<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;"><strong>Tokischa Altagracia Peralta</strong>, la&nbsp;<strong>cantante</strong> y&nbsp;<strong>vedette dominicana</strong> nacida en&nbsp;<strong>Puerto Plata</strong>, continúa su escalada en la&nbsp;<strong>música urbana latina</strong>. El último lanzamiento,&nbsp;<strong>"Piscis"</strong>, es una&nbsp;<strong>inmersión</strong> en el&nbsp;<strong>funk brasileño</strong>, que fusiona su&nbsp;<strong>estilo provocador</strong> característico con&nbsp;<strong>ritmos&nbsp;</strong>y&nbsp;<strong>letras empoderadoras</strong>. De a poco, se instala y posiciona como una figura del trap continental.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;"><strong>Ascenso global&nbsp;</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">El&nbsp;<strong>2021</strong> fue un&nbsp;<strong>punto de inflexión</strong> en la&nbsp;<strong>carrera de Tokischa</strong>. Gracias a sus&nbsp;<strong>colaboraciones</strong> con&nbsp;<strong>J Balvin</strong> y&nbsp;<strong>Rosalía, consiguió una repercusión mundial</strong>. Los&nbsp;<strong>videos musicales</strong>, filmados en&nbsp;<strong>Santo Domingo</strong>, generaron un&nbsp;<strong>gran impacto mediático</strong>.&nbsp;<strong>“</strong><i><strong>Linda</strong></i><strong>”</strong>, su colaboración con&nbsp;<strong>Rosalía</strong>, producida por&nbsp;<strong>Leo RD</strong> y lanzada el&nbsp;<strong>1 de septiembre</strong>, fue ampliamente elogiada. Al año siguiente, su colaboración en&nbsp;<strong>“</strong><i><strong>La combi Versace</strong></i><strong>”</strong>, incluida en el aclamado álbum&nbsp;<strong>Motomami</strong>, reafirmó su&nbsp;<strong>presencia</strong>. .</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">En&nbsp;<strong>2022</strong>,&nbsp;<strong>Billboard</strong> la reconoció como una de las&nbsp;<strong>«Six of music’s Queer game-changers»</strong>, junto a&nbsp;<strong>Dove Cameron</strong>. Fue ese mismo año que sorprendió al colaborar en&nbsp;<i><strong>“Hung up on Tokischa”</strong></i>, una&nbsp;<strong>reinterpretación</strong> con&nbsp;<strong>ritmo dembow</strong> del icónico tema de&nbsp;<strong>Madonna</strong> de&nbsp;<strong>2005</strong>,&nbsp;<i><strong>“Hung Up”</strong>.</i></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Otras<strong> colaboraciones</strong> con&nbsp;<strong>se dieron con</strong>&nbsp;<strong>J Balvin</strong>,&nbsp;<strong>Marshmello</strong>,&nbsp;<strong>Natanael Cano</strong>,&nbsp;<strong>Anuel AA</strong>,&nbsp;<strong>Ozuna</strong>,&nbsp;<strong>Ñengo Flow</strong>,&nbsp;<strong>Bad Gyal</strong>,&nbsp;<strong>Young Miko</strong>,&nbsp;<strong>Natti Natasha</strong>,&nbsp;<strong>Luis Yepez</strong> y&nbsp;<strong>Eladio Carrión</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;"><strong>Despegue musical</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">La&nbsp;<strong>trayectoria musical de Tokischa</strong> inició formalmente en&nbsp;<strong>2018</strong> con el lanzamiento de su&nbsp;<strong>sencillo debut</strong>,&nbsp;<strong>“</strong><i><strong>Pícala</strong></i><strong>”</strong>, en colaboración con su compatriota&nbsp;<strong>Tivi Gunz</strong>. El&nbsp;<strong>video</strong>, con su estética&nbsp;<strong>psicodélica</strong>, alcanzó&nbsp;<strong>un millón de visitas</strong> en su&nbsp;<strong>primera semana</strong>. En&nbsp;<strong>noviembre</strong> del mismo año, presentó&nbsp;<i><strong>“Que viva”</strong></i> junto a&nbsp;<strong>Químico Ultra Mega</strong>. Además, estuvo presente en el&nbsp;<strong>Festival de Trap Dominicano</strong> donde marcó sus primeros pasos en la escena.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">El&nbsp;<strong>2020</strong> fue testigo de lanzamientos que generaron&nbsp;<strong>debate</strong> e instalaron que es una artista&nbsp;<strong>sin filtros</strong>. Colaboró con&nbsp;<strong>El Jincho</strong> en&nbsp;<i><strong>“Amor y dinero”</strong> y&nbsp;</i><strong>“</strong><i><strong>Desacato escolar”</strong></i> con&nbsp;<strong>Yomel el Meloso</strong> y&nbsp;<strong>Leo RD, sencillo que</strong> generó&nbsp;<strong>controversia</strong> y una&nbsp;<strong>censura temporal</strong> en algunas plataformas. Cerró el año con&nbsp;<strong>“</strong><i><strong>Hoy amanecí”</strong></i> junto a&nbsp;<strong>Tivi Gunz</strong> y&nbsp;<strong>“</strong><i><strong>El rey de la popola</strong></i><strong>”</strong> con&nbsp;<strong>Rochy RD</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;"><strong>Resiliencia y búsqueda Artística</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">La&nbsp;<strong>vida de Tokischa</strong> tiene un sinfín de experiencias, a pesar de sus cortos 29 años. Criada en&nbsp;<strong>Santo Domingo</strong>, enfrentó la&nbsp;<strong>temprana emigración de su madre</strong> a&nbsp;<strong>Estados Unidos</strong> y los&nbsp;<strong>periodos de encarcelamiento de su padre</strong>. A pesar de estas&nbsp;<strong>adversidades</strong>, demostró una&nbsp;<strong>inclinación artística</strong> desde joven. Estudió&nbsp;<strong>Bellas Artes</strong> y&nbsp;<strong>Dramaturgia</strong>. A los&nbsp;<strong>18 años</strong>, incursionó en el&nbsp;<strong>trabajo sexual</strong>, una&nbsp;<strong>etapa</strong> que describe como&nbsp;<strong>emocionalmente demandante</strong> pero que la impulsó a enfocarse en la&nbsp;<strong>música</strong> como su principal motor.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">A los 20, su&nbsp;<strong>destino tomó un giro decisivo</strong>. Durante una&nbsp;<strong>sesión fotográfica</strong> en su ciudad natal, conoció a&nbsp;<strong>Raymi Paulus</strong>. El&nbsp;<strong>productor</strong> vislumbró su&nbsp;<strong>talento innato</strong> y le ofreció la&nbsp;<strong>oportunidad</strong> de grabar en su&nbsp;<strong>estudio</strong>. Este&nbsp;<strong>encuentro fortuito</strong> sembró la semilla de su&nbsp;<strong>carrera musical</strong>, que floreció con la firma de un&nbsp;<strong>contrato discográfico</strong> con&nbsp;<strong>Paulus Music</strong>.</span></p><p><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Rosalia_y_Tokischa_1_a97e621cc6.jpg"></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;"><sup>Junto a Rosalía [Imagen], por El País.</sup></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;"><strong>Tokischa</strong> irrumpió en el mundo musical con su&nbsp;<strong>propuesta disruptiva</strong> y continúa&nbsp;<strong>desafiando la escena, ahora</strong> con&nbsp;<strong>"Piscis"</strong>. Seguiremos atentamente los acontecimientos para saber qué le depara.&nbsp;</span></p>

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Noticias

Con hambre y sin filtros, la trapera que no teme al “qué dirán”

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El artista argentino conocido por casi una década como&nbsp;<strong>Rusherking</strong>, anunció una transformación en su identidad artística. A partir de ahora, será simplemente&nbsp;<strong>Rusher</strong>. Este cambio marcó un antes y un después en su trayectoria musical, coincidiendo con el lanzamiento de su esperado álbum, "Casa 11".&nbsp;</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Un viaje desde 2015</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La génesis del apodo&nbsp;<strong>Rusherking</strong> se remonta a 2015, una época donde el oriundo de Santiago del Estero daba sus primeros pasos en el efervescente mundo de las batallas de&nbsp;<strong>freestyle</strong> y el&nbsp;<strong>Counter Strike</strong>. En ese entonces, se puso Rusherking para competir. Aquel sería el nombre de un joven que, con apenas 15 años, irrumpía en la escena con una energía y un ímpetu indomables.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">"King" ya no lo representa plenamente.<i> "Siento que el ‘King’ es una parte de mí del pasado y quiero que Rusher sea mi futuro y mi presente. Aparte, me gusta mucho más y es más corto"</i>, declaró en una entrevista, despojándose de una corona que, si bien lo elevó, ahora percibe como un ancla a una versión anterior de sí mismo.&nbsp;</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>El soundtrack de una reinvención</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La noticia del cambio de nombre llega en un momento cumbre para&nbsp;<strong>Rusher</strong>. El pasado 14 de mayo, lanzó "Casa 11", su más reciente producción discográfica, un álbum compuesto por 12 canciones que exploran un espectro diverso de géneros, desde el&nbsp;<strong>pop</strong> y la&nbsp;<strong>balada</strong> hasta el&nbsp;<strong>urbano latino</strong>.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Este proyecto se trata de un viaje por sus raíces, vivencias, dolores y alegrías, y funciona como el telón de fondo perfecto para su renacimiento artístico. Además, incluye destacadas colaboraciones que ya cosechan millones de reproducciones en plataformas como Spotify. Temas como "<i>Me Gustan Todas</i>" junto a&nbsp;<strong>Luck Ra</strong> y "<i>Qué Hicimo’</i>" con&nbsp;<strong>Paulo Londra</strong> superan los 7 millones de reproducciones.&nbsp;</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ODnWg5_u51g" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe>
</div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><sup>Rusherking, Paulo Londra - Que Hicimo’ (Video Oficial) por Paparazzi.&nbsp;</sup></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El impacto del resto del disco aún está por verse y genera una expectativa adicional sobre cómo esta nueva identidad influirá en la percepción y el alcance de su música. La simbiosis entre el cambio de nombre y el lanzamiento del álbum no es casual; ambos elementos construyen un relato coherente de transformación y renovación.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Una tendencia global</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La decisión de&nbsp;<strong>Rusher</strong> no es un hecho aislado en el panorama musical. Muchos artistas optan por caminos similares, en busca de una mayor autenticidad y conexión con sus raíces.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Estas decisiones reflejan una tendencia creciente en la industria, donde buscan romper con las etiquetas preestablecidas y explorar nuevas dimensiones de su creatividad. Para&nbsp;<strong>él</strong>, este cambio es una búsqueda de consolidación, una manera de asegurar que su evolución personal y musical se refleje en su nombre artístico. El&nbsp;<strong>cambio de nombre de Rusherking</strong> a&nbsp;<strong>Rusher</strong> es, en esencia, un acto de madurez.</span></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/rusherking_cambia_su_nombre_1_1_818ebe4e16.jpg"></figure><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><sup>Con Casa 11 como su carta de presentación y su nuevo nombre como estandarte, Rusher se embarca en un capítulo musical [Imagen], por Pilar a Diario.</sup></span></p>

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Rusherking cambia su nombre artístico

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Bajo la premisa de homenajear a las grandes figuras femeninas de la industria musical, la tercera edición de <strong>Billboard Mujeres Latinas en la Música</strong> rindió tributo y premió a artistas como la brasileña <strong>Anitta</strong>, la mexicana <strong>Belinda </strong>y la dominicana <strong>Natti Natasha</strong>, entre otras, por la resiliencia, la evolución y el impacto en el ambiente.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Anitta, la ganadora del Premio Vanguardista</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Presentado por la legendaria <strong>Shakira</strong>, la brasileña <strong>Anitta </strong>recibió el “<strong>Premio Vanguardista</strong>”, un galardón que reconoce <strong>la capacidad de la artista para abrir nuevos senderos en la música latina y forjar su propio camino en la misma</strong>. La cantante nacida en Río de Janeiro le añadió un condimento íntimo y profundo a su reconocimiento e interpretó “<strong>Larissa</strong>”, una de sus canciones más personales y tema perteneciente a su documental.</span></p><p><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_show_de_Anitta_en_Billboard_Mujeres_Latinas_en_la_Musica_copia_8276517e4b.jpg"><br><span class="text-tiny" style="background-color:transparent;color:#000000;">El show de Anitta en Billboard Mujeres Latinas en la Música (Latin Billboards).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">“<i>Yo creo que nosotros, los artistas, estamos en esta posición con mucha gente mirándonos, no solo para entretener, sino para cambiar la sociedad. Tenemos miles de personas observándonos, y la importancia de tener un premio como este. Nos gustaría ver más hombres apoyándonos para que la sociedad cambie; no solo las mujeres deben apoyar la causa, sino también los hombres</i>”, señaló la brasileña tras recibir el ”Premio Vanguardista".</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Natti Natasha en modo imparable</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">La dominicana <strong>Natti Natasha</strong> fue otro de los emblemas femeninos del género urbano latinoamericana en obtener un reconocimiento en la gala realizada en la ciudad de Miami. La autora de hits como “<strong>Criminal</strong>” y “<strong>Sin pijama</strong>” fue galardonada con el “<strong>Premio Artista Imparable</strong>” e interpretó “<strong>Vendaje</strong>”, canción de su más reciente álbum “<strong>Natti Natasha en Amargue</strong>”. “Q<i>uiero dedicar este premio a las almas que ya no están con nosotros, personas que simplemente estaban celebrando la vida, este momento también es de ustedes. Demostrar que una mujer sí puede cantarle al mundo entero</i>”, declaró la artista dominicana tras recibir el premio, quien también agradeció a <strong>Don Omar</strong>, <strong>Becky G</strong>, <strong>Bad Bunny</strong> y muchos otros artistas que han marcado su camino en la industria, así como también a su esposo y a su hija.</span></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_presencia_de_Natti_Natasha_en_la_tarima_de_Telemundo_Center_copia_9c05afa5a2.jpg"></figure><p><span class="text-tiny" style="background-color:transparent;color:#000000;">La presencia de Natti Natasha en la tarima de Telemundo Center (Latin Billboard).</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Selena Gómez, Belinda y Celia Cruz: los otros reconocimientos de la gala</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Además de los reconocimientos a la brasileña <strong>Anitta </strong>y la dominicana <strong>Natti Natasha</strong>, dos de las grandes representantes femeninas del género urbano latinoamericano, la tercera edición de <strong>Billboard Mujeres Latinas en la Música</strong> premió a <strong>Selena Gómez</strong> con el “<strong>Premio Mujer del Año</strong>”, <strong>Chiquis </strong>con el “<strong>Premio Impacto</strong>”, <strong>Ha*Ash</strong> con el “<strong>Premio Inquebrantable</strong>”, <strong>Olga Tañón</strong> con el “<strong>Premio Trayectoria Musical</strong>” y <strong>Belinda </strong>con el “<strong>Premio Evolución</strong>”, así como también <strong>rindió homenaje a la cubana</strong> <strong>Celia Cruz</strong>, la eterna “Reina de la Salsa”, quien este año cumpliría cien años de vida.</span></p><p><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_show_de_Chiquis_en_Billboard_Mujeres_Latinas_en_la_Musica_28344d363c.jpg"><br><span class="text-tiny" style="background-color:transparent;color:#000000;">El show de Chiquis en Billboard Mujeres Latinas en la Música (Latin Billboards).</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;">La faceta musical de la entrega de premios en Miami</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;">Si bien el enfoque de la ceremonia estuvo puesto sobre los reconocimientos a las distintas figuras femeninas de la industria musical, la tercera edición del evento organizado por Billboard también contó con performances de primer nivel. La mexicana <strong>Belinda </strong>cantó “<strong>Cursi de más</strong>” y “<strong>300 Noches</strong>”, <strong>Olga Tañón</strong>, <strong>Ivy Queen</strong> y <strong>La India</strong> formaron parte del homenaje a <strong>Celia Cruz</strong> interpretando temas como “<strong>Yerbero moderno</strong>”, “<strong>La negra tiene tumbao</strong>” y “<strong>Quimbara</strong>”, la dominicana <strong>Natti Natasha</strong> cantó “<strong>Vendaje</strong>”, la dupla <strong>Ha*Ash </strong>tocó “<strong>Perdón, perdón</strong>” y la brasileña <strong>Anitta </strong>deslumbró la tarima de Telemundo Center con una versión acústica de “<strong>Larissa</strong>”.</span></p><p><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Ha_Ash_dijo_presente_en_la_tarima_de_Telemundo_Center_dbcb055306.jpg"><br><span class="text-tiny" style="background-color:transparent;color:#000000;">Ha*Ash dijo presente en la tarima de Telemundo Center (Latin Billboards).</span></p>

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El sonido de la mexicana Belinda hizo vibrar la tercera edición de Billboard Mujeres Latinas - copia.jpg

Lo mejor de Billboard Mujeres Latinas en la Música

<p>Dozergirl es una de las artistas gráficas más reconocidas de México y una referente del universo de los pósters musicales: con más de una década de trayectoria, trabajó junto a bandas nacionales e internacionales y convirtió sus ilustraciones en auténticas piezas de colección.</p><h2>Dozergirl, la artista mexicana que plasma el rock y los conciertos en pósters</h2><p>El arte urbano es un universo prácticamente infinito. Desde artistas que dejan su huella en murales de gran escala, pasando por esculturas, instalaciones y distintas intervenciones del espacio público hasta disciplinas más ligadas al diseño gráfico, existen múltiples maneras de transformar el arte en una experiencia visual.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_40e3b1ecc0.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Dozergirl (Instagram/Dozergirl).</figcaption></figure><p>Y dentro de este último universo, los pósters encontraron un lugar propio como una forma de expresión artística, capaces de convertir una imagen en una pieza de colección y de inmortalizar momentos, movimientos culturales y grandes acontecimientos.</p><p>En México, uno de los nombres más destacados de esta escena es el de Dozergirl, artista e ilustradora con más de una década de trayectoria que logró convertir el diseño de pósters en su sello personal. A través de un estilo propio que combina ilustración, cultura pop y distintas influencias del arte contemporáneo, la mexicana construyó una sólida carrera que la posicionó como una de las principales referentes latinoamericanas dentro de esta disciplina.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYOGqAwMYde/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYOGqAwMYde/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y es que el currículum de Dozergirl habla por sí solo. A lo largo de su carrera, trabajó junto a artistas y bandas nacionales e internacionales, que consolidan su figura como emblema de la materia.</p><ul><li>Deftones</li></ul><ul><li>Red Hot Chili Peppers</li></ul><ul><li>The Offspring</li></ul><ul><li>Linkin Park</li></ul><ul><li>Austin TV</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f40f66dc85.png" alt=""><figcaption>Póster hecho por Dozergirl (Instagram/Dozergirl).</figcaption></figure><p>Sus trabajos no solo funcionan como piezas gráficas promocionales, sino también como pósters conmemorativos que acompañan giras, conciertos y eventos especiales, convirtiéndose en objetos de colección para miles de fanáticos y consolidando a Dozergirl como una de las grandes exponentes del arte gráfico musical en México.</p>

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¿Quién es Dozergirl, la artista mexicana que conquistó el universo de los pósters musicales?

<p>Latinoamérica encontró en el hip hop una tierra fértil para el surgimiento de grandes referentes que marcaron a generaciones enteras, y entre ellos aparece un nombre argentino con casi dos décadas de historia: Urbanse.</p><h2>Urbanse y una trayectoria construida sobre las raíces del rap argentino</h2><p>Todos podemos estar de acuerdo en que la cultura hip hop encontró en Latinoamérica una tierra fértil para crecer, desarrollarse y dar lugar a algunos de los referentes más importantes del movimiento. Desde Canserbero en Venezuela y Chystemc en Chile hasta Dtoke y Acru en Argentina, la región construyó una historia propia alrededor de las barras, las batallas y el rap.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_bf21c6eaa9.png" alt=""><figcaption>Urbanse, ícono del rap argentino (Instagram/Urbanse).</figcaption></figure><p>Y en Argentina, uno de esos espacios se completa con el nombre de Urbanse, MC y compositor que, con casi dos décadas de trayectoria, logró convertirse en una de las figuras destacadas del rap nacional y en un referente dentro de la escena latinoamericana.</p><p>Su recorrido está directamente relacionado con algunos de los momentos y espacios que ayudaron a construir el hip hop argentino. Urbanse fue una pieza clave de Halabalusa, una de las primeras competencias de freestyle del país, escenario en el que nombres como Dtoke comenzaron a sobresalir y que funcionó como punto de encuentro para una generación que empezaba a darle forma a la escena nacional.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOesexfiU_4/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOesexfiU_4/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Años más tarde, también se convirtió en un integrante fundamental de La Conexión Real, uno de los grupos más emblemáticos del rap argentino, compartiendo espacio con figuras como Núcleo aka Tintasucia, Finarru, Tortu y Frane.</p><p>El nombre de Urbanse también trascendió las fronteras nacionales a través de distintas colaboraciones con referentes de la escena hispanohablante, entre ellos Rxnde Akozta, Ali aka Mind, Jona Sánchez, Granuja y Acru.</p><p>Otro de los puntos destacados de su recorrido fue el lanzamiento de “<i>Literal</i>”, disco publicado en el año 2017 y compuesto por diez canciones, que reafirmó su lugar como una de las voces que ayudaron a construir el rap argentino desde sus bases.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_bcb2947bd9.png" alt=""><figcaption>Urbanse junto a sus seguidores en pleno concierto (Instagram/Urbanse).</figcaption></figure><p>Pero la importancia de Urbanse dentro del movimiento no se explica únicamente por sus canciones. Su presencia durante distintas etapas de la cultura hip hop, su participación en espacios fundamentales para el desarrollo del freestyle nacional y su vínculo con algunas de las figuras más importantes de la escena lo convirtieron en una pieza que conecta diferentes generaciones del rap argentino.</p><p>De las primeras competencias hasta sus proyectos musicales y colaboraciones con artistas de distintos puntos de Latinoamérica, Urbanse construyó una trayectoria que demuestra que la vigencia también puede ser una forma de hacer historia dentro del hip hop.</p>

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Urbanse, una pieza clave del rap argentino que atravesó generaciones

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Más allá de las grandes figuras que dominan la música latina, la música regional mexicana mantiene un lugar central dentro de la identidad cultural del país.</p><p>En ese escenario, nuevos nombres buscan hacerse un espacio y Mariana Millán aparece como una de las voces femeninas que comienzan a llamar la atención.</p><h2>Una nueva voz para la música regional mexicana: Mariana Millán</h2><p>Más allá de la fama y el enorme seguimiento que tienen artistas mainstream como Bad Bunny, Young Miko, Karol G o Bizarrap, en México existe un fuerte vínculo con la música regional mexicana, uno de los sonidos más representativos de la identidad cultural del país.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6b999c74d5.png" alt=""><figcaption>Mariana Millán, el nuevo talento femenino de la música regional mexicana (Instagram/Mariana Millán).</figcaption></figure><p>Junto a nombres que ya se consolidaron dentro de la nueva escena, como Natanael Cano, Peso Pluma y Grupo Frontera, continúan apareciendo artistas que buscan construir su propio camino dentro del género, y Mariana Millán es una de esas nuevas figuras.</p><p>Conocida como “la plebe de la voz grave”, la mexicana se convirtió en una de las nuevas apariciones femeninas de la música regional mexicana, con un sello particular que rápidamente se transformó en una de sus principales características: una voz grave y profunda que le aporta una identidad propia dentro de la escena.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/YhacrrvA4No" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Con poco más de dos años de trayectoria en la industria musical y sin provenir de una familia vinculada a la música, Millán comenzó a construir su recorrido a través de canciones como “<em>El Reventón</em>”, “<em>¿Qué Fue de Nosotros?</em>” y “<em>Polvo de Nuez</em>”, tres de los temas que forman parte de su todavía breve pero creciente carrera.</p><p>Su llegada a la música, además, estuvo marcada por una decisión personal que significó dejar atrás la estabilidad que había construido durante años. Antes de dedicarse profesionalmente a cantar, la mexicana tenía un trabajo con cuatro años de antigüedad y un sueldo fijo, pero decidió abandonarlo para perseguir el objetivo de convertirse en artista.</p><p>Así comenzó un recorrido que hoy la encuentra construyendo su identidad dentro de uno de los géneros más representativos de México. Con una voz que se diferencia y una trayectoria que recién comienza, Mariana Millán aparece como una de las nuevas figuras femeninas a seguir dentro de la música regional mexicana.</p>

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Mariana Millán y una voz que busca hacerse lugar en la música regional mexicana

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El vínculo entre Ca7riel &amp; Paco Amoroso y la moda urbana suma un nuevo capítulo con una de las grandes marcas deportivas internacionales, y es que PUMA confirmó oficialmente su alianza con el dúo argentino.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Música, moda y archivo: así es la nueva alianza entre PUMA y Ca7riel &amp; Paco Amoroso</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde hace varios años, el nombre de <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso</strong> dejó de estar vinculado únicamente al mundo musical y pasó a convertirse en <strong>un fenómeno que trasciende canciones, discos y escenarios</strong>. El dúo argentino también construyó una identidad propia a partir de su estilo, su carisma y una estética que los llevó a ocupar un lugar cada vez más importante dentro de la moda urbana.</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/oeg1dQUj3tg" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En las últimas horas, los artistas <strong>volvieron a ser noticia</strong> y, esta vez, no fue por el lanzamiento de un nuevo sencillo, un álbum o el anuncio de una nueva gira.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después de haber dejado su primera huella en el mundo de la moda urbana junto a la marca española Bershka, <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso unieron fuerzas oficialmente con PUMA</strong>, consolidando una alianza que cruza música, moda urbana y la identidad visual que caracteriza al dúo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_db3dcfb63f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Ca7riel &amp; Paco Amoroso vestidos de PUMA durante uno de sus shows (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si bien el vínculo ya había comenzado a hacerse visible, la colaboración todavía no había sido oficializada. Durante un <strong>show realizado en la ciudad de Nueva York</strong> en el mes de junio, <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso fueron vistos utilizando prendas y piezas de PUMA</strong>, una señal que anticipaba el acuerdo que finalmente fue confirmado por ambas partes a través de una publicación en Instagram.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La alianza contempla <strong>el co-diseño de vestuarios personalizados para los shows de su gira global, combinando piezas creadas especialmente para los artistas con prendas vintage pertenecientes al archivo de PUMA</strong>. De esta manera, la propuesta busca trasladar la identidad de Ca7riel &amp; Paco Amoroso al escenario a través de looks que mezclan elementos contemporáneos con piezas históricas de la marca.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_47fbb39d1d.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">La huella de PUMA en los shows de Ca7riel &amp; Paco Amoroso (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La colaboración ya tuvo sus primeras apariciones en distintas ciudades del mundo. Además de Nueva York, <strong>los looks vinculados a PUMA también pudieron verse en Ciudad de México y Barcelona</strong>, aunque todavía quedan nuevos escenarios y estilos por conocer a medida que avance la gira.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d40c30bc80.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Vestuario de Ca7riel hecho por PUMA (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para Ca7riel &amp; Paco Amoroso, se trata de un nuevo capítulo dentro de una trayectoria que cada vez tiene más puntos de contacto con la moda y la cultura urbana. Para PUMA, en tanto, representa un nuevo vínculo con dos artistas argentinos que lograron convertir su música, su estética y su manera de habitar los escenarios en parte fundamental de su identidad.</span></p>

