&nbsp;podcast en Radio Sentido Internacional, donde entrevista a artistas plásticos y comparte reflexiones sobre la creación y la identidad.&nbsp;“Me entretengo haciendo eso, conocí un montón de artistas”, comenta. (<a href="https://www.youtube.com/@RadioSentidoInternacional-Arge">https://www.youtube.com/@RadioSentidoInternacional-Arge</a>)<h2>Influencias y evolución</h2>En sus comienzos, admiró a los grandes nombres del arte europeo.&nbsp;“Estaba fascinada por Europa, por Picasso, por los gestos que hacía Van Gogh en sus obras”, cuenta. Con el tiempo, esa admiración dio paso a una mirada más cercana.&nbsp;“Me empezó a parecer genial rodearme de gente que pudiera de alguna manera ser influencia para mí”, afirma.Su obra, en un principio&nbsp;abstracta, se transformó después de su primer viaje a&nbsp;Perú. Allí, el contacto con la cosmovisión andina la llevó a un estilo&nbsp;simbólico, profundamente ligado a las raíces latinoamericanas.&nbsp;“Empiezo a descubrir una América hechicera que me fascinó. Pase de la abstracción directamente a una pintura más simbólica”, señala.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1df8332c19.png"> Recibió el Premio Internacional Iberoamericano en San Rafael, un reconocimiento a su obra que rescata la espiritualidad y los símbolos de América Latina.<h2>De San Antonio de Padua al mundo</h2>Nació en&nbsp;San Antonio de Padua, Buenos Aires al lado de una academia de dibujo y pintura. Fue su vecina, la profesora Aide, quien la introdujo en el universo del arte.&nbsp;“Cuentan por ahí que yo me escapaba para ir a su casa a dibujar”, recuerda Robaldo. Sus padres, al ver esa pasión temprana, le construyeron una puerta que conectaba ambas casas para que pudiera ir a pintar cuando quisiera. Esa experiencia marcó su vínculo inicial con el arte.La artista relata que su verdadera revelación llegó durante su paso por la&nbsp;Escuela Prilidiano Pueyrredón, donde conoció la&nbsp;historia del arte precolombino.&nbsp;“El mundo precolombino fue el mundo que me fascinó”, dice. Ese descubrimiento definió su búsqueda estética y su necesidad de representar una&nbsp;América hechicera y simbólica.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_f0f71cbfe6.png"> Obras que revalorizan los mitos y rostros de una América profunda.<h2>Inspiración, docencia y compromiso</h2>La inspiración de Gabi va más allá del arte plástico.&nbsp;“Me inspira mucho la música, la naturaleza, los rituales”, dice. También encuentra motivación en sus estudiantes:&nbsp;“Hoy me vine con una alegría enorme porque estamos haciendo un trabajo sobre la ESI, eso hace que un poco seamos mejores personas”.Cada viaje es el inicio de una nueva obra.&nbsp;“Generalmente a mí me nacen los viajes y tiene que ver con mitos y leyendas de Latinoamérica”, cuenta. Entre esas historias se encuentran la del&nbsp;Perro Familiar de Tucumán y la de la&nbsp;Difunta Correa, cuya instalación donó al santuario en San Juan.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_4b7c6c1b9d.png">Junto a su obra dedicada a la Difunta Correa, una pintura que donó al santuario sanjuanino como homenaje al sincretismo popular del país.Para sus procesos creativos realiza una&nbsp;investigación vivencial.&nbsp;“A veces mis desafíos tienen que ver con vivir en una comunidad quechua parlante, dar clases en la montaña”, relata. Así, la artista incorpora en su obra lo aprendido en contextos culturales y naturales distintos, donde&nbsp;“uno aprende y después lo pone en su obra”.Su práctica docente y su compromiso social se entrelazan en proyectos que promueven el respeto, la reflexión y la inclusión.&nbsp;“No siempre inspira lo bello, también te inspira algo que te moviliza”, afirma.<h2>El arte como espejo social y herramienta de encuentro</h2>Considera que el arte cumple una función transformadora.&nbsp;“El verdadero arte es aquel que no te deja ileso”, sostiene. Según ella, el arte tiene el poder de&nbsp;incomodar, despertar y hacernos pensar. Cree que las expresiones artísticas deben&nbsp;llegar a lugares no convencionales, para que más personas puedan tener contacto directo con la pintura.Las&nbsp;redes sociales son, para ella, una herramienta fundamental.&nbsp;“Está bueno porque puedes subir tus fotos, lo que estás haciendo, lo que vas a hacer. Tenés llegada a más gente”, dice. A través de ellas difunde su obra, conecta con otros artistas y amplía su comunidad creativa.Conocela más en su Instagram:&nbsp;<a href="https://www.instagram.com/gabriela_robaldo/">https://www.instagram.com/gabriela_robaldo/</a>&nbsp;

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Gabriela Robaldo, la artista viajera que pinta la América profunda

