La inauguración de la Bronx School of Hip Hop (1).avif

Noticias

El Bronx convirtió al hip hop en materia escolar: así es la nueva Bronx School of Hip Hop

<p>Si alguna vez viste a varios freestylers o bailarines reunidos alrededor de un espacio y te preguntaste qué estaban haciendo, probablemente estabas frente a un cypher. Pero ¿qué significa este concepto y por qué es tan importante para el hip hop?.</p><h2>¿Qué es un cypher en el hip hop?</h2><p>Un cypher es un espacio de encuentro en el que diferentes artistas se reúnen para expresarse, improvisar y compartir dentro de la cultura hip hop. Puede estar protagonizado por MCs haciendo freestyle, bailarines de breaking o artistas de distintas disciplinas que forman un círculo alrededor de quienes están participando.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/Cub8V9DXApI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>La dinámica no tiene una única forma: puede aparecer en una plaza, una calle, un evento o incluso en una competencia. Lo importante es el intercambio. Cada participante toma su turno, responde a lo que ocurre a su alrededor y aporta su propio estilo, mientras el resto observa, acompaña y forma parte de la experiencia.</p><ul><li>Freestyle: MCs improvisan rimas y construyen respuestas en el momento.</li></ul><ul><li>Breaking: los bailarines entran al círculo y muestran sus movimientos y combinaciones.</li></ul><ul><li>Danza: diferentes estilos pueden convivir dentro del mismo espacio.</li></ul><ul><li>Improvisación: la creatividad y la capacidad de reaccionar son protagonistas.</li></ul><ul><li>Intercambio: los participantes observan, aprenden y toman elementos de otros artistas.</li></ul><h2>¿Por qué el cypher es tan importante para el hip hop?</h2><p>Más allá de ser un espacio para demostrar habilidades, el cypher representa uno de los valores centrales del hip hop: la comunidad. El círculo permite que artistas de distintos niveles compartan un mismo lugar, intercambien conocimientos y desarrollen su identidad a partir de la interacción con otros.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dc1ec73080.png" alt=""><figcaption>Cypher de freestyle (Chelsea Factory).</figcaption></figure><p>Por eso, el cypher también funciona como un espacio de aprendizaje. Un MC puede encontrar nuevas formas de improvisar al escuchar a otro, mientras que un bailarín puede incorporar movimientos, estilos o recursos después de observar a sus compañeros. No se trata únicamente de competir, sino de formar parte de una escena y mantener vivo el intercambio cultural que caracteriza al hip hop.</p><p>Y aunque hoy existen grandes competencias y eventos internacionales, los cyphers continúan apareciendo en plazas, calles y encuentros urbanos de todo el mundo, manteniendo una de las formas más tradicionales de vivir y compartir la cultura hip hop.</p>

Cypher_de_bailarines_de_breakdance_aa97b414be.avif

¿Qué es un cypher y por qué es tan importante en la cultura hip hop?

<p>Cada 11 de agosto, la cultura hip hop vuelve a celebrar sus raíces: una fiesta en el Bronx que sentó las bases de un movimiento que conquistó el mundo.</p><h2>¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?</h2><p>El 11 de agosto no es un día común y corriente dentro de la cultura hip hop.</p><p>Y no es por el nacimiento de un emblema de la talla de Tupac o The Notorious B.I.G., ni por el lanzamiento de un disco que marcó un antes y un después, sino por una fiesta organizada en el Bronx.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0e4b889424.png" alt=""><figcaption>DJ Kool Herc, uno de los emblemas del hip hop a nivel mundial (Getty Images).</figcaption></figure><p>El 11 de agosto de 1973, Cindy Campbell organizó una fiesta en el Bronx (1520 Sedgwick Avenue), condado estadounidense del estado de Nueva York, junto a su hermano Clive Campbell, más conocido como DJ Kool Herc, quien estuvo a cargo de la música. Aquel encuentro, que con el paso de los años sería considerado como uno de los momentos fundacionales del hip hop, sentó las bases de una cultura que terminaría expandiéndose por todo el mundo.</p><h2>Los cuatro pilares que construyen la cultura hip hop</h2><p>Luego de aquella fiesta, el hip hop comenzó a crecer a pasos agigantados y a expandirse por Estados Unidos hasta convertirse en un fenómeno global.</p><p>Al mismo tiempo, la cultura fue construyendo su identidad alrededor de cuatro elementos fundamentales:</p><ul><li>DJing: el trabajo de los DJs, desde la selección y mezcla de canciones hasta la creación de breaks y bases que se convirtieron en el corazón musical de las primeras fiestas de hip hop.</li></ul><ul><li>MCing o rap: la voz de la cultura. A través de rimas, improvisaciones y letras, los MCs comenzaron a narrar sus experiencias, expresar ideas y animar las fiestas.</li></ul><ul><li>Breaking: la expresión corporal del movimiento. Los breakers llevaron el baile a las calles y desarrollaron un lenguaje propio basado en movimientos, acrobacias y creatividad.</li></ul><ul><li>Graffiti: la dimensión visual del hip hop. Los artistas comenzaron a intervenir muros, trenes y distintos espacios urbanos para construir una identidad gráfica que terminó convirtiéndose en una de las expresiones más reconocibles de la cultura.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9cee71d404.png" alt=""><figcaption>Graffiti como elemento clave de la cultura hip hop (Kevin Woblick).</figcaption></figure><p>Con el paso del tiempo, estos cuatro elementos dejaron de funcionar únicamente como expresiones independientes y comenzaron a convivir dentro de un mismo movimiento. Así, el hip hop trascendió la música para convertirse en una cultura capaz de influir en el arte urbano, el baile, la moda y la identidad de distintas generaciones alrededor del mundo.</p><h2>De una fiesta en el Bronx a una cultura que conquistó el mundo</h2><p>Lo que comenzó como una fiesta en un barrio de Nueva York terminó convirtiéndose en el punto de partida de una de las culturas más influyentes de los últimos 50 años.</p><p>El hip hop encontró en las calles un espacio para expresarse y, a través de sus distintos pilares, construyó una identidad que rápidamente superó las fronteras del Bronx.</p><p>Desde las rimas y los beats hasta los murales y las batallas de breaking, aquella cultura nacida en el corazón de Nueva York encontró nuevas formas de expresarse en cada rincón del planeta. Por eso, cada 11 de agosto, el mundo vuelve la mirada hacia aquel momento que marcó el comienzo de una historia que todavía continúa escribiéndose.</p>

Show_de_hip_hop_5b939346a5.avif

¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?

<p>La literatura argentina sumó una pieza excepcional con la publicación de <strong>El ritmo no perdona</strong>. Un recorrido exhaustivo que analiza la evolución del <strong>hip hop</strong>, el <strong>trap</strong> y el <strong>RKT</strong> desde los años 90 hasta la actualidad. La obra cuenta con casi quinientas páginas, fue editada por <strong>Caja Negra</strong> y los autores <a href="https://www.instagram.com/vaderedrum/"><u><strong>Camila Caamaño</strong></u></a> y <a href="https://www.instagram.com/snark84/"><u><strong>Amadeo Gandolfo</strong></u></a><u><strong>.</strong></u></p><h2><strong>De las plazas al éxito mundial</strong></h2><p>La transformación del género en la última década responde a un alcance sin precedentes para la música nacional. Por primera vez, artistas como <strong>Duki</strong> logran llenar estadios como el Bernabéu o realizar giras extensas por Europa y Estados Unidos. Este crecimiento fue impulsado por la <strong>reducción de la brecha digital</strong> y la <strong>autogestión</strong>. Jóvenes con herramientas básicas como netbooks o tutoriales de <strong>YouTube</strong> profesionalizaran su sonido. El <strong>freestyle</strong> funcionó como un &quot;potrero sin pelota&quot; donde el registro audiovisual de eventos como <strong>El Quinto Escalón</strong> cimentó una mitología que convirtió a los raperos en superestrellas globales.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/zaBXMalwzNE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Duki - Rockstar [BERNABÉU 2024] / Apertura de Concierto.</p><h2><strong>El sueño del trap </strong></h2><p>A partir del año 2012, el trap comenzó a vender un ideal de <strong>independencia</strong> y ascenso económico rápido que caló hondo en la juventud. No obstante, los autores advierten que este &quot;sueño&quot; mutó. Mientras que en los inicios la autogestión implicaba comunidad, hoy la industria lo presenta como un activo empresarial. Actualmente, esa promesa de éxito se desplazó en algunos sectores hacia actividades como el <strong>streaming</strong> y las <strong>apuestas online</strong>, lo que genera una desconexión con el afuera y fomenta la frustración en espacios virtuales.</p><h2><strong>Tensiones entre el rock y la nueva escena</strong></h2><p>La relación entre el <strong>rock nacional</strong> y el trap pasó por etapas de rechazo, incomprensión y, finalmente, <strong>mutua legitimación</strong>. El libro describe cómo el rock, antes hegemónico, inicialmente eclipsó al rap de los 90. En la actualidad, figuras como <strong>Wos</strong> o <strong>Dillom</strong> son aceptadas en la esfera rockera, mientras que bandas nuevas como <strong>Winona Riders</strong> o <strong>Mujer Cebra</strong> conviven armónicamente con la escena urbana. Según Gandolfo, el virtuosismo técnico del freestyle actuó como un puente de contacto con la tradición rockera, aunque hoy ambos géneros han encontrado sus propios espacios de vigencia sin necesidad de &quot;vampirizarse&quot; constantemente.</p><p><em>Leé también: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/un-repaso-por-el-2025-de-wos/1621"><u><em><strong>Un repaso por el 2025 de Wos</strong></em></u></a></p><h2><strong>El declive de la crítica cultural</strong></h2><p>Uno de los puntos más críticos de la obra es la denuncia sobre la <strong>precarización del periodismo</strong> y la pérdida de profundidad en el análisis artístico. Caamaño y Gandolfo señalan que la crítica fue desplazada por formatos breves como <strong>reels</strong>, <strong>TikToks</strong> o plataformas como <strong>Letterboxd</strong>, donde prima el puntaje rápido y la reacción del fan por sobre el contexto histórico. Los autores abogan por recuperar una <strong>atención amorosa y reflexiva</strong> hacia la obra, alejándose de la cuantificación del arte que proponen herramientas como el <strong>Spotify Wrapped</strong>.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/LTL1ErDteE4" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><h2><strong>La consolidación en el mainstream</strong></h2><p>El libro rastrea momentos clave como el lanzamiento de <strong>&quot;</strong><em><strong>Tumbando el club</strong></em><strong>&quot;</strong> y analiza colectivos como la <strong>RIP GANG</strong>. También dedica capítulos específicos a la <strong>popización</strong> del género con figuras como <strong>Tini</strong>, <strong>María Becerra</strong> y <strong>Nicki Nicole</strong>, además de resaltar el rol de <strong>Cazzu</strong> como referente indiscutida. A través de un tono que oscila entre lo académico y lo subjetivo, los autores logran mapear cómo el trap dejó de ser una subcultura esotérica para convertirse en el <strong>sonido de una época</strong> que uniformó a una generación y transformó la estructura de la industria musical argentina de forma irreversible.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/5bdIRS9-Dh8" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Tumbando el Club (Remix) (Official VIdeo).</p>

2j220ql63n06ic7y6bf8_1762098264866_1_3c5008715d.avif

El ritmo no perdona: la historia del trap, hip hop y RKT argentino hecha libro

<p>La presencia femenina dentro del rap mexicano continúa creciendo, pero algunas artistas llevan décadas construyendo ese camino, y una de ellas es Ximbo, pionera y referente de la escena nacional.</p><h2>Ximbo, una pionera del rap mexicano</h2><p>El rap se consolidó como uno de los movimientos culturales y musicales más importantes de México, con figuras como C-Kan, Aczino y Neto Peña como algunos de los nombres que ayudaron a construir su identidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14fbf8dfd1.png" alt=""><figcaption>La figura de Ximbo a través de los fanáticos (Instagram Ximbo).</figcaption></figure><p>Sin embargo, la historia de la escena también tiene una importante presencia femenina, y Jimena de Santiago, mejor conocida como Ximbo, ocupa un lugar fundamental dentro de ella.</p><p>Con más de tres décadas de trayectoria, la mexicana se convirtió en una de las pioneras del rap nacional y en una figura que logró mantenerse vigente a través de diferentes generaciones de la cultura hip hop.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/3A-uX9qXZGY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Su propuesta se caracterizó por una mirada marcada por la conciencia social, sus posturas sobre distintos aspectos de la vida y una identidad vinculada al feminismo, elementos que terminaron convirtiéndola en una de las voces femeninas más reconocidas del movimiento.</p><h2>Ximbo y sus primeros pasos dentro de la cultura hip hop</h2><p>Durante los años 80, “<em>Rapper&#x27;s Delight</em>” fue una de las primeras canciones que acercó a Ximbo al universo del rap. La canción, incluso, tuvo una versión conocida en México como “<em>El Cotorreo</em>”, realizada por el comediante Memo Ríos y que terminó de impulsar ese primer vínculo de la mexicana con la cultura del hip hop.</p><p>En la preparatoria comenzó a escribir y lanzar sus primeras rimas en solitario. Años más tarde se vinculó con Malik y posteriormente formó Magisterio, grupo que se convirtió en uno de los proyectos destacados de la escena de la capital mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/7tQK6J7IFac" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>A partir de allí, Ximbo comenzó a transitar por diferentes escenarios y colectivos, consolidando una trayectoria que la llevó a convertirse en una referente del rap nacional y en una de las mujeres que abrió camino dentro de una escena que todavía estaba en pleno crecimiento.</p><h2>Feminismo, identidad y cultura: el legado de Ximbo</h2><p>A lo largo de sus más de tres décadas de carrera, Ximbo construyó una identidad artística que trascendió las rimas. Su trabajo estuvo marcado por dos grandes ejes: el feminismo y la visibilización de las culturas y lenguas originarias dentro del hip hop.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_caa8b8ee5a.png" alt=""><figcaption>Ximbo rapeando sobre el escenario (Instagram(Ximbo).</figcaption></figure><p>A través de sus letras, su participación en festivales y su recorrido por diferentes espacios de la escena, la mexicana utilizó el rap como una herramienta para expresar sus ideas y darles lugar a temáticas que históricamente tuvieron menor presencia dentro del movimiento.</p><p>Su trayectoria también la convirtió en una inspiración para las nuevas generaciones de mujeres que encontraron en el rap un espacio de expresión. Por eso, hablar de la historia del rap mexicano y de la presencia femenina dentro de la cultura hip hop implica necesariamente mencionar el nombre de Ximbo.</p>

