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¿La inteligencia artificial amenaza al arte urbano?

<p>Durante años, parkour y freerunning fueron utilizados como sinónimos, pero cada disciplina tiene una identidad propia. Mientras una prioriza la eficiencia y la velocidad, la otra encuentra en la creatividad y las acrobacias su principal forma de expresión, y Street Art Latam te ayuda a identificarlas.</p><h2>Parkour y freerunning: dos disciplinas, un objetivo diferente</h2><p>Es muy probable que muchos piensen que el parkour y el freerunning son la misma disciplina, simplemente con un nombre diferente, como suele ocurrir con otras disciplinas.</p><p>Sin embargo, aunque ambas comparten movimientos, saltos y desplazamientos por el entorno urbano, existe una diferencia fundamental: el objetivo principal de cada una.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a6efe29821.png" alt=""><figcaption>El freerunner Krystian Kowalewski sobre una azotea en la isla griega de Astypalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El parkour busca llegar de un punto A a un punto B de la manera más rápida, eficiente y segura posible. El freerunning, en cambio, prioriza la libertad de movimiento, la creatividad y la expresión personal, incorporando elementos acrobáticos y movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</p><h2>¿Cuáles son las principales diferencias entre parkour y freerunning?</h2><p>Aunque ambas disciplinas nacieron de una misma raíz y comparten numerosas técnicas, con el paso del tiempo desarrollaron identidades propias.</p><ul><li>Objetivo: el parkour prioriza la velocidad, la eficiencia, la técnica y la resolución de obstáculos. El freerunning pone el foco en la creatividad, la expresión personal y la estética de cada movimiento.</li></ul><ul><li>Movimientos: el parkour utiliza desplazamientos, saltos, trepadas, carreras por paredes y otros movimientos destinados a superar obstáculos de manera funcional. El freerunning incorpora además giros, acrobacias, saltos mortales y movimientos más espectaculares.</li></ul><ul><li>Esencia: para el parkour, el recorrido y la manera de superar cada obstáculo son los elementos centrales. En el freerunning, el estilo y la forma de ejecutar cada movimiento también se convierten en protagonistas.</li></ul><ul><li>Libertad: mientras el parkour busca encontrar una solución eficiente para atravesar un espacio, el freerunning permite modificar el recorrido y sumar movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bc8c323590.png" alt=""><figcaption>Freerunner realizando una acrobacia en una azotea en una azotea de la isla griega de Astipalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El freerunning se popularizó especialmente gracias a Sébastien Foucan, quien ayudó a desarrollar una interpretación más libre y acrobática del movimiento urbano.</p><p>Con el tiempo, esta disciplina encontró su propia identidad y se convirtió en una de las expresiones más reconocibles dentro de los deportes urbanos.</p><p>En definitiva, ambas disciplinas comparten una misma raíz y muchas de sus técnicas, pero su filosofía es diferente: el parkour busca eficiencia; el free running busca expresión.</p>

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¿Por qué el freerunning es diferente al parkour?

<p>Si hay que hablar de referentes femeninas del muralismo contemporáneo en México, el nombre de Camila Ricard ocupa un lugar destacado. En diálogo con Street Art LATAM, la artista repasó sus comienzos, la construcción de su estilo, la escena del arte urbano mexicano y los proyectos que marcaron su carrera.</p><h2>Un estilo artístico en constante evolución</h2><p>En el universo del arte urbano conviven una infinidad de estilos, técnicas y formas de entender la creación. Con el paso del tiempo, cada muralista termina construyendo una identidad propia que no solo define sus obras, sino también la manera en la que observa el mundo. En el caso de Camila Yarahuan Ricard, esa identidad tiene una palabra que la resume por completo: la libertad.</p><p>&quot;<em>Si tuviera que definir mi estilo con una sola palabra, sería libre. Es un estilo que está en constante evolución porque nunca estudié arte de manera formal; todo lo que he aprendido ha sido a través de la experimentación, la intuición y la conexión con las distintas etapas de mi vida</em>&quot;, reconoce la mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá de esa definición, la muralista mexicana reconoce que cada una de sus obras funciona como un reflejo del momento personal que atraviesa. Actualmente encuentra inspiración en crear piezas con propósito, incorporando símbolos, números, repeticiones y elementos que representan conexiones más profundas. Interesada en explorar el comportamiento humano, la energía y la naturaleza, asegura que más que perseguir un estilo fijo, su principal objetivo es crear desde la autenticidad.</p><p>Entre las influencias que acompañaron el desarrollo de su identidad artística, Camila Ricard destaca a Frida Kahlo como su principal referente. La mexicana admira su capacidad para crear sin filtros y convertir cada etapa de su vida en una obra cargada de significado. Como mujer, también encuentra inspiración en la libertad con la que Kahlo mezclaba símbolos, emociones y experiencias personales.</p><p>Sin embargo, sus referencias no se limitan únicamente al universo artístico. La naturaleza, los viajes, las personas que conoce en el camino y las conversaciones cotidianas también forman parte de un proceso creativo que busca nutrirse constantemente de nuevas vivencias y perspectivas.</p><h2>El arte urbano como herramienta para transformar espacios</h2><p>Para muchos muralistas, el primer acercamiento a las calles nace de la necesidad de expresar una idea, intervenir un espacio o simplemente compartir una parte de sí mismos con quienes transitan la ciudad: “<em>Me parece mágico pensar que una persona pueda cruzarse con una obra en su camino y que, aunque sea por unos segundos, esa experiencia despierte una emoción, una reflexión o simplemente le cambie el día. Poder transformar un espacio compartido en un lugar con identidad y significado es una de las razones por las que disfruto tanto el arte urbano</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de69395dc8.png" alt=""><figcaption>El proceso creativo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>Con esa filosofía, la artista mexicana asegura que cada mural representa una oportunidad para dejar un lugar un poco mejor de como lo encontró. Más allá del resultado final, entiende al arte como una herramienta capaz de generar encuentros, despertar emociones y transformar la relación entre las personas y los espacios que habitan.</p><p>Más allá del espacio donde pinta, la muralista también tiene claro cuál es el mensaje que busca dejar en cada una de sus intervenciones. A través de sus obras intenta transmitir emoción, energía y libertad, sin perseguir la perfección ni el realismo como objetivo principal.</p><p>Camila explica que trabaja de manera intuitiva, permitiendo que los colores, las formas, las palabras y los símbolos aparezcan de forma natural durante el proceso creativo. Más que controlar cada detalle, siente que actúa como un canal para esas ideas, con la esperanza de que cada obra invite a quien la observa a conectar con algo propio y le recuerde que la creatividad también nace cuando dejamos espacio para sentir.</p><h2>La visión de Camila Ricard sobre la escena del muralismo en México</h2><p>No hay dudas de que México se consolidó como uno de los grandes referentes del arte urbano en Latinoamérica, con una escena que no solo ganó visibilidad en los últimos años, sino que también amplió sus espacios de desarrollo gracias al crecimiento de festivales, convocatorias y proyectos colectivos. Una evolución que también perciben quienes forman parte activa de ese movimiento, como Camila Yarahuan Ricard.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b65a7d6ba3.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>“<em>En México el arte urbano está viviendo un momento muy interesante. Cada vez existen más convocatorias, colaboraciones con marcas, festivales y espacios que apuestan por integrar el arte en la vida cotidiana. También veo una comunidad de artistas mucho más unida y abierta a compartir procesos, conocimientos y oportunidades</em>”, reconoce la muralista.</p><h2>El proyecto que marcó un antes y un después en su carrera</h2><p>Todo recorrido artístico tiene una obra o un proyecto que termina marcando un antes y un después. Ya sea por el desafío técnico, el impacto que genera o la historia que lo rodea, hay trabajos que trascienden el resultado final y se convierten en los más significativos de una carrera. Para Camila Ricard, esa experiencia estuvo lejos de un muro y encontró su lugar en el acompañamiento a adolescentes que atravesaban una enfermedad: talleres de arte para adolescentes con cáncer junto a la Fundación ASAC.</p><p>“<em>Cuando tenía 18 años yo también viví un proceso de cáncer, así que regresar años después desde otro lugar, acompañando a jóvenes que estaban atravesando algo similar, fue profundamente significativo</em>”.</p><p>Haber atravesado esa misma experiencia le permitió conectar desde un lugar profundamente personal, convirtiendo al arte en una herramienta de expresión, compañía y contención para quienes transitaban un momento difícil.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d516122acc.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><h2>Consejos para quienes comienzan en el arte urbano</h2><p>Todo camino creativo comienza con una primera obra, un primer trazo o un primer muro. Como sucede en el deporte, la gastronomía o cualquier otra disciplina, quienes recién empiezan suelen buscar referencias y consejos de personas que ya recorrieron ese camino. Y para Camila Charahuan Ricard, hay un mensaje que nunca pierde vigencia.</p><p>“<em>En el mundo creativo es muy fácil compararse y sentir presión por avanzar más rápido, pero cada artista tiene un proceso distinto. Cuando dejas de mirar el tiempo de los demás y empiezas a confiar en el tuyo, todo comienza a fluir de una manera diferente</em>”, aconseja Camila, quien también considera que atreverse es fundamental para descubrir nuevas oportunidades, incluso antes de sentirse completamente preparado. A su vez, invita a no perder la capacidad de divertirse durante el proceso creativo, convencida de que es justamente en ese espacio de libertad, juego y experimentación donde nacen las obras más especiales.</p><h2>La obra que mejor representa su carrera: el balón monumental rumbo al Mundial</h2><p>A lo largo de su carrera, Camila Yarahuan Ricard dejó su huella en distintos rincones de México a través de murales e intervenciones que combinan color, simbolismo y emoción. Sin embargo, uno de los proyectos que más representa su presente artístico llegó de la mano del fútbol y de la cuenta regresiva hacia la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá 2026.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/?hl=zh-cn" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La muralista mexicana fue una de las artistas seleccionadas por Grupo GICSA para intervenir un balón monumental como parte de Golearte, una iniciativa que reunió a distintos creadores para reinterpretar la pasión que representa el fútbol en México. Sobre la inspiración detrás de la obra, Ricard explicó: &quot;<em>La inspiración nació de la famosa &#x27;ola&#x27; que marcó el Mundial de 1986. A partir de esa idea construí una composición donde cada ola representaba emociones, lugares y personas que conectan a millones dentro y fuera del país</em>&quot;.</p><p>La intervención fue exhibida en Paseo Interlomas, donde miles de personas pudieron recorrerla, fotografiarse y disfrutar del trabajo realizado por todos los artistas participantes, consolidándose como una de las acciones artísticas más representativas del camino hacia el Mundial 2026.</p>

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“Siempre he sentido que el mundo tiene espacio para más arte”

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

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¿Dónde jugar baloncesto callejero en Medellín?

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El arte urbano también se expresa a través de festivales que conectan la creatividad con la identidad de cada comunidad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y en Ciudad Juárez, el Centro Histórico se convirtió en una galería a cielo abierto con la novena edición de GisArte, un evento organizado por el Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez, donde el color y las tradiciones mexicanas tomaron las calles.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Arte urbano y folclore: así se vivió la novena edición de GisArte en Juárez</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Durante el fin de semana, las calles del <strong>Centro Histórico de Ciudad Juárez</strong> se transformaron en un gran lienzo colectivo con la novena edición de <strong>GisArte</strong>. Bajo la temática “<strong>México: Pasión por nuestro Folklor</strong>”, artistas y colectivos intervinieron en distintos sectores del pavimento para plasmar <strong>sus propias interpretaciones de la identidad, las tradiciones y la riqueza cultural del país</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_4427f5a6e8.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Vista aérea de la novena edición de GisArte (Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cada participante contó con <strong>un espacio delimitado por baldosas en el que pudo desarrollar libremente su propuesta artística a partir de la consigna</strong>. El resultado fue <strong>una combinación de estilos, colores y representaciones que incluyó banderas, catrinas y elementos vinculados con el Día de Muertos</strong>, entre otras expresiones de la cultura popular mexicana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Las obras se extendieron a lo largo del corredor del Centro Histórico y <strong>convirtieron el espacio público en un paseo para familias y visitantes</strong>. Además de apreciar las piezas terminadas, quienes recorrieron el lugar pudieron acercarse al proceso creativo y descubrir las diferentes miradas que los participantes aportaron a una misma temática.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DeFHM08jFAv/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DeFHM08jFAv/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DeFHM08jFAv/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Juárez Número Uno (@juareznumerouno)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La diversidad de propuestas fue uno de los aspectos destacados del encuentro: <strong>cada intervención encontró su propia manera de representar el folclore mexicano</strong>, desde sus símbolos más reconocibles hasta interpretaciones personales de las costumbres y tradiciones del país.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La jornada también contó con un concurso que reconoció las propuestas más destacadas. Tras la evaluación del jurado, el primer lugar fue para el <strong>Colectivo 880</strong> por su obra “<strong>Colores en movimiento</strong>”. El segundo puesto quedó en manos del <strong>Colectivo Bellota</strong> con “<strong>El sabor de El Pueblo</strong>”, mientras que el tercer lugar fue para el <strong>Colectivo Marte Rojo</strong> por “<strong>Escaramuza</strong>”.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Además, el <strong>Colectivo Tres Desiertos</strong> recibió una mención honorífica por “<strong>Al son de la muerte</strong>”, una propuesta que también formó parte de las distintas representaciones artísticas que dieron vida al encuentro.</span></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Artistas_coloreando_el_Centro_Historico_de_Ciudad_Juarez_en_la_novena_edicion_de_Gis_Arte_1_1_5687c661b8.jpg"></figure><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Artistas coloreando el Centro Histórico de Ciudad Juárez en la novena edición de GisArte (Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con esta nueva edición de GisArte, el Centro Histórico de Ciudad Juárez se llenó de color y creatividad, y reunió el talento de artistas y colectivos locales en una celebración del folclore mexicano a través del arte urbano.</span></p>

Artistas coloreando el Centro Histórico de Ciudad Juárez en la novena edición de GisArte (1).avif

Ciudad Juárez convirtió sus calles en un lienzo para celebrar la cultura mexicana

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Realismo, color y raíces mexicanas en el arte urbano: así es el universo de Duek Glez

