<p>A pocas semanas de que los principales circuitos del freestyle hispanohablante vuelvan a encender sus motores, Street Art Latam repasa a los protagonistas que más reproducciones generaron durante la pasada temporada.</p><h2>Azuky, la reina de las reproducciones</h2><p>Para sorpresa de nadie, Azuky fue la freestyler más vista de la pasada temporada, con una cifra que supera las 28 millones de visualizaciones. Una completa locura.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DIIPeFaxVyD/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DIIPeFaxVyD/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La mexicana se convirtió en una de las grandes sensaciones del freestyle hispanohablante durante el último calendario, dejando su huella en competencias como FMS México y FMS Internacional, donde protagonizó enfrentamientos que paralizaron la escena frente a nombres como Nota Roja, El Menor y Jony Beltrán.</p><p>Su presencia también se extendió a Red Bull Batalla, donde formó parte de “Nueva Historia”, el evento conmemorativo que celebró las dos décadas de historia de una de las competencias más importantes del freestyle en español.</p><h2>Aczino y otro año entre los grandes protagonistas</h2><p>El segundo puesto del ranking también quedó en manos de un freestyler mexicano: Aczino, considerado por muchos como uno de los mejores MCs de todos los tiempos, quien alcanzó los 17,7 millones de visualizaciones durante la temporada 2025-26.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DXlN9ttjLG2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DXlN9ttjLG2/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El mexicano volvió a convertirse en una de las grandes sensaciones del calendario del freestyle hispanohablante, con presencia en escenarios como Freestyle Master Series y Red Bull Batalla.</p><p>Su característico estilo punzante, directo y sangriento, una de las marcas que históricamente definieron su manera de rapear, volvió a estar presente durante una temporada que lo ubicó entre los principales protagonistas en cantidad de reproducciones.</p><h2>Lokillo, una figura que dejó de ser sorpresa</h2><p>El tercer puesto de los freestylers más vistos de la temporada quedó para el colombiano Lokillo, quien alcanzó los 17,4 millones de visualizaciones.</p><p>El colombiano dejó atrás su condición de novedad para transformarse en uno de los pilares del freestyle no solo de Colombia, sino también del circuito hispanohablante.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DSd3aBCEsOU/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DSd3aBCEsOU/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con un estilo carismático, directo y punzante, Lokillo volvió a demostrar su capacidad para conectar con el público y se metió entre los tres MCs que más reproducciones generaron durante la pasada temporada.</p><h2>Del cuarto al décimo: las otras figuras que dominaron las reproducciones</h2><p>Más allá del dominio de Azuky, Aczino y Lokillo, el ranking de los freestylers más vistos también cuenta con otros nombres destacados de la escena hispanohablante.</p><ul><li>4.º — Jony Beltrán (16,7 millones).</li><li>5.º — Nota Roja (10,4 millones).</li><li>6.º — Sara Socas (9,1 millones).</li><li>7.º — El Menor (7,9 millones).</li><li>8.º — Gazir (7,2 millones).</li><li>9.º — Chuty (6,9 millones).</li><li>10.º — Teorema (5,4 millones).</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_94df439aca.png" alt=""><figcaption>Jony Beltrán arriba del escenario (Instagram/Jony Beltrán).</figcaption></figure><p>De esta manera, el top 10 de la temporada 2025-26 reúne a representantes de México, Colombia, España y otros rincones del freestyle hispanohablante, con Azuky como la gran líder del ranking gracias a sus más de 28 millones de reproducciones.</p>

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Noticias

¿Quiénes fueron los MCs más vistos de la temporada?

<p>¿Querés comenzar a transmitir en Kick? Street Art Latam te enseña cómo crear tu cuenta, configurar OBS, conectar tu clave de transmisión y hacer tu primer directo.</p><h2>Crear una cuenta y preparar el canal</h2><p>Al igual que en la mayoría de aplicaciones, el primer paso para comenzar a transmitir en la plataforma de Kick es crear una cuenta en la plataforma e iniciar sesión.</p><p>Una vez dentro, es recomendable completar la información del perfil, definir el nombre de usuario y preparar los datos básicos del canal. Antes de salir en vivo también será necesario configurar la información de la transmisión, como el título y la categoría.</p><p>Kick advierte que establecer estos datos antes de comenzar es importante para que el directo pueda iniciarse correctamente.</p><h2>Configurar Kick con OBS</h2><p>Kick es compatible con las principales aplicaciones de streaming, entre ellas OBS, XSplit y Streamlabs Desktop. Para esta guía, OBS resulta una alternativa sencilla porque es gratuito y permite configurar todas las escenas y fuentes necesarias.</p><p>Para conectar Kick con OBS, primero hay que ingresar al Creator Dashboard de la plataforma y buscar la sección donde aparecen la URL del servidor y la clave de transmisión.</p><p>Después, dentro de OBS:</p><ul><li>Abrí “Archivo”.</li><li>Entrá en “Configuración”.</li><li>Seleccioná “Emisión/Stream”.</li><li>Cambiá el servicio a “Personalizado/Custom”.</li><li>Pegá la URL del servidor proporcionada por Kick.</li><li>Pegá la clave de transmisión.</li><li>Presioná “Aplicar”.</li></ul><h2>Configurar la calidad de la transmisión</h2><p>Después de conectar la cuenta, llega uno de los puntos más importantes: definir la calidad del stream.</p><p>Kick admite actualmente una resolución máxima de 1920 x 1080, hasta 60 FPS y un bitrate máximo de 8.000 kbps, mientras que la plataforma recomienda a los creadores de contenido utilizar control de tasa CBR y admite encoders x264 o H.264.</p><p>Sin embargo, no significa que tengas que transmitir obligatoriamente a 8.000 kbps.</p><p>El bitrate debe adaptarse a la velocidad de subida disponible. Kick recomienda contar con una velocidad de subida de al menos el doble del bitrate utilizado: por ejemplo, para transmitir a 6.000 kbps, se recomienda disponer de al menos 12 Mbps de subida.</p><p>Por eso, antes de comenzar conviene comprobar la conexión y elegir una configuración que la computadora y la red puedan sostener de manera estable.</p><h2>Preparar las escenas, cámara, audio y juego</h2><p>Con la conexión configurada, el siguiente paso es preparar lo que verá el espectador.</p><p>En OBS se pueden crear distintas escenas para separar, por ejemplo, la pantalla del videojuego, la cámara del streamer, una pantalla de espera o una escena destinada al cierre de la transmisión.</p><p>También es posible incorporar fuentes de audio, imágenes, textos, capturas de juegos y webcams. OBS permite combinar múltiples fuentes y crear escenas que pueden cambiarse durante el directo.</p><p>Para un stream de videojuegos, una configuración básica podría incluir:</p><ul><li>Captura del videojuego.</li><li>Cámara.</li><li>Micrófono.</li><li>Audio del sistema.</li><li>Alertas o elementos gráficos.</li></ul><h2>Elegir título y categoría y comenzar el directo</h2><p>Con todo preparado, solo queda ingresar al Streamer Dashboard de Kick, seleccionar la opción para editar la información del stream y definir el título y la categoría.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_a5fea9d97a.png" alt=""><figcaption>Compañeros streameando una partida de Counter-Strike en Kick (Yan Krukau).</figcaption></figure><p>Después, desde OBS, hay que presionar “Start Streaming” para comenzar la transmisión. Y listo: si la conexión, el encoder y las configuraciones son correctas, el canal estará en vivo.</p>

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Cómo empezar a streamear en Kick desde cero

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La FMS Argentina ya tiene todo listo para volver a los grandes escenarios del freestyle nacional con una nueva temporada que reunirá históricos, campeones y talentos emergentes en una misma cartelera.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">FMS Argentina vuelve con campeones, referentes históricos y nuevos talentos</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Luego de haber anunciado las nuevas temporadas de sus competencias en Colombia y Chile, <strong>el circuito de Freestyle Master Series confirmó el regreso de FMS Argentina con su octava edición</strong>, que reunirá a campeones, referentes históricos y nuevos talentos en un mismo escenario.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production%2Fimage_437da95c99.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El flyer oficial de la primera jornada de la octava edición de FMS Argentina (Urban Roosters).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La nueva temporada buscará mantener a la liga argentina como uno de los grandes puntos de encuentro del freestyle nacional, con u<strong>na combinación de generaciones que promete volver a poner a algunos de los principales nombres de la escena frente a frente</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">https://www.streetartlatam.com/articulo/fms-chile-prepara-su-septima-temporada-con-kaiser-nitro-teorema-stuart-y-nuevas-figuras/1000040</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con el regreso de <strong>Larrix</strong>, la continuidad de figuras como <strong>Mecha y Replik</strong> y la irrupción de talentos emergentes como <strong>Abel y Rife</strong>, la octava temporada de FMS Argentina llegará con<strong> un line-up que reúne experiencia, títulos y distintas generaciones del freestyle</strong>: la <strong>primera jornada</strong> se llevará a cabo el próximo <strong>domingo 18 de octubre</strong> en el <strong>Teatro Vorterix</strong> de la ciudad de Buenos Aires.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">https://www.streetartlatam.com/agenda/evento/fms-argentina-jornada-uno</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los diez freestylers que buscarán quedarse con el trono de FMS Argentina</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En una combinación de historia, referentes y nombres que comienzan a dar sus primeros pasos en los grandes escenarios, <strong>la octava temporada de FMS Argentina ya conoce a los diez protagonistas que buscarán adueñarse del trono</strong> de la competencia organizada por Urban Roosters.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Larrix</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Mecha</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Replik</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Dybbuk</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Abel</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Exe</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">HDR</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Sophia</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Rife</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Dyse o 1Toby</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_ec179a563b.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Sophia, el talento femenino presente en FMS Argentina (Urban Roosters).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De los diez lugares disponibles, nueve competidores ya tienen su plaza asegurada, mientras que el último espacio se definirá mediante un enfrentamiento en el formato “Vida o Muerte”. Allí, <strong>Dyse y 1Toby se enfrentarán en una batalla y el ganador será quien complete la cartelera de la octava temporada de FMS Argentina</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Todo lo que tenés que saber de la octava temporada de FMS Argentina</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si leyendo esto ya te dieron ganas de disfrutar de la octava temporada de FMS Argentina y vivir el regreso de la competencia, Street Art Latam te deja toda la información que tenés que saber sobre la nueva edición.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>primera jornada</strong> de la <strong>octava temporada</strong> de <strong>FMS Argentina</strong> se llevará a cabo el próximo <strong>domingo 18 de octubre</strong> en el <strong>Teatro Vorterix</strong> de Buenos Aires.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1b555d3cab.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Larrix durante su enfrentamiento ante Klan en FMS Argentina (Urban Roosters).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Las entradas podrán conseguirse a través del portal de </span><a href="https://www.allaccess.com.ar/event/fms-argentina-jornada-1?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAcGRvZgJleHRuA2FlbQIxMQBzcnRjBmFwcF9pZA85MzY2MTk3NDMzOTI0NTkAAad8dbXN29PLSMnWvbjb_PhVhtJCveEOZ51KmauhzQhn0Y2tE5007Cr-qyiYJw_aem_aRbZJM4cm1mJfSuOp5C0AQ"><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">All Access</span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">: <strong>los precios van desde los $40.000 pesos argentinos</strong>, dependiendo el tipo de ticket.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La cita marcará el regreso de una de las ligas más importantes del freestyle argentino y dará inicio a una nueva carrera por el título nacional.</span></p>

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FMS Argentina vuelve con una temporada cargada de campeones, leyendas y nuevos talentos

<p>La espera terminó, y el calendario de las Finales Nacionales de Red Bull Batalla vuelve a Latinoamérica con Perú como primera parada de la temporada.</p><h2>Perú abre el calendario latinoamericano de las Finales Nacionales de Red Bull Batalla</h2><p>Cuatro meses después de la conquista de El Menor en la Final Internacional en Santiago y luego de las primeras finales regionales disputadas en territorio español, el calendario de Red Bull Batalla vuelve a Latinoamérica para dar inicio a las Finales Nacionales de la temporada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_67af7faeb5.png" alt=""><figcaption>JC Snake improvisando en la Final Regional de Lima (Instagram/Red Bull Batalla).</figcaption></figure><p>Perú será el primer destino latinoamericano del circuito y tendrá el próximo sábado 12 de septiembre a Paradiso Lima como escenario de una definición que reunirá a dieciséis de los principales exponentes del freestyle peruano.</p><p>Nombres como Jota Shoy, JC Snake, Katacrist, Nekroos y Stick se verán las caras en busca de quedarse con la corona nacional y convertirse en el representante de Perú en la próxima Final Internacional, que también tendrá a Lima como sede.</p><h2>Dieciséis nombres, una corona: los competidores de la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú</h2><p>A tan solo días de que Paraiso Lima se convierta en el escenario de la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú, la competencia ya conoce a los 16 freestylers que lucharán por convertirse en el primer campeón nacional de la temporada.</p><ul><li>Icon</li></ul><ul><li>JC Snake</li></ul><ul><li>Jota Shoy</li></ul><ul><li>Katacrist</li></ul><ul><li>KG</li></ul><ul><li>Letras</li></ul><ul><li>Lucio</li></ul><ul><li>MSL</li></ul><ul><li>Nekroos</li></ul><ul><li>NSP</li></ul><ul><li>Piero Pistas</li></ul><ul><li>Ramset</li></ul><ul><li>RGB</li></ul><ul><li>Stick</li></ul><ul><li>Venti</li></ul><ul><li>Cafú</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbrHCgdzJux/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbrHCgdzJux/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h2>Todo lo que tenés que saber sobre la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú</h2><p>Si tenés ganas de conocer al nuevo campeón peruano y seguir de cerca una de las competencias más importantes del freestyle nacional, Street Art Latam te trae toda la información que tenés que tener en cuenta.</p><p>La Final Nacional de Red Bull Batalla Perú se llevará a cabo el próximo sábado 12 de septiembre en Paradiso Lima, donde los dieciséis competidores buscarán quedarse con el título y conseguir el boleto para representar al país en la próxima Final Internacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_74b943f99b.png" alt=""><figcaption>Jota Shoy, una leyenda presente en la Final Nacional de Red Bull Batalla (Instagram/Jota Shoy).</figcaption></figure><p>Las entradas se pueden conseguir a través de <a href="https://www.ticketmaster.pe/event/red-bull-batalla-final-nacional-peru-2026-venta-general"><u>Ticketmaster Perú</u></a>, con precios que parten desde los $80 soles peruanos.</p><p>Los fanáticos podrán disfrutar de cada batalla, réplica y momento clave de la competencia mediante los canales oficiales en Twitch, YouTube, Facebook, X y TikTok, además de la plataforma Red Bull TV, que ofrecerá la cobertura completa del evento.</p>

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Red Bull Batalla vuelve a Latinoamérica con Perú como primera parada

<p>El skateboarding cuenta con diferentes modalidades, cada una con sus propios escenarios, obstáculos y formas de desarrollar los trucos, y Street Art Latam te trae una guía para conocer sus principales disciplinas: street, park y bowl.</p><h2>Street: cuando la ciudad se convierte en un skatepark</h2><p>El street es una de las modalidades más vinculadas con los orígenes urbanos del skateboarding. En lugar de utilizar exclusivamente rampas diseñadas para patinar, los skaters aprovechan elementos del mobiliario urbano para desarrollar sus líneas y trucos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6388c185da.png" alt=""><figcaption>Escenario de street en el mundo del skateboarding (Red Bull).</figcaption></figure><p>Escaleras, barandas, bancos, bordes, muros y desniveles pueden convertirse en obstáculos para realizar diferentes maniobras, mientras que la creatividad y la capacidad para interpretar el entorno tienen un papel fundamental.</p><p>En las competencias de street, los participantes suelen ser evaluados por aspectos como la dificultad de los trucos, la ejecución, la variedad, el uso de los obstáculos y la fluidez de sus recorridos.</p><h2>Park: trucos, velocidad y líneas en un circuito de rampas</h2><p>El park se desarrolla en circuitos especialmente construidos para el skateboarding, que combinan diferentes rampas, transiciones, desniveles y obstáculos.</p><p>A diferencia del street, donde el escenario busca reproducir elementos de la ciudad, los skateparks permiten construir recorridos específicos para que los skaters puedan aprovechar las distintas estructuras y ganar velocidad.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/CmRarO1_NGo" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Las líneas pueden incluir saltos, giros, grinds y diferentes maniobras realizadas sobre las rampas y obstáculos del circuito, donde la velocidad, la altura y la dificultad de los trucos son algunos de los elementos que adquieren protagonismo.</p><p>Esta modalidad también forma parte del programa olímpico, donde el recorrido se desarrolla sobre un circuito con distintas transiciones y obstáculos.</p><h2>Bowl: velocidad y transiciones dentro de una gran estructura</h2><p>El bowl toma su nombre de la forma de las estructuras en las que se practica. Se trata de espacios con paredes curvas y transiciones que permiten que los skaters recorran el circuito utilizando el impulso generado por sus movimientos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fe9f25ca4b.png" alt=""><figcaption>El skater español Danny León haciendo skate en un bowl (Red Bull).</figcaption></figure><p>En lugar de desplazarse principalmente de un obstáculo a otro, como puede ocurrir en street, el skater aprovecha las paredes y transiciones para mantener la velocidad, subir por los laterales y realizar diferentes maniobras.</p><p>La profundidad y la forma del bowl pueden variar considerablemente, generando diferentes posibilidades para quienes lo utilizan. La modalidad exige un buen control de la velocidad, equilibrio y capacidad para leer las transiciones de la estructura.</p>

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¿Cuáles son las principales modalidades del skateboarding?

<p>Durante años, parkour y freerunning fueron utilizados como sinónimos, pero cada disciplina tiene una identidad propia. Mientras una prioriza la eficiencia y la velocidad, la otra encuentra en la creatividad y las acrobacias su principal forma de expresión, y Street Art Latam te ayuda a identificarlas.</p><h2>Parkour y freerunning: dos disciplinas, un objetivo diferente</h2><p>Es muy probable que muchos piensen que el parkour y el freerunning son la misma disciplina, simplemente con un nombre diferente, como suele ocurrir con otras disciplinas.</p><p>Sin embargo, aunque ambas comparten movimientos, saltos y desplazamientos por el entorno urbano, existe una diferencia fundamental: el objetivo principal de cada una.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a6efe29821.png" alt=""><figcaption>El freerunner Krystian Kowalewski sobre una azotea en la isla griega de Astypalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El parkour busca llegar de un punto A a un punto B de la manera más rápida, eficiente y segura posible. El freerunning, en cambio, prioriza la libertad de movimiento, la creatividad y la expresión personal, incorporando elementos acrobáticos y movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</p><h2>¿Cuáles son las principales diferencias entre parkour y freerunning?</h2><p>Aunque ambas disciplinas nacieron de una misma raíz y comparten numerosas técnicas, con el paso del tiempo desarrollaron identidades propias.</p><ul><li>Objetivo: el parkour prioriza la velocidad, la eficiencia, la técnica y la resolución de obstáculos. El freerunning pone el foco en la creatividad, la expresión personal y la estética de cada movimiento.</li></ul><ul><li>Movimientos: el parkour utiliza desplazamientos, saltos, trepadas, carreras por paredes y otros movimientos destinados a superar obstáculos de manera funcional. El freerunning incorpora además giros, acrobacias, saltos mortales y movimientos más espectaculares.</li></ul><ul><li>Esencia: para el parkour, el recorrido y la manera de superar cada obstáculo son los elementos centrales. En el freerunning, el estilo y la forma de ejecutar cada movimiento también se convierten en protagonistas.</li></ul><ul><li>Libertad: mientras el parkour busca encontrar una solución eficiente para atravesar un espacio, el freerunning permite modificar el recorrido y sumar movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bc8c323590.png" alt=""><figcaption>Freerunner realizando una acrobacia en una azotea en una azotea de la isla griega de Astipalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El freerunning se popularizó especialmente gracias a Sébastien Foucan, quien ayudó a desarrollar una interpretación más libre y acrobática del movimiento urbano.</p><p>Con el tiempo, esta disciplina encontró su propia identidad y se convirtió en una de las expresiones más reconocibles dentro de los deportes urbanos.</p><p>En definitiva, ambas disciplinas comparten una misma raíz y muchas de sus técnicas, pero su filosofía es diferente: el parkour busca eficiencia; el free running busca expresión.</p>

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¿Por qué el freerunning es diferente al parkour?

