Muchas veces el arte urbano se relaciona con grandes murales, aerosoles y paredes intervenidas. Sin embargo, también puede aparecer en formatos mucho más pequeños y cotidianos, como un cartel pintado a mano, y el tapatío Brandon Mata es una eminencia a lo largo y ancho del territorio mexicano.<h2>Brandon Mata y el arte detrás de cada letrero</h2>En la escena mexicana existen distintos emblemas del arte urbano: algunos encuentran su inspiración en el deporte, otros en la naturaleza y otros en la cultura popular. Pero también están quienes entienden que el arte urbano va mucho más allá de las latas de pintura, los murales y los grafitis.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Y es en Guadalajara donde aparece el nombre de Brandon Mata, uno de los artistas que lleva esa mirada a los carteles y letreros pintados completamente a mano.Brandon Mata es un artista mexicano oriundo de Guadalajara especializado en rotulación a mano, una técnica que utiliza pinceles y pintura para crear carteles, anuncios y diferentes piezas gráficas directamente sobre distintas superficies.Su trabajo puede encontrarse en espacios tan cotidianos como locales gastronómicos, pizzerías, puestos de comida y establecimientos de bebidas. Allí, aquello que a simple vista podría parecer un vinilo o una impresión industrial tiene detrás el pulso y la precisión del artista tapatío.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c26279d8b.png" alt=""><figcaption>El trabajo de Brandon Mata en acción (Instagram/Brandon Mata).</figcaption></figure>La rotulación convierte así una herramienta comercial en una pieza visual que combina tipografías, colores, composiciones y detalles realizados completamente a mano.Aunque Guadalajara aparece como uno de los principales puntos de trabajo de Mata, su obra también llegó a diferentes ciudades y regiones de México.<ul><li>Guadalajara.</li></ul><ul><li>Puerto Vallarta.</li></ul><ul><li>Aguascalientes.</li></ul><ul><li>Nayarit.</li></ul><ul><li>Querétaro.</li></ul><ul><li>Jalisco.</li></ul>Su recorrido demuestra cómo la rotulación puede trascender la función de anunciar un producto o negocio para convertirse en una expresión artística propia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Y en tiempos donde gran parte de la comunicación visual se produce de manera digital, el trabajo de Brandon Mata recupera el valor de una técnica que depende directamente del pulso, la paciencia y la precisión. Cada cartel tiene, de esta manera, un componente irrepetible: detrás de cada letra, dibujo o composición existe una persona que tomó un pincel y construyó la pieza desde cero.

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Brandon Mata y el arte de pintar letreros a mano

Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.<h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.<h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1000079">La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</a><h2>La huella internacional de Ledania</h2>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.

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Ledania, la embajadora colombiana del color en el arte urbano

