En medio de una escena dominada por los corridos tumbados, Malcriada aparece como una alternativa fresca y disruptiva, con un universo propio construido entre distorsión, electrónica y una fuerte identidad visual: conocé al dúo conformado por Matilde Sobrino y David Rosales Ortiz.<h2>Malcriada: una identidad que rompe con la escena dominante</h2>Pensar en la escena musical mexicana actual es, casi de forma automática, pensar en el fenómeno de los corridos tumbados. No solo por nombres como Natanael Cano, Peso Pluma, Junior H o Fuerza Régida, las figuras que lideran la bandera del movimiento, sino también por el dominio absoluto del género en reproducciones, popularidad y presencia en los escenarios de los principales festivales del país.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_616f62bc1f.png" alt=""><figcaption>Malcriada, el dúo que conquista la industria musical alternativa de México (Malcriada).</figcaption></figure>Sin embargo, el mapa sonoro de México no se agota en ese universo. La industria también respira a través de proyectos que se mueven por fuera de lo establecido, con propuestas que rompen la lógica dominante y construyen su propio lenguaje. Y en ese terreno aparece Malcriada, un dúo que se posiciona como una de las caras emergentes más disruptivas de la escena alternativa.Formado por Matilde Sobrino y David Rosales Ortiz, el proyecto nacido en Ciudad de México toma referencias de actos como Crystal Castles y Prayers para construir un sonido atravesado por el punk digital, la electrónica y una estética cargada de distorsión.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DV63j7_EfgB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DV63j7_EfgB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>En apenas dos años de recorrido, Malcriada logró instalar una identidad visual y sonora muy marcada. Desde videoclips con tintes oscuros hasta una puesta en escena que roza lo performático —rostros blancos, ojos y labios negros, una impronta casi teatral—, el dúo construyó un universo propio que rápidamente encontró eco en una nueva generación de oyentes. Esa combinación entre estética, sonido y narrativa les permitió formar una comunidad sólida de seguidores y comenzar a ganar terreno dentro del circuito musical mexicano, con presentaciones en distintos puntos del país y presencia en escenarios cada vez más relevantes.<h2>Los inicios de Malcriada y su primer impacto en la industria</h2>La primera huella de Malcriada en la industria llegó en julio de 2024 con el lanzamiento de su sencillo debut, “Do Something!”: un track que combina bases electrónicas, distorsión y una energía cercana al darkwave y al punk digital, marcando desde el inicio la dirección artística del proyecto.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/uPvldhBfwc8" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Con más de 400 mil reproducciones en plataformas digitales, el tema no solo funcionó como carta de presentación, sino también como el punto de partida para consolidar una identidad que rápidamente comenzó a diferenciarse dentro de la escena alternativa mexicana.A partir de ahí, el dúo continuó expandiendo su universo con lanzamientos como “K.O” y “Love Song”, canciones que reforzaron su estética sonora y acompañaron sus primeras presentaciones en vivo, donde la propuesta escénica terminó de completar la experiencia Malcriada.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_37e2cf88b2.png" alt=""><figcaption>La estética de Malcriada (Malcriada).</figcaption></figure>Con cada nuevo paso, el proyecto fue ganando visibilidad hasta posicionarse como una de las propuestas emergentes a seguir dentro del circuito independiente, demostrando que, incluso en una industria dominada por otros géneros, siempre hay espacio para nuevas voces que apuestan por lo distinto.

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¿Quién es Malcriada, el dúo mexicano que mezcla punk digital y electrónica?

NSQK, el proyecto musical de Rodrigo Torres, emerge como una de las propuestas más originales de la industria musical mexicana actual, con un sonido que cruza electrónica, R&amp;B y pop y lo convierte en una de las voces más flexibles a nivel local.<h2>NSQK, la estrella multifacética de la música en México</h2>Pensar la industria musical a lo largo y ancho de Latinoamérica es, casi de forma inevitable, hablar de nombres que dominan la escena y se posicionan como verdaderas estrellas a nivel global. Desde Duki, Trueno, Nicki Nicole o Bizarrap en Argentina, hasta Bad Bunny en Puerto Rico o figuras como J Balvin, Blessd y Karol G en Colombia, el mapa musical latinoamericano está atravesado por referentes que marcan el pulso de cada escena.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36034ab865.png" alt=""><figcaption>NSQK en la presentación de su álbum “ATP” (NSQK).</figcaption></figure>Y México no es la excepción. Si bien nombres como Peso Pluma, Natanael Cano o Fuerza Régida lideran el fenómeno de los corridos tumbados, la escena también encuentra nuevas voces que expanden sus límites. Y en ese universo aparece NSQK, uno de los proyectos más originales y en constante evolución dentro de la música latinoamericana.Bajo el nombre de Rodrigo Torres, el artista nacido en Monterrey ha construido una propuesta que fusiona música urbana, R&amp;B, pop alternativo, electrónica e incluso matices del punk, dando forma a una identidad sonora propia y difícil de encasillar.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_51e55a9827.png" alt=""><figcaption>NSQK arriba de los escenarios (NSQK).</figcaption></figure>Con más de tres millones de oyentes mensuales en Spotify, NSQK —pronunciado como “Nesquik”— no solo destaca por sus números, sino también por una sensibilidad artística que lo posiciona como una de las figuras más interesantes del panorama mexicano actual.<h2>Los inicios de NSQK y su primer vínculo con la música</h2>Nacido en Monterrey y criado en Houston, Rodrigo Torres encontró su primer vínculo con la música a los 13 años, cuando comenzó a grabar sus propias canciones motivado por el descubrimiento de productores como Skrillex y Avicii. Con una computadora portátil como herramienta principal, dio sus primeros pasos en la producción musical, explorando sonidos y construyendo las bases de su estilo.<h2>La evolución de NSQK: de “Botánica” a una realidad consolidada</h2>Su desembarco formal en la industria llegó con el lanzamiento de su EP debut, “Botánica”, editado a través del sello Honey Records. El proyecto, compuesto por cinco canciones, funcionó como una carta de presentación en la que ya se podía percibir su capacidad para mezclar géneros como el pop, el rap, el R&amp;B y la electrónica en una misma narrativa sonora.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/1Fq2TOOHwLE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Con el correr del tiempo, su nombre comenzó a ganar fuerza dentro de la escena, lo que lo llevó a dar un salto mayor con el lanzamiento de su primer álbum de estudio, “ROY”. Este trabajo no solo consolidó su identidad artística, sino que también le abrió las puertas a escenarios de mayor alcance, con presentaciones en festivales de renombre como Axe Ceremonia en la Ciudad de México y Lollapalooza Chile.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6c9fca9384.png" alt=""><figcaption>NSQK en acción (NSQK).</figcaption></figure>A partir de allí, NSQK continuó expandiendo su universo musical a través de nuevos proyectos y colaboraciones, dejando atrás el rótulo de promesa para convertirse en una realidad consolidada dentro de la música mexicana. Su evolución constante, sumada a una propuesta estética y sonora cada vez más definida, lo posiciona hoy como uno de los nombres clave de la nueva generación de artistas latinoamericanos.