Performance_de_Ximbo_arriba_del_escenario_1_89e19fb9ff.avif

Ximbo, la mujer que hizo historia en el rap mexicano

<p>En la industria textil mexicana existen distintos perfiles que encontraron en la moda una forma de expresar identidad, cultura y creatividad, y uno de los nombres que más destaca dentro de ese universo es Mauro Garfias.</p><p>Con más de quince años de trayectoria, el diseñador llevó su particular mirada sobre el streetwear, la mezclilla y el diseño a marcas, clubes deportivos y figuras internacionales.</p><h2>Un emblema del diseño mexicano: Mauro Garfias</h2><p>La industria del diseño en México ha encontrado en Mauro Garfias uno de sus nombres más destacados. Egresado del Instituto de Estudios Superiores de Moda en Casa de Francia, con una licenciatura en Diseño y Confección, una especialización en mezclilla y formación como diseñador gráfico, Garfias se convirtió en uno de los nombres vinculados al diseño y la moda urbana mexicana más importantes de la última década.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4cba5ec703.png" alt=""><figcaption>El estilo de Mauro Garfias x Vans (Instagram/Mauro Garfias).</figcaption></figure><p>Con una propuesta que combina la cultura streetwear con prendas de identidad propia y una mirada enfocada en la reutilización y el consumo responsable, el diseñador mexicano logró trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, además de desarrollar proyectos vinculados al mundo del fútbol y la cultura urbana.</p><h2>12crew, una firma que apuesta por la identidad</h2><p>Uno de los principales proyectos de Garfias dentro del streetwear es 12crew, una firma de construcción textil que busca crear prendas únicas y transformar la manera en la que se visten los mexicanos.</p><p>La propuesta se sostiene sobre tres pilares principales:</p><ul><li>Calidad.</li></ul><ul><li>Diseño.</li></ul><ul><li>Tendencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e8444ad0a.png" alt=""><figcaption>Mauro Garfias visitando prendas de 12crew (12crew).</figcaption></figure><p>La marca también incorpora técnicas de upcycling y reworking, con las que busca reutilizar y transformar prendas y materiales como una contrapropuesta frente al consumo masivo.</p><p>La mezclilla ocupa un lugar central dentro de su universo, acompañada por referencias del arte japonés, la cultura urbana y una búsqueda constante de piezas únicas y exclusivas.</p><h2>De México al mundo: las figuras que vistieron sus diseños</h2><p>El trabajo de Garfias también trascendió las fronteras de México y llegó a figuras reconocidas internacionalmente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Además de trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, el diseñador mexicano realizó prendas especiales y únicas para jugadores como Javier “Chicharito” Hernández, Andrés Guardado y Shaquille O&#x27;Neal.</p><p>Su trayectoria también incluye colaboraciones con referentes del hip hop y el graffiti como Aczino y Tote King, llevando su propuesta desde el streetwear mexicano hacia diferentes escenarios de la cultura urbana internacional.</p>

El_diseno_mexicano_bajo_la_mirada_de_Mauro_Garfias_7a71802c65.avif

El diseño mexicano bajo la mirada de Mauro Garfias

<p>Dentro del breaking argentino hay nombres que lograron trascender la lógica de la competencia para convertirse en verdaderas referencias de la disciplina, y Superpoderosas Crew ocupa un lugar especial en ese mapa.</p><p>Con casi dos décadas de trayectoria y figuras como B-Girl Cielo, B-Girl Carito y B-Girl Olivia entre sus integrantes, el colectivo se consolidó como uno de los grandes emblemas femeninos de la escena nacional.</p><h2>El colectivo que abrió camino para las mujeres en el breaking argentino: Superpoderosas Crew</h2><p>A lo largo y ancho de Latinoamérica, el breaking cuenta con emblemas y personalidades que no solo conquistaron la pista, sino que también se transformaron en pilares de la disciplina dentro de sus respectivos países. Y si hay que hablar de una de esas referencias dentro de la escena argentina, el nombre de Superpoderosas Crew aparece casi de forma inevitable.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b705f68163.png" alt=""><figcaption>Integrantes de Superpoderosas Crew (Instagram/Superpoderosas Crew).</figcaption></figure><p>Conformado en el año 2010, el grupo se consolidó como una de las grandes referencias del breaking nacional, no solo por su extensa trayectoria dentro del movimiento, sino también por el peso de sus integrantes en la escena local e internacional. Entre sus caras principales aparecen B-Girl Cielo, B-Girl Carito y B-Girl Olivia, tres referentes que lograron llevar el nombre del crew a competencias, encuentros y eventos de distintas partes del mundo, incluyendo escenarios ligados al universo de Red Bull y otras grandes vitrinas del breaking.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DW1M6ekiUKE/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DW1M6ekiUKE/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, la importancia de Superpoderosas Crew va mucho más allá de los resultados o de la presencia en torneos. El colectivo también ocupa un lugar pionero dentro de la historia del breaking argentino por haber nacido en un contexto donde la cantidad de agrupaciones todavía era reducida y, sobre todo, por consolidarse como una de las primeras crews femeninas de la movida a nivel nacional. En una disciplina históricamente dominada por hombres, el grupo encontró la manera de construir una identidad propia y de abrir camino para nuevas generaciones de bailarinas dentro de la cultura urbana.</p><h2>Superpoderosas Crew y el impulso femenino dentro de la escena urbana</h2><p>Sin embargo, la huella de Superpoderosas Crew no se explica únicamente por sus apariciones en competencias o por el recorrido individual de sus integrantes. En una escena donde no abundan los grupos femeninos capaces de sostener una identidad propia y consolidarse como referencia a lo largo del tiempo, el colectivo logró convertirse en una pieza clave del breaking argentino, tanto por su permanencia como por el lugar que ocupa dentro del movimiento.</p><p>A lo largo de casi una década y media de trabajo, el crew no solo representó a la disciplina en escenarios locales e internacionales, sino que también ayudó a visibilizar el rol de las mujeres dentro del breaking y a abrir nuevas puertas para bailarinas y bailarines de distintas generaciones.</p><p>Ya sea a través de eventos, encuentros, talleres o de su propia presencia dentro de la cultura urbana, Superpoderosas Crew construyó una referencia que excede lo competitivo y que hoy funciona como inspiración para quienes buscan abrirse camino dentro del universo del hip hop y la danza en Argentina.</p>

Superpoderosas_Crew_el_emblema_femenino_del_breaking_en_Argentina_1_0e13b6e84e.avif

Superpoderosas Crew, el emblema femenino del breaking en Argentina

<p>El Teatro Coliseo de Buenos Aires fue escenario de una nueva edición de los Premios Gardel, una de las ceremonias más importantes de la industria musical argentina, donde Milo J se convirtió en la gran figura de la noche y figuras urbanas como Trueno, Nathy Peluso, Ca7riel &amp; Paco Amoroso y Cazzu fueron protagonistas.</p><h2>Milo J y una noche histórica en los Premios Gardel</h2><p>No hay dudas de quiénes son hoy los grandes referentes de la música urbana argentina. Y es que al pensar en este universo resulta imposible que no aparezcan nombres como Duki, Ca7riel &amp; Paco Amoroso, Emilia, Tini, María Becerra o Trueno.</p><p>Sin embargo, dentro de todos ellos hay un artista que desde sus primeros pasos no ha parado de crecer a pasos agigantados, convirtiéndose cada vez más en uno de los grandes emblemas tanto de la música nacional como internacional: Milo J.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ac78c440c.png" alt=""><figcaption>La faceta ganadora de Milo J en los Premios Gardel (Agustín Dusserre y Ignacio Arnedo).</figcaption></figure><p>Y es que luego de hacer historia con su participación en los Tiny Desk Concert, el rapero oriundo de Morón se convirtió en la gran figura protagonista de una nueva edición de los Premios Gardel, la ceremonia organizada por CAPIF que reúne a las figuras más importantes de la música argentina. Celebrada en el Teatro Coliseo de la ciudad de Buenos Aires, Milo J se adueñó de la jornada tras quedarse con trece de las 53 categorías, incluyendo el prestigioso Gardel de Oro, el máximo reconocimiento entregado por la ceremonia y un premio históricamente reservado para leyendas de la música argentina como Sandro, Mercedes Sosa, Fito Páez, León Gieco, Charly García o Gustavo Cerati.</p><ul><li>Álbum del Año (La vida era más corta)</li></ul><ul><li>Canción del Año (Niño)</li></ul><ul><li>Grabación del Año (Niño)</li></ul><ul><li>Ingeniería de Grabación (La vida era más corta)</li></ul><ul><li>Mejor Álbum Conceptual (La vida era más corta)</li></ul><ul><li>Mejor Álbum Urbano (166 (Deluxe) retirada)</li></ul><ul><li>Mejor Canción de Autor (Luciérnagas)</li></ul><ul><li>Mejor Canción de Folklore (Niño)</li></ul><ul><li>Mejor Canción Urbana (Olimpo)</li></ul><ul><li>Mejor Videoclip Corto (Bajo de la piel)</li></ul><ul><li>Gardel de Oro</li></ul><p>Además, con esta conquista, Milo J también se convirtió en el ganador más joven en obtener el Gardel de Oro en toda la historia de la ceremonia. Una marca que no solo reafirma el enorme presente del músico argentino, sino que también termina de consolidarlo como una de las figuras más importantes de la música nacional actual.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DY2L4rgxoD4/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DY2L4rgxoD4/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Un reconocimiento que llega después de años construyendo una comunidad gigantesca, acumulando millones de reproducciones, agotando conciertos y transformándose en uno de los nombres más fuertes de la escena urbana argentina.</p><p>Más allá de la premiación, el músico también fue protagonista arriba del escenario, formando parte de los shows musicales de la jornada junto a la girlband argentina de k-pop K4OS y Trueno. Allí interpretó canciones como “Niño” y “Luciérnagas”, esta última grabada junto a Silvio Rodríguez, coronando una noche que terminó por posicionarlo definitivamente como la gran estrella de los Premios Gardel.</p><h2>Trueno, Ca7riel &amp; Paco Amoroso y el dominio urbano en la ceremonia</h2><p>Más allá del absoluto dominio de Milo J, quien sin lugar a dudas se convirtió en la gran estrella de la ceremonia, la música urbana también volvió a posicionarse como una de las grandes protagonistas de los Premios Gardel. No solo por haber monopolizado gran parte de las categorías más importantes de la noche, sino también por la enorme presencia de artistas del género al momento de subir al escenario a recibir sus estatuillas.</p><p>Y es que además de los trece galardones conquistados por Milo J, Trueno —otro de los artistas argentinos que continúa dejando una huella imborrable dentro de la escena— también tuvo una gran noche al quedarse con los premios a “Mejor Álbum de Hip Hop/Rap”, “Mejor Álbum en Vivo” y “Mejor Canción de Hip Hop/Rap”, reafirmando el enorme presente que atraviesa tanto a nivel nacional como internacional. A su vez, el rapero de La Boca también brilló arriba del escenario con la interpretación de “Turrazo”, canción ícono de su último proyecto discográfico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8df154fafc.png" alt=""><figcaption>Trueno durante su discurso de victoria en los Premios Gardel (Instagram/Radio Disney).</figcaption></figure><p>Por su parte, Ca7riel y Paco Amoroso también fueron protagonistas tras conquistar categorías como “Mejor Álbum Pop Alternativo”, “Mejor Canción en Vivo”, “Mejor Canción Pop Rock” y “Mejor Videoclip Largo” gracias a “Papota” y al impacto global generado por su recordada participación en los Tiny Desk Concerts, una presentación que terminó funcionando como uno de los grandes puntos de explosión internacional para el dúo argentino.</p><p>Además, figuras como Cazzu, Yami Safdie, Nathy Peluso y Luck Ra también lograron quedarse con distintos reconocimientos a lo largo de la ceremonia, en una noche donde el género urbano volvió a demostrar que continúa marcando el pulso de la música argentina actual tanto en impacto cultural como en números, reproducciones y popularidad.</p>

Trece_estatuillas_y_una_noche_historica_para_Milo_J_la_fiura_de_los_Premios_Gardel_800ed1c13c.avif

