<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El arte urbano también se expresa a través de festivales que conectan la creatividad con la identidad de cada comunidad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y en Ciudad Juárez, el Centro Histórico se convirtió en una galería a cielo abierto con la novena edición de GisArte, un evento organizado por el Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez, donde el color y las tradiciones mexicanas tomaron las calles.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Arte urbano y folclore: así se vivió la novena edición de GisArte en Juárez</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Durante el fin de semana, las calles del <strong>Centro Histórico de Ciudad Juárez</strong> se transformaron en un gran lienzo colectivo con la novena edición de <strong>GisArte</strong>. Bajo la temática “<strong>México: Pasión por nuestro Folklor</strong>”, artistas y colectivos intervinieron en distintos sectores del pavimento para plasmar <strong>sus propias interpretaciones de la identidad, las tradiciones y la riqueza cultural del país</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_4427f5a6e8.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Vista aérea de la novena edición de GisArte (Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cada participante contó con <strong>un espacio delimitado por baldosas en el que pudo desarrollar libremente su propuesta artística a partir de la consigna</strong>. El resultado fue <strong>una combinación de estilos, colores y representaciones que incluyó banderas, catrinas y elementos vinculados con el Día de Muertos</strong>, entre otras expresiones de la cultura popular mexicana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Las obras se extendieron a lo largo del corredor del Centro Histórico y <strong>convirtieron el espacio público en un paseo para familias y visitantes</strong>. Además de apreciar las piezas terminadas, quienes recorrieron el lugar pudieron acercarse al proceso creativo y descubrir las diferentes miradas que los participantes aportaron a una misma temática.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DeFHM08jFAv/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DeFHM08jFAv/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DeFHM08jFAv/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Juárez Número Uno (@juareznumerouno)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La diversidad de propuestas fue uno de los aspectos destacados del encuentro: <strong>cada intervención encontró su propia manera de representar el folclore mexicano</strong>, desde sus símbolos más reconocibles hasta interpretaciones personales de las costumbres y tradiciones del país.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La jornada también contó con un concurso que reconoció las propuestas más destacadas. Tras la evaluación del jurado, el primer lugar fue para el <strong>Colectivo 880</strong> por su obra “<strong>Colores en movimiento</strong>”. El segundo puesto quedó en manos del <strong>Colectivo Bellota</strong> con “<strong>El sabor de El Pueblo</strong>”, mientras que el tercer lugar fue para el <strong>Colectivo Marte Rojo</strong> por “<strong>Escaramuza</strong>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Además, el <strong>Colectivo Tres Desiertos</strong> recibió una mención honorífica por “<strong>Al son de la muerte</strong>”, una propuesta que también formó parte de las distintas representaciones artísticas que dieron vida al encuentro.</span></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Artistas_coloreando_el_Centro_Historico_de_Ciudad_Juarez_en_la_novena_edicion_de_Gis_Arte_1_1_5687c661b8.jpg"></figure><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Artistas coloreando el Centro Histórico de Ciudad Juárez en la novena edición de GisArte (Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con esta nueva edición de GisArte, el Centro Histórico de Ciudad Juárez se llenó de color y creatividad, y reunió el talento de artistas y colectivos locales en una celebración del folclore mexicano a través del arte urbano.</span></p>

Artistas coloreando el Centro Histórico de Ciudad Juárez en la novena edición de GisArte (1).avif

Noticias

Ciudad Juárez convirtió sus calles en un lienzo para celebrar la cultura mexicana

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Realismo, color y raíces mexicanas en el arte urbano: así es el universo de Duek Glez

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La gastronomía también puede ser una forma de recorrer la historia de un lugar. Eso propone La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta, un nuevo espacio cultural de CDMX que recupera ingredientes, técnicas y tradiciones para convertirlas en una experiencia.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Un recorrido por los sabores, historias y tradiciones de Milpa Alta: así es el Museo Vivo de la Cocina</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En el sur de la Ciudad de México, <strong>Milpa Alta</strong> cuenta con un nuevo espacio dedicado a una de las expresiones más importantes de su identidad: <strong>la gastronomía</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Se trata de <strong>La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta</strong>, un proyecto que propone <strong>entender la cocina como un sistema cultural en el que conviven ingredientes, agricultura, técnicas heredadas, rituales y vida comunitaria</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_8da0bb4594.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Interior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El museo funciona dentro de un inmueble con más de 100 años de historia, que durante la época de la Revolución Mexicana fue una hacienda y un espacio destinado a la labranza. El edificio se encuentra en el corazón de Villa Milpa Alta y actualmente fue recuperado para <strong>convertirse en un espacio dedicado a preservar y difundir la tradición culinaria de la región</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El recorrido está compuesto por <strong>seis salas temáticas</strong>, cada una dedicada a diferentes aspectos de la cultura gastronómica de Milpa Alta. La primera aborda <strong>la milpa como modelo agrícola y su relación con ingredientes como el maíz nativo, la calabaza, el frijol y los quelites</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Otra de las salas pone el foco en <strong>el maguey, el pulque y el nopal</strong>, productos que forman parte de la identidad de la región. El recorrido también pasa por el mercado como espacio de intercambio y tradición oral, con referencias a alimentos como la barbacoa, los tamales, los cocoles y el atole.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La experiencia continúa en el espacio dedicado a <strong>la molienda</strong>, donde aparecen herramientas tradicionales como el metate y el molcajete y se explora el proceso detrás de algunos de los sabores más representativos de la cocina mexicana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">También hay un sector dedicado a <strong>las temporaleras y las cocineras tradicionales</strong>, con especial atención sobre quienes recolectan durante determinadas épocas del año hongos, flores, frutos y diferentes elementos que ofrece la tierra. Finalmente, <strong>La Mesa Infinita funciona como un homenaje a las cocineras tradicionales y a la identidad comunitaria que se construye alrededor de los fogones y la mesa</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_05de2825d8.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El exterior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero el Museo Vivo de la Cocina busca ir más allá del recorrido tradicional. El espacio cuenta además con <strong>una palapa destinada a conferencias, degustaciones y talleres vivenciales</strong>, donde los visitantes pueden participar en experiencias vinculadas con la preparación de alimentos tradicionales.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre las actividades previstas aparecen <strong>talleres para aprender a elaborar preparaciones como pipián, mole verde y tamales de hongo</strong>, además de diferentes experiencias relacionadas con los ingredientes y técnicas de la cocina de Milpa Alta. El espacio también funciona como plataforma para que artesanos y productores locales puedan acercar sus productos al público.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La propuesta busca que la gastronomía no quede entendida simplemente como una colección de recetas o platillos del pasado. Por el contrario, <strong>el museo presenta la comida como una manifestación cultural que continúa viva</strong> y que se mantiene a través de las personas, los cultivos, las técnicas y los conocimientos transmitidos entre generaciones.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_7d5b58346a.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Interior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta</strong> se encuentra en <strong>Sonora Sur 10</strong>, Barrio Los Ángeles, Villa Milpa Alta, Ciudad de México. El espacio recibe visitantes de lunes a domingo, de 10:00 a 19:00 horas, con entrada gratuita</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De esta manera, <strong>el Museo Vivo de la Cocina se suma a la oferta cultural de CDMX con una propuesta que permite conocer un territorio desde un lugar diferente</strong>: no solamente a través de sus edificios, historias o paisajes, sino también mediante aquello que llega todos los días a la mesa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Porque detrás de cada tortilla, cada mole, cada ingrediente y cada receta existe una historia de tierra, comunidad y conocimiento. Y justamente eso busca preservar La Casona: <strong>una cocina que no pertenece únicamente al pasado, sino que continúa viva en el presente</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para llegar en transporte público, una de las opciones es tomar la <strong>Línea 12 del Metro hasta la estación Tláhuac</strong> y desde allí abordar un camión con destino al Mercado de Milpa Alta; desde ese punto, el museo se encuentra a unos cinco minutos a pie. Otra alternativa es viajar por la <strong>Línea 2 del Metro hasta Tasqueña</strong>, combinar con el <strong>Tren Ligero hasta Xochimilco</strong> y luego tomar <strong>un transporte hacia el Centro de Milpa Alta</strong>. En automóvil, se puede acceder por la <strong>Carretera Xochimilco-Oaxtepec</strong>, siguiendo la desviación hacia Buenavista hasta llegar a Sonora Sur.</span></p>