¿Te imaginas una galería de arte dentro del Aconcagua, la montaña más alta de América? Aunque suene increíble, existe: se llama “Nautilus” y es obra del artista argentino Miguel Doura.<h2>La galería de arte argentina que vive en el Aconcagua</h2>La escena del arte es un mundo que invita a la exploración. No solo por su infinidad de obras repartidas a lo largo y ancho del planeta Tierra, sino también por los distintos estilos, diseños y técnicas que ofrece dentro de su manual. Hablar de arte es hablar de Vincent van Gogh, Leonardo da Vinci y Pablo Picasso, pero también es mencionar a Os Gêmeos, Martin Ron y Colectivo Licuado. Y lo mismo con los materiales: desde el óleo, la acuarela y el grafito hasta el aerosol, el collage y el arte digital. En pocas palabras, un universo con posibilidades infinitas en todos los aspectos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Nautilus_la_galeria_de_arte_contemporaneo_mas_alta_del_mundo_1_5b801d801e.jpg"></figure>"Nautilus", la galería de arte contemporáneo más alta del mundo (Miguel Doura).Y en todo el ambiente del arte, también existen sucesos o hechos que marcaron un antes y un después en la corriente, y uno de ellos es “Nautilus” del argentino Miguel Doura, la galería de arte contemporáneo más alta del mundo.Es probable que al pensar en una galería o un museo de este tipo, nos imaginemos una estructura en el centro de alguna ciudad importante con fachadas imponentes, salas amplias y un recorrido cuidadoso y elegantemente diseñado para sorprender a todos los amantes de la pintura y los cuadros. Pero hay sitios que escapan a esa lógica o pensamiento como el del argentino: una galería situada a más de cuatro mil metros sobre el nivel del mar en el campamento base de Plaza de Mulas, ubicado en la cara oeste del Aconcagua en Argentina. Sí, tal cual lees. Una galería de arte en la montaña más alta del continente americano.Abierta durante la temporada de escalada (de principios de diciembre a principios de marzo), la galería “Nautilus” de Miguel Doura expone una selección de obras del artista dentro de una carpa, que es desmontada durante los meses de invierno debido a que las condiciones climáticas impiden su apertura. Ya con más de dos décadas de historia, el establecimiento se consolidó como una de las maravillas artísticas más importantes no solo a nivel nacional, sino que también se estableció recorrió el mundo y se convirtió en un pilar del arte internacional.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6f3e01cffb.png">"Escalera al Cielo", una de las obras de Miguel Doura (Miguel Doura).Aunque muchas veces no lleve consigo una razón, el nombre de la galería de Miguel Doura tiene un guiño al mundo de la literatura: su forma, que recuerda y se asemeja a la estructura de un submarino, hizo que al artista argentino se le viniera a la cabeza el legendario Nautilus de la novela “Veinte mil leguas de viaje submarino” del escritor y dramaturgo de origen francés Julio Verne. Con un estilo que muchos comparan con el del pintor neerlandés Vincent Van Gogh, el argentino no solo realiza obras con el Aconcagua y su entorno como musa, sino que tiene un portafolio variado, donde también abundan los paisajes y las figuras humanas.<h2>La huella en los Guinness World Records</h2>A simple vista, está claro que la galería “Nautilus” del artista argentino Miguel Doura es un hecho que ha marcado un antes y un después en la historia del arte contemporáneo mundial, y no hay dudas de ello. Pero el establecimiento traspasó la barrera de las pinturas y las obras y también dejó una huella en los Guinness World Records al convertirse en la galería de arte contemporáneo más alta del mundo.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_10b370305f.png">Miguel Doura y el certificado de los Guinness World Records por la galería de arte contemporáneo más del mundo (Guinness World Records).<h2>¿Quién es Miguel Doura, el artista detrás de la galería?</h2>Además de ser el protagonista de las obras que se exhiben dentro de “Nautilus”, la galería de arte contemporáneo más alta del mundo, Miguel Doura es un pintor argentino con formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Reconocido a nivel internacional, sus exposiciones han recorrido importantes galerías y ferias de arte en distintos países, consolidándolo como una figura relevante dentro del panorama artístico contemporáneo no solo por ser el creador y la cara visible detrás de la galería, sino también por su talento artístico.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_abaf955050.png">El arte de Miguel Doura en el Aconcagua (Clarín).