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La gastronomía también puede ser una forma de recorrer la historia de un lugar. Eso propone La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta, un nuevo espacio cultural de CDMX que recupera ingredientes, técnicas y tradiciones para convertirlas en una experiencia.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Un recorrido por los sabores, historias y tradiciones de Milpa Alta: así es el Museo Vivo de la Cocina</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En el sur de la Ciudad de México, <strong>Milpa Alta</strong> cuenta con un nuevo espacio dedicado a una de las expresiones más importantes de su identidad: <strong>la gastronomía</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Se trata de <strong>La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta</strong>, un proyecto que propone <strong>entender la cocina como un sistema cultural en el que conviven ingredientes, agricultura, técnicas heredadas, rituales y vida comunitaria</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_8da0bb4594.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Interior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El museo funciona dentro de un inmueble con más de 100 años de historia, que durante la época de la Revolución Mexicana fue una hacienda y un espacio destinado a la labranza. El edificio se encuentra en el corazón de Villa Milpa Alta y actualmente fue recuperado para <strong>convertirse en un espacio dedicado a preservar y difundir la tradición culinaria de la región</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El recorrido está compuesto por <strong>seis salas temáticas</strong>, cada una dedicada a diferentes aspectos de la cultura gastronómica de Milpa Alta. La primera aborda <strong>la milpa como modelo agrícola y su relación con ingredientes como el maíz nativo, la calabaza, el frijol y los quelites</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Otra de las salas pone el foco en <strong>el maguey, el pulque y el nopal</strong>, productos que forman parte de la identidad de la región. El recorrido también pasa por el mercado como espacio de intercambio y tradición oral, con referencias a alimentos como la barbacoa, los tamales, los cocoles y el atole.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La experiencia continúa en el espacio dedicado a <strong>la molienda</strong>, donde aparecen herramientas tradicionales como el metate y el molcajete y se explora el proceso detrás de algunos de los sabores más representativos de la cocina mexicana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">También hay un sector dedicado a <strong>las temporaleras y las cocineras tradicionales</strong>, con especial atención sobre quienes recolectan durante determinadas épocas del año hongos, flores, frutos y diferentes elementos que ofrece la tierra. Finalmente, <strong>La Mesa Infinita funciona como un homenaje a las cocineras tradicionales y a la identidad comunitaria que se construye alrededor de los fogones y la mesa</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_05de2825d8.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El exterior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero el Museo Vivo de la Cocina busca ir más allá del recorrido tradicional. El espacio cuenta además con <strong>una palapa destinada a conferencias, degustaciones y talleres vivenciales</strong>, donde los visitantes pueden participar en experiencias vinculadas con la preparación de alimentos tradicionales.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre las actividades previstas aparecen <strong>talleres para aprender a elaborar preparaciones como pipián, mole verde y tamales de hongo</strong>, además de diferentes experiencias relacionadas con los ingredientes y técnicas de la cocina de Milpa Alta. El espacio también funciona como plataforma para que artesanos y productores locales puedan acercar sus productos al público.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La propuesta busca que la gastronomía no quede entendida simplemente como una colección de recetas o platillos del pasado. Por el contrario, <strong>el museo presenta la comida como una manifestación cultural que continúa viva</strong> y que se mantiene a través de las personas, los cultivos, las técnicas y los conocimientos transmitidos entre generaciones.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_7d5b58346a.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Interior del Museo Vivo de la Cocina (Facebook/Octavio Rivero).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>La Casona: Museo Vivo de la Cocina de Milpa Alta</strong> se encuentra en <strong>Sonora Sur 10</strong>, Barrio Los Ángeles, Villa Milpa Alta, Ciudad de México. El espacio recibe visitantes de lunes a domingo, de 10:00 a 19:00 horas, con entrada gratuita</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De esta manera, <strong>el Museo Vivo de la Cocina se suma a la oferta cultural de CDMX con una propuesta que permite conocer un territorio desde un lugar diferente</strong>: no solamente a través de sus edificios, historias o paisajes, sino también mediante aquello que llega todos los días a la mesa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Porque detrás de cada tortilla, cada mole, cada ingrediente y cada receta existe una historia de tierra, comunidad y conocimiento. Y justamente eso busca preservar La Casona: <strong>una cocina que no pertenece únicamente al pasado, sino que continúa viva en el presente</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para llegar en transporte público, una de las opciones es tomar la <strong>Línea 12 del Metro hasta la estación Tláhuac</strong> y desde allí abordar un camión con destino al Mercado de Milpa Alta; desde ese punto, el museo se encuentra a unos cinco minutos a pie. Otra alternativa es viajar por la <strong>Línea 2 del Metro hasta Tasqueña</strong>, combinar con el <strong>Tren Ligero hasta Xochimilco</strong> y luego tomar <strong>un transporte hacia el Centro de Milpa Alta</strong>. En automóvil, se puede acceder por la <strong>Carretera Xochimilco-Oaxtepec</strong>, siguiendo la desviación hacia Buenavista hasta llegar a Sonora Sur.</span></p>

Interior del Museo Vivo de la Cocina (1) (1) (1).avif

El museo de CDMX donde la cocina mexicana se convierte en patrimonio vivo

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<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El Día de Muertos no se vive solamente el 1 y 2 de noviembre: en la Ciudad de México, la celebración comienza en octubre y transforma calles, plazas, museos y distintos barrios.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Alebrijes, catrinas, ofrendas y mucho más: la agenda de Día de Muertos</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cada año, la <strong>Ciudad de México</strong> cambia de colores para recibir una de las celebraciones más importantes de la cultura mexicana: <strong>el Día de Muertos</strong>. Aunque las fechas centrales son el 1 y 2 de noviembre, <strong>la temporada comienza mucho antes y durante octubre la capital se llena de desfiles, festivales, ofrendas, recorridos y actividades</strong> que permiten acercarse a distintas expresiones de esta tradición.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En 2026, <strong>la agenda vuelve a ser amplia y ofrece propuestas relacionadas con el arte popular, la gastronomía, el turismo, la música, el deporte y las tradiciones mexicanas</strong>. Estos son algunos de los principales planes para tener en cuenta:</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_ace3a2873f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Mexicana celebrando el Día de los Muertos en las calles CDMX (Getty Images).</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Desfile de Alebrijes Monumentales — 17 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Museo de Arte Popular</strong> realizará una nueva edición de su tradicional desfile, con <strong>enormes figuras de cartonería recorriendo las calles de la ciudad</strong>. El recorrido comenzará en el Zócalo, pasará por 5 de Mayo, Avenida Juárez y Paseo de la Reforma y finalizará en la zona del Ángel de la Independencia. Las piezas permanecerán posteriormente en exhibición sobre Reforma.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival artesanal de café, pan de muerto y chocolate — 17 y 18 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En Jalapa 38, Roma Norte, habrá <strong>una propuesta gastronómica dedicada a algunos de los sabores más representativos de la temporada</strong>. Además de <strong>pan de muerto, café y chocolate</strong>, se anuncian <strong>talleres y actividades relacionadas con el cacao y la elaboración de catrinas</strong>. La entrada será gratuita y el horario previsto es de 10:00 a 19:00.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival de Flores de Cempasúchil — del 18 de octubre al 1 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Paseo de la Reforma</strong> volverá a llenarse del tradicional color naranja con una feria dedicada al cempasúchil, donde <strong>productores de la Ciudad de México ofrecerán flores, plantas y artículos vinculados con la temporada</strong>.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Entre flores, agua y espíritus — 24 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Xochimilco </strong>será escenario de una experiencia vinculada con las tradiciones de Día de Muertos y el paisaje de sus canales, una de las zonas de la ciudad que mantiene una relación especialmente fuerte con esta celebración.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Rodada Ciclista por el Día de Muertos — 24 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para quienes prefieren una alternativa más activa, <strong>la Rodada Nocturna recorrerá la ciudad desde la Fuente de Petróleos hasta el Centro Histórico</strong>, con actividades complementarias, disfraces y espacios de participación para ciclistas.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Mega Procesión de las Catrinas — 25 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Uno de los eventos más característicos de la temporada regresará a <strong>Paseo de la Reforma</strong>. La procesión reunirá a <strong>miles de personas caracterizadas como catrinas y catrines, con diferentes estilos y referencias a la cultura mexicana</strong>. Está prevista para las 18:00 horas y será gratuita.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival del Cacao en el Museo Anahuacalli — del 29 de octubre al 2 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Museo Anahuacalli</strong> recibirá una nueva edición del festival dedicado al <strong>cacao</strong>, con productores, chocolateros y propuestas gastronómicas relacionadas con uno de los alimentos más importantes de las culturas mesoamericanas. También habrá bebidas tradicionales como tejate y tascalate.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Festival de Día de Muertos en Chapultepec: “La Puerta entre dos mundos” — del 29 de octubre al 4 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En el <strong>Paseo de los Compositores y Lago Mayor</strong>, dentro de la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec, habrá <strong>una experiencia que combinará arte, música, danza, gastronomía, altares y un espectáculo nocturno de drones</strong>.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Ofrenda Monumental del Zócalo — del 29 de octubre al 2 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El corazón del <strong>Centro Histórico</strong> volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro de la temporada. La ofrenda de 2026 estará dedicada a la <strong>Catrina de José Guadalupe Posada</strong> e incluirá <strong>una estructura monumental de cartonería de 32 metros, tapetes de aserrín y flores de cempasúchil</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_dc3f410632.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Desfile musical del Día de los Muertos (Getty Images).</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">“El Camino”, iluminación de Día de Muertos — del 23 de octubre al 8 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Paseo de la Reforma</strong> también tendrá una <strong>intervención lumínica</strong> entre <strong>el Ángel de la Independencia y la Puerta de los Leones</strong>, pensada especialmente para disfrutar durante la noche.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Gran Desfile de Día de Muertos — 31 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>evento central de la temporada</strong> tendrá lugar el sábado 31 de octubre y llevará <strong>carros alegóricos, música, danzantes, mojigangas y contingentes temáticos hacia el Zócalo</strong>. Entre los homenajes anunciados aparecen figuras y símbolos de la cultura mexicana. La agenda oficial consultada lo ubica a las 14:00 horas, aunque algunas guías publicaron horarios diferentes, por lo que conviene revisar la información oficial antes de asistir.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Ofrenda Viva Domingo x Arca Tierra — 31 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En la <strong>Chinampa del Sol</strong>, esta propuesta buscará acercar la celebración al territorio chinampero con <strong>una experiencia alrededor de las tradiciones, la naturaleza y la memoria</strong>. Está prevista para el mediodía.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Megaofrenda de la UNAM — del 31 de octubre al 2 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La comunidad universitaria también tendrá su propio espacio de celebración con la<strong> tradicional Megaofrenda en la explanada de Universum</strong>, una de las opciones más importantes para recorrer altares y homenajes durante las fechas centrales.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Pasarela “La Catrina en Cuerpo y Color” — 29 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Museo Nacional de Culturas Populares</strong> será sede de una propuesta que llevará a la <strong>Catrina </strong>al terreno de la moda y la expresión visual. La actividad está prevista para el 29 de octubre a las 13:00 horas.</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Curso y talleres de Pan de Muerto — 29 y 30 de octubre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Roma Norte</strong> también tendrá una alternativa para quienes prefieren una actividad gastronómica participativa: <strong>un curso de dos días en Tabasco 46, dedicado a preparar pan de muerto</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_a30e578c03.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Celebración del Día de los Muertos en CDMX (Getty Images).</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Calaveritas Run — 1 de noviembre</span></h3><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>Complejo Cultural Los Pinos</strong> recibirá una carrera nocturna de <strong>Día de Muertos</strong> a partir de las 19:30. Habrá diferentes distancias, categorías y una propuesta que invita a correr con caracterizaciones inspiradas en calaveras. La actividad es arancelada.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre desfiles, ofrendas, recorridos, gastronomía, arte popular y propuestas para hacer en familia o con amigos, <strong>Día de Muertos volverá a convertir a la Ciudad de México en uno de los grandes escenarios culturales de México</strong>.</span></p>

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¿Qué hacer el Día de los Muertos en CDMX?

Ivo Weisz, el DJ argentino que llevó la música electrónica a los subtes de Buenos Aires (1).avif

El fenómeno que convierte al transporte público en una fiesta electrónica

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Una excavadora como plataforma de lanzamiento, toneladas de tierra y una bicicleta girando en el aire: así fue el último desafío de Gabriel Chaves, el rider argentino que convirtió un terreno de San Luis en un circuito de BMX Dirt Jump.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Excavadoras, tierra y BMX: el desafío de Gabriel Chaves en San Luis</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Las <strong>megaproducciones </strong>de<strong> Red Bull</strong> se convirtieron en una de las expresiones más llamativas del deporte urbano y, en los últimos días, <strong>el argentino Gabriel Chaves y el BMX Dirt Jump fueron protagonistas</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El rider cordobés viajó a San Luis para construir durante siete días <strong>un circuito de tierra en el que excavadoras, palas cargadoras y maquinaria pesada fueron parte de la propia línea</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DdKHLDgCkyn/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DdKHLDgCkyn/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DdKHLDgCkyn/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Red Bull Argentina (@redbullarg)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto comenzó con el diseño y la construcción de un circuito pensado especialmente para la ocasión. Durante siete jornadas, <strong>las máquinas fueron utilizadas para mover toneladas de tierra, levantar rampas y modificar el terreno hasta conseguir una serie de obstáculos</strong> que permitieran desarrollar una secuencia de trucos de alta dificultad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero la particularidad estuvo en que la maquinaria no quedó simplemente detrás de escena. <strong>Excavadoras, palas cargadoras y estructuras industriales terminaron convertidas en parte del propio circuito y de las maniobras</strong>, generando un escenario completamente diferente al de una pista tradicional.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El primer gran momento apareció con el <strong>ninja drop tailwhip</strong>, una maniobra en la que Chaves se lanzó desde la pala de una cargadora industrial mientras hacía girar 360 grados el cuadro de la bicicleta antes de recuperar el control y aterrizar sobre la rampa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_f41feb4200.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Gabriel Chaves en el spot construido en San Luis (Instagram/Gabriel Chaves).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A partir de allí, <strong>la línea continuó con nuevas rampas y saltos hasta desembocar en otras dos maniobras de enorme dificultad</strong>. El argentino realizó un <strong>frontflip</strong>, en el que completó una rotación hacia adelante junto con la bicicleta, y un <strong>cash roll</strong>, uno de los movimientos más complejos del BMX Dirt que combina un frontflip con una rotación de 360 grados sobre el eje horizontal.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La secuencia completa no nació de una sola jornada de pruebas. El diseño del circuito, la preparación del terreno y la búsqueda de las líneas adecuadas formaron parte de un proceso de siete días antes de llegar a la ejecución definitiva.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El desafío también refleja una de las características que acompañan la carrera de Gabriel Chaves: <strong>buscar escenarios diferentes para llevar la disciplina a lugares poco habituales</strong>.&nbsp;</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/CVRtdNDtDBQ" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto de San Luis quedó además registrado en un documental publicado en su canal de YouTube, donde se puede seguir el proceso completo: desde el diseño y la construcción del circuito hasta la ejecución de los trucos finales.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De esta manera, <strong>Gabriel Chaves volvió a mostrar que el BMX Dirt Jump también puede entenderse como una disciplina de creatividad y construcción de escenarios</strong>. En esta oportunidad, la tierra permitió levantar las rampas, pero las excavadoras y las palas cargadoras terminaron convirtiéndose en protagonistas de una línea en la que el circuito no solo se construyó para el truco: también se convirtió en parte del truco.</span></p>

El rider argentino Gabriel Chaves en pleno truco en San Luis.avif

Gabriel Chaves y un desafío fuera de serie: BMX, excavadoras y rampas de tierra

Adrean Skent, el artista que convierte el neomexicanismo en explosiones de color.avif

Adrean Skent, el artista que convierte el neomexicanismo en explosiones de color

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre barras afiladas, jerga callejera y una identidad marcada por Cuba, Rizo comenzó a construir un nombre dentro de la escena urbana de la isla.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Rizo, la nueva cara del trap cubano</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>música urbana</strong> del <strong>Caribe </strong>cuenta con una historia marcada por figuras que llevaron sus sonidos desde las calles hasta los grandes escenarios latinoamericanos. Esa escena continúa generando nuevos nombres y, desde Cuba, <strong>Rizo empieza a construir su propio camino como una de las caras emergentes del trap de la isla</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_8b4610ddcf.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Rizo durante una sesión de fotos (Instagram/Rizo).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Oriundo de Colón, Cuba, <strong>el artista comenzó a hacerse notar a partir de una propuesta atravesada por la crudeza del trap, las barras afiladas, el flow y una fuerte identidad callejera</strong>. Canciones como “<i>Freestyle</i>”, “<i>Trap en Vena</i>” y “<i>Quieren Trap</i>” forman parte de un repertorio que le permitió empezar a ganar espacio dentro de la escena urbana cubana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Su estilo combina la energía característica del trap con la jerga y las expresiones propias de Cuba, generando una identidad que no busca despegarse del territorio desde el que nació, sino utilizarlo como parte fundamental de su sonido.</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/hf-u3PhKU0Y" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A ese crecimiento también se sumaron distintas colaboraciones con artistas de la escena urbana, entre ellos Lagueah El Arabe y Nani La Escoba, mientras sus lanzamientos comenzaron a cosechar cientos de miles de reproducciones y a ampliar su comunidad de seguidores.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_0de200e70f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Rizo durante una sesión de fotos (Instagram/Rizo).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con una identidad cada vez más reconocible y una presencia digital que continúa creciendo, <strong>Rizo empieza a aparecer como uno de los nombres que buscan abrirle nuevas puertas al trap cubano</strong>. Su recorrido todavía está en construcción, pero desde Colón ya encontró una fórmula basada en calle, crudeza y personalidad para comenzar a hacerse un lugar dentro de la música urbana de la isla.</span></p>