Milo J, Trueno y Ca7riel & Paco Amoroso, las estrellas de los Premios Gardel

<p>La figura de <a href="https://www.instagram.com/shartyone/?hl=es-la"><u>Sharty One</u></a> es un puente entre la tradición ancestral y la modernidad del aerosol. Originario de <strong>Jardines de Minerva, Mixco</strong>, su historia comenzó en 2008, rodeado de una efervescente cultura Hip Hop y Dance Hall que llegaba desde el norte. <em>&quot;Se me antojó probar pero no sabía que se llamaba Graffiti&quot;</em>, admite el artista al recordar sus primeros acercamientos a la intervención del espacio público.</p><h3><strong>El desafío de pintar en la calle</strong></h3><p>Para <strong>Sharty One</strong>, el <strong>espacio público</strong> es un formato superior a la galería por su impacto social. Elige lugares abandonados donde la calidez de la gente contrasta con el olvido institucional, y busca recuperar la identidad del lugar. Sin embargo, el proceso es arduo e implica lidiar con el ruido y la falta de servicios básicos como agua o baños.</p><p><em>&quot;Hay muchas limitaciones ya que si es Graffiti hay spots sin agua, baño y comida cerca&quot;</em>, relata. A pesar de esto, mantiene una postura estoica frente a la efimeridad de su arte. <em>&quot;El Graffiti y el street art es como la vida, un día estamos y al otro ya no&quot;</em>, reflexiona.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DStJ1AYke8L/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DStJ1AYke8L/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3><strong>El sello de Sharty One</strong></h3><p>Un momento de quiebre en su carrera ocurrió en <strong>Bacalar, México</strong>. Allí, al pintar un rostro en tonos turquesas, comprendió que el color era el vehículo perfecto para transmitir su origen. Ese tono, que evoca el jade y las aguas de Guatemala, se convirtió en su marca personal. <em>&quot;Me di cuenta que el color puede ayudar a encontrar esa brecha y marcar tendencia o una narrativa&quot;</em>, explica.</p><p><em>Leé también: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/pintar-sin-certezas-el-metodo-detras-del-arte-de-fredelle/1634"><u><em>Pintar sin certezas: el método detrás del arte de Fredelle</em></u></a></p><p>Esta propuesta visual, que mezcla la <strong>cultura maya</strong> con el estilo de vida actual, generó una comunidad de seguidores fieles en <strong>redes sociales</strong> que le permite crear una red de intercambio cultural y nuevas oportunidades de trabajo fuera de sus fronteras.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_63aff0bdb6.png" alt=""><figcaption>Tributo a la cultura maya.</figcaption></figure><h3><strong>Formación académica y proyección internacional</strong></h3><p>A diferencia de otros exponentes, <strong>Sharty One</strong> combina la calle con la academia. En 2018, se graduó como <strong>Licenciado en Diseño Gráfico</strong> en la <strong>Universidad San Carlos de Guatemala</strong>, un título que le permitió profesionalizar su técnica y su narrativa visual. Desde 2012, esta sólida formación lo ha llevado a representar a su país en <strong>festivales internacionales</strong> en Brasil, México, El Salvador, Colombia y Perú, consolidándose como un referente del <strong>muralismo contemporáneo</strong>.</p><p><em>&quot;La exploración de los rincones más escondidos de Guatemala han permitido plasmar en muchos muros la cultura, tradiciones, dialectos y la biodiversidad de mi país&quot;</em>, asegura.</p><h3><strong>Filosofía de vida</strong></h3><p>La versatilidad de <strong>Sharty One</strong> se refleja en sus materiales. Utiliza desde <strong>aerosol y acrílico</strong> hasta <strong>corte láser sobre PVC, cemento y pegamentos</strong>, adaptándose a cada propósito. Él define su obra como la esencia de un pueblo en constante movimiento. <em>&quot;La identidad de un pueblo que evoluciona y le sonríe a la vida&quot;</em></p><p>Para quienes desean iniciarse en las <strong>artes visuales</strong>, su mensaje es de disciplina. <em>&quot;La investigación, la constancia y tener los pies en la tierra te pueden abrir muchas puertas&quot;</em>, sentencia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSD9acDDKGE/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSD9acDDKGE/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

medium_Whats_App_Image_2026_01_30_at_17_04_59_1_ce2873494b.jpeg

small_Whats_App_Image_2026_01_30_at_17_04_59_1_ce2873494b.jpeg

thumbnail_Whats_App_Image_2026_01_30_at_17_04_59_1_ce2873494b.jpeg

Whats_App_Image_2026_01_30_at_17_04_59_1_ce2873494b.jpeg

Una travesía visual por la Guatemala de Sharty One

<p>En el panorama del <strong>hip hop argentino</strong>, la figura de <strong>Gabriel Nicolás Espino</strong>, artísticamente conocido <a href="https://www.instagram.com/g5.rap/"><u><strong>G5</strong></u></a>, amalgama la agilidad mental del <strong>freestyle</strong> con la profundidad de la lírica de autor. Desde sus inicios en las plazas de <strong>Buenos Aires</strong> hasta su consolidación como una promesa de la música, este joven oriundo del barrio de <strong>Dolina</strong>, en <strong>Flores</strong>, trazó un camino donde la reflexión y el ritmo convergen e interpelan a una audiencia que busca contenido más allá del entretenimiento superficial.</p><h2><strong>De la plaza a los escenarios Internacionales</strong></h2><p>En el año 2011, un niño de rostro afable descubría su destino entre las rondas de la <strong>Aramburu Freestyle</strong>. Aquel primer contacto con la cultura urbana, donde figuras como <strong>Duki</strong>, <strong>MKS</strong> y <strong>Wolf</strong> comenzaban a cimentar sus carreras, detonó en Gabriel una curiosidad que lo llevaría a debutar en 2016 durante la <strong>55 Freestyle</strong>. A pesar de una derrota inicial en un formato 2 vs. 2, la perseverancia de <strong>G5</strong> lo condujo a dominar el circuito <strong>underground</strong>. Allí cosechó victorias en certámenes de prestigio como el <strong>Halabalusa</strong>, la <strong>DEM Battles</strong> y <strong>Titanes de la Costa</strong>.</p><p>A nivel mundial, su talento lo catapultó a competencias internacionales en <strong>Perú</strong> y <strong>España</strong>, donde incluso disputó una batalla de exhibición en la <strong>FMS Internacional</strong>. Sin embargo, en el año 2023, tras un reñido enfrentamiento contra <strong>Jesse Pungaz</strong>, G5 decidió priorizar su evolución artística sobre el desgaste que implica la lucha constante por el ascenso en las ligas profesionales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b42074b946.png" alt=""><figcaption>Gabriel Espino en el escenario.</figcaption></figure><h2><strong>Un manifiesto de versos </strong></h2><p><strong>G5</strong> define su propuesta como una <strong>obra de colección</strong>. En su proceso creativo, el rapero se distancia de las estructuras genéricas para nutrirse de géneros diversos como el <strong>jazz</strong>, el <strong>soul</strong>, el <strong>tango</strong> y el <strong>rock nacional</strong>. Esta mixtura sonora se refleja en lanzamientos como <strong>&quot;Fancy Lines&quot;</strong>, donde el sonido <strong>oldschool</strong> se encuentra con una narrativa cinematográfica y política.</p><p>Influenciado por la métrica de <strong>Kase.O</strong>, el artista busca que su público experimente un <strong>campo creativo</strong> compartido. Para G5, la música es el espacio donde puede pulir aquello que la improvisación deja al azar, permitiéndose el tiempo necesario para construir un mensaje que resuene en la sensibilidad del oyente. Su identidad como escritor es tan fuerte que, de no haber encontrado su voz en el rap, el camino de la <strong>docencia</strong> o la <strong>literatura</strong> habrían sido sus refugios naturales.</p><p><em>Leé también: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/swaggerboyz-el-duo-argentino-de-trap-2-0/1617"><u><em><strong>Swaggerboyz, el dúo argentino de trap 2.0</strong></em></u></a></p><h2><strong>Activismo, cannabis y su futuro</strong></h2><p>En la intersección entre la cultura urbana y el activismo, G5 desempeña un rol fundamental como organizador de la <strong>CanaFree</strong>. Esta competencia busca rescatar el espíritu del <strong>under</strong> vinculándolo con la cultura cannábica. Desde su faceta como cultivador, promueve una visión profesional y pedagógica sobre el tema, alejándose de los estigmas y centrándose en la experiencia comunitaria.</p><p>A mediados de febrero de este año, su relevancia fue ratificada por medios masivos, donde el segmento <strong>&quot;Radar DE UNA&quot;</strong> lo señaló como una pieza clave de la nueva vanguardia musical. A pesar de la exposición mediática, su objetivo principal permanece intacto. Alcanzar una masa crítica de oyentes que conecten genuinamente con su mensaje y priorizar la calidad del vínculo por sobre las métricas de vanidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DVPRD4_CMJz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DVPRD4_CMJz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>TAG</p><p>RAP</p><p>ARGENTINA</p><p>G5</p>

647407989_18395295103146896_2133036528676075626_n_1_7244e127c0.avif

G5, el exponente del freestyle que apuesta por el rap de autor

<p>El fingerboard llevó la esencia del skateboarding a una tabla en miniatura y construyó una comunidad que no para de crecer, y en Argentina, uno de sus grandes referentes es Finger Industries.</p><h2>Finger Industries, un emblema del fingerboard en Argentina</h2><p>El movimiento del fingerboard, una práctica que traslada la esencia del skateboarding a tablas en miniatura controladas con los dedos, continúa creciendo a nivel internacional y cada vez gana más espacio dentro de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d4500e24ac.png" alt=""><figcaption>Fingerboard de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>Más allá de las grandes marcas que dominan el mercado global, cada país desarrolló sus propios protagonistas. En Argentina, uno de esos nombres es Finger Industries, una marca nacional fundada en el año 2015 y con sede en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires.</p><p>Con más de una década de trayectoria, la firma se convirtió en uno de los principales referentes de la escena local gracias a una propuesta que combina fabricación propia, distribución de marcas internacionales y desarrollo de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A eso se suma una fuerte presencia en redes sociales, donde supera los 200 mil seguidores, consolida un vínculo directo con quienes practican fingerboard y ayuda a difundir una disciplina que pasó de ser un hobby de nicho a construir una escena cada vez más grande en Argentina.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/sueno-con-que-cada-provincia-tenga-una-marca-de-fingerboards-propia/1530</p><h2>De fabricar una tabla propia a construir una marca</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes nombres del fingerboard argentino, Finger Industries tuvo un comienzo mucho más simple. La historia empezó en el año 2015, cuando su fundador no lograba conseguir en Argentina un fingerboard profesional de madera que cumpliera con la calidad que buscaba.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa necesidad se transformó en una oportunidad. A través de pruebas, errores y aprendizaje, comenzó a experimentar con técnicas de laminado y fabricación hasta conseguir tablas que respondieran a sus expectativas.</p><p>Un año más tarde apareció la tienda online, en una etapa en la que, según recuerdan desde la propia marca, vender apenas un par de fingerboards por semana ya representaba un gran logro.</p><p>Desde entonces, Finger Industries comenzó a crecer de manera progresiva a través de eventos, redes sociales y la difusión constante de la disciplina. En el año 2018 amplió su equipo de trabajo para mejorar la producción y aumentar la capacidad de fabricación.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El gran salto llegó durante la cuarentena, cuando el fingerboard encontró en el hogar un escenario ideal para crecer y la marca consiguió alcanzar a una audiencia mucho más amplia. Ese proceso desembocó, en el año 2021, en la apertura de Fingershop, un espacio físico pensado no solo para comprar productos, sino también para practicar, encontrarse con otros riders y vivir la cultura del fingerboard de manera presencial.</p><h2>Finger Industries y un catálogo pensado para todos los niveles</h2><p>Decir que Finger Industries funciona como un paraíso para quienes viven el fingerboard no es una exageración. Su catálogo reúne prácticamente todo lo necesario tanto para quienes recién empiezan como para riders que buscan mejorar cada detalle de su setup.</p><ul><li>Tapes</li><li>Ruedas</li><li>Trucks</li><li>Tuercas</li><li>Tablas</li><li>Fingerboards completos</li><li>Bujes</li><li>Racks</li><li>Herramientas</li><li>Accesorios</li><li>Rampas</li><li>Módulos</li><li>Rails</li><li>Finger scooters</li><li>Finger BMX</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c51156160d.png" alt=""><figcaption>Fingerboards de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>La propuesta permite desde armar un fingerboard pieza por pieza, eligiendo componentes y diseños de manera personalizada, hasta adquirir modelos completamente armados y listos para usar.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/nestor-el-abuelo-de-74-anos-que-se-convirtio-en-una-estrella-del-fingerboard/1000332</p><p>Además de comercializar productos propios, Finger Industries también distribuye distintas marcas internacionales, ampliando todavía más una oferta pensada para distintos niveles y estilos.</p><p>Todos los productos pueden adquirirse a través de la tienda oficial de la marca o de manera presencial en su local ubicado en Sáenz 179, Lomas de Zamora, un punto de encuentro que combina tienda, práctica y comunidad alrededor del fingerboard.</p>