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La galería de arte más alta del mundo está en Argentina

Buenos Aires ofrece un universo de experiencias culturales, especialmente para los&nbsp;jóvenes exploradores. Particularmente, los museos son verdaderos&nbsp;templos del saber y la creatividad que prometen un viaje fascinante a través del&nbsp;arte, la&nbsp;historia, la&nbsp;ciencia y la&nbsp;cultura popular. Cada institución invita a una inmersión&nbsp;única, adaptada a los intereses de las nuevas generaciones. La capital, con su&nbsp;diversidad museística, es un&nbsp;destino educativo y entretenido, perfecto para aquellos que buscan&nbsp;enriquecer su perspectiva y&nbsp;divertirse al mismo tiempo.<h2>Arte sin límites</h2>El&nbsp;MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) es un&nbsp;epicentro del&nbsp;arte latinoamericano moderno y contemporáneo. Exhibe la prestigiosa&nbsp;colección de la&nbsp;Fundación Costantini, con obras maestras de artistas como&nbsp;Frida Kahlo, Diego Rivera, Tarsila do Amaral y Antonio Berni. Con su enfoque&nbsp;dinámico e&nbsp;instalaciones multimedia, atrae a los&nbsp;jóvenes interesados en las&nbsp;expresiones artísticas más recientes de la región. Los miércoles, abre sus puertas de 11:00 a 20:00, mientras que de jueves a lunes, el horario se extiende de 12:00 a 20:00, permaneciendo cerrado los martes. La&nbsp;entrada general tiene un costo de AR$9000, con descuentos para&nbsp;estudiantes y jubilados a AR$4500, y es&nbsp;gratuita para menores de 5 años.El&nbsp;Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) cuenta con una de las&nbsp;colecciones de arte más importantes de Latinoamérica. Las salas resguardan obras de&nbsp;maestros universales como Van Gogh, Picasso, Monet, El Greco, Goya y Rodin. Es un&nbsp;destino ideal para los jóvenes amantes de la&nbsp;historia del arte y las&nbsp;grandes obras clásicas. El horario de visita es de martes a viernes de 11:00 a 19:30, y los sábados y domingos de 10:00 a 19:30, con cierre los lunes. La&nbsp;entrada es libre y gratuita.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/el_imponenete_museo_nacional_de_bellas_artes_1_1_ec166c8c5c.jpg"> Las imponentes escalinatas del MNBA invitan a un ascenso físico y a un viaje temporal a través de siglos de genio artístico. Cada peldaño acerca a la majestuosidad de la creación humana [Imagen], por InfoBae.El&nbsp;Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), ubicado en el barrio de San Telmo, tiene un panorama del&nbsp;arte moderno y contemporáneo argentino e internacional. Exhibe obras que abarcan desde la década de 1940 hasta la actualidad, con piezas de Dalí, Picasso, Miró y Matisse. Con un claro enfoque&nbsp;vanguardista, ofrece&nbsp;talleres de arte y un&nbsp;café de especialidad. Los miércoles la&nbsp;entrada es libre, un gran incentivo. Abre sus puertas lunes, miércoles, jueves y viernes de 11:00 a 19:00, y los sábados, domingos y feriados de 11:00 a 20:00, cerrando los martes. La&nbsp;entrada general para residentes tiene un costo de AR$2500, y para&nbsp;extranjeros, AR$10000.&nbsp;Jubilados,&nbsp;niños menores de 12 años y&nbsp;personas con discapacidad ingresan sin cargo.El&nbsp;Museo Xul Solar, una casa museo en Recoleta, introduce a los visitantes al&nbsp;arte visionario y surrealista del pintor Alejandro Xul Solar. Exhibe&nbsp;pinturas,&nbsp;instrumentos y&nbsp;objetos personales del místico artista argentino. Los&nbsp;jóvenes curiosos encuentran en este lugar un viaje a un&nbsp;"universo" imaginario y creativo. Funciona de martes a viernes de 12:00 a 20:00, y los sábados de 12:00 a 19:00, mientras que los domingos y lunes permanece cerrado. La&nbsp;entrada general cuesta AR$6000, con tarifas reducidas para&nbsp;jubilados,&nbsp;docentes y&nbsp;estudiantes a AR$4500, y&nbsp;entrada gratuita para menores de 5 años.