Más allá de las paredes intervenidas y los gigantescos murales que caracterizan a São Paulo, la ciudad también alberga espacios dedicados al street art, y uno de los más destacados es Nucle1, un centro cultural que transformó una antigua fábrica en un verdadero templo del arte contemporáneo.<h2>Nucle1, el espacio donde el arte urbano paulista encontró un nuevo hogar</h2>Es de público conocimiento que la ciudad de San Pablo no solo es uno de los principales epicentros del arte urbano en Brasil, sino que también se ha convertido en una verdadera referencia a nivel continental. Sus calles, avenidas y edificios funcionan como enormes galerías a cielo abierto, donde murales e intervenciones forman parte del paisaje cotidiano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_897c631754.png" alt=""><figcaption>Obra del artista Alexandre Puga expuesta en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure>Sin embargo, más allá de las obras que decoran los espacios públicos paulistas, la ciudad también cuenta con rincones especialmente dedicados a la difusión del movimiento artístico. Y uno de los más importantes surgidos en el último tiempo es Nucle1 (Rua Muniz de Souza 809, Aclimação), un centro cultural de ocho pisos dedicado por completo al arte urbano y contemporáneo.<h2>De una fábrica de corbatas a un edificio de ocho pisos dedicado al arte</h2>Ubicado en lo que antiguamente funcionó como una fábrica de corbatas, Nucle1 transformó el edificio en un espacio cultural de más de 1.500 metros cuadrados intervenido por el artista Enivo, donde los colores, las formas y las expresiones urbanas toman el protagonismo absoluto.Inspirado en experiencias artísticas como “Bauhaus” y “Factory” de Andy Warhol, el centro propone una experiencia inmersiva donde el arte está presente en paredes, techos y prácticamente en cada rincón del edificio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1c32436fe.png" alt=""><figcaption>El talento artístico de Bieto en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure>Además de exhibir grafitis e intervenciones urbanas, Nucle1 reúne distintas disciplinas culturales como:<ul><li>Arte urbano</li></ul><ul><li>Escultura</li></ul><ul><li>Diseño</li></ul><ul><li>Moda</li></ul><ul><li>Música</li></ul><ul><li>Intervenciones circenses</li></ul>Con entrada totalmente gratuita, el espacio se consolidó como uno de los puntos de encuentro más interesantes de la escena artística paulista.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-callejon-mas-famoso-de-san-pablo/317">El callejón más famoso de San Pablo</a><h2>Los artistas que dan vida a Nucle1</h2>El espacio también funciona como una gran plataforma para artistas brasileños contemporáneos, reuniendo obras de referentes del arte urbano y visual como:<ul><li>Fefe Talavera</li></ul><ul><li>Priscila Barbosa</li></ul><ul><li>Katia Suzue</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>La propuesta convierte a Nucle1 en una parada obligatoria para quienes buscan descubrir la riqueza del arte urbano brasileño desde una perspectiva diferente, donde distintas disciplinas conviven bajo un mismo techo.Abierto de miércoles a viernes de 12:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 18:00, el centro cultural demuestra que San Pablo continúa expandiendo los límites del street art, llevando su identidad más allá de las calles y transformándola en una experiencia artística integral.

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El impresionante centro cultural de ocho pisos que celebra el arte urbano en San Pablo