Finger_Industries_el_paraiso_del_fingerboard_en_Buenos_Aires_1_ef33d789b8.avif

Finger Industries, el paraíso del fingerboard en Buenos Aires

<p>En los últimos años, el streetwear argentino construyó una escena cada vez más amplia, con marcas que apostaron por diferentes formas de entender la moda urbana, y Anhelo Studios es una de las que logró hacerse un lugar dentro de este movimiento.</p><h2>Anhelo Studios, la marca que conquistó el streetwear argentino</h2><p>Dentro del crecimiento que atravesó el streetwear en Argentina, distintas marcas lograron construir una identidad propia y convertirse en protagonistas de la escena nacional.</p><p>Nombres como TwoHip, King of the Kongo, Bullbenny, Beyond y Samples forman parte de un movimiento que llevó la moda urbana a nuevos espacios y públicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b57f215b9c.png" alt=""><figcaption>Anhelo Studios, referente del streetwear en Argentina (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese universo aparece Anhelo Studios, una marca que consiguió hacerse un lugar dentro de la escena y que ya supera las 15 mil prendas vendidas. Bajo una propuesta que apuesta por combinar diferentes códigos de la moda urbana y por llegar tanto a quienes buscan piezas básicas como a quienes prefieren outfits más cargados y llamativos, el sello logró convertirse en uno de los abanderados de la movida a nivel nacional.</p><h2>El ADN de Anhelo Studios: una marca que mezcla distintos universos</h2><p>Una de las principales características de Anhelo Studios está en la variedad de estilos que conviven dentro de su catálogo, donde cuenta con prendas que van desde remeras, hoodies, zip hoodies y polos hasta bermudas, jerseys deportivos, shorts, pantalones cargo y diferentes modelos de joggers.</p><p>La propuesta también se refleja en los recursos utilizados para construir cada pieza: estampados, camuflados, detalles desgastados, costuras rotas, tachas y diferentes tratamientos textiles aparecen junto a prendas más limpias y minimalistas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8747a66353.png" alt=""><figcaption>Slimesanti vistiendo una zip-hoodie de Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>A esto se suma una amplia paleta de colores que recorre el negro, blanco y beige, pero también tonos como celeste, rosa, verde, amarillo, rojo, violeta y marrón.</p><p>El resultado es una marca capaz de moverse entre diferentes universos de la moda urbana. Desde una estética trap y oscura hasta prendas deportivas, diseños más clásicos o piezas cargadas de estampados y detalles, Anhelo Studios construye un catálogo pensado para distintos perfiles dentro del streetwear.</p><h2>De Tiago PZK a Emilia Mernes: las figuras que eligieron Anhelo Studios</h2><p>El crecimiento de Anhelo Studios  también puede verse en la presencia de sus prendas en los looks de diferentes figuras de la música y la escena urbana argentina. La marca consiguió llegar al guardarropa de artistas y personalidades que representan distintas generaciones y estilos.</p><ul><li>Luli González</li></ul><ul><li>Zell</li></ul><ul><li>Turrobaby</li></ul><ul><li>Carrera</li></ul><ul><li>Khea</li></ul><ul><li>Tiago PZK</li></ul><ul><li>Acru</li></ul><ul><li>Emilia Mernes</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_259e865399.png" alt=""><figcaption>Khea vestido por Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>La presencia de estas figuras funciona como otro reflejo del alcance que consiguió la marca dentro de la escena nacional: una propuesta que, sin limitarse a una única estética, logró encontrar un espacio entre distintos exponentes de la música y la cultura urbana.</p>

Modelo_de_Anhelo_Studios_1_3c8c93acf3.avif

El streetwear argentino tiene una nueva protagonista: Anhelo Studios

<p>Buenos Aires es una de las ciudades de Latinoamérica con mayor variedad gastronómica, desde restaurantes de alta cocina hasta propuestas que conquistan las redes sociales. Y en el barrio de Flores, un local llevó uno de los clásicos argentinos a otro nivel: Damián Sandwich, la casa de los sándwiches de miga más grandes de la capital argentina.</p><h2>Damián Sandwich, el paraíso de los sándwiches de miga gigantes</h2><p>Ubicado en Avenida Varela 803, en el barrio porteño de Flores, y con proyección a inaugurar un nuevo local en Palermo, Damián Sandwich encontró su lugar dentro de la escena gastronómica de Buenos Aires a partir de una propuesta tan sencilla como contundente: sándwiches de miga de enormes dimensiones y con una cantidad de relleno fuera de lo habitual.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4f6bcd02b4.png" alt=""><figcaption>Chipa jamón cocido y queso dambo, una de las variedades de Damián Sandwich (Instagram/Damián Sandwich).</figcaption></figure><p>La diferencia se encuentra a simple vista. Para alcanzar una cantidad similar de relleno habría que juntar varios sándwiches de miga tradicionales, mientras que en Damián Sandwich todo aparece concentrado en una sola pieza.</p><p>La variedad también es uno de los grandes atractivos del lugar: hay sándwiches triples, morenitos, opciones con pan de chipá, alternativas vegetarianas y combinaciones especiales con ingredientes como vitel toné, pollo césar, guacamole, roquefort, palmitos, salsa golf y ananá.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DRaV9EEEfPb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DRaV9EEEfPb/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una propuesta que convirtió a un producto clásico de la gastronomía porteña en una experiencia mucho más contundente, Damián Sandwich se ganó un lugar entre los rincones gastronómicos que vale la pena conocer.</p><h2>De jamón y queso a brisket: las variedades de Damián Sandwich</h2><p>Uno de los puntos fuertes del local es la enorme cantidad de combinaciones disponibles.</p><p>La propuesta incluye opciones tradicionales, alternativas más elaboradas y sabores para distintos gustos.</p><ul><li>Sándwiches de chipá: jamón cocido y queso Dambo; lomito ahumado y cheddar.</li></ul><ul><li>Triples clásicos: jamón y tomate, jamón y huevo, jamón y lechuga, aceitunas verdes, morrón y huevo, tomate y huevo y jamón cocido con queso Dambo.</li></ul><ul><li>Morenitos: bondiola, fiambre y tomate; crudo, rúcula y parmesano; crudo y tomate; salame y queso; crudo y roquefort; crudo y ananá; palmitos, salsa golf y huevo, entre otras combinaciones.</li></ul><ul><li>Opciones premium: brisket, vitel toné, pastrón, matambre, milanesa de peceto, pollo guacamole y pollo César.</li></ul><ul><li>Alternativas vegetarianas: distintas combinaciones con zanahoria, tomate, morrón y otros vegetales.</li></ul><ul><li>Triples especiales: atún, palmitos, salsa golf, roquefort, nuez, primavera, cheddar y ananá.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbLd5ruCLBB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbLd5ruCLBB/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La variedad convierte al local en una parada especialmente atractiva para quienes quieren alejarse de las combinaciones tradicionales y probar nuevas versiones de un clásico argentino.</p><h2>Un fenómeno tanto gastronómico como digital</h2><p>El tamaño de sus productos, la cantidad de relleno y las distintas combinaciones hicieron que Damián Sandwich encontrara otro escenario para mostrar su propuesta: las redes sociales.</p><p>Los sándwiches se transformaron en protagonistas de videos, recomendaciones y contenidos gastronómicos, donde su particular tamaño funciona como el principal atractivo visual.</p><p>Así, lo que comenzó como una sándwichería especializada en uno de los clásicos de la gastronomía argentina terminó convirtiéndose en un verdadero paraíso para los fanáticos de los sándwiches de miga, con una propuesta que combina tradición, abundancia y un formato pensado para sorprender.</p>

Las_delicias_de_Damian_Sandwich_f4196b22c9.avif

Damián Sandwich, el paraíso de los sándwiches de miga gigantes en Flores

<p>El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.</p><h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2><p>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.</p><p>La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.</p><p>Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul><p>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.</p><h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2><p>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.</p><p>En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.</p><p>El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.</p><h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2><p>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.</p><p>La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.</p><p>Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.</p><p>La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.</p>

Stencil_como_protagonista_de_Barrio_En_Capas_1_04a159bbfb.avif

Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

<p>Kicks and Friends se convirtió en uno de los grandes referentes de la cultura sneaker y la moda urbana en Argentina. A casi una década de sus inicios, Luciano Corcico repasó junto a Street Art Latam el nacimiento del proyecto, su explosión, los desafíos y el futuro.</p><h2>Los inicios de Kicks and Friends: de un unboxing entre amigos a una comunidad sneaker</h2><p>Antes de consolidarse como uno de los grandes referentes de la cultura sneaker en Argentina y como una voz autorizada dentro de la moda urbana a nivel latinoamericano, Kicks and Friends tuvo, como todo proyecto, un punto de partida. En el caso del proyecto encabezado por Juan Posite y Luciano Corcico, todo comenzó con un video de unboxing y review de las Jordan Retro 3 Katrina.</p><p>“<em>No hubo una previa a ese video. En ese momento andábamos muy atrás de lo que podía llegar, No había información e íbamos muy seguido a los shoppings. Yo veo en un grupo de Facebook que habían salido las Katrina y le aviso a Juan, que estaba en Capital. Cuando lo vi el fin de semana, que nos juntábamos con otros dos amigos, estábamos en lo de Juan y surgió: ‘Che, ¿por qué no hacemos un video, un unboxing de esto?’</em>”, cuenta Lucho.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_406afef661.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite en los inicios de Kicks and Friends (Instagram/Kicks and Friends).</figcaption></figure><p>Después de publicar el video y observar la repercusión que había generado, con páginas que lo compartían y personas vinculadas a distintas marcas que comenzaban a acercarse, Luciano y Juan empezaron a pensar nuevas secciones y contenidos para darle una estructura al canal. Así, lo que había comenzado casi de manera espontánea empezó a tomar forma y sentó las bases de lo que luego se convertiría en Kicks and Friends.</p><h2>El video que cambió el rumbo de Kicks and Friends</h2><p>Más allá del unboxing de las Jordan Retro 3 Katrina, el contenido que realmente marcó un antes y un después en el camino de Kicks and Friends en YouTube fue el video de su visita al Outlet de Quilmes, al que llegaron invitados por Nike para conocer una especie de clearance de la marca.</p><p>“<em>El Outlet de Quilmes. Hicimos un video yendo al Outlet de Quilmes invitados por Nike, que abría una especie de clearance. Vamos a última hora por el laburo de cada uno y cuando llegamos ya no dejaban pasar más gente. Compramos una locura de cosas a muy buenos precios y, en vez de hacer un video del lugar, hicimos un unboxing de todas las cosas que compramos</em>”.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rpg5CrXh4Fg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>El contenido se convirtió en uno de los grandes momentos de la historia del canal. No solo generó una importante repercusión en YouTube e Instagram, sino que también llevó a una gran cantidad de personas a descubrir el proyecto y a interesarse por otros videos de “cazando outlets” que ya formaban parte del canal.</p><p>A ese crecimiento también contribuyeron las colaboraciones con figuras nacionales como Ramita Gram, de Bajoneando por Hay, y PedritoVM, dos encuentros que, en palabras de Luciano, fueron “<em>dos empujones que nos ayudaron muchísimo a posicionarnos relativamente rápido</em>”. En apenas cinco meses, el proyecto había conseguido construir un importante flujo de audiencia en YouTube, lo que abrió las puertas a las primeras conversaciones con marcas y marcó el comienzo de una nueva etapa para Kicks and Friends.</p><h2>La visión detrás del éxito de Kicks and Friends</h2><p>Todo proyecto necesita una dosis de fortuna, aparecer en el momento justo o encontrar un nicho que, con el tiempo, pueda convertirse en algo mucho más grande, y sin lugar a dudas, Kicks and Friends tomó un poco de cada una de esas variables. La cultura sneaker todavía no tenía una presencia consolidada en las plataformas digitales argentinas cuando Juan y Luciano decidieron comenzar a mostrar su pasión por las zapatillas frente a una cámara.</p><p>“<em>Lo que hizo que nos fuera bien es que no había gente que pusiera la cara: había blogs, páginas de noticias y demás, pero nadie haciendo videos. Fue muy loco empezar a verlo después de nosotros. Al día de hoy, marcas y gente que hace contenido nos dicen que abrimos una puerta, que antes era impensado que una marca le pagara a alguien para que hiciera una reseña de su producto”.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cb7a47bae.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico de Kicks and Friends en una entrevista en Vorterix (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Luciano también reconoce que a la audiencia que comenzó a seguirlos le terminó gustando la naturalidad y el carácter orgánico de sus contenidos. A eso se sumó un contexto cultural especialmente favorable: la explosión del trap en Argentina, el crecimiento de la moda urbana y una escena sneaker que empezaba a ganar cada vez más espacio.</p><p>“<em>El timing fue buenísimo, aparecimos en el momento perfecto para hablar de zapas y también supimos, con distintas secciones y demás, capitalizar a la gente que nos empezaba a conocer para marcar el terreno y no ser simplemente personas que sacan prendas de una caja</em>”, menciona también Luciano, una de las caras del proyecto.</p><h2>Marcas, hate y pandemia: los desafíos que Kicks and Friends tuvo que atravesar</h2><p>Todo proyecto tiene una base de desafíos que debe superar, no solo en el momento previo a comenzar su recorrido, sino también a lo largo de su crecimiento e incluso cuando alcanza su punto más alto. Kicks and Friends lo sabe más que nadie.</p><p>Entre los distintos obstáculos que debieron afrontar, Luciano recuerda que uno de los primeros fue conseguir trabajar con las marcas. El proyecto había llegado a un punto en el que Juan y él compraban tantas zapatillas que ya no podían mantener el ritmo por sus propios medios. Sin embargo, una vez que lograron establecer vínculos con las marcas y construir un flujo propio de audiencia, apareció un nuevo desafío: mantener todo lo que habían conseguido.</p><p>La exposición también trajo consigo una parte inevitable del mundo digital: el hate. El propio Luciano lo resume como la necesidad de “<em>bancarse la llegada de gente tirando mierda y acostumbrarse a eso</em>”. A eso se sumaron decisiones personales y profesionales de enorme importancia, como dejar sus trabajos para dedicarse de lleno al proyecto, además de atravesar una pandemia que modificó por completo la vida de millones de personas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2903e182ee.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite, las caras de Kicks and Friends (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Pero los desafíos no desaparecieron con la consolidación del proyecto. Después de atravesar distintas turbulencias y convertirse en una referencia de la cultura sneaker argentina, Kicks and Friends todavía tiene nuevos objetivos por delante: “<em>El desafío del día de hoy está en volver a reforzar esa comunidad que supimos tener y que seguimos teniendo. Seguir siendo alguien para las marcas y para la gente que te ve. No te digo volver a explotar, pero mantenernos es el desafío de hoy en día</em>”.</p><h2>Kicks and Friends y el cambio de una escena que todavía era de nicho</h2><p>El momento de creación de Kicks and Friends coincidió con una etapa en la que la cultura sneakerhead todavía era un universo de nicho en Argentina, con una comunidad más cerrada y alejada del público general. En ese contexto, Juan y Luciano decidieron hablar de zapatillas desde un lugar diferente y buscar que el contenido pudiera llegar incluso a personas que no tenían conocimientos previos sobre el mundo sneaker.</p><p>“<em>Cuando empezamos, creo que rompimos con algo bastante importante: no hablarle al sneakerhead. Cuando arrancamos el canal, la idea era hacer videos que, si mi papá está viendo YouTube a la madrugada, los vea y le interesen</em>”.</p><p>Luciano considera que el proyecto logró cambiar el juego dentro de la escena gracias a una combinación de factores. El timing volvió a ser determinante: Kicks and Friends apareció a la par del crecimiento del trap y en un momento de expansión global de la cultura de las zapatillas. Sin embargo, también hubo una lectura consciente del contexto argentino. El dúo entendió el país desde el que comunicaba, le dedicó tiempo a los productos que podían encontrarse en el mercado local y habló de aquello a lo que la gente realmente podía acceder.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8c29647361.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y su amor por los sneakers (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Ese enfoque terminó generando un antes y un después. Con el paso del tiempo, distintas personas vinculadas al ambiente sneaker comenzaron a reconocer la importancia que tuvo Kicks and Friends en la expansión de la cultura en Argentina y en la apertura de una escena que, hasta entonces, se mantenía mucho más cerrada.</p><h2>El futuro de Kicks and Friends: casi una década de historia y nuevos desafíos</h2><p>Con casi una década de historia en el plano digital, Kicks and Friends continúa funcionando como un punto de encuentro para los fanáticos de las zapatillas y para todas aquellas personas que todavía buscan abrir la puerta a la cultura sneaker. Sin embargo, como ocurre con cualquier proyecto, también existe la posibilidad de que en algún momento llegue a su fin —aunque ojalá todavía falte mucho para ese día—.</p><p>Luciano mira ese futuro con la tranquilidad de quien ya siente que cumplió una parte importante de sus objetivos. Después de ocho años viviendo de una actividad que disfruta y que le permitió convertir su pasión en un trabajo, considera que el balance, independientemente de lo que pueda ocurrir más adelante, es positivo.</p><p>“<em>Si mañana me toca dejar de hacer esto o dejarlo como trabajo, obviamente lo lamentaría, pero al mismo tiempo no me puedo quejar. Son ocho años de vivir haciendo algo que disfruto, que me gusta. Si bien hay días de grabar, de ir a eventos y de pasar videos al editor, no me puedo quejar</em>”, expresa en retrospectiva del camino de Kicks and Friends.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14381f965e.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico con las Suede XL de PUMA (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><h2>El ping pong de Luciano Corcico: zapatillas, moda y referentes</h2><p>Más allá de su perfil delante de las cámaras como protagonista de Kicks and Friends, Lucho también cuenta con un lado más personal dentro de la cultura sneaker y la moda urbana: desde su marca y silueta favorita hasta el par más importante de su colección y las figuras que considera referentes de estilo.</p><ul><li>¿Marca favorita de sneakers? Jordan.</li></ul><ul><li>¿Silueta favorita? Jordan 11.</li></ul><ul><li>¿El mejor par de tu colección? Jordan 11 Concord.</li></ul><ul><li>¿Zapatilla favorita? LeBron 5 White Crimson Gold.</li></ul><ul><li>¿Un par que todavía te falta conseguir? Yeezy 350 V2 Zebra.</li></ul><ul><li>¿Marca infravalorada de ropa de Argentina? Cross y Offcourt.</li></ul><ul><li>¿Un artista que siempre viste bien? Duki y Lucho SSJ, y de afuera Oliver Sykes.</li></ul><ul><li>¿Un futbolista que se vista bien? Rodrigo De Paul y Jules Koundé.</li></ul>