<h2>Historia y cultura nacional</h2>El&nbsp;Museo Nacional de Arte Decorativo funciona en un&nbsp;suntuoso palacio de estilo francés. Cuenta con&nbsp;artes decorativas europeas y orientales de los siglos XVI al XIX,&nbsp;lujosos muebles,&nbsp;esculturas,&nbsp;tapices y&nbsp;pinturas de época. Los amantes de la&nbsp;elegancia y la historia del diseño encuentran en este lugar una experiencia transportadora. Abre sus puertas de miércoles a domingos de 13:00 a 19:00, y permanece cerrado los lunes y martes. La&nbsp;entrada es libre y gratuita.El&nbsp;Museo de Arte Popular José Hernández, en Palermo, se dedica a la&nbsp;artesanía y el folklore argentino. Es poseedor de&nbsp;objetos de la cultura gauchesca,&nbsp;artesanías de distintas regiones y el&nbsp;tradicional mate. Es posible conocer las&nbsp;raíces argentinas de forma amena, con la oportunidad de interactuar con elementos icónicos. Abre sus puertas lunes, miércoles a viernes de 11:00 a 19:00, y sábados, domingos y feriados de 11:00 a 20:00. Cierra los martes únicamente. En lo que respecta a la entrada es libre y gratuita.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Museo_de_Arte_Popular_Jose_Hernandez_Buenos_Aires_Ciudad_1_ef2bfbac84.jpg"></figure>Ubicado en la que fuera la elegante casa de descanso de Félix Bunge, resguarda en su arquitectura vestigios de un pasado criollo con influencias de la villa italiana [Imagen], por Buenos Aires Ciudad.&nbsp;El&nbsp;Buenos Aires Museo (BAM), en San Telmo, explora la&nbsp;historia y cultura de la Ciudad de Buenos Aires de manera participativa. Tiene&nbsp;exposiciones tecnológicas y&nbsp;juegos interactivos sobre la ciudad, con una colección incluye&nbsp;objetos cotidianos y un vasto&nbsp;archivo de fotos históricas. Abre sus puertas lunes, miércoles a viernes de 11:00 a 19:00, y sábados, domingos y feriados de 11:00 a 20:00, cerrando los martes. La&nbsp;entrada general tiene un costo de AR$7500, con una tarifa especial para&nbsp;residentes de AR$1500, y es&nbsp;gratuita los miércoles.&nbsp;Jubilados,&nbsp;estudiantes y&nbsp;menores de 12 años ingresan sin cargo.El&nbsp;Museo Histórico Nacional, también en San Telmo, propone un recorrido por los&nbsp;hitos de la historia argentina, desde la&nbsp;época colonial hasta el&nbsp;siglo XX. Cuenta con&nbsp;tesoros como la histórica&nbsp;Bandera de Belgrano de 1812 y el&nbsp;sable corvo de San Martín. Los&nbsp;apasionados por la historia encuentran en este lugar la oportunidad de ver de cerca&nbsp;objetos auténticos y aprender de forma didáctica. Abre sus puertas de miércoles a domingos de 11:00 a 19:00, cerrando lunes y martes. La&nbsp;entrada es libre y gratuita.<h2>Ciencia, cine y humor</h2>El&nbsp;Centro Cultural de la Ciencia (C3), en Palermo, ofrece&nbsp;ciencia divertida e interactiva para toda la familia. Las&nbsp;exposiciones permanentes, como "El Azar", "El Tiempo" y "La Información", cuentan con&nbsp;módulos interactivos para experimentar&nbsp;física,&nbsp;biología y otras disciplinas de forma lúdica. También, pone a disposición&nbsp;talleres de robótica,&nbsp;videojuegos y&nbsp;paleontología, además de un&nbsp;planetario abierto los fines de semana. Funciona solamente viernes y sábados de 12:00 a 18:00. La&nbsp;entrada es libre y gratuita, y algunos talleres requieren&nbsp;inscripción previa.El&nbsp;Museo Argentino de Ciencias Naturales “Bernardino Rivadavia”, en Caballito, es ideal para los&nbsp;amantes de los dinosaurios y la vida salvaje. Tiene una gran colección de&nbsp;fósiles,&nbsp;esqueletos de dinosaurios,&nbsp;mamíferos,&nbsp;reptiles y&nbsp;aves, una&nbsp;sección antártica interactiva. Los&nbsp;esqueletos gigantes, las diferentes&nbsp;especies y los procesos naturales contribuyen a lograr una experiencia completa. Abre sus puertas de martes a domingos de 14:00 a 19:00. La entrada tiene un costo de AR$4000 para&nbsp;residentes y AR$12000 para&nbsp;extranjeros, con descuentos para&nbsp;estudiantes,&nbsp;jubilados y&nbsp;menores.El&nbsp;Museo del Humor, ubicado en la Costanera Sur, se dedica al&nbsp;humor gráfico, la&nbsp;caricatura política y la&nbsp;historieta. Se encuentra en un&nbsp;edificio histórico y ofrece&nbsp;exposiciones de caricaturas,&nbsp;historietas clásicas y&nbsp;sátiras políticas. Con el&nbsp;ingenio de los dibujantes y&nbsp; los&nbsp;talleres de humor gráfico la diversión es asegurada. Abre sus puertas de lunes a viernes de 14:00 a 18:00, y sábados, domingos y feriados de 10:00 a 19:00. La&nbsp;entrada es libre y gratuita.