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NSQK, la voz de México que mezcla R&B, electrónica y rap

Outfits extravagantes, tatuajes replicados y performances calcadas. Así nació el fenómeno viral de Apha y Bastian, los imitadores peruanos de Ca7riel &amp; Paco Amoroso que revolucionan las plataformas digitales y la televisión latinoamericana.<h2>Apha y Bastian, los dobles virales de Ca7riel &amp; Paco Amoroso en Perú</h2>Dentro de la música urbana latinoamericana existen artistas que logran trascender las canciones y convertirse directamente en fenómenos culturales. Y si hay un dúo que en el último tiempo consiguió construir una identidad tan marcada como reconocible, ese es el conformado por Ca7riel &amp; Paco Amoroso.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ea627c0a6.png" alt=""><figcaption>Apha en la piel de Ca7riel en pleno show (Instagram/Apha).</figcaption></figure>Con una estética completamente propia, outfits extravagantes, performances caóticas y una mezcla sonora que combina trap, funk, rock, electrónica y rap, el proyecto argentino no solo conquistó escenarios alrededor del mundo, sino que además terminó generando un fenómeno inesperado: sus propios imitadores virales.Durante las últimas semanas comenzaron a viralizarse en TikTok, Instagram y Facebook distintos videos de dos jóvenes peruanos llamados Miguel Castro, mejor conocido como Apha, y Víctor Velázquez, apodado Bastian, quienes recrean casi a la perfección el universo visual y musical de Ca7riel y Paco Amoroso. Desde la ropa, los peinados y los movimientos corporales hasta los tatuajes, las poses y la actitud arriba del escenario, el dúo replica con un nivel de detalle sorprendente la esencia estética de los artistas argentinos.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DX5fgo8RWRk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DX5fgo8RWRk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>El fenómeno explotó definitivamente luego de su participación en el programa televisivo peruano “Yo Soy”, donde se volvieron virales gracias a sus caracterizaciones y performances interpretando canciones como “Mi Deseo” y “Bad Bitch”. Lejos de tratarse únicamente de una imitación humorística, las presentaciones rápidamente comenzaron a circular masivamente en redes sociales, acumulando millones de visualizaciones y comentarios de usuarios sorprendidos por el parecido entre ambos dúos.El impacto fue tan grande que incluso el propio Ca7riel reaccionó públicamente al contenido. El artista comentó publicaciones relacionadas al programa y terminó validando indirectamente el fenómeno viral, algo que potenció todavía más la exposición de los imitadores peruanos en plataformas digitales.Sin embargo, más allá del fenómeno viral, ambos también mantienen un recorrido artístico propio. Apha estudia producción musical, trabaja como compositor y desarrolla su carrera como artista independiente, mientras que Bastian forma parte de una banda de rock llamada Exodia. Un detalle que también ayuda a explicar por qué las interpretaciones lograron captar tan bien la esencia escénica y musical del dúo argentino.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_335f0979d4.png" alt=""><figcaption>Bastian en modo Paco Amoroso (Instagram/Apha).</figcaption></figure>En tiempos donde las redes sociales convierten cualquier fenómeno cultural en contenido inmediato y replicable, el caso de los imitadores peruanos de Ca7riel y Paco Amoroso funciona como una muestra más del enorme impacto que el dúo argentino alcanzó dentro de la música urbana latinoamericana. Un proyecto artístico tan reconocible que logró trascender fronteras y generar, a cientos de kilómetros de distancia, sus propios dobles virales.

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Los imitadores peruanos de Ca7riel & Paco Amoroso que son furor en redes

