La tarjeta gráfica es uno de los componentes fundamentales de cualquier computadora, pero no todas funcionan de la misma manera: conocé las diferencias entre una GPU integrada y una dedicada.<h2>Tarjeta gráfica dedicada: más rendimiento, memoria propia y mayor consumo</h2>Una tarjeta gráfica dedicada, también conocida como GPU dedicada, es un componente independiente del procesador que está diseñado específicamente para procesar gráficos y ofrecer un mayor nivel de rendimiento.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4b2774a235.png" alt=""><figcaption>La tarjeta gráfica dedicada GeForce RTX 2080 Ti de NVIDIA (NVIDIA).</figcaption></figure>A diferencia de una GPU integrada, cuenta con sus propios recursos de memoria de video (VRAM), lo que le permite trabajar de manera más eficiente con videojuegos, programas de edición, renderizado, modelado 3D y otras tareas que demandan una gran cantidad de procesamiento gráfico.Por eso, las tarjetas gráficas dedicadas suelen ser la opción elegida por gamers, creadores de contenido y profesionales que utilizan programas pesados. A cambio de ese mayor rendimiento, requieren más energía y suelen elevar el costo final de una computadora.<h2>Tarjeta gráfica integrada: menor consumo, precio accesible y tareas cotidianas</h2>Una tarjeta gráfica integrada es una GPU que se encuentra incorporada dentro del procesador o, en algunos casos, dentro del mismo sistema de procesamiento de la computadora.Al compartir recursos con el sistema, generalmente ofrece un rendimiento gráfico menor que una tarjeta dedicada, pero también tiene una ventaja importante: consume menos energía y permite construir equipos más económicos y compactos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8f3e56bb2e.png" alt=""><figcaption>AMD Ryzen 9 7950X, un ejemplo de tarjeta gráfica integrada (AMD).</figcaption></figure>Las GPU integradas son suficientes para tareas cotidianas como navegar por internet, estudiar, utilizar programas de oficina, reproducir contenido multimedia y ejecutar determinados videojuegos poco exigentes.Esto no significa que todas las gráficas integradas tengan el mismo rendimiento. Su capacidad depende del procesador y de la arquitectura utilizada, por lo que existen modelos capaces de afrontar tareas gráficas considerablemente más exigentes.<h2>Tarjeta gráfica dedicada o integrada: ¿cuál conviene elegir?</h2>Aunque ambas cumplen la misma función general —procesar y generar los gráficos que vemos en pantalla—, existen diferencias importantes entre una GPU integrada y una dedicada.La tarjeta gráfica integrada forma parte del procesador o del sistema y comparte recursos con el equipo. Por eso, generalmente tiene un menor rendimiento gráfico, aunque también consume menos energía, genera menos calor y permite construir computadoras más económicas y compactas.En cambio, la tarjeta gráfica dedicada es un componente independiente que cuenta con su propia memoria de video (VRAM). Esto le permite ofrecer un mayor rendimiento en videojuegos, edición de video, renderizado, diseño 3D y otras tareas que requieren una mayor capacidad gráfica.Otra diferencia importante aparece en el consumo energético. Las GPU integradas están pensadas para priorizar la eficiencia, mientras que las dedicadas requieren una mayor cantidad de energía para alcanzar niveles superiores de rendimiento.También existe una diferencia en el precio. Una computadora con gráficos integrados suele ser más económica, mientras que incorporar una GPU dedicada puede aumentar considerablemente el costo final del equipo.<ul><li>GPU integrada: menor consumo, menor precio y suficiente para navegar, estudiar, trabajar con programas de oficina y consumir contenido multimedia.</li></ul><ul><li>GPU dedicada: mayor potencia, VRAM propia y mejor rendimiento para videojuegos modernos, edición, renderizado y diseño 3D.</li></ul><ul><li>GPU integrada: ideal para quienes buscan un equipo económico, eficiente y destinado principalmente a tareas cotidianas.</li></ul><ul><li>GPU dedicada: recomendada para usuarios que necesitan potencia gráfica y buscan mejores niveles de resolución, calidad visual y rendimiento.</li></ul>

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Tarjeta gráfica dedicada o integrada: diferencias, ventajas y cuál elegir