Luciano_Corcico_como_cara_de_Kicks_and_Friends_ff4ab4bbfe.avif

“Nosotros abrimos una puerta para que la gente quiera saber un poco más de zapas"

<p>La música latinoamericana volvió a conquistar la ciudad de Nueva York durante una nueva edición del Latin Alternative Music Conference (LAMC), uno de los encuentros más importantes de la escena independiente y alternativa en español.</p><p>En esta oportunidad, Trueno y Milo J fueron los encargados del show de clausura, donde llevaron el sonido urbano argentino al SummerStage de Central Park.</p><h2>Trueno y Milo J, la huella urbana argentina en el LAMC</h2><p>La música latinoamericana conquistó la ciudad de Nueva York en el marco de una nueva edición del Latin Alternative Music Conference (LAMC), uno de los encuentros más importantes de la música latina independiente y alternativa en español. Celebrado cada año en la ciudad estadounidense desde hace más de 25 años, el evento reúne a artistas, sellos discográficos y distintos profesionales de la industria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ae9a63028b.png" alt=""><figcaption>Milo J arriba del SummerStage de Central Park (Billboard).</figcaption></figure><p>En esta edición, Trueno y Milo J, dos de los grandes referentes del movimiento urbano argentino y latinoamericano, fueron los encargados del show de clausura en el SummerStage de Central Park, uno de los escenarios más emblemáticos de Nueva York, donde ambos artistas combinaron la energía del hip-hop con distintas raíces y sonidos tradicionales de Sudamérica.</p><p>Milo J, vestido con pantalones marrones y un chaleco colorido de inspiración folclórica, presentó canciones de “<em>La Vida Era Más Corta</em>”, entre ellas “<em>Recordé</em>” y “<em>Solifican12</em>”, acompañado por una banda con flauta, charango y percusión. Una presentación atravesada sonidos vinculados a la chacarera, el chamamé, la samba y la murga, en una propuesta que puso sus raíces en el centro de uno de los escenarios más importantes de la ciudad.</p><p>Por su parte, Trueno ingresó al escenario ondeando una bandera argentina y llevó al SummerStage algunas de las canciones de “<em>TURR4ZO</em>”, su más reciente álbum. El rapero oriundo de La Boca volvió a mostrar su conexión con el hip-hop y, además, compartió escenario con Milo J para interpretar “<em>Pumas</em>”, una colaboración entre ambos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DbivcRftC-f/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DbivcRftC-f/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La participación de los dos artistas argentinos en el cierre del Latin Alternative Music Conference volvió a demostrar la dimensión internacional que alcanzaron sus carreras y la fuerza con la que la música urbana argentina continúa expandiéndose dentro de la industria latinoamericana y global.</p><h2>Big Soto, Luck Ra y más: la representación latinoamericana del LAMC</h2><p>Más allá del protagonismo de Trueno y Milo J, la música latinoamericana tuvo una presencia amplia durante la jornada, con artistas de distintas generaciones, estilos y países que formaron parte de la programación del evento.</p><ul><li>J Noa</li></ul><ul><li>Julieta Venegas</li></ul><ul><li>Big Soto</li></ul><ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Guaynaa</li></ul><ul><li>Micro TDH</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a249b343a7.png" alt=""><figcaption>La huella del venezolano Micro TDH en el Latin Alternative Music Conference en Nueva York (Latin Alternative Music Conference).</figcaption></figure><p>De esta manera, el Latin Alternative Music Conference volvió a funcionar como un punto de encuentro para la escena musical latinoamericana, conectando artistas, sonidos y propuestas provenientes de distintos rincones de la región con una de las ciudades más importantes de la industria musical mundial.</p>

Trueno_como_protagonista_del_Latin_Alternative_Music_Conference_en_Nueva_York_1_29190157d8.avif

Trueno y Milo J conquistaron Nueva York con el cierre del LAMC

<p>La cuenta regresiva para la Freestyle World Cup ya comenzó y distintas federaciones empezaron a revelar las prelistas de freestylers que buscarán representar a sus países.</p><h2>Las selecciones que ya presentaron sus prelistas para la Freestyle World Cup</h2><p>A falta de varios meses para el inicio del torneo, distintas federaciones ya comenzaron a confirmar quiénes serán los freestylers que integrarán sus prelistas y que posteriormente buscarán quedarse con un lugar en la delegación definitiva que representará a su país en la Freestyle World Cup organizada por Urban Roosters.</p><h3>Uruguay</h3><p>Aunque no suele contar con la misma presencia internacional que otras potencias del freestyle hispano, Uruguay buscará dejar su huella en la primera edición de la Freestyle World Cup con una delegación que combina experiencia y nuevos talentos.</p><ul><li>Capitán: Naisen.</li></ul><ul><li>Prelista: Franco, Hammer, Harry, Quilate, Ober, Rasta, Sox y Espectro.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1816c810b3.png" alt=""><figcaption>KG batallando ante Aczino (Instagram/KG).</figcaption></figure><h3>Costa Rica</h3><p>La selección costarricense será una de las representantes de Centroamérica y buscará dar la sorpresa en una competencia donde intentará medirse frente a algunas de las grandes potencias del circuito.</p><ul><li>Capitán: SNK.</li></ul><ul><li>Prelista: Black Hawk, Eros, Esteban, Gabo, Kenshari, Los, P8 y RBS.</li></ul><h3>Paraguay</h3><p>Sin la tradición internacional de países como Argentina, Chile o México, Paraguay intentará escribir uno de los capítulos más importantes de su historia dentro del freestyle competitivo.</p><ul><li>Capitán: Darch.</li></ul><ul><li>Prelista: Argón, Cheki, Draster, Febo, Fran, Limbo, Mister H y Zen.</li></ul><h3>Perú</h3><p>Considerada una de las grandes potencias del freestyle latinoamericano, Perú volverá a presentarse con una nómina repleta de nombres que dejaron su huella en Red Bull Batalla, FMS y las principales competencias del continente.</p><ul><li>Capitán: Caje.</li></ul><ul><li>Prelista: Almendrades, Sheis, Nessia, Necros, Skill, Stick, Benty y Vijay.</li></ul><h3>Ecuador</h3><p>Con una escena que continúa creciendo año tras año, Ecuador intentará consolidarse en el plano internacional con una delegación que mezcla referentes y nuevos talentos.</p><ul><li>Capitán: Switch.</li></ul><ul><li>Prelista: Abel, Alfredoski, Big Mind, Smoke, Darío, Frank, Mac, Tempo y Punch.</li></ul><h3>Nicaragua</h3><p>Otra de las selecciones centroamericanas que buscará aprovechar el escenario mundialista para ganar experiencia y medirse con los mejores MCs del circuito internacional.</p><ul><li>Capitán: Pseudo.</li></ul><ul><li>Prelista: Blaze, Faden, Shops, Kodab, MBC, Retro, Sketch y Yaya.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ6Se-zAF9_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ6Se-zAF9_/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>El Salvador</h3><p>El combinado salvadoreño volverá a representar a Centroamérica con una nómina que buscará competir de igual a igual frente a las selecciones más fuertes del torneo.</p><ul><li>Capitán: Saki.</li></ul><ul><li>Prelista: Harper, Jafet, Odil, QCA, RDN, Reos, TKO y Verso.</li></ul><h3>Panamá</h3><p>Panamá también confirmó a sus primeros convocados y buscará ser una de las revelaciones de la competencia mundial organizada por Urban Roosters.</p><ul><li>Capitán: Índico.</li></ul><ul><li>Prelista: Alair, Gabriel, Nost, Nouquier, UFO, Woody, Sunderk y Zun.</li></ul><h3>Guatemala</h3><p>Con Tesla como uno de los nombres más reconocidos de la lista, Guatemala intentará hacerse un lugar entre las selecciones protagonistas de la competencia.</p><ul><li>Capitán: Geto.</li></ul><ul><li>Prelista: Mr. Diablo, DB8, Aliric, Shin Blake, Juana, MXREA y Tesla.</li></ul><h3>Bolivia</h3><p>La selección boliviana también dirá presente en la Freestyle World Cup con un equipo que buscará consolidar el crecimiento que ha tenido el país en los últimos años dentro del circuito competitivo.</p><ul><li>Capitán: Armamente.</li></ul><ul><li>Prelista: Ambrose, Van, Checho, Crispa, Kike, LMC, Ray Heidel y Gerald.</li></ul><h3>Guinea Ecuatorial</h3><p>Una de las grandes novedades del torneo será la presencia de Guinea Ecuatorial, selección que intentará representar al freestyle africano en una competencia históricamente dominada por países hispanohablantes.</p><ul><li>Capitán: El Mariano.</li></ul><ul><li>Prelista: Aníbal, Anibalisky, Baltiboss, Black King, Golden Boy, Sherman Flipas, Shony Cris, Richie Junior y Sustancia.</li></ul><h3>Puerto Rico</h3><p>Con Yartzi como una de las principales figuras de su escena, Puerto Rico buscará trasladar al Mundial el crecimiento que mostró en las competencias internacionales durante los últimos años.</p><ul><li>Capitán: KNNON.</li></ul><ul><li>Prelista: Abilé, Broly, Shan, Aleno, Cain, Luisa Aleno, RS, Chela y Yartzi.</li></ul><h3>Honduras</h3><p>Otra de las selecciones centroamericanas que intentará dar el golpe frente a los grandes candidatos al título.</p><ul><li>Capitán: Androide.</li></ul><ul><li>Prelista: Berserker, Chop, Ítalo, MC Cris, Mou, Norris, Pain y Witty MA.</li></ul><h3>Cuba</h3><p>Con Reverse como uno de los grandes referentes históricos del freestyle caribeño, Cuba buscará hacerse un lugar entre las selecciones protagonistas del campeonato.</p><ul><li>Capitán: Reverse.</li></ul><ul><li>Prelista: Arcane, Big M, Black P, Falcon, Cuban, Drill Boy, Gonki, Mesa y Pirri.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9ef1a51e4d.png" alt=""><figcaption>Reserve improvisando en los escenarios de Red Bull Batalla (Red Bull Batalla).</figcaption></figure><h3>República Dominicana</h3><p>Impulsada por una escena que creció de manera constante en los últimos años, República Dominicana contará con nombres históricos como Exo Lirical y Jenky One para afrontar el Mundial.</p><ul><li>Capitán: Exo Lirical.</li></ul><ul><li>Prelista: Felpa Divo, Sheiko el León, KDT, Limback, Numenosis, R16, Rapper y Jenky One.</li></ul><h3>Chile</h3><p>Junto con Perú, Chile aparece como una de las grandes potencias de la Freestyle World Cup gracias a una prelista integrada por varios de los MCs más destacados de la historia del freestyle hispano.</p><ul><li>Capitán: Kaiser.</li></ul><ul><li>Prelista: AD Song, Chystemc, El Menor, Soccer, Metalingüística, Nitro, Ricto y Teorema.</li></ul><h2>¿Qué selecciones todavía no anunciaron a sus representantes para la Freestyle World Cup?</h2><p>Si bien gran parte de las delegaciones ya comenzó a revelar los nombres que integrarán sus prelistas para la Freestyle World Cup, todavía hay varias selecciones que mantienen el misterio de cara al Mundial organizado por Urban Roosters. En los próximos meses, estos países también deberán dar a conocer a los MCs que competirán por un lugar en la nómina definitiva.</p><p>Las selecciones que aún no presentaron su prelista son:</p><ul><li>Argentina</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>España</li></ul><ul><li>Estados Unidos</li></ul><ul><li>Europa</li></ul><ul><li>México</li></ul><ul><li>Venezuela</li></ul><ul><li>Una plaza que todavía no fue confirmada por Urban Roosters.</li></ul><p>De esta manera, solo resta esperar los anuncios oficiales para conocer a los últimos freestylers que formarán parte de la primera edición de la Freestyle World Cup, un torneo que reunirá a 24 selecciones y trasladará el formato mundialista al universo de la improvisación.</p>

Kaiser_capitan_de_Chile_en_la_Freestyle_World_Cup_f7a452998e.avif

¿Quiénes podrían representar a cada selección en la Freestyle World Cup?

