Está ubicado Av. Corrientes 3266 y su nombre es VR Arena. Este parque de realidad virtual inmersivo es una experiencia de movimiento libre en la Ciudad de Buenos Aires. El establecimiento cuenta con tecnología de vanguardia y espacios diseñados para la interacción social. Una alternativa lúdica con tres áreas diferenciadas para diversos perfiles de usuarios.<h3>La arquitectura del juego</h3>La Arena VR tiene una imponente superficie de 200 metros cuadrados. Este espacio permite que grupos de hasta 10 personas se muevan con total libertad. El sistema utiliza sensores de alta precisión que registran cada paso de los participantes y suprime el uso de chalecos o cables para lograr una inmersión total. Además, el equipo inalámbrico garantiza que todos los desplazamientos se sientan naturales y fluidos.Dentro de la cartelera hay cinco juegos propios, entre ellos los populares Portal Strike y Portal Zombie. Los jugadores pueden elegir entre misiones cooperativas o desafíos tácticos al estilo laser tag.<h3>Planes, precios y cómo asegurar tu lugar</h3>El complejo ofrece diferentes opciones para que cada grupo arme su plan ideal:<ul><li>Sesiones de realidad virtual: bloques de 60 minutos en la zona VR por entre ARS 25.000 y 30.000. Las pasadas rápidas de 15 minutos tienen un valor inicial de ARS 9.000.</li></ul><ul><li>Zona PlayStation: la hora de juego en las PS5 sale aproximadamente ARS 8.000 durante los días hábiles.</li></ul><ul><li>Experiencia VIP: los grupos grandes pueden reservar la Arena completa para diez personas desde los ARS 120.000.</li></ul><ul><li>Regalos y promos: la empresa vende tarjetas regalo con montos personalizados.</li></ul><h3>Horarios y claves para tu visita</h3><ul><li>Días y horarios: de lunes a viernes desde las 12:00. Los sábados y domingos el horario es más extenso, de 10:00 a 23:00.</li></ul><ul><li>Reservas online: a través de <a href="https://vrarena.ar/">https://vrarena.ar/</a>. La confirmación del lugar requiere una seña anticipada del 50%.</li></ul><ul><li>Opiniones del público: Los clientes resaltan siempre la buena onda y la paciencia del personal en las reseñas.</li></ul><ul><li>Eventos especiales: el espacio es un clásico para cumpleaños y jornadas de Team Building corporativo.</li></ul><ul><li>Ubicación ideal: el acceso es súper directo gracias a la cercanía con la Línea B de subte (estación Carlos Gardel).</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1b027cd27.png" alt=""><figcaption>Un búnker tecnológico que transforma las salidas grupales [Imagen], por Blue Cinema.</figcaption></figure><h3>VR Zone y espacio PlayStation</h3>La VR Zone cuenta con cuatro estaciones fijas equipadas con la última tecnología de Meta Quest 3. Este sector tiene un catálogo enorme con más de 50 juegos para todos los gustos.El parque también tiene una sala dedicada a la PlayStation 5 con los lanzamientos más recientes del mercado. Los visitantes pueden relajarse en un lounge exclusivo entre cada partida. El complejo está diseñado para recibir a chicos desde los 8 años hasta adultos. Es el lugar ideal para quienes buscan tecnología y diversión en un solo lugar.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/NNCYf5q1KFE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>VR Arena compite directamente con Syncro VR de Palermo. Aquel centro porteño se especializa en experiencias individuales pensadas para principiantes, con cascos PSVR para sus sesiones. Por otro lado, la cadena MetaPark, otro competidor, gestiona estaciones temáticas dentro de centros comerciales como el Alto Palermo.Lo cierto es que VR Arena marca la diferencia gracias a su formato free-roam de gran escala. Esta característica tecnológica emula el concepto de marcas internacionales de renombre como Zero Latency. El sistema permite que los jugadores exploren el mundo digital sin las limitaciones de un cable.

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Realidad virtual sin límites: así es VR Arena

Ivo Weisz, el DJ argentino que llevó la música electrónica a los subtes de Buenos Aires (1).avif

El fenómeno que convierte al transporte público en una fiesta electrónica

Buenos Aires presenta una cartelera de experiencias inmersivas que integran tecnología de última generación y puestas en escena no convencionales. La oferta actual de la ciudad incluye desde el uso de realidad virtual y metaverso en parques temáticos, hasta propuestas de teatro interactivo y cenas sensoriales que eliminan la distancia entre el espectador y la obra. En esta selección detallamos los puntos clave, las ubicaciones y las características técnicas de las actividades que lideran la agenda de entretenimiento local.<h3>Imprescindibles de la temporada </h3>Dentro del abanico de opciones, hay experiencias que destacan. Estas propuestas lideran la tendencia del entretenimiento actual en la capital:Meta Park, el portal al metaverso argentinoEste es el primer <a href="https://www.instagram.com/metaparkok/reels/">parque de experiencias</a> diseñado específicamente para el metaverso en el país. Cuenta con cuatro sedes (Trepark y Escape Games en Almagro, San Telmo y Villa Urquiza) equipadas con visores Oculus Quest 2. Los visitantes pueden acceder a estaciones de juego donde exploran entornos digitales, participan en simuladores de alta precisión, recorren galerías de arte virtuales o asisten a recitales recreados mediante tecnología digital.Art Masters, el Museo del Prado en La RuralEsta exhibición utiliza tecnología multiusuario para trasladar a los asistentes al interior de las obras maestras de Madrid. La propuesta permite caminar físicamente por el salón de Las Meninas de Velázquez, ver los detalles oníricos de El jardín de las delicias de El Bosco o enfrentar la oscuridad de El aquelarre de Goya. Es un recorrido de 360 grados que muestra la historia del arte clásico bajo una óptica contemporánea. <a href="https://www.instagram.com/artmasters.ba/?hl=es">¡Conocé más acá!</a><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4bdffdce4f.png" alt=""><figcaption>Así se ven los espectadores que pasean por las salas [Imagen], por Art Masters</figcaption></figure>Colón Inmersivo – Monet, impresionismo en el teatroEl Teatro Colón transforma su sala principal en una obra dinámica dedicada a Claude Monet. Mediante proyecciones de gran escala y animaciones envolventes, los cuadros del maestro impresionista cobran vida sobre la arquitectura del teatro. La experiencia se complementa con una curaduría musical que guía al espectador a través de la luz y los paisajes que definieron la obra del artista francés.<a href="https://teatrocolon.org.ar/produccion/colon-inmersivo-monet/">¡Conocé más acá!</a>Frenessi Buenos Aires, alta cocina y mundos virtualesUbicado en Puerto Madero, combina la alta cocina con la realidad virtual. En <a href="https://www.instagram.com/frenessi.argentina/?hl=es">Frenessi</a>, cada plato corresponde a un entorno diferente donde cambian sabores, aromas, y principalmente la temperatura ambiente y el paisaje visual. Los comensales viajan por diversos mundos mediante un recorrido sensorial que integra cócteles de autor y tecnología de simulación.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DTLxLWBkU4_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DTLxLWBkU4_/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>Otras dimensiones: historia, misterio y sentidos</h3>La oferta se completa con las siguientes paradas:<ul><li><a href="https://www.laruralticket.com.ar/event/el-horizonte-de-keops">El Horizonte de Keops</a>: una expedición de realidad virtual en La Rural que permite explorar las cámaras ocultas de la Gran Pirámide de Guiza.</li></ul><ul><li><a href="https://feverup.com/es/buenos-aires/candlelight?srsltid=AfmBOoof7qMO9-VOg5snHxwAzdFo5ksXc35qonfPDIIq9T3SZ3jO2w0Y">Candlelight</a>: ciclo de conciertos iluminados por miles de velas en sedes como el Auditorio Colegio San José. Tributos a bandas como Queen o Soda Stereo.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/elateneograndsplendid/?hl=es">Experiencia Grand Splendid</a>: un recorrido por sectores privados de la famosa librería Ateneo Grand Splendid que incluye una sala inmersiva sobre su historia y acceso a su cúpula original.</li></ul><ul><li><a href="https://teatrociego.org/carteleratc/?gad_source=1&amp;gad_campaignid=22101336388&amp;gbraid=0AAAAA9Z1CMAOKZE-zzG5A-LZMNRqhYqVF&amp;gclid=Cj0KCQiA2bTNBhDjARIsAK89wlFyT82Z49Dj80Tsh0R887SZ1MrmCEqbnuepX68IFWw3Y_A7NkJGS8waApReEALw_wcB">Teatro Ciego</a> propuesta en Palermo donde la oscuridad total obliga al espectador a utilizar el oído, el tacto y el olfato para seguir obras teatrales o cenas.</li></ul><ul><li><a href="https://feverup.com/es/buenos-aires/the-jury-experience?srsltid=AfmBOorHs5YkrH2RnJD53DUYt3cywE-yjmZLrzJBF6xXpVkUn-kLIP_w">The Jury Experience</a>: teatro interactivo en el Teatro Margarita Xirgu donde el público asume el rol de jurado en un juicio con pruebas forenses y testimonios en vivo.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/h.e.l.l.experiment/?hl=es">Hell Experiment</a>: una experiencia de terror inmersivo basada en un supuesto estudio del sueño donde los participantes enfrentan sus pesadillas en escenarios teatrales inquietantes.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@entresustos/video/7194212870240865542" data-video-id="7194212870240865542" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@entresustos/video/7194212870240865542?is_from_webapp=1&amp;sender_device=pc" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>