Detrás del show callejero de U2 en la Ciudad de México aparece la figura de Chavis Mármol, el artista responsable de intervenir el autobús donde la banda realizó su performance improvisada.Con una trayectoria marcada por la crítica social y las instalaciones urbanas, el mexicano se consolidó como uno de los grandes nombres del arte contemporáneo nacional.<h2>Del arte contemporáneo al show de U2: conocé a Chavis Mármol</h2>En los últimos días, la Ciudad de México fue sede de un momento inesperado. Producto de un desperfecto técnico durante el rodaje del sencillo “Street of Dreams”, la banda irlandesa U2 revolucionó las calles de la capital mexicana con un recital improvisado donde tocaron clásicos como “Vertigo” y “Desire” frente a una multitud de fanáticos que copó las calles y convirtió el momento en una auténtica fiesta colectiva.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8db8a500c3.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Chavis Mármol (Instagram/Chavis Mármol).</figcaption></figure>Pero una de las cosas que más llamó la atención de la actuación callejera de U2 fue el lugar donde decidieron realizarla. Y es que la banda no montó un escenario en una plaza ni se adueñó de la tarima de un bar: el show ocurrió arriba de un autobús color verde agua intervenido con grafitis y diseños de cadenas realizados por el artista mexicano Chavis Mármol.Oriundo de Apan, Hidalgo, Javier Mármol —mejor conocido en el mundo del arte contemporáneo bajo el nombre de Chavis Mármol— se ha convertido en una de las figuras más reconocidas del arte mexicano actual. Con una maestría en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México y más de una década de trayectoria, el artista ha participado en exhibiciones nacionales e internacionales en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Puerto Rico, Bogotá y Santiago de Chile. Además, colaboró con figuras como Chantal Peñalosa, Naufus Ramírez-Figueroa y Guillermo Santamarina, consolidando un perfil artístico que mezcla humor, crítica social y referencias a la cultura popular mexicana.A través de obras complejas, irónicas y visualmente llamativas, Chavis Mármol construyó un estilo propio que dialoga constantemente con el contexto político, económico y social contemporáneo. Sus piezas suelen moverse entre la escultura, la instalación y la intervención urbana, utilizando símbolos de la cultura mexicana para generar reflexiones sobre la identidad, el consumo y el poder.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_be20f0400b.png" alt=""><figcaption>Chavis Mármol, estrella mexicana del arte contemporáneo (Instagram/Chavis Mármol).</figcaption></figure>Sin embargo, los comienzos del artista estuvieron lejos del circuito del arte contemporáneo. Antes de dedicarse de lleno a su carrera artística, trabajó junto a su familia en el negocio funerario familiar. En sus veintes, el mexicano comenzó a acercarse al arte de manera profesional, ingresando a la Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. Más tarde, se mudó a la capital mexicana para continuar su formación y profundizar su vínculo con el arte, un camino que con el paso del tiempo lo terminó convirtiendo en uno de los nombres mexicanos más reconocidos dentro de la escena artística internacional.<h2>La cabeza olmeca que aplastó un Tesla: la obra suprema de Chavis Mármol</h2>Si bien Chavis Mármol recorrió México y distintos destinos internacionales con sus obras, no hay dudas de que una de las piezas más destacadas y comentadas de su currículum es aquella enorme cabeza olmeca aplastando un automóvil Tesla.Ubicada en un pequeño predio en la Ciudad de México, la obra forma parte de la serie “Neotameme”, un proyecto artístico que busca contrastar el pasado prehispánico mexicano con una mirada crítica sobre las nuevas formas de colonialidad contemporánea. Más allá de enfocarse únicamente en el proceso histórico de colonización española, el trabajo propone una reflexión sobre los actuales poderes económicos, tecnológicos y culturales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bac90f2fcf.png" alt=""><figcaption>La enorme cabeza olmeca aplastando un automóvil Tesla (Instagram/Chavis Mármol).</figcaption></figure>La instalación está compuesta por dos elementos centrales: una réplica monumental de una cabeza olmeca y un Tesla Model 3 de color azul completamente destruido por el peso colosal de la escultura. El resultado es una imagen impactante que funciona como metáfora visual del choque entre las culturas originarias y los símbolos del poder económico moderno. Con esta obra, Chavis Mármol no solo logró viralizarse en redes sociales y medios internacionales, sino también consolidarse como uno de los artistas contemporáneos mexicanos capaces de transformar elementos históricos y culturales en piezas de fuerte impacto visual y político.

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Chavis Mármol, cartista detrás del autobús que revolucionó Ciudad de México junto a U2