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Aunque todas comparten la bicicleta y la búsqueda de nuevos trucos, las modalidades del BMX Freestyle presentan diferencias en sus escenarios y estilos, y Street Art Latam te explica cuáles son.</p><h2>Park</h2><p>El park se desarrolla en circuitos diseñados especialmente para los riders, con obstáculos como rampas, muros, columnas y saltos. Los competidores encadenan distintos trucos en una misma línea y son evaluados por su ejecución y dificultad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_acadfab49e.png" alt=""><figcaption>Rider haciendo truco en los aires (Stephen Leonardi).</figcaption></figure><h2>Vert</h2><p>El vert toma su nombre de vertical y se disputa sobre una rampa con forma de U, cuyos extremos alcanzan una posición vertical. En esta modalidad, los riders aprovechan la altura para despegar varios metros por encima de la estructura y ejecutar trucos durante el vuelo.</p><h2>Street</h2><p>El street traslada el BMX al entorno urbano y utiliza elementos de la ciudad como parte del recorrido. Escaleras, muros, barandas y otros obstáculos sirven para crear nuevas líneas y ejecutar trucos, con la exploración del espacio como uno de sus principales atractivos.</p><h2>Dirt</h2><p>El dirt se caracteriza por sus grandes saltos sobre montículos de tierra especialmente construidos para generar altura y distancia. Los riders aprovechan el tiempo en el aire para realizar trucos de distinta dificultad antes de completar el aterrizaje.</p><h2>Flatland</h2><p>A diferencia de otras modalidades, el flatland se practica completamente sobre una superficie plana y sin obstáculos. Los riders realizan combinaciones de trucos que incluyen equilibrios, giros y movimientos sobre una o ambas ruedas, donde el control de la bicicleta es fundamental.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0fc085788b.png" alt=""><figcaption>Rider practicando la modalidad flatland de BMX Freestyle (Franco Monsalvo).</figcaption></figure>

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El ABC del BMX Freestyle: conocé sus cinco modalidades

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>El mundo del streaming tiene un lenguaje propio, con términos que aparecen constantemente durante una transmisión, y Street Art Latam te trae una guía básica para entender qué significa cada uno.</p><h2>Los términos básicos del streaming</h2><ul><li>Stream: transmisión en vivo realizada a través de plataformas como Twitch, Kick o YouTube. Puede estar dedicada a videojuegos, charlas, reacciones, música, viajes y mucho más.</li></ul><ul><li>Streamer: persona que realiza transmisiones en vivo y genera contenido para una audiencia a través de plataformas digitales.</li></ul><ul><li>Live: término utilizado para referirse a una transmisión que está ocurriendo en vivo y en tiempo real.</li></ul><ul><li>Chat: espacio donde los espectadores pueden escribir mensajes e interactuar con el streamer y el resto de la comunidad durante una transmisión.</li></ul><ul><li>Viewer: usuario que está viendo una transmisión. La cantidad de viewers permite conocer cuántas personas están siguiendo un directo.</li></ul><ul><li>Follow: acción de seguir un canal para recibir avisos cuando el creador comienza una nueva transmisión.</li></ul><ul><li>Sub: abreviatura de subscription o suscripción. Permite apoyar económicamente a un creador y, dependiendo de la plataforma, acceder a distintos beneficios.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5bc354f4e3.png" alt=""><figcaption>Persona transmitiendo una partida de Dota (RDNE Stock Project).</figcaption></figure><h2>Las palabras que aparecen durante un directo</h2><ul><li>Raid: ocurre cuando un streamer dirige a los espectadores de su transmisión hacia el canal de otro creador, generalmente cuando finaliza su directo. Es una forma de compartir audiencia y apoyar a otros canales.</li></ul><ul><li>Host: término históricamente utilizado para alojar o compartir la transmisión de otro creador dentro de un canal.</li></ul><ul><li>Just Chatting: categoría de contenido centrada en la conversación con la audiencia. Los streamers pueden hablar de distintos temas, reaccionar a videos o simplemente interactuar con su comunidad.</li></ul><ul><li>IRL: significa In Real Life y hace referencia a transmisiones realizadas fuera del formato tradicional de gaming. Puede incluir viajes, eventos, recorridos o situaciones cotidianas.</li></ul><ul><li>Clip: fragmento breve extraído de una transmisión para guardar o compartir un momento destacado del directo.</li></ul><ul><li>VOD: significa Video On Demand y hace referencia a una transmisión que queda disponible para volver a verla una vez finalizado el directo.</li></ul><ul><li>Spam / spammear: enviar repetidamente el mismo mensaje, palabra, emoji o contenido dentro del chat.</li></ul><h2>La comunidad detrás de cada streamer</h2><ul><li>Mod / moderador: usuario encargado de ayudar a mantener el orden dentro del chat. Puede eliminar mensajes, expulsar usuarios o controlar determinadas conductas.</li></ul><ul><li>Emote / emoji: imágenes o emojis utilizados en el chat para expresar emociones, reacciones o referencias propias de una comunidad.</li></ul><ul><li>Chatter: usuario que participa activamente en el chat durante una transmisión.</li></ul><ul><li>Comunidad: conjunto de espectadores y seguidores que se reúnen alrededor de un streamer y que, con el tiempo, pueden desarrollar códigos, memes y expresiones propias.</li></ul><ul><li>Donación: aporte económico realizado por un espectador para apoyar a un creador.</li></ul><ul><li>Bits: unidades virtuales utilizadas en Twitch para apoyar a los streamers mediante determinadas interacciones dentro del chat.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c01a44a2bf.png" alt=""><figcaption>Persona stremeando en su setup (Alena Darmel).</figcaption></figure>

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Diccionario básico del streaming: los términos que tenés que conocer

<p>Red Bull Dance Your Style, la competencia de street dance improvisado más importante del mundo, desembarca en México con clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México rumbo a la final nacional, y Street Art Latam te acerca toda la información.</p><h2>Clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México y una final nacional: así será el camino de Red Bull Dance Your Style en México</h2><p>Luego de las paradas realizadas en Brasil, Argentina y Colombia, donde los bailarines André Oliveira, Pacifi y Sharay Posadas se convirtieron en los ganadores, Red Bull Dance Your Style, una de las competencias de street dance improvisado más importantes del mundo, aterriza en México como una nueva parada en el continente latinoamericano.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DcH3sl_RNAA/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DcH3sl_RNAA/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La competencia pondrá frente a frente a dieciséis de los mejores bailarines de street dance del país en batallas uno contra uno, con una particularidad que la diferencia de otros torneos: no hay jueces. Después de cada enfrentamiento, será el público quien vote por su bailarín favorito y decida quién avanza a la siguiente ronda.</p><p>La primera etapa estará compuesta por las clasificatorias, que se desarrollarán en Monterrey y Ciudad de México. La primera cita será el jueves 27 de agosto en Panorama Sky Club, mientras que la segunda tendrá lugar el jueves 10 de septiembre en Fauna Rooftop de Ciudad de México, ciudad que también hospedará la gran definición nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d401b21571.png" alt=""><figcaption>Bailarina mexicana dejando su huella en Red Bull Dance Your Style (Red Bull).</figcaption></figure><p>Los bailarines buscarán demostrar toda su creatividad, musicalidad e improvisación sobre la pista para avanzar hasta la Final Nacional de Red Bull Dance Your Style México, donde volverán a ser los espectadores quienes tengan la última palabra.</p><p>La definición nacional se llevará a cabo el domingo 13 de septiembre en el Polyforum Siqueiros de Ciudad de México. Allí se conocerá al nuevo campeón mexicano, que conseguirá el derecho a representar al país en la Final Mundial de Red Bull Dance Your Style, que tendrá lugar en Zúrich, Suiza.</p>

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Red Bull Dance Your Style llega a México: conocé fechas y sedes

<p>Empezar a streamear no requiere necesariamente contar con el setup más costoso del mercado, y Street Art Latam te trae las claves que necesitás saber para armar tu primer equipo de trabajo como streamer.</p><h2>El setup básico para comenzar a hacer streams</h2><p>Armar un setup de streaming no significa necesariamente comprar todos los componentes más caros o los últimos productos lanzados por las marcas líderes en el mercado. La elección dependerá principalmente del tipo de contenido que quieras realizar: un stream IRL, una transmisión de videojuegos o una combinación de ambos requieren necesidades diferentes.</p><h2>Una PC capaz de acompañar el contenido</h2><p>La computadora es uno de los componentes centrales de cualquier setup, especialmente cuando el objetivo es realizar streams de videojuegos.</p><p>Para transmisiones IRL sencillas, las exigencias pueden ser menores. En cambio, si la idea es jugar y transmitir al mismo tiempo, la PC deberá poder ejecutar el videojuego, el software de streaming y las diferentes escenas y elementos que formen parte de la transmisión.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_452599b1fb.png" alt=""><figcaption>El elemento principal para iniciar tu camino de streamer: la PC (Kamil Čičila).</figcaption></figure><p>Por eso, una buena referencia para quienes comienzan es buscar una computadora capaz de ejecutar con solvencia los videojuegos que pretenden transmitir, como Counter-Strike, Valorant, EAFC o Minecraft, sin depender necesariamente de configuraciones gráficas demasiado bajas.</p><h2>Cámara y micrófono: dos elementos fundamentales</h2><p>La cámara permite sumar una imagen del creador a la transmisión, aunque no es necesario comenzar con una cámara profesional. Una webcam puede ser suficiente para los primeros streams y existen modelos de distintas gamas que permiten mejorar la calidad progresivamente.</p><p>También es posible utilizar un teléfono como alternativa, siempre que se cuente con una configuración compatible para incorporarlo al stream.</p><p>Entre las opciones conocidas dentro del mundo de las webcams aparecen modelos de Logitech como la Brio o la C920, aunque la elección dependerá del presupuesto y de la calidad de imagen buscada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dbc145efa1.png" alt=""><figcaption>Micrófono Snowball iCE de Logitech (Erik Mclean).</figcaption></figure><p>El audio, por otro lado, es uno de los aspectos que más conviene cuidar. Un micrófono USB dedicado puede ofrecer una mejora importante respecto del micrófono integrado de la computadora, mientras que, también, es posible comenzar utilizando el micrófono de unos auriculares.</p><p>Entre las alternativas conocidas aparecen opciones de HyperX (Quadcast) y Logitech (Snowball iCE), además de los headsets de marcas como Corsair o Redragon, que cuentan con un micrófono incorporado de alta calidad.</p><p>La idea principal es sencilla: no necesitás tener el mejor micrófono para empezar, pero sí un audio claro que permita escuchar al creador sin dificultades.</p><h2>Monitor, teclado y mouse: los periféricos también cuentan</h2><p>El resto del setup puede comenzar con periféricos convencionales. Un teclado, un mouse y un monitor funcionales son suficientes para dar los primeros pasos, especialmente si ya forman parte de la computadora que utilizás habitualmente.</p><p>En el caso de los streams de videojuegos, un mouse cómodo y un teclado que respondan correctamente pueden tener mayor importancia, mientras que un segundo monitor puede convertirse en una mejora interesante para quienes quieran controlar el chat, OBS, las alertas y otras herramientas mientras juegan.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4794b7d9e2.png" alt=""><figcaption>Teclado, mouse y pantalla: los periféricos necesarios en cada setup (Jorge David Arley Campos).</figcaption></figure><p>Por eso, no es necesario renovar todos los periféricos antes de comenzar: lo recomendable es transmitir primero y actualizar el setup a medida que las necesidades crezcan.</p><h2>El software para darle forma al stream</h2><p>Finalmente, y como uno de los últimos pasos del listado, el hardware necesita estar acompañado por un programa capaz de organizar la transmisión.</p><p>OBS Studio es una de las alternativas más utilizadas y permite crear escenas, incorporar cámaras, capturas de pantalla, imágenes, textos, fuentes del navegador y diferentes elementos de audio y video. Además, es gratuito y de código abierto.</p><p>También existen alternativas como XSplit y Streamlabs Desktop, que pueden utilizarse para configurar escenas, fuentes, alertas y otros elementos del directo.</p><p>Así, el primer setup puede ser mucho más sencillo de lo que parece: una PC adecuada para el contenido, una cámara, un micrófono y periféricos funcionales pueden ser suficientes para comenzar.</p>

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Todo lo que necesitás saber para empezar a streamear desde cero

<p>El streetwear tiene códigos, tendencias y también un lenguaje propio que aparecen constantemente en lanzamientos, redes sociales y tiendas especializadas, y Street Art Latam te acerca una guía de términos para entender la escena de la moda urbana.</p><h2>Tendencias y siluetas</h2><ul><li>Oversize: prendas diseñadas con un calce deliberadamente amplio y holgado, con mayor volumen que una silueta tradicional.</li></ul><ul><li>Boxy: silueta de aspecto más cuadrado y estructurado, generalmente más ancha y corta que una prenda convencional.</li></ul><ul><li>Cropped: prendas cuyo largo se encuentra por encima del corte tradicional, dejando una parte mayor del cuerpo al descubierto.</li></ul><ul><li>Gorpcore: tendencia que incorpora prendas y elementos asociados originalmente a actividades outdoor y de montaña dentro de looks urbanos.</li></ul><ul><li>Techwear: estilo que combina estética urbana con prendas funcionales, materiales técnicos, múltiples bolsillos y recursos pensados para mejorar la utilidad de las piezas.</li></ul><ul><li>Normcore: estética basada en prendas simples, funcionales y deliberadamente convencionales, alejadas de la búsqueda de llamar la atención mediante diseños excesivos.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_466e78d4dd.png" alt=""><figcaption>Moda urbana (Cottonbro studio).</figcaption></figure><h2>Lanzamientos y colaboraciones</h2><ul><li>Drop: lanzamiento puntual de una colección o producto, generalmente realizado en una fecha determinada y con una estrategia que busca generar expectativa alrededor de la salida.</li></ul><ul><li>Collab: abreviatura de collaboration. Se utiliza para describir una colaboración entre dos o más marcas, artistas, diseñadores o figuras.</li></ul><ul><li>Capsule: colección pequeña y acotada de prendas o productos que comparten una temática, concepto o identidad visual determinada.</li></ul><ul><li>Limited Edition: edición limitada de un producto fabricada o comercializada en cantidades reducidas, lo que suele aumentar su exclusividad y atractivo para los consumidores.</li></ul><h2>El ABC de las sneakers</h2><ul><li>Size: hace referencia al talle o número de una zapatilla. En el mundo sneaker suele aparecer expresado según diferentes sistemas de talles, como US, UK o EU.</li></ul><ul><li>Silueta: es el modelo o diseño general de una zapatilla, independientemente de la combinación de colores o materiales. Por ejemplo, una Air Force 1 o una Air Jordan 1 son siluetas diferentes.</li></ul><ul><li>Colorway: describe la combinación de colores y materiales utilizada en una determinada versión de una silueta. Una misma zapatilla puede tener múltiples colorways.</li></ul><ul><li>Deadstock (DS): se utiliza para describir una zapatilla nueva, sin uso y generalmente conservada en su estado original.</li></ul><ul><li>VNDS: significa Very Near Deadstock y se utiliza para zapatillas que fueron utilizadas muy poco y se encuentran prácticamente en el mismo estado que unas nuevas.</li></ul><ul><li>GR: abreviatura de General Release. Son lanzamientos de zapatillas que tienen una disponibilidad relativamente amplia, en contraste con ediciones limitadas o lanzamientos exclusivos.</li></ul><ul><li>Resell: es la reventa de una zapatilla, generalmente después de su lanzamiento y a un precio diferente al original. El mercado resell es una parte fundamental de la cultura sneaker.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_160e5cc45b.png" alt=""><figcaption>Air Jordan 5, un tipo de silueta del mundo sneaker (Jordan).</figcaption></figure>

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Oversize, boxy, drop y colorway: los términos del streetwear que tenés que conocer

<p>No todos los atletas de parkour buscan lo mismo. Mientras algunos intentan completar un recorrido en el menor tiempo posible, otros priorizan la creatividad y la dificultad de sus movimientos, y Street Art Latam te ayuda a entender las diferencias entre las modalidades Speed y Freestyle.</p><h2>Speed: el desafío de completar el recorrido en el menor tiempo</h2><p>El speed es la modalidad competitiva del parkour en la que el objetivo principal es completar un recorrido determinado en el menor tiempo posible. Los atletas deben desplazarse por un circuito que combina diferentes obstáculos, saltos, trepadas y movimientos, buscando encontrar la manera más rápida y eficiente de llegar hasta la meta.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/cNktWBBM9AI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En esta modalidad, cada segundo puede marcar la diferencia. Por eso, además de la velocidad, resulta fundamental mantener el control del cuerpo y elegir correctamente la trayectoria para evitar errores que puedan afectar el tiempo final.</p><p>La preparación física también tiene un papel central: acelerar, frenar, saltar, trepar y cambiar rápidamente de dirección exige fuerza, coordinación, equilibrio y resistencia.</p><h2>Freestyle: cuando la creatividad se convierte en protagonista</h2><p>A diferencia del Speed, la modalidad Freestyle no tiene como objetivo principal completar un recorrido lo más rápido posible. En este caso, los atletas cuentan con mayor libertad para construir una rutina y demostrar sus capacidades técnicas y creativas.</p><p>Los movimientos, las acrobacias, las combinaciones y la dificultad de las secuencias forman parte de una presentación en la que el atleta busca diferenciarse.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6e96c493cb.png" alt=""><figcaption>Freestyle como modalidad del parkour (Squarespace).</figcaption></figure><p>La creatividad es uno de los elementos centrales. No se trata solamente de ejecutar movimientos difíciles, sino también de combinarlos de una manera fluida y construir una rutina que tenga identidad propia.</p><p>Dependiendo de la competencia, los jueces pueden valorar aspectos relacionados con la dificultad, ejecución, variedad, creatividad y composición de la rutina.</p>

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Speed y Freestyle: las dos caras del parkour que tenés que conocer