Rizo, la nueva cara del trap cubano.avif

Crudeza, calle y trap desde Cuba para una nueva generación: conocé a Rizo

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El graffiti puede aparecer en una pared, una persiana o una fachada, pero también puede terminar en una instancia judicial o administrativa: eso ocurrió en Mendoza, donde una mujer fue declarada responsable por 22 pintadas en espacios públicos y bienes privados de la metrópoli.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De pintar una persiana a enfrentar 22 infracciones: el caso artístico que abrió un debate en Mendoza</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Aunque muchas veces se piensa al arte urbano únicamente desde su costado artístico, <strong>su vínculo con el espacio público también puede llevarlo al terreno judicial y administrativo</strong>. La convivencia entre las intervenciones urbanas y las normativas municipales genera desde hace años distintos debates, especialmente <strong>cuando una obra aparece sobre una superficie sin autorización</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y en <strong>Mendoza</strong>, un caso reciente volvió a poner esa relación en el centro de la discusión.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_de7782a41c.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Una de las intervenciones hechas por la mujer acusada en Mendoza (Prensa Ciudad de Mendoza).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La situación comenzó el 3 de enero, <strong>cuando una mujer fue encontrada mientras realizaba una pintada sobre la persiana de un comercio ubicado en Mitre 1657</strong>, Ciudad de Mendoza. Durante el procedimiento, <strong>los agentes secuestraron 17 envases de pintura en aerosol</strong>, además de otros elementos, y se labró un acta por una presunta infracción a los artículos 21 y concordantes de la Ordenanza Municipal N.º 3877/14, Código de Convivencia Ciudadana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La normativa establece la <strong>prohibición de realizar grafitis, pintadas, manchas, garabatos, escritos, inscripciones o pegatinas tanto en espacios públicos como en bienes privados sin autorización previa</strong>. Al mismo tiempo, la legislación municipal contempla que los murales artísticos realizados con autorización del propietario y, cuando corresponde, del municipio, quedan exceptuados de esa prohibición.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A partir de aquella primera intervención, la Municipalidad inició una investigación para determinar si existían otras pintadas vinculadas con la misma autora. El procedimiento <strong>permitió identificar 21 grafitis adicionales realizados en fachadas, comercios y edificios públicos</strong>, cuyas características y similitudes fueron utilizadas para relacionarlos con la mujer investigada.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La investigación también llevó a <strong>identificar una cuenta de Instagram donde se registraban y difundían las intervenciones, tanto durante el proceso de realización como una vez terminadas</strong>. De acuerdo con la información oficial, durante la audiencia los integrantes del Jurado Vecinal incluso solicitaron comprobar los tatuajes que la mujer tenía en ambos brazos antes de continuar con la deliberación.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_97675bb1e6.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El arte urbano como centro de debate en Mendoza (Prensa Ciudad de Mendoza).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El caso llegó entonces al <strong>Jurado Vecinal</strong>, una herramienta implementada por la Ciudad de Mendoza que permite la participación directa de vecinos en el análisis de determinadas infracciones al Código de Convivencia. En esta oportunidad, <strong>siete ciudadanos participaron voluntariamente de la evaluación y, después de analizar los hechos, determinaron por unanimidad la responsabilidad de la mujer por las 22 pintadas</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>sanción económica</strong> es uno de los puntos que más llamó la atención. Como la multa se aplica por cada infracción, <strong>la suma de las 22 podría alcanzar los $10 millones de pesos argentinos ($6 mil dólares estadounidenses)</strong>. La Municipalidad informó además que, ante una eventual falta de pago voluntario, puede iniciarse un procedimiento de apremio en los juzgados tributarios y, una vez firme la sentencia y ante el incumplimiento, avanzar con medidas como el embargo o la inhibición.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Más allá del expediente, <strong>el caso también abrió una discusión alrededor del graffiti y el espacio público</strong>. En redes sociales aparecieron opiniones que cuestionaron la magnitud de la sanción y <strong>defendieron la idea de que determinadas intervenciones pueden contribuir a embellecer una ciudad</strong>, mientras otras posiciones remarcaron que intervenir una propiedad o un espacio público sin autorización supone igualmente incumplir una normativa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_7ab97a783a.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El graffiti como centro de atención del Jurado Vecinal (Prensa Ciudad de Mendoza).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>La discusión también se cruzó con otros usos del espacio público y con el accionar de partidos políticos</strong>, especialmente por la colocación de carteles y propaganda en postes, paredes y otros elementos urbanos. El propio municipio de Mendoza ya había advertido en años anteriores a las agrupaciones políticas que las pegatinas, grafitis y soportes gráficos que afectaran la vía pública también podían ser sancionados.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Así, un caso que comenzó con una pintada sobre una persiana terminó abriendo una conversación mucho más amplia: <strong>¿dónde termina la expresión artística y dónde comienza la intervención no autorizada sobre el espacio público?</strong> En Mendoza, esa discusión ahora quedó atravesada por un Jurado Vecinal, 22 infracciones y una sanción económica que podría alcanzar los diez millones de pesos.</span></p>

22 grafitis y una multa de hasta $10 millones_ el caso que sacudió al arte urbano en Mendoza (1) (1).avif

22 grafitis y una multa de hasta $6 mil dólares: el caso que sacudió al arte urbano en Mendoza

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Hablar de streetwear es también hablar de las personas que ayudaron a convertir una escena de nicho en una cultura global, y dentro de esa historia aparece Hiroshi Fujiwara, diseñador, músico y creativo japonés conocido como el “Godfather of Streetwear”.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De Harajuku al mundo: la influencia de Hiroshi Fujiwara</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>streetwear internacional</strong> cuenta con un selecto grupo de personalidades que, por su influencia, sus lanzamientos y su huella cultural, ayudaron a construir la escena que conocemos hoy.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Nombres como <strong>Shawn Stussy, James Jebbia, NIGO o Hiroshi Fujiwara</strong> forman parte de una generación que <strong>entendió la ropa como algo mucho más amplio que una simple tendencia</strong> y la conectó con la música, el arte, el skate, el diseño y las diferentes subculturas urbanas.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y dentro de ese grupo, <strong>Fujiwara ocupa un lugar especialmente importante por el camino que construyó desde Japón hacia el resto del mundo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_53227233c3.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Los inicios de Hiroshi Fujiwara como DJ (Instagram/Sweetmenta).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Nacido en Japón, <strong>Fujiwara se trasladó a Tokio a comienzos de los años 80 y rápidamente quedó fascinado por las expresiones culturales que llegaban desde Occidente</strong>. Sus viajes a Londres y Nueva York fueron determinantes: allí entró en contacto con el punk, el hip hop, el DJing y una nueva manera de entender la ropa y la identidad. De regreso en Japón, <strong>comenzó a trasladar esas influencias a la escena de Harajuku</strong>, convirtiéndose en una de las primeras figuras vinculadas al hip hop y a la cultura de importación de estilos occidentales en el país.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>música </strong>fue, de hecho, uno de los puntos de partida de su carrera. Antes de transformarse en referente del diseño, <strong>Fujiwara fue DJ y se convirtió en uno de los primeros nombres vinculados al hip hop en Japón</strong>. Esa conexión con la música terminó siendo fundamental para su concepción de la moda: las escenas musicales, los artistas, las zapatillas, las tiendas, los diseñadores y las comunidades podían formar parte de un mismo universo creativo</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">GOODENOUGH y el nacimiento de una nueva escena</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En 1990 llegó uno de los grandes puntos de inflexión de su trayectoria con la creación de <strong>GOODENOUGH</strong>, una marca que comenzó con una propuesta relativamente sencilla: <strong>prendas gráficas, principalmente remeras, capaces de trasladar a la ropa el lenguaje que circulaba en las calles y en la escena underground japonesa</strong>. Sin embargo, su impacto terminó siendo muchísimo mayor.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_4f11fb9932.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">GOODENOUGH como pilar de Hiroshi Fujiwara (Instagram/Sweetmenta).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">GOODENOUGH apareció en un momento en el que el streetwear japonés todavía estaba construyendo sus propias reglas y terminó <strong>convirtiéndose en una de las piezas fundamentales de la escena conocida como Ura-Harajuku</strong>. Fujiwara no trabajó únicamente como diseñador: también funcionó como una especie de puente entre distintas comunidades, conectando la escena japonesa con marcas y movimientos que estaban surgiendo en Estados Unidos y Europa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Uno de los episodios más importantes de esa época fue <strong>la relación con NIGO y Jun Takahashi</strong>, dos nombres que posteriormente serían protagonistas de la moda urbana japonesa. Con el impulso de Fujiwara, ambos estuvieron vinculados a la apertura de <strong>NOWHERE </strong>en Harajuku en 1993, <strong>una tienda que terminó funcionando como uno de los núcleos fundamentales del movimiento</strong>. El espacio combinaba marcas japonesas, zapatillas Nike y adidas, prendas vintage y artículos provenientes de Estados Unidos.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_41298637f0.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Remera de GOODENOUGH (Sabukaru).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La importancia de Fujiwara durante esos años no se limitó entonces a su propia marca. Su presencia <strong>ayudó a generar un ecosistema en el que diferentes diseñadores y creativos podían encontrarse, intercambiar referencias y desarrollar nuevas propuestas</strong>. Desde ese entorno surgieron o crecieron nombres como <strong>A Bathing Ape, UNDERCOVER, NEIGHBORHOOD, WTAPS y SOPHNET.</strong>, entre otros.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De crear ropa a crear conexiones</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con el paso de los años, Fujiwara fue alejándose de la estructura tradicional de una marca de indumentaria. Su interés estaba cada vez más puesto en las ideas, los objetos, las colaboraciones y las conexiones entre diferentes industrias.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ese cambio terminó desembocando en <strong>Fragment Design</strong>, el proyecto que fundó a finales de los 90 y que se convertiría en la principal plataforma de su carrera. A diferencia de una marca convencional, <strong>Fragment fue concebida como un estudio creativo capaz de trabajar junto a compañías de diferentes áreas</strong>. Moda, zapatillas, tecnología, música, diseño, objetos cotidianos y cultura popular podían entrar dentro de su universo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>El símbolo de los dos rayos se convirtió con el tiempo en una de las firmas más reconocibles del streetwear contemporáneo</strong>. Y probablemente ahí se encuentre una de las claves para entender el impacto de Fujiwara: Fragment no necesitó construir una identidad basada en grandes colecciones propias para convertirse en una referencia. Su fuerza estuvo en la capacidad de intervenir sobre productos existentes y convertir una colaboración en un objeto cultural.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_3162040246.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Hiroshi Fujiwara junto a un par de Nike (SVD).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Nike </strong>fue uno de sus socios más importantes. Fragment comenzó a colaborar con la compañía en 2010 y, a partir de allí, Fujiwara participó en algunos de los lanzamientos de zapatillas más recordados de las últimas décadas. Antes de que las colaboraciones entre marcas de lujo, deporte y streetwear se convirtieran en una práctica habitual, Fujiwara ya estaba trabajando en ese modelo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Uno de los proyectos más relevantes de su trayectoria fue <strong>HTM</strong>, la alianza creativa desarrollada junto a Tinker Hatfield y Mark Parker dentro de Nike. A esto se sumaron colaboraciones con <strong>Levi's, Converse, Louis Vuitton, Moncler, Beats by Dre, Apple, Medicom Toy, Pokémon, Starbucks y Carhartt</strong>, entre muchas otras compañías y proyectos.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El streetwear como punto de encuentro</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>influencia </strong>de <strong>Fujiwara </strong>también se explica por una filosofía de trabajo que escapó de los límites tradicionales de la moda. Su carrera atravesó la música, el diseño, las zapatillas, los objetos, el retail y las colaboraciones, convirtiéndolo en <strong>una figura difícil de encasillar en una sola disciplina</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A través de proyectos como <strong>THE POOL aoyama y THE PARK・ING GINZA</strong>, continuó explorando la idea de crear espacios capaces de reunir diferentes comunidades y marcas. Del mismo modo, su trabajo con Fragment permitió que <strong>una misma identidad apareciera sobre una zapatilla, una prenda, un objeto tecnológico o incluso productos alejados de la moda</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d7ec8be8d2.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El estilo de Hiroshi Fujiwara (Options, The Edge).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ese recorrido también <strong>explica por qué Fujiwara terminó siendo una referencia para generaciones posteriores de diseñadores y creativos</strong>. Su influencia alcanzó a figuras como NIGO y Jun Takahashi desde los primeros años de Harajuku y, posteriormente, a nombres como Virgil Abloh, quien reconoció públicamente su importancia dentro del desarrollo de la cultura urbana contemporánea.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Por eso, más que hablar únicamente de prendas o zapatillas, hablar de Hiroshi Fujiwara es hablar de conexiones. <strong>Conectó el hip hop estadounidense con la escena japonesa, las calles de Harajuku con las grandes marcas internacionales y el streetwear con industrias que originalmente parecían completamente alejadas de la moda</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después de más de cuatro décadas vinculado a la música, la moda y la cultura urbana, su nombre sigue apareciendo detrás de algunas de las colaboraciones más buscadas del mundo. Y quizás ese sea uno de los mejores indicadores de su legado: Fujiwara no necesitó seguir las reglas del streetwear para mantenerse vigente; buena parte de esas reglas fueron construidas, precisamente, por personas como él.</span></p>