Tras casi seis años sin presentaciones en la capital mexicana y producto de un desperfecto técnico durante el rodaje del sencillo “Street of Dreams”, U2 revolucionó las calles de Ciudad de México con un recital improvisado arriba de un autobús intervenido artísticamente.<h2>U2 convirtió las calles de CDMX en un escenario de rock</h2>Muchas veces, los conciertos en estadios y recintos multitudinarios suelen convertirse en algunos de los momentos más importantes dentro de la carrera de cualquier artista. No solo por llevar su música a los escenarios más emblemáticos del planeta, sino también por el hecho de reunir a miles y miles de fanáticos entonando sus propias canciones al unísono.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dedd842e40.png" alt=""><figcaption>Bono, cantante y cara principal de U2, en el balcón de un edificio de la Ciudad de México (Getty Images).</figcaption></figure>Pero existen ocasiones donde la espontaneidad, la improvisación y el contexto terminan construyendo momentos todavía más memorables. Y ejemplos sobran: desde el icónico recital de The Beatles en la terraza de Apple Corps hasta casos más recientes como los shows callejeros de Feid en distintos rincones de Latinoamérica.Y en las últimas horas, U2 se sumó a ese listado con un recital gratuito e improvisado arriba de un autobús en las calles de Ciudad de México. La histórica banda irlandesa revolucionó la vía pública de la capital mexicana en medio del rodaje de “Street of Dreams”, su nuevo sencillo, luego de un desperfecto eléctrico que obligó al grupo a improvisar un show sobre el mismo micro que iba a formar parte del videoclip.Con Bono, The Edge y compañía arriba de un autobús color verde agua intervenido con grafitis y diseños de cadenas realizados por el artista Chavis Mármol, la banda interpretó clásicos como “Vertigo” y “Desire” frente a una multitud de fanáticos que colmó las calles y convirtió el momento en una auténtica fiesta colectiva. Un show inesperado que rápidamente se transformó en una postal histórica para los seguidores mexicanos de la banda.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYQdF9Mvirp/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYQdF9Mvirp/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Pero el acto no solo quedará grabado por el recital improvisado. La presentación también significó el regreso público del baterista Larry Mullen Jr. junto a sus compañeros tras varios años alejado de los escenarios mientras atravesaba distintas cirugías relacionadas con problemas en el cuello y la espalda. Un regreso cargado de emoción en una jornada donde el azar, la música y las calles de Ciudad de México terminaron cruzándose para crear uno de esos momentos imposibles de planificar.Además, el recital improvisado también funcionó como una especie de regreso simbólico de U2 a Ciudad de México después de casi nueve años sin presentaciones en la capital mexicana. Y es que la última vez que la banda irlandesa había ofrecido un show en territorio chilango fue en octubre del año 2017, cuando desembarcó en el país con la gira conmemorativa por el trigésimo aniversario de “The Joshua Tree”, uno de los discos más emblemáticos dentro de la historia del rock internacional.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7f2658630c.png" alt=""><figcaption>El show callejero de U2 en Ciudad de México (Getty Images).</figcaption></figure>De esta manera, lo que comenzó como un desperfecto técnico en medio del rodaje de “Street of Dreams” terminó convirtiéndose en una jornada cargada de simbolismo para los fanáticos mexicanos: un show inesperado, el regreso de Larry Mullen Jr. a escena y una nueva aparición de la banda en Ciudad de México tras varios años lejos de la capital.<h2>Chavis Mármol, el artista mexicano detrás del autobús del show de U2</h2>Más allá de lo emblemático que resultó el recital improvisado de U2 en las calles de Ciudad de México, hubo un detalle que también terminó robándose parte de los flashes durante la presentación: el autobús sobre el que la banda realizó su concierto callejero. Y es que el vehículo utilizado durante la performance fue intervenido artísticamente por Chavis Mármol, artista mexicano encargado de transformar el micro en una pieza visual cargada de grafitis, cadenas y detalles urbanos que acompañaron la estética del evento.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f851460a94.png" alt=""><figcaption>Chavis Mármol, el artista mexicano detrás del autobús del show de U2 (Instagram/Chavis Marmol).</figcaption></figure>Con una trayectoria de más de quince años dentro del universo artístico, formación en la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo y una maestría en la Universidad Nacional Autónoma de México, el artista originario de Hidalgo logró construir un estilo propio dentro del arte contemporáneo, utilizando el ruido técnico y los lenguajes urbanos para dar vida a propuestas visuales cargadas de significado. Una identidad artística que terminó formando parte de una de las postales más inesperadas y virales del regreso de U2 a México.La colaboración entre la banda irlandesa y Chavis Mármol no solo reforzó el espíritu espontáneo y callejero del recital improvisado, sino que también conectó el universo musical de U2 con la escena artística contemporánea de la capital mexicana, dejando una imagen donde la música y el arte urbano convivieron en plena vía pública.