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_Museo_del_Humor_ubicado_en_la_Costanera_Sur_1_1_38d1253b4f.jpg"></figure>Este museo es un espejo de la sociedad argentina, donde cada viñeta y caricatura revela la historia y el ingenio de un país a través de la risa [Imagen], por Buenos Aires Ciudad.&nbsp;El&nbsp;Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken, en La Boca, celebra el&nbsp;patrimonio cinematográfico argentino. Exhibe&nbsp;proyectores antiguos,&nbsp;rollos de película,&nbsp;vestuario y&nbsp;carteles de películas clásicas. Cuenta con una&nbsp;sala de proyección y una&nbsp;biblioteca con más de 90.000 rollos. Para los&nbsp;cinéfilos, es un viaje retro a los&nbsp;orígenes del cine nacional y&nbsp;talleres de animación y digital. Abre sus puertas lunes, miércoles, jueves y viernes de 11:00 a 19:00, y sábados, domingos y feriados de 11:00 a 20:00. Los martes permanece cerrado los martes. La&nbsp;entrada general cuesta AR$7500, con una tarifa de AR$1500 para&nbsp;residentes (se requiere identificación), y es&nbsp;gratuita los miércoles.&nbsp;Jubilados,&nbsp;estudiantes y&nbsp;menores de 12 años entran sin cargo.

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Un recorrido por los museos más destacados de Buenos Aires

La llegada de los drones está transformando el&nbsp;arte urbano, eleva a nuevas alturas y abre un lienzo sin precedentes en las fachadas de los edificios y el cielo nocturno. Con estos dispositivos, los artistas ahora pueden pintar&nbsp;murales en lugares antes inaccesibles, crear&nbsp;espectáculos de luz coreografiados y hasta cometer actos de&nbsp;vandalismo aéreo.&nbsp;<h2>El pincel del siglo XXI</h2>La incursión de los&nbsp;drones en el arte no es una novedad, pero su evolución es cada vez más sofisticada. Desde 2007, con la pionera&nbsp;Addie Wagenknecht y su movimiento&nbsp;Black Hawk Paint, se incursionó en la pintura con drones sobre muros horizontales.&nbsp;Más tarde, el artista callejero&nbsp;KATSU llevó esta técnica al espacio público con su "Graffiti Drone", destacándose por vandalizar un cartel de&nbsp;Calvin Klein en Manhattan. Este acto marcó el primer uso documentado de un&nbsp;dron para&nbsp;graffiti a gran escala.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production%2Fel_graffiti_y_su_innovacion_con_drones_842c26d8ec.jpg"></figure>Los sprays, una extensión del artista, esperan para pintar el próximo mural aéreo.<h2>Murales y espectáculos de luz</h2>Los&nbsp;drones también permiten la creación de proyectos colaborativos a gran escala. El estudio italiano&nbsp;Carlo Ratti Associati utilizó&nbsp;enjambres de drones para pintar murales colectivos de 14x12 metros en Turín. En su proyecto,&nbsp;UFO (Urban Flying Opera), transformó una fachada urbana en un lienzo interactivo, donde la&nbsp;tecnología se puso al servicio de la expresión comunitaria.Otra vertiente del&nbsp;arte aéreo es el&nbsp;light painting, que utiliza drones equipados con&nbsp;luces LED. Artistas como&nbsp;Reuben Wu y&nbsp;Frodo Álvarez crearon espectáculos luminosos y fotografías de larga exposición, de manera que hicieron del cielo una obra tridimensional. Incluso empresas como&nbsp;Intel usaron esta técnica para replicar obras maestras como&nbsp;La Noche Estrellada de Van Gogh, con el objetivo de llevar el&nbsp;arte clásico a nuevas audiencias en un formato moderno.<h2>Desafíos y debates sobre la autoría</h2>La revolución de los&nbsp;drones en el arte no está exenta de desafíos. Los artistas deben lidiar con limitaciones técnicas como la&nbsp;estabilidad de los drones, la&nbsp;autonomía de las baterías y la&nbsp;sincronización entre dispositivos.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/dk161saQdps" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>El proceso del arte aereo.Los&nbsp;drones transforman el&nbsp;arte urbano con una paleta de posibilidades. Esta&nbsp;tecnología empuja los límites del arte, convierte las ciudades en murales dinámicos.&nbsp;