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Una guía de las mejores experiencias inmersivas en Buenos Aires

El legendario RMS <a href="https://titanicexperiencevr.com/cdmx/">Titanic</a> vuelve, pero esta vez no en el Atlántico Norte, sino en el Estado de México. La experiencia inmersiva &quot;Titanic: Un Viaje a través del Tiempo&quot; abrió sus puertas en el centro comercial Samara Satélite y es la oportunidad de explorar el buque mediante tecnología de realidad virtual interactiva que permite caminar libremente por las cubiertas y descender hasta las profundidades del océano.<h2>Un salto tecnológico a 1912</h2>A diferencia de las exhibiciones convencionales o los videos 360°, esta propuesta desarrollada por Fever y Musealia apuesta por la movilidad total. Los usuarios no son espectadores pasivos. Al colocarse el visor, se convierten en pasajeros con un pase de abordaje personalizado.La narrativa comienza a 3.800 metros bajo el mar, donde se pueden observar los restos actuales del navío antes de que la tecnología transporte al usuario al esplendor de su viaje inaugural. La precisión histórica del diseño permite interactuar con elementos críticos del barco: es posible lanzar carbón en las calderas, manipular el timón en el puente de mando o activar la bocina de niebla.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9a1e797b4a.png" alt=""><figcaption>Los asistentes utilizan visores de realidad virtual para recorrer los pasillos de primera clase con total libertad de movimiento en Samara Satélite.</figcaption></figure><h2>Recorrido por el &quot;Buque de los Sueños&quot;</h2>El itinerario físico y virtual abarca los puntos más emblemáticos de la estructura.<ul><li>La gran escalinata: símbolo máximo del lujo de la época.</li></ul><ul><li>Camarotes de Primera Clase: espacios detallados donde se puede revisar el menú original y los chalecos salvavidas.</li></ul><ul><li>Sala de máquinas: un encuentro directo con la ingeniería que impulsaba al gigante de acero.</li></ul><ul><li>Cubierta de botes: el clímax de la tragedia, donde se vive la perspectiva de los sobrevivientes tras el choque con el iceberg.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ab270e5823.png" alt=""><figcaption>Un viaje a través del tiempo.</figcaption></figure>Además del componente emocional, la experiencia es un documento educativo. Al explorar las ruinas actuales, se informa sobre la bacteria que consume el casco y se advierte que el pecio podría desaparecer por completo para el año 2030.*Aclaración: pecio es el nombre técnico que reciben los restos de un barco que ha naufragado.<h2>Precios, horarios y ubicación</h2>La exhibición se encuentra ubicada en la plaza Samara Satélite, en el municipio de Naucalpan. Para asegurar una visita óptima, la organización recomienda el uso de ropa cómoda y zapatos planos, dado que la actividad requiere desplazamiento físico constante.<ul><li>Ubicación: Centro Comercial Samara Satélite, Naucalpan, Estado de México.</li></ul><ul><li>Horarios: la experiencia abre sus puertas de jueves a lunes, en un horario de 12:00 a 19:40 horas.</li></ul><ul><li>Costo: el precio del boleto es de $325 pesos por persona.</li></ul>

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Titanic VR en México: el naufragio más famoso en primera persona