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U2 paralizó las calles de Ciudad de México con un show callejero improvisado

Con 11 años de trayectoria y una formación forjada en la práctica empírica, Kozte es una voz potente dentro del muralismo latinoamericano. Desde su base en Medellín, desarrolla una propuesta gráfica de retratos en alto contraste. Esta paleta saturada nace de una formación en medios digitales y funciona como una herramienta para rescatar comunidades e historias invisibles en la sociedad contemporánea.Más allá de los pinceles y aerosoles, Kozte gestiona desde 2017 el Surreal Street Art Festival. Este evento reunió en su última edición a 12 artistas internacionales y posicionó a Medellín como un epicentro del arte urbano global. Actualmente, se encuentra en Brasil con el objetivo de expandir su red de trabajo internacional.<h2>La autocrítica y la mirada del espectador</h2>Al finalizar una obra, la prioridad de Kozte no recae inmediatamente en la ovación ajena sino en la perfección técnica. Su ojo se posa primero en los detalles que podrían mejorarse antes que en la reacción de la gente. &quot;Para ser honesto soy muy autocrítico con mi trabajo y en lo primero que suelo fijarme son en esas partes donde pude haber mejorado algo&quot;, confiesa.Sin embargo, el artista valora profundamente el impacto que genera su trabajo a la distancia. En su última intervención a 15 pisos de altura disfrutó al ver cómo los transeúntes detenían su marcha para observar. Para él la obra debe ser visualmente impactante para capturar al espectador pero el objetivo final es la transmisión de un mensaje. &quot;Más allá de lo bello, cuando logras tener al espectador, lo que sigue es transmitirle un mensaje&quot;, aclara.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f4559d849.png" alt=""><figcaption>El plan de Kozte para rescatar lo invisible en ciudades saturadas.</figcaption></figure><h2>La tensión entre el mensaje y la saturación visual</h2>En ciudades colmadas de publicidad y estímulos, Kozte sostiene que el arte urbano aún conserva su capacidad de sorpresa. No obstante, advierte que el impacto real requiere algo más que grandes muros, necesita educación. El artista compara la experiencia callejera con la de un museo donde la apreciación aumenta con el conocimiento. &quot;Realmente se aprecia más la obra cuando le ayudamos a la gente a entender o conocer un poco más sobre la historia, proceso y concepto&quot;, reflexiona.Sobre la temporalidad de sus mensajes, prefiere la maduración de las ideas antes que la inmediatez oportunista. &quot;Prefiero no apresurar el mensaje por aprovechar un momento porque a veces las buenas ideas precisan de más tiempo para aflorar&quot;, afirma.Esta filosofía de impacto consciente se hizo evidente en una de sus intervenciones recientes donde incluyó un detalle sutil en el cuerpo de una mujer trans. El elemento no ocupaba el centro de la escena pero bastó para desafiar las expectativas del público. &quot;Es interesante cómo ese pequeño gesto puede generar incomodidad y tensión en las expectativas de la gente&quot;, observa Kozte. Y agrega: &quot;Siento firmeza en que muchas veces un mural es más valioso cuando llega a incomodar en vez de solo decorar&quot;.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4bb372b4fe.png" alt=""><figcaption>La estética de la provocación.</figcaption></figure><h2>Medellín como refugio </h2>Los compromisos internacionales obligan al artista a recorrer el mundo de forma constante, pero Kozte mantiene un vínculo especial con la ciudad natal. A diferencia de Europa donde las normativas de paisajismo y la burocracia suelen frenar la espontaneidad del arte callejero, Latinoamérica se presenta como un territorio fértil. &quot;Prefiero vivir en Medellín porque es una ciudad que abraza el arte urbano de una mejor forma y allá es más fácil pedir un muro&quot;, asegura.Esta aceptación es el resultado de procesos históricos y sociales donde el grafiti jugó un rol protagónico tal como sucedió durante el estallido social de 2021 en Colombia. El muralismo posee una capacidad única para resignificar el espacio público y transformar barrios enteros como la Comuna 13 o Wynwood en Estados Unidos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ec3051f1ed.png" alt=""><figcaption>El universo anárquico de Kozte en las calles de Medellín.</figcaption></figure><h2>Una comunidad desinteresada y los códigos de la calle</h2>El arte urbano se distingue de otras disciplinas como el tatuaje o el diseño gráfico por su carácter intrínsecamente social y altruista, según la visión de Kozte. Existe una red internacional de creadores que operan bajo una lógica casi anárquica frente a la superproducción capitalista al regalar su trabajo a la calle. &quot;Pintar la calle ya tiene una implicación social muy grande porque estamos poniendo imágenes muchas veces de forma gratuita para el público en general&quot;, explica.Leé también ​​<a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/gabriela-robaldo-la-artista-viajera-que-pinta-la-america-profunda/1388">Gabriela Robaldo, la artista viajera que pinta la América profunda</a>Sin embargo, el espacio público tiene sus riesgos. Kozte recordó un incidente en 2016 cuando alguien modificó una de sus obras y se atribuyó la autoría en fotos. Aunque confrontó la situación y restauró el muro, entiende que la calle es un entorno vivo y cambiante. En Brasil nota un respeto mayor por los códigos y la duración de las obras mientras que en Colombia siente que esas reglas se desdibujan.Pese a todo, acepta la naturaleza efímera de su profesión. Recientemente decidió ceder una pared que gestionó y pintó durante diez años a nuevos colegas. &quot;No somos dueños de nada, nada dura para siempre y todo está en constante evolución&quot;, concluye.¿Querés conocer más sobre su arte? Mirá su <a href="https://www.instagram.com/kozte_art/">Instagram</a>.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/C9sqmiGP8Eh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/C9sqmiGP8Eh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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Incomodar para existir: el manifiesto de Kozte contra el muralismo decorativo