Óscar Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más reconocidos de Latinoamérica gracias a un estilo completamente fuera de lo convencional: crear murales utilizando tapitas de botellas recicladas.<h2>Óscar Olivares, el venezolano que transformó el reciclaje en arte</h2>Dentro de la escena del arte urbano latinoamericano existen artistas que, con el paso del tiempo, terminan especializándose en un tipo de obra capaz de marcar su estilo y distinguirlos del resto. Desde Mode Orozco, el muralista mexicano que inmortaliza a ídolos del deporte latinoamericano, pasando por Luis Morales, el artista peruano vinculado a la cultura pop y la figura del león, hasta decenas de casos más repartidos a lo largo y ancho del continente que han logrado adueñarse de un estilo y convertirlo en propio, distinguiéndose y marcando tendencia por sobre el resto.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d01d8d64e8.png" alt=""><figcaption>El arte de Óscar Olivares en acción (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Y en Venezuela existe un artista que logró marcar tendencia con una manera de crear arte completamente fuera de lo convencional, dejando de lado la pintura tradicional para transformar residuos plásticos en auténticas obras monumentales.Ese es el caso de Óscar Olivares, el venezolano que conquistó el mundo a través de intervenciones creadas con tapitas de botellas recicladas.Nacido en Caracas, Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más populares del territorio venezolano gracias a un estilo marcado por la creación de murales y obras utilizando tapas plásticas como principal herramienta artística. Con huella en más de veinte países, el venezolano realizó intervenciones en gran parte de Venezuela y también en destinos internacionales de la talla de Miami, Houston, Denver, Madrid, Santo Domingo y Kuala Lumpur, construyendo una propuesta artística que logró trascender fronteras gracias a la combinación entre muralismo y reciclaje.Con un vínculo relacionado al arte desde la adolescencia —cuando con apenas 14 años comenzó a dibujar a figuras del fútbol venezolano—, el caraqueño fue construyendo una carrera que no solo lo posicionó como un emblema del arte urbano en Venezuela, sino también como uno de los máximos exponentes del muralismo ecológico a nivel continental. A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones locales e internacionales, recibió distintos reconocimientos y dejó murales tanto en Venezuela como en Estados Unidos, donde incluso cuenta con una obra en Hollywood considerada como el primer mural venezolano de la zona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3d0a47cae.png" alt=""><figcaption>Óscar Olivares y la Gioconda latinoamericana, una de sus obras más reconocidas (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Con el correr de los años, el venezolano terminó ampliando un currículum artístico que hoy lo tiene convertido en uno de los grandes referentes internacionales del arte con material reciclado, llevando su sello basado en tapitas de botellas a distintos rincones del planeta y fusionando muralismo, conciencia ecológica y participación comunitaria en una misma obra.<h2>El olimpo artístico de Óscar Olivares</h2>Todo artista cuenta con una especie de Olimpo de obras seleccionadas, no solo por haber marcado un antes y un después dentro de su carrera, sino también por la relevancia, la magnitud y el impacto que alcanzaron dentro de su currículum artístico. Y, por supuesto, Óscar Olivares también posee dicha sección dentro de su repertorio creativo.<ul><li>L’Italia a casa nostra: mural realizado con más de 180.000 tapas de botellas recicladas en la Casa D’Italia de Maracaibo, Venezuela, inspirado en la arquitectura italiana del Coliseo y en esculturas emblemáticas como La Piedad y el David de Miguel Ángel.</li></ul><ul><li><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-nueva-gioconda-hecha-con-100-000-tapas-en-el-salvador/1796">La Gioconda latinoamericana</a>: obra creada utilizando más de 100.000 tapas de plástico recicladas en el barrio de Zacamil, El Salvador, que representa a una mujer de rasgos latinos, cabello negro, vestido colorido, pendientes dorados y una mirada penetrante que remite a la icónica expresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.</li></ul><ul><li>Noche estrellada de Plástico: pieza artística realizada con 1.500 tapas recicladas y expuesta en el Carrousel du Louvre de París, reinterpretando la clásica obra de Vincent van Gogh desde una mirada ecológica y contemporánea.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ded3aa8e8.png" alt=""><figcaption>Noche estrellada de Plástico de Óscar Olivares (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Más allá de la magnitud visual de cada mural, el trabajo del venezolano logró convertir residuos cotidianos en obras capaces de recorrer el mundo y generar conciencia ambiental desde el arte urbano. Un sello artístico que terminó posicionando a Óscar Olivares como uno de los máximos referentes internacionales del muralismo ecológico contemporáneo.

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El artista que transforma tapitas de botellas en increíbles murales

Juan Pablo (JP) es un artista de la Región de Valparaíso que transforma los muros grises en portales hacia lo sagrado. Con una trayectoria que inició a los 26 años tras abandonar la oficina de arquitectura, hoy combina la creación de murales urbanos con la educación artística en escuelas y talleres particulares.<h3>El arte como un portal hacia la locura y el misterio</h3>Para JP, el espacio público es el escenario ideal para una búsqueda personal que intenta alcanzar un punto medio entre el autor y el espectador. En su visión entiende la creación como un vehículo de experiencias sensibles donde el lenguaje humano funciona como un puente entre lo material y lo espiritual.Busca generar un éxtasis similar al de la poesía. &quot;El arte es un rasgo de la locura, una antena que te conecta con el misterio de la existencia&quot;, afirma. Bajo esta premisa, la razón y la intuición se funden en una certeza corporal que todos los seres humanos pueden compartir y resonar.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_834235b844.png" alt=""><figcaption>Bonneuil-sur-Marne, París, septiembre de 2025. Intervención realizada para un festival, retratando a los trabajadores del puerto en su entorno natural a orillas del río Marne.</figcaption></figure><h3>Símbolos en la ruta latinoamericana</h3>La temática de sus piezas no es azarosa. Existe un hilo conductor que une el sincretismo religioso, la figuración simbólica y el misticismo. El haber viajado como mochilero por el continente fue la llave para entender una raíz común basada en la resiliencia y la camaradería colectiva. Este sentimiento atraviesa toda su obra. &quot;Hay un sentimiento latinoamericano que atraviesa todo mi trabajo&quot;, reconoce.En su paleta técnica, el uso de pintura acrílica, rodillos y pigmentos metálicos define su estilo, donde el color cobre es su herramienta favorita para dinamizar los brillos de la obra.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_705270ac9a.png" alt=""><figcaption>Intervención en Metro Estación Hospital, Viña del Mar.</figcaption></figure><h3>El proceso creativo</h3>A diferencia de otros autores, JP utiliza la poesía y la literatura como los cimientos de sus imágenes. Tiene una metodología equilibrada y delicada. Prepara una base sólida mediante collages y referencias fotográficas, pero deja un margen amplio para que la obra respire y cambie durante la ejecución.Por otro lado, JP valora la incertidumbre del proceso.&quot;Disfruto más el trabajo cuando hago exploración en el mural mientras proyecto los resultados&quot;, explica. Esta flexibilidad le permite que el boceto inicial mute significativamente, de manera que un 30% del resultado final queda a merced de lo que ocurra en el momento frente a la pared.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-arte-que-conecta-con-la-realidad-by-nandy-mondragon/771">El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón</a><h3>La comunidad como el soporte principal</h3>Aunque factores como el clima y la lluvia en lugares como Gran Bretaña condicionan su planificación, el artista prioriza el vínculo social sobre cualquier obstáculo técnico. La calle es su soporte principal porque requiere una sensibilidad especial hacia los lugares y permite ejercitar lazos comunitarios genuinos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_17633944cf.png" alt=""><figcaption>“A la tierra”, mural para el pueblo de Vimioso, Portugal.</figcaption></figure>JP comulga con la filosofía de Violeta Parra “los vecinos en el centro de la experiencia”. &quot;Me quedo con la gente, porque el contexto social es un ingrediente relevante en la obra&quot;, sostiene. Para él, ser un agente dentro de una red de personas es lo que da sentido a la cultura en el espacio público.<h3>Identidad y rechazo a las fórmulas repetitivas</h3>El trabajo de JP está en constante metamorfosis. El artista integra paulatinamente la abstracción para ampliar su capacidad expresiva sin perder la figuración como vehículo de comunicación básico.A pesar de la presión actual por la presencia digital, prefiere gestionar su carrera mediante contactos directos y correos electrónicos. Tiene una postura firme frente a la tecnología: &quot;Quiero ser pintor, no un creador de contenido para las redes sociales&quot;, sentencia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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JP, el arquitecto que dejó la oficina para intervenir las calles

