<p>Entré al <strong>Palacio Libertad,</strong> el antiguo Palacio de Correos convertido en <strong>el centro cultural más grande de Latinoamérica,</strong> para aprovechar la programación del día. El edificio conserva su imponencia histórica, pero basta cruzar las puertas de su sede en <strong>Sarmiento 151</strong> para descubrir un entramado de salas, pasillos y miradores que funciona como una máquina cultural en movimiento.</p><h2><strong>La Pampa Cósmica </strong></h2><p>Mi primera parada fue <strong>La Pampa Cósmica de Pérez Celis</strong>, en el segundo piso. Esta es una videoinstalación inmersiva que transforma la Sala Inmersiva en una cápsula futurista. La obra reinterpreta el período pampeano del artista a través de <strong>proyecciones digitales</strong>, <strong>colores en expansión</strong>, <strong>símbolos en movimiento</strong> y una <strong>música expectante</strong> que acompaña el viaje.</p><p>La experiencia parte del mural <strong>Fuerza América</strong>, que funciona como eje luminoso para un recorrido que convierte la pintura en un territorio perceptivo. Las imágenes se expanden en todas las direcciones y permiten entender esa declaración de Pérez Celis de los años 60 y 70: <em>“Los argentinos viviendo en La Pampa vivimos en el espacio”</em>.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_adbb43e2c2.png" alt=""><figcaption>Imagen de la proyección de La Pampa Cósmica.</figcaption></figure><p>En el final, las palabras del artista aparecen suspendidas en la pantalla y condensan su pensamiento sobre el arte y el territorio. Primero, una reflexión que resume su filosofía creativa: <em>“El arte es lo único que hace permanente al ser humano; solo la fuerza que no está en el tiempo resiste al tiempo.”</em> Y, enseguida, otra frase que ancla su obra en la identidad argentina y en esa geografía que lo marcó para siempre: <em>“Los argentinos estamos integrados al espacio naturalmente. La Pampa, con su inmensidad y su dimensión, ya nos proyecta hacia zonas que parecen de la estratósfera.”</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_743d9480d8.png" alt=""><figcaption>Imagen de la proyección de La Pampa Cósmica.</figcaption></figure><h2><strong>Sector Evita</strong></h2><p>Seguí hacia el cuarto piso, donde se encuentra el <strong>Sector Evita</strong>, una <strong>muestra permanente</strong> que recrea con una fidelidad impresionante el <strong>despacho que utilizó durante la primera presidencia de Juan Domingo Perón</strong>. A la izquierda, una enorme montaña de cartas recuerda las miles de solicitudes que recibía y respondía a mano. El resto del espacio combina <strong>fotos, teléfonos, máquinas de escribir, juguetes de la Fundación Eva Perón, bicicletas</strong> y objetos cotidianos que evocan su labor social y política. La sensación de estar entrando en <strong>1946</strong>.</p><p>El despacho, considerado <strong>el más suntuoso del edificio</strong>, conserva su imponente estructura de <strong>madera y mármol</strong>, restaurada para recuperar su brillo original. Desde allí, Evita atendía <strong>delegados sindicales</strong>, firmaba <strong>convenios colectivos</strong> y coordinaba <strong>donaciones</strong> que luego se distribuían por todo el país.</p><h2><strong>Soberanía de las cosas</strong></h2><p>Cerré la visita con <strong>Soberanía de las cosas</strong>, la muestra curada por <strong>Jazmín Adler</strong> que reúne pinturas, esculturas, videos e instalaciones construidas a partir de <strong>hongos</strong>, <strong>ruinas industriales</strong>, <strong>desechos tecnológicos</strong>, <strong>maquinarias</strong>, <strong>ficciones</strong>, <strong>cuerpos</strong>, <strong>materias</strong> y <strong>flujos</strong> de toda clase. La propuesta desarma la separación entre naturaleza y sociedad e invita a un Parlamento donde las “cosas” tienen voz propia y se organizan en comunidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2064b0d2a7.png" alt=""><figcaption>Soberanía de las cosas.</figcaption></figure><p>La idea es interesante, pero también deja ver algo muy típico del arte conceptual: hay piezas que realmente encuentran una vuelta, que combinan materia y sentido de una manera que te atrapa, y otras que caen en el clásico recurso del “amontonemos objetos y prendamos un par de pantallas”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_edb1d392b4.png" alt=""><figcaption>Soberanía de las cosas y una sala bastante particular.