Lo que antes parecía un recurso festivo hoy forma parte del lenguaje artístico, y Miguel José y Miguel Enrique Perdomo son uno de los responsables de convertir la globoflexia en una forma de arte urbano.<h2>El arte urbano más allá del mural</h2>El arte urbano no se limita únicamente a intervenciones tradicionales como grafitis o murales que ocupan grandes paredes en la ciudad. Con el paso del tiempo, este concepto fue ampliando sus fronteras para incluir nuevas formas de expresión que transforman lo cotidiano en algo artístico: materiales, técnicas y lenguajes que antes parecían ajenos a este universo hoy forman parte de una escena cada vez más diversa.En ese cruce, donde conviven formas como el celograffiti o el arte con arena, aparece la globoflexia, una disciplina que consiste en modelar globos —generalmente largos y flexibles— mediante inflado, torsión y unión para dar forma a figuras, estructuras e incluso instalaciones de gran escala que dialogan con el espacio público.<h2>¿Quiénes son los hermanos Perdomo, las estrellas latinas de la globoflexia?</h2>Dentro de este universo, Latinoamérica cuenta con dos referentes claves: Miguel José y Miguel Enrique Perdomo. Los artistas de orígen venezolano, radicados en Florida, se consolidaron como uno de los nombres más influyentes en la globoflexia a nivel regional. Es probable que en más de una ocasión te hayas cruzado con imágenes de enormes esculturas hechas con globos, ya sea en redes sociales, eventos o intervenciones públicas, y detrás de muchas de ellas aparece el sello de los venezolanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5ff55e440d.png" alt=""><figcaption>Los hermanos Perdomo junto a su obra en homenaje a Bad Bunny (Instagram/Decormiguelito).</figcaption></figure>El impacto de los Perdomo no solo se mide en sus creaciones, como por ejemplo la Virgen de Guadalupe que supera los veinte pies de alto y está hecha con veinte mil globos, sino también en la difusión de esta técnica, impulsando su crecimiento en distintos países de la región. Es por ello que hablar de Miguel José y Miguel Enrique Perdomo no es únicamente mencionar a dos de las grandes celebridades de la globoflexia a nivel internacional, sino también a los principales emblemas latinos en la materia.<h2>El currículum de los hermanos Perdomo</h2>Como todo artista urbano, el recorrido de los venezolanos no se mide solo en técnica, sino en obras que condensan su identidad y lo posicionan frente al mundo, esos trabajos que terminan construyendo un nombre propio y trascendiendo fronteras. En ese sentido, los hermanos Perdomo también cuentan con piezas que no solo reflejan su talento, sino que lo consolidan como un referente internacional dentro de la globoflexia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSImyiFkobf/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSImyiFkobf/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Probablemente su obra más emblemática sea la primera Virgen de Guadalupe realizada en Estados Unidos bajo la técnica de globoflexia. Se trata de una estructura monumental que supera los 20 pies de altura y que fue construida con alrededor de 20.000 globos, en un proceso de ensamblaje que se extendió durante casi una semana. Más allá de lo técnico, la pieza fue concebida como una representación de la fe y la comunidad, dos ejes que atraviesan gran parte de su trabajo. Esta obra no aparece de forma aislada, sino que se inscribe en una línea de creaciones vinculadas a lo religioso, donde también destacan figuras como la Virgen de Chiquinquirá y José Gregorio Hernández, el primer santo venezolano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e8b5e8b897.png" alt=""><figcaption>La religión como pilar de las obras de los Perdomo (Instagram/Decormiguelito).</figcaption></figure>Otra de sus intervenciones más destacadas tuvo lugar en el marco de la presentación de Bad Bunny en el Super Bowl de la NFL, donde llevó su técnica a un terreno completamente distinto. En esta ocasión, Perdomo no apostó por una escultura tridimensional, sino por un mosaico a gran escala del rostro del artista puertorriqueño, incorporando elementos icónicos como la pava en su cabeza. Para su realización, los venezolanos utilizaron cerca de 18 mil globos de más de quince colores distintos, logrando una imagen de alto impacto visual que dialoga con la cultura pop y demuestra la versatilidad de su obra.