Afonsoul utiliza el espacio público como un lienzo para la resiliencia. Este artista visual brasileño, hoy radicado en Portugal, define su búsqueda como una mezcla de elementos figurativos y abstractos orientada a la expresión humana, donde cada mural funciona como un puente de pertenencia y colectividad que invita al diálogo.<h3>El ritual de la creación urbana</h3>En la obra de este muralista, los conceptos de identidad y esperanza en tiempos difíciles son constantes que ofrecen un punto de pausa en el caos citadino. Tiene un proceso creativo que nace de una sensación u observación personal. Luego, lo traduce en sketches digitales y fotos de referencia, aunque siempre deja margen para el improviso. &quot;En la calle, el proceso se vuelve casi un ritual donde la obra se construye técnica y emocionalmente&quot;, detalla Afonsoul.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7667353cb.png" alt=""><figcaption>Bajo el título &quot;Las pequeñas rebeliones&quot;, esta colección de Afonsoul define el acto de soñar como un ejercicio de resistencia y una luz interna.</figcaption></figure><h3>El reconocimiento internacional</h3>Al instalarse en Lisboa, su trabajo ganó un control técnico que limitó al &quot;ser explorador&quot; de sus inicios, llevándolo a buscar hoy un equilibrio entre la maestría y la disonancia formal para añadir intensidad.Dos obras marcaron su carrera: &quot;Origens&quot; (2022) en São Paulo, que le abrió las puertas de la escena regional, y el mural que le valió el segundo puesto mundial en Street Art Cities en 2024. &quot;Fue un divisor de aguas porque confirmó que estaba construyendo un lenguaje fuerte e internacional&quot;, reconoce Afonsoul.<h3>Del refugio pandémico a la conquista de la calle</h3>Afonso de Oliveira inició su vínculo con la creación gracias a la curiosidad infantil, pero la verdadera transformación profesional ocurrió cuando decidió utilizar la pintura como una válvula de escape ante la crisis global. &quot;Me reconecté durante la pandemia, que fue cuando me sumergí de lleno en este mundo y utilicé el arte como refugio&quot;, cuenta. Esa necesidad de lenguaje y presencia lo empujó hacia el espacio público, atraído por una fuerza que no entiende de jerarquías académicas. &quot;La calle no pide permiso para existir, es viva, directa y fluida&quot;, explica Afonsoul, quien buscaba que su obra fuera accesible y cotidiana para quienes jamás visitan una galería.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c86d1f0512.png" alt=""><figcaption>Inspirado por la emoción de sus raíces, Afonsoul intervino la Casa Arraiá con un muro que celebra el éxito de un camino que une a Santos con el mundo.</figcaption></figure><h3>Los desafíos del entorno urbano</h3>Para el artista, la colaboración y el aprendizaje constante son fundamentales. Mantiene una relación estrecha con la comunidad artística. Respecto a la efimeridad del soporte urbano, la acepta como una característica intrínseca de su belleza, incluso cuando sus mejores trabajos han sido cubiertos en apenas 12 horas. &quot;Aunque la obra desaparezca físicamente, permanece en la experiencia de quien la vio&quot;, reflexiona Afonsoul.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/despues-de-dos-anos-maxi-bagnasco-volvio-a-pintar-en-buenos-aires/1707">Después de dos años, Maxi Bagnasco volvió a pintar en Buenos Aires</a>En cuanto a los obstáculos, menciona las burocracias de Lisboa y el clima, pero enfatiza que el reto mayor es la humildad. &quot;El ejercicio de dejar el ego de lado y ponerse en el papel del otro es lo más desafiante&quot;, asegura Afonsoul, con el entendimiento de que la arquitectura y la luz del lugar son coautores del resultado final.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f21ef1d98d.png" alt=""><figcaption>Con el mural titulado &quot;La soñadora&quot;, Afonsoul simbolizó la resistencia del foco y la pasión personal, recordándonos que el sueño es siempre superior a la fragilidad de nuestro barco o la fuerza de la marea.</figcaption></figure><h3>Redes sociales y la visión sobre América Latina</h3>Si bien las redes sociales son herramientas de difusión clave, su foco permanece en la conexión real. Al observar el panorama en su tierra natal, ve una autenticidad y urgencia envidiables, nacidas de la necesidad cultural frente a la falta de incentivos institucionales. &quot;La esperanza y alegría de nuestro pueblo es visible en nuestra producción artística&quot;, sostiene.Como cierre de su aprendizaje, enfatiza que la consistencia vence al talento y que la inspiración solo llega a través de la disciplina. &quot;El mundo se enamorará de lo que tienes para decir, no de lo que otros dicen y tú simplemente repites&quot;, aconseja Afonsoul a quienes se inician en este camino de intensidad y humanismo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DTU1TBTjAk3/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DTU1TBTjAk3/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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Afonsoul: “utilizo el arte como refugio”