Interior del Museo Vivo de la Cocina (1) (1) (1).avif

El museo de CDMX donde la cocina mexicana se convierte en patrimonio vivo

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El Día de Muertos no se vive solamente el 1 y 2 de noviembre: en la Ciudad de México, la celebración comienza en octubre y transforma calles, plazas, museos y distintos barrios.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Alebrijes, catrinas, ofrendas y mucho más: la agenda de Día de Muertos</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cada año, la <strong>Ciudad de México</strong> cambia de colores para recibir una de las celebraciones más importantes de la cultura mexicana: <strong>el Día de Muertos</strong>. Aunque las fechas centrales son el 1 y 2 de noviembre, <strong>la temporada comienza mucho antes y durante octubre la capital se llena de desfiles, festivales, ofrendas, recorridos y actividades</strong> que permiten acercarse a distintas expresiones de esta tradición.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En 2026, <strong>la agenda vuelve a ser amplia y ofrece propuestas relacionadas con el arte popular, la gastronomía, el turismo, la música, el deporte y las tradiciones mexicanas</strong>. Estos son algunos de los principales planes para tener en cuenta:</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_ace3a2873f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Mexicana celebrando el Día de los Muertos en las calles CDMX (Getty Images).</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Desfile de Alebrijes Monumentales — 17 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Museo de Arte Popular</strong> realizará una nueva edición de su tradicional desfile, con <strong>enormes figuras de cartonería recorriendo las calles de la ciudad</strong>. El recorrido comenzará en el Zócalo, pasará por 5 de Mayo, Avenida Juárez y Paseo de la Reforma y finalizará en la zona del Ángel de la Independencia. Las piezas permanecerán posteriormente en exhibición sobre Reforma.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival artesanal de café, pan de muerto y chocolate — 17 y 18 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En Jalapa 38, Roma Norte, habrá <strong>una propuesta gastronómica dedicada a algunos de los sabores más representativos de la temporada</strong>. Además de <strong>pan de muerto, café y chocolate</strong>, se anuncian <strong>talleres y actividades relacionadas con el cacao y la elaboración de catrinas</strong>. La entrada será gratuita y el horario previsto es de 10:00 a 19:00.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival de Flores de Cempasúchil — del 18 de octubre al 1 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Paseo de la Reforma</strong> volverá a llenarse del tradicional color naranja con una feria dedicada al cempasúchil, donde <strong>productores de la Ciudad de México ofrecerán flores, plantas y artículos vinculados con la temporada</strong>.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Entre flores, agua y espíritus — 24 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Xochimilco </strong>será escenario de una experiencia vinculada con las tradiciones de Día de Muertos y el paisaje de sus canales, una de las zonas de la ciudad que mantiene una relación especialmente fuerte con esta celebración.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Rodada Ciclista por el Día de Muertos — 24 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para quienes prefieren una alternativa más activa, <strong>la Rodada Nocturna recorrerá la ciudad desde la Fuente de Petróleos hasta el Centro Histórico</strong>, con actividades complementarias, disfraces y espacios de participación para ciclistas.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Mega Procesión de las Catrinas — 25 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Uno de los eventos más característicos de la temporada regresará a <strong>Paseo de la Reforma</strong>. La procesión reunirá a <strong>miles de personas caracterizadas como catrinas y catrines, con diferentes estilos y referencias a la cultura mexicana</strong>. Está prevista para las 18:00 horas y será gratuita.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival del Cacao en el Museo Anahuacalli — del 29 de octubre al 2 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Museo Anahuacalli</strong> recibirá una nueva edición del festival dedicado al <strong>cacao</strong>, con productores, chocolateros y propuestas gastronómicas relacionadas con uno de los alimentos más importantes de las culturas mesoamericanas. También habrá bebidas tradicionales como tejate y tascalate.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival de Día de Muertos en Chapultepec: “La Puerta entre dos mundos” — del 29 de octubre al 4 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En el <strong>Paseo de los Compositores y Lago Mayor</strong>, dentro de la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec, habrá <strong>una experiencia que combinará arte, música, danza, gastronomía, altares y un espectáculo nocturno de drones</strong>.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Ofrenda Monumental del Zócalo — del 29 de octubre al 2 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El corazón del <strong>Centro Histórico</strong> volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro de la temporada. La ofrenda de 2026 estará dedicada a la <strong>Catrina de José Guadalupe Posada</strong> e incluirá <strong>una estructura monumental de cartonería de 32 metros, tapetes de aserrín y flores de cempasúchil</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_dc3f410632.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Desfile musical del Día de los Muertos (Getty Images).</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">“El Camino”, iluminación de Día de Muertos — del 23 de octubre al 8 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Paseo de la Reforma</strong> también tendrá una <strong>intervención lumínica</strong> entre <strong>el Ángel de la Independencia y la Puerta de los Leones</strong>, pensada especialmente para disfrutar durante la noche.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Gran Desfile de Día de Muertos — 31 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>evento central de la temporada</strong> tendrá lugar el sábado 31 de octubre y llevará <strong>carros alegóricos, música, danzantes, mojigangas y contingentes temáticos hacia el Zócalo</strong>. Entre los homenajes anunciados aparecen figuras y símbolos de la cultura mexicana. La agenda oficial consultada lo ubica a las 14:00 horas, aunque algunas guías publicaron horarios diferentes, por lo que conviene revisar la información oficial antes de asistir.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Ofrenda Viva Domingo x Arca Tierra — 31 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En la <strong>Chinampa del Sol</strong>, esta propuesta buscará acercar la celebración al territorio chinampero con <strong>una experiencia alrededor de las tradiciones, la naturaleza y la memoria</strong>. Está prevista para el mediodía.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Megaofrenda de la UNAM — del 31 de octubre al 2 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La comunidad universitaria también tendrá su propio espacio de celebración con la<strong> tradicional Megaofrenda en la explanada de Universum</strong>, una de las opciones más importantes para recorrer altares y homenajes durante las fechas centrales.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Pasarela “La Catrina en Cuerpo y Color” — 29 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Museo Nacional de Culturas Populares</strong> será sede de una propuesta que llevará a la <strong>Catrina </strong>al terreno de la moda y la expresión visual. La actividad está prevista para el 29 de octubre a las 13:00 horas.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Curso y talleres de Pan de Muerto — 29 y 30 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Roma Norte</strong> también tendrá una alternativa para quienes prefieren una actividad gastronómica participativa: <strong>un curso de dos días en Tabasco 46, dedicado a preparar pan de muerto</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_a30e578c03.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Celebración del Día de los Muertos en CDMX (Getty Images).</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Calaveritas Run — 1 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Complejo Cultural Los Pinos</strong> recibirá una carrera nocturna de <strong>Día de Muertos</strong> a partir de las 19:30. Habrá diferentes distancias, categorías y una propuesta que invita a correr con caracterizaciones inspiradas en calaveras. La actividad es arancelada.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre desfiles, ofrendas, recorridos, gastronomía, arte popular y propuestas para hacer en familia o con amigos, <strong>Día de Muertos volverá a convertir a la Ciudad de México en uno de los grandes escenarios culturales de México</strong>.</span></p>

¿Qué hacer el Día de los Muertos en CDMX_ (1).avif

¿Qué hacer el Día de los Muertos en CDMX?