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Los hermanos que transforman globos en obras gigantes

A lo largo de los años, Mario Bros se convirtió en uno de los personajes más reconocidos de la historia del gaming. En la ciudad de Lima, su universo ahora también quedó inmortalizado en un mural gigante dedicado a Super Mario Galaxy.<h2>Un mural gigante de Super Mario Galaxy conquista Lima</h2>Si hay un personaje que logró convertirse en un verdadero ícono de la cultura de los videojuegos, ese es Mario Bros.. El famoso fontanero de bigote prominente, gorra roja y overol azul ha conquistado durante décadas a distintas generaciones de fanáticos a través de sus videojuegos, consolidándose como uno de los protagonistas más reconocibles de la historia del gaming.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_caf8ac2485.png" alt=""><figcaption>Mario Bros, protagonista del inmenso mural en la ciudad de Lima (Facebook/Nos dicen gamers).</figcaption></figure>Y con el paso de los años, su presencia también se expandió hacia otros formatos como películas, productos de merchandising y distintas expresiones de la cultura pop.Pero la popularidad de Mario no solo quedó ligada al mundo de los videojuegos. Su imagen también se transformó en una fuente de inspiración para artistas de diferentes disciplinas, incluyendo el arte urbano, donde el personaje ha sido reinterpretado en murales y grafitis alrededor del mundo. En ese contexto, el universo del fontanero volvió a cobrar protagonismo recientemente en Lima, Perú, donde se realizó una impresionante intervención artística en homenaje a la saga.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DV1GmFCjUTy/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DV1GmFCjUTy/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Creado en el marco de la celebración del “MAR10 Day”, la intervención, que se extiende a lo largo de una superficie de 110 metros de largo por seis metros de alto, se encuentra ubicada frente al Estadio Nacional de Lima y se convirtió en una de las intervenciones urbanas más llamativas dedicadas al universo de Mario en la región.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e982ecf2a4.png" alt=""><figcaption>Vista aérea del mural de Mario Bros en Lima (/Facebook/Nos dicen gamers).</figcaption></figure>La obra rinde homenaje al universo de Super Mario Galaxy y reúne a varios de los personajes más icónicos de la franquicia: entre las figuras que aparecen en el mural se encuentran Mario, Peach, Luigi, Rosalina, Bowser, Bowser Jr., Yoshi y Toad, protagonistas que forman parte del imaginario colectivo de millones de jugadores alrededor del mundo y que ahora también ocupan un lugar destacado dentro del paisaje urbano de la capital peruana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_13203b3f3e.png" alt=""><figcaption>Peach y Capitán Toad como emblemas del mural (Facebook/Nos dicen gamers).</figcaption></figure>El proyecto fue liderado por el reconocido artista Doomser y contó con la participación de un equipo conformado por 15 muralistas y una arquitecta especializada en proyectos urbanos, quienes trabajaron en conjunto para dar vida a esta enorme pieza artística.