<p>La Liga Bazooka volverá a Argentina con una nueva edición que reunirá a grandes referentes nacionales de las batallas escritas el próximo domingo 25 de octubre en el emblemático Teatro Gran Rex.</p><h2>Liga Bazooka aterriza en el Teatro Gran Rex con una edición cien por ciento argentina</h2><p>Luego de anunciar su primera edición mexicana y tras la histórica jornada con formato todos contra todos, donde participaron nombres como Mecha y Chili Parker con un único round extenso para enfrentarse al resto de los competidores, la Liga Bazooka volverá a la ciudad de Buenos Aires para reunir nuevamente a algunos de los principales referentes de las batallas escritas a nivel nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f16435a4e.png" alt=""><figcaption>Replik, uno de los battlecat presentes en la edición nacional de la Liga Bazooka en el Teatro Gran Rex (Instagram/Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>La liga de batallas escritas más importante de la escena hispanohablante trasladará ahora su propuesta el próximo domingo 25 de octubre al Teatro Gran Rex, uno de los escenarios más emblemáticos de Argentina, donde contará con referentes consolidados como Chili Parker, Giro y Cill, figuras en ascenso como Musher y Yun y una combinación de vieja escuela, nuevas generaciones y cuentas pendientes.</p><p>Además, en su búsqueda por elevar la calidad del espectáculo, Liga Bazooka anunció una novedad para esta edición: la duración de los rounds variará según el momento de la cartelera.</p><ul><li>Primeras dos batallas: rounds de dos minutos.</li></ul><ul><li>Siguientes dos enfrentamientos: rounds de tres minutos.</li></ul><ul><li>Últimos tres cruces: rounds de cuatro minutos.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fcb9f5c09d.png" alt=""><figcaption>Gustavo Ramos en acción en la Liga Bazooka (Instagram/Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>De esta manera, la nueva edición argentina no solo marcará el regreso de Liga Bazooka al país, sino que también presentará un formato pensado para que los enfrentamientos más importantes cuenten con mayor tiempo para desarrollar cada batalla.</p><h2>¿Cuáles serán los enfrentamientos de la edición argentina de la Liga Bazooka?</h2><p>La nueva edición contará con siete enfrentamientos que reunirán al número uno del ranking nacional, nombres consolidados del circuito, figuras en ascenso y competidores que volverán al escenario después de varios meses de ausencia.</p><ul><li>Compas versus Underdann</li></ul><ul><li>Musher versus Zaina</li></ul><ul><li>Brillante versus Humo Aliens</li></ul><ul><li>Gustavo Ramos versus Cill</li></ul><ul><li>Giro versus Markitos</li></ul><ul><li>Alcoy versus Yun</li></ul><ul><li>Chili Parker versus Replik</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbegD53FJml/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbegD53FJml/?hl=es-la&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h2>Toda la información sobre la Liga Bazooka en el Teatro Gran Rex</h2><p>Para quienes quieran vivir la nueva edición de Liga Bazooka en Buenos Aires, Street Art Latam trae toda la información para conseguir las entradas.</p><p>El evento se llevará a cabo el próximo domingo 25 de octubre en el Teatro Gran Rex, uno de los recintos más emblemáticos de la capital argentina, ubicado en la Avenida Corrientes, a menos de 200 metros del Obelisco.</p><p>Las entradas estarán disponibles a través de la plataforma <a href="https://www.tuentrada.com/liga-bazooka-tgr?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAc3J0YwZhcHBfaWQPOTM2NjE5NzQzMzkyNDU5AAGnxWNAEee7ObIvgydkhlhZfPigL7RL0P7iPE5G3VeCT1NrrIPKLpBJih0tCbo_aem_O3JZoylcpH_D1M8XU91xOQ"><u>TuEntrada</u></a>, con precios que van desde los $40.250 hasta los $109.250, dependiendo de la ubicación elegida dentro del recinto.</p>

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La Liga Bazooka vuelve a Buenos Aires: quién compite, enfrentamientos y entradas

<p>Armar un skate desde cero puede parecer una tarea complicada, especialmente para quienes nunca montaron uno. Sin embargo, con los elementos adecuados y siguiendo algunos pasos, es posible hacerlo en casa, y Street Art Latam te cuenta el paso a paso.</p><h2>Conseguir todos los elementos como elemento primordial</h2><p>Antes de comenzar a montar el skate es necesario contar con todas las piezas que lo componen. Aunque existen diferentes tamaños, formas y configuraciones según el estilo y las preferencias de cada skater, hay algunos elementos fundamentales.</p><ul><li>Tabla: la base del skate y puede encontrarse en diferentes anchos, largos y formas.</li></ul><ul><li>Lija: se coloca sobre la parte superior de la tabla para proporcionar el agarre necesario durante la práctica.</li></ul><ul><li>Trucks: son las piezas metálicas que conectan la tabla con las ruedas y permiten controlar los movimientos y giros.</li></ul><ul><li>Ruedas: existen diferentes tamaños y durezas, por lo que su elección depende del tipo de patinaje y la superficie.</li></ul><ul><li>Rodamientos: se colocan dentro de las ruedas y permiten que estas giren alrededor del eje de los trucks.</li></ul><ul><li>Tornillos: sirven para fijar los trucks a la tabla.</li></ul><ul><li>Tuercas: permiten asegurar las ruedas a los ejes de los trucks.</li></ul><ul><li>Herramientas: una llave para ajustar las tuercas y tornillos será necesaria durante el armado.</li></ul><p>Con todos los elementos sobre la mesa, llega el momento de comenzar a montar el skate.</p><h2>Paso a paso: cómo armar un skate</h2><p>Ya con todos los elementos adquiridos, estamos listos para comenzar el proceso de armado del skateboarding, que consta de tres etapas: lija, truck y ruedas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d3b51b8f37.png" alt=""><figcaption>Persona colocando la lija sobre su tabla de skate (Jonathan Cooper).</figcaption></figure><h3>Lija</h3><p>El primer paso es colocar la lija sobre la parte superior de la tabla. Para hacerlo, se retira el papel protector y se pega cuidadosamente sobre la superficie, intentando evitar que queden burbujas o zonas despegadas.</p><p>Una vez colocada, se puede utilizar una herramienta o la propia llave para marcar el contorno de los bordes de la tabla. Al presionar alrededor de los límites, la lija queda marcada y resulta más sencillo retirar el excedente con cuidado.</p><p>Después hay que marcar y abrir los ocho agujeros destinados a los trucks. Estos se encuentran previamente perforados en la tabla, por lo que solamente es necesario atravesar la lija siguiendo su ubicación.</p><h3>Trucks</h3><p>El siguiente paso es colocar los trucks. Los tornillos atraviesan la tabla desde la parte superior y se fijan a los trucks por debajo. Es importante comprobar que ambos estén orientados correctamente y ajustar las tuercas para que queden firmemente sujetos.</p><h3>Ruedas y Rulemanes</h3><p>Con los trucks instalados, llega el turno de las ruedas y los rulemanes. Cada rueda necesita dos rulemanes, que se colocan en el interior de la misma, uno a cada lado.</p><p>Una vez instalados los rulemanes, las ruedas se colocan sobre los ejes de los trucks y se aseguran mediante las tuercas correspondientes. El ajuste debe permitir que la rueda gire libremente sin quedar excesivamente suelta.</p><p>Finalmente, conviene revisar todos los tornillos, tuercas y ruedas para comprobar que ninguna pieza tenga movimientos indeseados y que todo esté correctamente ajustado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e6e94bb9bc.png" alt=""><figcaption>Persona encerando su  tabla de skate (Tima Miroshnichenko).</figcaption></figure><h2>El skate ya está listo: algunos consejos antes de salir a patinar</h2><p>Una vez terminado el armado, no queda mucho más que hacer que probar el skate y ajustar aquellos componentes que no se sientan cómodos.</p><p>La elección de las ruedas, los rulemanes, los trucks y el ancho de la tabla puede modificarse según las preferencias de cada skater y el tipo de superficie sobre la que se patine. Por eso, el primer armado no necesariamente será la configuración definitiva.</p><p>También es recomendable revisar periódicamente el estado de los tornillos, las ruedas, los rulemanes y los trucks, especialmente después de varias sesiones.</p><p>Con todo ajustado y el skate preparado, solo queda ponerse el casco, encontrar un lugar adecuado y salir a patinar por las calles.</p>

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Guía para armar un skate: qué comprar y cómo armarlo

<p>El camino rumbo a la primera Freestyle World Cup continúa y ahora tendrá a Cochabamba como protagonista: el próximo sábado 15 de agosto, las preselecciones de Bolivia y Chile se enfrentarán en Alice Park con Kaiser, Nitro, Teorema, Crispa y Armamente entre los nombres destacados.</p><h2>La Pre-World Cup aterriza en Cochabamba con Chile y Bolivia como protagonistas</h2><p>Meses después de la primera parada de la Pre-World Cup, que tuvo a Venezuela y Colombia como sedes y contó con la presencia de representantes de Argentina, Colombia y Venezuela, el circuito volverá a Latinoamérica como antesala del gran evento del calendario del freestyle hispanohablante: la Freestyle World Cup.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbCD_ohgwvq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbCD_ohgwvq/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esta oportunidad, la ciudad de Cochabamba será sede de una jornada imperdible, donde el próximo sábado 15 de agosto, en Alice Park, reconocido club nocturno de la ciudad boliviana, las preselecciones de Bolivia y Chile buscarán construir su camino rumbo al primer mundial de freestyle organizado por Urban Roosters.</p><p>https://www.streetartlatam.com/agenda/evento/pre-world-cup-en-cochabamba</p><p>Los combinados sudamericanos se enfrentarán en una jornada que contará con algunos de los principales nombres de la escena chilena y con las promesas que buscarán representar a Bolivia en la gran cita internacional de diciembre.</p><ul><li>Chile: Kaiser, Nitro y Teorema</li></ul><ul><li>Preselección Bolivia A: Armamente y dos clasificados de las regionales</li></ul><ul><li>Preselección Bolivia B: Crispa y dos clasificados de las regionales</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f48c8f6388.png" alt=""><figcaption>Kaiser, uno de los representantes de Chile en Cochabamba (Freestyle Master Series).</figcaption></figure><p>Los representantes bolivianos surgirán de los participantes de las regionales realizadas en La Paz y Santa Cruz, cuyos clasificados completarán las selecciones que buscarán quedarse con un lugar rumbo a la Freestyle World Cup.</p><h2>¿Cómo conseguir entradas para la Pre-World Cup en Cochabamba?</h2><p>Si sos fanático del freestyle y no te querés perder la jornada de la Pre-World Cup en Cochabamba, Street Art Latam te trae toda la información para conseguir tus entradas.</p><p>El evento se llevará a cabo el próximo sábado 15 de agosto en Alice Park y reunirá a las mejores promesas del freestyle boliviano junto a la preselección de Chile, en una jornada que será clave para definir quiénes avanzarán en el camino rumbo a la Freestyle World Cup.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/conoce-la-pre-world-cup-la-antesala-del-mundial-del-freestyle-hispano/1000081</p><p>Las entradas estarán disponibles a través de la ticketera oficial <a href="https://alicepark.ventik.com/FMS-Bolivia-15-08-2026?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAcGRvZgJleHRuA2FlbQIxMQBzcnRjBmFwcF9pZA85MzY2MTk3NDMzOTI0NTkAAaeWH0mEmLY06O3ZNLM1KdJ8eL4MxfQ1gT9aqMuGAMyoecYsj0qnaiZWoWC7VQ_aem_deZyWJcH5Dq-VWgGvK2x6w"><u>Ventik</u></a>, con precios a partir de $79 bolivianos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1359871330.png" alt=""><figcaption>Armamente, representante boliviano de la Pre-World Cup, improvisando (Freestyle Master Series).</figcaption></figure><h2>Veinticuatro selecciones y un solo campeón: así será la Freestyle World Cup</h2><p>Si bien lo más inmediato dentro del calendario será la realización de la Pre-World Cup, el verdadero plato fuerte del freestyle hispanohablante en esta temporada será la Freestyle World Cup, el ambicioso Mundial organizado por Urban Roosters que se celebrará durante diciembre y buscará trasladar definitivamente el formato mundialista al universo de la improvisación.</p><p>El funcionamiento de la competencia será similar al de una Copa del Mundo tradicional. Un total de veinticuatro selecciones nacionales competirán en busca del título global, con equipos conformados por tres freestylers, uno de ellos con el rol de capitán y líder de la delegación.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DYh5HygR0xE/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DYh5HygR0xE/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La fase de grupos contará con seis zonas de cuatro equipos cada una y se disputará a lo largo de tres jornadas, donde cada selección tendrá una batalla por fecha y prácticamente sin margen de error para avanzar a la siguiente ronda.</p><p>Una vez terminada la etapa inicial, dieciséis selecciones clasificarán a la gran final, que se resolverá mediante un bracket de eliminación directa con octavos, cuartos, semifinales y la definición por el campeonato. Entre los países ya confirmados aparecen Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, España y México, anfitrión de la gran final y una de las primeras selecciones en presentar oficialmente su tridente, que estará conformado por Aczino, Azuky y Jony Beltrán.</p><p>El Mundial contará con cuatro eventos en total: tres jornadas correspondientes a la fase de grupos y una gran final internacional. La jornada inaugural se disputará el viernes 4 de diciembre en Colombia, mientras que la definición del campeonato tendrá lugar el sábado 12 de diciembre en la Ciudad de México.</p><p>Además del prestigio deportivo y la representación nacional, el torneo ofrecerá un importante incentivo económico: el equipo campeón se llevará un premio de 90.000 dólares, mientras que el subcampeón obtendrá 30.000 dólares.</p>

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Cochabamba recibe la Pre-World Cup con Chile y Bolivia frente a frente

<p>Con la primera mitad del año ya transcurrida, el streaming hispanohablante volvió a demostrar su enorme crecimiento y reunió a millones de espectadores frente a las pantallas, y Street Art Latam te trae el ranking de los creadores más vistos durante la primera mitad del año.</p><h2>WestCol, el gran abanderado latino de Kick</h2><p>Con 27 millones de horas vistas en su canal de Kick, WestCol se posicionó como el streamer latinoamericano más visto durante la primera mitad del año y volvió a demostrar por qué es una de las principales figuras de la escena digital de Colombia y Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7ad9c6a0d5.png" alt=""><figcaption>WestCol durante su viaje a China (Instagram/WestCol).</figcaption></figure><p>Con transmisiones que van desde videojuegos y vlogs de viaje en destinos como México, Estados Unidos y China hasta colaboraciones con otros creadores de contenido, artistas y figuras de la política, el colombiano se asentó como uno de los grandes abanderados de Kick y una de las principales figuras latinas de la escena del streaming.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/8pEVjNqCrMA" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Durante estos primeros seis meses del año, WestCol también llevó a su canal a múltiples figuras de distintos ámbitos, con colaboraciones que ampliaron el alcance de sus transmisiones y reforzaron el carácter diverso de su contenido.</p><ul><li>Leandro La Zapa</li></ul><ul><li>Chanty</li></ul><ul><li>Nil Ojeda</li></ul><ul><li>Blessd</li></ul><ul><li>YSY A</li></ul><ul><li>Gustavo Petro</li></ul><ul><li>Álvaro Uribe</li></ul><ul><li>Cosculluela</li></ul><ul><li>La Cobra</li></ul><ul><li>Kun Agüero</li></ul><ul><li>Coscu</li></ul><ul><li>Joaco López</li></ul><h2>Davoo Xeneize y un primer semestre marcado por el fútbol</h2><p>Con poco más de 18 millones de horas vistas, Davoo Xeneize se ubicó como el segundo streamer latino más visto durante la primera mitad del año y volvió a consolidarse como una de las principales figuras del streaming argentino, con el fútbol como uno de los grandes protagonistas de su contenido.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@davooxeneize/video/7659582700793105685" data-video-id="7659582700793105685" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@davooxeneize/video/7659582700793105685?lang=es-419" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Durante estos primeros seis meses, el creador realizó transmisiones diarias repasando la actualidad de Boca Juniors, club del que es hincha, y siguiendo la actividad de los principales equipos de Europa y Latinoamérica, además de competencias como la UEFA Champions League, donde las reacciones post-partido y los minijuegos también ocuparon un lugar importante dentro de sus streams.</p><p>Su contenido también estuvo marcado por distintas colaboraciones con figuras del deporte y la música, entre ellas Luis Suárez, Julián Álvarez, Gastón Edul, Bizarrap, Trueno y Leandro Paredes, quienes formaron parte de algunas de sus transmisiones y sumaron nuevos formatos a su canal.</p><h2>La Cobraa y el fútbol como protagonista de sus streams</h2><p>Con poco más de 17 millones de horas vistas acumuladas en Kick, La Cobraa se quedó con el tercer puesto entre los streamers latinoamericanos más vistos durante la primera mitad del año, consolidándose además como una de las principales figuras argentinas de la plataforma.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@lacobraaa2.0/video/7659965070729891093" data-video-id="7659965070729891093" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@lacobraaa2.0/video/7659965070729891093?lang=es-419" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>El fútbol volvió a ser el motor de su contenido, con transmisiones centradas en la actualidad y el día a día de los principales equipos de Latinoamérica y Europa. A través de sus streams, La Cobraa llevó el análisis, las reacciones y el debate futbolístico a una audiencia hispanohablante cada vez más amplia.</p><ul><li>Minijuegos: una alternativa para sumar entretenimiento y dinamismo a sus transmisiones.</li></ul><ul><li>Vlogs: contenido fuera del formato tradicional del streaming.</li></ul><ul><li>Reacciones: seguimiento en vivo de partidos, noticias y diferentes acontecimientos.</li></ul><ul><li>Debates: análisis y discusiones sobre la actualidad del fútbol.</li></ul><ul><li>Charlas: espacios más distendidos con invitados y otros creadores como Davoo Xeneize de Argentina, Mike La Máquina del Mal de México y Los Futbolitos de República Dominicana.</li></ul><ul><li>Predicciones: pronósticos sobre partidos, resultados y distintos acontecimientos deportivos.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a5fc6bf594.png" alt=""><figcaption>La Cobraa antes de pelear en La Velada del Año (Instagram/LaCobraa).</figcaption></figure><h2>Ibai Llanos, Spreen y las figuras que completaron el ranking</h2><p>La primera mitad del año también tuvo otros nombres que se destacaron dentro del streaming latino y terminaron de completar el top 10 de los creadores más vistos, con presencia tanto de figuras latinoamericanas como de grandes referentes españoles.</p><ul><li>4.º — Rubius: 13,8 millones de horas vistas.</li></ul><ul><li>5.º — MrStivenTc: 11,7 millones de horas vistas.</li></ul><ul><li>6.º — Ibai Llanos: 11,5 millones de horas vistas.</li></ul><ul><li>7.º — Adriano Zendejas 32: 10,8 millones de horas vistas.</li></ul><ul><li>8.º — Spreen: 10,2 millones de horas vistas.</li></ul><ul><li>9.º — RDjavi: 10,2 millones de horas vistas.</li></ul><ul><li>10.º — Matthew Dota: 8,2 millones de horas vistas.</li></ul><p>Así, el ranking dejó una fotografía de una escena cada vez más diversa, con Argentina, México, Perú y España entre los países representados y plataformas como Kick y Twitch como algunos de los principales escenarios para el crecimiento del streaming en la región hispanohablante.</p>

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¿Quiénes fueron los streamers hispanos más vistos de la primera mitad del año?