Si del género urbano argentino hablamos, no hay dudas de que los nombres de las caras visibles y más importantes del mismo como Duki, Khea, YSY A, Trueno, Nicki Nicole, Neo Pistea y Bhavi, entre tantas otras figuras, son lo primero que aparece en nuestras cabezas. Sin embargo, los seudónimos de productores como Asan, Yesan y Zecca también comenzaron a integrar ese primer vínculo con el movimiento local.Nacido en Rosario, ciudad de la provincia de Santa Fe, Francisco Zecca, conocido en el mundo de la música como Zecca, es, sin lugar a dudas, uno de los productores más trascendentales y uno de los pilares de la escena local.<h2>¿Quién es Zecca, el productor que brilla en la escena argentina?</h2>Criado en un hogar con el arte y la música como bandera, de padre periodista y de madre antropóloga y con Skrillex como máximo referente, el rosarino comenzó su camino en la producción musical siendo tan solo un niño con canciones de electrónica e imitando los sonidos y el estilo del reconocido DJ estadounidense.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Zecca_junto_a_Skrillex_uno_de_sus_referentes_en_la_produccion_musical_20725afb09.jpg" alt=""><figcaption>Zecca junto a Skrillex, uno de sus referentes en la producción musical (Instagram/Zecca).</figcaption></figure>Tras varios años en la producción, Zecca comenzó a destacar después de sus producciones en canciones como “Pastillas”, “Los Fajos”, “Teca” y “WACHA” y se adueñó de un lugar en la mesa de los productores musicales argentinos con mayor futuro en la escena. Luego de sus primeras intervenciones en la corriente local, Francisco también comenzó a participar en la producción de las grandes obras de Duki, pilar de la escena, y a colaborar con las estrellas más importantes del género tales como Bizarrap, Bhavi, Tiago PZK, Khea y Emilia, entre otras figuras.<h2>Triple corona y récord en los Latin Grammys</h2>A pesar de haber participado en varios de los hits más importantes de las figuras del género urbano argentino, no hay dudas de que uno de los momentos más especiales y gloriosos del corto recorrido de Zecca fueron los tres Latin Grammys conseguidos por su participación en las famosas “Bzrp Music Sessions” de Shakira y de Quevedo. El productor rosarino logró ganar tres estatuillas (Mejor canción urbana, Mejor canción pop y Canción del año) y se convirtió en el artista argentino más joven de la historia en recibir el icónico gramófono, y encima lo consiguió en tres ocasiones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Save_Clip_App_403887331_1820933784992393_8023680107542627548_n_b9cb6d93f2.jpg" alt=""><figcaption>Zecca y los tres gramófonos conseguidos en los Latin Grammys (Instagram/Zecca).</figcaption></figure><h2>Premios, colaboraciones y trabajos: el currículum de Zecca</h2>Con tan solo 24 años de edad, Zecca ya cuenta con uno de los currículum más laureados y prestigiosos de la escena local, que lo consolidan como uno de los productores más increíbles tanto a lo largo y ancho de Argentina como Latinoamérica. Además de los tres Latin Grammys por su participación en las “Bzrp Music Sessions” de la colombiana Shakira y el español Quevedo, el rosarino ha formado parte de la producción de sencillos y producciones discográficas que marcaron un antes y un después en la escena del género urbano latinoamericano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a8e72593c0.png" alt=""><figcaption>Zecca junto a Emilia (Instagram/Zecca).</figcaption></figure>El productor rosarino ha dejado su huella en trabajos como “Desde el fin del mundo”, “Antes de Ameri” y “Ameri”, tres de los cuatro discos de Duki, una de las piezas más importantes del género urbano argentino, ha colaborado con grandes figuras del movimiento local como Tini, Bizarrap, Khea, Bhavi, Asan, Seven Kayne, Midel, Milo J y Emilia, entre otros, y ha estado detrás de hits del género urbano latino como “Bésame (Remix)”, “Teca (Remix)”, “hARAkiRi”, “No_se_ve.mp3” y “Otro level”.

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Zecca, el genio rosarino detrás de las canciones que dominan la escena argentina

El merenguetón se ha consolidado como un fenómeno transnacional que fusiona la estructura rítmica del merengue caribeño con la estética urbana del reguetón, impulsando una revitalización cultural que lideran artistas de Venezuela y Colombia en el panorama musical de 2026.<h2>La nueva ola </h2>En Colombia, el artista Ryan Castro y el productor SOG reinsertaron el ritmo en el &quot;mainstream&quot; con “Mujeriego”, donde lograron 1.5 billones de reproducciones.Por otra parte, el dúo venezolano Alleh &amp; Yorghaki demostró que el sonido de los 90 puede adaptarse a las nuevas sensibilidades del pop latino alternativo. Prueba de ello fue el éxito viral de “Capaz” y su álbum debut.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/cMhT1SqxqHY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Alleh &amp; Yorghaki - capaz (merengueton) (visualizer).<h2>El origen</h2>La génesis de este sonido es una evolución técnica que comenzó en Venezuela a finales de los años 80. La banda Rhapsodia marcó el punto de partida en 1987 con el tema “Nuestro Amor”, una pieza pionera que integró sintetizadores y batería electrónica con la percusión tradicional de la conga. Bajo la visión del productor Luis Alva, esta variante, entonces denominada tecnomerengue, se hizo popular en la década de los 90.Artistas emblemáticos como Roberto Antonio, Miguel Moly, Diveana, Natusha y Los Melódicos transformaron el género en un éxito, de manera que lograron vender más de 50 millones de discos a nivel mundial. Lo que comenzó en las costas venezolanas y colombianas se expandió rápidamente hacia Miami y estableció las bases de lo que hoy conocemos como la fusión urbana tropical.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-streaming-pago-sera-el-unico-motor-de-posicionamiento-para-artistas/1661">El streaming pago será el único motor de posicionamiento para artistas</a><h2>El equilibrio entre la tambora y el sintetizador</h2>El merenguetón tiene un compás binario acelerado (2/4) que lo hace distintivo. Heredado del merengue clásico, se entrelaza con el beat sincopado característico del reguetón. Esta arquitectura sonora permite al público alternar entre el perreo urbano y los pasos cortos y giros de la danza caribeña tradicional.La instrumentación es un diálogo entre lo folclórico y lo digital:<ul><li>Elementos orgánicos: güira, la tambora dominicana y el acordeón.</li></ul><ul><li>Elementos electrónicos: bajos potentes, cajas de ritmos, sampleadores y programaciones digitales.</li></ul>A diferencia del dembow dominicano, que prioriza frases repetitivas y un minimalismo rítmico, el merenguetón apuesta por una estructura de canción tradicional con estribillos melódicos y arreglos armónicos más complejos.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/PwcIDyN7y2I" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>FMK - CARAMELO (Official Video).<h2>Repercusión social</h2>En los hogares latinoamericanos, es el género que permite a padres e hijos compartir la pista de baile, uniendo la nostalgia de las orquestas de los 90 con la energía contemporánea de las plataformas de streaming. Tiene la capacidad para insertarse en lenguajes globales sin perder la esencia festiva del Caribe, de manera que asegura que el pulso del merengue lata con fuerza en la industria musical actual.