Ca7riel & Paco Amoroso vestidos por PUMA durante un show.avif

Ca7riel & Paco Amoroso se visten de PUMA

<p>La presencia femenina dentro del rap mexicano continúa creciendo, pero algunas artistas llevan décadas construyendo ese camino, y una de ellas es Ximbo, pionera y referente de la escena nacional.</p><h2>Ximbo, una pionera del rap mexicano</h2><p>El rap se consolidó como uno de los movimientos culturales y musicales más importantes de México, con figuras como C-Kan, Aczino y Neto Peña como algunos de los nombres que ayudaron a construir su identidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14fbf8dfd1.png" alt=""><figcaption>La figura de Ximbo a través de los fanáticos (Instagram Ximbo).</figcaption></figure><p>Sin embargo, la historia de la escena también tiene una importante presencia femenina, y Jimena de Santiago, mejor conocida como Ximbo, ocupa un lugar fundamental dentro de ella.</p><p>Con más de tres décadas de trayectoria, la mexicana se convirtió en una de las pioneras del rap nacional y en una figura que logró mantenerse vigente a través de diferentes generaciones de la cultura hip hop.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/3A-uX9qXZGY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Su propuesta se caracterizó por una mirada marcada por la conciencia social, sus posturas sobre distintos aspectos de la vida y una identidad vinculada al feminismo, elementos que terminaron convirtiéndola en una de las voces femeninas más reconocidas del movimiento.</p><h2>Ximbo y sus primeros pasos dentro de la cultura hip hop</h2><p>Durante los años 80, “<em>Rapper&#x27;s Delight</em>” fue una de las primeras canciones que acercó a Ximbo al universo del rap. La canción, incluso, tuvo una versión conocida en México como “<em>El Cotorreo</em>”, realizada por el comediante Memo Ríos y que terminó de impulsar ese primer vínculo de la mexicana con la cultura del hip hop.</p><p>En la preparatoria comenzó a escribir y lanzar sus primeras rimas en solitario. Años más tarde se vinculó con Malik y posteriormente formó Magisterio, grupo que se convirtió en uno de los proyectos destacados de la escena de la capital mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/7tQK6J7IFac" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>A partir de allí, Ximbo comenzó a transitar por diferentes escenarios y colectivos, consolidando una trayectoria que la llevó a convertirse en una referente del rap nacional y en una de las mujeres que abrió camino dentro de una escena que todavía estaba en pleno crecimiento.</p><h2>Feminismo, identidad y cultura: el legado de Ximbo</h2><p>A lo largo de sus más de tres décadas de carrera, Ximbo construyó una identidad artística que trascendió las rimas. Su trabajo estuvo marcado por dos grandes ejes: el feminismo y la visibilización de las culturas y lenguas originarias dentro del hip hop.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_caa8b8ee5a.png" alt=""><figcaption>Ximbo rapeando sobre el escenario (Instagram(Ximbo).</figcaption></figure><p>A través de sus letras, su participación en festivales y su recorrido por diferentes espacios de la escena, la mexicana utilizó el rap como una herramienta para expresar sus ideas y darles lugar a temáticas que históricamente tuvieron menor presencia dentro del movimiento.</p><p>Su trayectoria también la convirtió en una inspiración para las nuevas generaciones de mujeres que encontraron en el rap un espacio de expresión. Por eso, hablar de la historia del rap mexicano y de la presencia femenina dentro de la cultura hip hop implica necesariamente mencionar el nombre de Ximbo.</p>

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Ximbo, la mujer que hizo historia en el rap mexicano

<p>Mientras el trap, el reguetón y la cumbia continúan dominando gran parte de la conversación musical argentina, una nueva propuesta comenzó a abrirse camino desde los márgenes de la escena. Se trata de Qüeva, un grupo integrado por Biz, Mery Lov, Nico Roi y Agus Evert que apuesta por recuperar la esencia del R&amp;B en español y acercarla a una nueva generación de oyentes.</p><h2>Qüeva, el grupo de R&amp;B que conquista la música argentina</h2><p>La industria musical argentina presencia cada semana el nacimiento de nuevos proyectos artísticos. Desde aquellos que buscan conquistar los parlantes a través de la cumbia, como los casos de La T y La M o Kingto, hasta artistas que mantienen vivo el espíritu del under o propuestas que apuestan por sonidos menos explorados dentro de la escena local.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6c2188e684.png" alt=""><figcaption>Qüeva durante uno de sus videoclips (Qüeva).</figcaption></figure><p>Y es justamente en este último grupo donde aparece Qüeva.</p><p>Es probable que en las últimas semanas te hayas encontrado en TikTok, Instagram o YouTube con una particular reinterpretación de &quot;<em>¿Por qué te demoras?</em>&quot;, uno de los clásicos del dúo puertorriqueño Plan B. Sin embargo, lejos del reguetón que popularizó la canción original, esta nueva versión propone una lectura completamente distinta, influenciada por el R&amp;B contemporáneo y creada por Qüeva.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-regreso-del-regueton-viejo-tiene-nombre-2mileros/1000193"><u><em>El regreso del reguetón viejo tiene nombre: 2mileros</em></u></a></p><p>Conformado por Biz y Mery Lov como voces principales, Nico Roi en la producción y Agus Evert como ingeniero de mezcla y masterización, el grupo argentino encontró en el R&amp;B en español su principal identidad artística. Una apuesta poco habitual dentro de una industria donde géneros como el trap, el reguetón y la cumbia ocupan gran parte de la conversación musical.</p><p>El debut oficial del proyecto llegó con &quot;Quandolaveo&quot;, sencillo que actualmente supera las 100 mil reproducciones y que sirvió como carta de presentación para una propuesta que busca recuperar y reinterpretar los sonidos característicos del R&amp;B.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/Z5FKKyS3aqY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Sin embargo, el fenómeno terminó de explotar con el lanzamiento de &quot;Cayó la ficha&quot;, la versión inspirada en el éxito de Plan B que en poco más de una semana ya acumula más de 100 mil visualizaciones en YouTube.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a35b24a48f.png" alt=""><figcaption>Qüeva en el estudio de grabación (Qüeva).</figcaption></figure><p>Aunque todavía no alcanza el año de trayectoria, Qüeva ya comienza a posicionarse como una de las novedades más interesantes de la música argentina. No solo por la rápida recepción que tuvieron sus canciones, sino también por una propuesta que busca devolverle protagonismo al R&amp;B en español dentro de una escena dominada por otros sonidos urbanos.</p>

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¿Quién es Qüeva y por qué todos están hablando de ellos?

<p>El universo de One Piece salió de las pantallas para convertirse en arte urbano: en la ciudad de León, más de veinte artistas locales dieron vida a sus principales personajes y crearon un monumental homenaje al universo creado por Eiichiro Oda.</p><h2>Luffy, Zoro y los Sombrero de Paja llegan a León en un mural monumental</h2><p>México es uno de los grandes referentes del muralismo latinoamericano y, dentro de su territorio, León se consolidó durante los últimos años como uno de los puntos destacados para el desarrollo del arte urbano. Ahora, la ciudad volvió a quedar en el centro de la escena gracias a un monumental homenaje al universo de One Piece.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_027ad72c44.png" alt=""><figcaption>Detalles del mural de One Piece en León (IMJU León).</figcaption></figure><p>La obra se encuentra sobre el bulevar José María Morelos, esquina con Rafael Corrales Ayala, y ocupa una superficie de aproximadamente 43 metros de largo por 7 metros de alto. Para llevar adelante el proyecto, más de veinte artistas urbanos locales unieron sus estilos en una intervención encabezada por Sergio Mar Quiroz, conocido artísticamente como Zhot, uno de los principales referentes del arte urbano leonés.</p><p>Con una trayectoria que supera los 150 murales y como uno de los referentes del colectivo RNK, Zhot lideró una obra que funciona como un portal directo hacia el universo creado por Eiichiro Oda, el mangaka detrás de una de las historias más importantes de la cultura japonesa contemporánea.</p><p>El mural reúne una extensa selección de personajes y símbolos reconocibles de One Piece, llevando al formato de gran escala a buena parte de los protagonistas de la historia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Monkey D. Luffy</li><li>Roronoa Zoro</li><li>Nami</li><li>Usopp</li><li>Sanji</li><li>Tony Tony Chopper</li><li>Nico Robin</li><li>Franky</li><li>Brook</li><li>Jinbe</li></ul><p>Otro de los elementos que más llama la atención es la presencia del Going Merry, el icónico barco que acompañó a los Sombrero de Paja durante una parte fundamental de su aventura, integrado dentro de una composición que conecta a los distintos personajes y momentos de la historia.</p><p>La intervención también incorpora un guiño al fenómeno global que One Piece alcanzó fuera del manga y el anime: la aparición de Iñaki Godoy, actor mexicano que interpreta a Monkey D. Luffy en la adaptación live action de Netflix, que llevó nuevamente el universo de Eiichiro Oda a una audiencia masiva.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6812405743.png" alt=""><figcaption>Fans de One Piece posando con el mural creado por Zhot y compañía en Léon (IMJU León).</figcaption></figure><p>El proyecto contó además con la participación de artistas locales como Mercy, Iturias, Bler, Crook, Chris Brown, Gabe, Mauricio, Frida, Zorbe, Brote, entre otros integrantes del colectivo de más de 20 artistas que participaron de la intervención.</p><p>Así, León suma una nueva pieza a su creciente recorrido dentro del muralismo mexicano con una obra que cruza generaciones, disciplinas y culturas: el arte urbano local se convierte en el escenario para homenajear a una historia que, después de más de mil episodios y décadas de recorrido, logró convertirse en uno de los grandes fenómenos culturales de Japón y del mundo.</p>

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El universo de One Piece toma las calles de León

Santino Ferrari tocando durante una edición de Drop N Kicks (1).avif

Lost & Found, Drop N Kicks y la música: las tres caras de Santino Ferrari

<p>El fingerboard llevó la esencia del skateboarding a una tabla en miniatura y construyó una comunidad que no para de crecer, y en Argentina, uno de sus grandes referentes es Finger Industries.</p><h2>Finger Industries, un emblema del fingerboard en Argentina</h2><p>El movimiento del fingerboard, una práctica que traslada la esencia del skateboarding a tablas en miniatura controladas con los dedos, continúa creciendo a nivel internacional y cada vez gana más espacio dentro de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d4500e24ac.png" alt=""><figcaption>Fingerboard de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>Más allá de las grandes marcas que dominan el mercado global, cada país desarrolló sus propios protagonistas. En Argentina, uno de esos nombres es Finger Industries, una marca nacional fundada en el año 2015 y con sede en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires.</p><p>Con más de una década de trayectoria, la firma se convirtió en uno de los principales referentes de la escena local gracias a una propuesta que combina fabricación propia, distribución de marcas internacionales y desarrollo de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A eso se suma una fuerte presencia en redes sociales, donde supera los 200 mil seguidores, consolida un vínculo directo con quienes practican fingerboard y ayuda a difundir una disciplina que pasó de ser un hobby de nicho a construir una escena cada vez más grande en Argentina.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/sueno-con-que-cada-provincia-tenga-una-marca-de-fingerboards-propia/1530</p><h2>De fabricar una tabla propia a construir una marca</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes nombres del fingerboard argentino, Finger Industries tuvo un comienzo mucho más simple. La historia empezó en el año 2015, cuando su fundador no lograba conseguir en Argentina un fingerboard profesional de madera que cumpliera con la calidad que buscaba.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa necesidad se transformó en una oportunidad. A través de pruebas, errores y aprendizaje, comenzó a experimentar con técnicas de laminado y fabricación hasta conseguir tablas que respondieran a sus expectativas.</p><p>Un año más tarde apareció la tienda online, en una etapa en la que, según recuerdan desde la propia marca, vender apenas un par de fingerboards por semana ya representaba un gran logro.</p><p>Desde entonces, Finger Industries comenzó a crecer de manera progresiva a través de eventos, redes sociales y la difusión constante de la disciplina. En el año 2018 amplió su equipo de trabajo para mejorar la producción y aumentar la capacidad de fabricación.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El gran salto llegó durante la cuarentena, cuando el fingerboard encontró en el hogar un escenario ideal para crecer y la marca consiguió alcanzar a una audiencia mucho más amplia. Ese proceso desembocó, en el año 2021, en la apertura de Fingershop, un espacio físico pensado no solo para comprar productos, sino también para practicar, encontrarse con otros riders y vivir la cultura del fingerboard de manera presencial.</p><h2>Finger Industries y un catálogo pensado para todos los niveles</h2><p>Decir que Finger Industries funciona como un paraíso para quienes viven el fingerboard no es una exageración. Su catálogo reúne prácticamente todo lo necesario tanto para quienes recién empiezan como para riders que buscan mejorar cada detalle de su setup.</p><ul><li>Tapes</li><li>Ruedas</li><li>Trucks</li><li>Tuercas</li><li>Tablas</li><li>Fingerboards completos</li><li>Bujes</li><li>Racks</li><li>Herramientas</li><li>Accesorios</li><li>Rampas</li><li>Módulos</li><li>Rails</li><li>Finger scooters</li><li>Finger BMX</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c51156160d.png" alt=""><figcaption>Fingerboards de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>La propuesta permite desde armar un fingerboard pieza por pieza, eligiendo componentes y diseños de manera personalizada, hasta adquirir modelos completamente armados y listos para usar.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/nestor-el-abuelo-de-74-anos-que-se-convirtio-en-una-estrella-del-fingerboard/1000332</p><p>Además de comercializar productos propios, Finger Industries también distribuye distintas marcas internacionales, ampliando todavía más una oferta pensada para distintos niveles y estilos.</p><p>Todos los productos pueden adquirirse a través de la tienda oficial de la marca o de manera presencial en su local ubicado en Sáenz 179, Lomas de Zamora, un punto de encuentro que combina tienda, práctica y comunidad alrededor del fingerboard.</p>

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Finger Industries, el paraíso del fingerboard en Buenos Aires

<p>La joyería también es parte de la identidad de un look, y Bass Joyas lo llevó a otro nivel.</p><p>Desde Buenos Aires, el proyecto de joyería personalizada y prendas de autor construyó una propuesta propia dentro de la escena urbana y creó piezas elegidas por artistas de la talla de Nicki Nicole y Milo J.</p><h2>Anillos, cadenas y piezas de autor: conocé Bass Joyas, la joyería elegida por artistas</h2><p>Más allá de las prendas y los sneakers, los accesorios ganaron un lugar cada vez más importante dentro de la moda y se convirtieron en piezas fundamentales para completar y potenciar cada look.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en la ciudad de Buenos Aires aparece Bass Joyas, un proyecto dedicado a la joyería personalizada y las piezas de autor que logró hacerse un lugar dentro de la escena urbana y musical, con diseños elegidos por artistas como Nicki Nicole, Luck Ra, Knak, Pedrito VM y Milo J, entre otros.</p><h2>Oro, plata y diseños de autor: la propuesta de Bass Joyas</h2><p>La propuesta de Bass Joyas se caracteriza por trabajar con distintos materiales y formatos, con piezas que van desde diseños clásicos hasta alternativas más llamativas y personalizadas.</p><ul><li>Oro</li><li>Plata 925</li><li>Cubic</li><li>Bronce</li><li>Anillos</li><li>Colgantes</li><li>Cadenas</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36fc30d683.png" alt=""><figcaption>Joyería by Bass Joyas (Instagram/Bass Joyas).</figcaption></figure><p>Entre sus diseños aparecen cruces góticas, flores de lis, flores cúbicas, cruces de alquimia, números personalizados, símbolos de infinito, iniciales y estrellas, además de otras piezas pensadas para quienes buscan darle una identidad particular a sus accesorios.</p><p>Con precios que van desde los $50.000 hasta los $400.000 pesos argentinos, Bass Joyas cuenta con envíos a todo el país y permite adquirir sus piezas a través de su página web.</p>

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La joyería que llegó a los looks de Nicki Nicole, Luck Ra y Milo J: así es Bass Joyas

<p>A meses del inicio, la Freestyle World Cup, el primer Mundial de freestyle por selecciones organizado por Urban Roosters, comienza a definir a sus protagonistas, y Bolivia fue uno de los primeros países en confirmar su equipo con Armamente, Crispa y Vinns como integrantes.</p><h2>Armamente, Crispa y Vinns: el tridente de Bolivia para la Freestyle World Cup</h2><p>Luego de la fecha de la Pre-World Cup llevada a cabo en la ciudad de Cochabamba, donde las preselecciones de Bolivia y Chile dejaron ver sus primeras pinceladas de cara a la Freestyle World Cup de diciembre, llegó una de las primeras grandes noticias del camino al mundial: Bolivia confirmó su tridente para la competencia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcVGXWiAMaR/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcVGXWiAMaR/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>De esta manera, el país latinoamericano ya tiene definido a su equipo para afrontar el primer mundial de freestyle de selecciones, con un tridente que combina experiencia, liderazgo, creatividad y juventud.</p><ul><li>Armamente: capitán y líder del equipo, con experiencia y trayectoria en competencias nacionales e internacionales.</li></ul><ul><li>Crispa: experiencia, técnica, creatividad y un estilo propio que lo convirtió en uno de los referentes de la escena boliviana.</li></ul><ul><li>Vinns: juventud, energía, frescura y proyección para completar una selección que apuesta por el futuro.</li></ul><p>La conformación del equipo llegó después de diferentes procesos clasificatorios y actividades previas realizadas en Bolivia, donde varios freestylers compitieron durante las últimas semanas por un lugar en la delegación que viajará al mundial.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1359871330.png" alt=""><figcaption>Armamente, representante boliviano de la Pre-World Cup, improvisando (Instagram/Armamente).</figcaption></figure><p>Bolivia, además, compartirá el Grupo C de la Freestyle World Cup junto a México, Venezuela y Uruguay, en una zona que tendrá como atractivo el choque entre diferentes estilos de la escena latinoamericana.</p><p>Con Armamente como líder, la experiencia y creatividad de Crispa y el potencial de Vinns, Bolivia se convirtió en una de las primeras selecciones en cerrar oficialmente su tridente para la gran cita de diciembre.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/freestyle-world-cup-formato-grupos-y-como-sera-el-mundial-organizado-por-urban-roosters/2092</p><p>¿Cómo creés que le irá a Bolivia en la Freestyle World Cup?</p>

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Bolivia ya tiene tridente para la Freestyle World Cup

<p>De jugar Tony Hawk en PlayStation a conseguir sus primeros sponsors y competir, Kinky Boy, skater oriundo de Mendoza, construyó una historia marcada por el skateboarding.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo comenzó tu vínculo con el skate?</strong></p><p>La primer cercanía con el skate que tuve fue aproximadamente para el año 2007, para ese entonces yo tenía siete años y era un niño que le gustaba mucho jugar Playstation, uno de los juegos que más jugaba era Tony Hawk, tenía varios de la saga, “<em>ProSkater 1 y 2</em>”, “<em>Proving Ground</em>”, “<em>Project 8</em>” y otros, yo tenía una patineta de juguete pero sabía que no era como la que salían en los videos dentro del juego entonces le pedí una “real” a mi padre. En ese entonces mi hermano mayor tenía su skate y era súper distinto a la mía de juguete y ahí surgieron mi duda y ganas de tener una mejor.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f2126fa673.png" alt=""><figcaption>Kinky Boy en acción (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure><p><strong>¿Quiénes fueron tus primeros ídolos o referentes?</strong></p><p>Para ese entonces recuerdo mucho haber visto a un Nyjah Huston niño en sus videopartes de Element que hacía trucos increíbles y ahí nacieron las ganas de patinar , ya que él con 11 años ya hacía locuras que todo niño o adulto querría hacer. Otros skaters que me motivaban también eran Paul Rodriguez, Pj Ladd, Shane Oneill y así te puedo nombrar varios.</p><p><strong>¿Qué momento de tu carrera recordás como el más importante?</strong></p><p>Yo creo que los primeros 5 años de mi comienzo fueron sin saber que quizás un día cumpliría sueños que ni siquiera yo sabia que tenia hasta ese momento, cuando tenia 13/14 años fue cuando me di cuenta que realmente no era un simple juego o hobbie para mi ya que se estaban dando oportunidades de “sponsors” con marcas locales, ganaba algunos campeonatos y ya filmaba video partes en la calle, eso marcó mi trayectoria a lo que soy hoy en dia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DLxeH6XuuRk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DLxeH6XuuRk/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p><strong>¿Cuál fue el truco que más te costó aprender?</strong></p><p>Me costó muchísimo tiempo aprender kickflip como un año aproximadamente, luego de eso empecé a entender un poco más la técnica con los demás trucos y ya me facilitaba para aprender otras combinaciones.</p><p><strong>¿Cómo ves actualmente la escena del skate en tu país?</strong></p><p>En Argentina hay un nivel increíble de chicos que quizás no son tan conocidos o que no cuentan con un apoyo material para la práctica, pero eso también habla de que la industria está un poco estancada ya que es una disciplina bastante costosa monetariamente hablando. En Argentina, por suerte hay eventos casi todo el año para que chicos y chicas se sientan motivados y enfocados para su progreso en la práctica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c2925f26f.png" alt=""><figcaption>Sesión de fotos de Kinky Boy (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué cosas cambiaron desde que comenzaste hasta hoy?</strong></p><p>Cambió muchísimo mi mentalidad a medida que iba creciendo ya que me lo fui tomando más serio cada vez, también los entornos en los que concurría a practicar, al principio era solo calle, después hicieron varios skateparks en mi ciudad que facilitaban un poco más el aprendizaje y la motivación. También los círculos de amigos que hoy en día se dedican a otras cosas ajenas al skateboarding.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CuNugtZp2ND/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CuNugtZp2ND/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p><strong>¿Qué importancia tienen las redes sociales para los skaters actualmente?</strong></p><p>Ayuda bastante el hecho de “hacerse conocido” si se lo utiliza de una forma estratégica para el crecimiento personal, te acerca a gente que quizás no sabía de tu existencia y te ven subiendo contenido todo el rato relacionado al skate. Pienso que es una herramienta que en la modernidad se tiene que usar para favorecer la imagen, pero tampoco abusar de eso.</p><p><strong>¿Qué significa el skate para vos después de todos estos años?</strong></p><p>Para mí y para muchos significa superación, te ayuda a enfocarte, te brinda valores que no se aprenden en todos lados, te enseña a caerte y levantarte las veces que sea necesario, el skate es unión, te conecta con gente de cualquier parte del mundo sin tener que hablar el mismo idioma. El skateboarding salvó mi vida muchas veces y estoy agradecido con la vida por haberme puesto esto en mi camino.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_92571e58fb.png" alt=""><figcaption>Kinky Boy en las calles de Buenos Aires (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure>

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“El skateboarding salvó mi vida muchas veces”

<p><strong>La nueva temporada del freestyle hispanohablante</strong> comienza a tomar forma y las principales ligas ya empiezan a <strong>revelar a sus protagonistas</strong>, y <strong>FMS Chile</strong> se prepara para su <strong>séptimo año</strong> con una combinación de históricos, nuevas figuras y presencia internacional.</p><h2>Un nuevo capítulo para FMS Chile: diez nombres y una corona en juego</h2><p>Ya con la nueva temporada en marcha, el calendario del freestyle hispanohablante comienza a moverse con anuncios, fechas y participantes. Y <strong>Freestyle Master Series</strong>, el sistema de ligas organizado por <strong>Urban Roosters</strong> y una de las principales competencias de la escena, también empieza a tomar forma de cara a un nuevo año.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_22cf84f0bc.png" alt=""><figcaption>Teorema, uno de los MCs de la séptima temporada de FMS Chile, en pleno punchline (FMS Chile).</figcaption></figure><p><strong>Chile</strong>, uno de los países con mayor trayectoria dentro del circuito, ya se prepara para su <strong>séptima temporada</strong>. Si bien todavía no cuenta con una fecha de inicio confirmada, la liga ya tiene gran parte de su cartel definido después de varios anuncios que terminaron de darle forma a la competencia.</p><p>De esta manera, <strong>FMS Chile</strong> se convirtió en uno de los primeros países en confirmar a prácticamente todos sus participantes, después de que Colombia también avanzara con la conformación de su liga. La nueva temporada tendrá la <strong>presencia de nombres históricos como Kaiser, Nitro y Teorema</strong>, además de nuevas figuras que buscarán hacerse un lugar en una de las ligas más importantes del circuito.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a44c006552.png" alt=""><figcaption>Kaiser, un histórico del freestyle chileno, presente en FMS Chile (FMS Chile).</figcaption></figure><p>Una de las grandes novedades será también la participación del <strong>argentino Stuart,</strong> <strong>bicampeón de FMS Argentina</strong>, quien afrontará un nuevo desafío dentro del sistema de Urban Roosters. Al mismo tiempo, la ausencia de El Menor, campeón internacional chileno y uno de los grandes protagonistas de la escena reciente, será uno de los cambios más importantes respecto a temporadas anteriores.</p><p>Con una combinación de experiencia, juventud y presencia internacional, FMS Chile comienza a preparar una séptima temporada que <strong>todavía tiene dos lugares por definir,</strong> pero que ya cuenta con varios de los nombres que buscarán quedarse con el séptimo título de la historia de la liga.</p><h2>¿Quiénes serán los freestylers de la séptima temporada de FMS Chile?</h2><p>La séptima temporada de <strong>FMS Chile ya tiene ocho participantes confirmados, </strong>mientras que los dos lugares restantes se definirán durante la primera jornada de competencia. Para completar el cartel, la organización estableció dos batallas independientes que definirán quiénes consiguen su lugar directo en la liga.</p><ul><li>Kaiser</li></ul><ul><li>Nitro</li></ul><ul><li>Teorema</li></ul><ul><li>Stuart</li></ul><ul><li>Fusok</li></ul><ul><li>Drose</li></ul><ul><li>Destello</li></ul><ul><li>BTI</li></ul><ul><li>Metal Lingüística o Stigma</li></ul><ul><li>Adesong o Animus</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dc_ls7jvNaF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dc_ls7jvNaF/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Estas <strong>dos batallas</strong> fueron planteadas como enfrentamientos <strong>“vida o muerte”,</strong> ya que cada cruce definirá directamente uno de los últimos lugares disponibles para la temporada: los ganadores de cada batalla obtendrán su cupo directo a FMS Chile.</p><p>Con el cartel prácticamente completo, la liga ya tiene definidos a sus protagonistas y solo resta conocer quiénes serán los dos freestylers que conseguirán los últimos lugares para completar la séptima temporada.</p>