</figcaption></figure><h2><strong>El edificio, la Ballena Azul y un mirador imperdible</strong></h2><p>El Palacio Libertad es el tercer centro cultural más grande del mundo. Con <strong>más de 100.000 metros cuadrados</strong>, está ubicado en el barrio de <strong>San Nicolás </strong>dentro del histórico edificio del <strong>ex Palacio de Correos y Telecomunicaciones</strong>. Se inauguró en<strong> 2010</strong> como Centro Cultural del Bicentenario, renombrado en <strong>2012</strong> como Centro Cultural Kirchner y designado finalmente como Palacio Libertad en<strong> 2024</strong>. Cuenta con más de <strong>diez salas</strong>, una capacidad simultánea superior a <strong>5000 visitantes</strong> e incluye sectores históricos restaurados como los salones de Honor, de los Escudos y el de los Buzones.</p><p>En la recorrida por los diferentes pisos, es imposible no prestarle atención a la enorme <strong>Ballena Azul</strong>. Se trata de la sala sinfónica principal del edificio, suspendida como una criatura monumental dentro del espacio. Sus curvas, la ingeniería que la sostiene y el contraste entre lo histórico y lo moderno hacen que cada nivel ofrezca un encuadre distinto.</p><p>No me uní a la <strong>visita guiada de las 19 Hs</strong>, pero <strong>recomiendo hacerla</strong> porque permite acceder al espectacular <strong>mirador del noveno piso</strong>. Desde allí la ciudad aparece como una postal singular. Ese punto alto del recorrido es una de las mejores formas de entender la escala urbana que rodea al Palacio Libertad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2ba9f530db.png" alt=""><figcaption>Vista desde el mirador [Imagen], por Palacio Libertad.</figcaption></figure><h2><strong>Horarios, acceso y actividades</strong></h2><p>Las muestras pueden visitarse de <strong>miércoles a domingos</strong>, de <strong>14 a 20 Hs</strong>, sin reserva previa y con <strong>acceso totalmente gratuito</strong>. Los <strong>sábados, domingos y feriados</strong> se suman actividades y exposiciones especiales, por lo que siempre hay algo diferente para ver.</p><p>Entrá en este link y no te pierdas de nada: <a href="https://palaciolibertad.gob.ar/"><u><strong>Cronograma del Palacio Libertad</strong></u></a></p><p>Yo fui un miércoles, alrededor de las 15.30 Hs, un horario que resultó ideal por la <strong>baja afluencia</strong> de público. <strong>Afuera hacía 30 grados y la humedad era intensa</strong>. Adentro no hacía calor, aunque <strong>un poco de aire acondicionado</strong> no hubiera estado mal. El recorrido se distribuye en varios niveles conectados por escaleras mecánicas, ascensores y también escaleras comunes. Un dato de color es que conservan l<strong>a fachada original de los antiguos elevadores del edificio</strong>, un detalle que enriquece la experiencia.</p><p>Cada vez que llegaba a un piso, el personal, siempre amable, me indicaba hacia dónde continuar, y los agentes de seguridad, igual de predispuestos, también respondían con precisión ante cualquier consulta. En cada nivel hay alguien que te pregunta hacia dónde querés ir y te orienta sobre dónde queda cada muestra, lo que hace que el recorrido sea sencillo, acompañado y muy disfrutable.</p><h3><strong>Cómo llegar</strong></h3><p>Llegar es sencillo, porque además de estar ubicado en pleno Centro porteño, <strong>el subte literalmente está en la puerta</strong>, con la estación <strong>Correo Central (Línea E)</strong> a pocos metros del ingreso principal sobre Sarmiento. También se puede acceder desde otras estaciones cercanas como <strong>Catedral (Línea D)</strong> y <strong>Florida (Línea B)</strong>. Varias líneas de colectivo (7, 22, 24, 28, 29, 33, 45, 59, 67, 91, 100 y 152) tienen paradas en la zona. Para quienes opten por ir en bicicleta, las ciclovías de Avenida Corrientes y Diagonal Sur conectan directamente con la manzana del edificio.</p><h2><strong>Una merienda porteña </strong></h2><p>Cuando salí, caminé tres cuadras hasta <strong>La Juana</strong>, donde pedí un café con medialunas. Ese combo porteño, simple y perfecto, fue el cierre ideal. Buenos Aires tiene esa particularidad que <strong>la mayoría de sus cafeterías son espectaculares</strong>, incluso las más pequeñas, y siempre ofrecen un refugio cálido después de una tarde intensa.</p><p><strong>Bonus track</strong></p><p>Una curiosidad es que la exposición <strong>Toy Story 30: Exposición Aniversario</strong> continúa en exhibición y puede visitarse en el <strong>séptimo piso</strong>. Para ingresar, es necesario solicitar previamente las <strong>entradas en el acceso principal</strong> del edificio, ya que el cupo es limitado y se organiza por horarios.</p><p>Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-universo-de-toy-story-llega-a-buenos-aires/1334"><u>El universo de &quot;Toy Story&quot; llega a Buenos Aires</u></a></p>