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El universo de Mario Bros toma los muros de Lima

El paisaje urbano de Bogotá sumó un nuevo referente de peregrinación cultural tras el fallecimiento del ídolo de la música popular Yeison Jiménez. En la emblemática Calle del Color, ubicada en la localidad de Ciudad Bolívar, el muralista May Rojas, plasmó una obra que rinde tributo a la trayectoria del cantante caldense. Este homenaje surgió como una respuesta artística ante la tragedia aérea ocurrida el 10 de enero de 2026 en Paipa, Boyacá, donde el intérprete de &quot;Aventurero&quot; perdió la vida junto a cinco integrantes de su equipo de trabajo.<h2>&quot;Esfuerzo, disciplina y legado&quot;</h2>La obra es una narrativa visual sobre la superación. May Rojas seleccionó el sur de la capital colombiana debido a la carga simbólica que representa el sector para las clases populares que se identifican con la música de Jiménez. El muralista, quien lidera el colectivo Bogotá Colors, utilizó su técnica para resaltar valores. Disciplina y orgullo popular, son dos elementos que definieron la carrera del artista de Manzanares hasta su consolidación internacional.El proyecto se integró en una iniciativa de transformación territorial. Desde el año 2017 busca resignificar espacios estigmatizados mediante el grafiti legal y el muralismo. Esta pieza en particular se suma al Corredor de Arte Contemporáneo, una estrategia que vincula la memoria colectiva con el desarrollo social de la comunidad en el barrio Mirador del Paraíso.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a7e68436cc.png" alt=""><figcaption>Un plano que deja ver apreciar los detalles de la obra.</figcaption></figure><h2>Cómo llegar</h2>Para los &quot;jimenistas&quot; y entusiastas del arte urbano, el acceso al mural fue facilitado por el sistema de transporte de la ciudad. El recorrido sugerido por el propio artista para llegar a la Calle 71 J Sur consiste en los siguientes pasos:<ul><li>Arribar al Portal del Tunal de TransMilenio.</li></ul><ul><li>Realizar el trasbordo al sistema TransMiCable.</li></ul><ul><li>Desplazarse hasta la última estación, denominada Mirador del Paraíso.</li></ul><ul><li>Caminar unos pocos metros hasta el corredor artístico donde se ubica la pieza.</li></ul>Esta ruta permite a los visitantes conocer el Museo de la Ciudad Autoconstruida y la Biblioteca Pública El Mirador, puntos clave que convirtieron a esta zona en un epicentro de turismo cultural alternativo en Bogotá.<h2>El impacto del muralismo en Bolívar</h2>La labor de May Rojas trascendió la estética. Cuenta con el respaldo de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte (SCRD). A través de la propuesta &quot;Habitando Cultura&quot;, el artista y su pareja, Luisa Sabogal, logró que el arte urbano funcione como una herramienta de paz y reconciliación. La instalación del mural de Yeison Jiménez atrae a fanáticos del género popular y, principalmente, dinamiza la economía local mediante tours comunitarios que muestran una faceta de la ciudad alejada de los circuitos tradicionales del centro.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa03ba031.png" alt=""><figcaption>May Rojas junto a su obra.</figcaption></figure>

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