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¿Qué es el merenguetón? las claves para entender este nuevo fenómeno

Con 24 años de trayectoria, <a href="https://www.instagram.com/remixuno/">Remix uno</a> es una de las figuras más polifacéticas del arte urbano mexicano. Este artista se distingue por combinar la disciplina técnica del óleo y el muralismo académico con la energía indómita del graffiti. Su obra, caracterizada por una búsqueda incesante de la belleza en el caos, trasciende la pintura para integrarse en un universo creativo donde el piano, el baile y la psicología del retrato convergen en murales de gran escala.<h3>De los planos a la libertad del muro</h3>El origen creativo de Remix Uno se remonta a su infancia, cuando utilizaba los planos gigantescos de su padre arquitecto como lienzos. Sin embargo, el salto al espacio público ocurrió por una pulsión de identidad adolescente y libertad absoluta. “Se me hizo muy interesante el poder crear una estética de poder hacer lo que quisieras, donde quisieras, cuando quisieras, sin permiso”, rememora.Tras una etapa influenciada por el cómic de Greg Capullo, su formación se tornó académica al estudiar a los referentes de su país. “Aprendí muchísimo sobre los muralistas mexicanos, en este caso Siqueiros, Camarena, Diego Rivera y Orozco... mejoré muchísimo mi composición estudiándolos”, reconoce. Esta base técnica le permite hoy ejecutar obras de gran complejidad, donde el rigor del estudio se mezcla con la adrenalina de la calle.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_67a149b38a.png" alt=""><figcaption>Entre flores y baile, esta Guelaguetza esconde un lado oscuro: una fiesta surrealista donde los píxeles se mezclan con lo paranormal y no todos los que bailan están vivos.</figcaption></figure><h3>El &quot;Glitch&quot; y la armonía del Drum and Bass</h3>Uno de los sellos distintivos de su obra es la incorporación de glitches o errores visuales en sus retratos, una herencia directa de su consumo cultural en los videojuegos y la música electrónica. “En el Drum and Bass muchísimas veces la música tiene desperfectos a propósito que para mí suenan increíbles, como ese tipo de acentos que no te esperas”, explica el muralista para justificar estos &quot;fallos&quot; estéticos en sus cuadros.Para Remix Uno, el rostro humano es el vehículo ideal para explorar la psique. “A través del retrato puedes incluso lograr entender mejor a una persona”, afirma. Esta búsqueda de profundidad se complementa con una técnica depurada en acrílico, aerosol y, especialmente, el óleo, técnica que defiende por su acabado superior y dificultad de manejo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fddc4bc3ca.png" alt=""><figcaption>Segunda parte del mural para la Comisión Federal de Electricidad (CFE), la empresa pública estratégica que provee energía eléctrica a todo México.</figcaption></figure><h3>Identidad y soberanía</h3>La obra de Remix Uno está profundamente arraigada en la identidad latinoamericana y en una postura política de resistencia frente al estigma del colonialismo y la intervención cultural externa. “Nosotros podemos crear lo nuestro, podemos ser nosotros auténticos sin tener que adaptarnos a sus gustos, sus estéticas”, sentencia.Esta visión se nutre de los contrastes culturales de su crianza, donde la música juega un papel metafórico vital. “No puedes entender a un pueblo yo creo sin su música... ¿cómo logramos salir de esto?, ¿cómo le encontramos lo bello en la vida?”, cuestiona al comparar su arte con la estructura de la salsa, que celebra la vida incluso en la tragedia. Para él, llevar arte original a las calles es una forma de dignificar al ciudadano: “Que sepan que ellos también se merecen cosas bonitas en su vida”, sostiene.<h3>El proceso</h3>A pesar de su respeto por las técnicas tradicionales, Remix Uno integró la Inteligencia Artificial en su flujo de trabajo para optimizar la producción y priorizar su vida personal. “Ahora ya tengo familia y por ejemplo tengo cinco hijas... al paso de los años yo prefiero estar con mis hijas y convivir, así que para mí esto es una forma que encontré de mejorar mi producción”, confiesa. Él utiliza estas herramientas para definir poses y composiciones antes de llevarlas a Photoshop y, finalmente, al muro.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_125a857aad.png" alt=""><figcaption>Inspiradas en el estilo de RUN DMC, estas Superstar son un recordatorio de que la autenticidad y el desgaste de la calle le ganan a cualquier filtro de Instagram.</figcaption></figure>Acepta la naturaleza efímera del arte callejero con la templanza de quien ve sus piezas desaparecer por más de dos décadas. “Llevo 24 años haciéndolo y siempre fue así el juego... mi cabeza se acostumbró a que aunque creara algo muy padre no iba a perdurar”, reflexiona. No obstante, esto no frena su ambición de liderar equipos de trabajo estables ni de buscar proyectos en fresco que garanticen la permanencia de su legado.<h3>El desafío de las redes y el panorama actual</h3>El artista mantiene una relación crítica con las plataformas digitales, donde prioriza el impacto real de su obra sobre la métrica virtual. “El juego de las redes sociales me caga... como artistas tenemos que estar quedando bien con los demás... yo soy el creador, yo tengo que hacer lo que yo quiera”, declara. Al analizar el panorama actual, destaca la potencia del muralismo en México y Colombia, aunque lamenta la falta de visibilidad internacional para el talento del Sur Global.“Bella, rebelde, flow, contestataria, salvaje, divertida y enérgica”, son las palabras con las que define su producción actual. Remix Uno expande su lenguaje visual, siempre impulsado por el apoyo de su familia y la convicción de que el esfuerzo constante es el único camino hacia la excelencia. “Ese pago espiritual es muy bello, eso es lo que busco también”, concluye el artista.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DO3w1XUkaqB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DO3w1XUkaqB/?igsh=MXBqZDJkbHc0aHJrNA==" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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Remix Uno, el artista que hackea el muralismo con estética "glitch"