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FMS Chile prepara su séptima temporada con Kaiser, Nitro, Teorema, Stuart y nuevas figuras

<p>Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.</p><h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2><p>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure><p>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.</p><p>Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure><p>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.</p><h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2><p>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.</p><ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure><p>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.</p>

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El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

<p>Con más de 270 mil seguidores en redes sociales, el artista chileno Emilio Álvarez se convirtió en uno de los referentes de la customización en Latinoamérica, llevando su arte desde prendas de vestir y zapatillas hasta autos, skates y objetos cotidianos.</p><h2>Emilio Álvarez y el arte de convertir cualquier objeto en una pieza única</h2><p>La customización se convirtió en una de las ramas más interesantes dentro de la moda y la cultura urbana. En Latinoamérica, distintos artistas encontraron en la personalización una manera de intervenir prendas, accesorios y objetos cotidianos para transformarlos en piezas únicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_03ebd6b973.png" alt=""><figcaption>Emilio Álvarez customizando una chaqueta de jean (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Y en Chile, uno de los nombres que más se destaca dentro de esta escena es Emilio Álvarez. Con una comunidad de más de 270 mil seguidores, el artista construyó una identidad propia a partir de la customización y llevó su trabajo mucho más allá de las zapatillas, convirtiendo prácticamente cualquier superficie en un nuevo lienzo.</p><p>Su universo atraviesa el streetwear y la indumentaria, con intervenciones sobre sneakers, camisetas, hoodies, gorras, bolsos, billeteras y botines de fútbol, pero también alcanza objetos mucho menos habituales como botellas de whisky, billetes, tablas de skate, automóviles, termos, joysticks de consolas y valijas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Uno de los principales rasgos de su obra es la presencia del anime, una fuente de inspiración que aparece constantemente en sus diseños. Entre las franquicias y universos que llevó a sus piezas se encuentran:</p><ul><li>Hunter x Hunter</li></ul><ul><li>One Piece</li></ul><ul><li>Dragon Ball Z</li></ul><ul><li>Sailor Moon</li></ul><ul><li>Naruto</li></ul><ul><li>Los Caballeros del Zodiaco</li></ul><ul><li>One Punch Man</li></ul><ul><li>Pokemon</li></ul><p>Pero su trabajo no se queda únicamente en el anime. Álvarez también incorpora referencias a la cultura pop, el fútbol y personajes icónicos, con diseños inspirados en figuras como Tony Montana, Arturo Vidal, Neymar y Cristiano Ronaldo.</p><p>A lo largo de su trayectoria, además, sus customizaciones lo llevaron a trabajar junto a distintas figuras reconocidas de la música y el deporte. Entre algunas de sus colaboraciones aparecen:</p><ul><li>Eladio Carrión</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Cristián Zavala</li></ul><ul><li>Eduardo Vargas</li></ul><ul><li>Anuel</li></ul><ul><li>Michael Vadulli</li></ul><ul><li>Igor Lichnovsky</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a238b9420.png" alt=""><figcaption>El futbolista Cristián Zavala con sus botines customizados by Emilio Álvarez (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Así, Emilio Álvarez convirtió la customización en mucho más que una técnica aplicada a la moda: la transformó en una forma de llevar sus referencias, personajes e identidad artística a prácticamente cualquier objeto que pueda convertirse en un lienzo.</p>

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Emilio Álvarez, el artista chileno que no deja ningún objeto sin customizar

<p>Calaveras, guiños futboleros, sneakers y símbolos de la cultura urbana también pueden convertirse en piezas de joyería: ese es el universo que construyó Juan del Beats a través de sus diseños personalizados.</p><h2>La propuesta argentina que une joyería, streetwear y deporte: así es Juan del Beats</h2><p>Dentro de la escena urbana argentina, una de las propuestas que logró hacerse un lugar a través de diseños personalizados y una estética propia es Juan del Beats.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2fa7f50fcd.png" alt=""><figcaption>Nucleo Aka Tintasucia vistiendo piezas de Juan del Beats (Juan del Beats).</figcaption></figure><p>La joyería ubicada en la ciudad de Buenos Aires trabaja con piezas elaboradas en plata 925 y oro de 18 quilates, y desarrolla diseños que combinan referencias del streetwear, el deporte y la cultura urbana. A lo largo de su recorrido, las creaciones de Juan del Beats llegaron a manos de artistas como Luck Ra, Duki, C.R.O, Rels B e, incluso, a figuras internacionales del cine como Johnny Depp.</p><h2>Plata, oro y piezas personalizadas: el universo de Juan del Beats</h2><p>La propuesta de Juan del Beats reúne una amplia variedad de joyas personalizadas y piezas de autor pensadas para quienes buscan llevar accesorios con identidad propia.</p><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Aros</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Dijes</li></ul><ul><li>Coleccionables</li></ul><ul><li>Colaboraciones especiales</li></ul><p>Cada colección desarrolla una estética muy marcada, con referencias que van desde calaveras, armas y elementos del imaginario urbano hasta homenajes al mundo del fútbol, los sneakers y distintos símbolos deportivos</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>También aparecen diseños inspirados en botines, dorsales y siluetas icónicas, construyendo un catálogo que mezcla joyería tradicional con códigos contemporáneos.</p><p>Además, el proyecto ubicado en Buenos Aires realizó colaboraciones especiales, entre ellas una junto al trapero uruguayo Falke 912, ampliando todavía más un universo creativo donde la personalización y el diseño ocupan un lugar protagonista</p><h2>De Duki a C.R.O: los artistas que llevaron piezas de Juan del Beats</h2><p>La joyería logró posicionarse dentro de la escena musical y urbana gracias a distintas colaboraciones y trabajos realizados para reconocidas personalidades.</p><ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Duki</li></ul><ul><li>C.R.O</li></ul><ul><li>Núcleo</li></ul><ul><li>Nucleo Aka Tintasucia</li></ul><ul><li>Rels B</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una identidad visual atravesada por la cultura urbana, el deporte y el diseño personalizado, Juan del Beats continúa consolidándose como una de las propuestas argentinas de joyería que encontró en los accesorios una nueva forma de expresión artística.</p>

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Juan del Beats, la joyería que llevó el diseño urbano a otro nivel

<p>La escultura también puede nacer de aquello que queda fuera del circuito del consumo. Y en la Ciudad de México, Gastón Gallardo, conocido artísticamente como Galo Escultor, encuentra en objetos recuperados una materia prima para construir piezas que invitan a mirar el mundo desde otra perspectiva.</p><h2>Galo Escultor, una mirada que convierte los objetos en arte</h2><p>Dentro de la escena artística urbana y contemporánea de México, Gastón Gallardo, conocido en el mundo de la escultura como Galo Escultor o simplemente Galo, construyó una identidad marcada por la experimentación con materiales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2547439625.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Egresado de la Universidad Latinoamericana y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, el artista oriundo de la Ciudad de México combina su formación académica con una búsqueda que encuentra inspiración en aquello que muchas veces queda relegado al descarte.</p><p>Su trabajo parte de la recolección de objetos en mercados y tianguis, elementos que adquieren una nueva lectura cuando pasan por sus manos. En lugar de observarlos únicamente como materiales sin utilidad, Galo los entiende como pequeñas piezas de memoria y vestigios de la vida cotidiana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A partir de ellos crea esculturas únicas e irrepetibles, en las que aparecen figuras como caballos, peces, aves, rinocerontes, gorilas y tecuanes, entre muchas otras formas.</p><p>A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones individuales y colectivas y llevó sus piezas a distintos espacios culturales de México, entre ellos aparecen el Museo de la Ciudad de México, la Academia de San Carlos, la Biblioteca Vasconcelos y la Bienal de Fotografía de Oaxaca.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_59a87a2d53.png" alt=""><figcaption>Trabajos de Galo Escultor (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Su obra también se caracteriza por combinar distintos materiales y objetos de uso cotidiano, generando piezas en las que lo encontrado deja de ser simplemente un elemento viejo para convertirse en parte de una composición artística.</p><h2>Arte, consumo y una segunda vida para los objetos</h2><p>Detrás de cada pieza existe también una reflexión sobre la manera en que la sociedad produce, consume y descarta. La recuperación de materiales funciona como una forma de cuestionar ese ciclo y demostrar que aquello que perdió su función todavía puede adquirir un nuevo significado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_918c9ee247.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Así, Galo explora lo onírico, lo religioso y lo simbólico, utilizando la escultura como una herramienta para hablar sobre el ambiente y la cultura del descarte.</p><p>Cada creación es, en definitiva, una nueva oportunidad para mirar aquello que normalmente pasa desapercibido: objetos cotidianos que, después de ser encontrados y transformados, pueden convertirse en piezas únicas y volver a tener una historia.</p>

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Galo Escultor, el artista que transforma lo descartado en piezas artísticas

<p>El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.</p><h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2><p>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure><p>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.</p><p>Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.</p><h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2><p>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.</p><p>Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.</p><ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.</p><h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2><p>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.</p><p>Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.</p><h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2><p>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure><p>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.</p><p>Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.</p><p>El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.</p><p>En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.</p>

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¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>Red Bull Dance Your Style, la competencia de street dance improvisado más importante del mundo, desembarca en México con clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México rumbo a la final nacional, y Street Art Latam te acerca toda la información.</p><h2>Clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México y una final nacional: así será el camino de Red Bull Dance Your Style en México</h2><p>Luego de las paradas realizadas en Brasil, Argentina y Colombia, donde los bailarines André Oliveira, Pacifi y Sharay Posadas se convirtieron en los ganadores, Red Bull Dance Your Style, una de las competencias de street dance improvisado más importantes del mundo, aterriza en México como una nueva parada en el continente latinoamericano.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DcH3sl_RNAA/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DcH3sl_RNAA/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La competencia pondrá frente a frente a dieciséis de los mejores bailarines de street dance del país en batallas uno contra uno, con una particularidad que la diferencia de otros torneos: no hay jueces. Después de cada enfrentamiento, será el público quien vote por su bailarín favorito y decida quién avanza a la siguiente ronda.</p><p>La primera etapa estará compuesta por las clasificatorias, que se desarrollarán en Monterrey y Ciudad de México. La primera cita será el jueves 27 de agosto en Panorama Sky Club, mientras que la segunda tendrá lugar el jueves 10 de septiembre en Fauna Rooftop de Ciudad de México, ciudad que también hospedará la gran definición nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d401b21571.png" alt=""><figcaption>Bailarina mexicana dejando su huella en Red Bull Dance Your Style (Red Bull).</figcaption></figure><p>Los bailarines buscarán demostrar toda su creatividad, musicalidad e improvisación sobre la pista para avanzar hasta la Final Nacional de Red Bull Dance Your Style México, donde volverán a ser los espectadores quienes tengan la última palabra.</p><p>La definición nacional se llevará a cabo el domingo 13 de septiembre en el Polyforum Siqueiros de Ciudad de México. Allí se conocerá al nuevo campeón mexicano, que conseguirá el derecho a representar al país en la Final Mundial de Red Bull Dance Your Style, que tendrá lugar en Zúrich, Suiza.</p>

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Red Bull Dance Your Style llega a México: conocé fechas y sedes

<p>En la industria textil mexicana existen distintos perfiles que encontraron en la moda una forma de expresar identidad, cultura y creatividad, y uno de los nombres que más destaca dentro de ese universo es Mauro Garfias.</p><p>Con más de quince años de trayectoria, el diseñador llevó su particular mirada sobre el streetwear, la mezclilla y el diseño a marcas, clubes deportivos y figuras internacionales.</p><h2>Un emblema del diseño mexicano: Mauro Garfias</h2><p>La industria del diseño en México ha encontrado en Mauro Garfias uno de sus nombres más destacados. Egresado del Instituto de Estudios Superiores de Moda en Casa de Francia, con una licenciatura en Diseño y Confección, una especialización en mezclilla y formación como diseñador gráfico, Garfias se convirtió en uno de los nombres vinculados al diseño y la moda urbana mexicana más importantes de la última década.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4cba5ec703.png" alt=""><figcaption>El estilo de Mauro Garfias x Vans (Instagram/Mauro Garfias).</figcaption></figure><p>Con una propuesta que combina la cultura streetwear con prendas de identidad propia y una mirada enfocada en la reutilización y el consumo responsable, el diseñador mexicano logró trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, además de desarrollar proyectos vinculados al mundo del fútbol y la cultura urbana.</p><h2>12crew, una firma que apuesta por la identidad</h2><p>Uno de los principales proyectos de Garfias dentro del streetwear es 12crew, una firma de construcción textil que busca crear prendas únicas y transformar la manera en la que se visten los mexicanos.</p><p>La propuesta se sostiene sobre tres pilares principales:</p><ul><li>Calidad.</li></ul><ul><li>Diseño.</li></ul><ul><li>Tendencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e8444ad0a.png" alt=""><figcaption>Mauro Garfias visitando prendas de 12crew (12crew).</figcaption></figure><p>La marca también incorpora técnicas de upcycling y reworking, con las que busca reutilizar y transformar prendas y materiales como una contrapropuesta frente al consumo masivo.</p><p>La mezclilla ocupa un lugar central dentro de su universo, acompañada por referencias del arte japonés, la cultura urbana y una búsqueda constante de piezas únicas y exclusivas.</p><h2>De México al mundo: las figuras que vistieron sus diseños</h2><p>El trabajo de Garfias también trascendió las fronteras de México y llegó a figuras reconocidas internacionalmente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Además de trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, el diseñador mexicano realizó prendas especiales y únicas para jugadores como Javier “Chicharito” Hernández, Andrés Guardado y Shaquille O&#x27;Neal.</p><p>Su trayectoria también incluye colaboraciones con referentes del hip hop y el graffiti como Aczino y Tote King, llevando su propuesta desde el streetwear mexicano hacia diferentes escenarios de la cultura urbana internacional.</p>

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El diseño mexicano bajo la mirada de Mauro Garfias

<p>No todos los atletas de parkour buscan lo mismo. Mientras algunos intentan completar un recorrido en el menor tiempo posible, otros priorizan la creatividad y la dificultad de sus movimientos, y Street Art Latam te ayuda a entender las diferencias entre las modalidades Speed y Freestyle.</p><h2>Speed: el desafío de completar el recorrido en el menor tiempo</h2><p>El speed es la modalidad competitiva del parkour en la que el objetivo principal es completar un recorrido determinado en el menor tiempo posible. Los atletas deben desplazarse por un circuito que combina diferentes obstáculos, saltos, trepadas y movimientos, buscando encontrar la manera más rápida y eficiente de llegar hasta la meta.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/cNktWBBM9AI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En esta modalidad, cada segundo puede marcar la diferencia. Por eso, además de la velocidad, resulta fundamental mantener el control del cuerpo y elegir correctamente la trayectoria para evitar errores que puedan afectar el tiempo final.</p><p>La preparación física también tiene un papel central: acelerar, frenar, saltar, trepar y cambiar rápidamente de dirección exige fuerza, coordinación, equilibrio y resistencia.</p><h2>Freestyle: cuando la creatividad se convierte en protagonista</h2><p>A diferencia del Speed, la modalidad Freestyle no tiene como objetivo principal completar un recorrido lo más rápido posible. En este caso, los atletas cuentan con mayor libertad para construir una rutina y demostrar sus capacidades técnicas y creativas.</p><p>Los movimientos, las acrobacias, las combinaciones y la dificultad de las secuencias forman parte de una presentación en la que el atleta busca diferenciarse.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6e96c493cb.png" alt=""><figcaption>Freestyle como modalidad del parkour (Squarespace).</figcaption></figure><p>La creatividad es uno de los elementos centrales. No se trata solamente de ejecutar movimientos difíciles, sino también de combinarlos de una manera fluida y construir una rutina que tenga identidad propia.</p><p>Dependiendo de la competencia, los jueces pueden valorar aspectos relacionados con la dificultad, ejecución, variedad, creatividad y composición de la rutina.</p>

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Speed y Freestyle: las dos caras del parkour que tenés que conocer

<p>El streaming argentino y latinoamericano se prepara para salir de la pantalla y encontrarse cara a cara con su comunidad con Generación, el festival que reunirá durante tres días a más de 75 figuras con shows, experiencias y contenido en vivo.</p><h2>Generación, el festival que llevará el streaming fuera de la pantalla</h2><p>Históricamente, la comunidad de creadores de contenido y streamers tuvo distintos puntos de encuentro en Argentina, desde eventos como Club Media Fest hasta propuestas como Argentina Game Show, donde algunos de los principales exponentes de las redes sociales se reunieron frente a sus comunidades.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3918400400.png" alt=""><figcaption>Alejo Igoa durante su show en el Movistar Arena de Buenos Aires (Instagram/Alejo Igoa).</figcaption></figure><p>Después de varios años, Buenos Aires volverá a ser escenario de un evento de estas características con Generación, el festival que reunirá durante tres días a streamers, creadores de contenido y artistas en BA Ferial, el predio anteriormente conocido como Costa Salguero, bajo una propuesta que busca llevar el universo digital al mundo físico, con shows, experiencias y contenidos exclusivos en vivo.</p><p>Con un formato que propone distintas maneras de vivir el festival, cada asistente podrá elegir qué creador ver, cuándo hacerlo y cómo disfrutar la experiencia, desde presentaciones individuales hasta el acceso a escenarios y jornadas completas: una especie de “Lollapalooza de streamers” con más de 45 shows y 75 creadores distribuidos durante tres jornadas.</p><p>Generación se llevará a cabo del viernes 11 al domingo 13 de diciembre y contará con la presencia de algunas de las principales figuras argentinas del streaming, como Spreen, Coscu, Ian Lucas y Goncho, además de referentes españoles como TheGrefg, Jordi Wild y Rubius, quien volverá a Argentina después de varios años.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_29f33fd276.png" alt=""><figcaption>Coker sacándose fotos con fanáticos (Argentina Game Show).</figcaption></figure><p>La programación también tendrá espacio para artistas musicales y nuevos nombres de la escena digital, con figuras como Lit Killah, Marcos Giles y Melian, entre otros.</p><h2>Los tres escenarios de Generación: qué streamers estarán en cada uno</h2><p>La propuesta de Generación estará dividida en tres escenarios, cada uno con una programación diferente y una selección de streamers, creadores y artistas.</p><ul><li>Stage Play: Alejo Igoa, Robleis, Ian Lucas, Jordi Wild, Rubius, Spreen, TheGrefg y más.</li></ul><ul><li>Stage Click: Coscu, Momo, Nilo Ojeda, Top Globales, Spreen, HiClavero, Angie Velasco, Yolo Aventuras, Lit Killah y más.</li></ul><ul><li>Stage Trend: La Gula, Mica Suárez, Kevsho, Marti Benza, Ferne con Grego, La Gambeta y más.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La distribución permitirá que cada asistente pueda armar su propia experiencia dentro del festival, eligiendo qué escenario recorrer y qué creadores quiere ver en vivo, más allá de los horarios que todavía no fueron anunciados.</p><h2>Toda la información que tenés que saber sobre Generación</h2><p>Generación se llevará a cabo del 11 al 13 de diciembre en BA Ferial, con una programación que abarcará distintas áreas vinculadas al entretenimiento digital, como streaming, gaming, comedia, lifestyle, fútbol digital y creator economy, entre otras.</p><p>https://www.streetartlatam.com/agenda/evento/generacion-festival-de-streamers-en-buenos-aires</p><p>Para todos aquellos que quieran vivir en primera persona la experiencia de Generación, podrán adquirir sus entradas a través de la página oficial del festival, con cuatro modalidades diferentes según el tipo de acceso que busquen:</p><ul><li>Show Pass: acceso a un show en particular, desde $33.000.</li></ul><ul><li>Stage Pass: acceso a un escenario completo, desde $112.500.</li></ul><ul><li>Day Pass: acceso durante una jornada completa, desde $202.500.</li></ul><ul><li>Festival Pass: acceso a los tres días del festival, desde $350.000.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El festival contará con tres escenarios —Trend, Click y Play— y diferentes zonas de activaciones, donde los asistentes podrán encontrar setups, torneos, espacios de free play y un paseo gastronómico, además de otras experiencias pensadas para llevar el universo de los creadores fuera de la pantalla.</p>

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Así será Generación, el festival que reunirá a los streamers más importantes en Buenos Aires

<p>Con una trayectoria marcada por su presencia en competencias como Red Bull Batalla, Freestyle Master Series y God Level, Marithea logró convertirse en una de las grandes referentes del freestyle colombiano y en una de las voces femeninas más importantes de Latinoamérica.</p><h2>La referente femenina que llevó el freestyle colombiano a lo más alto: Marithea</h2><p>Pensar en la escena del freestyle hispanohablante es inevitablemente pensar en nombres como Aczino, Dtoke, Chuty y otras grandes figuras que marcaron la historia de la disciplina. Sin embargo, desde hace varios años, la escena también encontró en Marithea uno de sus nombres femeninos más importantes.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_425ae0148b.png" alt=""><figcaption>Marithea improvisando en los escenarios de Red Bull Batalla (Red Bull).</figcaption></figure><p>Originaria del Valle del Cauca, la colombiana —cuyo nombre artístico surge de la combinación de “Mari”, una abreviación de su nombre, y “Thea”, que significa “diosa” en griego— se convirtió en una de las máximas referentes del freestyle en Colombia y en una de las principales abanderadas femeninas de la escena hispanohablante, junto a figuras como Azuki en México y Sara Socas en España.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/YnlSqaMHNgE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Con un recorrido por escenarios como Red Bull Batalla, Freestyle Master Series y God Level —competencias que se convirtieron en el olimpo de la escena competitiva— la colombiana consiguió codearse con algunos de los mejores exponentes de la disciplina y construir una trayectoria que la posicionó como una de las voces más importantes del freestyle competitivo en Latinoamérica.</p><h2>De las batallas de YouTube a sus primeros pasos en el freestyle</h2><p>Antes de convertirse en una referencia del freestyle colombiano y en una de las abanderadas femeninas de la escena hispanohablante, Marithea conoció el mundo de la improvisación durante su etapa en el colegio José María Vivas Balcázar en Cali.</p><p>Allí, mientras todavía era menor de edad, fue un amigo quien le mostró por primera vez las batallas de freestyle y despertó una pasión que rápidamente comenzó a ocupar un lugar importante en su vida.</p><p>A partir de entonces, la colombiana pasó horas frente a YouTube descubriendo y siguiendo diferentes enfrentamientos, hasta que un encuentro con un joven chileno terminó dándole la posibilidad de dar sus primeros pasos. El freestyler la agregó a un grupo de WhatsApp destinado a improvisar y fue allí donde Marithea comenzó a experimentar con sus propias rimas y a construir el camino que años más tarde la llevaría a los grandes escenarios.</p><h2>Marithea y una voz que abrió camino para nuevas generaciones</h2><p>La importancia de Marithea dentro del freestyle colombiano trasciende sus resultados y participaciones en las principales competencias. Su presencia como mujer en una escena históricamente dominada por hombres permitió que muchas jóvenes encontraran en ella una referencia para animarse a improvisar, competir y ocupar un lugar propio dentro de las plazas y los grandes escenarios.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bb9521a0c5.png" alt=""><figcaption>Marithea improvisando (Red Bull).</figcaption></figure><p>A su vez, su figura como mujer afrocolombiana le dio una dimensión todavía más amplia a su recorrido dentro del freestyle hispanohablante. Marithea no solo consiguió hacerse un lugar entre los nombres más importantes de la disciplina, sino que también se convirtió en una representación para quienes durante años no encontraron demasiados referentes con los que identificarse dentro de la escena.</p>

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Marithea, la voz femenina que conquistó el freestyle en Colombia