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<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cuando una cancha vuelve a cobrar vida, el cambio no se limita a la pintura: también se recupera un espacio de encuentro para toda una comunidad. Eso hizo True Buckets en Gurabo, Puerto Rico, donde reacondicionó una cancha y la bautizó en homenaje a Ricardo “Ricky” Izarri Rivera.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Del abandono al básquet callejero: True Buckets renovó una cancha en Gurabo</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>baloncesto callejero</strong> es una de las grandes expresiones de la cultura deportiva urbana en <strong>Puerto Rico</strong> y <strong>True Buckets</strong> se convirtió en uno de sus <strong>grandes referentes digitales</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En los últimos días, <strong>el proyecto volvió a llamar la atención al transformar una cancha de Gurabo y convertirla además en un homenaje a Ricky</strong>, un joven de 17 años de edad que falleció en un accidente.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El espacio fue bautizado como cancha <strong>Ricardo Andrés Izarri Rivera</strong>, en memoria de Ricky, y <strong>fue completamente reacondicionado por el equipo de True Buckets</strong>. La intervención comenzó con <strong>una limpieza profunda de la superficie y de los aros mediante agua a presión</strong>, seguida por un proceso de recuperación de las zonas deterioradas y de preparación de la cancha para la nueva pintura.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Ddo86-3prKk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/Ddo86-3prKk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/Ddo86-3prKk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de True Buckets (@true.buckets)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después de <strong>retirar partes de la pintura en mal estado</strong> y trabajar sobre las superficies que necesitaban una recuperación, llegó el momento de <strong>reconstruir visualmente el espacio</strong>. Durante varias jornadas, el equipo avanzó con el pintado, la colocación de cintas para delimitar las líneas y la intervención de los aros, <strong>hasta completar una cancha con la identidad característica de True Buckets</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La nueva imagen está dominada por los colores <strong>azul, naranja y blanco</strong>, mientras que <strong>el logo del proyecto aparece en el centro de la superficie</strong>. A un costado también quedó presente <strong>el nombre de Ricardo Andrés Izarri Rivera</strong>, un detalle que convierte a la cancha no solamente en un espacio deportivo renovado, sino también en un lugar de memoria.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1e378adcf3.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">True Buckets como emblema del baloncesto callejero en Puerto Rico (Instagram/True Buckets).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto contó con el trabajo artístico de los puertorriqueños <strong>Hans María y De Tó</strong>, además de la participación de diferentes integrantes de la comunidad de True Basket. Entre quienes colaboraron aparecen Julián Torres y Bebote, junto con el resto del equipo, <strong>aportando herramientas, materiales y horas de trabajo para completar la transformación</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">https://www.streetartlatam.com/articulo/el-emblema-del-baloncesto-callejero-en-puerto-rico/1000423</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La intervención también incorporó <strong>bancos para el público</strong>, pensados para acompañar los encuentros y recuperar la idea de la cancha como punto de reunión. De esta manera, el reacondicionamiento no quedó limitado a la superficie de juego, sino que<strong> </strong>buscó <strong>devolverle al lugar las condiciones necesarias para que la comunidad pudiera volver a disfrutar del básquet callejero</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>publicación </strong>con la que <strong>True Buckets</strong> mostró el proceso rápidamente comenzó a circular por redes sociales y <strong>reunió millones de reproducciones y cientos de miles de likes</strong>, acompañada por comentarios cargados de emoción, agradecimiento y cariño hacia Ricky, a quien muchas personas recuerdan simplemente como Ricky.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6621786cfb.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">True Buckets como punto de reunión en la comunidad puertorriqueña del baloncesto (Instagram/True Buckets).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La repercusión también dejó en evidencia<strong> el vínculo que existe entre True Buckets y la comunidad puertorriqueña</strong>. Lo que comenzó como un proyecto de contenido alrededor del básquet callejero terminó convirtiéndose en <strong>una plataforma capaz de movilizar personas para recuperar un espacio deportivo y resignificarlo a través del trabajo colectivo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En ese sentido, la renovación de la cancha de Gurabo vuelve a mostrar una de las principales características del proyecto liderado por Juan Calzada: <strong>utilizar el básquet callejero como una herramienta para conectar personas, contar historias y transformar lugares</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Esta vez, además, el objetivo tuvo un significado especial. La cancha quedó como un homenaje permanente a Ricky y, al mismo tiempo, como un espacio recuperado para que chicos, jóvenes y toda la comunidad puedan volver a encontrarse alrededor de una pelota.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Porque detrás de cada nueva línea, cada aro pintado y cada pared recuperada hay algo que va mucho más allá de una remodelación: <strong>la posibilidad de devolverle vida a un lugar que forma parte de la identidad de un barrio y de mantener viva la memoria de una persona a través del deporte</strong>.</span></p>

True Buckets, el proyecto número uno del baloncesto callejero en Puerto Rico.avif

True Buckets y una cancha que volvió a cobrar vida en Puerto Rico

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El k-pop ya no es únicamente un fenómeno de Corea del Sur: también generó comunidades, festivales y grupos de baile en distintos países de Latinoamérica.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y en Ecuador, Kronix encontró su lugar como una crew de cuatro integrantes dedicada a llevar las coreografías del género a cada presentación.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Baile, tendencias y cultura coreana: el universo de Kronix</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El movimiento <strong>k-pop</strong> pegó con fuerza a nivel internacional y también encontró en Latinoamérica una comunidad que no deja de crecer. Ese fenómeno incluso impulsó la aparición de grupos locales dedicados al dance cover y, en <strong>Ecuador</strong>, <strong>Kronix encontró su lugar como una crew enfocada en llevar las coreografías del género a las redes y los escenarios</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Dc2ckpDAUYA/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/Dc2ckpDAUYA/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/Dc2ckpDAUYA/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de KRONIX (@kronix.ec)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El grupo está compuesto por cuatro chicos: <strong>Sumin and Hunter, Sumin and Junghoon, Junmin y Minjae and Jinsik</strong>. A diferencia de una banda tradicional de K-pop, <strong>Kronix no centra su propuesta en la creación de canciones, sino en el baile, las coreografías y los challenges que forman parte de la cultura alrededor del género</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Su contenido toma como referencia a algunas de las agrupaciones más reconocidas de la escena y traslada sus coreografías al contexto ecuatoriano. Entre sus propuestas aparecen <strong>trends y performances inspiradas en canciones de BTS</strong>, además de otros éxitos que forman parte del repertorio de los fanáticos del k-pop.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_a2286c16f9.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Los integrantes de Kronix (Instagram/Kronix).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto también construyó una comunidad en redes sociales, especialmente en Instagram y TikTok, donde comparte coreografías y presentaciones y encuentra una vía para acercarse a nuevos seguidores.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ese crecimiento digital se trasladó también a escenarios físicos. <strong>Kronix ya formó parte de diferentes encuentros relacionados con la cultura asiática y el k-pop en Ecuador</strong>, entre ellos el Festival Anime K-Pop AZEA, K-Party Halloween y K-Neon Pop Party, espacios donde el dance cover funciona como uno de los grandes puntos de encuentro de la comunidad.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DcKrQifA2Em/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DcKrQifA2Em/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DcKrQifA2Em/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de KRONIX (@kronix.ec)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En ese escenario, <strong>Kronix representa una de las tantas maneras en las que el k-pop dejó de ser un fenómeno exclusivo de Corea del Sur para convertirse en una expresión cultural adoptada y reinterpretada por comunidades de todo el mundo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde Ecuador, el grupo toma las canciones, los movimientos y la estética de sus artistas favoritos y los transforma en una propuesta propia: baile, comunidad y cultura K-pop llevados a una nueva generación de fanáticos.</span></p>

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<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">W Place volvió a convertir al mapa del mundo en un enorme lienzo digital en el que millones de píxeles pueden transformarse en banderas, personajes, dibujos y todo tipo de diseños.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A meses de su lanzamiento, la plataforma continúa activa y su ranking de países muestra una fuerte presencia latinoamericana, con cuatro representantes dentro del top diez mundial.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los países latinoamericanos que más píxeles pintaron en W Place</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Seguramente te acuerdas de <strong>W Place</strong>, el lienzo virtual inspirado en el emblemático r/place de Reddit que convirtió el mapa del planeta en una gigantesca obra colaborativa. Aunque el boom inicial haya quedado atrás, <strong>el sitio sigue funcionando y actualizando sus rankings</strong>. Y <strong>Latinoamérica </strong>todavía deja una huella importante: <strong>cuatro países figuran entre los diez más pintados del mundo</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DOZcNrJDJLX/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DOZcNrJDJLX/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DOZcNrJDJLX/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Street Art Latam (@streetartlatam_)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El sitio continúa activo y permite recorrer diferentes partes del planeta para descubrir qué dibujos, personajes, banderas y diseños fueron realizados por las comunidades de usuarios. Además, <strong>W Place cuenta con rankings que muestran qué países y regiones concentran la mayor cantidad de píxeles pintados</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">https://www.streetartlatam.com/articulo/w-place-el-mapa-virtual-que-ya-es-la-nueva-meca-del-arte-urbano-digital/1190</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Dentro de esa clasificación global, <strong>cuatro países latinoamericanos aparecen actualmente entre los diez primeros, con México a la cabeza de la región</strong>.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">México: con 5.482.408.104 píxeles pintados, se convirtió en el país latinoamericano con mayor cantidad de píxeles dentro de W Place y aparece en el tercer lugar mundial, únicamente por detrás de Estados Unidos y Rusia. Dentro del territorio mexicano, ciudades como Ciudad de México, Guadalajara, Monterrey y Acapulco concentran buena parte de la actividad.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Brasil: con 5.351.478.659 píxeles pintados, ocupa el segundo lugar entre los países latinoamericanos y el cuarto puesto a nivel mundial. La enorme superficie del país también permite encontrar intervenciones y diseños repartidos por distintas regiones del territorio.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Argentina: con 3.637.172.493 píxeles pintados, se ubica como el tercer país latinoamericano dentro de la clasificación y aparece entre los puestos más altos del ranking global. Buenos Aires se convirtió en uno de los principales focos de actividad y concentra una gran cantidad de diseños dentro del mapa.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Chile: con 3.462.538.003 píxeles pintados, completa la presencia latinoamericana dentro del top diez y ocupa el octavo lugar mundial. Así, el país se suma a México, Brasil y Argentina como uno de los grandes representantes de la región dentro del universo de W Place.</span></li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DWv7leujmcl/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/p/DWv7leujmcl/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/p/DWv7leujmcl/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por Wplace (@wplace.live)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La presencia de estos cuatro países muestra <strong>cómo las comunidades latinoamericanas encontraron en W Place un nuevo espacio para dejar su identidad a través del pixel art</strong>, con diseños que van desde banderas y símbolos nacionales hasta referencias a personajes, videojuegos, música, memes y diferentes expresiones de la cultura de cada territorio.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">https://www.streetartlatam.com/articulo/el-proyecto-que-convirtio-buenos-aires-en-pixeles/1000333</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y aunque las posiciones pueden cambiar con el paso de las horas debido a la propia dinámica de la plataforma, <strong>el ranking deja en claro que Latinoamérica mantiene una participación importante dentro de W Place</strong>, con cuatro países instalados entre los territorios que más píxeles pintaron desde el lanzamiento del mapa colaborativo.</span></p>

Guadalajara pintado por píxeles en W Place.avif

¿Cuáles son los países de Latinoamérica que más píxeles pintaron en el mapa de W Place?

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">¿Qué tienen en común un carpincho, una ballena y un hongo? Todos pueden convertirse en una pieza de arte dentro del universo de Guardabosques, un estudio porteño que lleva la naturaleza al papel.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Guardabosques, un universo de animales y naturaleza hecho de papel</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>propuesta artística</strong> a lo largo y ancho de <strong>Argentina </strong>ocupa distintos frentes: desde el <strong>muralismo a gran escala</strong> hasta <strong>la ilustración, el diseño, la moda</strong> y otras disciplinas que encuentran nuevas formas de expresión.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_f1ef51e020.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Tigres hechos por Guardabosques (Instagram/Guardabosques).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En esa variedad aparece <strong>Guardabosques, un estudio artístico de Buenos Aires que convirtió a la naturaleza en el centro de su universo creativo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Formado en el año 2012 por <strong>Carolina Silvero y Juan Nicolás Elizalde</strong>, el proyecto trabaja principalmente con <strong>diseño e ilustración a través del papercraft</strong>, una técnica que consiste en <strong>crear figuras y estructuras tridimensionales utilizando papel o cartón mediante cortes, pliegues, ensamblajes y diferentes procesos</strong> de construcción manual.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_9afba60953.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Carolina Silvero y Juan Nicolás Elizalde, las caras detrás de Guardabosques (Instagram/Guardabosques).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En el caso de Guardabosques, esta técnica funciona como<strong> una herramienta para investigar y representar distintas especies, con el objetivo de aprender sobre ellas y transmitir esa curiosidad al público</strong>. Sus proyectos abarcan desde la concepción y el diseño hasta la realización de piezas para el mundo editorial, vidrieras, publicidad, escenografías y productos de papel hechos a medida.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Animales, flora y fauna: el universo creativo de Guardabosques</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El universo del estudio incluye una enorme variedad de especies y elementos vinculados con la naturaleza:</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Aves: picaflores, vencejos, cardenales, churrinches y tacuaritas azules.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Mamíferos: zorros, osos pardos, conejos y carpinchos.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cetáceos: orcas, cachalotes, ballenas jorobadas y ballenas francas.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Dinosaurios: distintas especies llevadas al lenguaje del papercraft.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Botánica: plantas y distintas especies de flora.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Hongos: representaciones inspiradas en el mundo fungi.</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_0a8fac3eda.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Obra hecha por Guardabosques (Instagram/Guardabosques).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Más allá de la variedad de piezas, <strong>Guardabosques también desarrolló una propuesta que trasciende la producción artística para convertirse en una herramienta de divulgación y acercamiento a la naturaleza</strong>. Cada figura parte de una investigación sobre la especie representada y busca trasladar sus características al lenguaje visual del papel.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Sus trabajos pueden conseguirse a través de su&nbsp;</span><a href="https://www.guardabosqu.es/index.html"><span style="background-color:transparent;color:#1155cc;font-family:Arial,sans-serif;"><u>página web</u></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"> y también en distintos puntos de venta. En la ciudad de <strong>Buenos Aires </strong>cuentan con presencia en <strong>San Cristóbal, Palermo, San Telmo, Villa Ortúzar, Recoleta y Colegiales</strong>, mientras que también aparecen puntos en <strong>La Plata, Tigre, Salta, Rosario y San Miguel de Tucumán</strong>. Además, el proyecto cuenta con presencia internacional en <strong>Nantes, Francia</strong>, y mediante una tienda online para <strong>Estados Unidos</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Así, <strong>Guardabosques </strong>construyó durante más de una década una identidad propia dentro de la escena artística porteña: <strong>una propuesta que combina diseño, ilustración y papercraft con una búsqueda centrada en conocer, representar y acercar la flora y fauna al público</strong>.</span></p>

Guardabosques, el estudio de Buenos Aires que convierte animales y naturaleza en arte de papel.avif

Guardabosques, el estudio de Buenos Aires que convierte animales y naturaleza en arte de papel

Figuras y coleccionables de anime_ el protagonista de Chibigato (1).avif

Chibigato, la tienda de figuras y coleccionables de anime que tenés que conocer en Toluca

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si alguna vez recorriste las calles de Oaxaca y te cruzaste con un curioso personaje hecho de hebras de queso, probablemente viste una obra de Blow, el artista convirtió al quesillo en el centro de su universo creativo.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Blow, el artista que convirtió al quesillo en su sello artístico</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Dentro de la esencia de un grafitero o muralista, muchas veces <strong>el estilo se define por la manera en que el artista utiliza los espacios públicos para desarrollar su obra</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Mientras algunos varían constantemente sus recursos y formas de expresión, <strong>otros construyen su identidad alrededor de un personaje o concepto que se repite</strong>, aunque siempre con pequeñas variaciones.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_e64ae6f8b2.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El quesillo como sello artístico de Blow (Instagram/Blow).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y un caso que entiende este recurso a la perfección aparece en Oaxaca, de la mano de <strong>Braulio Díaz, conocido dentro del mundo del arte urbano como Blow</strong>. El artista y grafitero oaxaqueño <strong>encontró en</strong> <strong>uno de los alimentos más representativos de su tierra la inspiración para crear un personaje que terminó convirtiéndose en su principal sello</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El protagonista de sus obras está inspirado en <strong>el quesillo, un queso fresco, suave y tradicional de Oaxaca que se presenta en largas hebras enrolladas hasta formar una bola</strong>. Blow toma esa característica forma y la transforma en un personaje que aparece en paredes, calles y callejones de distintas zonas de la ciudad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Lo interesante es que el quesillo de Blow nunca aparece de la misma manera. El personaje <strong>puede tener cuerpo humano, montar una bicicleta, tomar sol, hacer los deberes, jugar al básquet, viajar en auto, escuchar música, comer una pizza, tatuar o incluso convertirse en un luchador de lucha libre</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Da9BGIHRuJH/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/Da9BGIHRuJH/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/Da9BGIHRuJH/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de La Santísima Galeria y Diseño (@la_santisima_galeria)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A pesar de todas estas transformaciones, existe un elemento que permanece: las hebras de quesillo, en el centro de la obra. De esta manera, <strong>Blow consiguió construir una identidad visual reconocible y llevar uno de los símbolos gastronómicos de Oaxaca al terreno del arte urbano</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De los recreos al graffiti: cómo Blow descubrió el arte urbano</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>vínculo </strong>de <strong>Braulio Díaz</strong> con el <strong>graffiti </strong>comenzó hacia finales de la década de 2010, cuando <strong>un amigo de un vecino de su zona empezó a frecuentar su casa</strong>. Allí, Braulio tuvo la posibilidad de <strong>conocer sus libretas y observar de cerca los trabajos que realizaba</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero el momento en que terminó de despertar su interés llegó cuando, después de salir de la escuela, <strong>vio a esa persona pintando cerca de donde vivía</strong>. Era la primera vez que veía a alguien utilizar una lata de aerosol para intervenir un espacio y aquella imagen rápidamente llamó su atención.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_ec2e4d74a5.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Quesillo grafitero en las calles de Oaxaca (Instagram/Oaxaca).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde entonces, <strong>comenzó a interesarse cada vez más por el mundo del graffiti</strong>. Durante la secundaria incluso empezó a guardar el dinero que tenía destinado a comprar algo para comer o tomar durante los recreos para poder utilizarlo durante el fin de semana en materiales para pintar.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La idea del personaje inspirado en el quesillo apareció en el año 2017. A partir de entonces, <strong>Blow comenzó a dibujarlo, probar diferentes formas y perfeccionarlo hasta convertirlo, años después, en la figura que hoy funciona como su principal huella artística en las calles de Oaxaca</strong>.</span></p>