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De cara a la primera jornada de la octava temporada de FMS Argentina, Dybbuk, uno de los veteranos y protagonistas del nuevo roster, habló con Street Art Latam y analizó cómo llega, sus objetivos, el nivel del roster y los enfrentamientos que espera durante el año.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con la experiencia de tres temporadas en FMS, Dybbuk, que comenzará su camino enfrentado al vigente campeón Mecha, buscará volver a pelear por el título y dejar su marca en una nueva edición de la liga.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Esta será tu cuarta temporada consecutiva formando parte del roster de FMS Argentina. ¿Cómo encarás esta nueva edición y qué objetivos te planteás para este año?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Creo que es un desafío en el aspecto de que ya no es una novedad. Por ahí la emoción de la temporada debut y haber quedado cerca del título ya no está. Ahora el desafío es mantenerse y estar establecido. Mi objetivo y mi ambición siempre son las más altas, el título y hacer disfrutar a la gente, y si eso me destina a levantar la copa, mejor. Pero lo principal es hacer que las batallas sean interesantes en su mayor medida</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d5c73fe051.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Dybbuk, una de las estrellas del roster de FMS Argentina (Instagram/Dybbuk).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Cada temporada tiene algo especial: la primera por el debut, las siguientes por la experiencia acumulada y los nuevos desafíos. ¿Qué tiene de particular esta octava temporada para vos y qué sentís que cambió en tu manera de competir desde tu llegada a la liga?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Primero la experiencia. Siempre se agradece tener una temporada más de experiencia, en este caso ya son tres. Creo que mientras más se van retirando algunos o hacen traspasos, más voy quedando como los MCs que más temporada tienen</i>.&nbsp;<i>Siento que ni soy el más viejo ni el más nuevo, y la idea es agarrar la experiencia que tengo y hacérsela sentir, tanto a los debutantes como a los más experimentados</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>FMS ya empezó a presentar los rosters de sus ligas de Chile, Colombia y México. ¿Qué características destacarías del roster argentino y qué creés que lo diferencia de los demás?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Lo más destacable es que es la única liga que no tiene traspasos, que no hay extranjeros. A mí me hubiese gustado que haya algún extranjero, y que esté ese intercambio cultural y de experiencias. Pero es lo que nos diferencia del resto: somos diez argentinos y una liga puramente argentina</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c178c1ebe6.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Dybbuk enfrentándose a Sophia (Instagram/Dybbuk).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>FMS es uno de los grandes circuitos del freestyle hispanohablante y tiene una particularidad: el formato de liga, donde cada jornada suma puntos y la regularidad es clave. ¿Qué tiene este sistema que lo hace diferente de otras competencias y qué es lo que más te gusta de competir en él?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Casi que FMS termina siendo, en los últimos años, el gran porcentaje de los eventos en los que compito, entonces ya estoy más acostumbrado al formato liga. Después de varios años y de no competir tanto en plaza y eso, es mi costumbre y está bueno. Podés corregir si fallás en una fecha, podés mejorar y creo que es una presión distinta. Vos estás puntero o décimo de FMS Argentina en todo momento: duchándote, almorzando y en cualquier otro aspecto. Es un estado mental que se extiende lo que se extiende la temporada</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>En una liga, no alcanza solamente con tener una gran batalla: también hay que sostener el nivel durante toda la temporada. ¿Qué considerás fundamental para ser regular y mantenerse competitivo jornada tras jornada?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Creo que la fortaleza mental es muy importante. Ni es el fin del mundo perder dos batallas ni saliste campeón por ganar las primeras dos. Aprovechar mucho la corrección también, tener tiempo de repasar y ver qué gustó y qué estuvo mal</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>En FMS, cada rival te plantea un desafío distinto y muchas veces hay que adaptarse a estilos muy diferentes. ¿Cómo preparás las batallas y cuánto espacio dejás para la improvisación frente a lo que pueda pasar en el momento?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Hay muchas veces que uno da todo lo que puede y el otro le gana. Capaz hiciste todo bien y el otro fue mejor, conectó más con la gente o decisiones divididas del jurado. Creo que hay que no volverse loco: si a uno le va bien, hay que mantenerse y seguir mejorando, y si a uno le va mal, no es el fin del mundo</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_9512ca27fd.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Dybbuk rapeando en los escenarios de FMS Argentina (Instagram/Dybbuk).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Con varias temporadas de experiencia en la liga, ¿sentís que hoy tenés una presión diferente a la de tus primeros años? ¿Cómo manejás las expectativas propias y las que puede tener el público sobre tu rendimiento?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Trato de ir batalla a batalla. Todos los rivales te pueden complicar, creo que Argentina es muy impredecible en ese aspecto: capaz le ganás al último campeón y perdés con alguien que quedó último en la tabla. A mí me funciona ir batalla a batalla y no desesperarme, no adelantarme en el tiempo ni quedarme con algún enfrentamiento que haya pasado</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>El roster reúne competidores con recorridos y estilos diferentes. ¿Hay algún enfrentamiento de esta temporada que te genere una motivación especial o alguna batalla que tengas muchas ganas de disputar?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Son todos bastante conocidos. Me gustan más los cruces inéditos, que en este caso no los hay. Me gustaría con Replik, por ejemplo, que batallamos en la última fecha de la pasada temporada y me ganó, así que siento que podría tomar venganza. En la primera fecha voy con Mecha, que viene de salir campeón, así que también va a ser una linda batalla, de golpe si le gano, demostrar que también estaba para levantar el título</i>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_3993f678e2.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Dybbuk cara a cara ante Replik en FMS Argentina (Instagram/Dybukk).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Para cerrar, ¿qué mensaje le darías a la gente que va a seguir esta nueva temporada y qué puede esperar de Dybbuk en esta edición de FMS Argentina?</strong></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“<i>Gracias a toda la gente que sigue esto y que hace que siga funcionando, que sigue pagando la entrada para ir a ver los eventos en vivo, que es una parte importantísima. De mi parte, compromiso total y entendimiento de las batallas que ahora están escaseando un poco, que son las batallas sangrientas, donde se pudre y se siente la tensión de verdad. Eso es lo que busco generar. Mi compromiso es que la gente que vaya a ver batallas vea gente batallando</i>”.</span></p>

Dybbuk, listo para la nueva temporada de FMS Argentina (1).avif

Experiencia, revancha y hambre de título: Dybbuk está listo para una nueva FMS Argentina

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Hablar de streetwear es también hablar de las personas que ayudaron a convertir una escena de nicho en una cultura global, y dentro de esa historia aparece Hiroshi Fujiwara, diseñador, músico y creativo japonés conocido como el “Godfather of Streetwear”.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De Harajuku al mundo: la influencia de Hiroshi Fujiwara</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>streetwear internacional</strong> cuenta con un selecto grupo de personalidades que, por su influencia, sus lanzamientos y su huella cultural, ayudaron a construir la escena que conocemos hoy.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Nombres como <strong>Shawn Stussy, James Jebbia, NIGO o Hiroshi Fujiwara</strong> forman parte de una generación que <strong>entendió la ropa como algo mucho más amplio que una simple tendencia</strong> y la conectó con la música, el arte, el skate, el diseño y las diferentes subculturas urbanas.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y dentro de ese grupo, <strong>Fujiwara ocupa un lugar especialmente importante por el camino que construyó desde Japón hacia el resto del mundo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_53227233c3.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Los inicios de Hiroshi Fujiwara como DJ (Instagram/Sweetmenta).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Nacido en Japón, <strong>Fujiwara se trasladó a Tokio a comienzos de los años 80 y rápidamente quedó fascinado por las expresiones culturales que llegaban desde Occidente</strong>. Sus viajes a Londres y Nueva York fueron determinantes: allí entró en contacto con el punk, el hip hop, el DJing y una nueva manera de entender la ropa y la identidad. De regreso en Japón, <strong>comenzó a trasladar esas influencias a la escena de Harajuku</strong>, convirtiéndose en una de las primeras figuras vinculadas al hip hop y a la cultura de importación de estilos occidentales en el país.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>música </strong>fue, de hecho, uno de los puntos de partida de su carrera. Antes de transformarse en referente del diseño, <strong>Fujiwara fue DJ y se convirtió en uno de los primeros nombres vinculados al hip hop en Japón</strong>. Esa conexión con la música terminó siendo fundamental para su concepción de la moda: las escenas musicales, los artistas, las zapatillas, las tiendas, los diseñadores y las comunidades podían formar parte de un mismo universo creativo</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">GOODENOUGH y el nacimiento de una nueva escena</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En 1990 llegó uno de los grandes puntos de inflexión de su trayectoria con la creación de <strong>GOODENOUGH</strong>, una marca que comenzó con una propuesta relativamente sencilla: <strong>prendas gráficas, principalmente remeras, capaces de trasladar a la ropa el lenguaje que circulaba en las calles y en la escena underground japonesa</strong>. Sin embargo, su impacto terminó siendo muchísimo mayor.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_4f11fb9932.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">GOODENOUGH como pilar de Hiroshi Fujiwara (Instagram/Sweetmenta).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">GOODENOUGH apareció en un momento en el que el streetwear japonés todavía estaba construyendo sus propias reglas y terminó <strong>convirtiéndose en una de las piezas fundamentales de la escena conocida como Ura-Harajuku</strong>. Fujiwara no trabajó únicamente como diseñador: también funcionó como una especie de puente entre distintas comunidades, conectando la escena japonesa con marcas y movimientos que estaban surgiendo en Estados Unidos y Europa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Uno de los episodios más importantes de esa época fue <strong>la relación con NIGO y Jun Takahashi</strong>, dos nombres que posteriormente serían protagonistas de la moda urbana japonesa. Con el impulso de Fujiwara, ambos estuvieron vinculados a la apertura de <strong>NOWHERE </strong>en Harajuku en 1993, <strong>una tienda que terminó funcionando como uno de los núcleos fundamentales del movimiento</strong>. El espacio combinaba marcas japonesas, zapatillas Nike y adidas, prendas vintage y artículos provenientes de Estados Unidos.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_41298637f0.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Remera de GOODENOUGH (Sabukaru).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La importancia de Fujiwara durante esos años no se limitó entonces a su propia marca. Su presencia <strong>ayudó a generar un ecosistema en el que diferentes diseñadores y creativos podían encontrarse, intercambiar referencias y desarrollar nuevas propuestas</strong>. Desde ese entorno surgieron o crecieron nombres como <strong>A Bathing Ape, UNDERCOVER, NEIGHBORHOOD, WTAPS y SOPHNET.</strong>, entre otros.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De crear ropa a crear conexiones</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con el paso de los años, Fujiwara fue alejándose de la estructura tradicional de una marca de indumentaria. Su interés estaba cada vez más puesto en las ideas, los objetos, las colaboraciones y las conexiones entre diferentes industrias.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ese cambio terminó desembocando en <strong>Fragment Design</strong>, el proyecto que fundó a finales de los 90 y que se convertiría en la principal plataforma de su carrera. A diferencia de una marca convencional, <strong>Fragment fue concebida como un estudio creativo capaz de trabajar junto a compañías de diferentes áreas</strong>. Moda, zapatillas, tecnología, música, diseño, objetos cotidianos y cultura popular podían entrar dentro de su universo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>El símbolo de los dos rayos se convirtió con el tiempo en una de las firmas más reconocibles del streetwear contemporáneo</strong>. Y probablemente ahí se encuentre una de las claves para entender el impacto de Fujiwara: Fragment no necesitó construir una identidad basada en grandes colecciones propias para convertirse en una referencia. Su fuerza estuvo en la capacidad de intervenir sobre productos existentes y convertir una colaboración en un objeto cultural.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_3162040246.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Hiroshi Fujiwara junto a un par de Nike (SVD).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Nike </strong>fue uno de sus socios más importantes. Fragment comenzó a colaborar con la compañía en 2010 y, a partir de allí, Fujiwara participó en algunos de los lanzamientos de zapatillas más recordados de las últimas décadas. Antes de que las colaboraciones entre marcas de lujo, deporte y streetwear se convirtieran en una práctica habitual, Fujiwara ya estaba trabajando en ese modelo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Uno de los proyectos más relevantes de su trayectoria fue <strong>HTM</strong>, la alianza creativa desarrollada junto a Tinker Hatfield y Mark Parker dentro de Nike. A esto se sumaron colaboraciones con <strong>Levi's, Converse, Louis Vuitton, Moncler, Beats by Dre, Apple, Medicom Toy, Pokémon, Starbucks y Carhartt</strong>, entre muchas otras compañías y proyectos.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El streetwear como punto de encuentro</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>influencia </strong>de <strong>Fujiwara </strong>también se explica por una filosofía de trabajo que escapó de los límites tradicionales de la moda. Su carrera atravesó la música, el diseño, las zapatillas, los objetos, el retail y las colaboraciones, convirtiéndolo en <strong>una figura difícil de encasillar en una sola disciplina</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A través de proyectos como <strong>THE POOL aoyama y THE PARK・ING GINZA</strong>, continuó explorando la idea de crear espacios capaces de reunir diferentes comunidades y marcas. Del mismo modo, su trabajo con Fragment permitió que <strong>una misma identidad apareciera sobre una zapatilla, una prenda, un objeto tecnológico o incluso productos alejados de la moda</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d7ec8be8d2.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El estilo de Hiroshi Fujiwara (Options, The Edge).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ese recorrido también <strong>explica por qué Fujiwara terminó siendo una referencia para generaciones posteriores de diseñadores y creativos</strong>. Su influencia alcanzó a figuras como NIGO y Jun Takahashi desde los primeros años de Harajuku y, posteriormente, a nombres como Virgil Abloh, quien reconoció públicamente su importancia dentro del desarrollo de la cultura urbana contemporánea.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Por eso, más que hablar únicamente de prendas o zapatillas, hablar de Hiroshi Fujiwara es hablar de conexiones. <strong>Conectó el hip hop estadounidense con la escena japonesa, las calles de Harajuku con las grandes marcas internacionales y el streetwear con industrias que originalmente parecían completamente alejadas de la moda</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después de más de cuatro décadas vinculado a la música, la moda y la cultura urbana, su nombre sigue apareciendo detrás de algunas de las colaboraciones más buscadas del mundo. Y quizás ese sea uno de los mejores indicadores de su legado: Fujiwara no necesitó seguir las reglas del streetwear para mantenerse vigente; buena parte de esas reglas fueron construidas, precisamente, por personas como él.</span></p>