¿Sabías que una vez dos skaters brasileños llevaron sus tablas a algunas de las construcciones más importantes de Brasil? Así es: los skaters Murilo Peres y Pedro Barros quedaron grabados en la historia al recorrer con sus trucos el legado arquitectónico de Oscar Niemeyer, uno de los mayores referentes de la arquitectura moderna.<h2>Skateboarding sobre concreto histórico: la inolvidable sesión de Murilo Peres y Pedro Barros</h2>A lo largo de la historia del skateboarding existen momentos que quedaron grabados para siempre en la memoria colectiva de la disciplina. Desde trucos que redefinieron los límites de lo posible hasta sesiones que transformaron espacios impensados en escenarios de expresión urbana, el skate ha construido una cultura capaz de encontrar nuevas posibilidades en cualquier rincón del mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8186e6cfac.png" alt=""><figcaption>Murilo Peres y Pedro Barros dentro de la Catedral de Brasilia (Red Bull).</figcaption></figure>Y si hay una postal que representa esa capacidad de reinterpretar el espacio, es la protagonizada por los brasileños Murilo Peres y Pedro Barros cuando llevaron sus tablas a algunas de las obras más emblemáticas de Oscar Niemeyer, considerado el arquitecto más importante de Brasil, una de las figuras fundamentales de la arquitectura moderna y una pieza clave en revolucionar la manera de entender el hormigón, elevando al humilde cemento a una nueva dimensión a través de curvas libres, formas orgánicas y estructuras que transformaron para siempre el paisaje urbano brasileño.En una sesión que rápidamente se convirtió en una referencia dentro del skate latinoamericano, los riders recorrieron espacios icónicos diseñados por el arquitecto, entre ellos el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, el Pabellón de la Bienal de San Pablo y el Congreso Nacional de Brasil, lugares concebidos décadas atrás para la contemplación, la circulación y el encuentro ciudadano que encontraron una nueva lectura a través del skateboarding.La escena resulta todavía más fascinante si se tiene en cuenta que cuando Niemeyer dibujó muchas de estas construcciones sobre el papel, el skateboarding ni siquiera existía como disciplina. Sin embargo, décadas después, sus curvas, desniveles y transiciones parecían haber sido creadas para ser recorridas por una tabla. Como si la búsqueda de libertad, creatividad y exploración presente en la esencia del skate también hubiera estado escondida desde siempre en las líneas del arquitecto brasileño.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/xceuWCtrdGA" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Más que una simple sesión, el proyecto funcionó como un encuentro entre arte, arquitectura y cultura urbana. Un diálogo entre dos universos creativos separados por generaciones pero unidos por una misma idea: desafiar los límites establecidos y encontrar nuevas formas de habitar el espacio.Porque si algo han demostrado tanto la obra de Niemeyer como el skateboarding es que la creatividad no entiende de fronteras. Y que, a veces, todo aquello que alguna vez salió del lápiz de un arquitecto también puede convertirse en el escenario perfecto para una nueva línea de skate.El momento protagonizado por Murilo Peres y Pedro Barros quedó grabado como una de las sesiones más emblemáticas de la historia reciente del skateboarding brasileño. No solo por la calidad de los trucos o por el nivel de los protagonistas, sino por haber llevado la tabla a algunos de los espacios arquitectónicos más importantes de Brasil, construyendo un puente entre el legado de Oscar Niemeyer y la cultura urbana contemporánea.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0351ccf6d9.png" alt=""><figcaption>El skate de Murilo Peres y Pedro Barros dentro de la obra de Oscar Niemeyer (Red Bull).</figcaption></figure>Una demostración de que el skateboarding puede dialogar con cualquier entorno y encontrar nuevas formas de expresión incluso en aquellos lugares que, décadas atrás, parecían imposibles de imaginar como escenarios para patinar.

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El día que el skateboarding conquistó la obra de Oscar Niemeyer