<p>Cada edición de la Copa del Mundo deja historias que trascienden el resultado. Y en esta oportunidad, el recorrido de Lionel Messi vuelve a poner sobre la mesa una enseñanza que también aparece en el arte, la música y la cultura urbana: los grandes sueños no siempre llegan rápido, pero la perseverancia puede convertir cualquier camino en una historia inolvidable.</p><h2>Las grandes obras no se terminan en el primer intento</h2><p>Durante años, el deporte pareció acostumbrarnos a que las grandes historias debían escribirse rápido. La irrupción de jóvenes como Lamine Yamal, Jude Bellingham o Pau Cubarsí, capaces de disputar instancias decisivas de un Mundial con apenas un puñado de años como profesionales, parece reforzar la idea de que el éxito tiene que llegar cuanto antes. Sin embargo, existen caminos que demuestran exactamente lo contrario. Y pocos representan mejor esa realidad que Lionel Messi.</p><p>El rosarino necesitó atravesar dos décadas vistiendo la camiseta de la Selección argentina para volver a encontrarse a un paso de la gloria mundialista. En Alemania 2006 apenas tuvo minutos y observó gran parte del torneo desde el banco de suplentes. Cuatro años más tarde, en Sudáfrica, cargó con la responsabilidad de liderar un equipo que quedó eliminado con una dura goleada. En Brasil 2014 estuvo a centímetros de tocar la Copa del Mundo, pero una derrota en la final volvió a dejar la imagen de un sueño inconcluso. Rusia 2018 tampoco fue el desenlace esperado y las críticas volvieron a caer sobre sus hombros. Muchos dudaron, otros aseguraban que jamás podría coronarse con la camiseta argentina.</p><p>Pero Messi hizo algo que muchas veces resulta más difícil que ganar: siguió. Volvió a entrenar, volvió a competir, volvió a soportar la presión y volvió a creer. Esa perseverancia lo llevó a levantar la Copa del Mundo en Qatar y hoy le permite afrontar una nueva final, demostrando que el talento necesita tiempo, constancia y resiliencia para alcanzar su máxima expresión.</p><p>Y quizás esa sea la enseñanza más poderosa de toda su historia. Porque el recorrido de Messi no habla únicamente de fútbol. Habla de cualquier persona que alguna vez persiguió un objetivo importante.</p><p>Un muralista no pinta una obra que emocione a toda una ciudad el primer día que toma un aerosol. Antes hubo bocetos, paredes descartadas, errores y horas de práctica. Un freestyler no gana una Red Bull Internacional en su primera regional; antes perdió batallas, improvisó frente a pocas personas y aprendió de cada derrota. Un rider de BMX no aterriza su truco más difícil en el primer intento. Un productor musical no crea un éxito apenas abre un proyecto en el estudio. Un tatuador tampoco realiza una pieza hiperrealista la primera vez que sostiene una máquina.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXkvqgYADkz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXkvqgYADkz/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En todas esas disciplinas existe un punto en común: detrás de cada gran logro hay una enorme cantidad de intentos que casi nadie ve. Existe frustración, existe incertidumbre y también aparecen momentos donde abandonar parece una opción mucho más sencilla que continuar. Sin embargo, quienes finalmente dejan una huella suelen ser aquellos que encuentran la fuerza para levantarse una vez más.</p><p>Vivimos en una época donde las redes sociales muestran únicamente el resultado final. El mural terminado, la canción viral, el campeonato, el nocaut, la medalla o la fotografía perfecta. Muy pocas veces se muestran los años de trabajo silencioso que hicieron posible ese momento. Quizás por eso historias como la de Lionel Messi generan tanta identificación: porque recuerdan que el verdadero éxito rara vez es inmediato.</p><p>EMás allá de lo que ocurra en la final del Mundial, el legado del capitán argentino ya trasciende cualquier resultado. Su recorrido demuestra que el tiempo nunca debería convertirse en una medida para juzgar un sueño. Algunas metas llegan antes y otras necesitan muchos más intentos. Lo verdaderamente importante es seguir avanzando cuando el camino parece cuesta arriba.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_aead18ea78.png" alt=""><figcaption>La felicidad de Lionel Messi tras una nueva clasificación a la final de la Copa del Mundo (AFA).</figcaption></figure><p>Porque al final, tanto en el deporte como en el arte urbano, el freestyle, la música o cualquier otra pasión, las grandes historias no pertenecen únicamente a quienes llegan primero. También son de quienes nunca dejaron de intentarlo. Y quizás ahí esté el verdadero impulso que mueve a todas las personas que buscan dejar su huella en el mundo.</p>

El_festejo_de_rodillas_de_Lionel_Messi_tras_eliminar_a_Inglaterra_del_Mundial_88274d1215.avif

El arte de insistir: la mayor enseñanza que deja Lionel Messi

<p>Con casi dos décadas dedicadas al arte urbano, Adry del Rocío logró construir una identidad propia a través de murales hiperrealistas y composiciones en 3D que trascendieron las fronteras de México y la consolidaron en un emblema nacional.</p><h2>Murales monumentales, ilusiones ópticas y una gloriosa trayectoria: el universo artístico de Adry del Rocio</h2><p>En el movimiento artístico mexicano existe un sinfín de propuestas que llenan de color, identidad y creatividad los espacios públicos a lo largo y ancho del país. Desde artistas que encuentran en el deporte su principal fuente de inspiración hasta aquellos que convierten las luchas sociales y los derechos humanos en el eje de sus obras, el arte urbano de México se ha consolidado como uno de los más diversos y vibrantes de la región.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f8493557e.png" alt=""><figcaption>Adry del Rocío participando en una de sus intervenciones artísticas (Adry del Rocío).</figcaption></figure><p>Y en ese universo de estilos y expresiones aparece una propuesta capaz de desafiar la percepción del espectador. Se trata de <a href="https://www.instagram.com/adrydelrocio/?hl=es"><u>Adry del Rocío</u></a>, una artista mexicana que, gracias a su dominio del arte urbano hiperrealista y las intervenciones en 3D, logró posicionarse como una de las principales referentes del muralismo contemporáneo tanto a nivel nacional como internacional.</p><p>Con una trayectoria respaldada por premios locales, nacionales e internacionales, exposiciones en ciudades de México, Estados Unidos, Cuba y España, además de colaboraciones con marcas como Disney, Adidas y Nike, la artista ha dejado su huella en distintos rincones del mundo. Sus obras pueden encontrarse en países como Estados Unidos, Emiratos Árabes Unidos, Brasil, Alemania, Dinamarca e Israel, consolidando una carrera que la convirtió en una de las máximas exponentes mexicanas del arte 3D.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5cfbf29f6a.png" alt=""><figcaption>La obra “Sembrando paz” de Adry del Rocío (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>Su sello distintivo son los murales hiperrealistas realizados bajo una técnica que genera monumentales ilusiones ópticas en dos y tres dimensiones, creando composiciones que interactúan con el entorno y cobran vida desde determinados ángulos de observación.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://app.asana.com/1/1207780990286869/project/1207781072078469/calendar/1207781407573130"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Nacida en Guadalajara, Jalisco, Adry del Rocío comenzó su formación artística desde muy pequeña. A los diez años inició sus estudios formales de arte y, seis años más tarde, obtuvo su diplomado en Artes Plásticas. Y el año 2008 dio sus primeros pasos en el mundo del arte urbano, disciplina en la que lleva casi dos décadas de trayectoria y que la ha llevado a intervenir espacios públicos y privados en distintos países, convirtiéndose en una de las figuras más destacadas de la escena mexicana.</p><h2>El arte de Adry del Rocío y una trayectoria que recorrió distintos países</h2><p>Hablar de la trayectoria de Adry del Rocío implica recorrer decenas de proyectos, murales y colaboraciones alrededor del mundo. Con casi dos décadas de carrera y una producción artística que atraviesa distintos países y culturas, resulta difícil elegir una obra que represente su legado. Sin embargo, una de las piezas que más repercusión ha generado en los últimos años es “Vuelo Sororo”, un mural ubicado en las calles de la Ciudad de México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_131d13536a.png" alt=""><figcaption>“Vuelo Sororo”, uno de los tantos murales de Adry del Rocío en la Ciudad de México (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>La intervención destaca por su monumentalidad y por el sello artístico que caracteriza a la muralista mexicana. La obra presenta dos figuras femeninas rodeadas por una vibrante paleta de tonos violetas, rosas y naranjas, acompañadas por mariposas y una serie de manos que aportan profundidad y dinamismo a la composición. El resultado es una pieza que dialoga con el espacio urbano y que refleja la capacidad de Adry del Rocío para combinar el hiperrealismo con elementos simbólicos y juegos de perspectiva.</p><p>Aunque “Vuelo Sororo” se convirtió en una de las obras más reconocidas de su repertorio reciente, lo cierto es que representa apenas una parte de una carrera artística construida a través de intervenciones en distintos rincones del mundo. A lo largo de los años, la muralista ha dejado su huella en países como:</p><ul><li>México.</li></ul><ul><li>Estados Unidos.</li></ul><ul><li>Canadá.</li></ul><ul><li>Colombia.</li></ul><ul><li>Brasil.</li></ul><ul><li>Alemania.</li></ul><ul><li>Italia.</li></ul><ul><li>Suecia.</li></ul><ul><li>Emiratos Árabes Unidos.</li></ul><ul><li>Inglaterra.</li></ul><ul><li>Letonia.</li></ul><p>Una trayectoria internacional que, sumada a sus exposiciones, reconocimientos y colaboraciones con importantes marcas, la posiciona como una de las grandes referentes del arte urbano mexicano contemporáneo y una artista con un currículum a la altura de las figuras más destacadas de la escena latinoamericana.</p>

El_arte_tridimensional_de_Adry_del_Rocio_1_5f604f1c06.avif

Adry del Rocío, la artista que llevó el muralismo 3D a las calles del mundo

<p>A la hora de observar los tatuajes de un futbolista, gran parte de la atención suele centrarse en el diseño que luce sobre su piel. Sin embargo, pocas veces la mirada se posa sobre el artista responsable de convertir esa idea en una obra permanente.</p><p>Y durante la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el defensor mexicano Jorge Sánchez volvió a llamar la atención por sus tatuajes. Detrás de buena parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, uno de los referentes del tatuaje realista en México.</p><h2>Edd Flores, el artista detrás de la piel de Jorge Sánchez</h2><p>Desde hace tiempo que el futbolista dejó de ser un referente únicamente dentro del terreno de juego para convertirse también en un ícono estético puertas para afuera de los estadios.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_409b766e15.png" alt=""><figcaption>Edd Flores tatuando la piel del futbolista mexicano Jorge Sánchez (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure><p>A los looks protagonizados por marcas de lujo, diseñadores y firmas de streetwear se sumó otra expresión artística que ganó cada vez más protagonismo: el tatuaje. Una práctica que décadas atrás era prácticamente impensada dentro del fútbol profesional y que hoy forma parte de la identidad de buena parte de las grandes figuras del deporte.</p><p>Y en el marco de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el arte del tatuaje volvió a ocupar un lugar destacado. Desde promesas de inmortalizar el título con una nueva pieza hasta retratos futuristas y diseños inspirados en el torneo, varios futbolistas llamaron la atención por las obras que lucieron sobre su piel. Entre ellos apareció el defensor mexicano Jorge Sánchez, uno de los jugadores que más comentarios generó por sus tatuajes durante la competencia.</p><p>Detrás de gran parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, tatuador mexicano oriundo de Aguascalientes y artista principal de Flowers Tattoo Studio, ubicado en Plaza Arcos Campestre. Reconocido por sus trabajos de gran nivel técnico, el artista construyó una identidad basada en el realismo, los retratos y composiciones de alto nivel de detalle, convirtiéndose en uno de los nombres más destacados de la escena del tatuaje en México.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DUbnCICD-af/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DUbnCICD-af/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Entre las piezas que Edd Flores realizó para Jorge Sánchez se destacan distintos tatuajes de estilo hiperrealista, donde el defensor mexicano decidió inmortalizar a sus hijos y a su esposa mediante retratos de gran nivel.</p><p>Pero más allá de haber encontrado en Jorge Sánchez uno de sus clientes más reconocidos, el vínculo con el futbolista mexicano representa apenas una parte de una trayectoria que lo llevó a consolidarse como uno de los artistas más reconocidos de Aguascalientes y del panorama del tatuaje realista en el país.</p><h2>El estilo de Edd Flores: retratos hiperrealistas y una identidad marcada por el detalle</h2><p>Más allá de su trabajo junto a Jorge Sánchez, Edd Flores construyó una identidad artística que lo posicionó como uno de los referentes del tatuaje realista en México. Su portfolio reúne piezas de gran formato donde el nivel de detalle se convierte en el principal protagonista, con composiciones que buscan trasladar fotografías, emociones y escenas completas a la piel de cada cliente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DMiivRUx6Mn/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DMiivRUx6Mn/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Dentro de sus diseños aparecen retratos de familiares, figuras religiosas como Jesucristo y distintas advocaciones de la Virgen, animales como leones y rinocerontes, además de personajes de la cultura pop como Spider-Man y Buzz Lightyear. A ese abanico de temáticas se suman composiciones con elementos naturales, símbolos y piezas personalizadas, todas atravesadas por un marcado trabajo de luces, sombras y texturas que potencian el efecto tridimensional de cada tatuaje.</p><p>Si bien el blanco y negro ocupa un lugar central en buena parte de sus obras, el artista también incorpora color en distintas piezas para reforzar el impacto visual de los diseños. El resultado es una galería donde el hiperrealismo convive con composiciones de gran complejidad técnica, una combinación que terminó convirtiendo a Edd Flores en uno de los tatuadores más destacados de Aguascalientes y en una referencia para quienes buscan obras de alto nivel artístico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7dd9bbe0fe.png" alt=""><figcaption>Diseño de Edd Flores (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure><p>El trabajo de Edd Flores demuestra cómo el tatuaje también encontró un espacio dentro del fútbol moderno. En una Copa del Mundo donde la moda, las colaboraciones y la estética ocuparon un rol protagónico, artistas como el mexicano dejaron en claro que detrás de cada pieza también existe una historia, una identidad y un autor que muchas veces permanece fuera del foco, pero cuya huella termina acompañando a algunas de las grandes figuras del deporte.</p>