Latinoamérica es un&nbsp;destino ideal para los amantes de la&nbsp;adrenalina y la&nbsp;diversión. Entre sus múltiples atracciones, posee&nbsp;parques de diversiones,&nbsp;experiencias únicas para&nbsp;todas las edades y que nada tienen que envidiarle a aquello de Estados Unidos o Europa.&nbsp;<h2>Parque de la Costa - Argentina</h2>El&nbsp;Parque de la Costa es el&nbsp;parque de diversiones más grande de&nbsp;Argentina. Está ubicado en&nbsp;Vivanco 1509, Tigre, Provincia de Buenos Aires, Argentina. Este&nbsp;cuenta con una&nbsp;variada oferta de&nbsp;atracciones emocionantes con el&nbsp;hermoso entorno natural que del&nbsp;Delta del Paraná. Para&nbsp;llegar al&nbsp;Parque de la Costa, una&nbsp;opción popular es tomar el&nbsp;tren desde la&nbsp;estación Retiro (Línea Mitre ramal Tigre) hasta la&nbsp;estación Tigre. Desde la&nbsp;estación, el&nbsp;parque se encuentra a pocos minutos caminando. También es posible&nbsp;llegar en&nbsp;autobús o en&nbsp;coche particular.&nbsp;Entre sus&nbsp;atracciones principales se encuentran&nbsp;montañas rusas como&nbsp;Montaña Rusa Boomerang,&nbsp;Desafío, una&nbsp;emocionante acqua coaster; y&nbsp;El Vigía, una&nbsp;imponente torre de caída libre. Para los amantes de la&nbsp;adrenalina, pueden elegir&nbsp;Vértigo Xtremo, un&nbsp;péndulo gigante que desafía la&nbsp;gravedad o las&nbsp;clásicas Sillas Voladoras. Entre las&nbsp;más familiares están&nbsp;Vuelta al Mundo, una&nbsp;panorámica rueda de la fortuna; el&nbsp;tradicional Barco Pirata; el&nbsp;divertido Samba; y los&nbsp;clásicos Autos Chocadores. Además, para completar la experiencia hay diversos&nbsp;espectáculos,&nbsp;shows musicales y&nbsp;obras de teatro infantiles.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/el_parque_de_la_costa_1_7254eda4f5.jpg">Construido en un predio de 14 hectáreas [Imagen], por Viajando Argentina.<h2>Six Flags México</h2>Six Flags México es el&nbsp;parque de diversiones más grande y&nbsp;emocionante de&nbsp;México. Este se ubica en la&nbsp;Carretera Picacho-Ajusco Km 1.5, Tlalpan, Ciudad de México, 14210, México. Las&nbsp;atracciones son de clase mundial. Para&nbsp;llegar, pueden utilizar su&nbsp;vehículo particular, ya que el&nbsp;parque cuenta con&nbsp;estacionamiento. También es posible&nbsp;llegar en&nbsp;taxi o en&nbsp;transporte público, como&nbsp;autobuses y&nbsp;microbuses que parten desde diferentes puntos de la&nbsp;ciudad.&nbsp;Entre sus&nbsp;atracciones se encuentran&nbsp;montañas rusas como&nbsp;Superman El Último Escape, una&nbsp;hypercoaster que desafía la&nbsp;gravedad;&nbsp;Medusa Steel Coaster, una&nbsp;emocionante híbrida de&nbsp;madera y&nbsp;acero;&nbsp;Batman The Ride,&nbsp;intensa e invertida;&nbsp;The Joker, una&nbsp;divertida spinning coaster; y&nbsp;Wonder Woman Coaster. Además, hay otro juegos como&nbsp;Huracán, una impresionante&nbsp;giant drop;&nbsp;Kilauea, un&nbsp;emocionante top spin;&nbsp;Sling Shot, una&nbsp;vertiginosa skycoaster; y&nbsp;Superman Krypton Coaster VR Experience, una&nbsp;experiencia de realidad virtual inmersiva. Por su puesto e infaltable,&nbsp;espectáculos en vivo, con&nbsp;shows de personajes,&nbsp;presentaciones musicales y&nbsp;eventos especiales.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Six_Flags_Mexico_1_12d9935537.jpg">Fue el primer parque de la marca Six Flags en abrir fuera de los Estados Unidos y Canadá [Imagen], por InfoBae.<h2>Beto Carrero World - Brasil</h2>Beto Carrero World es el&nbsp;mayor parque temático de&nbsp;Latinoamérica. Está en&nbsp;Rua Inácio Francisco de Souza 1597, Santa Catarina, Brasil. Este&nbsp;complejo tiene&nbsp;atracciones emocionantes,&nbsp;espectáculos impresionantes y un&nbsp;zoológico con una&nbsp;gran diversidad de&nbsp;especies animales. Para&nbsp;llegar, el&nbsp;aeropuerto más cercano es el&nbsp;Aeropuerto Internacional de Navegantes (NVT). Desde allí, se puede tomar un&nbsp;taxi, contratar un&nbsp;traslado privado o utilizar el servicio de&nbsp;autobuses con destino a&nbsp;Penha. También es fácilmente&nbsp;accesible en&nbsp;coche particular.&nbsp;Entre sus&nbsp;atracciones se destacan&nbsp;montañas rusas como&nbsp;FireWhip, un&nbsp;invertida;&nbsp;Big Tower, una&nbsp;imponente torre de caída libre; y&nbsp;Star Mountain, una&nbsp;clásica con doble looping. Para la&nbsp;familia, hay&nbsp;juegos&nbsp;como&nbsp;Crazy River, un&nbsp;divertido recorrido en rápidos; el&nbsp;clásico Barco Pirata; la&nbsp;panorámica Roda Gigante; y&nbsp;Excalibur, un&nbsp;espectacular show medieval con caballos. En lo que respecta a shows, hay para todos los gustos. Los&nbsp;espectáculos&nbsp;Blum, llenos de&nbsp;color;&nbsp;Monga, la&nbsp;asombrosa mujer gorila;&nbsp;Extreme Show, un&nbsp;espectáculo de autos y motos lleno de&nbsp;acción; y&nbsp;Madagascar Circus Show, un&nbsp;show circense para&nbsp;toda la familia. Además, el&nbsp;zoológico alberga&nbsp;leones,&nbsp;tigres,&nbsp;osos,&nbsp;monos y muchas otras&nbsp;fascinantes especies animales.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Beto_Carrero_World_1_7e89a7bd1c.jpg">Lleva el nombre de su fundador, Beto Carrero, un carismático personaje de la televisión brasileña que soñó con crear un mundo de fantasía [Imagen], por Fareja Viagens.<h2>Mundo Aventura - Colombia</h2>Mundo Aventura es uno de los&nbsp;parques de diversiones más importantes de&nbsp;Colombia. La&nbsp;ubicación es&nbsp;Carrera Sur, Bogotá, Colombia.&nbsp;Con el&nbsp;sistema de transporte público de&nbsp;Bogotá,&nbsp;Transmilenio, llegar es muy sencillo. También es&nbsp;accesible en&nbsp;taxi o en&nbsp;coche particular.&nbsp;Entre sus&nbsp;atracciones principales se encuentran&nbsp;montañas rusas como&nbsp;Tornado, una&nbsp;emocionante invertida;&nbsp;Kráter, una&nbsp;spinning coaster; y una&nbsp;Montaña Rusa Infantil para los&nbsp;más pequeños. Para los amantes de la&nbsp;adrenalina, son ideales las opciones de&nbsp;Sillas Voladoras Extremas, la&nbsp;Power Tower, una impresionante&nbsp;torre de caída libre; y&nbsp;Power Wheels, una pista de go-karts. Por otro lado, entre las&nbsp;atracciones clásicas destacan&nbsp;Carrusel, el&nbsp;Barco Pirata, el&nbsp;Cine 4D y&nbsp;Evolution. Además, hay juegos interactivos como&nbsp;simuladores de movimiento de&nbsp;última generación y diversos&nbsp;juegos de destreza para poner a prueba las&nbsp;habilidades de los&nbsp;visitantes.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Tornado_en_Mundo_aventura_1_44a2082caf.jpg">La montaña rusa "Tornado" es una atracción invertida, donde los pasajeros viajan con los pies colgando, giros y emociones a gran velocidad bajo la estructura del riel [Imagen], por The Coaster Zone.<h2>Fantasilandia - Chile</h2>Fantasilandia es el&nbsp;parque de diversiones más tradicional de&nbsp;Chile. Ubicado en&nbsp;Avenida Beauchef 938, Santiago,&nbsp;es muy fácil llegar a través del&nbsp;Metro de Santiago. . También es&nbsp;accesible para arribar en&nbsp;autobús,&nbsp;taxi o en&nbsp;coche particular.&nbsp;Cuenta con montañas rusas como&nbsp;Boomerang, una&nbsp;emocionante shuttle coaster;&nbsp;Raptor, una&nbsp;adrenalínica voladora; y&nbsp;Wild Mouse, una&nbsp;divertida wild mouse coaster. Para los que buscan&nbsp;emociones fuertes, está&nbsp;Xtreme Fall, una impresionante&nbsp;torre de caída libre; el&nbsp;emocionante Top Spin; y el&nbsp;clásico Tagadá. Para las&nbsp;familias, las mejores opciones son el&nbsp;Carrusel, el&nbsp;Barco Pirata, la&nbsp;panorámica Rueda de la Fortuna y el&nbsp;divertido Tren Minero..<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Fantasilandia_en_Chile_1_49f85a7d2c.jpg">Inaugurado en 1978, es uno de los parques de diversiones más antiguos de Sudamérica [Imagen], por El Amaule.Estos&nbsp;parques de diversiones son verdaderos&nbsp;destinos de aventura en&nbsp;Latinoamérica. Atracciones emocionantes, pero sobre todo&nbsp;experiencias inolvidables para un público&nbsp;de todas las edades. Planificá tu próxima&nbsp;escapada, la&nbsp;aventura te espera.