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Noticias

Una tarde en el centro cultural más grande Latinoamérica

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Buenos Aires recibirá una exposición gratuita e interactiva para celebrar los 30 años del estreno de la película&nbsp;<strong>"Toy Story"</strong>. La muestra, denominada&nbsp;<strong>"Toy Story 30: Exposición Aniversario"</strong>, presenta el universo creativo de Pixar. El evento, ubicado en el Palacio Libertad, ofrecerá a los visitantes la oportunidad de conocer el proceso detrás de la primera película de animación digital de la historia.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Cómo acceder&nbsp;</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La exhibición se podrá visitar&nbsp;<strong>desde el 26 de septiembre hasta el 14 de diciembre</strong>, de miércoles a domingos, entre las 14 y las 20 horas. La entrada es&nbsp;<strong>gratuita</strong> y se recomienda la&nbsp;<strong>reserva previa en línea</strong> a través de este link</span><a href="https://www.streetartlatam.com/agenda/evento/toystory-argentina-exposici%C3%B3n"><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">&nbsp;</span><span style="background-color:transparent;color:#1155cc;font-family:Arial,sans-serif;"><u>Entradas</u></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">. Los cupos en línea se habilitarán semanalmente los lunes a las 14 horas, a partir del 6 de octubre.&nbsp;</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>El detrás de escena de Pixar</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La exposición permite un recorrido por los&nbsp;<strong>archivos de Pixar Animation Studios</strong>. Los visitantes podrán ver&nbsp;<strong>storyboards originales</strong>, modelados de personajes y pruebas de animación. La muestra también incluye una sección dedicada a los primeros cortometrajes de Pixar. Esta sala destaca los inicios del estudio que revolucionó la animación digital.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_eb86b56b90.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><sup>Un viaje inmersivo por la historia de Pixar [Imagen], por Palacio Libertad.</sup></span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>El arte local y la moda presentes</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La muestra contará con un espacio dedicado a los&nbsp;<strong>creadores argentinos</strong>. Diversos artistas locales, como&nbsp;<strong>Melanie Anton</strong>, Alan Berry, Costhanzo, DOMA, Joaquín Fargas, Diego Fontanet, Guardabosques, Bernardo Henning, Federico Lamas, Estudio Los Chinos y Cristian Turdera, expondrán obras que reinterpretan a los personajes de&nbsp;<strong>"Toy Story"</strong>. Además, habrá una colección de moda inspirada en la película, que debutó en la Shanghai Fashion Week.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Info adicional</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Las visitas sin reserva previa están sujetas a la disponibilidad de la sala. La exposición cuenta con señalización en braille, audiodescripción y materiales en Lengua de Señas Argentina para garantizar su accesibilidad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_def3ec188d.png"><sup>Una oportunidad para experimentar la creatividad y el arte de la animación [Imagen], por Palacio Libertad.</sup></span></p>

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El universo de "Toy Story" llega a Buenos Aires