A pocos días del inicio de una nueva Copa del Mundo, Argentina vuelve a rendirse ante la figura de Lionel Messi. Desde Rosario hasta Mendoza, pasando por Córdoba, Santiago del Estero y Buenos Aires, las paredes del país se transformaron en enormes homenajes urbanos dedicados al capitán argentino, construyendo un recorrido artístico que celebra al futbolista más importante de la historia nacional.<h2>Berazategui y un homenaje colectivo al capitán argentino</h2>Uno de los homenajes más recientes dedicados a Lionel Messi en Argentina se encuentra en el centro de Berazategui, provincia de Buenos Aires, donde un gigantesco retrato del capitán argentino se convirtió en un nuevo punto de encuentro para fanáticos y vecinos de la ciudad.Ubicado sobre la avenida Mitre 1368, el mural fue realizado por los artistas Federico Medoro y Leonel García y presenta un imponente primer plano del rostro de Messi.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e2acc49d37.png" alt=""><figcaption>Los artistas Federico Medoro y Leonel García junto al mural en homenaje a Messi en Berazategui (Instagram).</figcaption></figure>La obra nació como una forma de agradecer y celebrar la alegría que el futbolista generó en millones de argentinos tras la conquista de la Copa del Mundo de Qatar, aunque también se destacó por una particularidad: más de mil personas participaron del proyecto dejando sus firmas y colaborando para hacerlo realidad.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZIEhWLRuRb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZIEhWLRuRb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>El trabajo comenzó durante el mes de marzo y demandó jornadas de entre seis y ocho horas diarias, extendiéndose hasta finales de mayo. Con el paso de las semanas, la intervención fue ganando notoriedad hasta trascender las fronteras de Berazategui y llegar al propio Lionel Messi, quien envió un mensaje de agradecimiento a los artistas y a todas las personas involucradas en la realización de la obra, consolidando el mural como uno de los homenajes urbanos más emblemáticos y recientes dedicados al campeón del mundo.<h2>El mural más grande de Messi en Mendoza</h2>En la ciudad de Tunuyán, provincia de Mendoza, el muralista mendocino Renzo Correa (conocido en la escena artística como RECnebulus) realizó uno de los homenajes urbanos más impactantes del país.Ubicada en el Polideportivo Central de Tunuyán, esta gran obra combina hiperrealismo y surrealismo. La composición presenta tres representaciones clave del capitán argentino:<ul><li>Una besando la Copa del Mundo tras la consagración en Qatar.</li></ul><ul><li>Otra celebrando un gol.</li></ul><ul><li>Un retrato en primer plano de su rostro.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2f01ccc736.png" alt=""><figcaption>Messi hecho mural en Tunuyán (Gobierno de Tunuyán).</figcaption></figure>Todo esto se encuentra sobre un fondo oscuro atravesado por tres estrellas que simbolizan los títulos mundiales de la Selección argentina. Considerada la representación de Messi más grande de la provincia de Mendoza, la obra se transformó rápidamente en un punto de encuentro turístico y futbolero.<h2>Messi toma una histórica esquina de Río Cuarto</h2>En la ciudad de Río Cuarto, provincia de Córdoba, el artista visual Gastón Liberto realizó un nuevo homenaje urbano dedicado a Lionel Messi, sumando otra obra de gran escala al recorrido artístico que celebra la figura del capitán argentino a lo largo del país.Ubicado sobre una emblemática esquina del centro riocuartense, el mural se extiende a lo largo de 25 metros de ancho por 6 metros de alto y presenta a Messi en blanco y negro sobre una bandera argentina intervenida con una estrella que reemplaza al tradicional Sol de Mayo, un recurso visual que remite directamente a la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar. La intervención envuelve por completo la fachada de una histórica construcción de arquitectura italiana que actualmente funciona como 495 Club.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a0355a93f1.png" alt=""><figcaption>Gastón Liberto realizando los últimos detalles del mural de Lionel Messi en Río Cuarto (Instagram/Gastón Liberto).</figcaption></figure>La obra fue realizada por Gastón Liberto, uno de los muralistas argentinos más reconocidos de la actualidad. Con una trayectoria internacional que incluye proyectos en ciudades como Barcelona, Miami, Córdoba y Buenos Aires, el artista desarrolló un estilo realista y expresivo que lo llevó a retratar figuras como Diego Maradona, Pablo Aimar, La Mona Jiménez y el propio Lionel Messi. Además de homenajear al capitán argentino, el mural busca poner en valor el patrimonio arquitectónico local y transformar el espacio público a través del arte.<h2>El festejo ante México convertido en arte en Santiago del Estero</h2>En la ciudad de Frías, provincia de Santiago del Estero, el artista plástico Julián Ávila llevó la figura de Lionel Messi al espacio público a través de una obra que retrata uno de los momentos más recordados del capitán argentino durante el Mundial de Qatar.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ae02261804.png" alt=""><figcaption>El mural en homenaje a Lionel Messi en la ciudad de Frías, Santiago del Estero (Julián Ávila).</figcaption></figure>Ubicado en la ex terminal de ómnibus de la ciudad, el mural presenta a Messi celebrando el triunfo frente a México en la fase de grupos de la Copa del Mundo, una imagen que quedó grabada en la memoria colectiva de los argentinos. La composición muestra al futbolista sobre un fondo azul marino acompañado por los característicos rayos del Sol de Mayo, uno de los símbolos más representativos de la identidad nacional.Con unas dimensiones aproximadas de cinco metros de alto por siete de ancho, la intervención se convirtió en una de las obras urbanas más destacadas de Frías y en un nuevo homenaje artístico al capitán que condujo a la Selección argentina hacia la conquista de la tercera estrella mundialista.<h2>Rosario, la ciudad donde Messi se convirtió en mural</h2>Rosario, la cuna de Lionel Messi, alberga uno de los recorridos de arte urbano más extensos dedicados al capitán argentino, retratando diferentes etapas de su vida.<ul><li>Barrio La Bajada: En el barrio de su infancia hay más de treinta murales que recuerdan sus primeros años e inicios en el fútbol. Allí, en la Escuela Nº 66 “General Las Heras”, se conserva un mural de 2015 impulsado por la Fundación Messi y pintado por el brasileño Paulo Cosentino.</li></ul><ul><li>Club Abanderado Grandoli: El sitio histórico donde dio sus primeros pasos con una pelota.</li></ul><ul><li>Homenajes Monumentales: Destacan el mural “De Otra Galaxia y de Mi Barrio” (de Imagina y Grupo Sismo) y, principalmente, “De Otra Galaxia y de Mi Ciudad”. Este último, con casi setenta metros de altura y más de 500 metros cuadrados, se consolidó como el mural dedicado a Messi más grande de Rosario.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e5e695e0de.png" alt=""><figcaption>El mural &quot;De Otra Galaxia y de Mi Ciudad&quot; en Rosario (Goal).</figcaption></figure>El recorrido continúa por sitios históricos como el Club Abanderado Grandoli, donde dio sus primeros pasos con una pelota, y alcanza algunas de las intervenciones más monumentales de la ciudad. Entre ellas se destacan “De Otra Galaxia y de Mi Barrio”, realizado por los artistas de Imagina y Grupo Sismo durante la Copa América 2021, y “De Otra Galaxia y de Mi Ciudad”, una obra de casi setenta metros de altura y más de 500 metros cuadrados que se convirtió en el mural dedicado a Messi más grande de Rosario, consolidando a la ciudad como uno de los principales destinos para quienes buscan seguir la huella artística del campeón del mundo.<h2>El homenaje monumental de Martín Ron en el corazón de Buenos Aires</h2>En pleno corazón de la Ciudad de Buenos Aires, sobre la Avenida 9 de Julio a la altura de la Avenida Belgrano, se encuentra uno de los homenajes urbanos más emblemáticos dedicados a Lionel Messi.La obra fue realizada por el reconocido muralista argentino Martín Ron un año después de la consagración de la Selección Argentina en el Mundial de Qatar y retrata al capitán argentino en pleno festejo, con el brazo alzado y el puño cerrado, transmitiendo toda la emoción de la conquista de la tercera estrella.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0511174998.png" alt=""><figcaption>La obra de Martín Ron en homenaje a Lionel Messi en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure><ul><li>Dimensiones: cercanas a los 35 metros de alto por 20 metros de ancho.</li></ul><ul><li>Materiales: se necesitaron más de 200 litros de pintura y alrededor de 50 brochas.</li></ul><ul><li>Equipo: un grupo de cuatro personas trabajando durante varias semanas.</li></ul>El resultado final no solo transformó el paisaje urbano de una de las avenidas más transitadas de Argentina, sino que también consolidó al mural como una parada obligada para turistas, fanáticos del fútbol y amantes del arte urbano que visitan la capital argentina.