El Lollapalooza Argentina 2026 está listo para volver a hacer historia en su 11° edición, que se celebrará los días 13, 14 y 15 de marzo en el emblemático Hipódromo de San Isidro. Sin embargo, más allá de la música y los shows multitudinarios, propone mirar su lado B: un espacio donde la sostenibilidad, el reciclaje y la conciencia ambiental toman protagonismo. 100 bandas, 5 escenarios y miles de personas que asistirán de todo el país y la región.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/oTP9X-Z1zfQ" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>LINE UP 2026: TEASER.<h3>Un evento impulsado por la sostenibilidad</h3>La sostenibilidad es el pilar central de esta edición. Los organizadores implementaron un riguroso plan para reducir el impacto ambiental del festival, con especial atención a la economía circular. A través del programa Rock and Recycle, el evento busca optimizar la separación de residuos en origen y superar las cifras de recolección de años anteriores.Utilizarán torres solares para generar energía limpia y recolectar el aceite de cocina sobrante de los puestos gastronómicos con el objetivo de transformarlo en bioenergía y así reducir la huella de carbono.Además se estimula al público a participar en el programa de Eco Botellas, una iniciativa que transforma los plásticos de un solo uso en nuevos productos.<h3>Colaborar y reciclar tiene su recompensa</h3>El público tendrá múltiples formas de contribuir y ser premiados por su esfuerzo. El programa Rock and Recycle y el Golden Ticket ofrecen beneficios exclusivos a quienes participen activamente en el reciclaje.Por su parte, los interesados en el programa de Eco Botellas pueden ganar dos entradas para el festival. Para ello, deben llevar sus botellas llenas de plásticos a La Rural o a Unicenter Shopping del 19 de febrero al 17 de marzo, en un horario de lunes a viernes de 16:00 a 20:00.Estas acciones buscan educar al público sobre la cantidad de residuos que se generan a diario y la importancia de darles una segunda vida. Finalmente, la organización del festival transformará estos materiales reciclados en mobiliario y obras de arte, como la instalación de 100.000 botellas de PET del año anterior, un llamado a la conciencia colectiva.<h3>Datos, no relato</h3>El informe de 2024 del festival detalló los logros en sostenibilidad con números concretos. Se trituraron 800 kg de PET, equivalentes a 45,000 botellas plásticas, con bicicletas. Se recolectaron 860 litros de aceite de cocina y 16,150 kg de material reciclable en total. Además, se reutilizaron 350 metros de tela mesh para fabricar 1,000 totebags y se recogieron 30,000 colillas de cigarrillos. La utilización de seis torres solares evitó el consumo de 324 litros de combustible fósil.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/lollapalooza_argentina_2026_horarios_escenarios_89ab08581c.jpg" alt=""><figcaption>Momentos inéditos, instalaciones que desafían la imaginación y experiencias que transforman lo cotidiano en arte vivo.</figcaption></figure><h3>¡Conseguí tus entradas!</h3>3 Day Pass: este abono general ofrece acceso a los tres días del festival, permitiendo disfrutar de más de 100 bandas en cinco escenarios. La Preventa 5 de este pase tiene un costo de $375.000,00.<ul><li>Compra de comida y bebida a través del sistema LollaCashless, así como la adquisición de merchandising oficial.</li></ul><ul><li>Acceso a estaciones de agua gratuitas, puestos de carga de cashless, alquiler de lockers, y áreas temáticas como Espíritu Verde, Rock &amp; Recycle y Kidzapalooza.</li></ul>3 Day Pass + Plus: este abono eleva la experiencia con comodidades adicionales. La Preventa 6 Plus de este pase cuesta $650.000,00.<ul><li>Ingreso a un sector exclusivo dentro del predio.</li></ul><ul><li>Zonas de relax con sombra, acceso a WiFi, baños preferenciales, pantallas gigantes y estaciones de carga de celular.</li></ul><ul><li>Acceso exclusivo a puestos de gastronomía, merch y bebidas, y puntos de hidratación exclusivos.</li></ul>3 Day Pass Lolla Lounge: La opción premium que garantiza la máxima comodidad y una experiencia inolvidable. La Preventa 5 Lolla Lounge tiene un precio de $905.000,00.<ul><li>Ingreso exclusivo a la zona de Lounge con vista preferencial a los escenarios principales.</li></ul><ul><li>Áreas de descanso con sombra, acceso a WiFi, baños preferenciales, estaciones de carga de celular, lockers gratuitos y un servicio de Look Station.</li></ul><ul><li>Personal dedicado a las necesidades de los asistentes.</li></ul>La adquisición de entradas requiere una verificación de compra para garantizar la seguridad. Los compradores tienen un plazo de 10 días para ingresar un código de 6 dígitos que se reflejará en el consumo de su tarjeta de crédito.Link oficial: <a href="https://www.allaccess.com.ar/event/lollapalooza-2026-venta-general?utm_source=boton&amp;utm_medium=HOME&amp;utm_campaign=Weblolla&amp;utm_id=LollaWeb">Entradas a la venta – Lollapalooza Argentina 2026 </a>Un cartel premiumLa grilla del 2026 reunirá a algunos de los nombres más influyentes de la música internacional. Pop, trap, rock alternativo, electrónica y mucho más.<ul><li>Sabrina Carpenter.</li></ul><ul><li>Tyler, The Creator.</li></ul><ul><li>Chappell Roan.</li></ul><ul><li>Deftones.</li></ul><ul><li>Skrillex.</li></ul><ul><li>Lorde.</li></ul><ul><li>Lewis Capaldi.</li></ul><ul><li>Kygo.</li></ul><ul><li>Peggy Gou.</li></ul><ul><li>Interpol.</li></ul><ul><li>Marina.</li></ul><ul><li>Danny Ocean.</li></ul><ul><li>Aitana.</li></ul>La presencia nacional también tendrá un papel central en el festival, con representantes que aportan identidad y diversidad a la propuesta.<ul><li>Paulo Londra.</li></ul><ul><li>Ratones Paranoicos.</li></ul><ul><li>Soledad.</li></ul><ul><li>Massacre.</li></ul><ul><li>Ezequiel Arias.</li></ul><ul><li>Ludmila Di Pasquale.</li></ul><ul><li>Saramalacara.</li></ul><ul><li>Mora Fisz.</li></ul><ul><li>Reybruja.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0bd51ab24b.png" alt=""><figcaption>El line-up completo del Lollapalooza Argentina 2026.</figcaption></figure>Encontrá toda la info que necesitás en la página oficial: <a href="https://www.lollapaloozaar.com/">https://www.lollapaloozaar.com/</a>.