Blow, el artista que personifica al quesillo en las calles de Oaxaca (2).avif

Blow, el artista que personifica al quesillo en las calles de Oaxaca

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Murales, graffiti y grandes intervenciones forman parte del paisaje cotidiano de Buenos Aires: ahora también pueden conocerse a través de los tours especializados de Nuva Turismo.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El arte urbano como punto turístico de Buenos Aires</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde hace ya varios años, la ciudad de <strong>Buenos Aires</strong> se ha consolidado no solo como <strong>uno de los puntos artísticos más importantes a lo largo y ancho de Argentina</strong>, sino también como una de las <strong>grandes capitales del arte urbano latinoamericano</strong>. Sus calles, edificios, pasajes y espacios culturales están atravesados por una <strong>infinidad de obras</strong> y por la <strong>huella de artistas</strong> que transformaron distintos rincones de la ciudad en verdaderas intervenciones a cielo abierto.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_9c6a4c225b.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Muralismo en las calles de Palermo Soho (Street Art Cities).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si bien una de las maneras más comunes de conocer estas obras es <strong>recorrer la ciudad durante una caminata</strong>, existen propuestas que buscan acercar este universo al público desde una mirada diferente. Y una de ellas es <strong>Nuva Turismo, una empresa dedicada al turismo alternativo en distintos puntos de Buenos Aires y que propone tours diferentes a las visitas tradicionales</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La propuesta parte de una idea sencilla: <strong>Buenos Aires tiene una oferta inigualable de lugares y experiencias para descubrir, y el arte urbano es una parte fundamental de ese recorrido</strong>. Por eso, Nuva Turismo cuenta con <strong>circuitos que atraviesan algunos de los espacios más relevantes de la escena</strong>, desde lugares vinculados a la cultura y el arte como la Usina del Arte y el Buenos Aires Museo hasta zonas donde el arte urbano forma parte del paisaje cotidiano.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production%2Fimage_0d26ef0535.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Muralismo en las calles de Palermo Soho (Street Art Cities).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los recorridos también pasan por espacios como <strong>los pasajes de Palermo Soho, el Mercado de las Pulgas y el Pasaje Lanin</strong>, además de distintos murales e intervenciones que permiten conocer otras formas de expresión artística presentes en la ciudad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De esta manera, los tours de Nuva Turismo funcionan como <strong>una alternativa para quienes quieren conocer Buenos Aires desde una perspectiva diferente y descubrir cómo el graffiti, los murales y las intervenciones urbanas conviven</strong> con algunos de los espacios culturales más importantes de la capital argentina.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Todo lo que tenés que saber sobre los tours de arte urbano de Nuva Turismo</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Nuva Turismo</strong> ofrece <strong>dos experiencias vinculadas al arte urbano</strong> de la ciudad de <strong>Buenos Aires</strong>. Ambas tienen una duración aproximada de tres horas y se realizan en combi, con recorridos por distintos puntos de la ciudad.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Graffiti Tour 1: paseo temático con destinos como el Pasaje Lanin, el mural de Maradona, el Centro Metropolitano de Diseño, la Usina del Arte, Exabrupto de Color y visita con entrada al Buenos Aires Museo, con una duración de tres horas en combi.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Graffiti Tour 2: paseo temático por murales de clínicas, pasajes de Palermo Soho, el Mercado de las Pulgas, los murales del Cementerio de Chacarita, con una duración de tres horas en combi.</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para conocer más detalles sobre las experiencias, disponibilidad y reservas, se puede ingresar al&nbsp;</span><a href="https://nuvaturismo.com.ar/"><span style="background-color:transparent;color:#1155cc;font-family:Arial,sans-serif;"><u>sitio web de Nuva Turismo&nbsp;</u></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">o comunicarse directamente a través de WhatsApp al +54 9 11 3426-4144.</span></p>

Los tours de arte urbano para conocer Buenos Aires de una manera diferente.avif

Los tours de arte urbano para conocer Buenos Aires de una manera diferente

Santino Ferrari tocando durante una edición de Drop N Kicks (1).avif

Lost & Found, Drop N Kicks y la música: las tres caras de Santino Ferrari

<p>El deporte urbano continúa ganando espacio dentro de las competencias deportivas, y los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles, que se llevarán a cabo del lunes 2 al sábado 7 de noviembre en Mar del Plata, no serán la excepción: skateboarding, BMX freestyle, freestyle y básquet 3x3 formarán parte del programa deportivo del certamen.</p><h2>El deporte urbano tendrá su lugar en los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles</h2><p>Los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles, una de las principales competencias deportivas a lo largo y ancho de Argentina, tendrán una importante presencia del deporte urbano en su actual edición.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_87936f054f.png" alt=""><figcaption>Skateboarding en los Juegos Urbanos Evita (Diario Olé).</figcaption></figure><p>El programa incluirá disciplinas convencionales y adaptadas, ampliando el espacio para diferentes expresiones deportivas y permitiendo que jóvenes talentos puedan competir, desarrollarse y mostrar sus habilidades en un escenario de alcance nacional.</p><ul><li>Básquet 3x3</li></ul><ul><li>Básquet 3x3 adaptado</li></ul><ul><li>BMX freestyle</li></ul><ul><li>Freestyle</li></ul><ul><li>Skateboarding</li></ul><p>La presencia de estas disciplinas vuelve a demostrar cómo el deporte urbano continúa incorporándose a los principales programas deportivos y generando espacios de competencia para las nuevas generaciones.</p><h2>¿Qué son los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles?</h2><p>Con un programa que reúne 38 disciplinas, divididas en 31 convencionales y 7 adaptadas, y organizado por la Secretaría de Turismo, Ambiente y Deportes de la Nación, los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles son uno de los principales programas deportivos juveniles de Argentina.</p><p>La competencia cuenta con dos etapas: primero se desarrolla un proceso clasificatorio en cada provincia, donde participan miles de jóvenes de todo el país, y luego llega la fase final en Mar del Plata, que este año reunirá a más de 8.000 participantes.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/wzifLjmZ7iE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Además de funcionar como un espacio de competencia y encuentro para jóvenes atletas, los Juegos representan una oportunidad para la detección de talentos, con el objetivo de que los deportistas más destacados puedan incorporarse posteriormente a estructuras de alto rendimiento y representar a Argentina en competencias internacionales.</p><p>Entre las disciplinas convencionales aparecen deportes como atletismo, bádminton, boxeo, canotaje, esgrima, gimnasia, hockey, judo y taekwondo, entre muchas otras.</p>

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El deporte urbano llega a los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles

<p>La presencia femenina dentro del rap mexicano continúa creciendo, pero algunas artistas llevan décadas construyendo ese camino, y una de ellas es Ximbo, pionera y referente de la escena nacional.</p><h2>Ximbo, una pionera del rap mexicano</h2><p>El rap se consolidó como uno de los movimientos culturales y musicales más importantes de México, con figuras como C-Kan, Aczino y Neto Peña como algunos de los nombres que ayudaron a construir su identidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14fbf8dfd1.png" alt=""><figcaption>La figura de Ximbo a través de los fanáticos (Instagram Ximbo).</figcaption></figure><p>Sin embargo, la historia de la escena también tiene una importante presencia femenina, y Jimena de Santiago, mejor conocida como Ximbo, ocupa un lugar fundamental dentro de ella.</p><p>Con más de tres décadas de trayectoria, la mexicana se convirtió en una de las pioneras del rap nacional y en una figura que logró mantenerse vigente a través de diferentes generaciones de la cultura hip hop.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/3A-uX9qXZGY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Su propuesta se caracterizó por una mirada marcada por la conciencia social, sus posturas sobre distintos aspectos de la vida y una identidad vinculada al feminismo, elementos que terminaron convirtiéndola en una de las voces femeninas más reconocidas del movimiento.</p><h2>Ximbo y sus primeros pasos dentro de la cultura hip hop</h2><p>Durante los años 80, “<em>Rapper&#x27;s Delight</em>” fue una de las primeras canciones que acercó a Ximbo al universo del rap. La canción, incluso, tuvo una versión conocida en México como “<em>El Cotorreo</em>”, realizada por el comediante Memo Ríos y que terminó de impulsar ese primer vínculo de la mexicana con la cultura del hip hop.</p><p>En la preparatoria comenzó a escribir y lanzar sus primeras rimas en solitario. Años más tarde se vinculó con Malik y posteriormente formó Magisterio, grupo que se convirtió en uno de los proyectos destacados de la escena de la capital mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/7tQK6J7IFac" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>A partir de allí, Ximbo comenzó a transitar por diferentes escenarios y colectivos, consolidando una trayectoria que la llevó a convertirse en una referente del rap nacional y en una de las mujeres que abrió camino dentro de una escena que todavía estaba en pleno crecimiento.</p><h2>Feminismo, identidad y cultura: el legado de Ximbo</h2><p>A lo largo de sus más de tres décadas de carrera, Ximbo construyó una identidad artística que trascendió las rimas. Su trabajo estuvo marcado por dos grandes ejes: el feminismo y la visibilización de las culturas y lenguas originarias dentro del hip hop.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_caa8b8ee5a.png" alt=""><figcaption>Ximbo rapeando sobre el escenario (Instagram(Ximbo).</figcaption></figure><p>A través de sus letras, su participación en festivales y su recorrido por diferentes espacios de la escena, la mexicana utilizó el rap como una herramienta para expresar sus ideas y darles lugar a temáticas que históricamente tuvieron menor presencia dentro del movimiento.</p><p>Su trayectoria también la convirtió en una inspiración para las nuevas generaciones de mujeres que encontraron en el rap un espacio de expresión. Por eso, hablar de la historia del rap mexicano y de la presencia femenina dentro de la cultura hip hop implica necesariamente mencionar el nombre de Ximbo.</p>

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Ximbo, la mujer que hizo historia en el rap mexicano

<p>Si sos rapero, grafitero, beatmaker, artista visual o tenés una marca de ropa, probablemente Buena Cepa tenga un lugar para vos. El festival creado por Desko y Jali busca convertirse en una plataforma para quienes desean mostrar su arte.</p><h2>Buena Cepa, un punto de encuentro para la cultura urbana</h2><p>Buenos Aires tiene espacios para todo tipo de expresiones dentro de la cultura urbana: desde lugares dedicados exclusivamente al graffiti hasta escenarios donde el freestyle y el rap encuentran su lugar.</p><p>Sin embargo, existe un rincón en la capital argentina donde todas estas propuestas conviven en una misma experiencia, pensada por y para artistas emergentes.</p><p>Buena Cepa es un festival ideado por Desko y Jali, dos artistas emergentes de Buenos Aires que decidieron crear un espacio pensado especialmente para quienes están dando sus primeros pasos dentro de la cultura urbana. La propuesta funciona como un punto de encuentro para MCs, grafiteros, beatmakers, dibujantes y marcas de ropa que buscan mostrar su trabajo y conectar con el público.</p><p>Con múltiples ediciones realizadas, el evento fue consolidando una identidad propia y ampliando su propuesta con open mics, shows, espacios para dibujo, graffiti y stands de emprendimientos, además de otras expresiones vinculadas a la cultura urbana.</p><p>Una propuesta de nicho que pone el foco en darle visibilidad a quienes todavía están construyendo su camino.</p><h2>Buena Cepa prepara su cuarta fecha en Buenos Aires</h2><p>Si sos rapero, DJ, artista visual o tenés una marca de ropa y estás buscando un espacio para mostrarte, Buena Cepa prepara una nueva oportunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El próximo sábado 5 de septiembre, el festival tendrá su cuarta fecha en Tabaco Bar, ubicado en Estados Unidos 265, San Telmo. Las entradas para la cuarta fecha de Buena Cepa se pueden conseguir a través del portal Central Ticket, con precios que parten desde los $10.000 argentinos.</p><p>La jornada contará con raperos invitados, exposiciones de artistas visuales, DJ sets y open mics, en una nueva edición pensada para reunir a distintos exponentes de la escena emergente.</p>

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El espacio donde el rap, el graffiti y el streetwear se encuentran: así es Buena Cepa

<p>Calaveras, guiños futboleros, sneakers y símbolos de la cultura urbana también pueden convertirse en piezas de joyería: ese es el universo que construyó Juan del Beats a través de sus diseños personalizados.</p><h2>La propuesta argentina que une joyería, streetwear y deporte: así es Juan del Beats</h2><p>Dentro de la escena urbana argentina, una de las propuestas que logró hacerse un lugar a través de diseños personalizados y una estética propia es Juan del Beats.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2fa7f50fcd.png" alt=""><figcaption>Nucleo Aka Tintasucia vistiendo piezas de Juan del Beats (Juan del Beats).</figcaption></figure><p>La joyería ubicada en la ciudad de Buenos Aires trabaja con piezas elaboradas en plata 925 y oro de 18 quilates, y desarrolla diseños que combinan referencias del streetwear, el deporte y la cultura urbana. A lo largo de su recorrido, las creaciones de Juan del Beats llegaron a manos de artistas como Luck Ra, Duki, C.R.O, Rels B e, incluso, a figuras internacionales del cine como Johnny Depp.</p><h2>Plata, oro y piezas personalizadas: el universo de Juan del Beats</h2><p>La propuesta de Juan del Beats reúne una amplia variedad de joyas personalizadas y piezas de autor pensadas para quienes buscan llevar accesorios con identidad propia.</p><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Aros</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Dijes</li></ul><ul><li>Coleccionables</li></ul><ul><li>Colaboraciones especiales</li></ul><p>Cada colección desarrolla una estética muy marcada, con referencias que van desde calaveras, armas y elementos del imaginario urbano hasta homenajes al mundo del fútbol, los sneakers y distintos símbolos deportivos</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>También aparecen diseños inspirados en botines, dorsales y siluetas icónicas, construyendo un catálogo que mezcla joyería tradicional con códigos contemporáneos.</p><p>Además, el proyecto ubicado en Buenos Aires realizó colaboraciones especiales, entre ellas una junto al trapero uruguayo Falke 912, ampliando todavía más un universo creativo donde la personalización y el diseño ocupan un lugar protagonista</p><h2>De Duki a C.R.O: los artistas que llevaron piezas de Juan del Beats</h2><p>La joyería logró posicionarse dentro de la escena musical y urbana gracias a distintas colaboraciones y trabajos realizados para reconocidas personalidades.</p><ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Duki</li></ul><ul><li>C.R.O</li></ul><ul><li>Núcleo</li></ul><ul><li>Nucleo Aka Tintasucia</li></ul><ul><li>Rels B</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una identidad visual atravesada por la cultura urbana, el deporte y el diseño personalizado, Juan del Beats continúa consolidándose como una de las propuestas argentinas de joyería que encontró en los accesorios una nueva forma de expresión artística.</p>

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Juan del Beats, la joyería que llevó el diseño urbano a otro nivel

<p>El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.</p><h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2><p>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure><p>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.</p><p>Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.</p><h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2><p>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.</p><p>Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.</p><ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.</p><h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2><p>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.</p><p>Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.</p><h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2><p>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure><p>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.</p><p>Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.</p><p>El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.</p><p>En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.</p>