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Los murales de Messi que conquistan las calles argentinas rumbo al Mundial

La chef pastelera María Cristina Martignoni lidera un emprendimiento gastronómico singular en la Ciudad de Buenos Aires. Cookies Slice elabora galletas gigantes de 26 centímetros con forma de pizza, un proyecto que funciona desde un obrador hogareño en el barrio de Núñez y gestiona sus pedidos a través de las redes sociales.El origen de esta propuesta combina la inspiración internacional con la búsqueda de un diferencial local. &quot;La idea surgió a comienzos del año pasado, después de uno de mis viajes a Europa, donde tuve la oportunidad de conocer a Cédric Grolet y de probar sus famosas cookies&quot;, relata la fundadora. Tras quedar fascinada con el trabajo del chef francés, Cirsitna decidió adaptar ese concepto al paladar argentino. &quot;Me pareció que poder reproducir esa idea acá, en un mercado tan saturado donde hay que destacarse, era una gran oportunidad para elevar mis productos a otro nivel&quot;, asegura.Podés conocer más en su <a href="https://www.instagram.com/cookieslice_/">Instagram</a>.<h3>Un menú poético de sabores y estaciones</h3>La creadora describe su carta actual no como un menú, sino como un poema. Las combinaciones actuales incluyen:<ul><li>La Princesa: Praliné de pistacho, frambuesas y lluvia de pistachos.</li></ul><ul><li>Lemon Pie: Curd de limón, ganache de chocolate blanco con limón y merenguitos.</li></ul><ul><li>Full Choco: Ganache de chocolate, praliné de avellanas y lluvia de avellanas.</li></ul><ul><li>Toffee: Pasta de maní casera, caramelo y lluvia de maní.</li></ul>A pesar de la rotación estacional, como la versión primavera que suma sabores como Cheesecake y La Naranjita, hay una opción que se mantiene como la favorita indiscutida. &quot;La cookie más vendida es la versión clásica; fue la primera que sacamos y con la que empezó todo&quot;, confirma Cristina. Para ella, el secreto del éxito reside en la elaboración artesanal: &quot;Creo que lo que más nos destaca es que todos los toppings los hacemos nosotros 100% desde cero&quot;, puntualiza.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749649f8de.png" alt=""><figcaption>Versión Full choco.</figcaption></figure><h3>La arquitectura de la masa y la logística</h3>El cliente puede elegir entre tres bases de masa distintas: Clásica (vainilla con chips), Red Velvet (masa roja con chips blancos) y Doble Chocolate (masa oscura). La estructura del producto ofrece versatilidad para compartir:<ul><li>Cookie entera: ocho porciones triangulares ($38.000).</li></ul><ul><li>Media cookie: cuatro porciones ($22.000).</li></ul>Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/conoce-las-famosas-cookies-de-la-reini/1015">Conocé las famosas cookies de La Reini</a>Las cajas surtidas permiten probar la variedad de la carta, aunque el usuario también tiene la libertad de pedir un solo gusto para todas las porciones. El packaging refuerza la experiencia lúdica, una decisión que llegó tras definir el concepto central. &quot;Después de la inspiración inicial vinieron los detalles como la creación de sabores, el nombre y la idea de venderlas en cajas de pizza&quot;, explica la chef.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e732d9e271.png" alt=""><figcaption>María Cristina Martignoni, la creadora de Cookies Slice.</figcaption></figure>Actualmente, Cookies Slice no posee local a la calle. Los pedidos se retiran en el punto de entrega en Núñez o se envían dentro de CABA y alrededores, manteniendo la exclusividad de una producción artesanal que busca transformar el concepto tradicional de la cafetería porteña.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DT-tv_eDsmX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DT-tv_eDsmX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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Cookies en forma de pizza, el nuevo vicio dulce de la ciudad