Edd_Flores_el_tatuador_mexicano_detras_de_los_disenos_de_Jore_Sanchez_1_e2c361c876.avif

Conocé a Edd Flores, el tatuador detrás de los impactantes diseños de Jorge Sánchez

<p>Tras superar a Suiza en los cuartos de final, la Selección argentina de Lionel Messi y compañía se medirá ante la Inglaterra de Jude Bellingham y Harry Kane por un lugar en la final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, y la ciudad de Buenos Aires desplegará distintas propuestas para seguir el encuentro.</p><p>Desde fan zones con pantallas gigantes hasta fiestas temáticas y espacios con un inmenso abanico de actividades y propuestas para todo tipo de público, la capital argentina se prepara para vivir otra noche mundialista junto a la Scaloneta.</p><h2>La Plaza Seeber se tiñe de celeste y blanco para el choque ante Inglaterra</h2><p>Plaza Seeber volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro para los hinchas argentinos durante los octavos de final del Mundial. El Buenos Aires Fan Fest, que desde el 11 de junio y hasta el 19 de julio reúne a miles de personas en Palermo, volverá a abrir sus puertas para seguir en pantalla gigante el cruce entre la Scaloneta y Inglaterra por un lugar en la definición de la Copa del Mundo en Nueva York.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e12e47add.png" alt=""><figcaption>La población argentina alentando a la Scaloneta en la Plaza Seeber de Palermo (Gobierno de Buenos Aires).</figcaption></figure><p>Como ya es habitual, el espacio ofrecerá pantalla gigante, patio gastronómico con food trucks, sectores para descansar, música en vivo de la mano de Narela, artistas itinerantes, freestylers, bombos, actividades para niños y múltiples experiencias interactivas que convertirán nuevamente a Palermo en uno de los principales epicentros del Mundial dentro de Buenos Aires.</p><h2>Nueva Pompeya vive el Mundial de La Scaloneta en Arena Sur Fan Fest</h2><p>Ubicado sobre la calle Avenida Sáenz 459, Arena Sur Fan Fest se convirtió en el epicentro de cientos de hinchas argentinos en el barrio de Nueva Pompeya a lo largo del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, y por supuesto que también lo será en el enfrentamiento de las semifinales ante Inglaterra por un lugar en la final del torneo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ8NG70E6Yz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ8NG70E6Yz/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una pantalla gigante para seguir el encuentro, sonido envolvente, gastronomía y un ambiente lleno de pasión futbolera, el espacio se prepara para acoger la visita de aficionados argentinos en el marco del choque ante Inglaterra. Con capacidad limitada y sujeto a orden de llegada, las puertas de Arena Sur Fan Fest abrirán una hora antes del pitazo del encuentro (15:00 horas): apurate y adueñate de un lugar para vivir un nuevo cruce de eliminación de La Scaloneta en la Copa del Mundo.</p><h2>Ronda convierte el Dot Baires Shopping en una tribuna mundialista</h2><p>Otra de las propuestas para seguir el partido llegará desde <a href="https://www.instagram.com/ronda.ba/?hl=es"><u>Ronda</u></a>, el espacio gastronómico y de entretenimiento ubicado dentro del Dot Baires Shopping, que organizará una watch party especial para acompañar a la Selección argentina durante el choque frente a Inglaterra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ca6072ddc3.png" alt=""><figcaption>Ronda celebrando los goles de Argentina en la Copa del Mundo (Ronda).</figcaption></figure><p>Con entrada libre y gratuita, la actividad comenzará al mediodía con una previa especialmente preparada para los fanáticos. La jornada incluirá metegoles, DJ en vivo, happy hour de Fernet Branca, la denominada &quot;Picada Scaloneta&quot;, premios, sorpresas y distintas propuestas recreativas antes de la transmisión del encuentro en pantalla gigante.</p><h2>Avellaneda también se suma a la fiesta mundialista para seguir a la Selección argentina</h2><p>La fiebre por la Selección argentina también llegará al sur del conurbano bonaerense. Desde las 14:00 horas, el Parque La Estación (Güemes 700, Avellaneda) abrirá sus puertas para recibir a cientos de hinchas que buscarán alentar a la Scaloneta en el duelo frente a Inglaterra por un lugar en la final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Das3fOORGiC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Das3fOORGiC/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con entrada libre y gratuita, el espacio contará con una pantalla gigante para seguir el encuentro, además de una programación especial que incluirá música en vivo, food trucks, maquillajes temáticos, sorteos, juegos y un sector destinado al intercambio de figuritas, convirtiéndose en una de las grandes propuestas para vivir otra tarde mundialista en comunidad.</p><h2>Los bares deportivos se alistan para alentar a la Scaloneta</h2><p>Más allá de los fan fest y las plazas que recibirán a miles de hinchas, la ciudad de Buenos Aires también ofrece una amplia variedad de bares deportivos para seguir el encuentro entre Argentina e Inglaterra. Con pantallas gigantes, ambientación futbolera y un clima pensado para vivir cada partido en comunidad, estos espacios volverán a convertirse en los puntos más concurridos durante la Copa del Mundo.</p><ul><li><a href="https://www.instagram.com/locosxelfutbolbar/?hl=es"><u>Locos x el Fútbol</u></a> (Recoleta): convertido desde hace años en uno de los bares deportivos más populares de Buenos Aires, volverá a abrir sus puertas para recibir a los fanáticos de la Scaloneta en un ambiente completamente dedicado al fútbol.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/irishpub_sullivans/?utm_source=ig_embed&amp;ig_rid=A91RcpaI8_a6SqFLu0lLvsn"><u>Sullivan&#x27;s Irish Pub</u></a> (Palermo): el tradicional pub irlandés contará con múltiples pantallas para seguir el encuentro y volverá a reunir a hinchas argentinos y fanáticos de distintas nacionalidades en una nueva jornada mundialista.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/triumph.sportsbar/?hl=es"><u>Triumph Sport Bar</u></a> (Monserrat): otra de las alternativas elegidas por los amantes del deporte. El bar se prepara para vivir el cruce entre Argentina y Inglaterra con transmisión en vivo y el clima ideal para acompañar a la Selección en busca de la clasificación a la definición de la competencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4b06ccd5ed.png" alt=""><figcaption>Triumph Sport Bar mirando el duelo de la Selección argentina ante Argelia (Instagram/Triumph Sport Bar).</figcaption></figure>

Donde_ver_el_partido_de_la_Seleccion_argentina_ante_Inglaterra_en_la_ciudad_de_Buenos_Aires_1_cb2a0d5adf.avif

Los spots para ver el partido de la Selección argentina ante Inglaterra en Buenos Aires

<p>Luego de vencer a Jordania y quedar como líder invicto de su grupo con nueve puntos, la Selección argentina de Lionel Messi y compañía se verá las caras ante Cabo Verde por un lugar en los octavos de final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, y la ciudad de Buenos Aires desplegará distintas propuestas para seguir el encuentro.</p><p>Desde fan zones con pantallas gigantes hasta fiestas temáticas y espacios con un inmenso abanico de actividades y propuestas para todo tipo de público, la capital argentina se prepara para vivir otra noche mundialista junto a la Scaloneta.</p><h2>La Plaza Seeber se tiñe de celeste y blanco para el choque ante Cabo Verde</h2><p>Plaza Seeber volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro para los hinchas argentinos durante los dieciseisavos de final del Mundial. El Buenos Aires Fan Fest, que desde el 11 de junio y hasta el 19 de julio reúne a miles de personas en Palermo, volverá a abrir sus puertas para seguir en pantalla gigante el cruce entre la Scaloneta y Cabo Verde por un lugar entre los dieciséis mejores de la Copa del Mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e12e47add.png" alt=""><figcaption>La población argentina alentando a la Scaloneta en la Plaza Seeber de Palermo (Gobierno de Buenos Aires).</figcaption></figure><p>La jornada comenzará desde el mediodía con una programación especial que incluirá también la transmisión del encuentro entre Australia y Egipto, además de distintas propuestas para vivir una auténtica fiesta mundialista antes del partido de Lionel Messi y compañía.</p><p>Como ya es habitual, el espacio ofrecerá pantalla gigante, patio gastronómico con food trucks, sectores para descansar, música en vivo —con la participación de Connie Isla—, un DJ set de Narela, artistas itinerantes, freestylers, bombos, actividades para niños y múltiples experiencias interactivas que convertirán nuevamente a Palermo en uno de los principales epicentros del Mundial dentro de Buenos Aires.</p><h2>Ronda convierte el Dot Baires Shopping en una tribuna mundialista</h2><p>Otra de las propuestas para seguir el partido llegará desde Ronda, el espacio gastronómico y de entretenimiento ubicado dentro del Dot Baires Shopping, que organizará una watch party especial para acompañar a la Selección argentina durante el choque frente a Cabo Verde.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaLbLRjldxs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaLbLRjldxs/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con entrada libre y gratuita, la actividad comenzará a las 18 horas con una previa especialmente preparada para los fanáticos. La jornada incluirá metegoles, DJ en vivo, happy hour de Fernet Branca, la denominada &quot;Picada Scaloneta&quot;, premios, sorpresas y distintas propuestas recreativas antes de la transmisión del encuentro en pantalla gigante.</p><h2>Avellaneda también se suma a la fiesta mundialista para seguir a la Selección argentina</h2><p>La fiebre por la Selección argentina también llegará al sur del conurbano bonaerense. Desde las 16 horas, el Parque La Estación (Güemes 700, Avellaneda) abrirá sus puertas para recibir a cientos de hinchas que buscarán alentar a la Scaloneta en el duelo frente a Cabo Verde por un lugar en los octavos de final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaL7eA5BZU5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaL7eA5BZU5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con entrada libre y gratuita, el espacio contará con una pantalla gigante para seguir el encuentro, además de una programación especial que incluirá música en vivo, food trucks, maquillajes temáticos, sorteos, juegos y un sector destinado al intercambio de figuritas, convirtiéndose en una de las grandes propuestas para vivir otra tarde mundialista en comunidad.</p><h2>Los bares deportivos se alistan para alentar a la Scaloneta</h2><p>Más allá de los fan fest y las plazas que recibirán a miles de hinchas, la ciudad de Buenos Aires también ofrece una amplia variedad de bares deportivos para seguir el encuentro entre Argentina y Cabo Verde. Con pantallas gigantes, ambientación futbolera y un clima pensado para vivir cada partido en comunidad, estos espacios volverán a convertirse en los puntos más concurridos durante la Copa del Mundo.</p><ul><li><a href="https://www.instagram.com/locosxelfutbolbar/?hl=es"><u>Locos x el Fútbol</u></a> (Recoleta): convertido desde hace años en uno de los bares deportivos más populares de Buenos Aires, volverá a abrir sus puertas para recibir a los fanáticos de la Scaloneta en un ambiente completamente dedicado al fútbol.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/irishpub_sullivans/?utm_source=ig_embed&amp;ig_rid=A91RcpaI8_a6SqFLu0lLvsn"><u>Sullivan&#x27;s Irish Pub</u></a> (Palermo): el tradicional pub irlandés contará con múltiples pantallas para seguir el encuentro y volverá a reunir a hinchas argentinos y fanáticos de distintas nacionalidades en una nueva jornada mundialista.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/triumph.sportsbar/?hl=es"><u>Triumph Sport Bar</u></a> (Monserrat): otra de las alternativas elegidas por los amantes del deporte. El bar se prepara para vivir el cruce entre Argentina y Cabo Verde con transmisión en vivo y el clima ideal para acompañar a la Selección en busca de la clasificación.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4b06ccd5ed.png" alt=""><figcaption>Triumph Sport Bar mirando el duelo de la Selección argentina ante Argelia (Instagram/Triumph Sport Bar).</figcaption></figure>

Donde_ver_el_partido_de_la_Seleccion_argentina_ante_Cabo_Verde_en_la_ciudad_de_Buenos_Aires_1_1a56959c83.avif

¿Dónde ver el partido de la Selección argentina ante Cabo Verde en la ciudad de Buenos Aires?