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¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

<p>El mundo del streaming tiene un lenguaje propio, con términos que aparecen constantemente durante una transmisión, y Street Art Latam te trae una guía básica para entender qué significa cada uno.</p><h2>Los términos básicos del streaming</h2><ul><li>Stream: transmisión en vivo realizada a través de plataformas como Twitch, Kick o YouTube. Puede estar dedicada a videojuegos, charlas, reacciones, música, viajes y mucho más.</li></ul><ul><li>Streamer: persona que realiza transmisiones en vivo y genera contenido para una audiencia a través de plataformas digitales.</li></ul><ul><li>Live: término utilizado para referirse a una transmisión que está ocurriendo en vivo y en tiempo real.</li></ul><ul><li>Chat: espacio donde los espectadores pueden escribir mensajes e interactuar con el streamer y el resto de la comunidad durante una transmisión.</li></ul><ul><li>Viewer: usuario que está viendo una transmisión. La cantidad de viewers permite conocer cuántas personas están siguiendo un directo.</li></ul><ul><li>Follow: acción de seguir un canal para recibir avisos cuando el creador comienza una nueva transmisión.</li></ul><ul><li>Sub: abreviatura de subscription o suscripción. Permite apoyar económicamente a un creador y, dependiendo de la plataforma, acceder a distintos beneficios.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5bc354f4e3.png" alt=""><figcaption>Persona transmitiendo una partida de Dota (RDNE Stock Project).</figcaption></figure><h2>Las palabras que aparecen durante un directo</h2><ul><li>Raid: ocurre cuando un streamer dirige a los espectadores de su transmisión hacia el canal de otro creador, generalmente cuando finaliza su directo. Es una forma de compartir audiencia y apoyar a otros canales.</li></ul><ul><li>Host: término históricamente utilizado para alojar o compartir la transmisión de otro creador dentro de un canal.</li></ul><ul><li>Just Chatting: categoría de contenido centrada en la conversación con la audiencia. Los streamers pueden hablar de distintos temas, reaccionar a videos o simplemente interactuar con su comunidad.</li></ul><ul><li>IRL: significa In Real Life y hace referencia a transmisiones realizadas fuera del formato tradicional de gaming. Puede incluir viajes, eventos, recorridos o situaciones cotidianas.</li></ul><ul><li>Clip: fragmento breve extraído de una transmisión para guardar o compartir un momento destacado del directo.</li></ul><ul><li>VOD: significa Video On Demand y hace referencia a una transmisión que queda disponible para volver a verla una vez finalizado el directo.</li></ul><ul><li>Spam / spammear: enviar repetidamente el mismo mensaje, palabra, emoji o contenido dentro del chat.</li></ul><h2>La comunidad detrás de cada streamer</h2><ul><li>Mod / moderador: usuario encargado de ayudar a mantener el orden dentro del chat. Puede eliminar mensajes, expulsar usuarios o controlar determinadas conductas.</li></ul><ul><li>Emote / emoji: imágenes o emojis utilizados en el chat para expresar emociones, reacciones o referencias propias de una comunidad.</li></ul><ul><li>Chatter: usuario que participa activamente en el chat durante una transmisión.</li></ul><ul><li>Comunidad: conjunto de espectadores y seguidores que se reúnen alrededor de un streamer y que, con el tiempo, pueden desarrollar códigos, memes y expresiones propias.</li></ul><ul><li>Donación: aporte económico realizado por un espectador para apoyar a un creador.</li></ul><ul><li>Bits: unidades virtuales utilizadas en Twitch para apoyar a los streamers mediante determinadas interacciones dentro del chat.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c01a44a2bf.png" alt=""><figcaption>Persona stremeando en su setup (Alena Darmel).</figcaption></figure>

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Diccionario básico del streaming: los términos que tenés que conocer

<p>Las plazas de Latinoamérica comenzaron a sumar una nueva modalidad de batalla en las últimas semanas: dos personas se enfrentan cara a cara para demostrar quién tiene más aura.</p><h2>Batallas de “farmear aura”, el nuevo viral en las calles de Latinoamérica</h2><p>Seguramente en las últimas semanas hayas visto en distintas plazas de Argentina, Colombia y Brasil —uno de los principales focos donde nació y se popularizó este fenómeno— competencias en las que dos personas se enfrentan cara a cara para demostrar quién tiene más presencia, actitud y carisma. Esas son las batallas de “farmear aura”.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@bellacuggclublive/video/7669205296589327648" data-video-id="7669205296589327648" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@bellacuggclublive/video/7669205296589327648?q=batallas%20farmeo%20aura&amp;t=1787166705598" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>La dinámica es sencilla: dos participantes se enfrentan frente al público y buscan imponerse a través de diferentes movimientos, poses y gestos que se hicieron populares en redes sociales. Tendencias como el “six seven” o el mewing aparecen dentro de estas batallas, en las que cada competidor intenta construir una presencia capaz de superar a la de su rival.</p><ul><li>Postura: la manera de pararse y desenvolverse frente al rival.</li></ul><ul><li>Mirada: transmitir seguridad, confianza y presencia.</li></ul><ul><li>Gestos: utilizar expresiones capaces de llamar la atención.</li></ul><ul><li>Creatividad: encontrar nuevas formas de destacarse durante el enfrentamiento.</li></ul><ul><li>Actitud: la capacidad de proyectar seguridad y personalidad.</li></ul><p>El público también tiene un papel fundamental. A través de aplausos, gritos y reacciones, quienes rodean la batalla acompañan el enfrentamiento y pueden terminar inclinando la balanza hacia uno de los participantes.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@chinese.wb/video/7675160918929624338" data-video-id="7675160918929624338" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@chinese.wb/video/7675160918929624338?q=batallas%20farmeo%20aura&amp;t=1787166705598" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Así, las plazas que durante años fueron escenarios de batallas de freestyle, skateboarding, parkour o BMX freestyle ahora suman una nueva modalidad de competencia nacida directamente de la cultura digital.</p><h2>¿Qué significan los términos “farmear” y “aura”?</h2><p>Para entender el fenómeno hay que separar las dos palabras que componen la expresión. Por un lado, “farmear” viene del inglés “<em>farm</em>” y está relacionado con el lenguaje de los videojuegos: significa repetir determinadas acciones para conseguir recursos, puntos u objetos.</p><p>En este caso, el recurso que se busca conseguir es el “aura”, un concepto utilizado en internet para representar el carisma, el magnetismo, la seguridad, el estilo o la presencia que una persona proyecta frente a los demás.</p><p>Por eso, “farmear aura” significa realizar acciones, poses o gestos con el objetivo de acumular simbólicamente ese carisma o presencia y generar una determinada impresión en quienes están alrededor.</p><p>Lo que comenzó como una expresión de la cultura digital y se volvió popular en redes sociales terminó dando el salto al mundo físico.</p><p>Ahora, las plazas de distintas ciudades latinoamericanas funcionan como escenario para una competencia en la que no hay una pelota, una tabla o un micrófono de por medio: el objetivo es demostrar quién tiene más aura.</p>

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¿Qué son las batallas de “farmear aura”, el fenómeno furor en las plazas de Latinoamérica?

<p>El arte puede aparecer en los lugares y materiales más inesperados: desde una lata de pintura hasta alimentos, arena o elementos reciclados. Y en México, una tradición artesanal encontró una nueva forma de expresarse.</p><p>Se trata de Taka Arte, un proyecto que lleva el arte huichol al universo Pokémon a través de piezas únicas hechas a mano, donde la cultura pop se encuentra con una tradición cargada de simbolismo.</p><h2>Taka Arte y la fusión entre Pokémon y arte huicho</h2><p>El universo artístico no se limita a las obras sobre un bastidor, los murales hechos con pintura o las esculturas tradicionales. Existen propuestas que encuentran en distintos materiales y técnicas una manera de crear, y en México el arte huichol es una de las expresiones que mantiene una fuerte identidad artesanal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4852f91116.png" alt=""><figcaption>Eevee hecho con arte huichol por Taka Arte (Taka Arte).</figcaption></figure><p>En ese escenario aparece Taka Arte, un proyecto que tomó esta técnica y la llevó hacia uno de los universos más reconocidos de la cultura pop: Pokémon. A través de piezas únicas realizadas a mano, la propuesta combina personajes de distintas generaciones con una estética artesanal que convierte a cada diseño en una obra particular.</p><p>Entre los Pokémon que forman parte de su universo aparecen:</p><ul><li>Mega Gyarados</li></ul><ul><li>Ivysaur</li></ul><ul><li>Charizard X</li></ul><ul><li>Dragonite</li></ul><ul><li>Eevee</li></ul><ul><li>Psyduck</li></ul><ul><li>Squirtle</li></ul><ul><li>Charmander</li></ul><ul><li>Sylveon</li></ul><ul><li>Gengar</li></ul><ul><li>Pikachu</li></ul><ul><li>Rayquaza</li></ul><ul><li>Bulbasaur</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá del componente visual, cada pieza busca conservar el vínculo del arte huichol con la naturaleza y la espiritualidad. Los colores, símbolos y formas no funcionan únicamente como elementos decorativos, sino que pueden representar historias vinculadas con la protección, la vida y la tradición.</p><h2>¿Qué es el arte huichol, la técnica con la que Taka Arte transforma los Pokémon?</h2><p>El arte huichol, también conocido como arte wixárika, es una expresión artesanal vinculada al pueblo wixárika de México. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores intensos, formas simbólicas y elementos relacionados con la naturaleza y la cosmovisión de esta comunidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d82e2f2537.png" alt=""><figcaption>Arte huichol (Marival Resorts).</figcaption></figure><p>Esta tradición puede encontrarse en distintas piezas y objetos decorativos, donde los colores y símbolos adquieren un significado que va más allá de lo estético. Taka Arte toma esa identidad artesanal como punto de partida para trasladarla a personajes y referencias de la cultura pop.</p><p>Así, Pokémon se convierte en el puente entre dos universos diferentes: por un lado, una tradición artística mexicana; por otro, una franquicia reconocida mundialmente.</p>

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Pokémon, arte huichol y piezas únicas hechas a mano: el universo de Taka Arte

<p>Muchas veces el arte urbano se relaciona con grandes murales, aerosoles y paredes intervenidas. Sin embargo, también puede aparecer en formatos mucho más pequeños y cotidianos, como un cartel pintado a mano, y el tapatío Brandon Mata es una eminencia a lo largo y ancho del territorio mexicano.</p><h2>Brandon Mata y el arte detrás de cada letrero</h2><p>En la escena mexicana existen distintos emblemas del arte urbano: algunos encuentran su inspiración en el deporte, otros en la naturaleza y otros en la cultura popular. Pero también están quienes entienden que el arte urbano va mucho más allá de las latas de pintura, los murales y los grafitis.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y es en Guadalajara donde aparece el nombre de Brandon Mata, uno de los artistas que lleva esa mirada a los carteles y letreros pintados completamente a mano.</p><p>Brandon Mata es un artista mexicano oriundo de Guadalajara especializado en rotulación a mano, una técnica que utiliza pinceles y pintura para crear carteles, anuncios y diferentes piezas gráficas directamente sobre distintas superficies.</p><p>Su trabajo puede encontrarse en espacios tan cotidianos como locales gastronómicos, pizzerías, puestos de comida y establecimientos de bebidas. Allí, aquello que a simple vista podría parecer un vinilo o una impresión industrial tiene detrás el pulso y la precisión del artista tapatío.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c26279d8b.png" alt=""><figcaption>El trabajo de Brandon Mata en acción (Instagram/Brandon Mata).</figcaption></figure><p>La rotulación convierte así una herramienta comercial en una pieza visual que combina tipografías, colores, composiciones y detalles realizados completamente a mano.</p><p>Aunque Guadalajara aparece como uno de los principales puntos de trabajo de Mata, su obra también llegó a diferentes ciudades y regiones de México.</p><ul><li>Guadalajara.</li></ul><ul><li>Puerto Vallarta.</li></ul><ul><li>Aguascalientes.</li></ul><ul><li>Nayarit.</li></ul><ul><li>Querétaro.</li></ul><ul><li>Jalisco.</li></ul><p>Su recorrido demuestra cómo la rotulación puede trascender la función de anunciar un producto o negocio para convertirse en una expresión artística propia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en tiempos donde gran parte de la comunicación visual se produce de manera digital, el trabajo de Brandon Mata recupera el valor de una técnica que depende directamente del pulso, la paciencia y la precisión. Cada cartel tiene, de esta manera, un componente irrepetible: detrás de cada letra, dibujo o composición existe una persona que tomó un pincel y construyó la pieza desde cero.</p>

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Brandon Mata y el arte de pintar letreros a mano

<p>El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.</p><h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2><p>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.</p><p>Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio</em>”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.</p><p>Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.</p><h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2><p>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “<em>Jamaican heart</em>”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.</p><p>Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.</p><h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2><p>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.</p><p>Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.</p><p>Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.</p><p>Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.</p>

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El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

<p>Mientras muchos artistas trabajan con pintura o lienzos, Toto Tatuer eligió un camino completamente distinto. A través del vidrio fracturado, el artista plástico de Ingeniero Maschwitz desarrolló una técnica propia que transforma las grietas en el principal recurso visual de cada una de sus obras.</p><h2>Conocé a Toto Tatuer, el argentino que crea retratos y símbolos utilizando vidrio fracturado</h2><p>Dentro de la escena artística argentina conviven propuestas de todo tipo: desde artistas dedicados al muralismo de gran escala hasta tatuadores que llevan el realismo como bandera. Y en ese amplio universo aparece Toto Tatuer, un artista que encontró a través de la resignificación de materiales cotidianos como el vidrio, el hierro y las cadenas una manera particular de construir su propia identidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Oriundo de Ingeniero Maschwitz, el artista plástico y también tatuador autodidacta logró convertirse en una de las figuras que más llaman la atención dentro de la escena artística de Buenos Aires gracias a una propuesta tan inusual como desafiante.</p><p>Su trabajo parte de elementos que forman parte de la vida cotidiana para transformarlos mediante procesos manuales que requieren precisión, paciencia y, en algunos casos, asumir ciertos riesgos durante su elaboración.</p><p>Actualmente instalado en el barrio porteño de Chacarita, Toto Tatuer llevó su particular mirada artística a proyectos junto a firmas de primer nivel como Samsung, Fernet Branca y McDonald&#x27;s, además de colaborar con figuras de la música como Cazzu.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95a4a74413.png" alt=""><figcaption>La Gioconda hecha con vidrio destrozado por Toto Tatuer (Toto Tatuer).</figcaption></figure><p>De esta manera, la obra del artista de Ingeniero Maschwitz logró trascender el circuito artístico tradicional para encontrar nuevos espacios donde los materiales y objetos cotidianos pueden adquirir una segunda vida.</p><h2>El vidrio roto como sello de identidad artística</h2><p>Más allá de resignificar materiales cotidianos como el vidrio, el hierro o las cadenas, Toto Tatuer desarrolló un lenguaje visual donde las fracturas se convierten en el principal recurso artístico. A través de impactos cuidadosamente controlados sobre el cristal, el artista construye retratos, animales, símbolos, frases e íconos populares utilizando las propias grietas como líneas de composición.</p><p>Entre las obras del artista de Ingeniero Maschwitz aparecen reinterpretaciones de clásicos como La Gioconda, escudos deportivos como el de Boca Juniors, corazones anatómicos, ojos, animales y composiciones tipográficas, siempre manteniendo al vidrio quebrado como protagonista absoluto de cada pieza.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa combinación entre técnica, precisión y materiales poco convencionales hace que cada trabajo sea irrepetible, ya que el patrón de fracturas nunca vuelve a repetirse exactamente de la misma manera. El resultado son obras que transforman un elemento asociado a la rotura en una expresión artística cargada de detalle, textura y profundidad.</p><p>En un contexto donde el arte contemporáneo busca constantemente nuevos lenguajes, Toto Tatuer demuestra que incluso un material asociado a la destrucción puede convertirse en el punto de partida para construir belleza. Una obra que invita a mirar las fracturas desde otra perspectiva y confirma que el arte también puede surgir allí donde muchos solo ven un objeto roto.</p>