La corriente artística femenina en Argentina es un movimiento en constante expansión, y si hay que hablar de referentes, es imposible no mencionar a Malditas Ternura, el colectivo conformado por Sisa Soldati y Sofi Mele.<h2>El origen de Malditas Ternura</h2>La presencia femenina dentro del arte urbano crece a pasos firmes a lo largo y ancho de Latinoamérica, con colectivos que no solo intervienen el espacio público, sino que también lo resignifican. Y si hablamos acerca de Argentina en particular, ahí es donde aparece el colectivo Malditas Ternura, un proyecto conformado por Sisa Soldati y Sofi Mele, artistas visuales, docentes y muralistas formadas en la UNA (Universidad Nacional del Arte) y en la UBA (Universidad de Buenos Aires) en Artes Visuales y Diseño Gráfico.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d1fa7e16a9.png" alt=""><figcaption>El arte de Malditas Ternura (Malditas Ternura).</figcaption></figure>“Comenzamos pintando de forma individual en la calle con un interés común: llevar nuestras obras al espacio público. Nos conocimos fundando la Asociación Argentina de Mujeres Muralistas (AMMURA) y forjamos una amistad. Luego de nuestras primeras giras individuales decidimos trabajar en conjunto para unir fuerzas y crear un proyecto pensado para cada lugar específico, donde el mural dialogue con las inquietudes del territorio”, cuentan Sisa y Sofía acerca del inicio del colectivo.<h2>La calle como espacio de creación</h2>La elección del espacio donde se materializa una obra suele ser uno de los primeros pasos dentro del proceso creativo. Mientras algunos artistas optan por el bastidor o estructuras intervenidas, otros encuentran en el espacio público el territorio ideal para desarrollar su lenguaje visual: “Elegimos la calle porque creemos en el muralismo como un motor para revalorizar el espacio público como territorio cultural. Nos interesa disputar el lugar que hoy ocupan los mensajes publicitarios vacíos, aportando discursos poéticos que sean patrimonio de acceso para todxs. De todas maneras también trabajamos en otros formatos, como escultura, pintura e instalaciones. Nos interesa la posibilidad interdisciplinaria del arte y cruzar conocimientos de las distintas áreas”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_48053b0e4e.png" alt=""><figcaption>El arte de Malditas Ternura (Malditas Ternura).</figcaption></figure><h2>La esencia creativa de Malditas Ternura</h2>La rutina de trabajo de Malditas Ternura parte de una investigación profunda con enfoque de género y ecologista en torno a la pintura occidental, con el objetivo de desarrollar murales que habiten la historia artística de los territorios donde intervienen. A nivel formal, su propuesta vincula la síntesis gráfica con la pintura tradicional, reinterpretando imágenes a través de pinceladas personales y técnicas compositivas que buscan generar un diálogo entre la historia del arte y la contemporaneidad.En cuanto al proceso creativo, el colectivo tiene bien definido cada paso de su metodología: “El relevamiento de información teórica y visual sobre las particularidades e historias del lugar donde estará el mural es muy importante para nosotras. Pensamos malditas como un laboratorio de pensamiento con el territorio. Analizamos el paisaje y el imaginario del lugar (su historia, sus artistas locales y su arquitectura). El proceso suele tener una etapa de pre-producción (diseño y logística), seguida de la ejecución y, muchas veces, actividades simultáneas como talleres o conversatorios”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_82e65e66bc.png" alt=""><figcaption>El arte de Malditas Ternura (Malditas Ternura).</figcaption></figure>La elección de los espacios no responde únicamente a una decisión puntual, sino a una red de oportunidades y búsquedas constantes. Sisa y Sofía llegan a distintas paredes a través de festivales de arte urbano, convocatorias públicas, proyectos privados y residencias internacionales, donde continúan expandiendo su práctica.En lo técnico, el trabajo del colectivo también presenta una identidad clara y definida: “Por nuestra formación, combinamos herramientas de las artes visuales clásicas con resoluciones de diseño. Utilizamos pintura plástica y pintamos con pinceles y rodillos. El color es muy importante en nuestras obras, buscamos cada uno de los tonos realizando varias pruebas y mezclas, por lo que no trabajamos con colores de código sino preparados en el momento.”<h2>Las barreras dentro del muralismo</h2>En el mundo artístico, al igual que en otros universos o disciplinas, las dificultades a la hora de trabajar pueden surgir desde cuestiones técnicas —como materiales o tiempos de ejecución— hasta factores externos que atraviesan el proceso creativo.Sin embargo, en el caso de Malditas Ternura, el principal obstáculo aparece ligado a una problemática estructural: la desigualdad de género dentro del arte urbano.“Una de las grandes dificultades es la disparidad de género en el ámbito del arte urbano, por eso fuimos parte de las fundadoras de la Agrupación de Mujeres Muralistas de la Argentina (AMURA), desde donde trabajamos por los derechos laborales y la visibilidad de las mujeres en la calle. También creemos que es difícil encontrar proyectos de investigación que trabajen con el entorno y no busquen resultados con una estética similar a la publicitaria. Retratos gigantes, colores saturados, de impacto y decoración”, cuentan Sisa y Sofía, las caras del colectivo artístico Malditas Ternura.<h2>El valor de la improvisación</h2>Hay artistas que eligen trabajar siguiendo un paso a paso estructurado, desde la planificación inicial hasta la ejecución final, mientras que otros prefieren dejarse llevar por su intuición y su faceta más espontánea. Para Malditas Ternura, la improvisación ocupa un lugar clave dentro del proceso creativo, funcionando como una herramienta que potencia el resultado final: “Aunque somos súper metódicas con el diseño previo, la improvisación es la que nos permite aterrizar la idea a la escala real. En el muro siempre surgen imprevistos: una ventana que no estaba en el plano, la rugosidad de la pared o cómo pega el sol a distintas horas. Ahí es donde el error se vuelve oportunidad; nos permitimos soltar el pincel para que el gesto sea más libre y personal.”<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d3a660aaeb.png" alt=""><figcaption>El arte de Malditas Ternura (Malditas Ternura).</figcaption></figure><h2>La obra más allá de las pantallas</h2>En la actualidad, las redes sociales se han convertido en una vidriera fundamental para los artistas, permitiéndoles mostrar sus obras y expandir su alcance hacia nuevos públicos y territorios. Sin embargo, para Malditas Ternura, la importancia del mural sigue estando profundamente ligada a su contexto original.“Nos interesa más el mural en su contexto que en las redes, ya que los muros se descontextualizan de su territorio y a veces son leídos como imágenes aisladas. Sin embargo entendemos que son un puente directo con el mundo y que nos permite crear redes de intercambio internacional. Así como la difusión de nuestro trabajo y también del proceso y los talleres que damos. Es un espacio que nos ayuda a mostrar nuestra investigación y poder no solo acceder a oportunidades laborales, sino también, fortalecer la red de artistas y trabajadores del arte”, comparten Sisa y Sofía.<h2>El arte como pausa en la ciudad</h2>Más allá de lo estético, cada intervención de Malditas Ternura busca generar una pausa dentro del ritmo cotidiano y abrir nuevas formas de interpretación sobre lo que nos rodea. Sus obras no solo dialogan con el entorno, sino también con quienes las observan: “Buscamos generar una momento para detenerse en la cotidianidad urbana. Queremos que el espectador se pregunte ‘¿cuántos mundos hay dentro del mundo?’. Al combinar elementos de la naturaleza con estéticas digitales contemporáneas, intentamos que las personas se detengan y sientan que el muro es una ventana hacia otra historia del arte, recordándoles que la realidad tiene múltiples capas que se superponen”

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La huella femenina que redefine el muralismo argentino: Malditas Ternura