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Arte aéreo: los drones transforman el graffiti y el muralismo

Desde el año 2012, el mundo celebra cada 15 de abril el Día Mundial del Arte. Sin embargo, ¿conocés por qué se conmemora en esta fecha? Street Art Latam te lo cuenta.<h2>Día Mundial del Arte: ¿por qué se eligió esa fecha?</h2>Proclamado por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) y celebrado anualmente el 15 de abril en honor al nacimiento de Leonardo da Vinci, uno de los artistas más importantes e íconos de todos los tiempos y autor de obras como “La Gioconda”, “La Última Cena” y “Hombre de Vitruvio”, el Día Mundial del Arte es una de las jornadas más significativas del arte a nivel mundial. Con el objetivo de promover el arte como una herramienta para el desarrollo, la paz y la libertad de expresión, la fecha busca resaltar la importancia del arte en la sociedad, su capacidad para inspirar cambios y su impacto en la cultura global.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_Gioconda_pieza_pilar_del_Renacimiento_italiano_e8059bf7d1.jpg"> "La Gioconda", pieza pilar del Renacimiento italiano (Getty Images).<h2>Leonardo da Vinci, el ícono detrás de la fecha</h2>No hay dudas que si de artistas legendarios hablamos, el nombre de Leonardo da Vinci es uno de los primeros que aparece en nuestra mente. Nacido en la localidad de Vinci, el pintor, arquitecto, paleontólogo y escritor italiano es, sin lugar a dudas, una de las grandes leyendas del arte a nivel mundial. Con obras como “Adoración de los Magos”, “La Virgen de las Rocas”, “La Gioconda”, “La Última Cena”, “La Dama del Armiño”, “Hombre de Vitruvio”, “Anunciación” y “San Jerónimo”, entre otras tantas piezas, el italiano se ha grabado en las páginas doradas del Renacimiento italiano y del arte en general y se ha adueñado de uno de los asientos en la mesa de las personas más influyentes y gloriosas del arte mundial.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_Ultima_Cena_una_de_las_obras_mas_iconicas_de_Leonardo_da_Vinci_a1f82c5910.jpg"></figure>"La Última Cena", una de las obras más icónicas de Leonardo da Vinci (Getty Images).<h2>Desde Pablo Picasso hasta Martín Ron: los referentes del arte mundial y latino</h2>Si bien las obras y el impacto del italiano han sido significativas, y la elección de su fecha de nacimiento para tal reconocimiento lo demuestran, el mundo del arte también ha visto un gran puñado de artistas que han dejado su huella y también se han ganado un lugar en el olimpo del mismo. Vincent van Gogh, ícono mundial y autor de piezas como “La Noche Estrellada”, Pablo Picasso, fundador del cubismo y creador de obras icónicas como “Guernica”, y Frida Kahlo, artista mexicana destacada por piezas como “Las dos Fridas”, son tan solo algunos de los artistas que dejaron su estampa en los libros de historia. Sin embargo, y como todo en el mundo, el arte se continuó desarrollando, nuevas corrientes artísticas dieron a luz y artistas como el británico Banksy, el estadounidense Shepard Fairey, el portugués Vhils y el italiano Blu, entre otros, que continuaron con el legado de íconos como Picasso y Kahlo y se adueñaron del olimpo del arte en los últimos años.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Eduardo_Kobra_el_brasileno_sensacion_del_arte_urbano_latino_e_internacional_8d08f68cee.jpg"> Eduardo Kobra, el brasileño sensación del arte urbano latino e internacional (Instagram/Eduardo Kobra).A su vez, Latinoamérica, uno de los continentes más importantes en el mundo del arte, también continuó con la línea y sacó varios artistas que también dejaron una huella en lo suyo. El mexicano Diego Rivera, el colombiano Fernando Botero, el cubano Wifredo Lam y el ecuatoriano Oswaldo Guyasamín hace ya unos cuantos años, y los brasileños Os Gêmeos y Eduardo Kobra, la colombiana Nandy Mondragón, los argentinos Martín Ron y David Petroni y el uruguayo José Gallino en la actualidad son los grandes representantes a nivel continental e internacional.

