Desde las primeras pintadas en la azotea de su casa hasta los murales realizados en Perú y Europa, Nemo construyó un recorrido marcado por la experimentación a través de una obra que combina personajes, experiencias sensoriales y referencias ancestrales que alimentan su búsqueda creativa.

De la azotea de su casa a las paredes del barrio: los inicios de Nemo

Cada artista encuentra un camino diferente para acercarse al arte urbano. Algunos descubren el graffiti a través de amigos o familiares, otros quedan impactados por una intervención que encuentran en la calle y también están quienes llegan a la disciplina desde una formación artística más tradicional.

En el caso de Nemo, el vínculo con la pintura comenzó a construirse desde su entorno más cercano y fue creciendo a partir de las primeras experiencias sobre las paredes.

El tag de Nemo en las calles de Perú (Instagram/Nemo_90_).

“Yo empecé a pintar a principios de los 2000; me estaba preparando para postular a la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú y había una academia de preparación. Y ahí dio la coincidencia de que había algunos grafiteros, que vendrían a ser la segunda generación de Lima, y me hice amigo de ellos. En ese momento no pintaba yo, pero sí había visto la realización de la escritura en un espacio público, y de ahí fui conociendo más gente, había fiestas y resulta que existió un grupo más grande de personas que hacían esto”.

Sus primeros pasos tuvieron lugar en la azotea de su casa, donde comenzó a experimentar antes de trasladar esa práctica al barrio. Con el tiempo, salir a pintar se convirtió en una experiencia nueva, que implicaba conocer otros espacios, entender sus dinámicas y enfrentarse a situaciones que todavía le resultaban desconocidas.

Uno de los recuerdos que conserva de esa etapa es el de haber pintado su nombre en una avenida ubicada a unas tres cuadras de su casa. Eligió hacerlo durante la madrugada, en un horario en el que sabía que prácticamente no habría personas en la calle. Aquella intervención, realizada con la adrenalina de una primera experiencia fuera de su entorno habitual, quedó registrada en su memoria como un momento divertido y emocionante.

Nemo en plena creación artística (Instagram/Nemo_90_).

El paso del grafiti al muralismo llegó con otra escala de trabajo. Su primera experiencia muralista estuvo vinculada con un personaje, con rostro de grandes dimensiones y una composición marcada por el color. Ese tipo de figura ya anticipaba uno de los elementos que terminarían ocupando un lugar importante en su universo creativo: la construcción de personajes capaces de convertirse en el centro de una obra.

Personajes, plantas medicinales y culturas ancestrales: el universo de Nemo

Los personajes ocupan un lugar central dentro del universo artístico de Nemo. A través de ellos desarrolla buena parte de sus composiciones, aunque su búsqueda también se alimenta de las experiencias sensoriales, la naturaleza y los elementos culturales que encuentra en distintos territorios.

Bocetos de Nemo (Instagram/Nemo_90_).

“Mi trabajo se centra en la creación de personajes. Vengo explorando ciertas formas que me gusta hacer; tengo personajes que van evolucionando y mutando, en base también a mis experiencias de vida. Mi proceso creativo va mucho de vivir, explorar, conocer, probar, oler, viajar, oír, degustar, mucho de experiencias sensoriales. Todas esas cosas nutren el proceso al cual yo adhiero más elementos temáticos a los personajes que creo”.

Durante los últimos años, el artista comenzó a interesarse especialmente por las culturas amazónicas y ancestrales, tanto de Perú como de otros lugares del mundo. Le atrae la manera en que cada territorio construye una relación particular con la naturaleza, sus símbolos y sus conocimientos tradicionales, al mismo tiempo que encuentra puntos de contacto entre culturas que, a pesar de sus diferencias, comparten ciertas formas de interpretar el entorno.

Dentro de esa exploración, las plantas medicinales también ganaron protagonismo. Para Nemo, no son solamente elementos visuales que pueden trasladarse a una composición, sino referencias que permiten abrir nuevas perspectivas sobre la naturaleza, las experiencias humanas y la relación con el territorio.

A la hora de comenzar un mural, el formato es uno de los primeros aspectos que se tienen en cuenta. La superficie disponible, sus dimensiones y las posibilidades que ofrece una pared condicionan la manera en que una idea puede transformarse en una composición. Antes de pensar en los detalles, necesita entender el espacio en el que va a trabajar y cómo pueden distribuirse los elementos dentro de él.

Nemo junto a uno de sus murales (Instagram/Nemo_90_).

“El formato siempre va a dirigir el inicio de mi proceso. Soy muy old school, de dibujar. A veces me percibo más como dibujante que como pintor. Siempre estoy bocetando, tirando ideas y ahí ya tengo ciertos planteamientos que, cuando aparece la oportunidad, puedo modificar esos bosquejos al formato. Después ya lo digitalizo y de ahí planteo de frente al muro con las técnicas que existen hoy en día”.