<p>Entre mudanzas, distintos barrios y una infancia atravesada por realidades completamente diferentes, Willy Bronca encontró en la música una forma de contar su historia bajo una propuesta que cruza rap, cumbia, soul, funk y crítica social.</p><h2>Willy Bronca: una infancia entre dos mundos</h2><p>Willy Bronca nació en Perú, pero apenas tres meses después llegó a Argentina junto a su familia. Hijo de un padre peruano y una madre argentina vinculada al arte, creció atravesado por diferentes culturas y realidades sociales que con el tiempo terminarían apareciendo en sus canciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27d0d7faf9.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca en pleno concierto (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure><p>Su infancia estuvo marcada además por las mudanzas. José C. Paz, Villa Crespo, San Telmo, Almagro y Once fueron algunos de los barrios donde vivió, una experiencia que le permitió conocer escenarios completamente diferentes dentro de una misma ciudad.</p><p>El propio artista ha contado que podía pasar de estar en una villa a encontrarse al día siguiente en el Sheraton, o moverse entre Varela y Belgrano. Ese contraste entre mundos se convirtió con los años en uno de los ejes de su mirada artística.</p><p>En su casa convivían influencias musicales diversas, desde la salsa y la música celta hasta canciones de Mambrú y Cheyenne. Sin embargo, fue un CD de rap cubano que recibió de su padrastro durante su infancia el que terminó de acercarlo al género que marcaría su carrera.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX-YLv9swyM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX-YLv9swyM/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A partir de entonces comenzó a descubrir artistas y grupos de Argentina, Estados Unidos, Cuba y Chile, mientras ampliaba progresivamente su universo musical.</p><h2>Del rap a la batería: la construcción de su identidad musical</h2><p>La música también apareció desde temprano en su educación. Durante su paso por la escuela tuvo un profesor que acercaba a los alumnos al rock nacional y, cuando tenía alrededor de ocho o nueve años, la cooperadora de la institución compró una batería que le permitió comenzar a estudiar el instrumento.</p><p>Con el paso del tiempo, esa curiosidad se transformó en una formación mucho más amplia. Además de cantar y rapear, Bronca incorporó la guitarra, el piano y las congas a sus herramientas como músico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_113ecb6628.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca como telonero de María Becerra en el estadio de River (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure><p>Su recorrido también estuvo atravesado por el breakdance. Durante una etapa de su vida, el artista argentino se mudó con una amiga que practicaba la disciplina y comenzó a involucrarse en ese universo, hasta formar parte de un grupo que realizaba espectáculos destinados a las infancias.</p><p>El trabajo en los escenarios y las distintas experiencias que acumuló durante esos años le permitieron adquirir herramientas y equipamiento para desarrollar su propio proyecto musical.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/EhUZK8NScrE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En paralelo, durante varios años trabajó en subtes y colectivos mientras comenzaba a darle forma a su carrera artística. Sus primeros registros musicales comenzaron a aparecer en plataformas digitales hacia fines de la década de 2010, con “Angela”, junto a Noah Selene, como uno de sus primeros registros disponibles en YouTube.</p><h2>Una banda de diez músicos para mezclar rap, cumbia, funk y soul</h2><p>Con el tiempo, Willy Bronca terminó de construir una propuesta que va mucho más allá del rap tradicional. Su proyecto incorpora elementos de cumbia, funk carioca, funk, soul, trap y otros géneros para formar un sonido atravesado por sus diferentes influencias.</p><p>Un recorrido que lo llevó a compartir escenarios con algunos de los nombres más importantes de la música. Entre sus presentaciones aparece un show junto a Manu Chao en Obras, además de una actuación junto a Divididos en el Estadio de Argentinos Juniors y ser telonero de María Becerra en el estadio de River Plate ante más de 85.000 personas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c6ad48a425.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca, el multiinstrumentista que mezcla rap, barrio y crítica social (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure><p>A su vez, Bronca tuvo la posibilidad de trabajar junto a León Gieco en una nueva versión de “<em>Amor y Soledad</em>”, sumando otra colaboración de peso a un recorrido que comenzó lejos de los grandes escenarios.</p><h2>Música, barrio y crítica social: el mensaje detrás de Willy Bronca</h2><p>Más allá de la variedad de géneros que atraviesan su propuesta, la música de Willy Bronca tiene un eje que se repite: la mirada sobre las desigualdades, la realidad social y los contrastes que atravesaron su propia vida.</p><p>Su historia familiar y los diferentes barrios en los que creció funcionan como parte de esa construcción. El contraste entre las experiencias de su padre, inmigrante peruano en Argentina, y su madre, artista del Conurbano y descendiente de alemanes, también aparece como parte de la identidad que construyó.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/45WhM2KFYN4" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Esa mirada se traslada directamente a sus canciones. En temas como “<em>No hay plata</em>” y “<em>No la ven</em>”, el artista aborda cuestiones relacionadas con la crisis económica, el individualismo y las tensiones de la sociedad contemporánea.</p><p>Así, su propuesta termina funcionando como una combinación de las distintas partes que forman su historia: el rap que descubrió durante su infancia, los instrumentos que aprendió a tocar, los barrios que recorrió y las diferencias sociales que conoció de primera mano.</p><p>De esa mezcla nació un artista que encontró en la música una manera de transformar sus experiencias en canciones y llevarlas desde los escenarios barriales hasta compartir cartel con algunas de las principales figuras de la escena musical.</p>

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Willy Bronca, el multiinstrumentista que mezcla rap, barrio y crítica social

<p>Meses después de sorprender al mundo con sus imágenes junto al Sol y la Luna, Danny León volvió a combinar skate y astronomía para protagonizar una toma única durante el eclipse solar total en España.</p><h2>Skate y astronomía: la imagen de Danny León que recorre el mundo</h2><p>A meses de su icónica fotografía patinando con la Luna de fondo, una imagen que rápidamente captó la atención de la escena urbana y las redes sociales, Danny León volvió a dejar su huella con una producción que parece salida de una película.</p><p>El skater madrileño protagonizó una escena única al sincronizar un salto sobre un half pipe con el instante exacto de la totalidad del eclipse solar que pudo observarse en España.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El resultado fue una silueta de León suspendida en el aire mientras la Luna ocultaba por completo al Sol.</p><p>La imagen no tardó en convertirse en un fenómeno en redes sociales. Publicada en el perfil de Instagram del skater español, la producción ya superó las 110 millones de reproducciones y los 11 millones de me gusta, consolidándose como una de las postales deportivas del año.</p><p>El proyecto fue ideado durante meses por León junto al filmmaker Gonzalo González de Vega y el fotógrafo José Ángel Izquierdo, con la participación de otros integrantes del equipo audiovisual. La producción se realizó en Novales, en una finca particular de Huesca, donde se instaló una rampa modulable calculada específicamente para que la altura del salto coincidiera con la posición del Sol vista desde la cámara.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b350af9970.png" alt=""><figcaption>Danny León patinando con la Luna de fondo (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>La dificultad no estaba solamente en ejecutar el truco. Las fotografías y videos fueron registrados desde aproximadamente 400 y 600 metros de distancia, utilizando teleobjetivos para conseguir que Danny, su tabla y el eclipse aparecieran en un mismo plano. Además, el momento de totalidad ofrecía un margen de apenas unos segundos para conseguir la toma perfecta.</p><p>Y esta no fue una imagen aislada: el eclipse cerró una trilogía visual en la que León llevó el skate a convivir con tres protagonistas de la astronomía. Primero fue el Sol, después la Luna y finalmente un eclipse total, completando una serie de producciones que combinan skateboarding, naturaleza y fotografía.</p><h2>¿Quién es Danny León, el skater que patinó en pleno eclipse en España?</h2><p>Aunque esta histórica imagen volvió a llevar su nombre a las redes de todo el mundo, Danny León no es un skater más. Nacido en Móstoles en el año 1994, el español construyó una carrera de más de dos décadas y se convirtió en uno de los principales referentes del skateboarding español.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_01493f6538.png" alt=""><figcaption>Danny León en la última edición del Marisquiño (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>Su trayectoria también lo llevó a representar a España en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 y París 2024, donde compitió en la modalidad de park, terminó en la novena posición y obtuvo diploma olímpico.</p><p>Ahora, con una imagen que combina precisión deportiva, fotografía y astronomía, León vuelve a demostrar porqué es uno de los nombres más reconocidos del skate español y por qué sus proyectos trascienden las pistas para convertirse en auténticos fenómenos visuales.</p>

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El salto de Danny León durante el eclipse que sorprendió al mundo

<p>El streetwear y el streaming vuelven a cruzarse en TWM by Goncho Banzas, la nueva cápsula creada por King of the Kongo junto al streamer argentino que toma al potrero argentino como inspiración.</p><h2>TWM by Goncho Banzas, la cápsula de Goncho x King of the Kongo</h2><p>Dos referentes de la escena argentina unen sus universos en “TWM by Goncho Banzas”, la cápsula que reúne a King of the Kongo, uno de los nombres con mayor trayectoria del streetwear nacional, y al streamer argentino.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dbb7VBzBhvI/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dbb7VBzBhvI/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La colección toma como punto de partida la identidad de TWM Football Club, una institución ficticia inspirada en la estética de los clásicos clubes ingleses y atravesada por la esencia del potrero argentino. La propuesta recupera la idea de un equipo que “<em>nunca jugó en grandes estadios</em>”, sino que construyó su historia en potreros olvidados, con pasión, herencia barrial y una “elegancia rota”.</p><p>Disponible a través del sitio web de King of the Kongo y sus locales, la cápsula está compuesta por nueve piezas que combinan prendas deportivas, básicos de streetwear y accesorios, con una paleta dominada por el marrón, negro y blanco.</p><ul><li>Buzo Crew: hoodie oversize confeccionado en rústico pesado.</li></ul><ul><li>Remera TWM Black: remera oversize de jersey de algodón negro.</li></ul><ul><li>Camiseta Dark League: camiseta confeccionada en tejido deportivo.</li></ul><ul><li>Suéter Worst: pieza marrón oversize confeccionada en tejido de punto liso.</li></ul><ul><li>Jean End: jean de calce relajado en denim washed black, con procesos de soft color fade y stone wash.</li></ul><ul><li>Campera Crest: campera oversize con capucha, confeccionada en gabardina pesada con efecto degradé.</li></ul><ul><li>Polo Insignia: polo de rústico con un diseño de rayas sutiles.</li></ul><ul><li>Remera TWM OFW: remera oversize confeccionada en jersey de algodón.</li></ul><ul><li>TWM Bag: bolso confeccionado en cuero de microfibra de alta durabilidad.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1caabe758c.png" alt=""><figcaption>TWM by Goncho Banzas, la nueva cápsula de King of the Kongo (King of the Kongo).</figcaption></figure><p>Uno de los elementos que atraviesa toda la colección es el logo TWM, sigla de The Worst Moment, un concepto ligado a la identidad de Goncho Banzas desde sus comienzos en el streaming, cuando utilizaba el nombre Goncho TWM. A esto se suman las inscripciones y elementos gráficos propios de King of the Kongo, que terminan de unir ambos universos.</p><p>Los precios de las piezas van desde $89.990 hasta $219.990 pesos argentinos, dependiendo del producto elegido.</p><h2>¿Quién es Goncho Banzas, el protagonista de la cápsula de King of the Kongo?</h2><p>Más allá de ser el protagonista de la nueva cápsula de King of the Kongo, Gonzalo Banzas, conocido en redes sociales bajo el seudónimo de Goncho, es uno de los pilares del streaming argentino desde hace más de una década.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cf9a8121a.png" alt=""><figcaption>Goncho Banzas, la cara detrás de la nueva cápsula de King of the Kongo (King of the Kongo).</figcaption></figure><p>Exjugador profesional de Counter-Strike, Goncho construyó una comunidad en plataformas como YouTube, Kick y Twitch a través de contenidos que van desde charlas, anécdotas y viajes hasta gameplays de videojuegos como Counter-Strike, Valorant y Fortnite.</p><p>Su recorrido dentro del streaming terminó convirtiendo a TWM en una parte fundamental de su identidad digital y, ahora, también en el concepto central de su primera cápsula junto a King of the Kongo.</p>

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Goncho x King of the Kongo: la cápsula que fusiona streetwear y streaming

<p>Cada 11 de agosto, la cultura hip hop vuelve a celebrar sus raíces: una fiesta en el Bronx que sentó las bases de un movimiento que conquistó el mundo.</p><h2>¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?</h2><p>El 11 de agosto no es un día común y corriente dentro de la cultura hip hop.</p><p>Y no es por el nacimiento de un emblema de la talla de Tupac o The Notorious B.I.G., ni por el lanzamiento de un disco que marcó un antes y un después, sino por una fiesta organizada en el Bronx.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0e4b889424.png" alt=""><figcaption>DJ Kool Herc, uno de los emblemas del hip hop a nivel mundial (Getty Images).</figcaption></figure><p>El 11 de agosto de 1973, Cindy Campbell organizó una fiesta en el Bronx (1520 Sedgwick Avenue), condado estadounidense del estado de Nueva York, junto a su hermano Clive Campbell, más conocido como DJ Kool Herc, quien estuvo a cargo de la música. Aquel encuentro, que con el paso de los años sería considerado como uno de los momentos fundacionales del hip hop, sentó las bases de una cultura que terminaría expandiéndose por todo el mundo.</p><h2>Los cuatro pilares que construyen la cultura hip hop</h2><p>Luego de aquella fiesta, el hip hop comenzó a crecer a pasos agigantados y a expandirse por Estados Unidos hasta convertirse en un fenómeno global.</p><p>Al mismo tiempo, la cultura fue construyendo su identidad alrededor de cuatro elementos fundamentales:</p><ul><li>DJing: el trabajo de los DJs, desde la selección y mezcla de canciones hasta la creación de breaks y bases que se convirtieron en el corazón musical de las primeras fiestas de hip hop.</li></ul><ul><li>MCing o rap: la voz de la cultura. A través de rimas, improvisaciones y letras, los MCs comenzaron a narrar sus experiencias, expresar ideas y animar las fiestas.</li></ul><ul><li>Breaking: la expresión corporal del movimiento. Los breakers llevaron el baile a las calles y desarrollaron un lenguaje propio basado en movimientos, acrobacias y creatividad.</li></ul><ul><li>Graffiti: la dimensión visual del hip hop. Los artistas comenzaron a intervenir muros, trenes y distintos espacios urbanos para construir una identidad gráfica que terminó convirtiéndose en una de las expresiones más reconocibles de la cultura.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9cee71d404.png" alt=""><figcaption>Graffiti como elemento clave de la cultura hip hop (Kevin Woblick).</figcaption></figure><p>Con el paso del tiempo, estos cuatro elementos dejaron de funcionar únicamente como expresiones independientes y comenzaron a convivir dentro de un mismo movimiento. Así, el hip hop trascendió la música para convertirse en una cultura capaz de influir en el arte urbano, el baile, la moda y la identidad de distintas generaciones alrededor del mundo.</p><h2>De una fiesta en el Bronx a una cultura que conquistó el mundo</h2><p>Lo que comenzó como una fiesta en un barrio de Nueva York terminó convirtiéndose en el punto de partida de una de las culturas más influyentes de los últimos 50 años.</p><p>El hip hop encontró en las calles un espacio para expresarse y, a través de sus distintos pilares, construyó una identidad que rápidamente superó las fronteras del Bronx.</p><p>Desde las rimas y los beats hasta los murales y las batallas de breaking, aquella cultura nacida en el corazón de Nueva York encontró nuevas formas de expresarse en cada rincón del planeta. Por eso, cada 11 de agosto, el mundo vuelve la mirada hacia aquel momento que marcó el comienzo de una historia que todavía continúa escribiéndose.</p>

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¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?

<p>Tres amigos colombianos, un chasquido de dedos y algunas de las canciones más emblemáticas de Latinoamérica fueron suficientes para conquistar TikTok: así nació SonKapellah, uno de los fenómenos virales musicales más curiosos del momento.</p><h2>¿Quiénes son SonKapellah, los colombianos que se volvieron virales cantando en la calle?</h2><p>Seguramente en las últimas semanas, mientras recorrías TikTok, te cruzaste con tres adolescentes colombianos interpretando clásicos de la música latinoamericana en plena calle.</p><p>Sin instrumentos, sin grandes producciones y con una fórmula tan simple como efectiva, el trío SonKapellah se convirtió en uno de los fenómenos musicales más curiosos de las redes sociales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@sonkapp/video/7643193490008018196" data-video-id="7643193490008018196" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@sonkapp/video/7643193490008018196" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Integrado por Javier, Jesús y Juan, el grupo encontró una identidad propia a través de interpretaciones a capela donde uno de ellos marca el ritmo con un constante chasquido de dedos, mientras los tres unen sus voces para dar nueva vida a algunas de las canciones más emblemáticas de la música en español. En muchas ocasiones, incluso sosteniendo un teléfono celular desde el que leen la letra, los jóvenes colombianos lograron transformar la espontaneidad en su sello característico.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/los-imitadores-peruanos-de-ca7riel-and-paco-amoroso-que-son-furor-en-redes/1000207"><u><em>Los imitadores peruanos de Ca7riel &amp; Paco Amoroso que son furor en redes</em></u></a></p><p>Con más de 400 mil seguidores en TikTok y más de 13 millones de likes acumulados, SonKapellah convirtió una propuesta sencilla en un verdadero fenómeno viral, cosechando millones de reproducciones en publicaciones que reúnen a amantes de distintos géneros y generaciones.</p><ul><li>&quot;El Día de Mi Suerte&quot; – Héctor Lavoe</li></ul><ul><li>&quot;Oh, qué será?&quot; – Willie Colón</li></ul><ul><li>&quot;Un millón de primaveras&quot; – Vicente Fernández</li></ul><ul><li>&quot;Un verano en Nueva York&quot; – El Gran Combo de Puerto Rico</li></ul><ul><li>&quot;Decisiones&quot; – Rubén Blades</li></ul><ul><li>&quot;Calle Luna, Calle Sol&quot; – Héctor Lavoe</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@sonkapp/video/7609389173362920724" data-video-id="7609389173362920724" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@sonkapp/video/7609389173362920724" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>La elección de este repertorio también explica buena parte de su éxito. Lejos de apostar únicamente por canciones virales o tendencias pasajeras, los jóvenes colombianos recuperan himnos de la salsa, la música regional y otros géneros tradicionales, acercándolos a una nueva generación de usuarios que descubre estas piezas a través de las redes sociales.</p><p>En una plataforma dominada por efectos, ediciones rápidas y producciones cada vez más elaboradas, SonKapellah encontró un camino diferente: tres amigos, sus voces, un ritmo marcado con los dedos y un teléfono celular fueron suficientes para construir una comunidad que sigue creciendo y que demuestra que, muchas veces, las ideas más simples son las que logran dejar una mayor huella en internet.</p>

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El trío colombiano que conquista TikTok cantando clásicos latinoamericanos a capela

<p>Dentro del streetwear latinoamericano hay nombres que encontraron su lugar lejos de las pasarelas tradicionales, y uno de ellos es Kiko Báez, el creativo mexicano que transformó sus chaquetas personalizadas en piezas elegidas por algunas de las mayores estrellas de la música y el deporte.</p><h2>Kiko Báez, el diseñador mexicano que llevó sus chaquetas a los mayores escenarios de la música latina</h2><p>Dentro del mundo de la moda conviven creativos de todos los estilos: desde quienes impulsan la moda sustentable hasta aquellos que encuentran en la alta costura, el cuero o la sastrería su principal sello de identidad. Y es en México donde aparece uno de los nombres que logró construir una huella propia dentro del streetwear latinoamericano: Kiko Báez.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c344da2762.png" alt=""><figcaption>Kiko Báez en el Street Fever (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><p>Oriundo de Tijuana, Baja California, y director creativo de la firma familiar Exclusivos Báez, el diseñador mexicano se convirtió en uno de los grandes referentes de la moda urbana gracias a sus piezas completamente personalizadas.</p><p>A través de un trabajo centrado principalmente en la creación de chaquetas confeccionadas a medida, el mexicano vistió figuras de la música regional mexicana como Christian Nodal, Natanael Cano, Eduin Caz o Banda MS, así como también a grandes exponentes de la música urbana latina como Maluma, Daddy Yankee, Wisin y Yandel, J Balvin, Karol G, Feid e incluso el rapero estadounidense Offset.</p><h2>El sello creativo que distingue a Kiko Báez: chaquetas personalizadas</h2><p>Con un sello basado en prendas uno de uno, diseñadas exclusivamente para cada cliente, Kiko Báez logró construir una identidad donde cada pieza busca representar la historia, la personalidad o un momento especial del artista.</p><p>Sus chaquetas suelen aparecer en conciertos, giras internacionales, videoclips, homenajes, aniversarios, entregas de premios y presentaciones de gran magnitud, convirtiéndose en parte del espectáculo tanto como la música.</p><ul><li>Canelo Álvarez</li></ul><ul><li>Maluma</li></ul><ul><li>Grupo Frontera</li></ul><ul><li>Cris MJ</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Omar Courtz</li></ul><ul><li>Wisin y Yandel</li></ul><ul><li>J Balvin</li></ul><ul><li>Karol G</li></ul><ul><li>Feid</li></ul><ul><li>Christian Nodal</li></ul><ul><li>Natanael Cano</li></ul><ul><li>Eduin Caz</li></ul><ul><li>Banda MS</li></ul><ul><li>Offset</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7a5be7e6e.png" alt=""><figcaption>Omar Courtz vistiendo una chaqueta personalizada por Kiko Báez durante uno de sus shows (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><h2>El diseño para Canelo Álvarez que cambió su carrera</h2><p>Uno de los momentos que marcó un antes y un después en su carrera llegó gracias al boxeador Saúl &quot;Canelo&quot; Álvarez. A través de un amigo en común, el diseñador consiguió entregarle una chaqueta confeccionada especialmente para celebrar la conquista del campeonato indiscutido del mexicano.</p><p>Aunque el boxeador ya tenía preparado el vestuario para la conferencia de prensa posterior al combate, que era un trabajo de la firma Dolce &amp; Gabbana, decidió cambiarse a último momento para lucir el diseño de Kiko Báez frente a los medios, una escena que impulsó definitivamente la carrera del creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424" data-video-id="7566507427361754424" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424?lang=es&amp;q=canelo%20alvarezz%20indesputed%20jacket&amp;t=1785352047884" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde entonces, sus piezas comenzaron a multiplicarse en algunos de los escenarios más importantes de la música latina. Entre ellas destacan la chaqueta utilizada por J Balvin durante la participación de Bad Bunny en México en el marco de “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour” y el diseño confeccionado para Natanael Cano durante su presentación en Coachella, uno de los festivales musicales más importantes del mundo.</p><p>Más allá de las celebridades que visten sus diseños, Kiko Báez representa el crecimiento del diseño mexicano dentro de la moda urbana contemporánea. Con piezas completamente personalizadas y un trabajo artesanal que prioriza la exclusividad, el creativo de Tijuana logró que sus chaquetas dejaran de ser una simple prenda para convertirse en una extensión de la identidad de algunos de los artistas más importantes del panorama latinoamericano.</p>

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El diseñador mexicano que conquistó los escenarios de J Balvin, Feid y Maluma

<p>Consolidado como una de las grandes figuras del rap latinoamericano, Trueno continúa ampliando su influencia fuera de la industria musical. Y en esta oportunidad, el artista argentino presentó una colaboración junto a la histórica marca británica KANGOL, con la que lanzó una edición especial del clásico Bermuda Casual, uno de los pilusos más emblemáticos del streetwear a nivel mundial.</p><h2>Trueno da su primer gran paso en el streetwear junto a KANGOL</h2><p>Desde hace ya varios años, Trueno dejó de ser únicamente uno de los grandes referentes del rap argentino para también convertirse en una de las principales figuras de la moda urbana latinoamericana. Entre colaboraciones con marcas, campañas y una identidad estética cada vez más marcada, el artista sumó un nuevo capítulo a ese recorrido de la mano de la histórica firma británica KANGOL.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbK-h_SjxeI/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbK-h_SjxeI/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Así como otros artistas argentinos como Duki, Paulo Londra o Bizarrap comenzaron a construir su propio camino dentro del universo de la moda, el rapero bonaerense dio uno de sus pasos más importantes en la industria del streetwear con una colaboración oficial junto a la reconocida marca nacida en el Reino Unido.</p><p>Y es que Trueno presentó, junto a KANGOL, una edición especial del clásico Bermuda Casual, uno de los pilusos más emblemáticos de la firma. La pieza luce una construcción completamente negra con textura tipo toalla e incorpora, en lados opuestos, el tradicional canguro de KANGOL y un logotipo exclusivo inspirado en la identidad visual del artista argentino.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1cd5054411.png" alt=""><figcaption>Trueno x KANGOL (KANGOL).</figcaption></figure><p>La colaboración fue anunciada inicialmente para el mercado japonés, donde se comercializará de forma exclusiva en esta primera etapa. Sin embargo, no se descarta que en los próximos meses también pueda llegar a otros mercados internacionales, incluyendo Argentina y distintos países de Latinoamérica, ampliando así el alcance de una de las colaboraciones más importantes en la carrera de Trueno dentro del universo del streetwear.</p>

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Así es el exclusivo piluso que Trueno lanzó junto a KANGOL

<p>La música latinoamericana volvió a conquistar la ciudad de Nueva York durante una nueva edición del Latin Alternative Music Conference (LAMC), uno de los encuentros más importantes de la escena independiente y alternativa en español.</p><p>En esta oportunidad, Trueno y Milo J fueron los encargados del show de clausura, donde llevaron el sonido urbano argentino al SummerStage de Central Park.</p><h2>Trueno y Milo J, la huella urbana argentina en el LAMC</h2><p>La música latinoamericana conquistó la ciudad de Nueva York en el marco de una nueva edición del Latin Alternative Music Conference (LAMC), uno de los encuentros más importantes de la música latina independiente y alternativa en español. Celebrado cada año en la ciudad estadounidense desde hace más de 25 años, el evento reúne a artistas, sellos discográficos y distintos profesionales de la industria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ae9a63028b.png" alt=""><figcaption>Milo J arriba del SummerStage de Central Park (Billboard).</figcaption></figure><p>En esta edición, Trueno y Milo J, dos de los grandes referentes del movimiento urbano argentino y latinoamericano, fueron los encargados del show de clausura en el SummerStage de Central Park, uno de los escenarios más emblemáticos de Nueva York, donde ambos artistas combinaron la energía del hip-hop con distintas raíces y sonidos tradicionales de Sudamérica.</p><p>Milo J, vestido con pantalones marrones y un chaleco colorido de inspiración folclórica, presentó canciones de “<em>La Vida Era Más Corta</em>”, entre ellas “<em>Recordé</em>” y “<em>Solifican12</em>”, acompañado por una banda con flauta, charango y percusión. Una presentación atravesada sonidos vinculados a la chacarera, el chamamé, la samba y la murga, en una propuesta que puso sus raíces en el centro de uno de los escenarios más importantes de la ciudad.</p><p>Por su parte, Trueno ingresó al escenario ondeando una bandera argentina y llevó al SummerStage algunas de las canciones de “<em>TURR4ZO</em>”, su más reciente álbum. El rapero oriundo de La Boca volvió a mostrar su conexión con el hip-hop y, además, compartió escenario con Milo J para interpretar “<em>Pumas</em>”, una colaboración entre ambos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DbivcRftC-f/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DbivcRftC-f/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La participación de los dos artistas argentinos en el cierre del Latin Alternative Music Conference volvió a demostrar la dimensión internacional que alcanzaron sus carreras y la fuerza con la que la música urbana argentina continúa expandiéndose dentro de la industria latinoamericana y global.</p><h2>Big Soto, Luck Ra y más: la representación latinoamericana del LAMC</h2><p>Más allá del protagonismo de Trueno y Milo J, la música latinoamericana tuvo una presencia amplia durante la jornada, con artistas de distintas generaciones, estilos y países que formaron parte de la programación del evento.</p><ul><li>J Noa</li></ul><ul><li>Julieta Venegas</li></ul><ul><li>Big Soto</li></ul><ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Guaynaa</li></ul><ul><li>Micro TDH</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a249b343a7.png" alt=""><figcaption>La huella del venezolano Micro TDH en el Latin Alternative Music Conference en Nueva York (Latin Alternative Music Conference).</figcaption></figure><p>De esta manera, el Latin Alternative Music Conference volvió a funcionar como un punto de encuentro para la escena musical latinoamericana, conectando artistas, sonidos y propuestas provenientes de distintos rincones de la región con una de las ciudades más importantes de la industria musical mundial.</p>

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Trueno y Milo J conquistaron Nueva York con el cierre del LAMC

<p>Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.</p><h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2><p>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.</p><p>Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.</p><h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2><p>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1000079"><u><em>La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</em></u></a></p><h2>La huella internacional de Ledania</h2><p>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2><p>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.</p><p>Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.</p>

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Ledania, la embajadora colombiana del color en el arte urbano

<p>La nueva generación de la música urbana puertorriqueña sigue sumando protagonistas, y entre ellos aparece Fanta Rosario, un artista que ya empieza a destacar por su sonido, su imagen y un universo creativo diferente.</p><h2>De la estética al sonido: las claves detrás del crecimiento de Fanta Rosario</h2><p>Hablar de Puerto Rico es hablar de una de las grandes cunas de la música urbana a nivel mundial. La isla vio nacer a referentes históricos como Daddy Yankee y Don Omar, y con el paso de los años continuó alimentando la escena con figuras de la talla de Bad Bunny, Anuel AA y Arcángel y, más recientemente, con una nueva generación integrada por artistas como Dei V, Omar Courtz o De La Rose que comenzó a tomar la posta, demostrando que el talento puertorriqueño continúa renovándose año tras año.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_515e82c06a.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario, la nueva joya del género urbano en Puerto Rico (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure><p>En ese contexto aparece Fanta Rosario, uno de los nombres que poco a poco empieza a hacerse un lugar dentro de la nueva ola urbana de la isla. Con una propuesta que combina trap, reguetón y otros sonidos urbanos, el artista logró construir una identidad reconocible tanto desde lo musical como desde lo visual, convirtiéndose en una de las apariciones más interesantes de la escena puertorriqueña.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/de-la-rose-en-la-cima-descubrila/1145</p><h2>Gorras planas, lentes Y2K y una estética que no pasa desapercibida: la estética de Fanta Rosario</h2><p>Gran parte de esa identidad también pasa por su estética. Gorra plana llevada de costado, polos y jerseys, lentes inspirados en la moda de los años 2000, un rosario como sello distintivo y una actitud desenfadada forman parte de una imagen que se traslada a sus videoclips. Allí predominan los colores saturados, las composiciones poco convencionales y una estética inspirada en el internet de comienzos de siglo, construyendo un universo creativo que acompaña a la perfección el sonido de sus canciones.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rwNNcDEVnIU" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p>Ese estilo ya quedó plasmado en temas como "<i>Si Me Hiciera El de la Lengua</i>", "<i>ADM</i>", "<i>Dicen</i>", "<i>GUAO</i>" y "<i>No Te Kashi</i>", canciones que acumulan millones de reproducciones y que ayudaron a posicionarlo entre las nuevas figuras del movimiento. A eso se suma el respaldo de artistas ya consolidados como Jon Z, Bryant Myers, Arcángel, Bad Bunny e incluso el argentino Bizarrap, quienes en distintas oportunidades mostraron apoyo hacia su proyecto.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_62cea13a87.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario junto a Jon Z y Luar La L (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure><p>&nbsp;</p><h2>Fanta Rosario como el futuro de la música urbana puertorriqueña</h2><p>Con más de un millón de oyentes mensuales en Spotify, colaboraciones cada vez más importantes y una identidad artística que se distingue desde el primer vistazo, Fanta Rosario aparece como uno de los nombres llamados a protagonizar el futuro de la música urbana puertorriqueña, confirmando que la isla continúa siendo una fábrica inagotable de nuevos talentos.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/la-marca-de-gorras-que-eligieron-duki-little-boogie-y-el-kun-agueero/1000279</p>

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¿Quién es Fanta Rosario, una de las nuevas joyas de la música urbana de Puerto Rico?