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¿Por qué se celebra el Día Mundial del Arte?

El&nbsp;2025 trajo consigo nuevas opciones para los&nbsp;viajeros que buscan experimentar lo mejor de&nbsp;Latinoamérica. Las&nbsp;preferencias&nbsp;turísticas están en&nbsp;constante cambio, las&nbsp;decisiones sobre qué&nbsp;destinos elegir para&nbsp;vacacionar no solo dependen de las&nbsp;playas o&nbsp;montañas, sino también de&nbsp;experiencias&nbsp;culturales,&nbsp;actividades y, por supuesto, la&nbsp;oferta&nbsp;gastronómica. Te presentamos los&nbsp;destinos que dominan las&nbsp;listas de&nbsp;viajeros, con características&nbsp;únicas y el porqué se ganaron un&nbsp;lugar en la&nbsp;mente de los&nbsp;turistas.México es uno de los destinos preferidos para quienes buscan tradición y modernidad. Los turistas más jóvenes se sienten atraídos por&nbsp;las ciudades costeras como Cancún, pero también por opciones&nbsp;como Tulum o Playa del Carmen. En estos lugares, se disfrutan las&nbsp;playas paradisíacas, vida nocturna, y la cultura maya que añade una capa de misticismo a la experiencia.La Ciudad de México es un centro turístico ideal para quienes buscan&nbsp;arte, gastronomía y vida urbana. Este destino es ideal para disfrutar de&nbsp;murales, museos, y las zonas bohemias como Coyoacán y Roma Norte. Además, la&nbsp;gastronomía mexicana, rica y diversa, se convierte en un imán para los turistas, con&nbsp;platos emblemáticos como los tacos al pastor.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_playa_de_Cancun_5901fae368.jpg">Playas de arena blanca, aguas turquesas, vida nocturna, resorts de lujo y la puerta de entrada a la cultura maya [Imagen], por RandomTrip.<h2>Brasil</h2>Brasil siempre fue un destino que atrae a los jóvenes viajeros que buscan&nbsp;celebración, calor y aventuras al aire libre. El&nbsp;Carnaval de Río de Janeiro es eternamente una de las experiencias más buscadas, especialmente para quienes desean sumergirse en una de las fiestas más grandes del mundo. Las playas de&nbsp;Copacabana e Ipanema son excelentes para quienes buscan relajarse bajo el sol, mientras que quienes prefieren el contacto con la naturaleza pueden explorar la&nbsp;selva amazónica o las&nbsp;cataratas del Iguazú.En&nbsp;São Paulo, la capital económica, la&nbsp;vida nocturna y las opciones culturales como el&nbsp;Museo de Arte de São Paulo (MASP) son los principales atractivos. Los jóvenes encuentran en este lugar una ciudad que&nbsp;nunca duerme, para disfrutar de música en vivo y eventos internacionales.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/MASP_Museo_de_Arte_de_San_Pablo_3b31038947.jpg">Diseñado por Lina Bo Bardi, cuenta con obras de Van Gogh, Rembrandt y Goya [Imagen], por Blogger.com.<h2>Colombia</h2>Por su parte, Colombia emergió como uno de los destinos más preponderantes en los últimos años. La capital,&nbsp;Medellín, ganó fama como un lugar de transformación, donde los turistas pueden disfrutar de su&nbsp;innovadora escena de arte urbano y de una espectacular vida nocturna. Los&nbsp;parques naturales como el&nbsp;Parque Arví son una oportunidad para los viajeros de conocer la naturaleza en las cercanías de la ciudad.La ciudad de Cartagena se mantiene como un destino distinguido por su&nbsp;arquitectura colonial y su cercanía al mar Caribe. Sin embargo, es el&nbsp;Eje Cafetero, con su&nbsp;paisaje de montañas verdes y plantaciones de café, lo que atrae al turismo que busca de tranquilidad y conexión con la naturaleza. Un&nbsp;tour de café en Manizales o Armenia es una de las actividades más elegidas, ya que significa una inmersión en la cultura local.