<p>No todas las obras requieren las mismas herramientas de trabajo. El tamaño, la superficie y el estilo del mural pueden determinar si conviene utilizar aerosol, rodillo o pincel, y desde Street Art Latam te acercamos una guía para conocer cuál es la indicada para cada obra.</p><h2>Aerosol: precisión, color y libertad para crear</h2><p>El aerosol es una de las herramientas más asociadas al arte urbano y resulta especialmente útil cuando se buscan líneas definidas, degradados, detalles y una mayor libertad para trabajar sobre grandes superficies. El hecho de utilizar aerosol también permite superponer colores y crear diferentes efectos según el tipo de boquilla utilizada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_41498d6a95.png" alt=""><figcaption>Persona utilizando un spray como herramienta de trabajo (Felicity Tai).</figcaption></figure><p>Para murales de estética urbana, graffiti o composiciones que requieren precisión y variedad de trazos, el aerosol suele ser una de las opciones más versátiles y elegidas.</p><h2>Rodillo: la mejor opción para cubrir grandes superficies</h2><p>El rodillo es una herramienta ideal para cubrir grandes superficies de manera rápida y uniforme. A diferencia del aerosol o el pincel, la principal ventaja del rodillo está en la cantidad de pintura que permite aplicar en poco tiempo, por lo que suele utilizarse para fondos, bases de color y zonas amplias del mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8605ed7d25.png" alt=""><figcaption>Rodillo, herramienta ideal para cubrir grandes superficies (Tima Miroshnichenko).</figcaption></figure><p>Además, puede combinarse con otras herramientas: por ejemplo, utilizar un rodillo para construir el fondo y después recurrir al aerosol o al pincel para sumar detalles, contornos y elementos más pequeños.</p><h2>Pincel: el aliado para los detalles y las terminaciones</h2><p>El pincel permite trabajar con mayor precisión y control, por lo que resulta especialmente útil para detalles, líneas finas, terminaciones y pequeñas zonas que requieren una aplicación más cuidadosa de la pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_995c5660d9.png" alt=""><figcaption>Detalles hechos con pincel en un mural (K).</figcaption></figure><p>También puede ser una buena opción cuando el mural incorpora técnicas más cercanas a la pintura tradicional o cuando se busca trabajar con diferentes texturas y grosores de trazo. Al igual que el rodillo, puede combinarse con aerosol para conseguir diferentes acabados dentro de una misma obra.</p><h2>¿Aerosol, rodillo o pincel: cuál es mejor para pintar un mural?</h2><p>No existe una única herramienta ideal: la elección depende del tamaño del mural, la superficie, el tipo de pintura y el resultado que se busca conseguir.</p><ul><li>Aerosol: muy bueno para líneas, detalles, degradados, contornos y estética ligada al graffiti.</li></ul><ul><li>Rodillo: excelente para cubrir superficies grandes y aplicar fondos o bases de manera rápida y pareja.</li></ul><ul><li>Pincel: más indicado para detalles, terminaciones, líneas precisas y trabajos que requieren mayor control.</li></ul><p>En muchos casos, además, las tres herramientas pueden utilizarse dentro de una misma obra para aprovechar las ventajas de cada una.</p>

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Aerosol, rodillo o pincel: ¿qué herramienta usar para pintar un mural?

<p>Kicks and Friends se convirtió en uno de los grandes referentes de la cultura sneaker y la moda urbana en Argentina. A casi una década de sus inicios, Luciano Corcico repasó junto a Street Art Latam el nacimiento del proyecto, su explosión, los desafíos y el futuro.</p><h2>Los inicios de Kicks and Friends: de un unboxing entre amigos a una comunidad sneaker</h2><p>Antes de consolidarse como uno de los grandes referentes de la cultura sneaker en Argentina y como una voz autorizada dentro de la moda urbana a nivel latinoamericano, Kicks and Friends tuvo, como todo proyecto, un punto de partida. En el caso del proyecto encabezado por Juan Posite y Luciano Corcico, todo comenzó con un video de unboxing y review de las Jordan Retro 3 Katrina.</p><p>“<em>No hubo una previa a ese video. En ese momento andábamos muy atrás de lo que podía llegar, No había información e íbamos muy seguido a los shoppings. Yo veo en un grupo de Facebook que habían salido las Katrina y le aviso a Juan, que estaba en Capital. Cuando lo vi el fin de semana, que nos juntábamos con otros dos amigos, estábamos en lo de Juan y surgió: ‘Che, ¿por qué no hacemos un video, un unboxing de esto?’</em>”, cuenta Lucho.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_406afef661.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite en los inicios de Kicks and Friends (Instagram/Kicks and Friends).</figcaption></figure><p>Después de publicar el video y observar la repercusión que había generado, con páginas que lo compartían y personas vinculadas a distintas marcas que comenzaban a acercarse, Luciano y Juan empezaron a pensar nuevas secciones y contenidos para darle una estructura al canal. Así, lo que había comenzado casi de manera espontánea empezó a tomar forma y sentó las bases de lo que luego se convertiría en Kicks and Friends.</p><h2>El video que cambió el rumbo de Kicks and Friends</h2><p>Más allá del unboxing de las Jordan Retro 3 Katrina, el contenido que realmente marcó un antes y un después en el camino de Kicks and Friends en YouTube fue el video de su visita al Outlet de Quilmes, al que llegaron invitados por Nike para conocer una especie de clearance de la marca.</p><p>“<em>El Outlet de Quilmes. Hicimos un video yendo al Outlet de Quilmes invitados por Nike, que abría una especie de clearance. Vamos a última hora por el laburo de cada uno y cuando llegamos ya no dejaban pasar más gente. Compramos una locura de cosas a muy buenos precios y, en vez de hacer un video del lugar, hicimos un unboxing de todas las cosas que compramos</em>”.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rpg5CrXh4Fg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>El contenido se convirtió en uno de los grandes momentos de la historia del canal. No solo generó una importante repercusión en YouTube e Instagram, sino que también llevó a una gran cantidad de personas a descubrir el proyecto y a interesarse por otros videos de “cazando outlets” que ya formaban parte del canal.</p><p>A ese crecimiento también contribuyeron las colaboraciones con figuras nacionales como Ramita Gram, de Bajoneando por Hay, y PedritoVM, dos encuentros que, en palabras de Luciano, fueron “<em>dos empujones que nos ayudaron muchísimo a posicionarnos relativamente rápido</em>”. En apenas cinco meses, el proyecto había conseguido construir un importante flujo de audiencia en YouTube, lo que abrió las puertas a las primeras conversaciones con marcas y marcó el comienzo de una nueva etapa para Kicks and Friends.</p><h2>La visión detrás del éxito de Kicks and Friends</h2><p>Todo proyecto necesita una dosis de fortuna, aparecer en el momento justo o encontrar un nicho que, con el tiempo, pueda convertirse en algo mucho más grande, y sin lugar a dudas, Kicks and Friends tomó un poco de cada una de esas variables. La cultura sneaker todavía no tenía una presencia consolidada en las plataformas digitales argentinas cuando Juan y Luciano decidieron comenzar a mostrar su pasión por las zapatillas frente a una cámara.</p><p>“<em>Lo que hizo que nos fuera bien es que no había gente que pusiera la cara: había blogs, páginas de noticias y demás, pero nadie haciendo videos. Fue muy loco empezar a verlo después de nosotros. Al día de hoy, marcas y gente que hace contenido nos dicen que abrimos una puerta, que antes era impensado que una marca le pagara a alguien para que hiciera una reseña de su producto”.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cb7a47bae.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico de Kicks and Friends en una entrevista en Vorterix (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Luciano también reconoce que a la audiencia que comenzó a seguirlos le terminó gustando la naturalidad y el carácter orgánico de sus contenidos. A eso se sumó un contexto cultural especialmente favorable: la explosión del trap en Argentina, el crecimiento de la moda urbana y una escena sneaker que empezaba a ganar cada vez más espacio.</p><p>“<em>El timing fue buenísimo, aparecimos en el momento perfecto para hablar de zapas y también supimos, con distintas secciones y demás, capitalizar a la gente que nos empezaba a conocer para marcar el terreno y no ser simplemente personas que sacan prendas de una caja</em>”, menciona también Luciano, una de las caras del proyecto.</p><h2>Marcas, hate y pandemia: los desafíos que Kicks and Friends tuvo que atravesar</h2><p>Todo proyecto tiene una base de desafíos que debe superar, no solo en el momento previo a comenzar su recorrido, sino también a lo largo de su crecimiento e incluso cuando alcanza su punto más alto. Kicks and Friends lo sabe más que nadie.</p><p>Entre los distintos obstáculos que debieron afrontar, Luciano recuerda que uno de los primeros fue conseguir trabajar con las marcas. El proyecto había llegado a un punto en el que Juan y él compraban tantas zapatillas que ya no podían mantener el ritmo por sus propios medios. Sin embargo, una vez que lograron establecer vínculos con las marcas y construir un flujo propio de audiencia, apareció un nuevo desafío: mantener todo lo que habían conseguido.</p><p>La exposición también trajo consigo una parte inevitable del mundo digital: el hate. El propio Luciano lo resume como la necesidad de “<em>bancarse la llegada de gente tirando mierda y acostumbrarse a eso</em>”. A eso se sumaron decisiones personales y profesionales de enorme importancia, como dejar sus trabajos para dedicarse de lleno al proyecto, además de atravesar una pandemia que modificó por completo la vida de millones de personas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2903e182ee.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite, las caras de Kicks and Friends (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Pero los desafíos no desaparecieron con la consolidación del proyecto. Después de atravesar distintas turbulencias y convertirse en una referencia de la cultura sneaker argentina, Kicks and Friends todavía tiene nuevos objetivos por delante: “<em>El desafío del día de hoy está en volver a reforzar esa comunidad que supimos tener y que seguimos teniendo. Seguir siendo alguien para las marcas y para la gente que te ve. No te digo volver a explotar, pero mantenernos es el desafío de hoy en día</em>”.</p><h2>Kicks and Friends y el cambio de una escena que todavía era de nicho</h2><p>El momento de creación de Kicks and Friends coincidió con una etapa en la que la cultura sneakerhead todavía era un universo de nicho en Argentina, con una comunidad más cerrada y alejada del público general. En ese contexto, Juan y Luciano decidieron hablar de zapatillas desde un lugar diferente y buscar que el contenido pudiera llegar incluso a personas que no tenían conocimientos previos sobre el mundo sneaker.</p><p>“<em>Cuando empezamos, creo que rompimos con algo bastante importante: no hablarle al sneakerhead. Cuando arrancamos el canal, la idea era hacer videos que, si mi papá está viendo YouTube a la madrugada, los vea y le interesen</em>”.</p><p>Luciano considera que el proyecto logró cambiar el juego dentro de la escena gracias a una combinación de factores. El timing volvió a ser determinante: Kicks and Friends apareció a la par del crecimiento del trap y en un momento de expansión global de la cultura de las zapatillas. Sin embargo, también hubo una lectura consciente del contexto argentino. El dúo entendió el país desde el que comunicaba, le dedicó tiempo a los productos que podían encontrarse en el mercado local y habló de aquello a lo que la gente realmente podía acceder.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8c29647361.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y su amor por los sneakers (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Ese enfoque terminó generando un antes y un después. Con el paso del tiempo, distintas personas vinculadas al ambiente sneaker comenzaron a reconocer la importancia que tuvo Kicks and Friends en la expansión de la cultura en Argentina y en la apertura de una escena que, hasta entonces, se mantenía mucho más cerrada.</p><h2>El futuro de Kicks and Friends: casi una década de historia y nuevos desafíos</h2><p>Con casi una década de historia en el plano digital, Kicks and Friends continúa funcionando como un punto de encuentro para los fanáticos de las zapatillas y para todas aquellas personas que todavía buscan abrir la puerta a la cultura sneaker. Sin embargo, como ocurre con cualquier proyecto, también existe la posibilidad de que en algún momento llegue a su fin —aunque ojalá todavía falte mucho para ese día—.</p><p>Luciano mira ese futuro con la tranquilidad de quien ya siente que cumplió una parte importante de sus objetivos. Después de ocho años viviendo de una actividad que disfruta y que le permitió convertir su pasión en un trabajo, considera que el balance, independientemente de lo que pueda ocurrir más adelante, es positivo.</p><p>“<em>Si mañana me toca dejar de hacer esto o dejarlo como trabajo, obviamente lo lamentaría, pero al mismo tiempo no me puedo quejar. Son ocho años de vivir haciendo algo que disfruto, que me gusta. Si bien hay días de grabar, de ir a eventos y de pasar videos al editor, no me puedo quejar</em>”, expresa en retrospectiva del camino de Kicks and Friends.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14381f965e.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico con las Suede XL de PUMA (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><h2>El ping pong de Luciano Corcico: zapatillas, moda y referentes</h2><p>Más allá de su perfil delante de las cámaras como protagonista de Kicks and Friends, Lucho también cuenta con un lado más personal dentro de la cultura sneaker y la moda urbana: desde su marca y silueta favorita hasta el par más importante de su colección y las figuras que considera referentes de estilo.</p><ul><li>¿Marca favorita de sneakers? Jordan.</li></ul><ul><li>¿Silueta favorita? Jordan 11.</li></ul><ul><li>¿El mejor par de tu colección? Jordan 11 Concord.</li></ul><ul><li>¿Zapatilla favorita? LeBron 5 White Crimson Gold.</li></ul><ul><li>¿Un par que todavía te falta conseguir? Yeezy 350 V2 Zebra.</li></ul><ul><li>¿Marca infravalorada de ropa de Argentina? Cross y Offcourt.</li></ul><ul><li>¿Un artista que siempre viste bien? Duki y Lucho SSJ, y de afuera Oliver Sykes.</li></ul><ul><li>¿Un futbolista que se vista bien? Rodrigo De Paul y Jules Koundé.</li></ul>

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“Nosotros abrimos una puerta para que la gente quiera saber un poco más de zapas"

<p>El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.</p><h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

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Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

<p>México volverá a convertirse en sede de la Liga Bazooka, la competencia de batallas escritas número uno dentro de la escena hispanohablante, aunque esta vez con un hecho histórico para la competencia.</p><p>El próximo domingo 13 de septiembre, el Auditorio Blackberry de la Ciudad de México albergará la primera edición nacional en territorio azteca, en una jornada que reunirá a figuras como Jony Beltrán, Blue One y Eptos arriba del escenario.</p><h2>La Liga Bazooka desembarca por primera vez con una edición nacional en México</h2><p>Luego de conquistar el Complejo C Art Media de la ciudad de Buenos Aires con el novedoso formato todos contra todos, donde nombres como Chili Parker Musher y Mecha protagonizaron una jornada en la que cada battlecat disputó un único round extenso frente al resto de los participantes, la Liga Bazooka ya puso en marcha su próximo gran capítulo, esta vez a miles de kilómetros de la capital argentina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_135d25019c.png" alt=""><figcaption>Blue One batallando en la Liga Bazooka (Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>Y es que la competencia referente de las batallas escritas en habla hispana aterrizará el próximo domingo 13 de septiembre en el Auditorio BlackBerry de la Ciudad de México para celebrar la primera edición nacional de Liga Bazooka México, un evento que marcará un nuevo hito para la disciplina en territorio azteca.</p><p>Después de varios meses sin una fecha en el país —la última había sido un cartel internacional con figuras como Aczino, Chili Parker y Disaster—, la organización regresará con una jornada compuesta íntegramente por talento mexicano de la talla de Eptos, Blue One, Jony Beltrán y Sandra. El evento contará con cinco enfrentamientos que reunirán a referentes de la escena, leyendas consolidadas y nuevos talentos dispuestos a escribir un nuevo capítulo en el país de las barras.</p><h2>¿Quiénes serán los battlecats de la Liga Bazooka México?</h2><p>La primera edición nacional de Liga Bazooka en México reunirá cinco enfrentamientos de primer nivel en una jornada donde se mezclarán leyendas de la escena, referentes consolidados, nuevas figuras que buscan dar el salto a los grandes escenarios y algunas de las crews más representativas del país.</p><ul><li>Bull Romero versus Hekos</li></ul><ul><li>Sandra versus Neoc</li></ul><ul><li>Jony Beltrán versus Gino</li></ul><ul><li>Blue One versus Quezada</li></ul><ul><li>Sipo y Tkilla versus Eptos y Bizor</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbTlPmZFPXb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbTlPmZFPXb/?hl=es-la&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una programación que reúne referentes femeninas, showmans por excelencia, plumas con estilos únicos y choques entre algunas de las crews más importantes que dio la escena mexicana, la primera edición nacional de Liga Bazooka buscará escribir un nuevo capítulo dentro de las batallas escritas del país.</p><h2>Toda la información sobre la Liga Bazooka México</h2><p>Para todos aquellos que quieran celebrar el mes patrio con lo mejor de las rimas escritas de la escena mexicana, Street Art Latam trae toda la información necesaria para asistir a la primera edición nacional de la Liga Bazooka México.</p><p>El evento se llevará a cabo el próximo domingo 13 de septiembre en el Auditorio Blackberry de la Ciudad de México y las entradas ya se encuentran disponibles a través de <a href="https://www.passline.com/eventos-ficha-dvm/liga-bazooka-mexico-nacional?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAc3J0YwZhcHBfaWQPOTM2NjE5NzQzMzkyNDU5AAGn3M7VVoKMAj7qV4pC0zTGRfPRSEkoY8J4KzHt4FE-LYhNFMqUb4KcG5ntlZM_aem_YEwTEYqez7kYij_aZGeAdw&amp;utm_id=97760_v0_s00_e0_tv3"><u>Passline</u></a>: los precios de los boletos van desde los $1.100 hasta los $2.500 pesos mexicanos, dependiendo de la ubicación seleccionada.</p>

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Liga Bazooka vuelve a México con su primera edición nacional