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Toto Tatuer y el arte de transformar el vidrio roto en obras únicas

<p>El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.</p><h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2><p>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.</p><p>La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.</p><p>Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul><p>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.</p><h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2><p>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.</p><p>En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.</p><p>El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.</p><h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2><p>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.</p><p>La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.</p><p>Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.</p><p>La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.</p>

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Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

<p>El básquet argentino encontró en los últimos años nuevas formas de acercarse a públicos que van más allá del deporte tradicional, y una de ellas es La Crossover, la competencia creada por Facundo Campazzo y Germán Beder.</p><h2>¿Qué es La Crossover, el torneo que rompe con el básquet tradicional?</h2><p>La Crossover se convirtió en una propuesta que busca llevar el básquet argentino más allá de la competencia tradicional. Organizado por Facundo Campazzo y Germán Beder, el evento combina deporte, entretenimiento, música, streaming e influencers en un formato pensado tanto para los fanáticos del básquet como para una audiencia más amplia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_25db3fff94.png" alt=""><figcaption>Facundo Campazzo, una de las caras detrás de La Crossover (La Crossover).</figcaption></figure><p>La competencia reúne a distintos equipos encabezados por figuras reconocidas de la música, el streaming, el deporte y el entretenimiento, donde los protagonistas funcionan como las caras visibles de cada conjunto y son acompañados por basquetbolistas federados y jugadores vinculados a la competencia nacional.</p><h2>El reglamento de La Crossover</h2><p>A diferencia de un partido tradicional, La Crossover incorpora reglas y dinámicas propias que buscan convertir cada encuentro en un espectáculo. Entre ellas aparecen los tiros de cuatro puntos y los aros más bajos, además de concursos, activaciones con marcas y diferentes propuestas que se desarrollan alrededor de los partidos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1cfaa66fac.png" alt=""><figcaption>Baloncesto como pilar de La Crossover (La Crossover).</figcaption></figure><p>De esta manera, el básquet funciona como el eje de una experiencia que también reúne a figuras de distintas industrias y acerca el deporte a nuevos públicos.</p><h2>La edición que puso a La Crossover en el mapa</h2><p>La historia de La Crossover comenzó en agosto del año 2025, cuando el Microestadio Roberto Pando del Club Atlético San Lorenzo de Almagro recibió la primera edición del evento organizado por Facundo Campazzo y Germán Beder.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e86bb166ce.png" alt=""><figcaption>La Crossover, el evento que revolucionó el básquet argentino (La Crossover).</figcaption></figure><p>La jornada reunió a figuras del básquet, la música y el streaming en una competencia que rápidamente se convirtió en una propuesta diferente dentro de la escena deportiva argentina.</p><p>Uno de los principales atractivos fue justamente la combinación de protagonistas: los equipos estuvieron vinculados a reconocidas figuras del entretenimiento, mientras que dentro de la cancha participaron jugadores de básquet con experiencia federada.</p><p>La primera edición contó con la presencia de nombres como Luquitas Rodríguez, Pluzito, Grego Rossello, Juanposite, Andrés “Chapu” Nocioni y Paulo Londra, además de la participación de José Montesano y los propios organizadores, Facundo Campazzo y Germán Beder, como comentaristas de la competencia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNlf_m3xwA6/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNlf_m3xwA6/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El título quedó en manos de Showtime, equipo capitaneado por Luciana de la Barba, quien actualmente juega en Boca Juniors y cuenta con pasado en la Selección argentina de básquet femenino.</p><p>Así, la primera edición no solo marcó el nacimiento de La Crossover, sino que también estableció la identidad de un evento que busca cruzar al básquet con diferentes expresiones de la cultura popular.</p><h2>De San Lorenzo a La Bombonerita: todas las ediciones de La Crossover</h2><p>Desde aquella primera jornada en el Microestadio Roberto Pando, La Crossover continuó creciendo y sumando nuevas sedes, protagonistas y equipos. El recorrido del evento ya cuenta con tres ediciones, cada una con un campeón diferente.</p><ul><li>Primera edición — San Lorenzo: realizada en el Microestadio Roberto Pando, terminó con Showtime como campeón. El equipo, capitaneado por Luciana de la Barba, se quedó con el primer título de la historia de La Crossover.</li></ul><ul><li>Segunda edición — Zárate: la competencia tuvo una nueva edición en el Espacio DAM de Zárate, donde Speed se quedó con el campeonato después de imponerse ante Carriers.</li></ul><ul><li>Tercera edición — La Bombonerita: la competencia llegó al estadio Luis Conde, conocido como La Bombonerita, para una nueva jornada que terminó con Play to Win, el equipo de Pluzito, como campeón tras vencer a DaleBo.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dblw235RMbi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dblw235RMbi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con tres ediciones y diferentes escenarios, La Crossover fue ampliando una propuesta que mantiene al básquet como protagonista, pero que también apuesta por reunir deporte, entretenimiento, música y cultura digital en un mismo lugar.</p>

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La Crossover, el evento que revolucionó el básquet argentino

<p>No todos los atletas de parkour buscan lo mismo. Mientras algunos intentan completar un recorrido en el menor tiempo posible, otros priorizan la creatividad y la dificultad de sus movimientos, y Street Art Latam te ayuda a entender las diferencias entre las modalidades Speed y Freestyle.</p><h2>Speed: el desafío de completar el recorrido en el menor tiempo</h2><p>El speed es la modalidad competitiva del parkour en la que el objetivo principal es completar un recorrido determinado en el menor tiempo posible. Los atletas deben desplazarse por un circuito que combina diferentes obstáculos, saltos, trepadas y movimientos, buscando encontrar la manera más rápida y eficiente de llegar hasta la meta.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/cNktWBBM9AI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En esta modalidad, cada segundo puede marcar la diferencia. Por eso, además de la velocidad, resulta fundamental mantener el control del cuerpo y elegir correctamente la trayectoria para evitar errores que puedan afectar el tiempo final.</p><p>La preparación física también tiene un papel central: acelerar, frenar, saltar, trepar y cambiar rápidamente de dirección exige fuerza, coordinación, equilibrio y resistencia.</p><h2>Freestyle: cuando la creatividad se convierte en protagonista</h2><p>A diferencia del Speed, la modalidad Freestyle no tiene como objetivo principal completar un recorrido lo más rápido posible. En este caso, los atletas cuentan con mayor libertad para construir una rutina y demostrar sus capacidades técnicas y creativas.</p><p>Los movimientos, las acrobacias, las combinaciones y la dificultad de las secuencias forman parte de una presentación en la que el atleta busca diferenciarse.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6e96c493cb.png" alt=""><figcaption>Freestyle como modalidad del parkour (Squarespace).</figcaption></figure><p>La creatividad es uno de los elementos centrales. No se trata solamente de ejecutar movimientos difíciles, sino también de combinarlos de una manera fluida y construir una rutina que tenga identidad propia.</p><p>Dependiendo de la competencia, los jueces pueden valorar aspectos relacionados con la dificultad, ejecución, variedad, creatividad y composición de la rutina.</p>

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Speed y Freestyle: las dos caras del parkour que tenés que conocer

<p>Toda escena artística tiene figuras que encuentran su identidad en una disciplina, pero también existen quienes deciden explorar distintos lenguajes, y en la Ciudad de México, Rodrigo Roji construyó una propuesta donde el tatuaje, el arte y el diseño conviven bajo una misma identidad.</p><h2>Rodrigo Roji y una identidad que cruza distintas disciplinas</h2><p>Nacido en 1990 y oriundo de Ciudad de México, Rodrigo Roji es un artista visual especializado en tatuaje de línea fina que también desarrolló trabajos vinculados a la pintura y la escultura, bajo una propuesta que se expande más allá de la piel y encuentra diferentes espacios dentro de la escena artística mexicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8ca3326281.png" alt=""><figcaption>Rodrigo Roji, el talentoso artista de Ciudad de México (Instagram/Rodrigo Roji).</figcaption></figure><p>Su recorrido lo llevó a ser invitado a tatuar en Bang Bang, uno de los estudios más reconocidos de Nueva York, además de colaborar con compañías mundialmente populares de la talla Apple, adidas, Nike, Corona y New Era.</p><h2>RARR, el universo de coleccionables de Rodrigo Roji</h2><p>Uno de los proyectos que amplió el universo creativo de Roji es RARR, una propuesta de juguetes coleccionables que combina diseño, cultura popular y arte urbano. Las piezas están realizadas en vinilo y, en muchos casos, son ediciones limitadas, con diseños toman referencias de diferentes mundos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Arte urbano y cultura popular.</li></ul><ul><li>Lucha libre.</li></ul><ul><li>Deporte y básquet.</li></ul><ul><li>Streetwear y diseño contemporáneo.</li></ul><p>El proyecto también permitió colaboraciones con nombres como Los Diablos Rojos, NBA y Adidas Originals, consolidando el vínculo del artista con diferentes espacios de la cultura urbana.</p><h2>Del tatuaje al streetwear: la expansión del universo de Rodrigo Roji</h2><p>La exploración de Roji también llegó a la moda con Sad Boy, una línea de ropa y streetwear que reúne prendas y elementos vinculados a su universo visual. Si bien figura temporalmente cerrado en sus canales oficiales, el proyecto también forma parte del recorrido que demuestra la amplitud de su propuesta artística.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dd8be02d98.png" alt=""><figcaption>La colaboración entre Rodrigo Roji y New Era (New Era).</figcaption></figure><p>Roji es además el creador de Not a Gallery, un estudio de tatuaje y galería de arte que funciona como punto de encuentro entre distintas disciplinas.</p><p>Entre tatuajes, esculturas, pinturas, coleccionables y diseño, Rodrigo Roji construyó una identidad que evita quedar encerrada en una única disciplina y conecta diferentes expresiones de la cultura contemporánea.</p>

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Rodrigo Roji, un artista entre tatuajes, pintura y escultura

<p>Desde las calles de Melbourne hasta los muros de Chile, Felipe Salinas convirtió su curiosidad por descubrir nuevos lugares en una forma de documentar el arte urbano.</p><h2>De los álbumes familiares al arte urbano: cómo nació la mirada de Felipe Salinas</h2><p>Antes de convertirse en uno de los fotógrafos de arte urbano más reconocidos de Chile y Latinoamérica, Felipe Salinas mantuvo un estrecho vínculo con la fotografía desde su infancia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_50a9066a11.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Nueva York (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>En su hogar siempre hubo cámaras de fotos y de video, además de álbumes familiares repletos de registros de cumpleaños, celebraciones como Navidad o Año Nuevo y distintos eventos escolares capturados por su madre. Revisar esas imágenes y reconstruir historias alrededor de cada recuerdo era una práctica habitual que, con el tiempo, terminó despertando su interés por registrar el mundo que lo rodeaba.</p><p>Con el paso de los años, ese vínculo comenzó a tomar otro significado. El hecho de no contar con un automóvil propio lo llevó a recorrer distintos lugares caminando o utilizando el transporte público, una rutina que le permitió observar con mayor detenimiento los espacios, descubrir detalles y desarrollar una mirada cada vez más curiosa sobre el entorno.</p><p>&quot;<em>He tenido la posibilidad de estar en Chile, Argentina y Australia, rodeado de cosas nuevas que me llamaban la atención, algunas más que otras, que eran las que solía registrar con mi celular y con mi cámara. La curiosidad de ir viendo el mundo me dio la posibilidad de encontrar cosas que valían la pena para mi atención&quot;.</em></p><p>Sin embargo, el verdadero punto de quiebre llegó durante su estadía en Australia. Allí recorrió gran parte de Melbourne con una cámara compacta registrando los murales y las distintas expresiones de arte urbano que encontraba en las calles.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Fue entonces cuando entendió que aquellas fotografías podían convertirse en algo más que simples archivos guardados en una carpeta. Esa idea terminó impulsándolo a crear su perfil de Instagram, un espacio que hoy reúne cerca de 20.000 seguidores y funciona como un archivo visual dedicado al arte urbano de Chile y distintos rincones del mundo.</p><h2>El contexto detrás de cada mural como objetivo fotográfico</h2><p>Felipe Salinas tiene bien en claro qué es lo primero que busca a la hora de registrar una intervención artística. Para el fotógrafo chileno, el entorno en el que está inmersa una obra tiene un papel fundamental a la hora de decidir cuándo sacar la cámara y qué imagen terminará formando parte de su archivo.</p><p>“<em>Lo más importante es el contexto, el ambiente, el entorno donde está sumergida la obra y no solo registrar el mural en sí mismo, sino cómo este convive con otros elementos para crear un panorama completo. Eso es lo que más me motiva a registrar, así como un mural que habla de algún personaje importante o evento histórico que se haya vivido en ese pueblo, ciudad o barrio, porque ahí hay una historia, una intención detrás de rendir honores y homenajear que lo hace muy valioso de registrar</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8124369cdf.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Londres (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>Además del contexto, lo estético también tiene un peso importante en la elección. Un muro cargado de colores, realizado en un formato de grandes dimensiones o con una composición particularmente llamativa, puede convertirse en un elemento mucho más atractivo para el fotógrafo que otra intervención de características diferentes.</p><h2>Cuando el mural desaparece, queda la fotografía: el archivo de Felipe Salinas</h2><p>Todos sabemos que hay murales que viven apenas unos días, otros que permanecen durante semanas y algunos que logran quedarse durante años. En ese escenario, el trabajo de Felipe Salinas adquiere una función documental: fotografiar una obra permite conservar el registro de una intervención que, con el paso del tiempo, puede desaparecer.</p><p>Cada fotografía se convierte así en una especie de recordatorio de aquellos murales que alguna vez ocuparon un espacio de la ciudad y que hoy, por distintas circunstancias, ya no están.</p><p>“<em>El arte callejero le entrega mayor valor al trabajo que uno realiza, porque son muros que ya no existen, obras que no van a volver, pero que existen en los registros que uno va tomando</em>”, señala el chileno.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3fbc635515.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h2>Mucho más que un mural: la evolución de su mirada fotográfica</h2><p>La elección de cómo tomar una fotografía también cambió con el correr de los años para Felipe Salinas. En sus comienzos, el fotógrafo chileno se centraba principalmente en la obra, sus detalles y las características propias de cada intervención.</p><p>Con el tiempo, esa mirada se amplió y el contexto comenzó a ocupar un lugar cada vez más importante. El paisaje, los edificios, las personas y todos aquellos elementos que rodean al mural pasaron a formar parte de la composición.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d8279bc58d.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>“<em>Con los años y con la experiencia que uno ha adquirido, lo que forma parte de la composición ha mutado. En un principio, eran más la obra, el muro y los detalles. Con los años, aparecieron el contexto, los elementos del paisaje donde está ubicada la obra (perros, gatos, vecinos, tiendas aledañas) y hoy día intento siempre mostrar algo que sea del lugar. Actualmente trato de incluir algo propio del lugar y, por supuesto, si hay plantas, texturas de metales o maderas donde se nota el paso del tiempo, suma</em>”.</p><p>En la actualidad, Salinas entiende que una de las claves está en transmitir la esencia del momento y conseguir que quien observe la fotografía pueda imaginar qué significaba estar allí. La temperatura, la cantidad de personas que había en el lugar, si se trataba de una zona residencial o de un espacio concurrido y hasta los pequeños detalles del entorno forman parte de esa construcción.</p><h2>La mirada de Felipe Salinas sobre el arte urbano</h2><p>Como fotógrafo especializado en arte urbano, Felipe Salinas también desarrolló una mirada propia sobre la escena y sobre las diferencias que existen entre las distintas ciudades que recorrió. Su experiencia le permitió establecer comparaciones entre el arte urbano latinoamericano y el que encontró en destinos internacionales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>En Valparaíso, Santiago u otras ciudades, el arte urbano tiene un componente social, político e histórico importante, donde se busca recordar, hacer memoria y resistencia de personajes y eventos históricos. Aunque probablemente se diferencia de lo que hay en destinos como Australia, Estados Unidos, Francia o Alemania, donde se enfoca más en lo estético o la habilidad de los propios artistas, con diferencias más estructurales</em>”.</p><p>Así, su trabajo no solo busca registrar qué hay pintado sobre un muro, sino también comprender qué hay detrás de cada intervención, dónde está ubicada y qué representa dentro de la ciudad que la contiene.</p>