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Adrenalina y emoción: los mejores parques de diversiones de Latinoamérica

De la mano de diseñadores como Sebastián Albornoz de Ruffray de Chile, Mariana Hinestroza de Colombia, Annaiss Yucra de Perú y Carla Fernandez de México, la moda sustentable ha ganado popularidad y espacio en la escena latina.Otro de los diseñadores latinoamericanos que ha logrado impactar positivamente en la industria de la moda amigable con el medio ambiente es el ecuatoriano Felipe Fiallo a través de “We go far”, una colección de tenis sustentables que sorprendió al mundo.&nbsp;<h2>De Ecuador al mundo: un ejemplo de innovación latinoamericana</h2>Tras graduarse en la Maestría en Luxury Accessories Design &amp; Management en el Istituto Marangoni Firenze, Felipe sumó aún más conocimientos en España con un programa de diseño de textiles y sustentabilidad y lanzó su marca “Felipe Fiallo” en la pasarela romana de Altaroma. Un año después de su introducción al mundo de la moda, el diseñador ecuatoriano desarrolló “We go far”, una colección de zapatos completamente sustentables que lo llevó a ganar premios como Fondazione Ferragamo Award y People’s Choice Award en la competencia internacional del ITS (International Talent Support) Contest.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Felipe_Fiallo_el_disenador_ecuatoriano_que_conquisto_la_escena_de_los_tenis_sustentables_f10a462f77.jpg"> Felipe Fiallo, el diseñador ecuatoriano que conquistó la escena de los tenis sustentables (Felipe Fiallo).Con un gran golpe en la industria de la moda con el lanzamiento de la colección de tenis sustentables, el diseñador quiteño logró hacerse de un nombre en la escena de la moda con menciones en los grandes periódicos de la industria y la presencia en entregas de afamados premios del calzado y la indumentaria sustentable.<h2>We go far, la colección de zapatillas sustentables</h2>Tras una exhaustiva investigación acerca de los materiales biológicos típicos de América Latina (hongos, algas y minerales) y de las tecnologías innovadoras, el diseñador ecuatoriano lanzó la colección de zapatos sustentables “We go far”. La cápsula de tenis cuenta con varias categorías de producto: Growing (realizada a partir de biomateriales o biotextiles), Crystal Walk (diseño realizado a través de un proceso de cristalización en el zapato), Food for Fish (zapatillas que tras un año de uso se degradan biológicamente y sirven de alimento para peces), Vulcano (diseño creado a partir de cuero del residuo de la industria alimentaria), Luxe Reptile (zapato diseñado con restos de productos de cuero) y White Chamaeleon (zapatilla fabricada mediante tecnología de impresión 3D).<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Zapatillas_de_la_linea_Growing_de_la_coleccion_We_go_far_de_Felipe_Fiallo_1_3c131968b9.jpg"> Zapatillas de la línea "Growing" de la colección "We go far" de Felipe Fiallo (Felipe Fiallo).<h2>Logros, premios y distinciones: el currículum de Felipe Fiallo</h2>A través de su innovador diseño de zapatos y el impacto que generaron en el ambiente de la moda sustentable, el diseñador ecuatoriano ha logrado trasladar su trabajo a prestigiosos diarios y revistas como Harper's Bazaar, I-D, L’Officiel, Forbes y BOF y ha conquistado múltiples premios en la industria de la moda como el Premio al Diseñador Emergente de MICAM o los premios Fondazione Ferragamo Award y People’s Choice Award en la competencia internacional del ITS (International Talent Support) Contest. Al mismo tiempo, el quiteño colaboró con marcas como PUMA y Stella McCartney y logró publicar algunas de sus obras en Decentraland, una plataforma de realidad virtual donde los usuarios pueden comprar terrenos digitales y construir experiencias interactivas dentro de ellos.

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Felipe Fiallo, el diseñador de calzado que une sostenibilidad y arte

El equipo detrás de la organización de Riña de Pinceles.avif

Pintura, público y creatividad en un formato que busca romper las reglas: así es Riña de Pinceles

W Place volvió a convertir al mapa del mundo en un enorme lienzo digital en el que millones de píxeles pueden transformarse en banderas, personajes, dibujos y todo tipo de diseños.A meses de su lanzamiento, la plataforma continúa activa y su ranking de países muestra una fuerte presencia latinoamericana, con cuatro representantes dentro del top diez mundial.<h2>Los países latinoamericanos que más píxeles pintaron en W Place</h2>Seguramente te acuerdas de W Place, el lienzo virtual inspirado en el emblemático r/place de Reddit que convirtió el mapa del planeta en una gigantesca obra colaborativa. Aunque el boom inicial haya quedado atrás, el sitio sigue funcionando y actualizando sus rankings. Y Latinoamérica todavía deja una huella importante: cuatro países figuran entre los diez más pintados del mundo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DOZcNrJDJLX/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DOZcNrJDJLX/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DOZcNrJDJLX/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Street Art Latam (@streetartlatam_)</a></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div>El sitio continúa activo y permite recorrer diferentes partes del planeta para descubrir qué dibujos, personajes, banderas y diseños fueron realizados por las comunidades de usuarios. Además, W Place cuenta con rankings que muestran qué países y regiones concentran la mayor cantidad de píxeles pintados.https://www.streetartlatam.com/articulo/w-place-el-mapa-virtual-que-ya-es-la-nueva-meca-del-arte-urbano-digital/1190Dentro de esa clasificación global, cuatro países latinoamericanos aparecen actualmente entre los diez primeros, con México a la cabeza de la región.<ul><li>México: con 5.482.408.104 píxeles pintados, se convirtió en el país latinoamericano con mayor cantidad de píxeles dentro de W Place y aparece en el tercer lugar mundial, únicamente por detrás de Estados Unidos y Rusia. Dentro del territorio mexicano, ciudades como Ciudad de México, Guadalajara, Monterrey y Acapulco concentran buena parte de la actividad.</li><li>Brasil: con 5.351.478.659 píxeles pintados, ocupa el segundo lugar entre los países latinoamericanos y el cuarto puesto a nivel mundial. La enorme superficie del país también permite encontrar intervenciones y diseños repartidos por distintas regiones del territorio.</li><li>Argentina: con 3.637.172.493 píxeles pintados, se ubica como el tercer país latinoamericano dentro de la clasificación y aparece entre los puestos más altos del ranking global. Buenos Aires se convirtió en uno de los principales focos de actividad y concentra una gran cantidad de diseños dentro del mapa.</li><li>Chile: con 3.462.538.003 píxeles pintados, completa la presencia latinoamericana dentro del top diez y ocupa el octavo lugar mundial. Así, el país se suma a México, Brasil y Argentina como uno de los grandes representantes de la región dentro del universo de W Place.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DWv7leujmcl/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/p/DWv7leujmcl/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/p/DWv7leujmcl/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por Wplace (@wplace.live)</a></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div>La presencia de estos cuatro países muestra cómo las comunidades latinoamericanas encontraron en W Place un nuevo espacio para dejar su identidad a través del pixel art, con diseños que van desde banderas y símbolos nacionales hasta referencias a personajes, videojuegos, música, memes y diferentes expresiones de la cultura de cada territorio.https://www.streetartlatam.com/articulo/el-proyecto-que-convirtio-buenos-aires-en-pixeles/1000333Y aunque las posiciones pueden cambiar con el paso de las horas debido a la propia dinámica de la plataforma, el ranking deja en claro que Latinoamérica mantiene una participación importante dentro de W Place, con cuatro países instalados entre los territorios que más píxeles pintaron desde el lanzamiento del mapa colaborativo.

Guadalajara pintado por píxeles en W Place.avif

¿Cuáles son los países de Latinoamérica que más píxeles pintaron en el mapa de W Place?