<p>El parkour desarrolló un lenguaje propio que acompaña cada salto, recorrido y competencia. Entre movimientos técnicos, formatos de evaluación y conceptos utilizados tanto por atletas, jueces y comentaristas, entender su vocabulario es el primer paso para disfrutar al máximo la disciplina, y Street Art Latam repasa los términos imprescindibles.</p><h2>Los movimientos básicos del parkour</h2><p>El parkour se basa en desplazarse de la manera más eficiente posible superando cualquier obstáculo del entorno. Para lograrlo, los traceurs utilizan una serie de movimientos fundamentales que constituyen la base de la disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_037f928354.png" alt=""><figcaption>La argentina Sara Banchoff realizando un movimiento durante un entrenamiento (Instagram/Sara Banchoff).</figcaption></figure><ul><li>Precision jump: salto preciso de un punto a otro buscando aterrizar con estabilidad.</li></ul><ul><li>Cat leap (Arm jump): salto hacia una pared o estructura, sujetándose con las manos mientras los pies amortiguan el impacto.</li></ul><ul><li>Vault: técnica para superar un obstáculo apoyándose con una o ambas manos.</li></ul><ul><li>Safety vault: uno de los vaults más utilizados, pensado para mantener el control durante el recorrido.</li></ul><ul><li>Speed vault: permite superar un obstáculo a máxima velocidad utilizando una sola mano.</li></ul><ul><li>Lazy vault: salto lateral utilizado para cambiar de dirección mientras se supera un obstáculo.</li></ul><ul><li>Kong vault: el atleta se impulsa con ambas manos y pasa el cuerpo completamente por encima del obstáculo.</li></ul><ul><li>Dash vault: las piernas pasan primero sobre el obstáculo y las manos impulsan el cuerpo desde atrás.</li></ul><ul><li>Wall run: carrera sobre una pared para alcanzar una mayor altura.</li></ul><ul><li>Wall climb: técnica utilizada para trepar un muro utilizando piernas y brazos.</li></ul><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/parkour-en-primera-persona-la-mirada-de-victor-dominguez-1/1038"><u><em>Parkour en primera persona: la mirada de Víctor Domínguez</em></u></a></p><h2>Los movimientos avanzados</h2><p>Con el paso del tiempo, los traceurs incorporan movimientos más técnicos que suelen aparecer en competencias internacionales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNyF_HtYuyB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNyF_HtYuyB/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Front flip: mortal hacia adelante.</li></ul><ul><li>Backflip: mortal hacia atrás.</li></ul><ul><li>Side flip: giro lateral en el aire.</li></ul><ul><li>Cork: rotación diagonal combinando giro y mortal.</li></ul><ul><li>Gainer: salto hacia adelante con rotación hacia atrás.</li></ul><ul><li>Palm spin: giro utilizando una mano como punto de apoyo.</li></ul><ul><li>Tic Tac: impulso sobre una pared para cambiar de dirección o ganar altura.</li></ul><ul><li>Underbar: atravesar un espacio estrecho pasando el cuerpo entre dos barras o estructuras.</li></ul><ul><li>Lache: balanceo y salto entre barras.</li></ul><ul><li>Cat pass: combinación de un Cat Leap con una salida inmediata.</li></ul><h2>La jerga del parkour</h2><p>Al igual que otras disciplinas urbanas, el parkour tiene un vocabulario propio que aparece constantemente en entrenamientos y competencias.</p><ul><li>Traceur / Traceuse: persona que practica parkour.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para entrenar.</li></ul><ul><li>Flow: capacidad para enlazar movimientos de forma natural.</li></ul><ul><li>Line: secuencia continua de movimientos.</li></ul><ul><li>Challenge: desafío específico propuesto entre atletas.</li></ul><ul><li>Stick: aterrizaje completamente estable, sin dar pasos adicionales.</li></ul><ul><li>Bail: abandonar un movimiento para evitar una caída o lesión.</li></ul><ul><li>Landing: recepción de un salto.</li></ul><ul><li>Take off: punto desde donde comienza el impulso.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a6b56d44b.png" alt=""><figcaption>La neerlandesa Noa Diorgina en acción (Instagram/Noa Diorgina).</figcaption></figure><h2>¿Cómo funciona una competencia de parkour?</h2><p>Además de conocer los movimientos, entender los formatos de competencia ayuda a disfrutar mucho más cada evento.</p><ul><li>Speed: modalidad en la que los atletas deben completar un circuito en el menor tiempo posible.</li></ul><ul><li>Freestyle: formato en el que los competidores realizan recorridos creativos combinando movimientos, técnica, dificultad y estilo.</li></ul><ul><li>Run: recorrido completo realizado por un atleta durante una ronda.</li></ul><ul><li>Dificultad: nivel técnico de los movimientos ejecutados.</li></ul><ul><li>Ejecución: limpieza y precisión con la que se realizan los movimientos.</li></ul><ul><li>Creatividad: capacidad para utilizar el entorno de manera original.</li></ul><ul><li>Fluidez: continuidad entre cada movimiento sin interrupciones.</li></ul><ul><li>Caída: error que puede afectar significativamente la puntuación.</li></ul><ul><li>Jueces: encargados de evaluar aspectos técnicos, creatividad y ejecución durante cada recorrido.</li></ul>

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Los conceptos que tenés que conocer para entender una competencia de parkour

<p>El boxeo influencer continúa expandiéndose por Latinoamérica y Perú volverá a ser uno de sus principales escenarios con La Noche Dorada II, el evento organizado por El Zein que reunirá a algunos de los creadores de contenido más populares del continente el próximo sábado 5 de septiembre en el Coliseo Eduardo Dibós de Lima.</p><h2>La Noche Dorada II lleva el boxeo de influencers a Lima</h2><p>Tan solo un puñado de días después de que el Estadio La Cartuja de Sevilla se convierta en la sede de la sexta edición de La Velada del Año, el formato de velada de boxeo entre creadores de contenidos aterrizará en la ciudad de Lima, esta vez con La Noche Dorada de El Zein como protagonista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f70ff44556.png" alt=""><figcaption>Zully, una de las influencers presentes en La Noche Dorada II (Instagram/La Noche Dorada).</figcaption></figure><p>Y es que luego de su estreno el año pasado, donde influencers como Shadoune, Zully, Smash, La Pinky y Cristorata se vistieron de boxeadores, el evento tendrá su segunda edición el próximo sábado 5 de septiembre en el Coliseo Eduardo Dibós.</p><p>De la mano de El Zein, la segunda edición de La Noche Dorada reunirá dieciséis peleadores de Perú, Colombia y Chile sobre el ring, entre los que se destacan personalidades de las redes como Shelao, May Osorio y JH de la Cruz, y transformará a la ciudad de Lima en la capital del boxeo amateur entre influencers.</p><p>El evento será transmitido a través del canal oficial de Kick de <a href="https://kick.com/elzeein"><u>El Zein</u></a>.</p><h2>La cartelera completa de La Noche Dorada II</h2><p>Con una cartelera de ocho combates, donde conviven duelos entre creadores de contenido nacionales e internacionales, La Noche Dorada reunirá influencers de Perú, Colombia y Chile sobre el ring, en una jornada que pondrá al evento peruano en el centro de la escena del streaming latinoamericano.</p><ul><li>Pepita versus Pauchikita</li></ul><ul><li>Sr. Pulsera versus Sachauzumaki</li></ul><ul><li>El Jeque versus Jota Shoy</li></ul><ul><li>Emetsuki versus Daniela Taquire</li></ul><ul><li>Bebote versus Kingteka</li></ul><ul><li>Zully versus May Osorio</li></ul><ul><li>Shelao versus Piero Arenas</li></ul><ul><li>Cañita versus JH de la Cruz</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f057f35b0b.png" alt=""><figcaption>La cartelera de combates de La Noche Dorada II (Instagram/La Noche Dorada).</figcaption></figure><h2>Todo lo que tenés que saber sobre La Noche Dorada II</h2><p>La Noche Dorada conquistará el Coliseo Eduardo Dibós el próximo sábado 5 de septiembre con su segunda edición, y si tenés ganas de presenciar los combates de celebridades digitales como Shelao, Daniela Taquire, JH de la Cruz, Zully y El Jeque, Street Art Latam te trae toda la información para seguir el evento.</p><p>Las entradas estarán disponibles a través del sitio digital <a href="https://www.ticketmaster.pe/event/la-noche-dorada-edicion-2026?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAc3J0YwZhcHBfaWQPOTM2NjE5NzQzMzkyNDU5AAGnJNGAgagdRAM6qRZ1AYSGomaEIgeulSNTMdPD-eCDeBV49dXVP9yBjRbASMs_aem_cPTgEjrVm9ejdPt0_TD4yA"><u>Ticketmaster</u></a>: los precios van desde $79 hasta $276 soles peruanos, dependiendo de la ubicación dentro del recinto.</p><p>Para todos aquellos que no puedan seguir la competencia desde dentro del Coliseo Eduardo Dibós, podrán hacerlo a través del canal oficial de Kick de El Zein.</p><p>De esta manera, todo está listo para una nueva edición de La Noche Dorada, un evento que buscará consolidarse como una de las principales propuestas del boxeo influencer en Latinoamérica y que volverá a reunir a algunas de las figuras digitales más populares del continente sobre un mismo ring.</p><h2>¿Quién es El Zein, el organizador de La Noche Dorada?</h2><p>Andy Dante Merino Ramírez, mejor conocido en redes sociales como El Zein, se ha consolidado como una de las figuras digitales más importantes tanto de Perú como de América Latina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a15e40ac7e.png" alt=""><figcaption>El Zein, emblema del streaming peruano (Instagram/El Zein).</figcaption></figure><p>Con más de un millón de seguidores entre sus redes sociales, el peruano conquistó las plataformas con contenido como gameplays de videojuegos, reacciones, vlogs y desafíos y se convirtió en un referente local e internacional.</p>

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El boxeo influencer vuelve a Lima con La Noche Dorada II

<p>Si hay que hablar de referentes femeninas del muralismo contemporáneo en México, el nombre de Camila Ricard ocupa un lugar destacado. En diálogo con Street Art LATAM, la artista repasó sus comienzos, la construcción de su estilo, la escena del arte urbano mexicano y los proyectos que marcaron su carrera.</p><h2>Un estilo artístico en constante evolución</h2><p>En el universo del arte urbano conviven una infinidad de estilos, técnicas y formas de entender la creación. Con el paso del tiempo, cada muralista termina construyendo una identidad propia que no solo define sus obras, sino también la manera en la que observa el mundo. En el caso de Camila Yarahuan Ricard, esa identidad tiene una palabra que la resume por completo: la libertad.</p><p>&quot;<em>Si tuviera que definir mi estilo con una sola palabra, sería libre. Es un estilo que está en constante evolución porque nunca estudié arte de manera formal; todo lo que he aprendido ha sido a través de la experimentación, la intuición y la conexión con las distintas etapas de mi vida</em>&quot;, reconoce la mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá de esa definición, la muralista mexicana reconoce que cada una de sus obras funciona como un reflejo del momento personal que atraviesa. Actualmente encuentra inspiración en crear piezas con propósito, incorporando símbolos, números, repeticiones y elementos que representan conexiones más profundas. Interesada en explorar el comportamiento humano, la energía y la naturaleza, asegura que más que perseguir un estilo fijo, su principal objetivo es crear desde la autenticidad.</p><p>Entre las influencias que acompañaron el desarrollo de su identidad artística, Camila Ricard destaca a Frida Kahlo como su principal referente. La mexicana admira su capacidad para crear sin filtros y convertir cada etapa de su vida en una obra cargada de significado. Como mujer, también encuentra inspiración en la libertad con la que Kahlo mezclaba símbolos, emociones y experiencias personales.</p><p>Sin embargo, sus referencias no se limitan únicamente al universo artístico. La naturaleza, los viajes, las personas que conoce en el camino y las conversaciones cotidianas también forman parte de un proceso creativo que busca nutrirse constantemente de nuevas vivencias y perspectivas.</p><h2>El arte urbano como herramienta para transformar espacios</h2><p>Para muchos muralistas, el primer acercamiento a las calles nace de la necesidad de expresar una idea, intervenir un espacio o simplemente compartir una parte de sí mismos con quienes transitan la ciudad: “<em>Me parece mágico pensar que una persona pueda cruzarse con una obra en su camino y que, aunque sea por unos segundos, esa experiencia despierte una emoción, una reflexión o simplemente le cambie el día. Poder transformar un espacio compartido en un lugar con identidad y significado es una de las razones por las que disfruto tanto el arte urbano</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de69395dc8.png" alt=""><figcaption>El proceso creativo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>Con esa filosofía, la artista mexicana asegura que cada mural representa una oportunidad para dejar un lugar un poco mejor de como lo encontró. Más allá del resultado final, entiende al arte como una herramienta capaz de generar encuentros, despertar emociones y transformar la relación entre las personas y los espacios que habitan.</p><p>Más allá del espacio donde pinta, la muralista también tiene claro cuál es el mensaje que busca dejar en cada una de sus intervenciones. A través de sus obras intenta transmitir emoción, energía y libertad, sin perseguir la perfección ni el realismo como objetivo principal.</p><p>Camila explica que trabaja de manera intuitiva, permitiendo que los colores, las formas, las palabras y los símbolos aparezcan de forma natural durante el proceso creativo. Más que controlar cada detalle, siente que actúa como un canal para esas ideas, con la esperanza de que cada obra invite a quien la observa a conectar con algo propio y le recuerde que la creatividad también nace cuando dejamos espacio para sentir.</p><h2>La visión de Camila Ricard sobre la escena del muralismo en México</h2><p>No hay dudas de que México se consolidó como uno de los grandes referentes del arte urbano en Latinoamérica, con una escena que no solo ganó visibilidad en los últimos años, sino que también amplió sus espacios de desarrollo gracias al crecimiento de festivales, convocatorias y proyectos colectivos. Una evolución que también perciben quienes forman parte activa de ese movimiento, como Camila Yarahuan Ricard.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b65a7d6ba3.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>“<em>En México el arte urbano está viviendo un momento muy interesante. Cada vez existen más convocatorias, colaboraciones con marcas, festivales y espacios que apuestan por integrar el arte en la vida cotidiana. También veo una comunidad de artistas mucho más unida y abierta a compartir procesos, conocimientos y oportunidades</em>”, reconoce la muralista.</p><h2>El proyecto que marcó un antes y un después en su carrera</h2><p>Todo recorrido artístico tiene una obra o un proyecto que termina marcando un antes y un después. Ya sea por el desafío técnico, el impacto que genera o la historia que lo rodea, hay trabajos que trascienden el resultado final y se convierten en los más significativos de una carrera. Para Camila Ricard, esa experiencia estuvo lejos de un muro y encontró su lugar en el acompañamiento a adolescentes que atravesaban una enfermedad: talleres de arte para adolescentes con cáncer junto a la Fundación ASAC.</p><p>“<em>Cuando tenía 18 años yo también viví un proceso de cáncer, así que regresar años después desde otro lugar, acompañando a jóvenes que estaban atravesando algo similar, fue profundamente significativo</em>”.</p><p>Haber atravesado esa misma experiencia le permitió conectar desde un lugar profundamente personal, convirtiendo al arte en una herramienta de expresión, compañía y contención para quienes transitaban un momento difícil.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d516122acc.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><h2>Consejos para quienes comienzan en el arte urbano</h2><p>Todo camino creativo comienza con una primera obra, un primer trazo o un primer muro. Como sucede en el deporte, la gastronomía o cualquier otra disciplina, quienes recién empiezan suelen buscar referencias y consejos de personas que ya recorrieron ese camino. Y para Camila Charahuan Ricard, hay un mensaje que nunca pierde vigencia.</p><p>“<em>En el mundo creativo es muy fácil compararse y sentir presión por avanzar más rápido, pero cada artista tiene un proceso distinto. Cuando dejas de mirar el tiempo de los demás y empiezas a confiar en el tuyo, todo comienza a fluir de una manera diferente</em>”, aconseja Camila, quien también considera que atreverse es fundamental para descubrir nuevas oportunidades, incluso antes de sentirse completamente preparado. A su vez, invita a no perder la capacidad de divertirse durante el proceso creativo, convencida de que es justamente en ese espacio de libertad, juego y experimentación donde nacen las obras más especiales.</p><h2>La obra que mejor representa su carrera: el balón monumental rumbo al Mundial</h2><p>A lo largo de su carrera, Camila Yarahuan Ricard dejó su huella en distintos rincones de México a través de murales e intervenciones que combinan color, simbolismo y emoción. Sin embargo, uno de los proyectos que más representa su presente artístico llegó de la mano del fútbol y de la cuenta regresiva hacia la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá 2026.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/?hl=zh-cn" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La muralista mexicana fue una de las artistas seleccionadas por Grupo GICSA para intervenir un balón monumental como parte de Golearte, una iniciativa que reunió a distintos creadores para reinterpretar la pasión que representa el fútbol en México. Sobre la inspiración detrás de la obra, Ricard explicó: &quot;<em>La inspiración nació de la famosa &#x27;ola&#x27; que marcó el Mundial de 1986. A partir de esa idea construí una composición donde cada ola representaba emociones, lugares y personas que conectan a millones dentro y fuera del país</em>&quot;.</p><p>La intervención fue exhibida en Paseo Interlomas, donde miles de personas pudieron recorrerla, fotografiarse y disfrutar del trabajo realizado por todos los artistas participantes, consolidándose como una de las acciones artísticas más representativas del camino hacia el Mundial 2026.</p>

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“Siempre he sentido que el mundo tiene espacio para más arte”

<p>A tan solo un puñado de días de que La Velada del Año VI se apodere del estadio La Cartuja de Sevilla, en Street Art Latam pusimos a prueba a la Inteligencia Artificial para conocer quiénes tienen más probabilidades de quedarse con los cinturones de la edición 2026.</p><h2>La IA predice quiénes serán los ganadores de La Velada del Año VI</h2><p>La cuenta regresiva para La Velada del Año VI ya comenzó y las predicciones están a la orden del día, y desde Street Art Latam pusimos a prueba a la IA para conocer qué influencers tienen más probabilidades de quedarse con el cinturón en cada uno de los diez combates de la cartelera.</p><h2>Edu Aguirre versus Gastón Edul</h2><p>La Inteligencia Artificial inclina la balanza a favor de Edu Aguirre. El periodista español llega con varios meses de preparación específica para el combate y mostró una evolución constante durante los entrenamientos. Aun así, la IA considera que la mentalidad competitiva de Gastón Edul podría convertirlo en uno de los rivales más difíciles de la cartelera, por lo que anticipa una pelea mucho más pareja de lo que muchos imaginan.</p><h2>Fabiana Sevillano versus La Parce</h2><p>Según el análisis de la IA, Fabiana Sevillano parte con una leve ventaja. Su progreso físico y la intensidad que mostró durante el campamento la posicionan apenas por delante de la creadora colombiana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8e70a79e60.png" alt=""><figcaption>La mexicana Rivers en el ring de La Velada del Año (Instagram/Rivers).</figcaption></figure><h2>Clersss versus Natalia MX</h2><p>La predicción favorece a Clersss. La española mostró una evolución técnica muy marcada en los últimos meses y llega con un estilo de boxeo más ordenado, algo que podría ser determinante frente a una rival explosiva como Natalia MX.</p><h2>Lit Killah versus Kidd Keo</h2><p>Para la Inteligencia Artificial, Lit Killah tiene mayores probabilidades de quedarse con el cinturón. El argentino llega como uno de los nombres más fuertes de la cartelera gracias a la constancia que mostró durante su preparación y a un perfil físico que podría favorecerlo en la distancia.</p><h2>Alondrissa versus Angie Velasco</h2><p>La IA proyecta una victoria para Angie Velasco. La creadora argentina mostró una preparación muy sólida y una evolución constante en los entrenamientos, factores que la convierten en una de las favoritas para imponerse en su combate.</p><h2>ViruZz versus Gero Arias</h2><p>Aunque se trata de dos competidores muy preparados físicamente, el análisis se inclina por Gero Arias. Su fortaleza física y la intensidad con la que encaró el campamento le otorgan una ligera ventaja sobre ViruZz.</p><h2>RoRo versus Rivers</h2><p>La Inteligencia Artificial considera que Rivers tiene más probabilidades de ganar. La mexicana ya sabe lo que es competir en una Velada y esa experiencia puede jugar un papel importante frente a RoRo. Marta Díaz versus Tatiana Kaer: la IA le da una leve ventaja a Marta Díaz. Su preparación y regularidad durante los entrenamientos la posicionan un paso por delante, aunque el modelo considera que Tatiana Kaer tiene características suficientes para complicar el desarrollo del combate y convertirlo en una de las peleas más igualadas del evento.</p><h2>YoSoyPlex versus Fernanfloo</h2><p>La predicción favorece a YoSoyPlex. El creador español mostró una preparación muy completa y llega con un perfil físico que podría marcar diferencias durante el combate.</p><h2>TheGrefg versus IlloJuan</h2><p>Para el combate estelar, la Inteligencia Artificial apuesta por TheGrefg. Si bien reconoce que es uno de los cruces más parejos de toda La Velada del Año VI, considera que el streamer murciano llega con una preparación física ligeramente superior y con un estilo que podría darle ventaja en los momentos decisivos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_04dcc40818.png" alt=""><figcaption>YoSoyPlex intercambiando golpes con ElMariana en La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure>

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¿Quiénes serán los ganadores de La Velada del Año VI según la IA?