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La moda urbana mexicana tiene referentes que encontraron en la ropa una forma de desafiar las reglas.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Mancandy, la marca del diseñador Andrés Jiménez, construyó una identidad propia al fusionar el streetwear con prendas sin género y una mirada creativa que trasciende la pasarela.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Mancandy y la apuesta por una moda urbana sin etiquetas</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Detrás de&nbsp;</strong></span><a href="https://www.instagram.com/mancandy/?hl=es"><span style="background-color:transparent;color:#1155cc;font-family:Arial,sans-serif;"><strong><u>Mancandy</u></strong></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong> está Andrés Jiménez</strong>, diseñador mexicano nacido en Cuernavaca, Morelos, que creció entre dos mundos que marcarían su camino: <strong>la música y la costura</strong>. Hijo de una madre costurera y un padre comerciante, <strong>desde chico estuvo en contacto con las telas, mientras exploraba su faceta artística a través del canto, la composición y el teatro</strong>. Esa combinación de intereses terminó dando forma a una propuesta que cruza la moda urbana con la experimentación y la libertad de expresión.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_2f80dc8811.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Modelo de Mancandy (Instagram/Mancandy)</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto comenzó a desarrollarse a mediados de los años 2000, con <strong>una mirada que se alejaba de los códigos tradicionales de la indumentaria masculina</strong>. Mancandy apostó por <strong>prendas que desdibujaban las fronteras entre los guardarropas masculino y femenino, con siluetas amplias, referencias deportivas y cortes que transformaban piezas cotidianas en diseños con identidad propia</strong>. Más que seguir las tendencias, la marca buscó construir un lenguaje en el que cada persona pudiera expresarse sin quedar limitada por las convenciones de género.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre sus rasgos distintivos aparecen las <strong>prendas oversize, el denim, los pantalones con aberturas, los cortes cut-out y las camperas de grandes volúmenes</strong>. El <strong>color </strong>también ocupa un lugar central: junto a los tonos neutros, Jiménez incorpora <strong>amarillos, naranjas, rosas y otras tonalidades intensas</strong> que aportan contraste y carácter a sus diseños. A esa búsqueda se suman referencias de <strong>la arquitectura, la fotografía, la música y la vida cotidiana</strong>, que se traducen en piezas capaces de combinar comodidad, experimentación y sofisticación.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DU1jdc6gMB3/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DU1jdc6gMB3/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DU1jdc6gMB3/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por Levi's México (@levismx)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El recorrido de Mancandy también tuvo hitos que ayudaron a proyectar su identidad más allá de la escena mexicana. Uno de ellos fue <strong>el vestido morado que Jiménez diseñó para Julieta Venegas y que apareció en la sesión de MTV Unplugged de la cantante</strong>. La relación con la música se convirtió así en una vidriera para sus creaciones, que encontraron un lugar en una escena cultural más amplia.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Otro momento importante llegó con <strong>el reconocimiento de</strong> <strong>Who’s On Next México</strong>, la plataforma impulsada por Vogue para destacar a diseñadores emergentes. A esto se sumó <strong>la presentación de sus diseños en la Semana de la Moda de Nueva York</strong>, una experiencia que acompañó la proyección internacional de la firma y su crecimiento dentro de la industria.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1c7c8c7bcb.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Modelo de Mancandy (Instagram/Mancandy).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con una trayectoria que conecta las calles, las pasarelas y la escena creativa mexicana, <strong>Mancandy construyó una propuesta reconocible por sus siluetas, su uso del color y su manera de cuestionar las convenciones de la indumentaria</strong>. La marca de Andrés Jiménez entiende el streetwear como algo más que ropa urbana: una forma de explorar la identidad personal y ampliar los límites de la moda.</span></p>

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Mancandy, el streetwear mexicano que rompió las barreras de género