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_ruta_del_cafe_en_Colombia_es_uno_de_los_lugares_mas_elegidos_para_vacionar_en_latinoamerica_c272578a2e.jpg">En el Eje Cafetero, se puede vivir el proceso del café en fincas, explorar el Parque Nacional del Café y recorrer pueblos como Salento y Filandia [Imagen], por Clarín.<h2>Argentina</h2>Argentina es un destino ineludible para los viajeros jóvenes, con&nbsp;Buenos Aires en el centro del mapa, no solo por su&nbsp;vida nocturna y su cultura, sino también por su&nbsp;gastronomía. La capital es el lugar perfecto para disfrutar de un&nbsp;asado y el famoso&nbsp;mate. Sin embargo, la&nbsp;Patagonia y sus imponentes&nbsp;glaciares, como el&nbsp;Perito Moreno, ganan fuerza y se posicionan como modelos para los amantes de la aventura.La provincia de Mendoza es otra parada esencial para los amantes del vino y aquellos que buscan recorrer viñedos con&nbsp;vistas espectaculares a los Andes. Además, las&nbsp;actividades al aire libre como el&nbsp;senderismo y el&nbsp;escalamiento en lugares como el&nbsp;Aconcagua le dan un plus sin igual.Cuando se habla de&nbsp;playas,&nbsp;Mar del Plata y&nbsp;Pinamar son las más populares. La&nbsp;Costa Atlántica también cuenta con un abanico de opciones perfectas. Además,&nbsp;Cariló y&nbsp;Villa Gesell son alternativas para quienes desean escaparse a un lugar más tranquilo, con un ambiente relajado y rodeado de naturaleza.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_glaciar_perito_moreno_es_uno_de_los_lugares_mas_elegidos_para_vacionar_en_latinoamerica_abeb9f89fe.jpg">El colosal Glaciar Perito Moreno está formado por 250 km² de hielo que avanza y se fractura constantemente [Imagen], por Ahora Calafate.<h2>Chile</h2>Chile tiene una diversidad geográfica perfecta para los jóvenes aventureros. El&nbsp;Desierto de Atacama, uno de los lugares más secos del planeta, excelentes para los&nbsp;amantes de la fotografía y la&nbsp;astronomía. Además, el&nbsp;Parque Nacional Torres del Paine, en la Patagonia, se ha consolidado como el lugar ideal para&nbsp;el trekking extremo.La ciudad de Valparaíso es muy popular entre los viajeros por su mezcla de arte, arquitectura y cultura. Las&nbsp;calles coloridas y los grafitis en esta ciudad portuaria son una de las principales atracciones para los que buscan&nbsp;vivir una experiencia culturalmente rica.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_desierto_de_atacama_es_uno_de_los_lugares_mas_elegidos_para_vacionar_en_latinoamerica_5fe7c489cf.jpeg">El Desierto de Atacama es el más árido del mundo, con zonas donde no se registraron lluvias en siglos [Imagen], por Civiatis.<h2>Perú</h2>Por último, Perú, un destino con&nbsp;historia ancestral y su&nbsp;gastronomía moderna. Las ciudades de&nbsp;Cusco y&nbsp;Machu Picchu tienen un atractivo singular para quienes desean sumergirse en la&nbsp;civilización inca. Sin embargo,&nbsp;Lima, la capital, es un destino gastronómico de renombre mundial, con&nbsp;restaurantes de alta gama como&nbsp;Central y Maido, que figuran entre los mejores del mundo.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Machu_Pichu_es_uno_de_los_lugares_mas_elegidos_para_vacionar_en_latinoamerica_6b7641df24.jpg">Machu Picchu se encuentra en los Andes peruanos a más de 2.400 metros de altura [Imagen], por UNESCO World Heritage Centre.Este&nbsp;año viene una serie de&nbsp;destinos que responden a las&nbsp;expectativas&nbsp;turísticas de personas que buscan más que un simple lugar para&nbsp;descansar. Cada uno de estos&nbsp;países latinos tiene algo&nbsp;único para los&nbsp;turistas. Es un hecho que la&nbsp;región continúa como uno de los más&nbsp;ricos en&nbsp;opciones, capaces de cautivar a todos los&nbsp;viajeros que busquen una&nbsp;experiencia&nbsp;auténtica.

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 Los destinos más elegidos del 2025 para vacacionar en Latinoamérica

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