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El lado B del Lollapalooza Argentina 2026

Bad Bunny lo hizo. El puertorriqueño transformó el Super Bowl, el espectáculo deportivo más importante de la cultura estadounidense, en una celebración latina a gran escala: tradiciones puertorriqueñas, referencias sociales, baile, música urbana y un desfile de banderas marcaron un show histórico que trascendió lo musical.<h2>Un viaje por el show de Bad Bunny en el Super Bowl</h2>La conquista del segundo Super Bowl en la historia de los Seattle Seahawks fue, sin lugar a dudas, el gran momento deportivo del fin de semana, y tal vez hasta del comienzo de año. Pero ese no fue el único hecho ocurrido en el Levi&#x27;s Stadium de California que marcó agenda, y es que el espectáculo de medio tiempo comando por Bad Bunny acaparó todas las miradas, incluso por encima del partido más importante de la NFL, y se convirtió en un momento histórico que quedará grabado para siempre en la memoria de la música latinoamericana. Algo que desde el día del anuncio se sabía que iba a ocurrir. Un show musical de poco más de diez minutos de duración, donde el puertorriqueño repasó los últimos grandes éxitos de su carrera musical y llevó la fiesta latina a uno de los eventos más importantes de la cultura americana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8eada83178.png" alt=""><figcaption>El espectáculo de medio tiempo del Super Bowl de Bad Bunny (Getty Images).</figcaption></figure>El show de medio tiempo del Super Bowl de Bad Bunny comenzó con una declaración tan simple como contundente. Un joven adulto latino apareció en escena para pronunciar la frase “Qué rico es ser latino”, una suerte de manifiesto que funcionó como punto de partida conceptual del espectáculo en el Levi’s Stadium. Acto seguido, el puertorriqueño irrumpió en el campo con “Tití me preguntó” y realizó un recorrido visual por distintas postales de la vida cotidiana puertorriqueña: escenas de personas trabajando en un campo de caña de azúcar con la tradicional pava en la cabeza, puestos de coco frío, ancianos jugando juegos de mesa al aire libre y hasta un puesto de piraguas. Un pasadizo cultural que trasladó al público del Super Bowl al corazón de Puerto Rico.Tras ese primer tramo marcado por lo costumbrista, el espectáculo viró hacia una energía más intensa y provocadora. Temas como “Yo perreo sola” y “Safaera” marcaron el momento de mayor desenfreno, llevando el show a un clima de club nocturno y reafirmando el costado más festivo y desafiante del puertorriqueño, quien imitó el escenario utilizado durante su residencia musical en el Coliseo de Puerto Rico José Miguel Agrelot y llevó estrellas como Young Miko, Pedro Pascal y Karol G.Luego llegó el momento de “VOY A LLeVARTE PA PR” y un breve homenaje a los pioneros del reggaetón con fragmentos de temas como “Pa&#x27; Que Retozen”, “Dale Don” y “Gasolina”, que ofició de puente para la interpretación de “EoO”, donde el puertorriqueño apareció arriba de una camioneta blanca y rodeado de bailarines.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DUhS-WMjpX1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DUhS-WMjpX1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Un pequeño discurso motivacional dado por el propio Bad Bunny y una boda en vivo le otorgaron un momento de pausa al espectáculo musical en el Levi’s Stadium, que no estaba preparado para lo que estaba por ocurrir: la aparición de Lady Gaga. Con un vestido azul celeste plisado, acompañado por una flor de maga, una clara referencia a la vestimenta tradicional dominicana, la artista interpretó junto a “Die With a Smile” en una versión adaptada al merengue y se convirtió en uno de los momentos más especiales del espectáculo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9c51e2c734.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny en plena actuación durante el Super Bowl en el Levi&#x27;s Stadium (Getty Images).</figcaption></figure>La línea del show de medio tiempo siguió con “NUEVAYoL”, que tuvo una serie de guiños que volvieron locos a los presentes: desde la presencia de Toñita hasta la entrega de un Premio Grammy a un niño. En una escenografía inspirada en la tapa del disco “DeBÍ TiRAR MáS FOToS”, Ricky Martín apareció y cantó un retazo de “Lo que le pasó a Hawaii”, en lo que se transformó en otro episodio especial del show.El espectáculo musical en el Levi’s Stadium siguió con “El apagón” y “CAFé CON RON” en una versión electrónica, donde el puertorriqueño apareció subido a un poste de luz, dejando como mensaje la problemática estructural de Puerto Rico tras el huracán María. Ya como cierre y tras esbozar la frase “God bless América”, el único enunciado dicho en inglés durante el show, el puertorriqueño enumeró cada uno de los países del continente acompañado por un desfile de banderas y explotó el estadio con la interpretación de “DtMF”, que convirtió al campo en una fiesta.<h2>La bandera latina como estandarte en la fiesta americana</h2>Más allá de gustos personales —si su música convence o no, si sus letras generan adhesión o rechazo—, resulta imposible pasar por alto la magnitud de lo que Bad Bunny logró en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl. Su actuación no solo fue una de las más ambiciosas en la historia reciente del evento, sino que se convirtió, por escándalo, en una de las presentaciones más importantes y significativas del género urbano latinoamericano en un escenario global. No se trató únicamente de la presencia de un artista que ya es un ícono, sino del contenido, los símbolos y los mensajes que condensó en poco menos de quince minutos de espectáculo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_efc412d736.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny llevando la bandera de Puerto Rico en el Super Bowl (Getty Images).</figcaption></figure>Durante todo el show, Bad Bunny tomó una decisión tan clara como contundente: no hablar en inglés. En el corazón del evento deportivo más importante de Estados Unidos, eligió expresarse desde su idioma y desde su identidad. Cada cuadro estuvo atravesado por referencias explícitas a Puerto Rico: la vestimenta tradicional, el trabajo en el campo de caña de azúcar, los puestos de coco frío, los juegos de mesa al aire libre, la piragua como símbolo cotidiano, y escenas que retratan la vida real de la isla. Incluso hubo espacio para mensajes de plena actualidad, como la alusión a la problemática estructural de los cortes eléctricos que aún persisten tras el huracán María, integrando lo social y lo político dentro de un espectáculo de entretenimiento masivo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fcbeddd687.png" alt=""><figcaption>La fiesta latinoamericana de Bad Bunny en el Super Bowl (Getty Images).</figcaption></figure>El mensaje fue tan directo como histórico: América no es solo Estados Unidos, sino un continente entero, diverso y culturalmente vivo. Bad Bunny no pidió permiso ni buscó traducciones: llevó su mundo al escenario y obligó al evento a adaptarse a él.En ese gesto, el show trascendió lo musical y se transformó en un manifiesto cultural que dejó una huella difícil de ignorar. Lo ocurrido en el Levi’s Stadium no fue solo un show de medio tiempo: fue una afirmación identitaria que marcó un antes y un después para la representación latina dentro de la industria del espectáculo global.