<p>La sexta edición de La Velada del Año no solo contará con una cartelera repleta de creadores de contenido, sino también con una transmisión encabezada por algunas de las voces más reconocidas del mundo digital, y Argentina y México aportarán dos figuras de peso a la mesa de comentaristas: Momo y Quackity.</p><h2>Las nuevas voces de La Velada del Año VI: Momo y Quackity</h2><p>Con el correr de las ediciones, La Velada del Año dejó de ser un simple evento para convertirse en una megaproducción hasta consolidarse como uno de los mayores espectáculos del mundo digital: alfombra roja, invitados de lujo tanto nacionales como internacionales, cámaras de última generación, combates protagonizados por estrellas de las redes y shows musicales de la talla de un festival de primer nivel.</p><p>Y dentro de toda esa producción, hay un ingrediente que edición tras edición también ganó protagonismo: los comentaristas encargados de narrar cada combate.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baf49e85de.png" alt=""><figcaption>Ibai Llanos, Luzu, Reven y compañía: la mesa de comentarista habitual de La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>Y, a poco menos de dos semanas de que el Estadio La Cartuja se convierta en la casa de La Velada del Año VI, Ibai Llanos confirmó quiénes formarán parte de la mesa de comentaristas de esta edición, que volverá a reunir a algunas de las figuras más reconocidas del streaming hispanohablante, combinando nombres históricos del evento con nuevas incorporaciones que buscarán ponerle su sello a cada uno de los combates.</p><p>La mesa de comentaristas de La Velada del Año VI combinará experiencia con nuevas incorporaciones. Mientras que Ibai Llanos, Luzu, Reven y Jaime Ugarte volverán a repetir presencia tras participar en ediciones anteriores, el argentino Momo y el mexicano Quackity se estrenarán como las principales novedades del equipo encargado de narrar los combates desde el Estadio La Cartuja.</p><h2>Momo, del ring a la mesa de comentaristas</h2><p>No hay dudas de que Momo se convirtió en una de las grandes referencias del streaming argentino. Considerado como uno de los pioneros de la creación de contenido en vivo dentro del país, el creador construyó una comunidad de millones de seguidores a través de plataformas como Twitch y YouTube, donde combina transmisiones de videojuegos, charlas, reacciones y contenido vinculado al deporte, consolidándose como una de las caras más reconocidas del ecosistema digital nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce0a044f0b.png" alt=""><figcaption>Momo saliendo al cuadrilátero en el Párense de Manos (Instagram/Momo).</figcaption></figure><p>Su vínculo con el boxeo influencer tampoco es nuevo. El argentino fue uno de los protagonistas de la segunda edición de La Velada del Año, donde se subió al ring para enfrentar al español Viruzz, combate en el que cayó por decisión unánime.</p><p>Además, también integró la cartelera de Párense de Manos, el evento de boxeo influencer realizado en Argentina, experiencia que lo convierte en una de las voces con mayor conocimiento de este tipo de espectáculos y explica su incorporación como uno de los nuevos comentaristas de La Velada del Año VI.</p><h2>Quackity, la gran apuesta mexicana para la transmisión</h2><p>Desde México, un país con una histórica tradición dentro del boxeo, llega otra de las grandes novedades de la mesa de comentaristas: Quackity. Considerado como uno de los creadores de contenido más populares del mundo hispanohablante, el mexicano construyó una comunidad de millones de seguidores gracias a sus transmisiones de videojuegos, contenido de humor y proyectos que trascendieron las fronteras de Latinoamérica, alcanzando también una enorme repercusión en Estados Unidos y el público angloparlante.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cd191b2e12.png" alt=""><figcaption>Quackity, la huella mexicana en la mesa de comentaristas de La Velada del Año VI (Pinterest).</figcaption></figure><p>Su incorporación no solo suma una de las figuras más influyentes del streaming internacional, sino que también refuerza la presencia latinoamericana dentro de la transmisión de La Velada del Año VI. Junto al argentino Momo, Quackity aportará una mirada distinta a una mesa de comentaristas que combinará la experiencia de nombres históricos como Ibai Llanos, Luzu, Reven y Jaime Ugarte con dos de las personalidades digitales más importantes de la región.</p>

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¿Quiénes serán los comentaristas latinoamericanos de La Velada del Año VI?

<p>Óscar Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más reconocidos de Latinoamérica gracias a un estilo completamente fuera de lo convencional: crear murales utilizando tapitas de botellas recicladas.</p><h2>Óscar Olivares, el venezolano que transformó el reciclaje en arte</h2><p>Dentro de la escena del arte urbano latinoamericano existen artistas que, con el paso del tiempo, terminan especializándose en un tipo de obra capaz de marcar su estilo y distinguirlos del resto. Desde Mode Orozco, el muralista mexicano que inmortaliza a ídolos del deporte latinoamericano, pasando por Luis Morales, el artista peruano vinculado a la cultura pop y la figura del león, hasta decenas de casos más repartidos a lo largo y ancho del continente que han logrado adueñarse de un estilo y convertirlo en propio, distinguiéndose y marcando tendencia por sobre el resto.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d01d8d64e8.png" alt=""><figcaption>El arte de Óscar Olivares en acción (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Y en Venezuela existe un artista que logró marcar tendencia con una manera de crear arte completamente fuera de lo convencional, dejando de lado la pintura tradicional para transformar residuos plásticos en auténticas obras monumentales.</p><p>Ese es el caso de Óscar Olivares, el venezolano que conquistó el mundo a través de intervenciones creadas con tapitas de botellas recicladas.</p><p>Nacido en Caracas, Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más populares del territorio venezolano gracias a un estilo marcado por la creación de murales y obras utilizando tapas plásticas como principal herramienta artística. Con huella en más de veinte países, el venezolano realizó intervenciones en gran parte de Venezuela y también en destinos internacionales de la talla de Miami, Houston, Denver, Madrid, Santo Domingo y Kuala Lumpur, construyendo una propuesta artística que logró trascender fronteras gracias a la combinación entre muralismo y reciclaje.</p><p>Con un vínculo relacionado al arte desde la adolescencia —cuando con apenas 14 años comenzó a dibujar a figuras del fútbol venezolano—, el caraqueño fue construyendo una carrera que no solo lo posicionó como un emblema del arte urbano en Venezuela, sino también como uno de los máximos exponentes del muralismo ecológico a nivel continental. A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones locales e internacionales, recibió distintos reconocimientos y dejó murales tanto en Venezuela como en Estados Unidos, donde incluso cuenta con una obra en Hollywood considerada como el primer mural venezolano de la zona.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3d0a47cae.png" alt=""><figcaption>Óscar Olivares y la Gioconda latinoamericana, una de sus obras más reconocidas (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Con el correr de los años, el venezolano terminó ampliando un currículum artístico que hoy lo tiene convertido en uno de los grandes referentes internacionales del arte con material reciclado, llevando su sello basado en tapitas de botellas a distintos rincones del planeta y fusionando muralismo, conciencia ecológica y participación comunitaria en una misma obra.</p><h2>El olimpo artístico de Óscar Olivares</h2><p>Todo artista cuenta con una especie de Olimpo de obras seleccionadas, no solo por haber marcado un antes y un después dentro de su carrera, sino también por la relevancia, la magnitud y el impacto que alcanzaron dentro de su currículum artístico. Y, por supuesto, Óscar Olivares también posee dicha sección dentro de su repertorio creativo.</p><ul><li>L’Italia a casa nostra: mural realizado con más de 180.000 tapas de botellas recicladas en la Casa D’Italia de Maracaibo, Venezuela, inspirado en la arquitectura italiana del Coliseo y en esculturas emblemáticas como La Piedad y el David de Miguel Ángel.</li></ul><ul><li><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-nueva-gioconda-hecha-con-100-000-tapas-en-el-salvador/1796"><u>La Gioconda latinoamericana</u></a>: obra creada utilizando más de 100.000 tapas de plástico recicladas en el barrio de Zacamil, El Salvador, que representa a una mujer de rasgos latinos, cabello negro, vestido colorido, pendientes dorados y una mirada penetrante que remite a la icónica expresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.</li></ul><ul><li>Noche estrellada de Plástico: pieza artística realizada con 1.500 tapas recicladas y expuesta en el Carrousel du Louvre de París, reinterpretando la clásica obra de Vincent van Gogh desde una mirada ecológica y contemporánea.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ded3aa8e8.png" alt=""><figcaption>Noche estrellada de Plástico de Óscar Olivares (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Más allá de la magnitud visual de cada mural, el trabajo del venezolano logró convertir residuos cotidianos en obras capaces de recorrer el mundo y generar conciencia ambiental desde el arte urbano. Un sello artístico que terminó posicionando a Óscar Olivares como uno de los máximos referentes internacionales del muralismo ecológico contemporáneo.</p>

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El artista que transforma tapitas de botellas en increíbles murales

<p>Hablar de Eva Bracamontes es hablar de una artista que encontró en el espacio público mucho más que un soporte para pintar. A través de murales de gran formato, la mexicana construyó una identidad visual que combina color, ilustración y un fuerte compromiso con distintas problemáticas sociales.</p><p>Con una trayectoria internacional que supera la última década, la ilustradora y diseñadora llevó sus obras a diferentes países de América y Europa, consolidándose como una de las referentes del muralismo contemporáneo latinoamericano gracias a un lenguaje gráfico que une sensibilidad artística y conciencia social.</p><h2>¿Quién es Eva Bracamontes, la artista urbana mexicana que transforma los muros en espacios de reflexión social?</h2><p>El arte urbano mexicano reúne a una nueva generación de artistas que encontró en los muros un espacio para desarrollar lenguajes visuales propios. Mientras algunos construyen su identidad a partir de la cultura popular o el mundo del deporte, otros decidieron convertir cada intervención en una oportunidad para abrir el diálogo sobre distintas problemáticas sociales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5f9e1b4018.png" alt=""><figcaption>El mural “Todos los Derechos, Todas las Personas” de la artista urbana Eva Bracamontes (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese grupo aparece Eva Bracamontes, una artista que logró transformar el muralismo en una herramienta de reflexión y visibilización. A través de un lenguaje cargado de color y simbolismo, sus obras recorrieron distintos países de América y Europa, consolidando una trayectoria que hoy la ubica entre las muralistas mexicanas con mayor proyección internacional.</p><p>Eva Bracamontes es una artista urbana, ilustradora y diseñadora mexicana cuya obra se caracteriza por abordar temáticas vinculadas a los derechos humanos, la migración, el desplazamiento forzado y la violencia contra mujeres, niñas y niños.</p><p>Su vínculo con el arte comenzó mucho antes de dedicarse profesionalmente al muralismo. Hija de Alicia y Joel, ambos arqueólogos, creció rodeada de referencias culturales que terminaron marcando buena parte de su imaginario visual y que hoy continúan presentes en sus composiciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5ddc316804.png" alt=""><figcaption>Obra de Eva Bracamontes para Somos México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Antes de comenzar a intervenir espacios públicos, Bracamontes cursó la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde se especializó en ilustración, disciplina que continúa siendo una de sus grandes pasiones. Fue justamente durante el período entre la licenciatura y la maestría cuando empezó a experimentar con el arte urbano, un camino que comenzó como un pasatiempo hace ya más de diez años y que, con el paso de los años, se transformó en su principal forma de expresión.</p><h2>Murales que cruzaron fronteras: la huella artística de Eva Bracamontes</h2><p>Con el paso de los años, Eva Bracamontes llevó su obra mucho más allá de México y participó en festivales, encuentros e intervenciones de arte urbano en distintos países, consolidando una presencia internacional.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-artista-que-crea-murales-que-aparecen-y-desaparecen-con-el-agua/1988"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Actualmente cuenta con murales realizados en:</p><ul><li>Canadá</li></ul><ul><li>Estados Unidos</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>Ecuador</li></ul><ul><li>Venezuela</li></ul><ul><li>Perú</li></ul><ul><li>Argentina</li></ul><ul><li>Francia</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_618f244d33.png" alt=""><figcaption>El homenaje de Eva Bracamontes al boxeador mexicano Juan Manuel Márquez en las calles de Ciudad de México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Dentro de México, su trabajo también puede encontrarse en diferentes ciudades, entre ellas:</p><ul><li>Ciudad de México</li></ul><ul><li>Guadalajara</li></ul><ul><li>Querétaro</li></ul><ul><li>Oaxaca</li></ul><p>Este recorrido refleja no solo el crecimiento de su carrera, sino también el interés de distintas organizaciones e instituciones por una propuesta artística capaz de conectar con públicos diversos sin perder su identidad.</p><h2>El arte como herramienta para hablar de derechos humanos</h2><p>Uno de los aspectos que distingue la producción de Eva Bracamontes es el compromiso social presente en buena parte de sus murales.</p><p>A lo largo de su carrera desarrolló proyectos junto a organizaciones como Save the Children y colaboró con organismos vinculados a Naciones Unidas dedicados a la defensa de los derechos humanos, llevando su lenguaje artístico a iniciativas que buscan generar conciencia sobre distintas problemáticas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b84ad4372.png" alt=""><figcaption>Mural de Eva Bracamontes realizado en el marco de la conmemoración de la lucha por la igualdad de derechos para las mujeres y la recuperación de espacios culturales e históricos (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><ul><li>La migración</li></ul><ul><li>El desplazamiento forzado</li></ul><ul><li>La violencia contra las mujeres</li></ul><ul><li>La protección de niñas y niños</li></ul><ul><li>La defensa de los derechos humanos</li></ul><p>Más que ilustrar estas realidades, sus murales buscan generar conversación y construir espacios donde el arte funcione como un puente entre las personas y las historias que muchas veces permanecen invisibilizadas.</p><h2>Una identidad visual que combina color, ilustración y fuerza femenina</h2><p>La obra de Eva Bracamontes se distingue por una identidad visual fácilmente reconocible. Sus murales suelen estar protagonizados por figuras femeninas de formas voluptuosas, composiciones dinámicas y una paleta cromática intensa que convierte cada intervención en un punto de encuentro para quienes recorren la ciudad.</p><p>A ese universo visual se suman influencias de la ilustración contemporánea y distintos guiños a la gráfica pop, elementos que aportan dinamismo sin perder el carácter reflexivo de cada pieza. El resultado es un lenguaje artístico que consigue equilibrar belleza estética, identidad latinoamericana y contenido social.</p>

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Eva Bracamontes, la muralista mexicana que transforma el arte en reflexión

<p>Mientras buena parte de la música urbana apuesta por explorar nuevas tendencias, 2mileros decidió mirar hacia el pasado para rescatar el sonido del reguetón clásico.</p><p>Detrás de esa propuesta aparece Prudenz, el productor que transformó esa idea en una identidad musical y que hoy se posiciona como uno de los nombres con mayor proyección dentro de la escena argentina.</p><h2>¿Quién es Prudenz, el productor detrás del fenómeno 2mileros?</h2><p>En una escena urbana argentina que no deja de sumar nuevos sonidos, artistas y propuestas, pocos proyectos lograron despertar tanta atención en tan poco tiempo como 2mileros. El trío integrado por Nuno, Ezelinn y Chris encontró en el reguetón clásico de figuras como Daddy Yankee, Don Omar y compañía la fórmula para construir una identidad propia, una apuesta que rápidamente recibió el respaldo de nombres como Duki, María Becerra, Randy y DJ Playero y se convirtió en una de las grandes sensaciones de la música urbana en Argentina.</p><p>Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-regreso-del-regueton-viejo-tiene-nombre-2mileros/1000193">El regreso del reguetón viejo tiene nombre: 2mileros</a></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7646830685356920085" data-video-id="7646830685356920085" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7646830685356920085" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Sin embargo, detrás de las voces y de la imagen del grupo aparece una figura que resulta clave para comprender la identidad sonora del proyecto. Se trata de Prudenz, nombre artístico de Facundo Prudencio, productor musical que se consolidó como el arquitecto del sonido de 2mileros y como uno de los jóvenes productores con mayor proyección dentro de la escena argentina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cbea2762ba.png" alt=""><figcaption>Prudenz junto a los integrantes de 2mileros (Instagram/2mileros).</figcaption></figure><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-noticiero-del-genero-urbano-tiene-acento-argentino/2005"><u><em>El noticiero del género urbano tiene acento argentino</em></u></a></p><p>Con producciones como &quot;Desabroche&quot; y &quot;Calma&quot;, Prudenz consiguió devolver al primer plano una estética musical que durante años había perdido protagonismo en el país. Lejos de seguir las tendencias más actuales del género urbano, el productor apostó por rescatar la esencia del reguetón de comienzos de los 2000, combinando dembows clásicos, sintetizadores y estructuras que remiten a una de las épocas más recordadas del género.</p><p>A diferencia de otros productores que desarrollan su trabajo casi exclusivamente detrás del estudio, Prudenz también encontró en las redes sociales una forma de acercar al público al proceso creativo. A través de sus contenidos muestra desde las sesiones de grabación junto a Nuno, Ezelinn y Chris hasta la construcción de las instrumentales, los arreglos finales y las sugerencias que realiza para potenciar cada canción, permitiendo que los seguidores conozcan de primera mano cómo nace el sonido de 2mileros.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7633555317594410261" data-video-id="7633555317594410261" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7633555317594410261" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Con una propuesta que recupera la esencia del reguetón clásico y una presencia cada vez mayor tanto en el estudio como en las plataformas digitales, Prudenz se convirtió en una de las piezas fundamentales detrás del crecimiento de 2mileros y en uno de los productores que mejor representa el resurgimiento de un sonido que marcó a toda una generación.</p>

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Prudenz, la nueva cara de la producción del reguetón en Argentina

<p>La presencia latinoamericana en la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá no solo se hizo sentir dentro del campo de juego, con Argentina como uno de los protagonistas de la definición, sino también sobre el escenario.</p><p>Y es que en el primer espectáculo de medio tiempo de una final mundialista, la colombiana Shakira y el venezolano Gustavo Dudamel representaron al continente junto a figuras internacionales como Justin Bieber, BTS y Madonna, dejando su huella en uno de los eventos deportivos más vistos del planeta.</p><h2>Shakira volvió a hacer historia en un Mundial</h2><p>Al igual que en el espectáculo de apertura del Mundial de México, Estados Unidos y Canadá, durante el partido inaugural entre El Tri y Sudáfrica en el Estadio Azteca, Shakira fue una de las grandes protagonistas del primer show de medio tiempo en una final de la Copa del Mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9c4362498c.png" alt=""><figcaption>Shakira en plena actuación en la final del Mundial en Nueva Jersey (Getty Images).</figcaption></figure><p>En esta oportunidad, la colombiana se presentó durante la definición entre Argentina y España en Nueva Jersey, donde interpretó &quot;Dai Dai&quot;, la canción oficial de la competencia, junto al nigeriano Burna Boy y los Ghetto Kids, el grupo de bailarines ugandeses que alcanzó fama mundial tras viralizarse en redes sociales.</p><p>Además de su actuación, la artista también captó todas las miradas con un look especialmente diseñado para la ocasión. Shakira lució un vestido corto con escote halter en tonos rosa y amarillo neón, completamente cubierto de pedrería, flecos y detalles brillantes. Descalza, con el cabello suelto y ondulado, completó una presentación que volvió a confirmar por qué es una de las figuras más emblemáticas en la historia de los espectáculos vinculados a la Copa del Mundo.</p><h2>Gustavo Dudamel y la bandera venezolana en el show musical del Mundial</h2><p>Tras el inicio del espectáculo encabezado por Madonna, acompañada por las leyendas brasileñas Ronaldo y Ronaldinho, el show de medio tiempo también contó con una destacada presencia latinoamericana gracias al venezolano Gustavo Dudamel. Considerado uno de los directores de orquesta más importantes del mundo, el músico fue el encargado de conducir una presentación que fusionó la música sinfónica con uno de los himnos más reconocidos del deporte.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da_mmipCkOn/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da_mmipCkOn/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Al frente de una formación integrada por músicos de la Filarmónica de Nueva York y de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, Dudamel dirigió una interpretación de &quot;<em>Seven Nation Army</em>&quot; de The White Stripes, el clásico que desde hace años acompaña a hinchas y deportistas en distintos estadios del mundo.</p><p>La puesta en escena también contó con la participación especial de los icónicos personajes de The Muppets, aportando un toque lúdico a uno de los momentos más originales del espectáculo.</p><h2>María Becerra puso la voz argentina en la final en Nueva Jersey</h2><p>Aunque no formó parte del espectáculo de medio tiempo, la presencia latinoamericana también tuvo un momento destacado en la previa del partido. La cantante argentina María Becerra fue la encargada de interpretar el Himno Nacional Argentino antes del inicio de la final entre Argentina y España, luciendo un vestido largo de tono celeste confeccionado en una tela liviana y de caída, un look inspirado en los colores de la bandera nacional que acompañó uno de los momentos más emotivos de la definición del Mundial.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_78fb6fcb54.png" alt=""><figcaption>Maria Becerra en plena interpretación del Himno Nacional Argentino en Nueva Jersey (Getty Images).</figcaption></figure>

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Shakira, Gustavo Dudamel y María Becerra: los latinos que hicieron historia en la final del Mundial

<p>El legado del Indio Solari sumó un nuevo capítulo en el universo del muralismo con la inauguración del mural más grande dedicado al histórico músico argentino. Ubicada en el municipio de Almirante Brown, provincia de Buenos Aires, la intervención reúne referencias a sus discos más emblemáticos y a toda su carrera artística, desde su etapa como solista hasta el éxito al mando de Los Redondos.</p><h2>El monumental homenaje al Indio Solari en las calles de Almirante Brown</h2><p>A poco más de un mes de la partida de Indio Solari, el legado del histórico cantante argentino continúa expandiéndose a través del arte urbano con homenajes que repasan no solo su figura, sino también algunas de las obras más importantes de su carrera.</p><p>Y una de las intervenciones más destacadas fue inaugurada frente al Polideportivo de Ministro Rivadavia, en la intersección de 25 de Mayo y Quiroga, en el municipio de Almirante Brown, donde quedó plasmado el mural más grande realizado hasta el momento en honor al exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9e9a0b9e0d.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure><p>Con una superficie de 530 metros cuadrados, la intervención fue realizada por los artistas Heber Martínez, Gabo Luna, Eki Besada y Gustavo Alderete, con la colaboración de Roger Oner y del equipo integrado por Sebastián, Cocco, Karina y Cristina, bajo la coordinación de TiN y la dirección artística de Nicolás Vicente. La obra propone un recorrido visual por distintas etapas de la trayectoria del músico, convirtiéndose en un verdadero homenaje a una de las figuras más influyentes de la historia del rock argentino.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/guido-palmadessa-la-mirada-de-un-artista-argentino-en-alemania/1000147"><u><em>Guido Palmadessa, la mirada de un artista argentino en Alemania</em></u></a></p><ul><li>“Oktubre”</li></ul><ul><li>“Luzbelito”</li></ul><ul><li>“Lobo Suelto, Cordero Atado”</li></ul><ul><li>“Último Bondi a Finisterre”</li></ul><ul><li>“¡Bang! ¡Bang!... Estás Liquidado”</li></ul><ul><li>“Un baion para el ojo idiota”</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaaWPvtR0RV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaaWPvtR0RV/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El homenaje no se limita únicamente a su etapa junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. La intervención también repasa su carrera como solista mediante referencias a discos como “<em>Porco Rex</em>”, “<em>El perfume de la tempestad y Pajaritos”</em> y “<em>Bravos muchachitos</em>”, entre otras obras, reflejando las distintas etapas que marcaron el recorrido artístico del músico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56cfd48d52.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure><p>El punto central de la obra está protagonizado por un imponente retrato del propio Indio Solari durante uno de sus conciertos. Allí aparece con los brazos abiertos, en una pose que remite a una figura casi religiosa, acompañado por sus inconfundibles gafas oscuras, una camisa verde y la inscripción &quot;Indio&quot; en grandes letras negras detrás de su figura. Una imagen que sintetiza el vínculo entre el artista y miles de seguidores, transformando el mural en un nuevo punto de encuentro para fanáticos, vecinos y amantes del arte urbano.</p>