La elección de los lugares también forma parte del proceso. A veces son las propias personas, instituciones o proyectos los que convocan al artista para realizar una obra; en otras ocasiones, conseguir una pared implica conversar, negociar y llegar a un acuerdo con quienes pueden autorizar su intervención. En ese recorrido, el espacio público ocupa un lugar particular, porque permite que la obra se integre a la vida cotidiana de una comunidad y entre en contacto con personas que no necesariamente estaban buscando arte.

Aunque la planificación tiene un peso importante dentro de su metodología, Nemo no deja de lado la experimentación. Incluso cuando parte de una idea definida, encuentra momentos para probar recursos, modificar elementos o dejar que la propia dinámica de la pintura abra nuevas posibilidades. La improvisación aparece así como una herramienta complementaria: no necesariamente reemplaza la estructura inicial, pero puede aportar soluciones y detalles que no estaban previstos desde el comienzo.

El desafío de sostener una identidad artística propia

Encontrar una identidad artística propia también implica enfrentarse a determinadas dificultades. En el caso de Nemo, uno de los desafíos está relacionado con la elección de su lenguaje visual y con la manera en que sus obras son recibidas por el público.

El artista reconoce que construir un universo basado en personajes, abstracciones y conceptos puede resultar más complejo que trabajar con imágenes realistas. Un rostro fácilmente reconocible o una representación cercana a la realidad suele ofrecer una lectura inmediata, mientras que una obra más abstracta exige que quien la observa se detenga, interprete sus elementos y construya su propia relación con la imagen.

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Esa diferencia también influye en la forma en que circula el arte urbano. En una pared que forma parte del recorrido cotidiano de una ciudad, las personas pueden detenerse unos segundos o continuar caminando sin prestar demasiada atención. Frente a esa realidad, Nemo busca desarrollar un lenguaje que conserve sus inquietudes artísticas sin depender exclusivamente de una lectura inmediata.

La dificultad, entonces, no consiste solamente en ejecutar un mural, sino en sostener una búsqueda personal dentro de un entorno donde las imágenes compiten constantemente por la atención. Para un artista que encuentra buena parte de su identidad en los personajes y en las referencias culturales, ese desafío también forma parte del proceso de construir una obra reconocible.

De mostrar una obra a conseguir nuevas oportunidades: la influencia de las redes

Las redes sociales adquirieron un protagonismo importante dentro del arte urbano contemporáneo. Además de permitir que una obra llegue a personas que se encuentran lejos del lugar donde fue realizada, funcionan como una vidriera para mostrar procesos creativos, registrar intervenciones y conectar con nuevos públicos, proyectos y posibles clientes.

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Para los muralistas, esa exposición permite que el trabajo no quede limitado a la pared en la que fue realizado. Una obra puede circular a través de fotografías y videos, llegar a otros países y convertirse en una referencia para quienes buscan artistas para nuevos proyectos.

“Yo soy pésimo con las redes sociales. Sí, veo que hay gente que domina estos medios, consumo mucho contenido y veo cosas súper interesantes. Veo cómo funciona también el cerebro de las personas de no solo enfocarse en pintar, sino también en cómo mostrar lo que está haciendo. Considero que es necesario manejar todo y sí, ayuda laboralmente porque tu trabajo llega a muchas más personas que no necesariamente son colegas o consumen arte. Es una forma también de mantenerse unidos comunitariamente y globalmente”.

Los viajes, la espiritualidad y el cambio de perspectiva de Nemo

Como ocurre con muchos artistas, el trabajo de Nemo fue modificándose con el paso del tiempo. Desde las primeras pintadas y los personajes iniciales hasta las composiciones que realiza en la actualidad, su recorrido estuvo acompañado por nuevas experiencias, intereses y formas de observar el mundo.

La evolución no se limita a una cuestión técnica: también tiene que ver con las vivencias que fueron transformando su manera de interpretar aquello que lo rodea.

Monstruos mochicas visionarios hechos por Nemo (Instagram/Nemo_90_).

“Creo que ha sido como una exploración que ha ido profundizándose. Empecé en la escuela, donde aprendí las técnicas y lo básico de diversas ramas de las artes clásicas, pero mi inquietud se daba por el concepto y la temática de responderme preguntas. Todo eso me llevó a buscar respuestas, investigar, leer y vivir”.

Dentro de ese recorrido, hubo una experiencia personal que marcó especialmente su mirada. Cuando estaba cerca de terminar la escuela, decidió apartarse de ese camino y se encontró con los Hare Krishna. A partir de ese vínculo comenzó a asistir a templos, se acercó al vegetarianismo y conoció una cultura que hasta entonces le resultaba completamente nueva.

Lo que inicialmente pudo parecer una experiencia circunstancial terminó convirtiéndose en una etapa de varios años. Nemo vivió alrededor de siete años en templos y viajó junto a devotos, recorriendo distintos países y entrando en contacto con paisajes, formas de vida y experiencias espirituales que ampliaron su perspectiva.