<p>Con casi dos décadas dedicadas al arte urbano, Adry del Rocío logró construir una identidad propia a través de murales hiperrealistas y composiciones en 3D que trascendieron las fronteras de México y la consolidaron en un emblema nacional.</p><h2>Murales monumentales, ilusiones ópticas y una gloriosa trayectoria: el universo artístico de Adry del Rocio</h2><p>En el movimiento artístico mexicano existe un sinfín de propuestas que llenan de color, identidad y creatividad los espacios públicos a lo largo y ancho del país. Desde artistas que encuentran en el deporte su principal fuente de inspiración hasta aquellos que convierten las luchas sociales y los derechos humanos en el eje de sus obras, el arte urbano de México se ha consolidado como uno de los más diversos y vibrantes de la región.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f8493557e.png" alt=""><figcaption>Adry del Rocío participando en una de sus intervenciones artísticas (Adry del Rocío).</figcaption></figure><p>Y en ese universo de estilos y expresiones aparece una propuesta capaz de desafiar la percepción del espectador. Se trata de <a href="https://www.instagram.com/adrydelrocio/?hl=es"><u>Adry del Rocío</u></a>, una artista mexicana que, gracias a su dominio del arte urbano hiperrealista y las intervenciones en 3D, logró posicionarse como una de las principales referentes del muralismo contemporáneo tanto a nivel nacional como internacional.</p><p>Con una trayectoria respaldada por premios locales, nacionales e internacionales, exposiciones en ciudades de México, Estados Unidos, Cuba y España, además de colaboraciones con marcas como Disney, Adidas y Nike, la artista ha dejado su huella en distintos rincones del mundo. Sus obras pueden encontrarse en países como Estados Unidos, Emiratos Árabes Unidos, Brasil, Alemania, Dinamarca e Israel, consolidando una carrera que la convirtió en una de las máximas exponentes mexicanas del arte 3D.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5cfbf29f6a.png" alt=""><figcaption>La obra “Sembrando paz” de Adry del Rocío (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>Su sello distintivo son los murales hiperrealistas realizados bajo una técnica que genera monumentales ilusiones ópticas en dos y tres dimensiones, creando composiciones que interactúan con el entorno y cobran vida desde determinados ángulos de observación.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://app.asana.com/1/1207780990286869/project/1207781072078469/calendar/1207781407573130"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Nacida en Guadalajara, Jalisco, Adry del Rocío comenzó su formación artística desde muy pequeña. A los diez años inició sus estudios formales de arte y, seis años más tarde, obtuvo su diplomado en Artes Plásticas. Y el año 2008 dio sus primeros pasos en el mundo del arte urbano, disciplina en la que lleva casi dos décadas de trayectoria y que la ha llevado a intervenir espacios públicos y privados en distintos países, convirtiéndose en una de las figuras más destacadas de la escena mexicana.</p><h2>El arte de Adry del Rocío y una trayectoria que recorrió distintos países</h2><p>Hablar de la trayectoria de Adry del Rocío implica recorrer decenas de proyectos, murales y colaboraciones alrededor del mundo. Con casi dos décadas de carrera y una producción artística que atraviesa distintos países y culturas, resulta difícil elegir una obra que represente su legado. Sin embargo, una de las piezas que más repercusión ha generado en los últimos años es “Vuelo Sororo”, un mural ubicado en las calles de la Ciudad de México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_131d13536a.png" alt=""><figcaption>“Vuelo Sororo”, uno de los tantos murales de Adry del Rocío en la Ciudad de México (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>La intervención destaca por su monumentalidad y por el sello artístico que caracteriza a la muralista mexicana. La obra presenta dos figuras femeninas rodeadas por una vibrante paleta de tonos violetas, rosas y naranjas, acompañadas por mariposas y una serie de manos que aportan profundidad y dinamismo a la composición. El resultado es una pieza que dialoga con el espacio urbano y que refleja la capacidad de Adry del Rocío para combinar el hiperrealismo con elementos simbólicos y juegos de perspectiva.</p><p>Aunque “Vuelo Sororo” se convirtió en una de las obras más reconocidas de su repertorio reciente, lo cierto es que representa apenas una parte de una carrera artística construida a través de intervenciones en distintos rincones del mundo. A lo largo de los años, la muralista ha dejado su huella en países como:</p><ul><li>México.</li></ul><ul><li>Estados Unidos.</li></ul><ul><li>Canadá.</li></ul><ul><li>Colombia.</li></ul><ul><li>Brasil.</li></ul><ul><li>Alemania.</li></ul><ul><li>Italia.</li></ul><ul><li>Suecia.</li></ul><ul><li>Emiratos Árabes Unidos.</li></ul><ul><li>Inglaterra.</li></ul><ul><li>Letonia.</li></ul><p>Una trayectoria internacional que, sumada a sus exposiciones, reconocimientos y colaboraciones con importantes marcas, la posiciona como una de las grandes referentes del arte urbano mexicano contemporáneo y una artista con un currículum a la altura de las figuras más destacadas de la escena latinoamericana.</p>

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Adry del Rocío, la artista que llevó el muralismo 3D a las calles del mundo

<p>Más allá de las paredes intervenidas y los gigantescos murales que caracterizan a São Paulo, la ciudad también alberga espacios dedicados al street art, y uno de los más destacados es Nucle1, un centro cultural que transformó una antigua fábrica en un verdadero templo del arte contemporáneo.</p><h2>Nucle1, el espacio donde el arte urbano paulista encontró un nuevo hogar</h2><p>Es de público conocimiento que la ciudad de San Pablo no solo es uno de los principales epicentros del arte urbano en Brasil, sino que también se ha convertido en una verdadera referencia a nivel continental. Sus calles, avenidas y edificios funcionan como enormes galerías a cielo abierto, donde murales e intervenciones forman parte del paisaje cotidiano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_897c631754.png" alt=""><figcaption>Obra del artista Alexandre Puga expuesta en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Sin embargo, más allá de las obras que decoran los espacios públicos paulistas, la ciudad también cuenta con rincones especialmente dedicados a la difusión del movimiento artístico. Y uno de los más importantes surgidos en el último tiempo es Nucle1 (Rua Muniz de Souza 809, Aclimação), un centro cultural de ocho pisos dedicado por completo al arte urbano y contemporáneo.</p><h2>De una fábrica de corbatas a un edificio de ocho pisos dedicado al arte</h2><p>Ubicado en lo que antiguamente funcionó como una fábrica de corbatas, Nucle1 transformó el edificio en un espacio cultural de más de 1.500 metros cuadrados intervenido por el artista Enivo, donde los colores, las formas y las expresiones urbanas toman el protagonismo absoluto.</p><p>Inspirado en experiencias artísticas como “Bauhaus” y “Factory” de Andy Warhol, el centro propone una experiencia inmersiva donde el arte está presente en paredes, techos y prácticamente en cada rincón del edificio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1c32436fe.png" alt=""><figcaption>El talento artístico de Bieto en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Además de exhibir grafitis e intervenciones urbanas, Nucle1 reúne distintas disciplinas culturales como:</p><ul><li>Arte urbano</li></ul><ul><li>Escultura</li></ul><ul><li>Diseño</li></ul><ul><li>Moda</li></ul><ul><li>Música</li></ul><ul><li>Intervenciones circenses</li></ul><p>Con entrada totalmente gratuita, el espacio se consolidó como uno de los puntos de encuentro más interesantes de la escena artística paulista.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-callejon-mas-famoso-de-san-pablo/317"><u><em>El callejón más famoso de San Pablo</em></u></a></p><h2>Los artistas que dan vida a Nucle1</h2><p>El espacio también funciona como una gran plataforma para artistas brasileños contemporáneos, reuniendo obras de referentes del arte urbano y visual como:</p><ul><li>Fefe Talavera</li></ul><ul><li>Priscila Barbosa</li></ul><ul><li>Katia Suzue</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La propuesta convierte a Nucle1 en una parada obligatoria para quienes buscan descubrir la riqueza del arte urbano brasileño desde una perspectiva diferente, donde distintas disciplinas conviven bajo un mismo techo.</p><p>Abierto de miércoles a viernes de 12:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 18:00, el centro cultural demuestra que San Pablo continúa expandiendo los límites del street art, llevando su identidad más allá de las calles y transformándola en una experiencia artística integral.</p>

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El impresionante centro cultural de ocho pisos que celebra el arte urbano en San Pablo

<p>Para <strong>Lidia Gómez</strong>, el arte no siempre necesita un marco o un museo cerrado. Su incursión en el <strong>arte efímero</strong>, que incluye dibujos gigantes en la arena y esculturas de agua, responde a una conexión espiritual con el entorno de <strong>San Antonio Oeste, Río Negro</strong>. Aunque la marea borre sus trazos, la tecnología se encarga de que el impacto permanezca en la memoria colectiva a través de la fotografía y el video.</p><p><em>&quot;Mi obra es algo versátil que te emociona para siempre&quot;</em>, define. Esta práctica funciona como una ofrenda a la naturaleza donde el desapego es parte del proceso creativo. Ella prioriza la vivencia y el <strong>mensaje ecológico</strong> por sobre la comercialización del objeto artístico tradicional.</p><h3><strong>De la Patagonia al mundo</strong></h3><p>Uno de los hitos más recientes en su carrera es la nominación de su mural <strong>&quot;Polen del Futuro&quot;</strong> al ranking mundial de la plataforma <strong>Street Art Cities</strong>. La obra muestra a una abeja con una máscara antigás, lo que representa una crítica directa al uso de los agroquímicos. En julio del año pasado, esta pieza logró posicionarse entre las 10 mejores del planeta.</p><p><em>&quot;Esa obra marcó un antes y un después por su repercusión significativa&quot;</em>, afirma <strong>Lidia</strong> sobre el reconocimiento. Para ella, el <strong>muralismo</strong> es un lenguaje complejo que narra historias y requiere una planificación técnica que va mucho más allá de un simple dibujo en la pared.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27b394946f.png" alt=""><figcaption>&quot;Polen del Futuro&quot;.</figcaption></figure><h3><strong>La mentoría francesa que rompió el bastidor</strong></h3><p>La artista pintaba cuadros pequeños hasta que un gestor cultural del <strong>Museo de Aquitania</strong> en Burdeos descubrió su trabajo en las redes sociales. Este encuentro cambió su perspectiva de la escala. El desafío de pintar los barcos pesqueros en formatos monumentales la empujó a salir del taller y conquistar la vía pública.</p><p><em>&quot;El gran formato impacta al espectador porque la obra es gigante&quot;</em>, explica la autora sobre su transición al <strong>muralismo</strong>. Esta etapa le permitió realizar residencias artísticas en Europa y sumarse al <strong>Movimiento Internacional de Muralistas Italo-Graci</strong>, lo cual conectó su identidad patagónica con los circuitos internacionales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_46b589d777.png" alt=""><figcaption>Crear desde el territorio y dialogar con el mundo.</figcaption></figure><h3><strong>Esculturas bajo el agua y fe de cemento</strong></h3><p>El hecho de ser versátil la llevó a crear la <strong>Virgen Stella Maris</strong>, una escultura de casi una tonelada que descansa en el fondo del mar en <strong>Las Grutas</strong>. El desafío técnico fue extremo, ya que utilizó cemento de pH neutro para no dañar el ecosistema marino y diseñó una estructura capaz de resistir las mareas patagónicas más violentas.</p><p><em>&quot;Me consagré como escultora el día que pasó la primera tormenta y la obra siguió ahí&quot;</em>, recuerda con orgullo. Esta pieza no solo es un icono religioso, sino un arrecife artificial que interactúa con la fauna local, lo que logra fusionar el arte con la biología.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3><strong>El artista como científico y albañil</strong></h3><p><strong>Lidia</strong> defiende una visión de la profesión como un trabajo multifacético. En un entorno con escasez de materiales, ella aprendió a ser su propia <strong>gestora cultural</strong> y a dominar herramientas que van desde la motosierra hasta el software de edición. Su formación técnica le otorga una mirada pragmática sobre la producción de la obra.</p><p><em>&quot;Los artistas somos un poco científicos, electricistas y albañiles&quot;</em>, sostiene para describir la complejidad de su oficio. Para ella, el <strong>arte urbano en Latinoamérica</strong> hoy se equipara con el resto del mundo gracias a esta capacidad de adaptación y a una identidad visual muy marcada por el paisaje del sur.</p><h3><strong>La nueva galería global</strong></h3><p>La tecnología no es un accesorio, sino una herramienta central en su labor diaria. Sus dibujos de <strong>Lionel Messi</strong> y el Papa Francisco durante el Mundial de Qatar se volvieron virales y transformó sus intervenciones en la playa en un clásico esperado por la comunidad digital.</p><p><em>&quot;Las redes influyen y a veces direccionan todo el trabajo artístico&quot;</em>, reflexiona sobre la visibilidad que ofrecen las pantallas. <strong>Lidia</strong> entiende que el impacto hoy es doble, se busca emocionar al vecino que camina por la calle y al espectador que observa desde un celular en cualquier parte del mundo.</p>

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Muralismo y esculturas submarinas, por Lidia Gómez

<p>Con la sexta edición de La Velada del Año cada vez más cerca, el evento de boxeo entre creadores de contenido organizado por Ibai Llanos volverá a reunir a figuras de todo el mundo en el Estadio La Cartuja de Sevilla. Mientras nuevos representantes latinoamericanos buscarán hacer historia sobre el ring, en Street Art Latam repasamos quiénes fueron los campeones del continente a lo largo de las distintas ediciones.</p><h2>Ari Gameplays y el primer cinturón para Latinoamérica</h2><p>Luego de una primera edición sin representación latinoamericana, La Velada del Año II marcó el inicio de la presencia del continente en el evento organizado por Ibai Llanos con la participación de la mexicana Ari Gameplays y el argentino Momo.</p><p>Y fue justamente la creadora de contenido mexicana quien escribió la primera página de la historia para la región al derrotar por decisión dividida a la española Paracetamor en el Pabellón Olímpico de Badalona y convertirse en la primera campeona latinoamericana de La Velada del Año.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3d53a12ae6.png" alt=""><figcaption>Ari Gameplays, la dueña del primer cinturón latino en La Velada del Año (Instagram/Ari Gameplays).</figcaption></figure><p>Del otro lado de la cartelera, el argentino Momo no pudo acompañar la conquista mexicana y cayó ante el español Viruzz, quedándose a las puertas de sumar un segundo cinturón para Latinoamérica.</p><p>Aun así, la victoria de Ari Gameplays abrió el camino para que, en las siguientes ediciones, otros representantes del continente también lograran dejar su huella sobre el ring.</p><h2>Cuatro cinturones y una noche histórica para el continente en La Velada del Año</h2><p>La Velada del Año III representó la consolidación definitiva de Latinoamérica dentro del evento organizado por Ibai Llanos. La tercera edición no solo incrementó considerablemente la presencia de representantes del continente, igualando en cantidad a los europeos con seis competidores por lado, sino que también terminó con un claro dominio latino sobre el ring, gracias a cuatro cinturones conquistados.</p><p>La jornada disputada en Madrid comenzó con la victoria del salvadoreño Fernanfloo, quien derrotó por decisión dividida al español Luzu, mientras que el chileno Shelao se impuso por nocaut técnico sobre el hispano-búlgaro Misho, quien no pudo continuar el combate tras sufrir una lesión en uno de sus hombros.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5bcd820bf1.png" alt=""><figcaption>Coscu luego de vencer a Germán Garmendia en La Velada del Año (Instagram/Coscu).</figcaption></figure><p>La mexicana Rivers también escribió una página histórica. Luego de caer en su primer combate frente a la española Marina Rivers, volvió a subirse al cuadrilátero esa misma noche ante la baja de Amouranth y derrotó por decisión unánime a Mayichi, convirtiéndose en la primera creadora de contenido en disputar dos peleas en una misma edición de La Velada del Año.</p><p>El cierre quedó reservado para uno de los enfrentamientos más recordados del evento. En el primer combate que enfrentó a dos representantes latinoamericanos, el argentino Coscu derrotó por nocaut técnico al chileno Germán Garmendia, coronándose campeón en una de las peleas más emblemáticas en la historia de La Velada del Año.</p><h2>La Cobra, Alana y AmaBlitz ampliaron el legado latino en Madrid</h2><p>La Velada del Año IV volvió a confirmar el protagonismo latinoamericano dentro del evento. En un escenario tan emblemático como el Santiago Bernabéu, la cuarta edición reunió a representantes de Argentina, Chile, México y Colombia, aunque únicamente el argentino La Cobra y el dúo mexicano conformado por Alana y AmaBlitz lograron quedarse con el cinturón de campeón.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6b2de88045.png" alt=""><figcaption>La Cobra intercambiando golpes con el español Guanyar en el Santiago Bernabéu (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>El creador de contenido argentino derrotó por nocaut técnico al español Guanyar, protagonizando además una de las imágenes más recordadas de la jornada al celebrar su victoria levantando una camiseta de Lionel Messi con los colores de Barcelona en pleno Santiago Bernabéu. Por su parte, las mexicanas Alana y AmaBlitz superaron por decisión unánime a las españolas Zeling y Nissaxter, convirtiéndose en las primeras campeonas de una pelea por parejas en la historia de La Velada del Año.</p><p>Más allá de los cinturones obtenidos, la representación latinoamericana también contó con la presencia del argentino Carrera, el chileno Shelao y el mexicano El Mariana, quienes no lograron imponerse en sus respectivos combates. A ellos se sumaron el colombiano Pelicanger, los mexicanos Roberto Cein y Aldo Geo, y el argentino Unicornio, participantes del Rey de la Pista, el formato especial de batalla campal incorporado por Ibai Llanos para aquella edición.</p><h2>Alana, la única campeona latinoamericana en Sevilla</h2><p>Disputada en el Estadio La Cartuja de Sevilla, el mismo escenario que volverá a albergar la sexta edición, la quinta edición de La Velada del Año tuvo nuevamente a una representante latinoamericana entre las campeonas de la noche. La mexicana Alana derrotó por decisión dividida a la española Ari Geli y se convirtió en la única ganadora del continente en una cartelera que volvió a contar con una importante presencia de creadores latinoamericanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5eb414d638.png" alt=""><figcaption>La celebración de Alana en La Cartuja de Sevilla (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>Además del triunfo de la mexicana, la quinta edición reunió a figuras como el mexicano Rivaldios, los argentinos Gaspi y Tomás Mazza, el mexicano Belcast y el colombiano WestCOL, quienes no lograron quedarse con el cinturón, pero reafirmaron el crecimiento de la representación latinoamericana dentro del evento organizado por Ibai Llanos.</p><h2>Los latinos que buscarán hacer historia en La Velada del Año VI</h2><p>Con la sexta edición de La Velada del Año cada vez más cerca, Sevilla volverá a convertirse en el epicentro del boxeo entre creadores de contenido. Allí, una nueva generación de representantes latinoamericanos buscará levantar el cinturón y sumarse al listado de campeones que integran nombres como Fernanfloo, Shelao, Rivers, Coscu, La Cobra, Alana y AmaBlitz.</p><ul><li>Gastón Edul (Argentina)</li></ul><ul><li>La Parce (Colombia)</li></ul><ul><li>Natalia MX (México)</li></ul><ul><li>Lit Killah (Argentina)</li></ul><ul><li>Angie Velasco (Argentina)</li></ul><ul><li>Alondrissa (Puerto Rico)</li></ul><ul><li>Gero Arias (Argentina)</li></ul><ul><li>Rivers (México)</li></ul><ul><li>Fernanfloo (El Salvador)</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5d0916a89d.png" alt=""><figcaption>Fernanfloo, uno de los latinos presentes en La Velada del Año VI (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>Con una presencia cada vez más fuerte dentro de la cartelera, Latinoamérica volverá a ser una de las grandes protagonistas de La Velada del Año VI. La pregunta ahora es inevitable: ¿qué creador logrará convertirse en el próximo campeón latinoamericano del evento organizado por Ibai Llanos?</p>

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¿Quiénes son los latinoamericanos que conquistaron La Velada del Año de Ibai Llanos?