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El mural más grande dedicado al Indio Solari ya puede visitarse en Almirante Brown

<p>Cada edición de la Copa del Mundo deja historias que trascienden el resultado. Y en esta oportunidad, el recorrido de Lionel Messi vuelve a poner sobre la mesa una enseñanza que también aparece en el arte, la música y la cultura urbana: los grandes sueños no siempre llegan rápido, pero la perseverancia puede convertir cualquier camino en una historia inolvidable.</p><h2>Las grandes obras no se terminan en el primer intento</h2><p>Durante años, el deporte pareció acostumbrarnos a que las grandes historias debían escribirse rápido. La irrupción de jóvenes como Lamine Yamal, Jude Bellingham o Pau Cubarsí, capaces de disputar instancias decisivas de un Mundial con apenas un puñado de años como profesionales, parece reforzar la idea de que el éxito tiene que llegar cuanto antes. Sin embargo, existen caminos que demuestran exactamente lo contrario. Y pocos representan mejor esa realidad que Lionel Messi.</p><p>El rosarino necesitó atravesar dos décadas vistiendo la camiseta de la Selección argentina para volver a encontrarse a un paso de la gloria mundialista. En Alemania 2006 apenas tuvo minutos y observó gran parte del torneo desde el banco de suplentes. Cuatro años más tarde, en Sudáfrica, cargó con la responsabilidad de liderar un equipo que quedó eliminado con una dura goleada. En Brasil 2014 estuvo a centímetros de tocar la Copa del Mundo, pero una derrota en la final volvió a dejar la imagen de un sueño inconcluso. Rusia 2018 tampoco fue el desenlace esperado y las críticas volvieron a caer sobre sus hombros. Muchos dudaron, otros aseguraban que jamás podría coronarse con la camiseta argentina.</p><p>Pero Messi hizo algo que muchas veces resulta más difícil que ganar: siguió. Volvió a entrenar, volvió a competir, volvió a soportar la presión y volvió a creer. Esa perseverancia lo llevó a levantar la Copa del Mundo en Qatar y hoy le permite afrontar una nueva final, demostrando que el talento necesita tiempo, constancia y resiliencia para alcanzar su máxima expresión.</p><p>Y quizás esa sea la enseñanza más poderosa de toda su historia. Porque el recorrido de Messi no habla únicamente de fútbol. Habla de cualquier persona que alguna vez persiguió un objetivo importante.</p><p>Un muralista no pinta una obra que emocione a toda una ciudad el primer día que toma un aerosol. Antes hubo bocetos, paredes descartadas, errores y horas de práctica. Un freestyler no gana una Red Bull Internacional en su primera regional; antes perdió batallas, improvisó frente a pocas personas y aprendió de cada derrota. Un rider de BMX no aterriza su truco más difícil en el primer intento. Un productor musical no crea un éxito apenas abre un proyecto en el estudio. Un tatuador tampoco realiza una pieza hiperrealista la primera vez que sostiene una máquina.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXkvqgYADkz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXkvqgYADkz/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En todas esas disciplinas existe un punto en común: detrás de cada gran logro hay una enorme cantidad de intentos que casi nadie ve. Existe frustración, existe incertidumbre y también aparecen momentos donde abandonar parece una opción mucho más sencilla que continuar. Sin embargo, quienes finalmente dejan una huella suelen ser aquellos que encuentran la fuerza para levantarse una vez más.</p><p>Vivimos en una época donde las redes sociales muestran únicamente el resultado final. El mural terminado, la canción viral, el campeonato, el nocaut, la medalla o la fotografía perfecta. Muy pocas veces se muestran los años de trabajo silencioso que hicieron posible ese momento. Quizás por eso historias como la de Lionel Messi generan tanta identificación: porque recuerdan que el verdadero éxito rara vez es inmediato.</p><p>EMás allá de lo que ocurra en la final del Mundial, el legado del capitán argentino ya trasciende cualquier resultado. Su recorrido demuestra que el tiempo nunca debería convertirse en una medida para juzgar un sueño. Algunas metas llegan antes y otras necesitan muchos más intentos. Lo verdaderamente importante es seguir avanzando cuando el camino parece cuesta arriba.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_aead18ea78.png" alt=""><figcaption>La felicidad de Lionel Messi tras una nueva clasificación a la final de la Copa del Mundo (AFA).</figcaption></figure><p>Porque al final, tanto en el deporte como en el arte urbano, el freestyle, la música o cualquier otra pasión, las grandes historias no pertenecen únicamente a quienes llegan primero. También son de quienes nunca dejaron de intentarlo. Y quizás ahí esté el verdadero impulso que mueve a todas las personas que buscan dejar su huella en el mundo.</p>

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El arte de insistir: la mayor enseñanza que deja Lionel Messi

<p>Con casi dos décadas dedicadas al arte urbano, Adry del Rocío logró construir una identidad propia a través de murales hiperrealistas y composiciones en 3D que trascendieron las fronteras de México y la consolidaron en un emblema nacional.</p><h2>Murales monumentales, ilusiones ópticas y una gloriosa trayectoria: el universo artístico de Adry del Rocio</h2><p>En el movimiento artístico mexicano existe un sinfín de propuestas que llenan de color, identidad y creatividad los espacios públicos a lo largo y ancho del país. Desde artistas que encuentran en el deporte su principal fuente de inspiración hasta aquellos que convierten las luchas sociales y los derechos humanos en el eje de sus obras, el arte urbano de México se ha consolidado como uno de los más diversos y vibrantes de la región.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f8493557e.png" alt=""><figcaption>Adry del Rocío participando en una de sus intervenciones artísticas (Adry del Rocío).</figcaption></figure><p>Y en ese universo de estilos y expresiones aparece una propuesta capaz de desafiar la percepción del espectador. Se trata de <a href="https://www.instagram.com/adrydelrocio/?hl=es"><u>Adry del Rocío</u></a>, una artista mexicana que, gracias a su dominio del arte urbano hiperrealista y las intervenciones en 3D, logró posicionarse como una de las principales referentes del muralismo contemporáneo tanto a nivel nacional como internacional.</p><p>Con una trayectoria respaldada por premios locales, nacionales e internacionales, exposiciones en ciudades de México, Estados Unidos, Cuba y España, además de colaboraciones con marcas como Disney, Adidas y Nike, la artista ha dejado su huella en distintos rincones del mundo. Sus obras pueden encontrarse en países como Estados Unidos, Emiratos Árabes Unidos, Brasil, Alemania, Dinamarca e Israel, consolidando una carrera que la convirtió en una de las máximas exponentes mexicanas del arte 3D.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5cfbf29f6a.png" alt=""><figcaption>La obra “Sembrando paz” de Adry del Rocío (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>Su sello distintivo son los murales hiperrealistas realizados bajo una técnica que genera monumentales ilusiones ópticas en dos y tres dimensiones, creando composiciones que interactúan con el entorno y cobran vida desde determinados ángulos de observación.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://app.asana.com/1/1207780990286869/project/1207781072078469/calendar/1207781407573130"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Nacida en Guadalajara, Jalisco, Adry del Rocío comenzó su formación artística desde muy pequeña. A los diez años inició sus estudios formales de arte y, seis años más tarde, obtuvo su diplomado en Artes Plásticas. Y el año 2008 dio sus primeros pasos en el mundo del arte urbano, disciplina en la que lleva casi dos décadas de trayectoria y que la ha llevado a intervenir espacios públicos y privados en distintos países, convirtiéndose en una de las figuras más destacadas de la escena mexicana.</p><h2>El arte de Adry del Rocío y una trayectoria que recorrió distintos países</h2><p>Hablar de la trayectoria de Adry del Rocío implica recorrer decenas de proyectos, murales y colaboraciones alrededor del mundo. Con casi dos décadas de carrera y una producción artística que atraviesa distintos países y culturas, resulta difícil elegir una obra que represente su legado. Sin embargo, una de las piezas que más repercusión ha generado en los últimos años es “Vuelo Sororo”, un mural ubicado en las calles de la Ciudad de México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_131d13536a.png" alt=""><figcaption>“Vuelo Sororo”, uno de los tantos murales de Adry del Rocío en la Ciudad de México (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>La intervención destaca por su monumentalidad y por el sello artístico que caracteriza a la muralista mexicana. La obra presenta dos figuras femeninas rodeadas por una vibrante paleta de tonos violetas, rosas y naranjas, acompañadas por mariposas y una serie de manos que aportan profundidad y dinamismo a la composición. El resultado es una pieza que dialoga con el espacio urbano y que refleja la capacidad de Adry del Rocío para combinar el hiperrealismo con elementos simbólicos y juegos de perspectiva.</p><p>Aunque “Vuelo Sororo” se convirtió en una de las obras más reconocidas de su repertorio reciente, lo cierto es que representa apenas una parte de una carrera artística construida a través de intervenciones en distintos rincones del mundo. A lo largo de los años, la muralista ha dejado su huella en países como:</p><ul><li>México.</li></ul><ul><li>Estados Unidos.</li></ul><ul><li>Canadá.</li></ul><ul><li>Colombia.</li></ul><ul><li>Brasil.</li></ul><ul><li>Alemania.</li></ul><ul><li>Italia.</li></ul><ul><li>Suecia.</li></ul><ul><li>Emiratos Árabes Unidos.</li></ul><ul><li>Inglaterra.</li></ul><ul><li>Letonia.</li></ul><p>Una trayectoria internacional que, sumada a sus exposiciones, reconocimientos y colaboraciones con importantes marcas, la posiciona como una de las grandes referentes del arte urbano mexicano contemporáneo y una artista con un currículum a la altura de las figuras más destacadas de la escena latinoamericana.</p>

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Adry del Rocío, la artista que llevó el muralismo 3D a las calles del mundo

<p>La música popular argentina encontró una nueva vidriera en el universo del streaming. Conducido por Hernán Fabián y Claudio Leandro Sosa,<em> La Junta de los Artistas</em> se consolidó como uno de los proyectos más importantes del género gracias a un formato donde las canciones, las zapadas y los artistas invitados ocupan el centro de la escena.</p><h2>La Junta de los Artistas: el streaming que puso a la música popular en el centro de la escena</h2><p>En los últimos años, el streaming dejó de ser únicamente una plataforma de entretenimiento para convertirse también en uno de los grandes escenarios de la música. Y en ese nuevo ecosistema, donde los shows en vivo, las entrevistas y las colaboraciones encontraron una nueva ventana de difusión, Argentina también desarrolló sus propios espacios de referencia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a0a10b410f.png" alt=""><figcaption>La actuación de Uriel Lozano en el show de La Juntada de los Artistas en el Complejo C Art Media (Instagram/La Juntada de los Artistas).</figcaption></figure><p>Uno de ellos es <em>La Junta de los Artistas</em>, un streaming nacido en el país que transformó la música popular en el eje de cada emisión. Conducido por Hernán Fabián y Claudio Leandro Sosa, el proyecto reúne a algunos de los principales exponentes de la cumbia, el cuarteto y otros géneros populares en un formato donde las canciones en vivo, las colaboraciones y las charlas espontáneas conviven en una misma mesa.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYGXynTOUTA/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYGXynTOUTA/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con más de dos millones de seguidores en redes sociales y cientos de miles de reproducciones en sus distintos contenidos, <em>La Junta de los Artistas</em> se consolidó como uno de los fenómenos del streaming musical argentino. Lejos de la entrevista tradicional, cada episodio propone un encuentro donde la música ocupa el centro de la escena, con zapadas, improvisaciones y cruces entre artistas que reflejan el presente de la industria nacional.</p><p>Figuras como G Sony, Candu Domínguez, Damaris, Uriel Lozano, La Premier y decenas de referentes más ya formaron parte del proyecto, convirtiéndolo en uno de los espacios más buscados tanto por los músicos como por el público.</p><h2>Uriel Lozano, Palo y Cumbia Rocha: las figuras que pasaron por <em>La Junta de los Artistas</em></h2><p>La esencia de <em>La Junta de los Artistas</em> se encuentra en su capacidad para reunir a referentes históricos de la música popular argentina con nuevas figuras que atraviesan uno de los mejores momentos de sus carreras.</p><ul><li>G Sony</li></ul><ul><li>Damaris</li></ul><ul><li>Uriel Lozano</li></ul><ul><li>La Premier</li></ul><ul><li>BM</li></ul><ul><li>Cumbia Rocha</li></ul><ul><li>El Pepo</li></ul><ul><li>Callejero Fino</li></ul><ul><li>Palo</li></ul><ul><li>Flor Álvarez</li></ul><ul><li>Agrupación Marilyn</li></ul><ul><li>DesaKTa2</li></ul><ul><li>Banda XXI</li></ul><ul><li>The La Planta</li></ul><ul><li>Onda Sabanera</li></ul><ul><li>Antonio Ríos</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><ul><li>Peipper</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_312193eb1c.png" alt=""><figcaption>La huella de G Sony en La Juntada de los Artistas (Instagram/La Juntada de los Artistas).</figcaption></figure><p>Ese abanico de invitados refleja el espíritu de <em>La Junta de los Artistas</em>: un espacio donde conviven íconos de la música tropical, referentes del cuarteto y artistas que hoy marcan tendencia dentro de la escena popular. Con cada nuevo episodio, el streaming continúa ampliando su catálogo de invitados y consolidándose como una de las grandes vidrieras digitales para la música argentina.</p>

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¿Qué es La Junta de los Artistas, el streaming que revolucionó la música popular argentina?

<p>A la hora de observar los tatuajes de un futbolista, gran parte de la atención suele centrarse en el diseño que luce sobre su piel. Sin embargo, pocas veces la mirada se posa sobre el artista responsable de convertir esa idea en una obra permanente.</p><p>Y durante la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el defensor mexicano Jorge Sánchez volvió a llamar la atención por sus tatuajes. Detrás de buena parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, uno de los referentes del tatuaje realista en México.</p><h2>Edd Flores, el artista detrás de la piel de Jorge Sánchez</h2><p>Desde hace tiempo que el futbolista dejó de ser un referente únicamente dentro del terreno de juego para convertirse también en un ícono estético puertas para afuera de los estadios.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_409b766e15.png" alt=""><figcaption>Edd Flores tatuando la piel del futbolista mexicano Jorge Sánchez (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure><p>A los looks protagonizados por marcas de lujo, diseñadores y firmas de streetwear se sumó otra expresión artística que ganó cada vez más protagonismo: el tatuaje. Una práctica que décadas atrás era prácticamente impensada dentro del fútbol profesional y que hoy forma parte de la identidad de buena parte de las grandes figuras del deporte.</p><p>Y en el marco de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el arte del tatuaje volvió a ocupar un lugar destacado. Desde promesas de inmortalizar el título con una nueva pieza hasta retratos futuristas y diseños inspirados en el torneo, varios futbolistas llamaron la atención por las obras que lucieron sobre su piel. Entre ellos apareció el defensor mexicano Jorge Sánchez, uno de los jugadores que más comentarios generó por sus tatuajes durante la competencia.</p><p>Detrás de gran parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, tatuador mexicano oriundo de Aguascalientes y artista principal de Flowers Tattoo Studio, ubicado en Plaza Arcos Campestre. Reconocido por sus trabajos de gran nivel técnico, el artista construyó una identidad basada en el realismo, los retratos y composiciones de alto nivel de detalle, convirtiéndose en uno de los nombres más destacados de la escena del tatuaje en México.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DUbnCICD-af/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DUbnCICD-af/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Entre las piezas que Edd Flores realizó para Jorge Sánchez se destacan distintos tatuajes de estilo hiperrealista, donde el defensor mexicano decidió inmortalizar a sus hijos y a su esposa mediante retratos de gran nivel.</p><p>Pero más allá de haber encontrado en Jorge Sánchez uno de sus clientes más reconocidos, el vínculo con el futbolista mexicano representa apenas una parte de una trayectoria que lo llevó a consolidarse como uno de los artistas más reconocidos de Aguascalientes y del panorama del tatuaje realista en el país.</p><h2>El estilo de Edd Flores: retratos hiperrealistas y una identidad marcada por el detalle</h2><p>Más allá de su trabajo junto a Jorge Sánchez, Edd Flores construyó una identidad artística que lo posicionó como uno de los referentes del tatuaje realista en México. Su portfolio reúne piezas de gran formato donde el nivel de detalle se convierte en el principal protagonista, con composiciones que buscan trasladar fotografías, emociones y escenas completas a la piel de cada cliente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DMiivRUx6Mn/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DMiivRUx6Mn/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Dentro de sus diseños aparecen retratos de familiares, figuras religiosas como Jesucristo y distintas advocaciones de la Virgen, animales como leones y rinocerontes, además de personajes de la cultura pop como Spider-Man y Buzz Lightyear. A ese abanico de temáticas se suman composiciones con elementos naturales, símbolos y piezas personalizadas, todas atravesadas por un marcado trabajo de luces, sombras y texturas que potencian el efecto tridimensional de cada tatuaje.</p><p>Si bien el blanco y negro ocupa un lugar central en buena parte de sus obras, el artista también incorpora color en distintas piezas para reforzar el impacto visual de los diseños. El resultado es una galería donde el hiperrealismo convive con composiciones de gran complejidad técnica, una combinación que terminó convirtiendo a Edd Flores en uno de los tatuadores más destacados de Aguascalientes y en una referencia para quienes buscan obras de alto nivel artístico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7dd9bbe0fe.png" alt=""><figcaption>Diseño de Edd Flores (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure><p>El trabajo de Edd Flores demuestra cómo el tatuaje también encontró un espacio dentro del fútbol moderno. En una Copa del Mundo donde la moda, las colaboraciones y la estética ocuparon un rol protagónico, artistas como el mexicano dejaron en claro que detrás de cada pieza también existe una historia, una identidad y un autor que muchas veces permanece fuera del foco, pero cuya huella termina acompañando a algunas de las grandes figuras del deporte.</p>

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Conocé a Edd Flores, el tatuador detrás de los impactantes diseños de Jorge Sánchez

<p>De canciones inspiradas en el amor, el desamor y la vida cotidiana a millones de reproducciones en Spotify, YouTube y TikTok: así fue el ascenso de El De Las R&#x27;s, uno de los artistas con mayor crecimiento dentro de la nueva escena del regional mexicano.</p><h2>Del regional mexicano a los edits de TikTok: el fenómeno de El De Las R’s</h2><p>En una escena donde el regional mexicano atraviesa uno de los momentos de mayor expansión internacional, cada vez aparecen nuevos artistas que consiguen conquistar las plataformas digitales y hacerse de un nombre dentro de la industria.</p><p>Y en un mapa donde sobresalen figuras como Grupo Frontera, Natanael Cano, Junior H o Peso Pluma, quienes lograron convertirse en los abanderados del movimiento a nivel nacional, durante los últimos meses otro nombre comenzó a ganar cada vez más protagonismo: El De Las R’s.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_208fe6c41b.png" alt=""><figcaption>El De Las R’s durante una presentación (Instagram/El De Las R’s).</figcaption></figure><p>Cantante y compositor mexicano, el artista encontró en canciones inspiradas en el amor, el desamor, la vida cotidiana y el entorno militar la fórmula para consolidarse como una de las voces más escuchadas del género. Con casi diez millones de oyentes mensuales en Spotify, Elías Ramírez Rosales —nombre del que nace su apodo por las iniciales de sus dos apellidos— se transformó en uno de los principales exponentes de la nueva generación del regional mexicano.</p><p>Y es que, aunque su nombre todavía puede resultar desconocido para parte del público, es muy probable que alguna vez hayas escuchado fragmentos de canciones como &quot;<em>Beretta (Los Cerros de la Escuela)</em>&quot; o &quot;<em>La Cheyenne</em>&quot; sin saber quién estaba detrás de ellas. Gran parte de ese alcance llegó gracias a TikTok, donde miles de usuarios comenzaron a utilizar sus temas como banda sonora de edits futbolísticos protagonizados por figuras como Lionel Messi, Cristiano Ronaldo, Lamine Yamal, Kylian Mbappé o Neymar Júnior.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/Pj5Wkb7O1tg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Ese fenómeno impulsó todavía más el alcance de su catálogo y permitió que sus canciones llegaran a públicos que hasta entonces permanecían ajenos al regional mexicano. Hoy, con millones de reproducciones acumuladas entre Spotify, YouTube y TikTok y una comunidad de fanáticos que no deja de crecer, El De Las R’s se consolida como una de las grandes revelaciones de la nueva escena musical mexicana.</p><h2>De &quot;Beretta&quot; a &quot;La Cheyenne&quot;: las canciones que marcaron el crecimiento de El De Las R’s</h2><p>Si hay algo que explica el crecimiento del cantante mexicano es su catálogo. A lo largo de los últimos años, El De Las R’s construyó una discografía que combina historias de amor, desamor, vivencias cotidianas y referencias al entorno militar, una identidad que le permitió conectar con millones de oyentes y construir un universo musical propio dentro del regional mexicano.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/kwBVLvuY6HU" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>El recorrido comenzó de manera modesta con &quot;<em>Burrito Sabanero</em>&quot;, el primer sencillo publicado en su canal de YouTube, una canción que hoy acumula cerca de cinco mil reproducciones. Sin embargo, lanzamiento tras lanzamiento, su carrera comenzó a tomar impulso. Primero llegó &quot;<em>Sexto Sentido</em>&quot;, su primera canción en superar el millón de visualizaciones, y poco después apareció &quot;<em>Militar</em>&quot;, el sencillo que significó su primer gran éxito al alcanzar cerca de veinte millones de reproducciones en la plataforma.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@z7x706/video/7626895609642913045" data-video-id="7626895609642913045" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@z7x706/video/7626895609642913045?lang=es&amp;q=lamine%20yamal%20beretta&amp;t=1782846719250" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde entonces, su crecimiento no se detuvo. Con un repertorio que reúne múltiples canciones con millones de reproducciones, El De Las R’s encontró dos de los mayores pilares de su carrera en &quot;<em>Beretta</em>&quot;, que supera los cuarenta millones de vistas en YouTube, y &quot;<em>La Cheyenne</em>&quot;, que ya sobrepasó los once millones: dos sencillos que no solo figuran entre los más escuchados de su catálogo, sino que también terminaron de consolidarlo como una de las grandes revelaciones del regional mexicano.</p>

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El De Las R's, la nueva sensación del regional mexicano que conquista Spotify y TikTok

<p>La Velada del Año dejó de ser hace tiempo un evento exclusivamente dedicado al boxeo. Desde la incorporación de los shows musicales en su segunda edición, el espectáculo creado por Ibai Llanos también se convirtió en un escenario para algunos de los artistas más importantes de la música latina.</p><p>Con figuras de Argentina, Puerto Rico, Colombia y México, el evento reunió a nombres como Duki, Bizarrap, María Becerra, Julieta Venegas y Feid, una tradición que continuará en la sexta edición con una nueva cartelera de artistas.</p><h2>Todos los artistas latinos que pasaron por La Velada del Año de Ibai Llanos</h2><p>A pesar de incorporarse recién en la segunda edición, los shows musicales se convirtieron rápidamente en uno de los grandes atractivos de La Velada del Año.</p><p>Entre combate y combate, el evento de Ibai Llanos reunió a algunos de los artistas más destacados de la escena latina, con nombres como Duki, Bizarrap, Julieta Venegas, Eladio Carrión, Paulo Londra y Myke Towers, quienes dejaron su huella sobre el escenario.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2c347e6cb4.png" alt=""><figcaption>Myke Towers como artista invitado en La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><ul><li>Nicki Nicole (Argentina): la rosarina fue una de las artistas invitadas de la segunda edición, celebrada en el Pabellón Olímpico de Badalona. Durante su presentación interpretó éxitos como &quot;Colocao&quot;, &quot;Mamichula&quot; y &quot;Wapo Traketero&quot;.</li></ul><ul><li>Duki (Argentina): también formó parte de la segunda edición del evento. El referente del trap argentino llevó al escenario canciones como &quot;Hello Cotto&quot;, &quot;Malbec&quot; y &quot;Goteo&quot;.</li></ul><ul><li>Bizarrap (Argentina): el productor argentino protagonizó uno de los shows musicales de la segunda edición con un set basado en sus “BZRP Music Sessions”, que incluyó las realizadas junto a Nathy Peluso, Eladio Carrión y Nicky Jam.</li></ul><ul><li>María Becerra (Argentina): la cantante se presentó en la tercera edición de La Velada del Año, celebrada en Madrid, donde interpretó &quot;Automático&quot;, &quot;Miénteme&quot; y &quot;Diskoteca&quot;, esta última junto a Lola Índigo.</li></ul><ul><li>Eladio Carrión (Puerto Rico): el puertorriqueño también integró la tercera edición del evento con un repertorio que incluyó &quot;Mbappé&quot;, &quot;Coco Chanel&quot; y &quot;Kemba Walker&quot;.</li></ul><ul><li>Milo J (Argentina): el joven artista argentino apareció como invitado junto a Nicki Nicole y Duki, interpretando canciones como &quot;Rara Vez&quot; y &quot;Dispara&quot;.</li></ul><ul><li>Feid (Colombia): el colombiano se subió al escenario de La Velada con éxitos como &quot;Si Te La Encuentras Por Ahí&quot; y &quot;Classy 101&quot;.</li></ul><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/89eKOTsDW2w" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><ul><li>Ozuna (Puerto Rico): acompañado por artistas como Lil Cake y Feid, el puertorriqueño interpretó temas como &quot;Caramelo&quot;, &quot;Baila Baila Baila&quot; y &quot;Hey Mor&quot;.</li></ul><ul><li>Julieta Venegas (México): la mexicana llevó algunos de los mayores clásicos de su carrera al escenario con canciones como &quot;Limón y Sal&quot;, &quot;Eres para Mí&quot; y &quot;Me Voy&quot;.</li></ul><ul><li>Paulo Londra (Argentina): en uno de sus regresos más esperados a los escenarios, el cordobés interpretó &quot;Tal Vez&quot;, &quot;Nena Maldición&quot; y &quot;Adán y Eva&quot;.</li></ul><ul><li>Young Miko (Puerto Rico): la artista puertorriqueña dijo presente con un show que incluyó &quot;Lisa&quot;, &quot;Offline&quot; y &quot;Chulo&quot;.</li></ul><ul><li>Anuel AA (Puerto Rico): durante su actuación en el estadio Santiago Bernabéu, interpretó canciones como &quot;47&quot;, &quot;Bebé&quot; y &quot;Más Rica Que Ayer&quot;.</li></ul><ul><li>Grupo Frontera (México): la agrupación fue la primera representante de la música regional mexicana en presentarse en La Velada del Año. En su show sonaron temas como &quot;Bebé Dame&quot;, &quot;Me Jalo&quot; y &quot;un x100to&quot;.</li></ul><ul><li>De La Rose (Puerto Rico): la cantante llevó al escenario canciones como &quot;Kyoto&quot; y &quot;¿Qué Vas a Hacer Hoy?&quot;, consolidando su presencia dentro de la nueva generación urbana.</li></ul><ul><li>Myke Towers (Puerto Rico): el puertorriqueño hizo vibrar al público con éxitos como &quot;DEGENERE&quot;, &quot;LALA&quot;, &quot;Soleao&quot; y &quot;La Falda&quot;.</li></ul><ul><li>Dei V (Puerto Rico): uno de los artistas emergentes del género urbano también formó parte del evento, interpretando temas como &quot;VeLDÁ&quot;.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c7317ac027.png" alt=""><figcaption>Eladio Carrión cantando en el escenario de La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><h2>Los artistas latinos que se presentarán en La Velada del Año VI</h2><p>Con el paso de las ediciones, los shows musicales se consolidaron como uno de los grandes atractivos de La Velada del Año. La sexta edición no será la excepción y volverá a reunir a algunos de los artistas más destacados de la escena latina.</p><ul><li>Lucho RK</li></ul><ul><li>La Pantera</li></ul><ul><li>Bad Gyal</li></ul><ul><li>Anuel AA</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Juanes</li></ul>