Durante esos viajes, el contacto con diferentes territorios y prácticas culturales también le permitió explorar nuevas experiencias sensoriales y acercarse a otras formas de comprender el mundo. El propio artista reconoce que ese período dejó una marca en su trabajo, tanto por los conocimientos adquiridos como por la manera en que esas vivencias comenzaron a relacionarse con su búsqueda artística.

Obra de Nemo en el Festival Carnaval Amazónico (Instagram/Nemo_90_).

Esa relación entre experiencia personal y creación ayuda a entender por qué la naturaleza, las plantas medicinales y las referencias ancestrales adquirieron mayor presencia en su universo visual. Más que incorporar esos elementos únicamente por su aspecto estético, Nemo los vincula con una exploración que también tiene una dimensión personal y cultural.

Nemo y la libertad de interpretar una obra

Toda obra puede generar una reacción en quien la observa, aunque no siempre exista una única interpretación posible. En el arte urbano, esa relación adquiere una dimensión particular porque los murales aparecen en espacios compartidos y forman parte del recorrido de personas que pueden encontrarlos de manera inesperada.

Para Nemo, la recepción del público forma parte de esa experiencia, aunque la aprobación inmediata no parece ser el centro de su búsqueda artística. Su trabajo se construye a partir de intereses, personajes y conceptos que responden a su propia mirada, sin que necesariamente exista una intención de controlar lo que cada persona debe interpretar.

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“No sé si busco la aprobación del público, no me enfoco tanto en eso. Simplemente siento que traduzco lo que vivo gráficamente en un muro. No sé si a la gente le guste o no, pero sí sé que hay personas a las que les resuena, que lo aprecian y lo entienden. No estoy buscando que agrade, simplemente es lo que hago y me interesa, lo hago con todo el corazón y mi energía”.

De la selva peruana a Serbia: los murales que marcaron el recorrido de Nemo

Dentro de la trayectoria de un artista existen obras que adquieren un significado especial por diferentes motivos. Puede ser por la escala del proyecto, por el lugar donde se realizó, por la experiencia que acompañó su creación o por la relación que se construyó con la comunidad. Cuando Nemo repasa su recorrido, hay dos intervenciones que destaca especialmente: una realizada en Lamas, en la selva peruana, y otra en Čačak, Serbia.

Fotografía del mural de Nemo en el Festival Tierra que Pinta en Lamas (Instagram/Nemo_90_).

La primera tuvo lugar durante el Festival Tierra que Pinta, una iniciativa vinculada con jóvenes artistas de la selva que impulsan encuentros, festivales y proyectos de intervención artística en esa región de Perú. Para Nemo, el mural fue importante tanto por el resultado visual como por la posibilidad de trabajar con referencias culturales y naturales vinculadas directamente con el territorio.

La composición se inspiró en las plantas medicinales y la danza de las carachupas, una expresión tradicional de la comunidad kichwa lamista de El Wayku, en Lamas. Esta danza se realiza durante los últimos días de la festividad de Santa Rosa Raymi y representa, entre otros personajes, a la carachupa, nombre local del armadillo; quienes participan suelen vestirse con hojas secas de plátano y recorrer la comunidad.

La segunda obra que destaca fue realizada en Čačak, Serbia, en el marco del festival DUK, un encuentro internacional de muralismo que convirtió a la ciudad en un punto de encuentro para artistas de distintos países. Allí, Nemo trabajó junto a su compañera artística Mekilu, en una experiencia que recuerda tanto por el mural como por el vínculo con la comunidad local.

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La obra tomó como referencia a Wiracocha, una figura divina asociada a la creación dentro de la cosmovisión andina. La composición se organizó alrededor de elementos simbólicos que incluían dos báculos, una corona con serpientes y cóndores, y una interpretación basada en la dualidad. Cada artista desarrolló una parte del mural: mientras una incorporaba una liana de ayahuasca, la otra trabajaba con el cactus de San Pedro, dos referencias vinculadas con las prácticas tradicionales de distintas regiones sudamericanas.

En la composición también aparecía un felino del que surgían diferentes formas de vegetación, con una flor ubicada en el centro como representación de un corazón en proceso de florecimiento. Los patrones del pantalón del personaje, por su parte, estaban inspirados en la cultura shipibo de la región de Ucayali, en la Amazonía peruana.

Más allá de la distancia entre ambos lugares, las dos obras permiten reconocer algunos de los intereses que atraviesan el universo de Nemo: el vínculo con la naturaleza, las plantas medicinales y las cosmovisiones ancestrales, junto con la intención de interpretar esos elementos desde un lenguaje visual contemporáneo. También muestran cómo el muralismo puede funcionar como un punto de encuentro entre culturas, comunidades y experiencias que, aunque nacen en territorios diferentes, encuentran maneras de dialogar a través del arte.

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