Cada competencia de BMX Freestyle está repleta de términos como Bunny hop, Tailwhip, Flair o Run, conceptos que pueden resultar desconocidos para quienes recién descubren la disciplina.Por eso, desde Street Art LATAM reunimos un glosario con las definiciones más importantes para que disfrutes cada evento sin perderte ningún detalle.<h2>Los trucos básicos del BMX Freestyle</h2>Antes de adentrarse en una competencia de BMX Freestyle, hay una serie de maniobras que funcionan como la base de la disciplina. Aunque puedan parecer sencillas frente a los trucos más espectaculares, dominarlas es el primer paso para cualquier rider.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_5c21f6f6fb.png">El argentino José Torres Gil en los aires durante el Mundial de BMX Freestyle (Instagram/José Torres Gil).<ul><li>Bunny hop: el salto más básico del BMX. Consiste en levantar ambas ruedas de la bicicleta sin utilizar una rampa, permitiendo superar obstáculos o enlazar otros trucos.</li><li>Manual: maniobra en la que el rider mantiene únicamente la rueda trasera apoyada sobre el suelo sin pedalear, utilizando el equilibrio para avanzar.</li><li>Fakie: desplazamiento hacia atrás sobre la bicicleta, generalmente luego de aterrizar un truco o rebotar contra una superficie.</li><li>180: rotación de 180 grados en el aire que permite aterrizar en dirección contraria, normalmente continuando en fakie.</li><li>360: giro completo de 360 grados realizado durante un salto, uno de los primeros trucos de rotación que aprenden los riders.</li><li>Barspin: consiste en hacer girar el manubrio 360 grados mientras la bicicleta permanece en el aire.</li><li>Tailwhip: uno de los trucos más populares. El cuadro de la bicicleta gira completamente alrededor del manubrio mientras el rider permanece suspendido.</li><li>No hander: el rider suelta ambas manos del manubrio durante un salto antes de volver a sujetarlo para el aterrizaje.</li><li>No footer: similar al No hander, pero retirando ambos pies de los pedales durante el vuelo.</li></ul><h2>Los trucos avanzados que suelen definir una competencia</h2>En competencias como los Juegos Olímpicos o los campeonatos del mundo, suelen aparecer maniobras de mayor dificultad técnica, combinaciones y rotaciones que suelen marcar la diferencia entre los mejores riders del mundo.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1df650ea7a.png">La chilena Macarena Pérez Grasset haciendo un no hand (Instagram/Macarena Pérez Grasset).Te podría interesar:&nbsp;<a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-desafio-imposible-que-dawid-godziek-hizo-realidad/1798">El desafío imposible que Dawid Godziek hizo realidad</a><ul><li>Backflip: mortal hacia atrás realizado junto con la bicicleta.</li><li>Frontflip: rotación completa hacia adelante, una de las maniobras más difíciles del BMX.</li><li>Flair: combinación de un backflip con una rotación de 180 grados.</li><li>Double tailwhip: el cuadro de la bicicleta gira dos veces completas alrededor del rider antes del aterrizaje.</li><li>Truckdriver: combinación de un barspin con una rotación de 360 grados.</li><li>Cash roll: mezcla un giro cork con un backflip, considerada una de las maniobras más técnicas del circuito.</li><li>Superman: el rider estira completamente las piernas hacia atrás mientras mantiene las manos sujetas al manubrio.</li><li>Can Can: una de las piernas cruza por encima del cuadro de la bicicleta durante el salto.</li><li>Decade: el rider gira alrededor del manubrio mientras la bicicleta permanece relativamente estable, una maniobra clásica del BMX.</li></ul><h2>La jerga que se escucha en cada competencia</h2>Además de los nombres de los trucos, las transmisiones y los jueces utilizan una serie de conceptos que ayudan a describir cada recorrido.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_5f5b586edd.png">La rider colombiana Queensaray Villegas en el Red Bull Camp de Costa Rica (Instagram/Queensaray Villegas).<ul><li>Run: recorrido completo que realiza un rider durante el tiempo establecido por la competencia.</li><li>Line: secuencia continua de obstáculos y maniobras ejecutadas sin interrupciones.</li><li>Flow: fluidez con la que un competidor conecta cada truco a lo largo de su recorrido.</li><li>Transfer: salto que conecta un módulo con otro distinto dentro del circuito.</li><li>Gap: espacio vacío que el rider debe superar mediante un salto.</li><li>Air: altura que alcanza la bicicleta durante un salto.</li><li>Landing: recepción o aterrizaje luego de completar una maniobra.</li><li>Take off: punto desde donde comienza el salto.</li><li>Grind: deslizamiento sobre un borde o baranda utilizando los pegs.</li><li>Pegs: cilindros metálicos ubicados en los ejes de las ruedas que permiten realizar grinds y otros trucos.</li></ul><h2>¿Cómo se puntúa una competencia de BMX Freestyle?</h2>Más allá de completar los trucos, los jueces evalúan distintos aspectos que determinan la puntuación final de cada rider.<ul><li>Dificultad: nivel técnico de las maniobras realizadas durante el recorrido.</li><li>Ejecución: precisión con la que se completa cada truco, evitando errores o desequilibrios.</li><li>Amplitud: altura y distancia alcanzadas en los saltos.</li><li>Originalidad: capacidad para presentar combinaciones novedosas o poco habituales.</li><li>Variedad: utilización de diferentes tipos de maniobras durante el mismo run.</li><li>Consistencia: mantener un alto nivel durante todo el recorrido sin caídas.</li><li>Crash: caída durante la ejecución de un truco, uno de los factores que más puede afectar la puntuación.</li><li>Best trick: formato de competencia o instancia en la que los riders buscan realizar su maniobra más difícil en uno o pocos intentos.</li></ul>

Las piruetas de la colombiana Queensaray Villegas en los Juegos Bolivarianos (2).avif

El glosario del BMX Freestyle

El nuevo EA SPORTS FC 27 no solo prepara una nueva temporada de fútbol virtual: también llega con una banda sonora cargada de identidad global, y Latinoamérica tiene mucho para aportar.<h2>De Argentina a Chile: los sonidos latinos que llegan a EA SPORTS FC 27</h2>Como todos los años, el mundo de los eSports y los videojuegos se prepara para uno de los grandes lanzamientos de su calendario: EA SPORTS FC 27. Y si bien el atractivo principal del videojuego pasa por Ultimate Team, los pack openings, FUT Champions, el armado del equipo, las recompensas y todo lo relacionado con el fútbol virtual, la música también ocupa un lugar central dentro de la experiencia.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/9GCyD6HexgM" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>Desde hace más de dos décadas, el soundtrack se ha convertido en uno de los elementos más reconocibles de la franquicia. Las canciones que acompañan los menús, las partidas y cada nueva temporada muchas veces terminan asociándose directamente con una determinada edición del juego. Para FC 27, Electronic Arts presentó una selección de 120 canciones provenientes de 36 países, con artistas consagrados, talentos emergentes y algunos temas inéditos.Dentro de esa enorme selección global, Latinoamérica vuelve a tener una presencia especialmente importante, con representantes de Argentina, Chile, Brasil, Colombia, Venezuela, Costa Rica y otros puntos de la región.<ul><li>Amigo de Artistas, godie. y V.I.C — “UN DÍA NUEVO (FUEGO)” — Chile</li><li>Apache, Reke y Faker — “POR ESTAS CALLES” — Venezuela</li><li>Ca7riel &amp; Paco Amoroso — “Muero” — Argentina</li><li>Cami — “Pena Negra (ANNA EL SHOW)” — Chile</li><li>Cazzu — “Dolce” — Argentina</li><li>Dante Spinetta — “Starlight” — Argentina</li><li>Delfina Dib, Willy Bronca y Tomy B — “GARDEL EN EL AVIÓN” — Argentina</li><li>FaceBrooklyn — “el combito” — Chile</li><li>Feli Colina — “Diabla” — Argentina</li><li>Joaquín Coronel — “Chirotear” — Argentina</li><li>Kyan, Enzo from the Block y Mu540 — “Garage” — Brasil</li><li>La Yegros — “Trocitos de Madera” — Argentina</li><li>Macha Kiddo — “Monster” — Costa Rica / Argentina</li><li>María Becerra, El Alfa y XROSS — “HACE CALOR” — Argentina / República Dominicana</li><li>Milo J — “Bajo De La Piel” — Argentina</li><li>Monsieur Periné — “Aguaráchate” — Colombia</li><li>Ms Nina x Don Elektron — “Quiero Mas” — Argentina / España</li><li>Nathy Peluso— “APRENDER A AMAR” — Argentina / España</li><li>Nicki Nicole — “SHEITE” — Argentina</li><li>Nonô — “Joga Bonito” — Brasil</li><li>Rubio ft. Montoya — “Calla - Montoya Remix” — Chile</li></ul><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b8d4f20778.png">Milo J con la camiseta colombiana en un show (Instagram/Milo J).Con 120 canciones de 36 países, EA SPORTS FC 27 vuelve a utilizar su banda sonora como una puerta de entrada a escenas musicales de todo el mundo. Y esta vez, para los jugadores latinoamericanos, la experiencia tendrá un sonido mucho más cercano: desde el rap venezolano y el reguetón hasta el trap, el pop y la música alternativa de Argentina, Chile, Brasil y Colombia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DdHUq10jKoc/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/p/DdHUq10jKoc/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/p/DdHUq10jKoc/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por EA SPORTS FC (@easportsfc)</a></div></blockquote>
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Cazzu, una de las artistas latinas en el soundtruck de EA SPORTS FC 27 (1).avif