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Duki, Bizarrap, Feid y Eladio Carrión: el paso de la música latina por La Velada del Año

<p>Improvisar frente a artistas internacionales no parece una tarea sencilla. Sin embargo, Kevincito transformó esa idea en uno de los contenidos musicales más virales de Latinoamérica, reuniendo millones de reproducciones gracias a encuentros espontáneos con figuras de la talla de Myke Towers, Arcángel, Ozuna y Daddy Yankee.</p><h2>¿Quién es Kevincito, el cantante callejero que conquistó las redes sociales?</h2><p>Seguramente, durante alguno de tus recorridos por Instagram o TikTok, te cruzaste con un joven colombiano improvisando frente a figuras de la talla de Arcángel, Lil Baby o Myke Towers. Detrás de ese fenómeno que combina música, humor, improvisación y encuentros espontáneos con celebridades se encuentra Kevin Way, más conocido en redes sociales también bajo el apodo de “Kevincito”.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@kevincitooficial11/video/7639976199095209219" data-video-id="7639976199095209219" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@kevincitooficial11/video/7639976199095209219?lang=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Con más de medio millón de seguidores en sus plataformas y millones de reproducciones acumuladas, el creador colombiano se convirtió en uno de los fenómenos virales del contenido musical. Su sello es tan simple como efectivo: acercarse a artistas, futbolistas y otras personalidades en la vía pública —ya sea a la salida de un restaurante, una discoteca, un hotel o mientras se dirigen a un evento— para sorprenderlos con una improvisación inspirada en su carrera, su personalidad o incluso en la ropa que llevan puesta.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-santuario-artistico-del-genero-urbano-esta-en-colombia/1651"><u><em>El santuario artístico del género urbano está en Colombia</em></u></a></p><p>Lejos de tratarse de encuentros preparados, gran parte del atractivo de sus videos radica en la espontaneidad. En muchos casos, los propios protagonistas se detienen para escucharlo, reaccionan con sorpresa, se ríen, lo felicitan e incluso terminan cantando o improvisando junto a él, transformando cada video en un momento único.</p><ul><li>Arcángel</li></ul><ul><li>Lunay</li></ul><ul><li>Lil Baby</li></ul><ul><li>Jordan 23</li></ul><ul><li>Luar La L</li></ul><ul><li>Morad</li></ul><ul><li>Myke Towers</li></ul><ul><li>El Alfa</li></ul><ul><li>Lamine Yamal</li></ul><ul><li>Miky Woodz</li></ul><ul><li>Anuel AA</li></ul><ul><li>Eladio Carrión</li></ul><ul><li>Ozuna</li></ul><ul><li>Beéle</li></ul><ul><li>Blessd</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Ilia Topuria</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@kevincitooficial11/video/7655587954831789334" data-video-id="7655587954831789334" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@kevincitooficial11/video/7655587954831789334?lang=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Gracias a un formato que mezcla improvisación, humor y encuentros inesperados con algunas de las mayores figuras de la música y el deporte, Kevincito logró construir una identidad propia dentro de las redes sociales. Hoy, cada uno de sus videos reúne millones de visualizaciones y confirma que una idea original puede convertirse en uno de los fenómenos digitales más llamativos del panorama latinoamericano.</p>

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Kevincito, el fenómeno viral que rapea junto a figuras como Myke Towers, Arcángel y Ozuna

<p>Con el anuncio del calendario de una nueva temporada de Red Bull Batalla y, seguramente, la llegada de futuras citas que marcarán el ritmo del calendario de la escena hispanohablante, desde Street Art Latam te traemos todos los conceptos técnicos que sí o sí tenés que conocer antes de ver una competencia de freestyle.</p><h2>Conceptos técnicos de la improvisación</h2><p>Más allá de la creatividad, el freestyle cuenta con herramientas y recursos técnicos que los MCs utilizan para construir sus rimas y generar impacto durante una batalla.</p><ul><li>Punchline: remate de una rima diseñado para generar impacto en el rival, el público o los jueces.</li></ul><ul><li>Métrica: forma en que un MC organiza las sílabas y tiempos de sus rimas para adaptarse al beat.</li></ul><ul><li>Calambur: juego de palabras que modifica el significado de una frase mediante la combinación o separación de sílabas.</li></ul><ul><li>Flow: capacidad de adaptarse al ritmo instrumental manteniendo fluidez y musicalidad.</li></ul><ul><li>Patrón: secuencia de rimas construida con una misma estructura métrica.</li></ul><ul><li>Doble tempo: técnica que consiste en rapear a una velocidad superior a la base.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b254467778.png" alt=""><figcaption>Rapder y Skone batallando cara a cara en Escena Capital (Instagram/Rapder).</figcaption></figure><h2>Términos utilizados en las competencias</h2><p>Además de los recursos técnicos, las batallas cuentan con formatos y reglas específicas que dieron origen a conceptos propios de la competencia.</p><ul><li>Réplica: desempate que ocurre cuando los jueces consideran que no hubo un ganador claro.</li></ul><ul><li>Respuesta: contestación inmediata a algo dicho por el oponente.</li></ul><ul><li>Easy Mode: formato donde los competidores reciben palabras relativamente sencillas para improvisar.</li></ul><ul><li>Hard mode: modalidad con restricciones mayores y palabras más complejas.</li></ul><ul><li>Minuto libre: instancia donde el MC puede rapear sin condicionantes ni palabras obligatorias.</li></ul><ul><li>Sangre: ronda centrada en el ataque directo.</li></ul><ul><li>4x4: intercambio de cuatro compases por participante.</li></ul><ul><li>8x8: intercambio de ocho compases por participante.</li></ul><ul><li>Temática: modalidad donde los participantes deben improvisar sobre un tema determinado.</li></ul><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/las-batallas-mas-vistas-en-la-historia-de-batalla-de-maestros/1778"><u><em>Las batallas más vistas en la historia de Batalla de Maestros</em></u></a></p><h2>La jerga más utilizada dentro de la escena</h2><p>Como ocurre en cualquier movimiento cultural, el freestyle también desarrolló expresiones y términos propios que forman parte del día a día de sus protagonistas.</p><ul><li>MC: se utiliza para referirse a los freestylers o raperos.</li></ul><ul><li>Beat: base instrumental sobre la que improvisan los competidores.</li></ul><ul><li>Host: presentador encargado de conducir una competencia.</li></ul><ul><li>DJ: encargado de la música durante la competencia.</li></ul><ul><li>Barra: cada una de las líneas o frases que forman una rima.</li></ul><ul><li>Cypher: rueda de improvisación entre varios raperos.</li></ul><ul><li>Plaza: espacio público donde suelen reunirse los freestylers para entrenar y competir.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_57c62ef05f.png" alt=""><figcaption>Larrix enfrentándose ante Valles-T en el escenario de Red Bull Batalla (Instagram/Larrix).</figcaption></figure>

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El diccionario del freestyle: los términos que tenés que conocer para entender una batalla

<p>Dentro del breaking argentino hay nombres que lograron trascender la lógica de la competencia para convertirse en verdaderas referencias de la disciplina, y Superpoderosas Crew ocupa un lugar especial en ese mapa.</p><p>Con casi dos décadas de trayectoria y figuras como B-Girl Cielo, B-Girl Carito y B-Girl Olivia entre sus integrantes, el colectivo se consolidó como uno de los grandes emblemas femeninos de la escena nacional.</p><h2>El colectivo que abrió camino para las mujeres en el breaking argentino: Superpoderosas Crew</h2><p>A lo largo y ancho de Latinoamérica, el breaking cuenta con emblemas y personalidades que no solo conquistaron la pista, sino que también se transformaron en pilares de la disciplina dentro de sus respectivos países. Y si hay que hablar de una de esas referencias dentro de la escena argentina, el nombre de Superpoderosas Crew aparece casi de forma inevitable.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b705f68163.png" alt=""><figcaption>Integrantes de Superpoderosas Crew (Instagram/Superpoderosas Crew).</figcaption></figure><p>Conformado en el año 2010, el grupo se consolidó como una de las grandes referencias del breaking nacional, no solo por su extensa trayectoria dentro del movimiento, sino también por el peso de sus integrantes en la escena local e internacional. Entre sus caras principales aparecen B-Girl Cielo, B-Girl Carito y B-Girl Olivia, tres referentes que lograron llevar el nombre del crew a competencias, encuentros y eventos de distintas partes del mundo, incluyendo escenarios ligados al universo de Red Bull y otras grandes vitrinas del breaking.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DW1M6ekiUKE/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DW1M6ekiUKE/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, la importancia de Superpoderosas Crew va mucho más allá de los resultados o de la presencia en torneos. El colectivo también ocupa un lugar pionero dentro de la historia del breaking argentino por haber nacido en un contexto donde la cantidad de agrupaciones todavía era reducida y, sobre todo, por consolidarse como una de las primeras crews femeninas de la movida a nivel nacional. En una disciplina históricamente dominada por hombres, el grupo encontró la manera de construir una identidad propia y de abrir camino para nuevas generaciones de bailarinas dentro de la cultura urbana.</p><h2>Superpoderosas Crew y el impulso femenino dentro de la escena urbana</h2><p>Sin embargo, la huella de Superpoderosas Crew no se explica únicamente por sus apariciones en competencias o por el recorrido individual de sus integrantes. En una escena donde no abundan los grupos femeninos capaces de sostener una identidad propia y consolidarse como referencia a lo largo del tiempo, el colectivo logró convertirse en una pieza clave del breaking argentino, tanto por su permanencia como por el lugar que ocupa dentro del movimiento.</p><p>A lo largo de casi una década y media de trabajo, el crew no solo representó a la disciplina en escenarios locales e internacionales, sino que también ayudó a visibilizar el rol de las mujeres dentro del breaking y a abrir nuevas puertas para bailarinas y bailarines de distintas generaciones.</p><p>Ya sea a través de eventos, encuentros, talleres o de su propia presencia dentro de la cultura urbana, Superpoderosas Crew construyó una referencia que excede lo competitivo y que hoy funciona como inspiración para quienes buscan abrirse camino dentro del universo del hip hop y la danza en Argentina.</p>

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Superpoderosas Crew, el emblema femenino del breaking en Argentina

<p>Desde la intimidad del óleo en el taller hasta la monumentalidad del mural en las calles de Europa y Latinoamérica, <strong>Guido Palmadessa</strong> construyó un cuerpo de obra que indaga en la condición humana. Formado en la Universidad Nacional de Arte (UNA) y radicado en <strong>Berlín</strong>, este artista visual transita una búsqueda estética que equilibra la tradición figurativa argentina con las dinámicas del arte público contemporáneo.</p><h3><strong>Del entorno familiar a los muros globales</strong></h3><p>El vínculo de Palmadessa con la creación visual no fue casual. Creció rodeado de estímulos en un entorno donde sus tíos artistas plásticos y las pinturas de su tía funcionaron como referencia temprana. Este interés, profesionalizado en la academia, dio un giro decisivo al entrar en contacto con grafiteros y muralistas que lo invitaron a cambiar la soledad del estudio por la adrenalina de la calle.</p><p>La <strong>identidad latinoamericana</strong> y la Nueva Figuración de los años 60 cimentaron su base teórica, enriquecida por disciplinas como la danza y el cine. <em>&quot;Ese cruce terminó de definir mi camino&quot;, </em>rememoró el artista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e9b5e366fb.png" alt=""><figcaption>Gelsenkirchen, Germany.</figcaption></figure><p>Esta base conceptual sostiene una visión donde la identidad individual es inseparable de la experiencia compartida. Para Palmadessa, las raíces y los viajes por la región configuran una <strong>identidad colectiva</strong> que guarda problemáticas comunes reflejadas en el arte. <em>&quot;La propia se constituye a partir de la colectiva&quot;, </em>reflexionó.</p><h3><strong>La tensión creativa: entre el óleo y el aerosol</strong></h3><p>El proceso creativo del artista se divide en dos soportes que, aunque nacen del mismo impulso, obedecen a tiempos distintos. En el espacio público, utiliza <strong>acrílicos al agua</strong> y herramientas industriales para resolver grandes superficies bajo la presión del tiempo. Mientras que en el taller, el <strong>óleo sobre lienzo</strong> le permite el error, el borrado y la introspección. Esta dualidad técnica derivó en una evolución estilística que pasó de una simbología ligada a culturas originarias hacia una pintura donde la materia y la textura son protagonistas.</p><p>Obras clave como <em>Mate en el tren Urquiza</em> (2017) marcaron un punto de inflexión hacia una pincelada más suelta, donde lo inacabado cobra sentido. <em>&quot;Me interesa esa tensión entre una mancha inicial y una figura que intenta aparecer sin borrar del todo el gesto previo,&quot; explicó.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_82ae270cc0.png" alt=""><figcaption>La intimidad del proceso.</figcaption></figure><h3><strong>El espacio público como hecho político</strong></h3><p><strong>Intervenir</strong> la trama urbana implica para el artista asumir una <strong>responsabilidad</strong> que trasciende lo estético. Lejos de ver una frontera entre la decisión formal y el impacto social, Palmadessa entiende que pintar una pared requiere organización, consenso y una lectura atenta del contexto. Ya sea en proyectos de arte público o festivales, busca generar entornos empáticos donde la obra despierte reflexiones latentes.</p><p>Sin embargo, trabajar en la calle conlleva aceptar la <strong>efimeridad</strong>. El deterioro o la desaparición de la obra son parte de las reglas del juego en el arte urbano, lo que obliga a practicar el desapego y entender los muros como una capa más de la naturaleza de la ciudad. <em>&quot;Prefiero pensar las paredes como una capa más de la naturaleza urbana, aunque trato de evitar proyectos pensados para desaparecer rápidamente,&quot; aclaró.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_df45ebc2dc.png" alt=""><figcaption>Between Freedom and Balance - Wuppertal, Germany 2023.</figcaption></figure><h3><strong>La ternura y la memoria como ejes temáticos</strong></h3><p>Si bien en sus inicios abordó tópicos como la migración y el trabajo, su producción reciente se concentra en las <strong>relaciones humanas</strong> y el contacto afectivo. Tiene como objetivo reivindicar la empatía en el espacio público, con composiciones que funcionan de manera similar a la memoria: fragmentarias y abiertas a múltiples lecturas. La improvisación se convierte así en una herramienta lúdica, mientras que el concepto de &quot;contacto&quot; actúa como forma de resistencia. <em>&quot;La ternura humana atraviesa todo mi trabajo,&quot; aseguró el muralista.</em></p><h3><strong>Resiliencia y comunidad en el arte actual</strong></h3><p>Palmadessa destaca la importancia de las redes de colaboración frente a un contexto mundial complejo y políticas culturales desiguales. Para él, el <strong>arte urbano en Latinoamérica</strong> se define por su potencia y diversidad, sostenido por una comunidad que resiste y crea pese a las dificultades. En este escenario, las plataformas digitales sirven como difusión, pero el artista insiste en que la experiencia física de la pintura es insustituible.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce562cdc25.png" alt=""><figcaption>Guido Palmadessa en acción.</figcaption></figure><p>Con una trayectoria que une continentes, su consejo para las nuevas generaciones se basa en la paciencia, el trabajo colectivo y la comprensión de los ciclos productivos. <em>&quot;Creo que lo importante es ser coherente con la obra, y saber entender los ciclos productivos,&quot; concluyó Palmadessa.</em></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Ck6g3bjoVxe/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/Ck6g3bjoVxe/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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Guido Palmadessa, la mirada de un artista argentino en Alemania

<p>La Velada del Año VI, organizada por Ibai Llanos, aterrizará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y volverá a reunir a algunos de los creadores de contenido, streamers y artistas musicales más populares del momento. Con combates confirmados, shows en vivo y transmisión gratuita, Street Art Latam te trae toda la información para no perderte ningún detalle del evento.</p><h2>Ibai Llanos vuelve a convertir Sevilla en la capital del streaming: así será la Velada del Año VI</h2><p>Desde su nacimiento en el año 2021, La Velada del Año se consolidó como uno de los eventos deportivos y de entretenimiento más importantes del mundo del streaming. Y esta temporada no será la excepción. Organizada por el español Ibai Llanos, la cita volverá a reunir a streamers, creadores de contenido, periodistas y artistas musicales en el Estadio La Cartuja de Sevilla, escenario donde se llevará a cabo la sexta edición del espectáculo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_64b15eaff8.png" alt=""><figcaption>El español Pereira combatiendo en la Velada del Año V (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>La jornada contará con figuras españolas como Viruzz, Plex y TheGrefg y celebridades del género urbano hispanohablante de la talla de Lit Killah y Kidd Keo, además de una fuerte presencia latinoamericana con nombres como el argentino Gastón Edul, la mexicana Rivers y el salvadoreño Fernanfloo, mientras que estrellas como Anuel AA, Bad Gyal y Yandel, entre otros artistas, protagonizarán los tradicionales shows musicales que acompañarán el evento entre combate y combate.</p><p>La sexta edición de La Velada del Año se celebrará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y podrá seguirse en directo y de forma gratuita a través de los canales oficiales del español Ibai Llanos en Twitch, YouTube y TikTok.</p><ul><li>España: 19:00 horas.</li></ul><ul><li>Argentina, Uruguay y Paraguay: 14:00 horas.</li></ul><ul><li>Chile, Venezuela, Bolivia, Puerto Rico, República Dominicana y Estados Unidos (Este): 13:00 horas.</li></ul><ul><li>Colombia, Perú, Ecuador, Panamá y Estados Unidos (Centro): 12:00 horas.</li></ul><ul><li>México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Estados Unidos (Montaña): 11:00 horas.</li></ul><ul><li>Estados Unidos (Oeste): 10:00 horas.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bc30c0f316.png" alt=""><figcaption>Ibai Llanos, la figura detrás de la Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><h2>¿Quiénes pelearán en la Velada del Año VI?</h2><p>Uno de los grandes atractivos de La Velada del Año VI volverá a ser su cartelera de combates. La sexta edición contará con un total de diez enfrentamientos—cinco</p><p>masculinos y cinco femeninos— protagonizados por streamers, creadores de contenido, periodistas, tiktokers y personalidades de internet de distintos países hispanoparlantes, en la programación más extensa desde la creación del evento.</p><ul><li>La Parce versus Fabiana Sevillano</li></ul><ul><li>Clersss versus Natalia MX</li></ul><ul><li>Edu Aguirre versus Gastón Edul</li></ul><ul><li>Marta Díaz versus Tatiana Kaer</li></ul><ul><li>Viruzz versus Gero Arias</li></ul><ul><li>Alondrissa versus Angie Velasco</li></ul><ul><li>Lit Killah versus Kidd Keo</li></ul><ul><li>Samy Rivers versus RoRo</li></ul><ul><li>Plex versus Fernanfloo</li></ul><ul><li>IlloJuan versus TheGrefg</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3003b3ad6b.png" alt=""><figcaption>Viruzz y Tomás Mazza enfrentándose en la Velada del Año (Velada del Año).</figcaption></figure><p>La jornada, que tendrá su primer combate a las 19:45 hora española, comenzará con el duelo femenino entre Fabiana Sevillano y La Parce y acabará con el enfrentamiento estelar de la cartelera protagonizado por los españoles IlloJuan y TheGrefg, que se estipula que se llevará a cabo a las 02:00 hora española.</p><h2>Anuel AA, Bad Gyal y Yandel: los artistas que pondrán música a la Velada del Año VI</h2><p>Más allá de los combates arriba del ring, La Velada del Año VI volverá a apostar por uno de los sellos distintivos que la convirtieron en un fenómeno global: los shows musicales. Entre combate y combate, algunos de los artistas más importantes de la escena urbana española y latinoamericana serán los encargados de subir al escenario del Estadio La Cartuja, en una grilla que combina figuras consolidadas, referentes internacionales y algunas sorpresas de último momento.</p><ul><li>Lucho RK</li></ul><ul><li>La Pantera</li></ul><ul><li>Bad Gyal</li></ul><ul><li>Anuel AA</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Juanes</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, la lista todavía no está completa. El propio Ibai Llanos confirmó en redes sociales que habrá artistas sorpresa cuya participación recién se dará a conocer durante el desarrollo del evento en Sevilla, manteniendo una de las tradiciones más esperadas de cada edición de La Velada del Año.</p>

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Todo lo que tenés que saber sobre la Velada del Año VI de Ibai Llanos

<p>Charly García volvió a dejar su huella en las calles porteñas. En la terraza de la emblemática esquina de Corrientes y Callao, el muralista Martín Ron inauguró un homenaje de casi 200 metros cuadrados inspirado en la icónica portada de “Clics Modernos”, convirtiendo a la obra en uno de los nuevos puntos culturales de Buenos Aires.</p><h2>Charly García ya tiene un nuevo homenaje gigante en las calles de Buenos Aires</h2><p>Hablar del rock argentino es, casi de manera inevitable, hablar de Charly García. Canciones como “Demoliendo hoteles”, “Nos siguen pegando abajo”, “Los dinosaurios” o “No voy en tren”, discos que marcaron generaciones y conciertos que quedaron grabados para siempre en la memoria colectiva transformaron al músico en una de las figuras más importantes de la historia cultural del país.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1684e012ba.png" alt=""><figcaption>Vista del mural en homenaje a Charly García hecho por Martín Ron en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure><p>Y en los últimos días, el legado del artista volvió a dejar su huella en la Ciudad de Buenos Aires con la inauguración de un gigantesco mural realizado por Martín Ron, uno de los muralistas más reconocidos del mundo.</p><p>La tradicional disquería y librería Zivals, ubicada en la emblemática esquina de las avenidas Corrientes y Callao, decidió celebrar un nuevo aniversario convocando al artista argentino para crear una intervención dedicada a Charly García: el resultado fue &quot;Modern Streets&quot;, un mural de casi 200 metros cuadrados emplazado sobre la terraza del histórico local.</p><p>La obra toma como inspiración la icónica portada de “Clics Modernos”, el álbum que Charly lanzó en 1983, reinterpretando aquella histórica fotografía tomada en Nueva York. Sin embargo, la versión creada por Martín Ron traslada el espíritu de aquella imagen a Buenos Aires, incorporando escenas y elementos característicos del paisaje urbano porteño, en un diálogo entre las dos ciudades que marcaron la historia del músico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZDra5Gh6vC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZDra5Gh6vC/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto contó además con la participación de los artistas Mariana Parra, OBLVKIZMO y Emiliano Mariani, quienes acompañaron el proceso creativo de una de las intervenciones urbanas más importantes inauguradas recientemente en la capital argentina.</p><p>&quot;<em>Gracias a todos los que pasaron, miraron, tocaron bocina, frenaron un rato o compartieron una charla durante estos días de pintura. La calle y todo lo que allí sucede también forma parte importante de la obra</em>&quot;, escribió Martín Ron en sus redes sociales.</p><p>El propio muralista explicó que la intención fue trasladar a la pared esa mezcla de ciudad, modernidad, arte callejero y sensibilidad que Charly García convirtió en una marca registrada de su carrera, uniendo la Nueva York de los años 80 con una Buenos Aires que sigue respirando cultura en cada una de sus esquinas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce0cacbd62.png" alt=""><figcaption>Martín Ron sentado junto a su homenaje a Charly García (Martín Ron).</figcaption></figure><p>Con su inauguración, “Modern Streets” no solo se suma al extenso catálogo de obras de Martín Ron, sino que también se convierte en uno de los homenajes urbanos más importantes dedicados a Charly García y en una nueva parada obligada para fanáticos del rock argentino y del arte urbano en la Ciudad de Buenos Aires.</p><h2>¿Quién es Martín Ron, el artista detrás del mural de Charly García?</h2><p>Más allá de encontrarse en boca de todos por ser el responsable del nuevo mural en homenaje a Charly García en el corazón de Buenos Aires, Martín Ron cuenta con el privilegio de ser uno de los máximos referentes del muralismo argentino y uno de los artistas urbanos más reconocidos a nivel internacional.</p><p>Con más de 400 obras realizadas a lo largo de su trayectoria, el muralista bonaerense dejó su huella no solo en distintos rincones de Argentina, sino también en ciudades de renombre mundial como Miami, Londres, Berlín, Bristol y Tenerife, consolidándose como uno de los grandes embajadores del arte urbano nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ec7523e709.png" alt=""><figcaption>Martín Ron, el muralista detrás del homenaje artístico a Charly García en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure><p>Su currículum artístico incluye intervenciones gigantes dedicadas a algunas de las figuras más importantes de la cultura y la historia argentina, con murales en homenaje a Diego Armando Maradona, Lionel Messi y el Papa Francisco, entre muchos otros personajes icónicos.</p><p>Ahora, con “Modern Streets”, Martín Ron suma una nueva obra a su extenso legado artístico y vuelve a demostrar por qué es considerado uno de los grandes nombres del muralismo contemporáneo, transformando una de las esquinas más emblemáticas de Buenos Aires en un nuevo homenaje a la figura y el legado de Charly García.</p>