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<p>Durante años, parkour y freerunning fueron utilizados como sinónimos, pero cada disciplina tiene una identidad propia. Mientras una prioriza la eficiencia y la velocidad, la otra encuentra en la creatividad y las acrobacias su principal forma de expresión, y Street Art Latam te ayuda a identificarlas.</p><h2>Parkour y freerunning: dos disciplinas, un objetivo diferente</h2><p>Es muy probable que muchos piensen que el parkour y el freerunning son la misma disciplina, simplemente con un nombre diferente, como suele ocurrir con otras disciplinas.</p><p>Sin embargo, aunque ambas comparten movimientos, saltos y desplazamientos por el entorno urbano, existe una diferencia fundamental: el objetivo principal de cada una.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a6efe29821.png" alt=""><figcaption>El freerunner Krystian Kowalewski sobre una azotea en la isla griega de Astypalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El parkour busca llegar de un punto A a un punto B de la manera más rápida, eficiente y segura posible. El freerunning, en cambio, prioriza la libertad de movimiento, la creatividad y la expresión personal, incorporando elementos acrobáticos y movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</p><h2>¿Cuáles son las principales diferencias entre parkour y freerunning?</h2><p>Aunque ambas disciplinas nacieron de una misma raíz y comparten numerosas técnicas, con el paso del tiempo desarrollaron identidades propias.</p><ul><li>Objetivo: el parkour prioriza la velocidad, la eficiencia, la técnica y la resolución de obstáculos. El freerunning pone el foco en la creatividad, la expresión personal y la estética de cada movimiento.</li></ul><ul><li>Movimientos: el parkour utiliza desplazamientos, saltos, trepadas, carreras por paredes y otros movimientos destinados a superar obstáculos de manera funcional. El freerunning incorpora además giros, acrobacias, saltos mortales y movimientos más espectaculares.</li></ul><ul><li>Esencia: para el parkour, el recorrido y la manera de superar cada obstáculo son los elementos centrales. En el freerunning, el estilo y la forma de ejecutar cada movimiento también se convierten en protagonistas.</li></ul><ul><li>Libertad: mientras el parkour busca encontrar una solución eficiente para atravesar un espacio, el freerunning permite modificar el recorrido y sumar movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bc8c323590.png" alt=""><figcaption>Freerunner realizando una acrobacia en una azotea en una azotea de la isla griega de Astipalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El freerunning se popularizó especialmente gracias a Sébastien Foucan, quien ayudó a desarrollar una interpretación más libre y acrobática del movimiento urbano.</p><p>Con el tiempo, esta disciplina encontró su propia identidad y se convirtió en una de las expresiones más reconocibles dentro de los deportes urbanos.</p><p>En definitiva, ambas disciplinas comparten una misma raíz y muchas de sus técnicas, pero su filosofía es diferente: el parkour busca eficiencia; el free running busca expresión.</p>

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¿Por qué el freerunning es diferente al parkour?

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>No todos los atletas de parkour buscan lo mismo. Mientras algunos intentan completar un recorrido en el menor tiempo posible, otros priorizan la creatividad y la dificultad de sus movimientos, y Street Art Latam te ayuda a entender las diferencias entre las modalidades Speed y Freestyle.</p><h2>Speed: el desafío de completar el recorrido en el menor tiempo</h2><p>El speed es la modalidad competitiva del parkour en la que el objetivo principal es completar un recorrido determinado en el menor tiempo posible. Los atletas deben desplazarse por un circuito que combina diferentes obstáculos, saltos, trepadas y movimientos, buscando encontrar la manera más rápida y eficiente de llegar hasta la meta.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/cNktWBBM9AI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En esta modalidad, cada segundo puede marcar la diferencia. Por eso, además de la velocidad, resulta fundamental mantener el control del cuerpo y elegir correctamente la trayectoria para evitar errores que puedan afectar el tiempo final.</p><p>La preparación física también tiene un papel central: acelerar, frenar, saltar, trepar y cambiar rápidamente de dirección exige fuerza, coordinación, equilibrio y resistencia.</p><h2>Freestyle: cuando la creatividad se convierte en protagonista</h2><p>A diferencia del Speed, la modalidad Freestyle no tiene como objetivo principal completar un recorrido lo más rápido posible. En este caso, los atletas cuentan con mayor libertad para construir una rutina y demostrar sus capacidades técnicas y creativas.</p><p>Los movimientos, las acrobacias, las combinaciones y la dificultad de las secuencias forman parte de una presentación en la que el atleta busca diferenciarse.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6e96c493cb.png" alt=""><figcaption>Freestyle como modalidad del parkour (Squarespace).</figcaption></figure><p>La creatividad es uno de los elementos centrales. No se trata solamente de ejecutar movimientos difíciles, sino también de combinarlos de una manera fluida y construir una rutina que tenga identidad propia.</p><p>Dependiendo de la competencia, los jueces pueden valorar aspectos relacionados con la dificultad, ejecución, variedad, creatividad y composición de la rutina.</p>

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Speed y Freestyle: las dos caras del parkour que tenés que conocer

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