Latinoamérica se mete de lleno en la banda sonora de EA SPORTS FC 27

José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

Si alguna vez viste de cerca el proceso de creación de un mural, probablemente hayas notado algo extraño: antes de pintar, el artista llena la pared de garabatos.Y no, no lo hace al azar, sino que es parte de una técnica conocida como doodle grid, que ayuda a trasladar bocetos a gran escala.<h2>Doodle grid: por qué los muralistas llenan de garabatos las paredes antes de pintar</h2>Es muy probable que, si alguna vez prestaste atención a cómo los artistas realizan sus murales, hayas notado que antes de comenzar con la pintura final suelen llenar la superficie de líneas, formas, letras y garabatos. Y aunque a simple vista pueda parecer algo hecho al azar, en realidad se trata de una técnica utilizada para trasladar un boceto a gran escala con mayor precisión.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e0bb6afe05.png" alt=""><figcaption>Doodle grid hecho por Martín Ron (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure>Conocida como doodle grid o cuadrícula de garabatos, esta técnica funciona como una especie de mapa visual sobre la pared. El artista cubre previamente la superficie con diferentes referencias, generalmente utilizando un color claro o spray, para después utilizarlas como puntos de orientación mientras reproduce el diseño a mano alzada.A diferencia de una cuadrícula geométrica tradicional, donde la pared se divide en cuadrados para mantener las proporciones, el doodle grid propone una referencia mucho más intuitiva y dinámica. Los garabatos permiten ubicar elementos, calcular proporciones y trasladar partes complejas del boceto sin necesidad de recurrir necesariamente a un proyector.Además, esta técnica resulta especialmente útil cuando se trabaja sobre superficies de gran tamaño o en espacios exteriores donde las condiciones de luz pueden dificultar el uso de proyectores. Una vez que comienza la pintura definitiva, las líneas y formas utilizadas como referencia quedan completamente cubiertas, haciendo que desaparezca ese particular “mapa” que permitió construir el mural.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>De esta manera, lo que para cualquier persona puede parecer una pared llena de garabatos sin sentido funciona en realidad como una herramienta de planificación: una manera más rápida, flexible e intuitiva de conservar las proporciones y trasladar un diseño desde un boceto pequeño hasta una obra de grandes dimensiones.

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La razón por la que los muralistas hacen garabatos antes de pintar sus obras

Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.<h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma de intervenir los espacios”.El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad”.<h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.<h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.“Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.<h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.“Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad”.Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.<h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo”.Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

El mundo del streaming tiene un lenguaje propio, con términos que aparecen constantemente durante una transmisión, y Street Art Latam te trae una guía básica para entender qué significa cada uno.<h2>Los términos básicos del streaming</h2><ul><li>Stream: transmisión en vivo realizada a través de plataformas como Twitch, Kick o YouTube. Puede estar dedicada a videojuegos, charlas, reacciones, música, viajes y mucho más.</li></ul><ul><li>Streamer: persona que realiza transmisiones en vivo y genera contenido para una audiencia a través de plataformas digitales.</li></ul><ul><li>Live: término utilizado para referirse a una transmisión que está ocurriendo en vivo y en tiempo real.</li></ul><ul><li>Chat: espacio donde los espectadores pueden escribir mensajes e interactuar con el streamer y el resto de la comunidad durante una transmisión.</li></ul><ul><li>Viewer: usuario que está viendo una transmisión. La cantidad de viewers permite conocer cuántas personas están siguiendo un directo.</li></ul><ul><li>Follow: acción de seguir un canal para recibir avisos cuando el creador comienza una nueva transmisión.</li></ul><ul><li>Sub: abreviatura de subscription o suscripción. Permite apoyar económicamente a un creador y, dependiendo de la plataforma, acceder a distintos beneficios.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5bc354f4e3.png" alt=""><figcaption>Persona transmitiendo una partida de Dota (RDNE Stock Project).</figcaption></figure><h2>Las palabras que aparecen durante un directo</h2><ul><li>Raid: ocurre cuando un streamer dirige a los espectadores de su transmisión hacia el canal de otro creador, generalmente cuando finaliza su directo. Es una forma de compartir audiencia y apoyar a otros canales.</li></ul><ul><li>Host: término históricamente utilizado para alojar o compartir la transmisión de otro creador dentro de un canal.</li></ul><ul><li>Just Chatting: categoría de contenido centrada en la conversación con la audiencia. Los streamers pueden hablar de distintos temas, reaccionar a videos o simplemente interactuar con su comunidad.</li></ul><ul><li>IRL: significa In Real Life y hace referencia a transmisiones realizadas fuera del formato tradicional de gaming. Puede incluir viajes, eventos, recorridos o situaciones cotidianas.</li></ul><ul><li>Clip: fragmento breve extraído de una transmisión para guardar o compartir un momento destacado del directo.</li></ul><ul><li>VOD: significa Video On Demand y hace referencia a una transmisión que queda disponible para volver a verla una vez finalizado el directo.</li></ul><ul><li>Spam / spammear: enviar repetidamente el mismo mensaje, palabra, emoji o contenido dentro del chat.</li></ul><h2>La comunidad detrás de cada streamer</h2><ul><li>Mod / moderador: usuario encargado de ayudar a mantener el orden dentro del chat. Puede eliminar mensajes, expulsar usuarios o controlar determinadas conductas.</li></ul><ul><li>Emote / emoji: imágenes o emojis utilizados en el chat para expresar emociones, reacciones o referencias propias de una comunidad.</li></ul><ul><li>Chatter: usuario que participa activamente en el chat durante una transmisión.</li></ul><ul><li>Comunidad: conjunto de espectadores y seguidores que se reúnen alrededor de un streamer y que, con el tiempo, pueden desarrollar códigos, memes y expresiones propias.</li></ul><ul><li>Donación: aporte económico realizado por un espectador para apoyar a un creador.</li></ul><ul><li>Bits: unidades virtuales utilizadas en Twitch para apoyar a los streamers mediante determinadas interacciones dentro del chat.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c01a44a2bf.png" alt=""><figcaption>Persona stremeando en su setup (Alena Darmel).</figcaption></figure>

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Diccionario básico del streaming: los términos que tenés que conocer