Hiroshi Fujiwara, el padre japonés del streetwear.avif

Hiroshi Fujiwara, el diseñador japonés que convirtió al streetwear en una cultura global

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">México tiene una fuerte relación con el básquetbol y, en algunos de sus municipios, el deporte funciona además como punto de encuentro para distintas generaciones.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En Ixtlán de Juárez, Oaxaca, la NBA tomó una cancha histórica y la convirtió en un enorme lienzo que reunió arte, cultura local y básquetbol.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Una cancha con identidad oaxaqueña y sello de la NBA</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>básquetbol </strong>forma parte de la cultura del <strong>deporte urbano</strong> en <strong>México </strong>y, en algunos puntos del país, también se convirtió en una tradición que atraviesa generaciones.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En la Sierra Norte de Oaxaca, <strong>Ixtlán de Juárez fue elegido por la NBA para formar parte de un proyecto latinoamericano de remodelación de canchas realizado en el marco de su 75 aniversario</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DccwPypuS2a/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DccwPypuS2a/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DccwPypuS2a/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Gio Cruz (@elgiomx)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La elección del municipio no fue casual. <strong>Ixtlán es uno de los lugares más representativos del básquetbol oaxaqueño</strong> <strong>y</strong>, al momento de la intervención, <strong>la cancha municipal llevaba 46 años siendo escenario de la Copa Benito Juárez</strong>, uno de los torneos más tradicionales del estado. La NBA buscó así recuperar un espacio con una historia vinculada directamente con el desarrollo del básquetbol en la región y convertirlo también en un punto de encuentro para nuevas generaciones.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para llevar adelante la transformación, la cancha pasó a funcionar como un enorme lienzo. El artista plástico mexicano <strong>Julio Silva</strong> trabajó durante más de 15 días sobre la superficie, acompañado por el artista oaxaqueño <strong>Óscar Axo</strong>, con <strong>una propuesta que tomó como referencia las caricaturas de la década de los 90 y diferentes elementos de la cultura de la Sierra</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_e7c4b2c8e9.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Vista de la cancha de baloncesto de Oaxaca intervenida por la NBA (Mediotiempo).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El diseño incorporó <strong>calaveras, flores y plantas endémicas</strong>, además de otros recursos visuales que terminaron formando una especie de altar sobre la cancha. Las figuras dialogan con <strong>las tradiciones de Oaxaca y con referencias vinculadas al Día de Muertos</strong>, generando una intervención en la que el básquetbol quedó integrado con elementos propios de la identidad regional.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La propuesta también contó con la participación del ilustrador y músico mexicano <strong>Reez Ruiz</strong>, quien trabajó junto a Silva y Axo en el diseño de la cancha. El resultado buscó que cada espacio renovado dentro del proyecto de la NBA tuviera una identidad relacionada con la historia y la cultura del lugar donde se encontraba.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_cf3186383b.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Niña disfrutando en la cancha de baloncesto de Oaxaca intervenida por la NBA (El Universal Oaxaca).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De esta manera, <strong>la NBA no solo recuperó un espacio dedicado históricamente al básquetbol, sino que también convirtió una cancha de uso cotidiano en una obra capaz de contar parte de la identidad de Ixtlán de Juárez</strong>. El resultado demuestra cómo el deporte urbano puede convivir con el arte y las tradiciones locales para transformar un espacio deportivo en un punto de encuentro cultural.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Más que una simple remodelación, la cancha pasó a funcionar como una representación visual de la región: <strong>básquetbol en el centro, arte en cada rincón y la historia de Oaxaca convertida en parte del terreno de juego</strong>.</span></p>

Vista de la cancha de baloncesto de Oaxaca intervenida por la NBA (1).avif

La cancha de Ixtlán de Juárez que la NBA convirtió en una obra de arte urbano

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El k-pop ya no es únicamente un fenómeno de Corea del Sur: también generó comunidades, festivales y grupos de baile en distintos países de Latinoamérica.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y en Ecuador, Kronix encontró su lugar como una crew de cuatro integrantes dedicada a llevar las coreografías del género a cada presentación.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Baile, tendencias y cultura coreana: el universo de Kronix</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El movimiento <strong>k-pop</strong> pegó con fuerza a nivel internacional y también encontró en Latinoamérica una comunidad que no deja de crecer. Ese fenómeno incluso impulsó la aparición de grupos locales dedicados al dance cover y, en <strong>Ecuador</strong>, <strong>Kronix encontró su lugar como una crew enfocada en llevar las coreografías del género a las redes y los escenarios</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Dc2ckpDAUYA/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/Dc2ckpDAUYA/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/Dc2ckpDAUYA/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de KRONIX (@kronix.ec)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El grupo está compuesto por cuatro chicos: <strong>Sumin and Hunter, Sumin and Junghoon, Junmin y Minjae and Jinsik</strong>. A diferencia de una banda tradicional de K-pop, <strong>Kronix no centra su propuesta en la creación de canciones, sino en el baile, las coreografías y los challenges que forman parte de la cultura alrededor del género</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Su contenido toma como referencia a algunas de las agrupaciones más reconocidas de la escena y traslada sus coreografías al contexto ecuatoriano. Entre sus propuestas aparecen <strong>trends y performances inspiradas en canciones de BTS</strong>, además de otros éxitos que forman parte del repertorio de los fanáticos del k-pop.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_a2286c16f9.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Los integrantes de Kronix (Instagram/Kronix).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto también construyó una comunidad en redes sociales, especialmente en Instagram y TikTok, donde comparte coreografías y presentaciones y encuentra una vía para acercarse a nuevos seguidores.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ese crecimiento digital se trasladó también a escenarios físicos. <strong>Kronix ya formó parte de diferentes encuentros relacionados con la cultura asiática y el k-pop en Ecuador</strong>, entre ellos el Festival Anime K-Pop AZEA, K-Party Halloween y K-Neon Pop Party, espacios donde el dance cover funciona como uno de los grandes puntos de encuentro de la comunidad.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DcKrQifA2Em/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DcKrQifA2Em/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DcKrQifA2Em/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de KRONIX (@kronix.ec)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En ese escenario, <strong>Kronix representa una de las tantas maneras en las que el k-pop dejó de ser un fenómeno exclusivo de Corea del Sur para convertirse en una expresión cultural adoptada y reinterpretada por comunidades de todo el mundo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde Ecuador, el grupo toma las canciones, los movimientos y la estética de sus artistas favoritos y los transforma en una propuesta propia: baile, comunidad y cultura K-pop llevados a una nueva generación de fanáticos.</span></p>

Kronix, el grupo ecuatoriano que lleva el k-pop a la pista de baile.avif

Kronix, el grupo ecuatoriano que lleva el K-pop a la pista de baile

¿La Inteligencia Artificial amenaza al arte urbano_.avif

¿La inteligencia artificial amenaza al arte urbano?