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Arte urbano y fotografía: la mirada de Felipe Salinas

<p>Cada 11 de agosto, la cultura hip hop vuelve a celebrar sus raíces: una fiesta en el Bronx que sentó las bases de un movimiento que conquistó el mundo.</p><h2>¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?</h2><p>El 11 de agosto no es un día común y corriente dentro de la cultura hip hop.</p><p>Y no es por el nacimiento de un emblema de la talla de Tupac o The Notorious B.I.G., ni por el lanzamiento de un disco que marcó un antes y un después, sino por una fiesta organizada en el Bronx.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0e4b889424.png" alt=""><figcaption>DJ Kool Herc, uno de los emblemas del hip hop a nivel mundial (Getty Images).</figcaption></figure><p>El 11 de agosto de 1973, Cindy Campbell organizó una fiesta en el Bronx (1520 Sedgwick Avenue), condado estadounidense del estado de Nueva York, junto a su hermano Clive Campbell, más conocido como DJ Kool Herc, quien estuvo a cargo de la música. Aquel encuentro, que con el paso de los años sería considerado como uno de los momentos fundacionales del hip hop, sentó las bases de una cultura que terminaría expandiéndose por todo el mundo.</p><h2>Los cuatro pilares que construyen la cultura hip hop</h2><p>Luego de aquella fiesta, el hip hop comenzó a crecer a pasos agigantados y a expandirse por Estados Unidos hasta convertirse en un fenómeno global.</p><p>Al mismo tiempo, la cultura fue construyendo su identidad alrededor de cuatro elementos fundamentales:</p><ul><li>DJing: el trabajo de los DJs, desde la selección y mezcla de canciones hasta la creación de breaks y bases que se convirtieron en el corazón musical de las primeras fiestas de hip hop.</li></ul><ul><li>MCing o rap: la voz de la cultura. A través de rimas, improvisaciones y letras, los MCs comenzaron a narrar sus experiencias, expresar ideas y animar las fiestas.</li></ul><ul><li>Breaking: la expresión corporal del movimiento. Los breakers llevaron el baile a las calles y desarrollaron un lenguaje propio basado en movimientos, acrobacias y creatividad.</li></ul><ul><li>Graffiti: la dimensión visual del hip hop. Los artistas comenzaron a intervenir muros, trenes y distintos espacios urbanos para construir una identidad gráfica que terminó convirtiéndose en una de las expresiones más reconocibles de la cultura.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9cee71d404.png" alt=""><figcaption>Graffiti como elemento clave de la cultura hip hop (Kevin Woblick).</figcaption></figure><p>Con el paso del tiempo, estos cuatro elementos dejaron de funcionar únicamente como expresiones independientes y comenzaron a convivir dentro de un mismo movimiento. Así, el hip hop trascendió la música para convertirse en una cultura capaz de influir en el arte urbano, el baile, la moda y la identidad de distintas generaciones alrededor del mundo.</p><h2>De una fiesta en el Bronx a una cultura que conquistó el mundo</h2><p>Lo que comenzó como una fiesta en un barrio de Nueva York terminó convirtiéndose en el punto de partida de una de las culturas más influyentes de los últimos 50 años.</p><p>El hip hop encontró en las calles un espacio para expresarse y, a través de sus distintos pilares, construyó una identidad que rápidamente superó las fronteras del Bronx.</p><p>Desde las rimas y los beats hasta los murales y las batallas de breaking, aquella cultura nacida en el corazón de Nueva York encontró nuevas formas de expresarse en cada rincón del planeta. Por eso, cada 11 de agosto, el mundo vuelve la mirada hacia aquel momento que marcó el comienzo de una historia que todavía continúa escribiéndose.</p>

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¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?

<p>No todas las obras requieren las mismas herramientas de trabajo. El tamaño, la superficie y el estilo del mural pueden determinar si conviene utilizar aerosol, rodillo o pincel, y desde Street Art Latam te acercamos una guía para conocer cuál es la indicada para cada obra.</p><h2>Aerosol: precisión, color y libertad para crear</h2><p>El aerosol es una de las herramientas más asociadas al arte urbano y resulta especialmente útil cuando se buscan líneas definidas, degradados, detalles y una mayor libertad para trabajar sobre grandes superficies. El hecho de utilizar aerosol también permite superponer colores y crear diferentes efectos según el tipo de boquilla utilizada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_41498d6a95.png" alt=""><figcaption>Persona utilizando un spray como herramienta de trabajo (Felicity Tai).</figcaption></figure><p>Para murales de estética urbana, graffiti o composiciones que requieren precisión y variedad de trazos, el aerosol suele ser una de las opciones más versátiles y elegidas.</p><h2>Rodillo: la mejor opción para cubrir grandes superficies</h2><p>El rodillo es una herramienta ideal para cubrir grandes superficies de manera rápida y uniforme. A diferencia del aerosol o el pincel, la principal ventaja del rodillo está en la cantidad de pintura que permite aplicar en poco tiempo, por lo que suele utilizarse para fondos, bases de color y zonas amplias del mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8605ed7d25.png" alt=""><figcaption>Rodillo, herramienta ideal para cubrir grandes superficies (Tima Miroshnichenko).</figcaption></figure><p>Además, puede combinarse con otras herramientas: por ejemplo, utilizar un rodillo para construir el fondo y después recurrir al aerosol o al pincel para sumar detalles, contornos y elementos más pequeños.</p><h2>Pincel: el aliado para los detalles y las terminaciones</h2><p>El pincel permite trabajar con mayor precisión y control, por lo que resulta especialmente útil para detalles, líneas finas, terminaciones y pequeñas zonas que requieren una aplicación más cuidadosa de la pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_995c5660d9.png" alt=""><figcaption>Detalles hechos con pincel en un mural (K).</figcaption></figure><p>También puede ser una buena opción cuando el mural incorpora técnicas más cercanas a la pintura tradicional o cuando se busca trabajar con diferentes texturas y grosores de trazo. Al igual que el rodillo, puede combinarse con aerosol para conseguir diferentes acabados dentro de una misma obra.</p><h2>¿Aerosol, rodillo o pincel: cuál es mejor para pintar un mural?</h2><p>No existe una única herramienta ideal: la elección depende del tamaño del mural, la superficie, el tipo de pintura y el resultado que se busca conseguir.</p><ul><li>Aerosol: muy bueno para líneas, detalles, degradados, contornos y estética ligada al graffiti.</li></ul><ul><li>Rodillo: excelente para cubrir superficies grandes y aplicar fondos o bases de manera rápida y pareja.</li></ul><ul><li>Pincel: más indicado para detalles, terminaciones, líneas precisas y trabajos que requieren mayor control.</li></ul><p>En muchos casos, además, las tres herramientas pueden utilizarse dentro de una misma obra para aprovechar las ventajas de cada una.</p>

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Aerosol, rodillo o pincel: ¿qué herramienta usar para pintar un mural?

<p>Dentro de la cultura sneaker, la customización encontró en Latinoamérica a distintos artistas que transformaron las zapatillas en verdaderos lienzos. Y en México, Diana Ponzo se convirtió en una de las grandes abanderadas de este movimiento gracias a diseños inspirados en universos como la cultura pop, el anime y el deporte.</p><h2>Diana Ponzo, la abanderada de la customización de sneakers en México</h2><p>El movimiento sneaker cuenta con un sinfín de aristas que conviven entre sí y forman la esencia de una cultura que no deja de expandirse. Desde las colaboraciones entre dos o más marcas en un mismo par hasta los grandes lanzamientos de compañías como Nike y adidas, pasando por las cápsulas creadas junto a artistas y celebridades, las zapatillas construyeron un universo propio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7358d75dc.png" alt=""><figcaption>Spikes customizados por la mexicana Diana Ponzo (Instagram/Diana Ponzo).</figcaption></figure><p>Dentro de ese mundo también existe una vertiente que mezcla la pasión por los sneakers con el arte urbano: la customización. Latinoamérica cuenta con distintos referentes que encontraron en la intervención de zapatillas una forma de expresión y, en México, la figura de Diana Ponzo se consolidó como una de las grandes representantes del movimiento.</p><p>Con una técnica basada en el trabajo pintado a mano y una comunidad de casi medio millón de seguidores en redes sociales, la mexicana convirtió cada par en un lienzo para explorar distintos universos de la cultura pop. Sus diseños recorren desde películas y series hasta el anime, los videojuegos, la música y el deporte.</p><ul><li>Películas y series: Harry Potter, Shrek, Toy Story y otros grandes títulos de la cultura popular.</li></ul><ul><li>Anime: personajes como Gokú y Vegeta de Dragon Ball y Luffy de One Piece.</li></ul><ul><li>Música: artistas como Taylor Swift.</li></ul><ul><li>Deportes: figuras como Lionel Messi y Shohei Ohtani, además de referencias a escuderías de Fórmula 1.</li></ul><ul><li>Películas animadas: El Rey León, El extraño mundo de Jack y Coraline.</li></ul><ul><li>Animales y otras referencias de la cultura pop.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C-F1SuDuEQh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C-F1SuDuEQh/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, el trabajo de Diana Ponzo no se limita al resultado final. A través de sus redes sociales, la artista también muestra el proceso de construcción de cada diseño, desde la elección de los colores y los materiales hasta el uso de distintos pinceles y las técnicas que utiliza para transformar cada zapatilla.</p><p>De esta manera, sus seguidores pueden conocer el paso a paso detrás de cada customización y descubrir cómo un par convencional puede convertirse en una pieza única, atravesada por las referencias, los personajes y los universos que forman parte de la cultura popular.</p><p>La variedad de universos que atraviesan sus diseños, sumada a una técnica que combina precisión, creatividad y trabajo artesanal, convirtió a Diana Ponzo en una de las grandes abanderadas de la customización de sneakers en México. A través de cada par, la artista demuestra que una zapatilla puede ser mucho más que un objeto de moda: también puede convertirse en un lienzo para contar historias.</p>

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Diana Ponzo, la artista que convirtió los sneakers en un lienzo

<p>Durante casi una década, Biscarrita encontró en el rap y el freestyle argentino una fuente inagotable de inspiración. Desde sus primeras animaciones sobre El Quinto Escalón hasta sus trabajos actuales con Red Bull Batalla y Liga Bazooka, el ilustrador construyó un universo propio que se convirtió en parte de la cultura urbana.</p><h2>Biscarrita, el ilustrador que convirtió las batallas de freestyle argentino en un universo propio</h2><p>Si sos un auténtico fanático del freestyle argentino, seguramente el nombre de Biscarrita no te resulte desconocido. Para quienes no estén tan familiarizados con la escena, se trata de Gustavo Biscarra, el ilustrador gráfico que logró convertirse en una de las grandes referencias visuales del movimiento rapero y freestylero en Argentina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b2a4f08487.png" alt=""><figcaption>Diseño de la Liga Bazooka hecho por Biscarrita (Instagram/Biscarrita).</figcaption></figure><p>A lo largo de los últimos años, Biscarrita acompañó algunas de las competencias más importantes de la cultura urbana, desde El Quinto Escalón hasta Red Bull Batalla y Liga Bazooka. Sin embargo, su trabajo no se limitó a ilustrar lo que ocurría sobre el escenario: también aportó una mirada propia, cargada de humor, comedia y un estilo bizarro que transformó momentos memorables de las batallas en piezas gráficas capaces de trascender la transmisión tradicional.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/BdYRWE-FpiE/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/BdYRWE-FpiE/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>De esta manera, mientras las competencias podían disfrutarse a través de cámaras profesionales y transmisiones oficiales, las ilustraciones de Biscarrita sumaron una nueva forma de recordar las rimas, los gestos y las escenas más icónicas del freestyle argentino. Desde sus primeros trabajos vinculados a El Quinto Escalón hasta su actualidad, formando parte de proyectos como Red Bull Batalla y Liga Bazooka, el artista continúa manteniendo su talento anclado a la cultura rapera y freestylera, convirtiéndose en una pieza clave de su imaginario visual.</p><h2>El Quinto Escalón como puntapié inicial del universo artístico de Biscarrita</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes ilustradores gráficos de la escena rapera y freestylera argentina, Biscarrita encontró en El Quinto Escalón el puntapié inicial para construir su universo artístico. La legendaria competencia de freestyle creada por YSY A y Muphasa se convirtió en uno de los grandes fenómenos de la cultura urbana nacional y también en el escenario donde Gustavo Biscarra comenzó a darle forma a su particular manera de interpretar las batallas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/BPloQdvhHTi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/BPloQdvhHTi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A través de animaciones cargadas de humor, dobles sentidos y una estética cercana al universo de los memes, el ilustrador convirtió las rimas y los momentos más icónicos de la competencia, protagonizados por figuras como Duki, Wos, Dam, Replik, Trueno, Klan, Sony y Paulo Londra, en pequeñas piezas audiovisuales animadas.</p><p>Las animaciones acumularon millones de visualizaciones y likes y, con el tiempo, se transformaron en una parte más del fenómeno. Los fanáticos del freestyle no solo esperaban cada fecha de El Quinto Escalón para descubrir las mejores rimas y los momentos más destacados de las plazas, sino también para conocer qué nueva animación tenía Biscarrita preparada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b92030a979.png" alt=""><figcaption>El diseño hecho por Biscarrita tras el lanzamiento de la &quot;BZRP Music Sessions&quot; de Duki (Instagram/Biscarrita).</figcaption></figure><p>El Quinto Escalón fue el punto de partida de un recorrido que luego lo llevó a trabajar junto a grandes figuras y proyectos de la música urbana, además de formar parte de competencias como Red Bull Batalla y Liga Bazooka. Años después, aquella mirada cargada de humor y creatividad que nació en las plazas continúa siendo una parte fundamental de su identidad artística.</p><h2>De las batallas a un universo propio: el presente de Biscarrita</h2><p>Con el paso de los años, el universo artístico de Biscarrita continuó expandiéndose más allá del freestyle. El ilustrador desarrolló sus propios personajes e historias, construyendo una identidad visual que ya no depende únicamente de las batallas y que le permitió explorar nuevas narrativas y formas de expresión.</p><p>Sin embargo, sus raíces continúan ligadas a la cultura rapera y freestylera. Así como en los comienzos tomaba los momentos más destacados de El Quinto Escalón para transformarlos en animaciones, actualmente lleva su particular mirada a competencias como Red Bull Batalla y Liga Bazooka, donde vuelve a convertir las rimas, los gestos y las escenas más memorables en piezas que amplían la forma de vivir cada batalla.</p><p>Desde las plazas donde comenzó a dibujar las rimas de una generación hasta los grandes escenarios de la cultura urbana, Biscarrita logró construir un recorrido propio sin despegarse del movimiento que le dio sus primeras oportunidades.</p>

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El ilustrador que llevó el rap y el freestyle argentino a la animación

<p>El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.</p><h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

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Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

<p>Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.</p><h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2><p>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.</p><p>Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.</p><h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2><p>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1000079"><u><em>La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</em></u></a></p><h2>La huella internacional de Ledania</h2><p>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2><p>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.</p><p>Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.</p>

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