Tomomi Nishikubo llevó el ciclismo de trial al límite con un histórico fakie nose manual en Hakuba, Japón, donde estableció dos récords Guinness al descender marcha atrás y sobre la rueda delantera de su bicicleta por un trampolín de esquí.<h2>El histórico descenso de Tomomi Nishikubo en Hakuba</h2>El vínculo entre Red Bull y los deportes urbanos y de acción creció exponencialmente durante los últimos años y dio lugar a algunas de las hazañas más increíbles de las diferentes disciplinas. Desde el feeble grind de Leticia Bufoni en un skatepark instalado dentro de un avión a más de 3.000 metros de altura hasta el salto de Matt Jones entre dos camiones en movimiento, distintos atletas llevaron sus especialidades a escenarios imposibles.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_26ab1bf65f.png" alt=""><figcaption>El fakie nose manual de Tomomi Nishikubo en el trampolín de salto de esquí en Hakuba (Red Bull).</figcaption></figure>Ahora, Tomomi Nishikubo escribió su propia página en ese particular libro de hazañas al llevar el ciclismo de trial al límite. El japonés descendió marcha atrás por el trampolín de salto de esquí en Hakuba, mientras mantenía el equilibrio únicamente sobre la rueda delantera de su bicicleta, a través de una maniobra conocida como fakie nose manual, que le permitió establecer dos récords Guinness.Bajar una pendiente pronunciada en bicicleta ya representa un desafío para cualquier rider. Hacerlo marcha atrás aumenta considerablemente la dificultad y hacerlo mientras se mantiene el equilibrio sobre una sola rueda parece directamente imposible. Sin embargo, Nishikubo convirtió esa idea en realidad después de dos años de planificación y preparación.La inspiración llegó desde otro deporte y de otro atleta japonés. Nishikubo tomó como referencia a Ryoyu Kobayashi, quien en el año 2024 protagonizó un espectacular salto de 291 metros en una rampa especialmente construida en Hlidarfjall, Islandia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@guinnessworldrecords/video/7673107915993124118" data-video-id="7673107915993124118" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@guinnessworldrecords/video/7673107915993124118" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>En Hakuba, Nishikubo llevó esa inspiración a su propio terreno. El rider alcanzó velocidades superiores a los 60 km/h y consiguió mantenerse sobre la rueda delantera durante 35 segundos mientras recorría el trampolín de esquí en una maniobra en la que fakie significa desplazarse hacia atrás y nose manual mantener el equilibrio sobre la rueda delantera.<h2>Los dos récords Guinness que estableció Nishikubo</h2>La hazaña de Tomomi Nishikubo no quedó solamente en una maniobra espectacular. Su descenso por el trampolín de Hakuba le permitió establecer dos nuevos récords mundiales Guinness, relacionados tanto con la inclinación de la superficie como con la distancia recorrida.<ul><li>Fakie nose manual en bicicleta más empinado: 37,5 grados de inclinación.</li></ul><ul><li>Mayor distancia recorrida en fakie nose manual en bicicleta sobre un trampolín de esquí: 136,6 metros.</li></ul>De esta manera, Nishikubo no solo llevó una disciplina como el ciclismo de trial a un escenario completamente inesperado, sino que convirtió una idea que parecía imposible en dos marcas reconocidas oficialmente por Guinness World Records.

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Tomomi Nishikubo y el descenso marcha atrás que desafió los límites del ciclismo de trial

Entre mudanzas, distintos barrios y una infancia atravesada por realidades completamente diferentes, Willy Bronca encontró en la música una forma de contar su historia bajo una propuesta que cruza rap, cumbia, soul, funk y crítica social.<h2>Willy Bronca: una infancia entre dos mundos</h2>Willy Bronca nació en Perú, pero apenas tres meses después llegó a Argentina junto a su familia. Hijo de un padre peruano y una madre argentina vinculada al arte, creció atravesado por diferentes culturas y realidades sociales que con el tiempo terminarían apareciendo en sus canciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27d0d7faf9.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca en pleno concierto (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure>Su infancia estuvo marcada además por las mudanzas. José C. Paz, Villa Crespo, San Telmo, Almagro y Once fueron algunos de los barrios donde vivió, una experiencia que le permitió conocer escenarios completamente diferentes dentro de una misma ciudad.El propio artista ha contado que podía pasar de estar en una villa a encontrarse al día siguiente en el Sheraton, o moverse entre Varela y Belgrano. Ese contraste entre mundos se convirtió con los años en uno de los ejes de su mirada artística.En su casa convivían influencias musicales diversas, desde la salsa y la música celta hasta canciones de Mambrú y Cheyenne. Sin embargo, fue un CD de rap cubano que recibió de su padrastro durante su infancia el que terminó de acercarlo al género que marcaría su carrera.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX-YLv9swyM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX-YLv9swyM/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>A partir de entonces comenzó a descubrir artistas y grupos de Argentina, Estados Unidos, Cuba y Chile, mientras ampliaba progresivamente su universo musical.<h2>Del rap a la batería: la construcción de su identidad musical</h2>La música también apareció desde temprano en su educación. Durante su paso por la escuela tuvo un profesor que acercaba a los alumnos al rock nacional y, cuando tenía alrededor de ocho o nueve años, la cooperadora de la institución compró una batería que le permitió comenzar a estudiar el instrumento.Con el paso del tiempo, esa curiosidad se transformó en una formación mucho más amplia. Además de cantar y rapear, Bronca incorporó la guitarra, el piano y las congas a sus herramientas como músico.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_113ecb6628.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca como telonero de María Becerra en el estadio de River (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure>Su recorrido también estuvo atravesado por el breakdance. Durante una etapa de su vida, el artista argentino se mudó con una amiga que practicaba la disciplina y comenzó a involucrarse en ese universo, hasta formar parte de un grupo que realizaba espectáculos destinados a las infancias.El trabajo en los escenarios y las distintas experiencias que acumuló durante esos años le permitieron adquirir herramientas y equipamiento para desarrollar su propio proyecto musical.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/EhUZK8NScrE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>En paralelo, durante varios años trabajó en subtes y colectivos mientras comenzaba a darle forma a su carrera artística. Sus primeros registros musicales comenzaron a aparecer en plataformas digitales hacia fines de la década de 2010, con “Angela”, junto a Noah Selene, como uno de sus primeros registros disponibles en YouTube.<h2>Una banda de diez músicos para mezclar rap, cumbia, funk y soul</h2>Con el tiempo, Willy Bronca terminó de construir una propuesta que va mucho más allá del rap tradicional. Su proyecto incorpora elementos de cumbia, funk carioca, funk, soul, trap y otros géneros para formar un sonido atravesado por sus diferentes influencias.Un recorrido que lo llevó a compartir escenarios con algunos de los nombres más importantes de la música. Entre sus presentaciones aparece un show junto a Manu Chao en Obras, además de una actuación junto a Divididos en el Estadio de Argentinos Juniors y ser telonero de María Becerra en el estadio de River Plate ante más de 85.000 personas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c6ad48a425.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca, el multiinstrumentista que mezcla rap, barrio y crítica social (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure>A su vez, Bronca tuvo la posibilidad de trabajar junto a León Gieco en una nueva versión de “Amor y Soledad”, sumando otra colaboración de peso a un recorrido que comenzó lejos de los grandes escenarios.<h2>Música, barrio y crítica social: el mensaje detrás de Willy Bronca</h2>Más allá de la variedad de géneros que atraviesan su propuesta, la música de Willy Bronca tiene un eje que se repite: la mirada sobre las desigualdades, la realidad social y los contrastes que atravesaron su propia vida.Su historia familiar y los diferentes barrios en los que creció funcionan como parte de esa construcción. El contraste entre las experiencias de su padre, inmigrante peruano en Argentina, y su madre, artista del Conurbano y descendiente de alemanes, también aparece como parte de la identidad que construyó.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/45WhM2KFYN4" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Esa mirada se traslada directamente a sus canciones. En temas como “No hay plata” y “No la ven”, el artista aborda cuestiones relacionadas con la crisis económica, el individualismo y las tensiones de la sociedad contemporánea.Así, su propuesta termina funcionando como una combinación de las distintas partes que forman su historia: el rap que descubrió durante su infancia, los instrumentos que aprendió a tocar, los barrios que recorrió y las diferencias sociales que conoció de primera mano.De esa mezcla nació un artista que encontró en la música una manera de transformar sus experiencias en canciones y llevarlas desde los escenarios barriales hasta compartir cartel con algunas de las principales figuras de la escena musical.