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Murales, graffiti y grandes intervenciones forman parte del paisaje cotidiano de Buenos Aires: ahora también pueden conocerse a través de los tours especializados de Nuva Turismo.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El arte urbano como punto turístico de Buenos Aires</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde hace ya varios años, la ciudad de <strong>Buenos Aires</strong> se ha consolidado no solo como <strong>uno de los puntos artísticos más importantes a lo largo y ancho de Argentina</strong>, sino también como una de las <strong>grandes capitales del arte urbano latinoamericano</strong>. Sus calles, edificios, pasajes y espacios culturales están atravesados por una <strong>infinidad de obras</strong> y por la <strong>huella de artistas</strong> que transformaron distintos rincones de la ciudad en verdaderas intervenciones a cielo abierto.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_9c6a4c225b.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Muralismo en las calles de Palermo Soho (Street Art Cities).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si bien una de las maneras más comunes de conocer estas obras es <strong>recorrer la ciudad durante una caminata</strong>, existen propuestas que buscan acercar este universo al público desde una mirada diferente. Y una de ellas es <strong>Nuva Turismo, una empresa dedicada al turismo alternativo en distintos puntos de Buenos Aires y que propone tours diferentes a las visitas tradicionales</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La propuesta parte de una idea sencilla: <strong>Buenos Aires tiene una oferta inigualable de lugares y experiencias para descubrir, y el arte urbano es una parte fundamental de ese recorrido</strong>. Por eso, Nuva Turismo cuenta con <strong>circuitos que atraviesan algunos de los espacios más relevantes de la escena</strong>, desde lugares vinculados a la cultura y el arte como la Usina del Arte y el Buenos Aires Museo hasta zonas donde el arte urbano forma parte del paisaje cotidiano.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production%2Fimage_0d26ef0535.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Muralismo en las calles de Palermo Soho (Street Art Cities).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los recorridos también pasan por espacios como <strong>los pasajes de Palermo Soho, el Mercado de las Pulgas y el Pasaje Lanin</strong>, además de distintos murales e intervenciones que permiten conocer otras formas de expresión artística presentes en la ciudad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De esta manera, los tours de Nuva Turismo funcionan como <strong>una alternativa para quienes quieren conocer Buenos Aires desde una perspectiva diferente y descubrir cómo el graffiti, los murales y las intervenciones urbanas conviven</strong> con algunos de los espacios culturales más importantes de la capital argentina.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Todo lo que tenés que saber sobre los tours de arte urbano de Nuva Turismo</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Nuva Turismo</strong> ofrece <strong>dos experiencias vinculadas al arte urbano</strong> de la ciudad de <strong>Buenos Aires</strong>. Ambas tienen una duración aproximada de tres horas y se realizan en combi, con recorridos por distintos puntos de la ciudad.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Graffiti Tour 1: paseo temático con destinos como el Pasaje Lanin, el mural de Maradona, el Centro Metropolitano de Diseño, la Usina del Arte, Exabrupto de Color y visita con entrada al Buenos Aires Museo, con una duración de tres horas en combi.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Graffiti Tour 2: paseo temático por murales de clínicas, pasajes de Palermo Soho, el Mercado de las Pulgas, los murales del Cementerio de Chacarita, con una duración de tres horas en combi.</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para conocer más detalles sobre las experiencias, disponibilidad y reservas, se puede ingresar al&nbsp;</span><a href="https://nuvaturismo.com.ar/"><span style="background-color:transparent;color:#1155cc;font-family:Arial,sans-serif;"><u>sitio web de Nuva Turismo&nbsp;</u></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">o comunicarse directamente a través de WhatsApp al +54 9 11 3426-4144.</span></p>

Los tours de arte urbano para conocer Buenos Aires de una manera diferente.avif

Los tours de arte urbano para conocer Buenos Aires de una manera diferente

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los videojuegos ya no tienen por qué quedarse frente a una pantalla y Pixel Universe es una muestra de ello, el espacio de Ciudad de México propone minijuegos, desafíos y experiencias inspiradas en el mundo de los píxeles.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El espacio de CDMX donde los videojuegos cobran vida más allá de las pantallas: así es Pixel Universe</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>Ciudad de México</strong> cuenta con un sinfín de <strong>atracciones </strong>para todo tipo de públicos, desde quienes buscan propuestas culturales hasta aquellos que prefieren experiencias vinculadas al entretenimiento y los videojuegos. Y uno de esos rincones es <strong>Pixel Universe</strong> (Avenida Patriotismo 615, alcaldía Benito Juárez), un espacio de entretenimiento inmersivo donde <strong>el mundo de los píxeles se transforma en una experiencia para vivir más allá de las pantallas</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1833d52051.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Firewall, uno de los minijuegos de Pixel Universe (Pixel Universe).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Una de sus principales propuestas es <strong>Misión Pixel Cap</strong>, una sección compuesta por distintos <strong>minijuegos </strong>en los que <strong>la destreza, la rapidez, la concentración y el trabajo en equipo son fundamentales</strong> para conseguir el mejor resultado. La experiencia cuenta con diferentes desafíos que ponen a prueba las habilidades de quienes se animan a participar.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre las atracciones aparece <strong>Arena</strong>, donde los participantes deben poner a prueba su mente, destreza y capacidad de trabajar en equipo. También está <strong>Código Croma</strong>, un desafío protagonizado por botones de colores y distintos retos en los que la precisión y la audacia son claves para alcanzar la victoria.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Otra de las propuestas es <strong>Bitmap Rush</strong>, una experiencia en la que cada movimiento cuenta. Los participantes deben moverse, saltar y correr mientras observan los paneles LED para esquivar algunos elementos y pisar otros con el objetivo de acumular el mayor puntaje posible.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DZydps8BrUJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DZydps8BrUJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DZydps8BrUJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Pixel Universe (@pixeluniverse.mx)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En <strong>Firewall</strong>, el desafío pasa por superar distintos obstáculos digitales con destreza y cuidado, mientras que <strong>Ojo de Glitch</strong> propone poner a prueba la cautela y la rapidez: los participantes deberán evitar ser detectados por el ojo mientras corren para presionar los botones que el glitch vaya asignando.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Por último, <strong>El corazón del caos</strong> transforma todas las pelotas de la alberca en municiones para enfrentarse al glitch. La propuesta combina proyecciones, objetivos y movimiento para completar el desafío y ponerle fin al caos.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero Misión Pixel Cap no es la única experiencia disponible. Pixel Universe también cuenta con una <strong>zona de arcade</strong>, que suma diferentes juegos a la propuesta, además de un <strong>espacio de pixel art</strong> donde cada visitante puede elegir un personaje y construirlo píxel por píxel para llevarse un recuerdo único a casa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6cdff2dadd.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Bitmap Rush, una de las atracciones de Pixel Universe (Pixel Universe).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El espacio también cuenta con <strong>After Dark</strong>, una propuesta pensada para el entretenimiento nocturno, con bebidas y actividades, además de un sector gastronómico para recargar energías entre los diferentes minijuegos, con opciones como hamburguesas y alitas de pollo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y la experiencia continúa después de cada desafío: quienes participan pueden conseguir <strong>Pixel Coins</strong>, monedas que se obtienen tras completar los minijuegos y que luego pueden utilizarse para canjear premios y artículos exclusivos dentro de la tienda de Pixel Universe.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Precios, horarios, ubicación y todo lo que tenés que saber de Pixel Universe</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si después de conocer sus atracciones ya te dieron ganas de visitar <strong>Pixel Universe</strong>, hay algunos datos que tenés que tener en cuenta antes de acercarte. El espacio está pensado para <strong>personas de 8 años de edad en adelante</strong> y cuenta con diferentes horarios dependiendo del día de la semana.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Domingo a jueves: de 11:00 a 21:00.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Viernes: de 12:00 a 19:00 y de 19:00 a 01:00.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Sábado: de 11:00 a 19:00 y de 19:00 a 01:00.</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con entradas <strong>a partir de $399 pesos mexicanos</strong>, Pixel Universe combina <strong>minijuegos, tecnología, arcade, arte y gastronomía</strong> en un mismo espacio, con una experiencia pensada para quienes buscan llevar el universo de los videojuegos a un terreno mucho más físico e inmersivo.</span></p>