Buenos Aires presenta una cartelera de experiencias inmersivas que integran tecnología de última generación y puestas en escena no convencionales. La oferta actual de la ciudad incluye desde el uso de realidad virtual y metaverso en parques temáticos, hasta propuestas de teatro interactivo y cenas sensoriales que eliminan la distancia entre el espectador y la obra. En esta selección detallamos los puntos clave, las ubicaciones y las características técnicas de las actividades que lideran la agenda de entretenimiento local.<h3>Imprescindibles de la temporada </h3>Dentro del abanico de opciones, hay experiencias que destacan. Estas propuestas lideran la tendencia del entretenimiento actual en la capital:Meta Park, el portal al metaverso argentinoEste es el primer <a href="https://www.instagram.com/metaparkok/reels/">parque de experiencias</a> diseñado específicamente para el metaverso en el país. Cuenta con cuatro sedes (Trepark y Escape Games en Almagro, San Telmo y Villa Urquiza) equipadas con visores Oculus Quest 2. Los visitantes pueden acceder a estaciones de juego donde exploran entornos digitales, participan en simuladores de alta precisión, recorren galerías de arte virtuales o asisten a recitales recreados mediante tecnología digital.Art Masters, el Museo del Prado en La RuralEsta exhibición utiliza tecnología multiusuario para trasladar a los asistentes al interior de las obras maestras de Madrid. La propuesta permite caminar físicamente por el salón de Las Meninas de Velázquez, ver los detalles oníricos de El jardín de las delicias de El Bosco o enfrentar la oscuridad de El aquelarre de Goya. Es un recorrido de 360 grados que muestra la historia del arte clásico bajo una óptica contemporánea. <a href="https://www.instagram.com/artmasters.ba/?hl=es">¡Conocé más acá!</a><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4bdffdce4f.png" alt=""><figcaption>Así se ven los espectadores que pasean por las salas [Imagen], por Art Masters</figcaption></figure>Colón Inmersivo – Monet, impresionismo en el teatroEl Teatro Colón transforma su sala principal en una obra dinámica dedicada a Claude Monet. Mediante proyecciones de gran escala y animaciones envolventes, los cuadros del maestro impresionista cobran vida sobre la arquitectura del teatro. La experiencia se complementa con una curaduría musical que guía al espectador a través de la luz y los paisajes que definieron la obra del artista francés.<a href="https://teatrocolon.org.ar/produccion/colon-inmersivo-monet/">¡Conocé más acá!</a>Frenessi Buenos Aires, alta cocina y mundos virtualesUbicado en Puerto Madero, combina la alta cocina con la realidad virtual. En <a href="https://www.instagram.com/frenessi.argentina/?hl=es">Frenessi</a>, cada plato corresponde a un entorno diferente donde cambian sabores, aromas, y principalmente la temperatura ambiente y el paisaje visual. Los comensales viajan por diversos mundos mediante un recorrido sensorial que integra cócteles de autor y tecnología de simulación.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DTLxLWBkU4_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DTLxLWBkU4_/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>Otras dimensiones: historia, misterio y sentidos</h3>La oferta se completa con las siguientes paradas:<ul><li><a href="https://www.laruralticket.com.ar/event/el-horizonte-de-keops">El Horizonte de Keops</a>: una expedición de realidad virtual en La Rural que permite explorar las cámaras ocultas de la Gran Pirámide de Guiza.</li></ul><ul><li><a href="https://feverup.com/es/buenos-aires/candlelight?srsltid=AfmBOoof7qMO9-VOg5snHxwAzdFo5ksXc35qonfPDIIq9T3SZ3jO2w0Y">Candlelight</a>: ciclo de conciertos iluminados por miles de velas en sedes como el Auditorio Colegio San José. Tributos a bandas como Queen o Soda Stereo.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/elateneograndsplendid/?hl=es">Experiencia Grand Splendid</a>: un recorrido por sectores privados de la famosa librería Ateneo Grand Splendid que incluye una sala inmersiva sobre su historia y acceso a su cúpula original.</li></ul><ul><li><a href="https://teatrociego.org/carteleratc/?gad_source=1&amp;gad_campaignid=22101336388&amp;gbraid=0AAAAA9Z1CMAOKZE-zzG5A-LZMNRqhYqVF&amp;gclid=Cj0KCQiA2bTNBhDjARIsAK89wlFyT82Z49Dj80Tsh0R887SZ1MrmCEqbnuepX68IFWw3Y_A7NkJGS8waApReEALw_wcB">Teatro Ciego</a> propuesta en Palermo donde la oscuridad total obliga al espectador a utilizar el oído, el tacto y el olfato para seguir obras teatrales o cenas.</li></ul><ul><li><a href="https://feverup.com/es/buenos-aires/the-jury-experience?srsltid=AfmBOorHs5YkrH2RnJD53DUYt3cywE-yjmZLrzJBF6xXpVkUn-kLIP_w">The Jury Experience</a>: teatro interactivo en el Teatro Margarita Xirgu donde el público asume el rol de jurado en un juicio con pruebas forenses y testimonios en vivo.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/h.e.l.l.experiment/?hl=es">Hell Experiment</a>: una experiencia de terror inmersivo basada en un supuesto estudio del sueño donde los participantes enfrentan sus pesadillas en escenarios teatrales inquietantes.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@entresustos/video/7194212870240865542" data-video-id="7194212870240865542" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@entresustos/video/7194212870240865542?is_from_webapp=1&amp;sender_device=pc" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>

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Una guía de las mejores experiencias inmersivas en Buenos Aires

Detrás de algunos de los mayores éxitos del regional mexicano aparece un nombre que quizás no siempre está al frente de los focos, pero sí en el corazón creativo de la escena: Armenta.<h2>¿Quién es Armenta, el compositor detrás de los hits de Peso Pluma y Fuerza Regida?</h2>Dentro del mapa de la industria musical mexicana contemporánea hay nombres que ocupan los reflectores, dominan listas de reproducción y encabezan carteles de festivales: desde Fuerza Regida y Grupo Frontera, pasando por Junior H y Natanael Cano hasta Óscar Maydon, Carin Leon y Peso Pluma. Pero también hay otros nombres que, desde un perfil más silencioso y sin acaparar el protagonismo de los flyers, han sido piezas claves para moldear el sonido de toda una generación.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b8c430d86b.png" alt=""><figcaption>Armenta junto a El Bogueto (Instagram/Armenta).</figcaption></figure>Entre ellos aparece Armenta, nombre artístico de Miguel Armando Armenta, productor, compositor e intérprete detrás de algunos de los mayores éxitos del regional mexicano y los corridos modernos que hoy marcan tendencia dentro de la industria.Seguramente has escuchado canciones como “Bebe Dame”, “CH y la Pizza” o “Igualito a Mi Apá” en voces de Fuerza Regida, Grupo Frontera, Natanael Cano o Peso Pluma. Y aunque quizás no lo sabías, detrás de todas ellas aparece la firma creativa de Armenta, consolidándolo como una de las plumas y mentes productivas que ayudaron a definir el presente de la música mexicana.Pero su recorrido no se agota en el rol de hitmaker. Originario de Sinaloa y criado en Tijuana, Armenta también construyó un camino propio como solista, explorando una faceta como intérprete y compositor que amplía todavía más su figura dentro de la escena. Porque el mexicano no solo escribe o produce canciones que se convierten en hits: también les da voz, identidad y dirección desde su propio proyecto artístico.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8177bbbce0.png" alt=""><figcaption>Armenta arriba de los escenarios (Instagram/Armenta).</figcaption></figure>Aunque muchas veces su nombre no tenga la exposición masiva de figuras como Peso Pluma o Natanael Cano, su influencia atraviesa buena parte del presente del movimiento. Más que un nombre detrás de escena, Armenta aparece como una pieza clave en la arquitectura creativa de una escena que hoy marca el pulso global.

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