<p>Luego de la conquista del Mundial de Qatar, cientos de murales comenzaron a aparecer en distintos puntos de Argentina como homenaje a la tercera estrella. Entre ellos sobresalen los realizados por Maic Bruera, autor de las emblemáticas obras dedicadas a Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez (esquina Gorriti y Pasaje Atalcalco) y Lionel Scaloni (Gorriti 5347).</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó el origen de esas creaciones, el impacto de la Scaloneta en el muralismo y cómo el fútbol puede transformarse en arte.</p><h2>El motivo de la elección del “Dibu” Martínez y Lionel Scaloni como protagonistas de las obras</h2><p>Luego de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar, el muralismo argentino atravesó una verdadera &quot;escalonetización&quot;. A lo largo y ancho del país, cientos de paredes se transformaron en homenajes a los protagonistas de la tercera estrella, con Lionel Messi como la figura más retratada. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el foco estuvo puesto en dos nombres distintos: Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez y Lionel Scaloni, una elección que combinó el fanatismo de su hijo por el arquero y la admiración del artista por la faceta más humana del entrenador.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_092d33b017.png" alt=""><figcaption>El quiebre de Lionel Scaloni convertido en mural por Maic Bruera en Palermo (Maic Bruera).</figcaption></figure><p>“<em>Creo que fue un descarte más que nada. Messi ya estaba tan hecho que no daba para hacerlo de vuelta, y después fue muy obvio. Dibu era como una figura por el personaje que se convirtió en ese Mundial y por la atajada, y después le sumó también que mi hijo se hizo re fanático del Dibu y estaban todos los nenes como que querian ser arqueros, con la remera que se hizo medio icónica, estabe re hypeado. Estaba la foto del chabón en una pose muy copada, no hubo mucha vuelta: la foto está buena, el personaje es un copado, a mi hijo le cabe, está todo más que bien</em>”, cuenta Maic sobre la elección del “Dibu” Martínez.</p><p>En el caso de Lionel Scaloni, la inspiración pasó por otro lado. Más allá de los resultados deportivos, Bruera encontró en el entrenador una figura serena, auténtica y profundamente humana. Esa personalidad, sumada a los gestos que dejó durante el Mundial, terminó convirtiéndolo en el segundo gran protagonista de sus murales: <em>Scaloni ya fue otra cosa. Era un poquito más de sentirse más representado, había una movida de que el chaboncito estaba como “el tipo que ordenó a la Selección y encontró cómo hacerlo jugar bien a Messi”. Y también estaba la personalidad. Hoy lo ves en el Mundial y el flaco no te grita un gol. Es muy especial y, en un momento, se da la situación de la cámara cuando se quiebra y que lo transforma en ese chabón humano. Son quiebres emocionales que están buenísimo y justo lo agarraron con esa cara de meme</em>”.</p><h2>De los memes del Mundial al arte urbano</h2><p>A la hora de retratar un hecho deportivo, muchos artistas urbanos buscan inmortalizar la emoción de un instante para que quien observe la obra vuelva a sentir lo que ocurrió aquel día. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el enfoque fue diferente. Más que transmitir la carga emocional de una jugada, el muralista argentino apostó por capturar esas imágenes que, además de quedar grabadas en la memoria colectiva, también se transformaron en verdaderos memes durante la Copa del Mundo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>De mi lado fue más el momento meme. Después al ser tan icónico te lleva directamente a lo que vos sentiste en ese momento, pero no buscaba tratar de hacer sentir a la gente un momento especial, sino riamonos y emocionamos un poco. Tratar de ser lo más fotográfico en el sentido de la postal. En el de Scaloni es más difícil, pero en el del Dibu se entiende más: el pasto no es textura pasto, es una línea verde. Te ubica en situación y el personaje en pose. Es la postal de lo que pasó en ese momento</em>”, expresa Maic.</p><h2>El muralismo como puente entre generaciones</h2><p>Más allá de intervenir un muro, muchas obras de arte urbano terminan convirtiéndose en verdaderos registros de momentos que marcaron una época. Con el paso de los años, esos murales funcionan como un puente entre distintas generaciones, permitiendo que quienes los observen vuelvan a conectarse con hechos que quedaron grabados en la memoria colectiva. Las representaciones de la atajada del Dibu Martínez y el abrazo de Lionel Scaloni realizadas por Maic Bruera son un claro ejemplo de ello: “<em>Si, porque no sabes cuanto va a durar el mural. Se rompe la pared, pintan arriba, el muralismo es efímero. No importa qué personaje sea. Pero lo que tiene es que por más que se termine rompiendo o quede un poquito de la expresión del mural, te va a venir rápidamente la imagen real. Por ahí es una especie de disparador, ya no se ve o está medio escrachado, pero el recuerdo que te genera es viajar directamente a la final. Esa función la va a seguir cumpliendo</em>”.</p><h2>Los murales que podrían llegar tras otra estrella</h2><p>Con el duelo de cuartos de final ante Suiza a la vuelta de la esquina, la Selección argentina quedó a solo tres partidos de conquistar una nueva Copa del Mundo. Y así como la consagración en Qatar inspiró a Maic Bruera a llevar al “Dibu” Martínez y a Lionel Scaloni a distintos muros, el artista ya imagina la posibilidad de volver a tomar los pinceles si la Albiceleste logra escribir un nuevo capítulo en su historia.</p><p>“<em>Hay situaciones, imagenes que vos las ves. Podes ir por el lado emocional o por el gracioso. Por ahí no de los mismos personajes (Dibu y Scaloni). Pero no voy a estar pintando hasta que no termine este Mundial. Faltan tres partidos y Argentina es una manga de enfermos que siempre aparece una situación que no podes creerla: el cabezazo de Enzo Fernández o la última jugada de Lautaro Martínez gambeteando y haciendo tiempo, que termina pechandose cara a cara. Seguramente alguna imagen va a aparecer y algo vamos a pintar</em>”, dice Maic sobre las ideas acerca de una posible intervención en caso de que la Selección argentina salga campeona.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3583cea2da.png" alt=""><figcaption>La atajada del Dibu Martínez inmortalizada en los muros de Palermo por Maic Bruera (Maic Bruera).</figcaption></figure><h2>El orgullo de retratar a una generación histórica</h2><p>No hay dudas de que la Scaloneta marcó un antes y un después en la historia del fútbol argentino. La conquista de la tercera estrella, los gestos de sus protagonistas y las imágenes que dejó el Mundial de Qatar ya forman parte de la memoria colectiva y serán recordadas por generaciones. En ese camino, artistas como Maic Bruera también aportaron su granito de arena, inmortalizando algunos de esos momentos en murales que hoy funcionan como homenaje y testimonio de una de las etapas más importantes del deporte argentino.</p><p>“<em>Está bueno que tengamos algo de la Selección. A mi me pasa que fueron muchos años de putearme con la Selección, y de golpe te amigaste de vuelta y sino ganas o si hacen cualquier cosa, ya está. Me da esa sensación de poder pintar algo que está buena y le genera recuerdos a la gente que lo ve. Por más de que se intente ponerlos en una postura política a los personajes, son los jugadores de la Selección y uno lo que quiere es que salgan campeón cada cuatro años. Los murales son una parte positiva del recuerdo</em>”.</p><h2>Cómo Qatar revolucionó el muralismo argentino</h2><p>El impacto de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar trascendió el fútbol y también encontró un fuerte eco en el arte urbano. Desde Tierra del Fuego hasta Jujuy, los muros de ciudades y pueblos se transformaron en homenajes a figuras como Lionel Messi, Lionel Scaloni, Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez, Ángel Di María y otros protagonistas de la tercera estrella, dando lugar a uno de los movimientos muralistas vinculados al deporte más importantes de los últimos años.</p><p>Un fenómeno que no solo fue percibido por quienes forman parte del ambiente artístico, sino también por el público en general y por los propios medios de comunicación.</p><p>“<em>El muralismo en Argentina se pone muy de moda entre 2010 y 2014, y empieza a crecer. Arranca a ser aceptado por la sociedad, los vecinos, los espacios, pero no te daba nunca una excusa copada para pintar. No ibas a pintar a Sampaoli, no tiene mística, nada. Después tiene momentos tristísimos. Si hubieramos salido campeones en Brasil, el rodillazo de Neuer a Higuaín hubiera sido genial. Pero al mismo tiempo no hay nada muy positivo para recordar, como para pintar un momento. Ya Messi venía muy arriba, ya había muchos murales: lo que le dio salir campeón del mundo fue que todo estaba lleno de murales de él. Le hizo muy bien, creo que las dos cosas se potenciaron: el Mundial con el muralismo y el muralismo con el Mundial</em>”.</p>

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Maic Bruera, el artista que convirtió al Dibu Martínez y a Scaloni en murales icónicos

<p>Con el anuncio del calendario de una nueva temporada de Red Bull Batalla y, seguramente, la llegada de futuras citas que marcarán el ritmo del calendario de la escena hispanohablante, desde Street Art Latam te traemos todos los conceptos técnicos que sí o sí tenés que conocer antes de ver una competencia de freestyle.</p><h2>Conceptos técnicos de la improvisación</h2><p>Más allá de la creatividad, el freestyle cuenta con herramientas y recursos técnicos que los MCs utilizan para construir sus rimas y generar impacto durante una batalla.</p><ul><li>Punchline: remate de una rima diseñado para generar impacto en el rival, el público o los jueces.</li></ul><ul><li>Métrica: forma en que un MC organiza las sílabas y tiempos de sus rimas para adaptarse al beat.</li></ul><ul><li>Calambur: juego de palabras que modifica el significado de una frase mediante la combinación o separación de sílabas.</li></ul><ul><li>Flow: capacidad de adaptarse al ritmo instrumental manteniendo fluidez y musicalidad.</li></ul><ul><li>Patrón: secuencia de rimas construida con una misma estructura métrica.</li></ul><ul><li>Doble tempo: técnica que consiste en rapear a una velocidad superior a la base.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b254467778.png" alt=""><figcaption>Rapder y Skone batallando cara a cara en Escena Capital (Instagram/Rapder).</figcaption></figure><h2>Términos utilizados en las competencias</h2><p>Además de los recursos técnicos, las batallas cuentan con formatos y reglas específicas que dieron origen a conceptos propios de la competencia.</p><ul><li>Réplica: desempate que ocurre cuando los jueces consideran que no hubo un ganador claro.</li></ul><ul><li>Respuesta: contestación inmediata a algo dicho por el oponente.</li></ul><ul><li>Easy Mode: formato donde los competidores reciben palabras relativamente sencillas para improvisar.</li></ul><ul><li>Hard mode: modalidad con restricciones mayores y palabras más complejas.</li></ul><ul><li>Minuto libre: instancia donde el MC puede rapear sin condicionantes ni palabras obligatorias.</li></ul><ul><li>Sangre: ronda centrada en el ataque directo.</li></ul><ul><li>4x4: intercambio de cuatro compases por participante.</li></ul><ul><li>8x8: intercambio de ocho compases por participante.</li></ul><ul><li>Temática: modalidad donde los participantes deben improvisar sobre un tema determinado.</li></ul><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/las-batallas-mas-vistas-en-la-historia-de-batalla-de-maestros/1778"><u><em>Las batallas más vistas en la historia de Batalla de Maestros</em></u></a></p><h2>La jerga más utilizada dentro de la escena</h2><p>Como ocurre en cualquier movimiento cultural, el freestyle también desarrolló expresiones y términos propios que forman parte del día a día de sus protagonistas.</p><ul><li>MC: se utiliza para referirse a los freestylers o raperos.</li></ul><ul><li>Beat: base instrumental sobre la que improvisan los competidores.</li></ul><ul><li>Host: presentador encargado de conducir una competencia.</li></ul><ul><li>DJ: encargado de la música durante la competencia.</li></ul><ul><li>Barra: cada una de las líneas o frases que forman una rima.</li></ul><ul><li>Cypher: rueda de improvisación entre varios raperos.</li></ul><ul><li>Plaza: espacio público donde suelen reunirse los freestylers para entrenar y competir.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_57c62ef05f.png" alt=""><figcaption>Larrix enfrentándose ante Valles-T en el escenario de Red Bull Batalla (Instagram/Larrix).</figcaption></figure>

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El diccionario del freestyle: los términos que tenés que conocer para entender una batalla

<p>El Mundial de México, Estados Unidos y Canadá no solo dejó goles, sorpresas y grandes actuaciones dentro del campo de juego. Y es que, como ocurre en cada edición de la Copa del Mundo, las tribunas también se convirtieron en escenario de historias que terminaron dando la vuelta al planeta gracias a las redes sociales.</p><p>Desde fanáticos que llevan décadas siguiendo a su selección hasta personajes que se volvieron virales por su apariencia, sus rituales o momentos espontáneos con otras hinchadas, Street Art Latam repasa cinco de los hinchas que se transformaron en algunos de los grandes protagonistas fuera de la cancha.</p><h2>La ecuatoriana que convirtió un premio de Coca-Cola en una tradición mundialista</h2><p>La histórica participación de Ecuador en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá, marcada por el inolvidable triunfo frente a Alemania y la clasificación a los dieciseisavos de final, también dejó una historia increíble en las tribunas. Su protagonista es María del Jesús Pinargote, una aficionada ecuatoriana que desde hace casi tres décadas acompaña a la Tri gracias a un premio que le cambió la vida.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9aeb575f0e.png" alt=""><figcaption>María del Jesús Pinargote alentando a Ecuador en el Mundial de Corea y Japón 2002 (El Comercio).</figcaption></figure><p>Y es que en el año 1998, época donde se llevó a cabo el Mundial de Francia, ganó un concurso organizado por Coca-Cola que le otorgó la posibilidad de asistir a todas las Copas del Mundo durante el resto de su vida. Gracias a ese premio, ya estuvo presente en siete ediciones del torneo, recorriendo distintos países sede y alentando a Ecuador cada vez que logró la clasificación. Con el paso de los años se convirtió en una de las hinchas más reconocidas del país y, por supuesto, volvió a decir presente en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá alentando a la Tri en una nueva aventura mundialista.</p><h2>El Pelado Celeste, el hincha que convirtió su cabeza en la bandera de Uruguay</h2><p>Más allá de que Uruguay no logró superar la fase de grupos, la participación de la Celeste volvió a dejar una de las imágenes más reconocibles de las tribunas gracias a Gonzalo Pérez, conocido popularmente como el Pelado Celeste, uno de los aficionados más emblemáticos del fútbol uruguayo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZswUJttzpk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZswUJttzpk/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Su sello distintivo está en su propia cabeza: aprovecha su calva para pintar la bandera de Uruguay y convertirla en un verdadero símbolo patrio durante cada partido. Una tradición que comenzó en la Copa América del año 2011, cuando la Celeste conquistó el título en Argentina, y que desde entonces lo acompaña en cada competencia internacional. En el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá volvió a transformarse en uno de los rostros más fotografiados por las transmisiones y los fanáticos.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-temporada-perfecta-de-aczino-en-red-bull-batalla/1185"><u><em>La temporada perfecta de Aczino en Red Bull Batalla </em></u></a></p><h2>Lumumba Vea, la estatua viviente de Congo que sorprendió en las tribunas del Mundial</h2><p>Una de las grandes revelaciones del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá fue República Democrática del Congo. Más allá de su histórica clasificación a la fase eliminatoria tras compartir grupo con selecciones como Portugal y Colombia, el combinado africano también captó la atención fuera del campo gracias a uno de sus aficionados más particulares.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bbce75b129.png" alt=""><figcaption>La pose estatua de Lumumba Vea, hincha de República Democrática del Congo, en el Mundial (REUTERS).</figcaption></figure><p>Se trata de Michel Kuka Mboladinga, más conocido como Lumumba Vea o la &quot;estatua viviente&quot;. Vestido con saco y corbata inspirados en los colores de la bandera congoleña, permanece inmóvil durante los noventa minutos de cada encuentro, con un brazo en alto y subido sobre un pequeño pedestal. Su puesta en escena recrea el monumento dedicado a Patrice Lumumba, el primer gobernante congolés tras la independencia del país africano de Bélgica, en Kinshasa, convirtiéndose en uno de los personajes más llamativos del torneo. Su imagen rápidamente comenzó a circular por redes sociales y hoy es uno de los grandes símbolos de la presencia congoleña en la Copa del Mundo.</p><h2>El hincha austríaco que los argentinos &quot;adoptaron&quot; en pleno Mundial</h2><p>La fase de grupos del Mundial de México, Estados Unidos y Canadá dejó momentos inolvidables dentro del campo de juego, pero también escenas que rápidamente conquistaron las redes sociales. Y una de ellas tuvo como protagonista a Daniel Burghart, un aficionado austríaco con enanismo que terminó convirtiéndose en una celebridad durante la previa del encuentro entre Argentina y Austria.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@chichoytomi/video/7654049006611402005" data-video-id="7654049006611402005" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@chichoytomi/video/7654049006611402005?lang=es&amp;q=hincha%20austriaco%20argentinizado&amp;t=1782849231980" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>El simpatizante decidió acercarse al multitudinario banderazo albiceleste organizado en Dallas y, en cuestión de minutos, fue &quot;adoptado&quot; por los miles de argentinos presentes. Entre cánticos, risas y aplausos, le quitaron la camiseta de Austria para colocarle una de Argentina, le regalaron una bandera, lo levantaron en andas e incluso lo invitaron a probar un vaso de fernet mientras sonaba el ya viral &quot;el enano es argentino&quot;. El momento recorrió TikTok, Instagram, X y Facebook, acumulando millones de reproducciones y convirtiéndose en una de las postales más simpáticas del Mundial.</p><h2>El hincha turco que conquistó las redes con su impactante apariencia</h2><p>Aunque Turquía no logró dejar una huella deportiva importante en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, sí consiguió hacerlo desde las tribunas gracias a la figura de Necdet Ölçerman, uno de los aficionados más reconocidos del fútbol turco.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1b4638454.png" alt=""><figcaption>La apariencia de Udi Neco, el famoso hincha turco del Mundial (TyC Sports).</figcaption></figure><p>Su viralización comenzó durante el debut mundialista de su selección frente a Australia, cuando las cámaras enfocaron a un fanático con el rostro completamente pintado de negro, cabello, ojos y barba blancos, una estética tan impactante como inconfundible. Habitual seguidor del Beşiktaş, Udi Neco arribó al Mundial ya como una celebridad entre los hinchas de su país y, gracias a su llamativa caracterización, terminó convirtiéndose en uno de los aficionados más reconocibles de toda la Copa del Mundo, acumulando millones de reproducciones en redes sociales.</p>