El espacio inmersivo de Ciudad de México donde los videojuegos cobran vida.avif

El espacio inmersivo de Ciudad de México donde los videojuegos cobran vida

<p>El universo de One Piece salió de las pantallas para convertirse en arte urbano: en la ciudad de León, más de veinte artistas locales dieron vida a sus principales personajes y crearon un monumental homenaje al universo creado por Eiichiro Oda.</p><h2>Luffy, Zoro y los Sombrero de Paja llegan a León en un mural monumental</h2><p>México es uno de los grandes referentes del muralismo latinoamericano y, dentro de su territorio, León se consolidó durante los últimos años como uno de los puntos destacados para el desarrollo del arte urbano. Ahora, la ciudad volvió a quedar en el centro de la escena gracias a un monumental homenaje al universo de One Piece.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_027ad72c44.png" alt=""><figcaption>Detalles del mural de One Piece en León (IMJU León).</figcaption></figure><p>La obra se encuentra sobre el bulevar José María Morelos, esquina con Rafael Corrales Ayala, y ocupa una superficie de aproximadamente 43 metros de largo por 7 metros de alto. Para llevar adelante el proyecto, más de veinte artistas urbanos locales unieron sus estilos en una intervención encabezada por Sergio Mar Quiroz, conocido artísticamente como Zhot, uno de los principales referentes del arte urbano leonés.</p><p>Con una trayectoria que supera los 150 murales y como uno de los referentes del colectivo RNK, Zhot lideró una obra que funciona como un portal directo hacia el universo creado por Eiichiro Oda, el mangaka detrás de una de las historias más importantes de la cultura japonesa contemporánea.</p><p>El mural reúne una extensa selección de personajes y símbolos reconocibles de One Piece, llevando al formato de gran escala a buena parte de los protagonistas de la historia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Monkey D. Luffy</li><li>Roronoa Zoro</li><li>Nami</li><li>Usopp</li><li>Sanji</li><li>Tony Tony Chopper</li><li>Nico Robin</li><li>Franky</li><li>Brook</li><li>Jinbe</li></ul><p>Otro de los elementos que más llama la atención es la presencia del Going Merry, el icónico barco que acompañó a los Sombrero de Paja durante una parte fundamental de su aventura, integrado dentro de una composición que conecta a los distintos personajes y momentos de la historia.</p><p>La intervención también incorpora un guiño al fenómeno global que One Piece alcanzó fuera del manga y el anime: la aparición de Iñaki Godoy, actor mexicano que interpreta a Monkey D. Luffy en la adaptación live action de Netflix, que llevó nuevamente el universo de Eiichiro Oda a una audiencia masiva.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6812405743.png" alt=""><figcaption>Fans de One Piece posando con el mural creado por Zhot y compañía en Léon (IMJU León).</figcaption></figure><p>El proyecto contó además con la participación de artistas locales como Mercy, Iturias, Bler, Crook, Chris Brown, Gabe, Mauricio, Frida, Zorbe, Brote, entre otros integrantes del colectivo de más de 20 artistas que participaron de la intervención.</p><p>Así, León suma una nueva pieza a su creciente recorrido dentro del muralismo mexicano con una obra que cruza generaciones, disciplinas y culturas: el arte urbano local se convierte en el escenario para homenajear a una historia que, después de más de mil episodios y décadas de recorrido, logró convertirse en uno de los grandes fenómenos culturales de Japón y del mundo.</p>

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El universo de One Piece toma las calles de León

La inauguración de la Bronx School of Hip Hop (1).avif

El Bronx convirtió al hip hop en materia escolar: así es la nueva Bronx School of Hip Hop

<p>La presencia femenina dentro del rap mexicano continúa creciendo, pero algunas artistas llevan décadas construyendo ese camino, y una de ellas es Ximbo, pionera y referente de la escena nacional.</p><h2>Ximbo, una pionera del rap mexicano</h2><p>El rap se consolidó como uno de los movimientos culturales y musicales más importantes de México, con figuras como C-Kan, Aczino y Neto Peña como algunos de los nombres que ayudaron a construir su identidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14fbf8dfd1.png" alt=""><figcaption>La figura de Ximbo a través de los fanáticos (Instagram Ximbo).</figcaption></figure><p>Sin embargo, la historia de la escena también tiene una importante presencia femenina, y Jimena de Santiago, mejor conocida como Ximbo, ocupa un lugar fundamental dentro de ella.</p><p>Con más de tres décadas de trayectoria, la mexicana se convirtió en una de las pioneras del rap nacional y en una figura que logró mantenerse vigente a través de diferentes generaciones de la cultura hip hop.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/3A-uX9qXZGY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Su propuesta se caracterizó por una mirada marcada por la conciencia social, sus posturas sobre distintos aspectos de la vida y una identidad vinculada al feminismo, elementos que terminaron convirtiéndola en una de las voces femeninas más reconocidas del movimiento.</p><h2>Ximbo y sus primeros pasos dentro de la cultura hip hop</h2><p>Durante los años 80, “<em>Rapper&#x27;s Delight</em>” fue una de las primeras canciones que acercó a Ximbo al universo del rap. La canción, incluso, tuvo una versión conocida en México como “<em>El Cotorreo</em>”, realizada por el comediante Memo Ríos y que terminó de impulsar ese primer vínculo de la mexicana con la cultura del hip hop.</p><p>En la preparatoria comenzó a escribir y lanzar sus primeras rimas en solitario. Años más tarde se vinculó con Malik y posteriormente formó Magisterio, grupo que se convirtió en uno de los proyectos destacados de la escena de la capital mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/7tQK6J7IFac" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>A partir de allí, Ximbo comenzó a transitar por diferentes escenarios y colectivos, consolidando una trayectoria que la llevó a convertirse en una referente del rap nacional y en una de las mujeres que abrió camino dentro de una escena que todavía estaba en pleno crecimiento.</p><h2>Feminismo, identidad y cultura: el legado de Ximbo</h2><p>A lo largo de sus más de tres décadas de carrera, Ximbo construyó una identidad artística que trascendió las rimas. Su trabajo estuvo marcado por dos grandes ejes: el feminismo y la visibilización de las culturas y lenguas originarias dentro del hip hop.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_caa8b8ee5a.png" alt=""><figcaption>Ximbo rapeando sobre el escenario (Instagram(Ximbo).</figcaption></figure><p>A través de sus letras, su participación en festivales y su recorrido por diferentes espacios de la escena, la mexicana utilizó el rap como una herramienta para expresar sus ideas y darles lugar a temáticas que históricamente tuvieron menor presencia dentro del movimiento.</p><p>Su trayectoria también la convirtió en una inspiración para las nuevas generaciones de mujeres que encontraron en el rap un espacio de expresión. Por eso, hablar de la historia del rap mexicano y de la presencia femenina dentro de la cultura hip hop implica necesariamente mencionar el nombre de Ximbo.</p>

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Ximbo, la mujer que hizo historia en el rap mexicano

<p>Si alguna vez viste a varios freestylers o bailarines reunidos alrededor de un espacio y te preguntaste qué estaban haciendo, probablemente estabas frente a un cypher. Pero ¿qué significa este concepto y por qué es tan importante para el hip hop?.</p><h2>¿Qué es un cypher en el hip hop?</h2><p>Un cypher es un espacio de encuentro en el que diferentes artistas se reúnen para expresarse, improvisar y compartir dentro de la cultura hip hop. Puede estar protagonizado por MCs haciendo freestyle, bailarines de breaking o artistas de distintas disciplinas que forman un círculo alrededor de quienes están participando.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/Cub8V9DXApI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>La dinámica no tiene una única forma: puede aparecer en una plaza, una calle, un evento o incluso en una competencia. Lo importante es el intercambio. Cada participante toma su turno, responde a lo que ocurre a su alrededor y aporta su propio estilo, mientras el resto observa, acompaña y forma parte de la experiencia.</p><ul><li>Freestyle: MCs improvisan rimas y construyen respuestas en el momento.</li></ul><ul><li>Breaking: los bailarines entran al círculo y muestran sus movimientos y combinaciones.</li></ul><ul><li>Danza: diferentes estilos pueden convivir dentro del mismo espacio.</li></ul><ul><li>Improvisación: la creatividad y la capacidad de reaccionar son protagonistas.</li></ul><ul><li>Intercambio: los participantes observan, aprenden y toman elementos de otros artistas.</li></ul><h2>¿Por qué el cypher es tan importante para el hip hop?</h2><p>Más allá de ser un espacio para demostrar habilidades, el cypher representa uno de los valores centrales del hip hop: la comunidad. El círculo permite que artistas de distintos niveles compartan un mismo lugar, intercambien conocimientos y desarrollen su identidad a partir de la interacción con otros.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dc1ec73080.png" alt=""><figcaption>Cypher de freestyle (Chelsea Factory).</figcaption></figure><p>Por eso, el cypher también funciona como un espacio de aprendizaje. Un MC puede encontrar nuevas formas de improvisar al escuchar a otro, mientras que un bailarín puede incorporar movimientos, estilos o recursos después de observar a sus compañeros. No se trata únicamente de competir, sino de formar parte de una escena y mantener vivo el intercambio cultural que caracteriza al hip hop.</p><p>Y aunque hoy existen grandes competencias y eventos internacionales, los cyphers continúan apareciendo en plazas, calles y encuentros urbanos de todo el mundo, manteniendo una de las formas más tradicionales de vivir y compartir la cultura hip hop.</p>

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¿Qué es un cypher y por qué es tan importante en la cultura hip hop?