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Bad Bunny y la celebración latinoamericana del Super Bowl

El&nbsp;Spotify Wrapped 2025 celebró a las superestrellas globales, pero también iluminó a una nueva camada de&nbsp;talento urbano latino proveniente de géneros como el&nbsp;trap,&nbsp;dembow y&nbsp;reguetón. La plataforma de&nbsp;streaming tuvo varias voces con cifras impresionantes, que ascendieron desde la esfera local hacia una notable presencia regional.<h2>México y Argentina</h2>México y Argentina, ambos países demostraron que la innovación proviene de estéticas distintivas y de los sonidos no convencionales.&nbsp;El Bogueto, cantante mexicano, lideró el movimiento conocido como&nbsp;reguetón&nbsp;mexa, con una lírica explícita y una marcada estética de calle. Su popularidad se disparó gracias al hit viral&nbsp;“Cuando No Era Cantante”, que sonó intensamente en noviembre de este año. Lo describieron como el&nbsp;“líder de la revolución del&nbsp;reguetón Mexa” en México. El dúo argentino&nbsp;Swaggerboyz irrumpió con una propuesta de&nbsp;trap digital emergente con sello propio. Su estilo catalogado como&nbsp;“punk trap” y su estética anclada en la cultura de internet (memes, saturación sonora) les permitió figurar en listas de&nbsp;nuevos talentos urbanos (“Futuro de la Música”) y ganar tracción viral en la plataforma.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/AQJoTLhIUfQ" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>El Bogueto x Yung Beef - Cuando No Era Cantante - Como Antes ( Video Oficial ).<h2>Chile</h2>La escena chilena demostró una efervescencia particular porque posicionó a varios artistas emergentes en la cima de los rankings. El rapero&nbsp;Kidd Voodoo se coronó como el artista chileno más escuchado en el Wrapped 2025. Acumuló más de&nbsp;962 millones de&nbsp;streams en el año y compartió el Top de artistas con&nbsp;Bad Bunny. El trapero&nbsp;Jere Klein escaló hasta el&nbsp;Top 5 de artistas más escuchados en Chile. Por su parte, el reguetonero&nbsp;FloyyMenor, cerró noviembre con más de&nbsp;22 millones de oyentes mensuales en la plataforma. Su álbum debut&nbsp;YTSQS fue destacado por su innovadora mezcla de&nbsp;reguetón y electrónica y lo posicionó entre los chilenos urbanos con mayor&nbsp;streaming global.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/sha05nczc0Y" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>Kidd Voodoo &amp; Jere Klein - WHISKY A LA ROCA (Video Oficial) | SATIROS 6.5.<h2>Puerto Rico</h2>Dei V, rapero y&nbsp;beatmaker puertorriqueño, se estableció como una figura clave en la nueva ola del&nbsp;trap boricua. Durante este año, el artista colaboró con figuras de Chile y España, incluyendo un trabajo en el álbum de&nbsp;Kidd Voodoo. Su estilo musical fluye&nbsp;“entre el&nbsp;trap duro y el&nbsp;reguetón comercial”, posicionándolo como un enlace importante entre las escenas emergentes de Puerto Rico y el resto de Latinoamérica.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/yNEpyU3PnDI" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>BAD BUNNY ft. Dei V, Omar Courtz - VeLDÁ (Visualizer) | DeBÍ TiRAR MáS FOToS.<h2>Bad Bunny, el rey indiscutido</h2>Como no podía ser de otra manera, Bad Bunny es por cuarta vez consecutiva el&nbsp;artista más escuchado del mundo en la plataforma. El ícono puertorriqueño superó la marca de&nbsp;19.8 mil millones de&nbsp;streams durante 2025 y destronó a&nbsp;Taylor Swift, quien se ubicó en el segundo puesto, con&nbsp;The Weeknd cerrando el podio. El éxito rotundo del puertorriqueño se extendió a la categoría de álbumes, donde su producción&nbsp;"DeBÍ TiRAR MáS FOToS" se posicionó como el disco más reproducido a nivel mundial. Además, su trabajo anterior,&nbsp;"Un Verano Sin Ti", también reapareció entre los 10 álbumes más escuchados del planeta.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_9e415eadbe.png">Bad Bunny, la leyenda viviente.<h2>El lado mainstream</h2>En la categoría de artistas latinos a nivel global, el dominio de los exponentes urbanos es incuestionable y se ordenó de la siguiente manera:<ol><li>Bad Bunny.</li><li>Fuerza Regida.</li><li>Rauw Alejandro.</li><li>Peso Pluma.</li><li>Karol G.</li></ol>La colombiana&nbsp;Karol G se mantuvo como la&nbsp;artista latina femenina más escuchada a nivel mundial y en Estados Unidos por sexto año consecutivo. A ella le siguieron en la lista&nbsp;Shakira,&nbsp;Kali Uchis,&nbsp;Emilia,&nbsp;Young Miko y&nbsp;María Becerra.<h2>Los éxitos más reproducidos</h2>El listado de canciones latinas más escuchadas reafirmó el éxito del "Conejo Malo" y de otros talentos:<ol><li>“DTMF” de&nbsp;Bad Bunny.</li><li>“Baile inolvidable” de&nbsp;Bad Bunny.</li><li>“La plena: W Sound 05” de&nbsp;W Sound, Béele, Ovy On The Drums.</li><li>“Nuevayol” de&nbsp;Bad Bunny.</li><li>“EoO” de&nbsp;Bad Bunny.</li></ol>El puertorriqueño dominó la lista de álbumes latinos:&nbsp;"Debí tirar más fotos" y&nbsp;"Un verano sin ti" ocuparon los dos primeros puestos. Les siguieron&nbsp;"Mi vida mi muerte" de&nbsp;Neton Vega,&nbsp;"Borondo" de&nbsp;Béele y&nbsp;"Incómodo" de&nbsp;Tito Double P.