<p>¿Te imaginás recorrer Buenos Aires como si fuera un videojuego retro? Gracias al trabajo del desarrollador argentino Nicolás Poore, esa idea dejó de ser una fantasía.</p><p>Con miles de imágenes satelitales, inteligencia artificial y una estética inspirada en el pixel art, logró convertir a la Ciudad de Buenos Aires en un gigantesco mapa interactivo pensado para explorar, perderse y redescubrir cada rincón de la capital.</p><h2>La Ciudad de Buenos Aires hecha en un mundo de píxeles</h2><p>Desde la llegada de la Inteligencia Artificial, el universo digital atraviesa una revolución constante. Herramientas capaces de generar imágenes hiperrealistas, recrear escenarios imposibles o incluso combinar figuras históricas y celebridades en situaciones ficticias forman parte de una nueva realidad tecnológica que, hace apenas algunos años, parecía reservada para la ciencia ficción. Sin embargo, detrás de cada una de estas innovaciones siempre aparece una mente inquieta dispuesta a llevar los límites un paso más allá.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ac5929cf84.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure><p>Y uno de esos casos tiene sello argentino. Se trata de Nicolás Poore, desarrollador full stack y programador con casi dos décadas de experiencia, quien logró convertir a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (CABA) en un <a href="https://caba.nicolaspoore.com/"><u>gigantesco mapa interactivo de pixel art</u></a>.</p><p>Así es. Bajo un proyecto que recrea hasta el último detalle de la capital argentina, Poore trasladó monumentos, avenidas, estadios y rincones emblemáticos al universo de los píxeles. Desde puntos históricos como el Obelisco, la Casa Rosada o el Teatro Colón, pasando por arterias icónicas como la Avenida 9 de Julio y Corrientes, hasta escenarios deportivos como el Monumental de River Plate y La Bombonera de Boca Juniors, todo forma parte de una versión digital de la ciudad que puede recorrerse como si fuera un videojuego.</p><p>La experiencia invita a explorar Buenos Aires desde una perspectiva completamente diferente, descubriendo monumentos, referencias culturales, guiños ocultos y pequeños secretos repartidos a lo largo del mapa. Un proyecto nacido de la inquietud por poner a prueba hasta dónde podía llegar la programación asistida por Inteligencia Artificial en una propuesta de gran escala y, al mismo tiempo, demostrar el potencial creativo de estas nuevas herramientas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3958816e62.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure><p>El resultado fue mucho más allá de un simple experimento tecnológico. Gracias a una combinación de nostalgia gamer, arte digital y patrimonio urbano, el mapa se convirtió en un fenómeno viral en redes sociales, atrayendo a miles de usuarios que ingresan para recorrer la ciudad, reencontrarse con lugares cargados de recuerdos y descubrir Buenos Aires convertida en un inmenso escenario de pixel art.</p><h2>¿Cómo se construyó la Ciudad de Buenos Aires pixelada?</h2><p>Antes de convertirse en un fenómeno digital y de que la Ciudad de Buenos Aires apareciera transformada en un gigantesco mapa de pixel art, Nicolás Poore tuvo que atravesar un complejo proceso de desarrollo dividido en distintas etapas.</p><p>Para hacer posible el proyecto, el programador desglosó el desafío en tres grandes objetivos: obtener imágenes satelitales de toda la ciudad, convertirlas a una estética ilustrada inspirada en el pixel art y, finalmente, transformarlas en un mapa completamente interactivo.</p><p>La primera etapa consistió en reunir el material visual necesario. Para ello utilizó la API de Google Maps y, apoyándose en herramientas de inteligencia artificial, construyó una maqueta digital con los límites exactos de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. A partir de allí generó una cuadrícula que dividió el territorio en secciones de 150 por 150 metros y desarrolló un script capaz de capturar automáticamente cada fragmento del mapa.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9309ce5feb.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure><p>La escala del proyecto representó uno de los mayores desafíos. Cubrir la totalidad de Buenos Aires implicó procesar cerca de seis mil imágenes independientes. Una vez obtenidas, utilizó Gemini para unirlas sin que se percibieran los bordes entre cada captura y transformarlas en una estética ilustrada. Las mejores versiones fueron utilizadas para entrenar un modelo de generación de imágenes con inteligencia artificial, permitiendo obtener resultados más consistentes y manteniendo una identidad visual uniforme en todo el mapa. Sin embargo, gran parte del proceso también requirió supervisión manual, corrigiendo errores y ajustando detalles imagen por imagen.</p><p>Con el material terminado llegó la última etapa: construir el mapa interactivo. Para ello generó múltiples versiones de las imágenes en distintas resoluciones, permitiendo diferentes niveles de zoom y mostrando mayor o menor cantidad de detalles según la cercanía de la exploración.</p><p>Pero quizás una de las decisiones más interesantes fue eliminar herramientas habituales de navegación. El mapa no cuenta con buscador de direcciones ni nombres de calles visibles. En cambio, invita a los usuarios a orientarse mediante avenidas, parques, monumentos y edificios emblemáticos, replicando la experiencia de recorrer una ciudad desconocida. Una elección que transforma el proyecto en algo más que un mapa digital: una invitación a perderse, explorar y redescubrir Buenos Aires desde una perspectiva completamente nueva.</p>

Imagenes_de_la_Ciudad_de_Buenos_Aires_en_pixel_art_1e57fde501.avif

El proyecto que convirtió Buenos Aires en píxeles

<p>¿Sabías que en la ciudad de Cali existe un lugar donde la impresión artesanal sigue siendo protagonista? Su nombre es La Linterna, un histórico taller tipográfico fundado hace más de noventa años que, a pesar del avance de las herramientas digitales y la inteligencia artificial, continúa manteniendo vivo uno de los oficios gráficos más tradicionales de Latinoamérica.</p><h2>La imprenta que sobrevivió al paso del tiempo: conocé La Linterna</h2><p>En una era donde lo digital parece haber conquistado todos los sectores posibles, el universo artístico no ha sido la excepción. La irrupción de programas como Photoshop e Illustrator primero, y más recientemente el crecimiento de herramientas impulsadas por inteligencia artificial, transformó la manera en que se crean imágenes, diseños y piezas gráficas, abriendo debates sobre el futuro de numerosos oficios creativos.</p><p>Sin embargo, mientras la tecnología avanza a pasos agigantados, todavía existen rincones del mundo donde la tradición, el trabajo manual y los procesos artesanales continúan siendo el corazón de la creación artística.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7758cd4fa6.png" alt=""><figcaption>La belleza artística de La Linterna en Cali (La Linterna).</figcaption></figure><p>Uno de esos lugares se encuentra en la ciudad de Cali. Allí funciona La Linterna, un taller de impresión tipográfica dedicado desde hace más de 90 años al oficio artesanal de la producción de carteles mediante técnicas tradicionales como el grabado en linóleo y el uso de tipos móviles. Fundado en 1934, el espacio se convirtió con el paso del tiempo en un referente de la gráfica popular colombiana, desarrollando una amplia trayectoria en la elaboración de cartel mural para eventos culturales, sociales y comunitarios, así como también piezas concebidas como obras artísticas.</p><p>Gracias a ese recorrido, La Linterna logró consolidarse como uno de los grandes emblemas culturales de Cali, preservando técnicas centenarias de impresión en una época dominada por las pantallas y los procesos digitales. Sin embargo, su historia estuvo cerca de llegar a su fin. En el año 2016, el taller atravesó una profunda crisis económica que puso en riesgo su continuidad y amenazó con provocar el cierre definitivo del espacio y la desaparición de gran parte del conocimiento asociado a este oficio tradicional.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DS-qBUeAaLz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DS-qBUeAaLz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Lejos de resignarse, un año más tarde un grupo de gestores culturales, diseñadores y artistas gráficos impulsó una estrategia destinada a acercar el legado tipográfico a nuevas generaciones. El proyecto articuló los conocimientos históricos de la impresión artesanal con las expresiones contemporáneas del diseño y las artes gráficas, permitiendo que La Linterna encontrara una nueva vida. Además, frente a las normativas ambientales que limitaron la fijación de carteles en distintos sectores de la ciudad, el taller comenzó a transformarse también en una galería y espacio cultural donde los carteles y las impresiones pasaron a ocupar un rol protagónico como piezas de exhibición.</p><p>Con figuras como Olmedo Franco Romero, Jaime Enrique García y Héctor Otálvaro como algunos de los grandes guardianes del oficio, La Linterna logró trascender su condición de imprenta para convertirse en un verdadero símbolo cultural de Cali. Lo que alguna vez fue un taller dedicado exclusivamente a la producción de carteles hoy funciona también como un espacio de encuentro entre generaciones, donde conviven técnicas centenarias de impresión con nuevas expresiones del diseño gráfico contemporáneo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c103b4148c.png" alt=""><figcaption>La belleza artística de La Linterna en Cali (La Linterna).</figcaption></figure><p>A casi un siglo de su fundación, el lugar continúa demostrando que, incluso en tiempos dominados por las pantallas, la inteligencia artificial y las herramientas digitales, todavía existen rincones donde el trabajo manual, la tinta, el papel y los tipos móviles conservan su valor original. Más que una imprenta, La Linterna es un testimonio vivo de la historia gráfica colombiana, un punto de interés para visitantes y amantes del arte que llegan a Cali desde distintas partes del mundo y un refugio para quienes entienden el arte como un oficio que también se transmite de mano en mano.</p>

Olmedo_Franco_Romero_Jaime_Enrique_Garcia_y_Hector_Otalvaro_los_pilares_de_La_Linterna_1_ab7c57547b.avif

El rincón de Cali donde la imprenta se niega a desaparecer

<p>Existe un tipo de arte urbano que convive directamente con las mareas: obras que aparecen cuando el agua baja y desaparecen cuando vuelve a subir. Y uno de los máximos referentes internacionales de este formato es el artista hawaiano Hula.</p><h2>Hula, el artista que convirtió las mareas en parte de su obra</h2><p>Si hacemos una recorrida por los distintos referentes del muralismo, no solo a nivel latinoamericano sino también internacional, es imposible no encontrarse con un universo de estilos, estéticas y técnicas completamente distintas entre sí. Existen artistas que únicamente toman intervenciones de gran escala, otros que llenan de color sus obras con una identidad explosiva, algunos que apuestan por corrientes como el hiperrealismo y también quienes deciden transformar materiales poco convencionales en arte, desde arena y basura hasta comida u objetos reciclados.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f6b165d2ac.png" alt=""><figcaption>El arte de Hula (Instagram/Hula).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese inmenso abanico creativo aparece un tipo de obra todavía más particular: aquellas que aparecen y desaparecen con el agua. Sí, tal cual como se lee. Existen artistas que realizan intervenciones sobre superficies atravesadas por las mareas y que, dependiendo del movimiento del agua, dejan ver la totalidad de la pieza o apenas una pequeña parte de ella.</p><p>Y uno de los grandes referentes internacionales de este formato es el artista hawaiano Sean Yoro, conocido en el mundo del arte bajo el pseudónimo de Hula.</p><p>Muy probablemente te hayas cruzado en redes sociales con algún clip o fotografía donde un artista aparece sobre una tabla de paddle surf pintando enormes retratos mientras flota en el agua: detrás de gran parte de esas obras se encuentra justamente el nombre de Hula.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/B2o5g4mhss7/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/B2o5g4mhss7/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Inspirado profundamente por sus raíces hawaianas y por la conexión con el océano, el artista comenzó su camino realizando murales sobre paredes marinas en la ciudad de Nueva York mientras mantenía el equilibrio sobre una tabla. Desde entonces expandió su trabajo a distintas partes del mundo, llevando sus intervenciones desde bosques y fondos marinos hasta cascadas, glaciares e icebergs, consolidándose como uno de los nombres más originales y reconocibles del arte contemporáneo vinculado al agua y la naturaleza.</p><p>Su trabajo logró captar la atención de medios internacionales de la talla de CNN, Forbes, The New York Times y The Guardian, además de colaborar con marcas como Facebook, Instagram, The North Face, Vans y Volvo. Todo esto acompañado de una identidad artística muy marcada: “<em>Mi obra explora la conexión entre nosotros y nuestro entorno a través de un lente surrealista de distorsión del agua</em>”.</p><p>Con obras que parecen surgir desde las profundidades y desaparecer nuevamente con el movimiento de las mareas, Hula convirtió el agua no solo en escenario, sino también en parte fundamental de cada intervención, dejando su huella en distintos rincones del planeta a través de un estilo tan efímero como inolvidable.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bd07d56ef8.png" alt=""><figcaption>Una tabla, pinturas por doquier y la marea como aliado: los pilares del arte de Hula (Instagram/Hula).</figcaption></figure><p>Más allá de la complejidad técnica que implica pintar sobre superficies atravesadas por el agua y el movimiento constante de las mareas, gran parte del impacto del trabajo de Hula también reside en el carácter efímero de sus obras. A diferencia del muralismo tradicional, donde las piezas permanecen visibles de manera permanente sobre una pared, en el caso del artista hawaiano el entorno natural se convierte en parte activa de cada intervención. El océano decide cuándo mostrar la obra y cuándo ocultarla, generando una experiencia visual completamente distinta dependiendo del momento del día, el clima y el comportamiento del agua.</p><p>Esa relación entre arte y naturaleza terminó convirtiéndose en una de las marcas registradas de Hula. Sus obras no buscan imponerse sobre el paisaje, sino convivir con él. Y quizás ahí radica gran parte de su originalidad: crear piezas que no solamente se contemplan, sino que también cambian, respiran y desaparecen junto al movimiento natural del entorno donde fueron realizadas.</p>

Mostrando 25 resultados para: HIP HOP

Noticias