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Más allá de las grandes figuras que dominan la música latina, la música regional mexicana mantiene un lugar central dentro de la identidad cultural del país.</p><p>En ese escenario, nuevos nombres buscan hacerse un espacio y Mariana Millán aparece como una de las voces femeninas que comienzan a llamar la atención.</p><h2>Una nueva voz para la música regional mexicana: Mariana Millán</h2><p>Más allá de la fama y el enorme seguimiento que tienen artistas mainstream como Bad Bunny, Young Miko, Karol G o Bizarrap, en México existe un fuerte vínculo con la música regional mexicana, uno de los sonidos más representativos de la identidad cultural del país.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6b999c74d5.png" alt=""><figcaption>Mariana Millán, el nuevo talento femenino de la música regional mexicana (Instagram/Mariana Millán).</figcaption></figure><p>Junto a nombres que ya se consolidaron dentro de la nueva escena, como Natanael Cano, Peso Pluma y Grupo Frontera, continúan apareciendo artistas que buscan construir su propio camino dentro del género, y Mariana Millán es una de esas nuevas figuras.</p><p>Conocida como “la plebe de la voz grave”, la mexicana se convirtió en una de las nuevas apariciones femeninas de la música regional mexicana, con un sello particular que rápidamente se transformó en una de sus principales características: una voz grave y profunda que le aporta una identidad propia dentro de la escena.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/YhacrrvA4No" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Con poco más de dos años de trayectoria en la industria musical y sin provenir de una familia vinculada a la música, Millán comenzó a construir su recorrido a través de canciones como “<em>El Reventón</em>”, “<em>¿Qué Fue de Nosotros?</em>” y “<em>Polvo de Nuez</em>”, tres de los temas que forman parte de su todavía breve pero creciente carrera.</p><p>Su llegada a la música, además, estuvo marcada por una decisión personal que significó dejar atrás la estabilidad que había construido durante años. Antes de dedicarse profesionalmente a cantar, la mexicana tenía un trabajo con cuatro años de antigüedad y un sueldo fijo, pero decidió abandonarlo para perseguir el objetivo de convertirse en artista.</p><p>Así comenzó un recorrido que hoy la encuentra construyendo su identidad dentro de uno de los géneros más representativos de México. Con una voz que se diferencia y una trayectoria que recién comienza, Mariana Millán aparece como una de las nuevas figuras femeninas a seguir dentro de la música regional mexicana.</p>

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Mariana Millán y una voz que busca hacerse lugar en la música regional mexicana

<p>Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.</p><h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2><p>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure><p>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.</p><p>Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure><p>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.</p><h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2><p>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.</p><ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure><p>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.</p>

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El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

<p>La escultura también puede nacer de aquello que queda fuera del circuito del consumo. Y en la Ciudad de México, Gastón Gallardo, conocido artísticamente como Galo Escultor, encuentra en objetos recuperados una materia prima para construir piezas que invitan a mirar el mundo desde otra perspectiva.</p><h2>Galo Escultor, una mirada que convierte los objetos en arte</h2><p>Dentro de la escena artística urbana y contemporánea de México, Gastón Gallardo, conocido en el mundo de la escultura como Galo Escultor o simplemente Galo, construyó una identidad marcada por la experimentación con materiales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2547439625.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Egresado de la Universidad Latinoamericana y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, el artista oriundo de la Ciudad de México combina su formación académica con una búsqueda que encuentra inspiración en aquello que muchas veces queda relegado al descarte.</p><p>Su trabajo parte de la recolección de objetos en mercados y tianguis, elementos que adquieren una nueva lectura cuando pasan por sus manos. En lugar de observarlos únicamente como materiales sin utilidad, Galo los entiende como pequeñas piezas de memoria y vestigios de la vida cotidiana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A partir de ellos crea esculturas únicas e irrepetibles, en las que aparecen figuras como caballos, peces, aves, rinocerontes, gorilas y tecuanes, entre muchas otras formas.</p><p>A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones individuales y colectivas y llevó sus piezas a distintos espacios culturales de México, entre ellos aparecen el Museo de la Ciudad de México, la Academia de San Carlos, la Biblioteca Vasconcelos y la Bienal de Fotografía de Oaxaca.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_59a87a2d53.png" alt=""><figcaption>Trabajos de Galo Escultor (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Su obra también se caracteriza por combinar distintos materiales y objetos de uso cotidiano, generando piezas en las que lo encontrado deja de ser simplemente un elemento viejo para convertirse en parte de una composición artística.</p><h2>Arte, consumo y una segunda vida para los objetos</h2><p>Detrás de cada pieza existe también una reflexión sobre la manera en que la sociedad produce, consume y descarta. La recuperación de materiales funciona como una forma de cuestionar ese ciclo y demostrar que aquello que perdió su función todavía puede adquirir un nuevo significado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_918c9ee247.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Así, Galo explora lo onírico, lo religioso y lo simbólico, utilizando la escultura como una herramienta para hablar sobre el ambiente y la cultura del descarte.</p><p>Cada creación es, en definitiva, una nueva oportunidad para mirar aquello que normalmente pasa desapercibido: objetos cotidianos que, después de ser encontrados y transformados, pueden convertirse en piezas únicas y volver a tener una historia.</p>

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Galo Escultor, el artista que transforma lo descartado en piezas artísticas

<p>El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.</p><h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2><p>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure><p>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.</p><p>Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.</p><h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2><p>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.</p><p>Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.</p><ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.</p><h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2><p>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.</p><p>Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.</p><h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2><p>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure><p>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.</p><p>Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.</p><p>El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.</p><p>En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.</p>

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¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.</p><h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2><p>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.</p><p>Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio</em>”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.</p><p>Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.</p><h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2><p>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “<em>Jamaican heart</em>”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.</p><p>Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.</p><h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2><p>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.</p><p>Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.</p><p>Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.</p><p>Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.</p>

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El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