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La música urbana en el Spotify wrapped 2025  

La Bici Naranjita es un proyecto surgido tras el fin de sus legendarias&nbsp;fiestas de 20 años, conocidas inicialmente como&nbsp;El Ritmo y luego como&nbsp;+160 Drum &amp; Bass Suite, las cuales finalizaron debido a la&nbsp;pandemia.&nbsp;Bad Boy Orange pasó de organizar multitudinarias&nbsp;fiestas semanales a&nbsp;musicalizar las calles en bicicleta.&nbsp;De esta manera, el&nbsp;DJ argentino&nbsp;que supo ser una figura prominente de la&nbsp;escena electrónica y&nbsp;clubber en las últimas décadas, encontró un nuevo espacio para su música con el proyecto. Incluso en&nbsp;grandes festivales como&nbsp;TRImarchi y eventos como el&nbsp;Festival de Jazz de Buenos Aires y&nbsp;BAFICI.&nbsp;<h2>Una experiencia colectiva y rodante</h2>El&nbsp;propósito de&nbsp;La Bici Naranjita es fomentar el&nbsp;entretenimiento, el&nbsp;deporte y la&nbsp;movilidad sustentable. El&nbsp;DJ aspiraba a ofrecer algo&nbsp;accesible y de las&nbsp;calles a la gente. La&nbsp;dimensión colectiva del proyecto se hizo realidad de manera inesperada y sumó a personas con&nbsp;bicis de todo tipo,&nbsp;skates y&nbsp;rollers.&nbsp;Las&nbsp;bicicleteadas se organizan&nbsp;una vez al mes y son&nbsp;gratuitas. Estas atraen a&nbsp;cientos de personas de la&nbsp;Ciudad de Buenos Aires y sus alrededores. Los recorridos duran aproximadamente&nbsp;una hora y cubren cerca de&nbsp;12 kilómetros.&nbsp;Seguilo en Instagram y conocé más detalles de la experiencia:&nbsp;<a href="https://www.instagram.com/labicinaranjita/">@labicinaranjita</a>Bad Boy Orange pedalea y controla su equipo musical. A su vez, arenga a la gente. El&nbsp;DJ generalmente arma&nbsp;sets de drum and bass, que considera que combinan mejor con la&nbsp;energía del rodar por el&nbsp;asfalto a buen ritmo.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_75ee362154.png">[Imagen], por Agustín Frías Silva.<h2>Una bicicleta musical con origen e inspiración&nbsp;&nbsp;</h2>La idea de&nbsp;La Bici Naranjita comenzó a gestarse a&nbsp;fines del 2018 cuando&nbsp;Bad Boy Orange invirtió en duplicar la&nbsp;potencia sonora del&nbsp;soundsystem de&nbsp;Army of Dub. En ese entonces, buscaba una alternativa para el&nbsp;día a día. Con la meta de regresar a las&nbsp;calles, concibió montar un&nbsp;parlante en su bicicleta de transporte diario.&nbsp;En&nbsp;Bogotá, vio una&nbsp;bicicleta cargo estilo&nbsp;Long John con un&nbsp;parlante adaptado en la carretilla, lo cual sirvió de inspiración. El&nbsp;DJ se inspiró también en un&nbsp;inglés,&nbsp;Dom Whiting, quien evolucionó de armar una cabina en intersecciones a usar una&nbsp;bici taxi y finalmente un&nbsp;triciclo a pedal para&nbsp;mezclar música en el momento.&nbsp;La&nbsp;pandemia hizo que el proyecto adquiriera mayor importancia, ya que las&nbsp;reuniones al aire libre se convirtieron en la única opción viable, aunque la falta de presupuesto por el cierre de&nbsp;clubes y&nbsp;bares retrasó su concreción hasta que las actividades comenzaron a&nbsp;regularizarse en 2021.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_ca24d82d53.png">Un evento ganó adeptos y formó una comunidad fiel [Imagen], por Agustín Frías Silva.<h2>Diseño y construcción</h2>El&nbsp;diseño y la&nbsp;construcción del vehículo musical representaron un&nbsp;desafío.&nbsp;Bad Boy Orange contactó a una&nbsp;empresa de Rosario especializada en&nbsp;bicicletas cargo y se basó en un&nbsp;triciclo diseñado para personas con&nbsp;movilidad reducida.&nbsp;El proceso de construcción a distancia fue&nbsp;estresante, requirió ajustar medidas, la&nbsp;posición de manejo, el&nbsp;ángulo de inclinación de la bandeja para la&nbsp;cabina del DJ y el&nbsp;espacio para los parlantes. El&nbsp;color naranja, aconsejado por el&nbsp;DJ Buey, fue elegido por ser el&nbsp;color distintivo de&nbsp;Bad Boy Orange, a pesar de que él consideraba opciones como el&nbsp;negro por ser más neutral y resistente.&nbsp;El sistema de&nbsp;Bad Boy Orange consiste en una&nbsp;bici de cargo adaptada, con una&nbsp;bandeja que contiene la&nbsp;cabina de DJ y un&nbsp;sistema de sonido capaz de alcanzar a&nbsp;200 personas al aire libre.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_aac8721ead.png"> [Imagen], por Instagram/ labicikaraoke.Para apoyar el proyecto de Bici Naranjita, podés contribuir en este link:&nbsp;<a href="https://cafecito.app/labicinaranjita">APORTE A BICI NARANJITA</a>

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