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Así es el mural de Charly García que transforma una de las esquinas más icónicas de Buenos Aires

<p>En medio del crecimiento de la calistenia en Argentina y Latinoamérica, Axel Dubin se convirtió en uno de los principales divulgadores de la disciplina, combinando entrenamiento, educación y contenido digital para miles de personas.</p><h2>Conocé a Axel Dubin, el emblema argentino de la calistenia</h2><p>Las redes sociales se han convertido en el escenario ideal para que cualquier persona construya su propio universo digital. Desde la gastronomía y el turismo, pasando por los videojuegos, la moda y, por supuesto, el deporte, internet permitió que distintas disciplinas encontraran comunidades propias y nuevos referentes. Incluso aquellas prácticas que durante años ocuparon un lugar de nicho lograron expandirse y conquistar a millones de personas alrededor del mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_135bf91792.png" alt=""><figcaption>Axel Dubin haciendo calistenia en Puerto Madero (Instagram/Axel Dubin).</figcaption></figure><p>Uno de esos casos es el de la calistenia, disciplina que en los últimos años experimentó un enorme crecimiento tanto en Argentina como en Latinoamérica, impulsada por la búsqueda de entrenamientos al aire libre y el auge del contenido fitness en plataformas digitales. Y si hay que hablar de uno de los grandes referentes argentinos de este movimiento, el nombre de Axel Dubin aparece prácticamente de manera obligatoria.</p><p>Con casi una década de trayectoria, más de 1.500 alumnos formados y una comunidad que supera los 250.000 seguidores en redes sociales, Axel Dubin se consolidó como uno de los principales emblemas digitales de la calistenia argentina.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/como-meterte-en-el-mundo-de-la-calistenia-desde-cero/962"><u><em>¿Cómo meterte en el mundo de la calistenia desde cero?</em></u></a></p><p>Sus videos entrenando en plazas y parques, corrigiendo técnicas, enseñando ejercicios y compartiendo distintos desafíos físicos acumulan cientos de miles de reproducciones y lo posicionaron como una de las caras más reconocidas de la disciplina en el país.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYCcLGXxqIm/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYCcLGXxqIm/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, su impacto va mucho más allá de las redes sociales. A lo largo de los años, Axel Dubin construyó una propuesta integral alrededor de la calistenia, combinando la creación de contenido con la enseñanza y la formación profesional. Cursos para instructores, entrenamientos personalizados con seguimiento, programas específicos, guías de nutrición y distintos proyectos educativos forman parte de una carrera que lo convirtió en uno de los nombres más importantes del universo de la calistenia en Argentina.</p><h2>Los cursos y programas de Axel Dubin para aprender calistenia</h2><p>Más allá de haber construido su propio nombre dentro de la calistenia y convertirse en uno de los principales referentes argentinos tanto en redes sociales como fuera de ellas, el trabajo de Axel Dubin va mucho más allá de la creación de contenido.</p><p>Aunque internet se convirtió en una de las grandes plataformas para expandir su figura, el corazón de su proyecto está puesto en la enseñanza y en la formación de nuevas generaciones de atletas y entrenadores.</p><p>Lejos de limitarse a los entrenamientos personalizados, Axel Dubin desarrolló una plataforma integral dedicada a la calistenia, con distintas propuestas adaptadas a todos los niveles y objetivos:</p><ul><li><strong>Curso de Instructor de Calistenia</strong>, con certificación incluida y formación profesional.</li></ul><ul><li><strong>Coaching VIP, </strong>con entrenamientos personalizados y seguimiento profesional.</li></ul><ul><li><strong>E-books y guías de entrenamiento y nutrición</strong>, pensados para complementar el aprendizaje.</li></ul><ul><li><strong>Cursos específicos</strong>, dedicados a habilidades como Planche, Handstand, One Arm Handstand, Muscle Up, Front Lever, flexiones en vertical y fundamentos técnicos de la disciplina.</li></ul><ul><li><strong>Programas estructurados</strong>, diseñados para distintos niveles de experiencia y objetivos deportivos.</li></ul><ul><li><strong>Programas de creación de contenido y marca personal</strong>, orientados a quienes buscan desarrollarse profesionalmente dentro del mundo fitness.</li></ul><ul><li><strong>Retos y desafíos para principiantes</strong>, creados para quienes desean iniciarse en el universo de la calistenia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_216fbf8ff7.png" alt=""><figcaption>Axel Dubin haciendo calistenia en las calles de Buenos Aires (Instagram/Axel Dubin).</figcaption></figure><p>De esta manera, el universo de Axel Dubin trasciende su propio recorrido como atleta e instructor. A través de sus cursos, programas y propuestas educativas, el argentino logró construir una comunidad que comparte una misma pasión y un objetivo en común: difundir la calistenia y acercar la disciplina a cada vez más personas, sin importar su edad o nivel de experiencia.</p><h2>Axel Dubin en redes sociales: cómo enseña calistenia a miles de personas</h2><p>Más allá de su trayectoria como instructor y referente de la calistenia, Axel Dubin encontró en las redes sociales una herramienta ideal para acercar la disciplina a miles de personas. Con una comunidad que supera los 250.000 seguidores, el argentino convirtió plataformas como Instagram en una especie de aula virtual, donde comparte entrenamientos, ejercicios y distintas situaciones de su día a día como entrenador.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXaaKWVkSGM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXaaKWVkSGM/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero el éxito de su contenido va mucho más allá del entretenimiento. Gran parte de sus publicaciones muestran el progreso de sus alumnos, corrigen errores técnicos frecuentes y explican de manera sencilla cómo ejecutar distintos movimientos de la calistenia, permitiendo que tanto sus estudiantes como cualquier persona que siga sus videos pueda aprender, perfeccionar su técnica y aplicar esos conocimientos en sus propios entrenamientos.</p><p>De esta manera, Axel Dubin logró trasladar la enseñanza de la calistenia desde los parques y gimnasios hacia el universo digital, consolidándose como uno de los principales divulgadores argentinos de la disciplina.</p>

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¿Quién es Axel Dubin, el referente argentino que impulsa la calistenia?

<p>En medio de la ola de colaboraciones que unieron a la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, Willy Chavarría presentó junto a adidas “Comienza con el Sueño”, una colección inspirada en el fútbol, la identidad mexicana y el lenguaje del streetwear.</p><p>Sin embargo, la propuesta no se quedó únicamente en el terreno futbolero y terminó ganando visibilidad en el vestuario de figuras latinas como Kenia OS, Peso Pluma y J Balvin.</p><h2>Moda, fútbol y cultura latina: el corazón de “Comienza con el Sueño”, la colección de Willy Chavarría junto a adidas</h2><p>Dentro de la ensalada de colaboraciones que han unido a la industria de la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, hay una que logró destacarse por encima del resto. Se trata de “Comienza con el Sueño”, la colección lanzada por adidas junto al diseñador Willy Chavarría, una propuesta que encuentra en el fútbol, la identidad mexicana y la alta costura del streetwear los pilares de toda su narrativa.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36e79c396a.png" alt=""><figcaption>La estética de la colección entre Willy Chavarría y adidas (Instagram/Willy Chavarría).</figcaption></figure><p>Nacido en Fresno y criado en el Valle de San Joaquín, en California, Chavarría trasladó a la cápsula algunos de los rasgos más característicos de su universo creativo: siluetas oversize, sastrería de alto impacto y una fuerte conexión con la cultura latina.</p><p>Uno de los grandes focos de la colección está puesto en la indumentaria. Entre las prendas más llamativas aparece una camiseta de cuello tipo polo en tonos verde, amarillo y rosa que funciona como una reinterpretación de la icónica casaca que vistió Jorge Campos durante el Mundial de Estados Unidos 1994. A eso se suman chándales y shorts con las inscripciones “México” y “Chavarría”, además de gorras, blazers, pantalones y camisas abotonadas confeccionadas bajo la estética habitual del diseñador, con bordados y el eslogan “Comienza con el Sueño” impreso sobre distintas piezas de la colección.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZaGjh1IJtH/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZaGjh1IJtH/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En ese marco también aparecen piezas como los modelos Willy Mega Low y los Megaride AG XL, dos variantes de calzado que combinan proporciones urbanas con guiños a los botines de fútbol tradicionales y a la estética del Mundial.</p><h2>La huella de Willy Chavarría en el vestuario de Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin</h2><p>Sin embargo, “Comienza con el Sueño” no solo se consolidó como una de las propuestas más llamativas dentro del cruce entre la Copa del Mundo y la moda urbana, sino que también logró instalarse en el vestuario de algunas de las figuras más importantes de la música latina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f79c62f8af.png" alt=""><figcaption>Kenia OS como cara de la colección de Willy Chavarría x adidas (Instagram/Kenia OS).</figcaption></figure><p>Nombres como Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin fueron vistos con prendas vinculadas al universo creativo de Willy Chavarría, reforzando el alcance cultural de una colección que trascendió el terreno estrictamente futbolero.</p><p>En ese recorrido, una de las figuras más ligadas a la propuesta fue Kenia OS, quien apareció como una de las caras visibles de la colección y formó parte de distintas sesiones fotográficas vinculadas a su presentación. A su lado también apareció Peso Pluma, otro de los artistas que ayudó a potenciar la visibilidad de la cápsula y que incluso fue visto durante el NBA All-Star Weekend con prendas de la colaboración entre adidas y el diseñador nacido en Fresno.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b1817cff9.png" alt=""><figcaption>Los diseños de Willy Chavarría en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá vestidos por J Balvin (Getty Images).</figcaption></figure><p>A esa lista se suma J Balvin, aunque en su caso el vínculo no se dio de manera directa con “Comienza con el Sueño”, sino con el propio Willy Chavarría. El colombiano fue uno de los protagonistas de la apertura musical de la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá en el Estadio Azteca, donde lució un vestuario diseñado exclusivamente por el creador estadounidense de raíces mexicanas. Un detalle que no pasa inadvertido si se tiene en cuenta la histórica cercanía de J Balvin con Nike: que el artista haya dejado de lado, al menos por un momento, ese universo para vestir una propuesta de Chavarría también funciona como una muestra del peso que el diseñador ha ganado dentro de la moda y la cultura pop latina.</p>

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De Peso Pluma a J Balvin: así llegó Willy Chavarría al vestuario de las figuras latinas

<p>Luis Rincón, uno de los principales referentes del BMX freestyle colombiano y latinoamericano, fue homenajeado con un mural en el Parque Fontanar del Río de Bogotá. Realizada por el artista urbano RYTMO, la obra une deporte, arte y espacio público para celebrar la trayectoria del rider bogotano en las calles de la capital.</p><h2>Luis Rincón ya tiene su mural en Bogotá: así es el homenaje al rider colombiano</h2><p>No hay dudas de que, en los últimos años, Latinoamérica se consolidó como una de las regiones protagonistas del BMX freestyle a nivel internacional. Figuras como José Torres Gil de Argentina y Macarena Pérez de Chile ayudaron a impulsar el crecimiento de la disciplina, mientras que Colombia encontró en nombres como las hermanas Villegas, Queen Saray y, por supuesto, Luis Rincón, algunos de sus máximos exponentes.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_910aecd2ab.png" alt=""><figcaption>Vista del mural hecho por RYTMO en homenaje a Luis Rincón (IDRD Bogotá).</figcaption></figure><p>Y en los últimos días, el rider bogotano volvió a ser noticia gracias a la inauguración de un mural homenaje en el Parque Fontanar del Río, una intervención que une deporte, arte urbano y espacio público en una de las zonas más representativas de la capital colombiana.</p><p>Realizada por el artista urbano RYTMO, la obra busca reconocer la trayectoria deportiva de Luis Rincón a través de tres imágenes que retratan algunos de los momentos más importantes de su carrera:</p><ul><li>Luis Rincón montado sobre su bicicleta, en la imagen central del mural.</li></ul><ul><li>El rider en pleno vuelo, ejecutando uno de sus característicos trucos.</li></ul><ul><li>El deportista celebrando el título obtenido en el Brussels Urban Sessions, sosteniendo el trofeo de campeón.</li></ul><p>Impulsado por el Instituto Distrital de Recreación y Deporte (IDRD), el proyecto busca destacar el aporte del BMX freestyle al deporte bogotano y reconocer a uno de sus máximos referentes contemporáneos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0875770b36.png" alt=""><figcaption>Luis Rincón firmando con aerosol su homenaje en Bogotá (IDRD Bogotá).</figcaption></figure><p>La inauguración del mural también contó con una exhibición de BMX freestyle junto a niñas, niños y jóvenes, promoviendo el deporte urbano entre las nuevas generaciones. Incluso, el propio Luis Rincón visitó la obra y dejó su firma con aerosol sobre el mural, convirtiéndose en parte del homenaje que celebra su carrera.</p><p>Más allá de transformarse en una nueva intervención dentro del paisaje urbano de Bogotá, el mural de RyTMO también se consolida como un reconocimiento al impacto de Luis Rincón dentro del BMX freestyle colombiano y latinoamericano, inmortalizando su legado en una de las paredes más emblemáticas de la ciudad.</p><h2>¿Quién es RYTMO, el artista detrás del mural de Luis Rincón?</h2><p>Más allá de ser el responsable del reciente homenaje a Luis Rincón en el Parque Fontanar del Río, RYTMO es uno de los grandes referentes del muralismo contemporáneo en Bogotá, con intervenciones que lograron transformar distintos espacios públicos de la capital colombiana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_99f87889ab.png" alt=""><figcaption>El mural de RYTMO en homenaje a Gabriel García Márquez en las calles de Bogotá (RYTMO).</figcaption></figure><p>Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra un imponente mural de más de 400 metros cuadrados dedicado a Gabriel García Márquez, realizado a diez años del fallecimiento del escritor colombiano. Ubicada en la emblemática intersección de la Calle 13 con Carrera Décima, la obra explora el universo literario del Premio Nobel y se convirtió en uno de los murales más representativos de la ciudad.</p><p>Integrante del colectivo “Fuego en el 23”, RYTMO desarrolló un estilo que combina el realismo con el arte urbano contemporáneo, llevando sus creaciones a distintos puntos de Bogotá y consolidándose como una de las figuras más importantes del muralismo colombiano actual.</p>

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Bogotá homenajeó a Luis Rincón con un mural gigante dedicado al BMX Freestyle

<p>Seguir el ritmo del género urbano no es tarea sencilla. Entre lanzamientos, colaboraciones, anuncios de giras y movimientos constantes dentro de la industria, mantenerse actualizado requiere estar atento todo el tiempo, y para eso existe ElBoyGénero, uno de los principales referentes informativos del género urbano en redes sociales.</p><h2>El argentino que informa el día a día del género urbano: ElBoyGénero</h2><p>Uno de los movimientos culturales más importantes de Latinoamérica y que más masas moviliza dentro de las redes sociales es, sin lugar a dudas, el género urbano.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7509233304739056901" data-video-id="7509233304739056901" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7509233304739056901" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde lanzamientos de canciones y álbumes hasta anuncios de giras, colaboraciones inesperadas o récords de reproducciones, las novedades del movimiento mantienen la atención de millones de fanáticos en todo el continente.</p><p>Y alrededor de artistas, discos y lanzamientos no solo surgen nuevos talentos que alimentan la escena, sino también creadores de contenido especializados en seguir cada paso de la industria. Así como hay quienes dedican sus plataformas a la actualidad deportiva, la moda o la política, también existen perfiles enfocados exclusivamente en el universo urbano, y uno de los nombres que mejor representa este fenómeno es ElBoyGénero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4600a55609.png" alt=""><figcaption>ElBoyGénero en el Buenos Aires Trap (Instagram/ElBoyGénero).</figcaption></figure><h2>ElBoyGénero y las redes sociales: el noticiero del género urbano</h2><p>Con más de 150 mil seguidores en redes sociales y una comunidad que acompaña cada una de sus publicaciones, el argentino se consolidó como uno de los principales referentes digitales del género urbano en habla hispana. A través de un contenido que funciona como un verdadero noticiero especializado, ElBoyGénero se convirtió en uno de los “referentes periodísticos” de la industria musical latinoamericana en redes: noticias sobre los principales artistas del momento, lanzamientos de canciones, colaboraciones, álbumes, anuncios de giras y todo aquello que impacta en la escena.</p><h2>El contenido de ElBoyGénero: debates, rankings y desafíos musicales</h2><p>Pero su propuesta va mucho más allá de la actualidad. También construyó una identidad propia mediante desafíos, rankings, debates entre artistas, repasos históricos de discos, canciones y colaboraciones que marcaron distintas épocas del movimiento, transformando sus redes en un punto de encuentro para fanáticos de todas las generaciones.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7512965044330630405" data-video-id="7512965044330630405" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7512965044330630405" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Su crecimiento dentro de la comunidad urbana también quedó reflejado en colaboraciones junto a figuras como Álvaro Díaz y Darell, con quienes realizó contenidos especiales que refuerzan su cercanía con algunos de los nombres más importantes de la escena. Hoy, ElBoyGénero no solo informa sobre lo que ocurre dentro del movimiento, sino que se convirtió en una referencia para quienes buscan estar al día con cada novedad del género urbano.</p>

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El noticiero del género urbano tiene acento argentino

<p>El inicio de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá ha puesto a Lionel Messi en los ojos de todo el mundo, una vez más: hat-trick en el debut ante Argelia, doblete frente a Austria y la consagración como máximo goleador histórico de la competición. Pero el fenómeno trascendió el verde césped, y el capitán de la Selección argentina se convirtió en la cara de murales en Kansas City y Dallas.</p><h2>La obra que lleva la figura de Messi al corazón de Kansas City</h2><p>El debut de la Selección argentina en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, que acabó con victoria tres a cero a favor del combinado latinoamericano con un hat-trick de Lionel Messi, no solo colmó la ciudad de Kansas de aficionados argentinos, sino que también conquistó la escena artística de la zona.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4e067a8623.png" alt=""><figcaption>Primer plano del mural en homenaje a Lionel Messi en las calles de Kansas City (Instagram/Mister Alek).</figcaption></figure><p>En la esquina de Main Street y West 20th Street, en pleno corazón de Kansas City, el muralista Mister Alek –artista nacido en Ecuador y criado en la ciudad de Los Ángeles, el rostro de Lionel Messi dejó su marca en una de las paredes exteriores del restaurante mexicano Señorita Margarita. La intervención representa un primer plano del máximo goleador en la historia de los Mundiales mirando hacia adelante con la camiseta de la Selección argentina puesta sobre un fondo de color azulado.</p><p>Pero más allá de la intervención realizada en homenaje al capitán de la Selección argentina, el muralista ecuatoriano, reconocido por retratar celebridades de la talla de Salvador Dalí, Frida Khalo, Kobe Bryant y César Chávez, también plasmó en los muros de la ciudad de Kansas a Willian Pacho, emblema de La Tri y bicampeón de la UEFA Champions League con PSG.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/los-murales-de-messi-que-conquistan-las-calles-argentinas-rumbo-al-mundial/1000213"><u><em>Los murales de Messi que conquistan las calles argentinas rumbo al Mundial</em></u></a></p><p>Una pieza que no solo se convirtió en un tributo artístico a dos de los grandes futbolistas latinoamericanos, sino que también transformó uno de los muros de la ciudad estadounidense a través de la cultura futbolera del continente.</p><h2>El homenaje a Messi que apareció en las calles de Dallas</h2><p>Y en paralelo, la ciudad de Dallas, metrópoli donde la Selección argentina se impuso ante Austria en el segundo partido de la fase de grupos del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá con otras dos anotaciones de su capitán, también inmortalizó artísticamente la figura de Lionel Messi.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ0A6NFOgY0/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ0A6NFOgY0/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y es que sobre las calles Elm Street y Crowdus Street, a poco más de veinte minutos del AT&amp;T Stadium, el rostro del futbolista de Inter Miami conquistó una de las paredes del espacio público. Realizado por el artista Joe Skilz –muralista local con más de dos décadas de trayectoria en la escena del arte urbano– a pedido de la Deep Ellum Foundation, la obra muestra al delantero argentino de perfil, acompañado del Sol de Mayo, el escudo de la Selección argentina y la frase “con toda la fuerza”, en una paleta de colores donde el azul, el amarillo y el blanco toman gran parte del protagonismo de la intervención.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eeeb7d32ee.png" alt=""><figcaption>El mural de Lionel Messi hecho por Joe Skilz en Dallas (Instagram/Joe Skilz).</figcaption></figure><p>Entre otros elementos que conforman la pieza artística, el muralista dalista también añadió una pelota de fútbol, la bandera argentina y la inscripción “Vamos Argentina”.</p><p>La obra no fue realizada en uno de los muros de la ciudad y ya. La presentación contó con la presencia de una multitud de aficionados argentinos que aprovecharon su viaje para alentar a la Scaloneta en el duelo ante Austria y copar la intervención con banderas y redoblantes para ponerle color y ritmo al nuevo mural en tierras texanas.</p>

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Los murales de Messi que transforman las calles de Estados Unidos

<p><strong>Juan Pablo (JP)</strong> es un artista de la <strong>Región de Valparaíso</strong> que transforma los muros grises en portales hacia lo sagrado. Con una trayectoria que inició a los <strong>26 años</strong> tras abandonar la oficina de <strong>arquitectura</strong>, hoy combina la creación de <strong>murales urbanos</strong> con la <strong>educación artística</strong> en escuelas y talleres particulares.</p><h3><strong>El arte como un portal hacia la locura y el misterio</strong></h3><p>Para JP, el <strong>espacio público</strong> es el escenario ideal para una búsqueda personal que intenta alcanzar un punto medio entre el autor y el espectador. En su visión entiende la creación como un vehículo de <strong>experiencias sensibles</strong> donde el lenguaje humano funciona como un puente entre lo material y lo espiritual.</p><p>Busca generar un éxtasis similar al de la <strong>poesía</strong>. <em>&quot;El arte es un rasgo de la locura, una antena que te conecta con el misterio de la existencia&quot;</em>, afirma. Bajo esta premisa, la razón y la intuición se funden en una <strong>certeza corporal</strong> que todos los seres humanos pueden compartir y resonar.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_834235b844.png" alt=""><figcaption>Bonneuil-sur-Marne, París, septiembre de 2025. Intervención realizada para un festival, retratando a los trabajadores del puerto en su entorno natural a orillas del río Marne.</figcaption></figure><h3><strong>Símbolos en la ruta latinoamericana</strong></h3><p>La temática de sus piezas no es azarosa. Existe un hilo conductor que une el <strong>sincretismo religioso</strong>, la <strong>figuración simbólica</strong> y el <strong>misticismo</strong>. El haber viajado como mochilero por el continente fue la llave para entender una raíz común basada en la <strong>resiliencia</strong> y la <strong>camaradería colectiva</strong>. Este sentimiento atraviesa toda su obra. <em>&quot;Hay un sentimiento latinoamericano que atraviesa todo mi trabajo&quot;</em>, reconoce.</p><p>En su paleta técnica, el uso de <strong>pintura acrílica</strong>, rodillos y <strong>pigmentos metálicos</strong> define su estilo, donde el <strong>color cobre</strong> es su herramienta favorita para dinamizar los brillos de la obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_705270ac9a.png" alt=""><figcaption>Intervención en Metro Estación Hospital, Viña del Mar.</figcaption></figure><h3><strong>El proceso creativo</strong></h3><p>A diferencia de otros autores, JP utiliza la <strong>poesía</strong> y la <strong>literatura</strong> como los cimientos de sus imágenes. Tiene una metodología equilibrada y delicada. Prepara una base sólida mediante <strong>collages</strong> y <strong>referencias fotográficas</strong>, pero deja un margen amplio para que la obra respire y cambie durante la ejecución.</p><p>Por otro lado, JP valora la incertidumbre del proceso.<em>&quot;Disfruto más el trabajo cuando hago exploración en el mural mientras proyecto los resultados&quot;</em>, explica. Esta flexibilidad le permite que el <strong>boceto inicial</strong> mute significativamente, de manera que un 30% del resultado final queda a merced de lo que ocurra en el momento frente a la pared.</p><p><em>Leé también: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-arte-que-conecta-con-la-realidad-by-nandy-mondragon/771"><u><em>El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón</em></u></a></p><h3><strong>La comunidad como el soporte principal</strong></h3><p>Aunque factores como el <strong>clima y la lluvia</strong> en lugares como <strong>Gran</strong> <strong>Bretaña</strong> condicionan su planificación, el artista prioriza el <strong>vínculo social</strong> sobre cualquier obstáculo técnico. La calle es su soporte principal porque requiere una sensibilidad especial hacia los lugares y permite ejercitar <strong>lazos comunitarios</strong> genuinos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_17633944cf.png" alt=""><figcaption>“A la tierra”, mural para el pueblo de Vimioso, Portugal.</figcaption></figure><p>JP comulga con la filosofía de Violeta Parra “los vecinos en el centro de la experiencia”. <em>&quot;Me quedo con la gente, porque el contexto social es un ingrediente relevante en la obra&quot;</em>, sostiene. Para él, ser un agente dentro de una <strong>red de personas</strong> es lo que da sentido a la cultura en el espacio público.</p><h3><strong>Identidad y rechazo a las fórmulas repetitivas</strong></h3><p>El trabajo de JP está en constante metamorfosis. El artista integra paulatinamente la <strong>abstracción</strong> para ampliar su capacidad expresiva sin perder la <strong>figuración</strong> como vehículo de comunicación básico.</p><p>A pesar de la presión actual por la presencia digital, prefiere gestionar su carrera mediante <strong>contactos directos</strong> y correos electrónicos. Tiene una postura firme frente a la tecnología: <em>&quot;Quiero ser pintor, no un creador de contenido para las redes sociales&quot;</em>, <strong>sentencia</strong>.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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