<p>Kicks and Friends se convirtió en uno de los grandes referentes de la cultura sneaker y la moda urbana en Argentina. A casi una década de sus inicios, Luciano Corcico repasó junto a Street Art Latam el nacimiento del proyecto, su explosión, los desafíos y el futuro.</p><h2>Los inicios de Kicks and Friends: de un unboxing entre amigos a una comunidad sneaker</h2><p>Antes de consolidarse como uno de los grandes referentes de la cultura sneaker en Argentina y como una voz autorizada dentro de la moda urbana a nivel latinoamericano, Kicks and Friends tuvo, como todo proyecto, un punto de partida. En el caso del proyecto encabezado por Juan Posite y Luciano Corcico, todo comenzó con un video de unboxing y review de las Jordan Retro 3 Katrina.</p><p>“<em>No hubo una previa a ese video. En ese momento andábamos muy atrás de lo que podía llegar, No había información e íbamos muy seguido a los shoppings. Yo veo en un grupo de Facebook que habían salido las Katrina y le aviso a Juan, que estaba en Capital. Cuando lo vi el fin de semana, que nos juntábamos con otros dos amigos, estábamos en lo de Juan y surgió: ‘Che, ¿por qué no hacemos un video, un unboxing de esto?’</em>”, cuenta Lucho.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_406afef661.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite en los inicios de Kicks and Friends (Instagram/Kicks and Friends).</figcaption></figure><p>Después de publicar el video y observar la repercusión que había generado, con páginas que lo compartían y personas vinculadas a distintas marcas que comenzaban a acercarse, Luciano y Juan empezaron a pensar nuevas secciones y contenidos para darle una estructura al canal. Así, lo que había comenzado casi de manera espontánea empezó a tomar forma y sentó las bases de lo que luego se convertiría en Kicks and Friends.</p><h2>El video que cambió el rumbo de Kicks and Friends</h2><p>Más allá del unboxing de las Jordan Retro 3 Katrina, el contenido que realmente marcó un antes y un después en el camino de Kicks and Friends en YouTube fue el video de su visita al Outlet de Quilmes, al que llegaron invitados por Nike para conocer una especie de clearance de la marca.</p><p>“<em>El Outlet de Quilmes. Hicimos un video yendo al Outlet de Quilmes invitados por Nike, que abría una especie de clearance. Vamos a última hora por el laburo de cada uno y cuando llegamos ya no dejaban pasar más gente. Compramos una locura de cosas a muy buenos precios y, en vez de hacer un video del lugar, hicimos un unboxing de todas las cosas que compramos</em>”.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rpg5CrXh4Fg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>El contenido se convirtió en uno de los grandes momentos de la historia del canal. No solo generó una importante repercusión en YouTube e Instagram, sino que también llevó a una gran cantidad de personas a descubrir el proyecto y a interesarse por otros videos de “cazando outlets” que ya formaban parte del canal.</p><p>A ese crecimiento también contribuyeron las colaboraciones con figuras nacionales como Ramita Gram, de Bajoneando por Hay, y PedritoVM, dos encuentros que, en palabras de Luciano, fueron “<em>dos empujones que nos ayudaron muchísimo a posicionarnos relativamente rápido</em>”. En apenas cinco meses, el proyecto había conseguido construir un importante flujo de audiencia en YouTube, lo que abrió las puertas a las primeras conversaciones con marcas y marcó el comienzo de una nueva etapa para Kicks and Friends.</p><h2>La visión detrás del éxito de Kicks and Friends</h2><p>Todo proyecto necesita una dosis de fortuna, aparecer en el momento justo o encontrar un nicho que, con el tiempo, pueda convertirse en algo mucho más grande, y sin lugar a dudas, Kicks and Friends tomó un poco de cada una de esas variables. La cultura sneaker todavía no tenía una presencia consolidada en las plataformas digitales argentinas cuando Juan y Luciano decidieron comenzar a mostrar su pasión por las zapatillas frente a una cámara.</p><p>“<em>Lo que hizo que nos fuera bien es que no había gente que pusiera la cara: había blogs, páginas de noticias y demás, pero nadie haciendo videos. Fue muy loco empezar a verlo después de nosotros. Al día de hoy, marcas y gente que hace contenido nos dicen que abrimos una puerta, que antes era impensado que una marca le pagara a alguien para que hiciera una reseña de su producto”.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cb7a47bae.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico de Kicks and Friends en una entrevista en Vorterix (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Luciano también reconoce que a la audiencia que comenzó a seguirlos le terminó gustando la naturalidad y el carácter orgánico de sus contenidos. A eso se sumó un contexto cultural especialmente favorable: la explosión del trap en Argentina, el crecimiento de la moda urbana y una escena sneaker que empezaba a ganar cada vez más espacio.</p><p>“<em>El timing fue buenísimo, aparecimos en el momento perfecto para hablar de zapas y también supimos, con distintas secciones y demás, capitalizar a la gente que nos empezaba a conocer para marcar el terreno y no ser simplemente personas que sacan prendas de una caja</em>”, menciona también Luciano, una de las caras del proyecto.</p><h2>Marcas, hate y pandemia: los desafíos que Kicks and Friends tuvo que atravesar</h2><p>Todo proyecto tiene una base de desafíos que debe superar, no solo en el momento previo a comenzar su recorrido, sino también a lo largo de su crecimiento e incluso cuando alcanza su punto más alto. Kicks and Friends lo sabe más que nadie.</p><p>Entre los distintos obstáculos que debieron afrontar, Luciano recuerda que uno de los primeros fue conseguir trabajar con las marcas. El proyecto había llegado a un punto en el que Juan y él compraban tantas zapatillas que ya no podían mantener el ritmo por sus propios medios. Sin embargo, una vez que lograron establecer vínculos con las marcas y construir un flujo propio de audiencia, apareció un nuevo desafío: mantener todo lo que habían conseguido.</p><p>La exposición también trajo consigo una parte inevitable del mundo digital: el hate. El propio Luciano lo resume como la necesidad de “<em>bancarse la llegada de gente tirando mierda y acostumbrarse a eso</em>”. A eso se sumaron decisiones personales y profesionales de enorme importancia, como dejar sus trabajos para dedicarse de lleno al proyecto, además de atravesar una pandemia que modificó por completo la vida de millones de personas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2903e182ee.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite, las caras de Kicks and Friends (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Pero los desafíos no desaparecieron con la consolidación del proyecto. Después de atravesar distintas turbulencias y convertirse en una referencia de la cultura sneaker argentina, Kicks and Friends todavía tiene nuevos objetivos por delante: “<em>El desafío del día de hoy está en volver a reforzar esa comunidad que supimos tener y que seguimos teniendo. Seguir siendo alguien para las marcas y para la gente que te ve. No te digo volver a explotar, pero mantenernos es el desafío de hoy en día</em>”.</p><h2>Kicks and Friends y el cambio de una escena que todavía era de nicho</h2><p>El momento de creación de Kicks and Friends coincidió con una etapa en la que la cultura sneakerhead todavía era un universo de nicho en Argentina, con una comunidad más cerrada y alejada del público general. En ese contexto, Juan y Luciano decidieron hablar de zapatillas desde un lugar diferente y buscar que el contenido pudiera llegar incluso a personas que no tenían conocimientos previos sobre el mundo sneaker.</p><p>“<em>Cuando empezamos, creo que rompimos con algo bastante importante: no hablarle al sneakerhead. Cuando arrancamos el canal, la idea era hacer videos que, si mi papá está viendo YouTube a la madrugada, los vea y le interesen</em>”.</p><p>Luciano considera que el proyecto logró cambiar el juego dentro de la escena gracias a una combinación de factores. El timing volvió a ser determinante: Kicks and Friends apareció a la par del crecimiento del trap y en un momento de expansión global de la cultura de las zapatillas. Sin embargo, también hubo una lectura consciente del contexto argentino. El dúo entendió el país desde el que comunicaba, le dedicó tiempo a los productos que podían encontrarse en el mercado local y habló de aquello a lo que la gente realmente podía acceder.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8c29647361.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y su amor por los sneakers (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Ese enfoque terminó generando un antes y un después. Con el paso del tiempo, distintas personas vinculadas al ambiente sneaker comenzaron a reconocer la importancia que tuvo Kicks and Friends en la expansión de la cultura en Argentina y en la apertura de una escena que, hasta entonces, se mantenía mucho más cerrada.</p><h2>El futuro de Kicks and Friends: casi una década de historia y nuevos desafíos</h2><p>Con casi una década de historia en el plano digital, Kicks and Friends continúa funcionando como un punto de encuentro para los fanáticos de las zapatillas y para todas aquellas personas que todavía buscan abrir la puerta a la cultura sneaker. Sin embargo, como ocurre con cualquier proyecto, también existe la posibilidad de que en algún momento llegue a su fin —aunque ojalá todavía falte mucho para ese día—.</p><p>Luciano mira ese futuro con la tranquilidad de quien ya siente que cumplió una parte importante de sus objetivos. Después de ocho años viviendo de una actividad que disfruta y que le permitió convertir su pasión en un trabajo, considera que el balance, independientemente de lo que pueda ocurrir más adelante, es positivo.</p><p>“<em>Si mañana me toca dejar de hacer esto o dejarlo como trabajo, obviamente lo lamentaría, pero al mismo tiempo no me puedo quejar. Son ocho años de vivir haciendo algo que disfruto, que me gusta. Si bien hay días de grabar, de ir a eventos y de pasar videos al editor, no me puedo quejar</em>”, expresa en retrospectiva del camino de Kicks and Friends.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14381f965e.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico con las Suede XL de PUMA (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><h2>El ping pong de Luciano Corcico: zapatillas, moda y referentes</h2><p>Más allá de su perfil delante de las cámaras como protagonista de Kicks and Friends, Lucho también cuenta con un lado más personal dentro de la cultura sneaker y la moda urbana: desde su marca y silueta favorita hasta el par más importante de su colección y las figuras que considera referentes de estilo.</p><ul><li>¿Marca favorita de sneakers? Jordan.</li></ul><ul><li>¿Silueta favorita? Jordan 11.</li></ul><ul><li>¿El mejor par de tu colección? Jordan 11 Concord.</li></ul><ul><li>¿Zapatilla favorita? LeBron 5 White Crimson Gold.</li></ul><ul><li>¿Un par que todavía te falta conseguir? Yeezy 350 V2 Zebra.</li></ul><ul><li>¿Marca infravalorada de ropa de Argentina? Cross y Offcourt.</li></ul><ul><li>¿Un artista que siempre viste bien? Duki y Lucho SSJ, y de afuera Oliver Sykes.</li></ul><ul><li>¿Un futbolista que se vista bien? Rodrigo De Paul y Jules Koundé.</li></ul>

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“Nosotros abrimos una puerta para que la gente quiera saber un poco más de zapas"

<p>El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.</p><h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

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Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

<p>Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.</p><h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2><p>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.</p><p>Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.</p><h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2><p>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1000079"><u><em>La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</em></u></a></p><h2>La huella internacional de Ledania</h2><p>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2><p>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.</p><p>Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.</p>

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