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Willy Bronca, el multiinstrumentista que mezcla rap, barrio y crítica social

El ciclismo urbano puede ser mucho más que una forma de trasladarse por la ciudad: también puede convertirse en una experiencia para compartir. Y esa fue la idea que impulsó a Rodrigo Pol a crear Bicipiantes, un proyecto que nació en Instagram y terminó convirtiéndose en una comunidad de amantes del ciclismo.<h2>Bicipiantes, el proyecto que nació en Instagram y se transformó en un movimiento ciclista</h2>El ciclismo urbano encontró en las redes sociales un nuevo espacio para expandir la disciplina, compartir experiencias y acercar a más personas al mundo de las bicicletas. Y entre esos perfiles apareció Bicipiantes, un proyecto de origen argentino que nació como un espacio de consulta y terminó convirtiéndose en una comunidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2a31c71703.png" alt=""><figcaption>Parte de la comunidad de Biciapiantes durante un viaje a Tandil (Bicipiantes).</figcaption></figure>Meses antes de la pandemia de COVID-19, Rodrigo Pol tomó una decisión que terminaría cambiando su relación con el ciclismo: creó un perfil en redes sociales para compartir su pasión por las bicicletas y mostrar una mirada diferente sobre la actividad.En sus comienzos, Bicipiantes funcionó como un espacio de consulta para quienes buscaban adentrarse en el mundo del ciclismo urbano. El perfil ofrecía consejos sobre distintos aspectos vinculados a la actividad, desde qué ropa utilizar y cuáles eran los mejores recorridos hasta recomendaciones sobre bicicletas, talleres y reparaciones.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C9I8bheOnxe/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C9I8bheOnxe/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Sin embargo, Rodrigo también quería alejarse de una mirada que encontraba cada vez más frecuente en Instagram: la de mostrar únicamente el lado perfecto de cada experiencia.Para Pol, el ciclismo también estaba en levantarse temprano para pedalear, terminar cansado después de una salida, pinchar una rueda, ensuciarse o quedar lleno de grasa después de reparar la bicicleta. Esa mirada cotidiana terminó convirtiéndose en una de las características distintivas de Bicipiantes.<h2>De una cuenta de Instagram a una comunidad de ciclistas</h2>La llegada de la pandemia marcó un punto de inflexión para el proyecto. Con las actividades deportivas limitadas y miles de personas alejadas de sus bicicletas, las redes sociales se transformaron en un espacio para mantener vivo el vínculo entre los amantes del ciclismo.Bicipiantes comenzó a sumar seguidores y a generar una comunidad que, pese a encontrarse detrás de una pantalla, compartía una misma pasión y las ganas de volver a pedalear.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667acee6f.png" alt=""><figcaption>La comunidad de Bicipiantes en acción (Bicipiantes).</figcaption></figure>Cuando las restricciones comenzaron a flexibilizarse, esa comunidad virtual tuvo la posibilidad de encontrarse por primera vez cara a cara. Rodrigo organizó entonces el primer encuentro de Bicipiantes, una salida que reunió a más de 80 ciclistas en la ciudad de Buenos Aires y que marcó el comienzo de una nueva etapa para el proyecto.La experiencia demostró que el vínculo construido en redes podía trasladarse a la calle y convertirse en algo mucho más grande: grupos de amigos, nuevos recorridos y encuentros alrededor de una actividad compartida.<h2>Más de cinco años pedaleando juntos: así creció Bicipiantes</h2>Con más de cinco años de recorrido, Bicipiantes dejó de ser solamente un perfil dedicado a compartir contenido sobre bicicletas y se consolidó como una comunidad dentro de la escena ciclista bonaerense y argentina.El proyecto comenzó a organizar salidas programadas de manera mensual, con recorridos diferentes y propuestas pensadas para que cada vez más personas pudieran sumarse, conocer nuevos lugares y compartir la experiencia de pedalear en grupo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C4xxiGKr5eq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C4xxiGKr5eq/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>La expansión también llevó a Bicipiantes más allá de la ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo, los recorridos llegaron a destinos como Chascomús, San Pedro y Salta, además de otros puntos del país.Así, cada salida se convirtió en una oportunidad para conocer nuevos caminos y, al mismo tiempo, fortalecer los vínculos entre los integrantes de la comunidad.Lo que alguna vez comenzó como una cuenta de Instagram creada por un fanático de las bicicletas terminó convirtiéndose en un espacio donde el ciclismo funciona como punto de encuentro, con recorridos, amistades y experiencias que continúan creciendo más allá de las redes sociales.

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Bicipiantes: la comunidad que convirtió el ciclismo en una experiencia compartida

Hablar de música urbana en Venezuela es hablar de Neutro Shorty. Convertido en una de las principales figuras del género en su país, el artista logró trascender fronteras gracias a un sonido propio, colaboraciones internacionales y un mensaje que inspiró a toda una generación.<h2>¿Quién es Neutro Shorty? El abanderado del trap en Venezuela</h2>Hablar de trap en Venezuela es hablar, inevitablemente, de Neutro Shorty. Nacido como Liomar Acosta, el artista se convirtió con el paso de los años en el máximo referente del género en su país y en uno de los pioneros del movimiento urbano latinoamericano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1885fe5cf1.png" alt=""><figcaption>Neutro Shorty en el backstage de uno de sus shows (Instagram/Neutro Shorty).</figcaption></figure>Sin embargo, su historia comenzó mucho antes de los millones de reproducciones, las giras internacionales y las colaboraciones con algunas de las principales figuras de la escena.Su carrera dio inicio en 2007, cuando apenas tenía 13 años y decidió dejar la escuela para apostar de lleno por la música. Ese mismo año grabó desde su casa &quot;Chicos Estúpidos&quot;, su primera canción, y poco después comenzó a ganar notoriedad en Facebook gracias a distintos videos donde mezclaba rap, freestyle y comedia. Tres años más tarde llegó &quot;Pa las Pokemonas&quot;, un sencillo que retrataba la realidad de muchos jóvenes venezolanos y que terminó marcando el verdadero comienzo de su carrera profesional dentro del trap.<h2>El artista que llevó el trap venezolano al continente</h2>Con el correr de los años, Neutro Shorty dejó de ser una promesa para convertirse en una de las voces más importantes de la música urbana latinoamericana.A través de distintos lanzamientos fue consolidando un sonido propio que mezcla trap, rap y otros géneros urbanos, una identidad que lo llevó a convertirse en una de las figuras más trascendentales de Venezuela durante la última década.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/1Cbxt1HSTgg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Su crecimiento también quedó reflejado en las colaboraciones. A lo largo de su carrera compartió canciones con artistas de la talla de Ñengo Flow, Myke Towers, Duki, Neo Pistea, Arcángel, Eladio Carrión, Yandel e incluso protagonizó una sesión junto a Bizarrap, alianzas que terminaron de posicionarlo como un nombre de peso dentro de la escena internacional. A eso se suman temas que acumulan millones de reproducciones y una comunidad que hoy llega a los casi tres millones de oyentes mensuales en Spotify, cifras que respaldan el impacto de su música dentro y fuera de Venezuela.<h2>Mucho más que música: el mensaje detrás de Neutro Shorty</h2>Más allá de los números, Neutro Shorty también se convirtió en una figura influyente por el mensaje que transmite en sus canciones. Gran parte de sus letras hablan sobre el esfuerzo, la disciplina, la superación personal y la posibilidad de cambiar el propio destino sin importar el lugar del que uno provenga, una temática que conecta especialmente con miles de jóvenes de los barrios venezolanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fb2daf4906.png" alt=""><figcaption>Un concierto de Neutro Shorty repleto de fanáticos (Instagram/Neutro Shorty).</figcaption></figure>Esa cercanía con su público hizo que muchos lo consideraran mucho más que un artista. Para una nueva generación de músicos y fanáticos, Neutro representa la prueba de que es posible abrirse camino desde abajo a través del trabajo, la constancia y la pasión. Gracias a ese equilibrio entre una carrera consolidada, un sonido reconocible y un discurso inspirador, hoy es considerado no solo el máximo exponente del trap venezolano, sino también una de las figuras más importantes de la música urbana de toda Latinoamérica.

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