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Los cinco hinchas que se volvieron virales durante el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá

<p>La Velada del Año VI, organizada por Ibai Llanos, aterrizará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y volverá a reunir a algunos de los creadores de contenido, streamers y artistas musicales más populares del momento. Con combates confirmados, shows en vivo y transmisión gratuita, Street Art Latam te trae toda la información para no perderte ningún detalle del evento.</p><h2>Ibai Llanos vuelve a convertir Sevilla en la capital del streaming: así será la Velada del Año VI</h2><p>Desde su nacimiento en el año 2021, La Velada del Año se consolidó como uno de los eventos deportivos y de entretenimiento más importantes del mundo del streaming. Y esta temporada no será la excepción. Organizada por el español Ibai Llanos, la cita volverá a reunir a streamers, creadores de contenido, periodistas y artistas musicales en el Estadio La Cartuja de Sevilla, escenario donde se llevará a cabo la sexta edición del espectáculo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_64b15eaff8.png" alt=""><figcaption>El español Pereira combatiendo en la Velada del Año V (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>La jornada contará con figuras españolas como Viruzz, Plex y TheGrefg y celebridades del género urbano hispanohablante de la talla de Lit Killah y Kidd Keo, además de una fuerte presencia latinoamericana con nombres como el argentino Gastón Edul, la mexicana Rivers y el salvadoreño Fernanfloo, mientras que estrellas como Anuel AA, Bad Gyal y Yandel, entre otros artistas, protagonizarán los tradicionales shows musicales que acompañarán el evento entre combate y combate.</p><p>La sexta edición de La Velada del Año se celebrará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y podrá seguirse en directo y de forma gratuita a través de los canales oficiales del español Ibai Llanos en Twitch, YouTube y TikTok.</p><ul><li>España: 19:00 horas.</li></ul><ul><li>Argentina, Uruguay y Paraguay: 14:00 horas.</li></ul><ul><li>Chile, Venezuela, Bolivia, Puerto Rico, República Dominicana y Estados Unidos (Este): 13:00 horas.</li></ul><ul><li>Colombia, Perú, Ecuador, Panamá y Estados Unidos (Centro): 12:00 horas.</li></ul><ul><li>México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Estados Unidos (Montaña): 11:00 horas.</li></ul><ul><li>Estados Unidos (Oeste): 10:00 horas.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bc30c0f316.png" alt=""><figcaption>Ibai Llanos, la figura detrás de la Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><h2>¿Quiénes pelearán en la Velada del Año VI?</h2><p>Uno de los grandes atractivos de La Velada del Año VI volverá a ser su cartelera de combates. La sexta edición contará con un total de diez enfrentamientos—cinco</p><p>masculinos y cinco femeninos— protagonizados por streamers, creadores de contenido, periodistas, tiktokers y personalidades de internet de distintos países hispanoparlantes, en la programación más extensa desde la creación del evento.</p><ul><li>La Parce versus Fabiana Sevillano</li></ul><ul><li>Clersss versus Natalia MX</li></ul><ul><li>Edu Aguirre versus Gastón Edul</li></ul><ul><li>Marta Díaz versus Tatiana Kaer</li></ul><ul><li>Viruzz versus Gero Arias</li></ul><ul><li>Alondrissa versus Angie Velasco</li></ul><ul><li>Lit Killah versus Kidd Keo</li></ul><ul><li>Samy Rivers versus RoRo</li></ul><ul><li>Plex versus Fernanfloo</li></ul><ul><li>IlloJuan versus TheGrefg</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3003b3ad6b.png" alt=""><figcaption>Viruzz y Tomás Mazza enfrentándose en la Velada del Año (Velada del Año).</figcaption></figure><p>La jornada, que tendrá su primer combate a las 19:45 hora española, comenzará con el duelo femenino entre Fabiana Sevillano y La Parce y acabará con el enfrentamiento estelar de la cartelera protagonizado por los españoles IlloJuan y TheGrefg, que se estipula que se llevará a cabo a las 02:00 hora española.</p><h2>Anuel AA, Bad Gyal y Yandel: los artistas que pondrán música a la Velada del Año VI</h2><p>Más allá de los combates arriba del ring, La Velada del Año VI volverá a apostar por uno de los sellos distintivos que la convirtieron en un fenómeno global: los shows musicales. Entre combate y combate, algunos de los artistas más importantes de la escena urbana española y latinoamericana serán los encargados de subir al escenario del Estadio La Cartuja, en una grilla que combina figuras consolidadas, referentes internacionales y algunas sorpresas de último momento.</p><ul><li>Lucho RK</li></ul><ul><li>La Pantera</li></ul><ul><li>Bad Gyal</li></ul><ul><li>Anuel AA</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Juanes</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, la lista todavía no está completa. El propio Ibai Llanos confirmó en redes sociales que habrá artistas sorpresa cuya participación recién se dará a conocer durante el desarrollo del evento en Sevilla, manteniendo una de las tradiciones más esperadas de cada edición de La Velada del Año.</p>

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Todo lo que tenés que saber sobre la Velada del Año VI de Ibai Llanos

<p>Después de superar la fase de grupos, dejar en el camino a Alemania por penales y meterse entre los dieciséis mejores del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, Paraguay volverá a paralizar la ciudad de Asunción con una nueva edición de la “Casa Albirroja”, el fan zone oficial impulsado por la Asociación Paraguaya de Fútbol para acompañar al seleccionado durante los octavos de final ante Francia.</p><h2>El punto de encuentro para alentar a Paraguay ante Francia en los octavos de la Copa del Mundo: la “Casa Albirroja”</h2><p>Si hay una tradición que acompaña cada Copa del Mundo es la de los Fan Fest: espacios donde miles de hinchas se reúnen para seguir a su selección rodeados de pantallas gigantes, gastronomía, música y distintas experiencias futboleras.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2cb67ca077.png" alt=""><figcaption>Hinchas paraguayos viviendo el Mundial en la “Casa Albirroja” (Instagram/Casa Albirroja).</figcaption></figure><p>Y durante el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, Paraguay no fue la excepción, y mucho menos lo será ahora. Tras hacer historia y conseguir la clasificación a los octavos de final luego de eliminar a Alemania por penales, la “Casa Albirroja” volverá a convertirse en el gran punto de encuentro para acompañar al combinado dirigido por Gustavo Alfaro.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/los-murales-de-messi-que-transforman-las-calles-de-estados-unidos/2039"><u><em>Los murales de Messi que transforman las calles de Estados Unidos</em></u></a></p><p>Con la Albirroja ya instalada entre las dieciséis mejores selecciones del Mundial y a la espera de conocer si su rival será Francia o Suecia, el espacio ubicado en el Puerto de Asunción continuará recibiendo a miles de aficionados durante la jornada mundialista.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaB0FuHuhvk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaB0FuHuhvk/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La experiencia volverá a contar con pantallas gigantes, sectores gastronómicos, música en vivo, DJs, experiencias interactivas y activaciones de marcas, además de distintas propuestas pensadas para toda la familia. De esta manera, la “Casa Albirroja” seguirá consolidándose como el principal punto de encuentro para los hinchas paraguayos durante la Copa del Mundo.</p><p>Para conocer más detalles sobre la programación, novedades y venta de entradas para la Casa Albirroja, los interesados pueden consultar los canales oficiales de la Asociación Paraguaya de Fútbol.</p><h2>¿Cómo conseguir entradas para la “Casa Albirroja”?</h2><p>Si no conseguiste entradas para acompañar a la Albirroja desde el estadio en el choque ante Francia, la “Casa Albirroja” sigue siendo la principal alternativa para vivir el encuentro junto a miles de hinchas en Asunción, y Street Art Latam te trae toda la información necesaria para poder vivir la experiencia desde Asunción.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e2d4ce22f2.png" alt=""><figcaption>La pasión por la Selección paraguaya en la “Casa Albirroja” (Instagram/Casa Albirroja).</figcaption></figure><p>Con entradas disponibles a través de <a href="https://www.tuti.com.py/CASA-ALBIRROJA"><u>Tuti</u></a> y de las plataformas oficiales de la Asociación Paraguaya de Fútbol, los tickets para ingresar al fan zone oficial de la Albirroja tienen precios que parten desde los $35.000 guaraníes, variando según la ubicación y el sector elegido dentro del predio. Además, el evento ofrece estacionamiento que debe adquirirse previamente.</p>

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La Casa Albirroja, el punto de encuentro para alentar a Paraguay en los octavos de final del Mundial

<p>No hay dudas de que la actual Copa del Mundo ya dejó imágenes imborrables: los récords de Lionel Messi, las sorpresas protagonizadas por selecciones como Cabo Verde y Curazao y los goles espectaculares de figuras como Erling Haaland y Kylian Mbappé.</p><p>Sin embargo, en esta edición disputada en Estados Unidos, México y Canadá, otro protagonista también logró captar la atención de los fanáticos: los nuevos botines presentados por Nike, adidas y PUMA.</p><p>En ese contexto, Street Art Latam conversó con Marcelo de Wilde, más conocido como Marcelo Botines, uno de los coleccionistas de calzado futbolístico más reconocidos de Argentina. Con más de 400 pares en su colección, repasó el origen de su pasión, la evolución de los botines a lo largo de los años y analizó las últimas innovaciones presentadas por las principales marcas deportivas.</p><h2>Marcelo Botines, el coleccionista argentino que construyó un museo del calzado futbolístico</h2><p>En cada Copa del Mundo hay un detalle que, además del juego, también capta la atención de millones de fanáticos: los botines que utilizan figuras de la talla de Lionel Messi, Neymar Júnior, Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé o Erling Haaland.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b494acac16.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines dando una conferencia en el evento Kicks and Fest (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Y en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá no es la excepción, con marcas como Nike, Adidas y Puma marcando el pulso del calzado de las grandes estrellas del fútbol internacional.</p><p>Dentro de ese universo aparece Marcelo de Wilde, más conocido en redes sociales como Marcelo Botines, uno de los especialistas más reconocidos de Latinoamérica en materia de calzado futbolístico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una colección de más de 400 pares en impecables condiciones y base en el barrio porteño de Mataderos, el creador de contenido construyó un archivo que reúne desde modelos históricos hasta piezas utilizadas por leyendas como Diego Maradona, Lionel Messi o Sergio Agüero. Junto a su socio Gonzalo Rodríguez, también atesora ediciones limitadas, botines firmados por figuras como Luis Figo, Enzo Fernández y Sergio Goycochea, además de trabajar de cerca con marcas de primer nivel para mostrar lanzamientos, tecnologías y novedades del universo botinero.</p><h2>David Beckham y el par que dio vida a Marcelo Botines</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes especialistas en botines de Latinoamérica y construir una colección con más de 400 pares, Marcelo de Wilde ya arrastraba desde la infancia una fascinación por el calzado deportivo: “<em>Mi pasión por coleccionar botines viene desde chico, que yo tenía muy en claro que me gustaban las zapatillas. En cada local que vendían zapatillas, me paraba a ver que modelo había: siempre buscaba una que me sea cómoda para jugar a la pelota, que la silueta me guste, porque antes solo podíamos comprar un solo calzado y lo teníamos para todo. No había poder económico como para tener un par para la escuela y otro para jugar a la pelota: era uno para todo</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b30d953ffc.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines enseñando calzado deportivo de la marca Skechers (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Lo que comenzó como un fanatismo por las zapatillas terminó transformándose en una pasión absoluta por los botines, una obsesión que años más tarde encontraría su punto de partida en una pieza muy especial. Y fue en el año 2017, cuando Marcelo adquirió un botín de David Beckham, par que abriría la puerta y daría comienzo al personaje de Marcelo Botines.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/del-vestuario-a-la-tribuna-asi-conquisto-el-streetwear-la-copa-del-mundo/1000217"><u><em>Del vestuario a la tribuna: así conquistó el streetwear la Copa del Mundo</em></u></a></p><h2>La evolución del botín a lo largo de los Mundiales</h2><p>A lo largo de las distintas ediciones de la Copa del Mundo, el calzado deportivo atravesó una transformación constante, no solo desde lo estético, sino también en términos de tecnología, materiales y diseño. En ese recorrido, Marcelo Botines tiene en claro cuál fue una de las irrupciones más importantes en la historia reciente del fútbol y los botines.</p><p>“<em>Las evoluciones más interesantes que tuvimos a lo largo de las Copas del Mundo para mí, luego de pasar todo lo que fue la década del 50, 60 y 70, cuando llegó el Mundial de Estados Unidos 1994, que la marca adidas irrumpe con los Predator y un elemento por encima de la capellada para darle más contacto a la pelota, efecto y un poco más de poder, hay un cambio muy grande</em>”, cuenta Marcelo sobre la que, para él, marcó un antes y un después en el calzado deportivo en Copas del Mundo.</p><p>Sin embargo, dentro de ese repaso histórico, el coleccionista argentino también destaca otros hitos que modificaron la escena, como la irrupción de los botines tipo botita de Nike durante Brasil 2014 o el nacimiento de la línea Mercurial en Francia 1998, torneo en el que Ronaldo Nazário protagonizó además uno de los primeros grandes modelos signature pensados para una estrella del fútbol mundial.</p><p>Aunque Marcelo también reconoce una evolución en cuanto a las cantidades y las variantes de cada marca: “<em>El fútbol tuvo una evolución muy grande y así también los botines. Antes había un botín de cada marca y, ahora, tenemos tres o cuatro silos diferentes dentro de cada marca específicos para las posiciones del campo de juego según la velocidad, la técnica y el estilo</em>”.</p><h2>La visión sobre los diseños de Nike, adidas y PUMA para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá</h2><p>Como bien mencionamos al inicio, marcas como Nike, adidas y PUMA han dejado una huella casi que imborrable en el diseño del calzado deportivo que sus estrellas utilizaran en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, esta vez con el color rosa como tonalidad protagónica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>Para este Mundial, no vemos ninguna tecnología que sea diferente o disruptiva a lo que ya veníamos viendo. Por el lado de Nike, tenemos una cápsula de aire en la placa de la suela y sus otros hilos totalmente idénticos. Desaparece la botita y vuelve a aparecer el Mercurial en todas sus versiones. Por su parte, adidas viene trabajando con los botines de antes (F50, Predator, Copa) y el botín especial para Lionel Messi llamado “El último tango”. PUMA tiene sus hilos Future, Ultra y King sin menciones especiales para algunos de sus jugadores</em>”, comenta el coleccionista sobre la huella de las principales marcas en la presente edición del Mundial.</p>

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Marcelo Botines y una vida dedicada a coleccionar historias del fútbol

<p>Con sede en Venecia y una trayectoria que lo posicionó entre los grandes certámenes del arte contemporáneo, el Arte Laguna Prize abrió la convocatoria para su vigésimo primera edición, y desde Street Art Latam repasamos cómo inscribirse, cuáles son los requisitos y qué premios ofrece el concurso.</p><h2>¿Qué es el Arte Laguna Prize?</h2><p>El universo del arte contemporáneo internacional ya puso en marcha una nueva edición de uno de sus concursos más importantes. Se trata del Arte Laguna Prize, el certamen con sede en Venecia que se prepara para celebrar su vigésima primera edición y que, año tras año, reúne a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades en busca de impulsar sus carreras a nivel global.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e38957ceaf.png" alt=""><figcaption>Exposición en Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Nacido del deseo de la Asociación MoCA de valorar el arte en todas sus formas y con la misión de impulsar artistas internacionales, el premio se consolidó como uno de los principales certámenes de arte contemporáneo del mundo. Cada edición, un jurado integrado por especialistas selecciona a los finalistas y ganadores, cuyas obras se exhiben durante un mes en el emblemático Arsenale Nord de Venecia.</p><p>La convocatoria está abierta a disciplinas como pintura, escultura, instalación, fotografía, videoarte, performance, arte digital, land art, arte urbano, street art y diseño, entre muchas otras, manteniendo una característica que la distingue desde sus inicios: la libertad temática y la diversidad artística como eje central del proyecto.</p><p>Y este año no será la excepción. El Arte Laguna Prize abrió oficialmente su convocatoria para artistas que deseen exhibir sus trabajos en el histórico espacio veneciano, cuya muestra colectiva tendrá lugar del viernes 6 al domingo 29 de noviembre, reuniendo a creadores emergentes y consolidados de distintas partes del planeta.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9119ff13b8.png" alt=""><figcaption>Los rincones artísticos de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Y tranquilo: Street Art Latam te cuenta cómo participar, cuáles son los premios y todo lo que necesitás saber para intentar exhibir tu obra en Venecia.</p><h2>¿Cómo participar del Arte Laguna Prize 2026?</h2><p>Participar del Arte Laguna Prize es un proceso completamente digital y abierto a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades. Para hacerlo, los interesados deben ingresar a la plataforma oficial del certamen, crear un perfil personal y completar el <a href="https://artelagunaprize.com/21-edition/"><u>formulario de inscripción</u></a> antes del martes 30 de junio, fecha límite de la convocatoria.</p><p>El proceso de aplicación solicita información personal y artística del postulante, incluyendo una breve biografía, antecedentes profesionales y material vinculado a su producción. Además, los artistas deberán presentar parte de su portfolio con imágenes, videos y descripciones de las obras que desean postular.</p><p>Una vez completada la inscripción y enviada la documentación requerida, las postulaciones serán evaluadas por el jurado internacional del certamen, encargado de seleccionar a los finalistas que formarán parte de la exposición oficial en Venecia.</p><p>Para conocer todos los requisitos y completar la inscripción, los interesados pueden ingresar al <a href="https://artelagunaprize.com/"><u>sitio oficial del Arte Laguna Prize</u></a>.</p><h2>¿Cuáles son los premios del Arte Laguna Prize?</h2><p>Más allá del reconocimiento internacional y la posibilidad de exhibir en Venecia, el Arte Laguna Prize cuenta con un amplio programa de premios y oportunidades profesionales que buscan impulsar la carrera de los artistas participantes.</p><p>El certamen divide sus beneficios en cinco grandes categorías:</p><ul><li>Premios institucionales.</li></ul><ul><li>Residencias artísticas</li></ul><ul><li>Programas Business for Art.</li></ul><ul><li>Exposiciones internacionales.</li></ul><ul><li>Iniciativas vinculadas a sostenibilidad y solidaridad.</li></ul><p>Entre los reconocimientos más destacados, aparece el Premio Institucional de $10.000 euros, otorgado por MoCA y Arte Laguna Prize al ganador absoluto de la competencia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2981e5b89f.png" alt=""><figcaption>El arte como protagonista en cada edición de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Además, los artistas seleccionados podrán acceder a residencias y experiencias internacionales en distintos puntos del planeta. Pero para Latinoamérica, sobresalen dos oportunidades especiales:</p><ul><li>Dos semanas de residencia artística en el Estudio Rambar, en Guanacaste, Costa Rica.</li></ul><ul><li>Un mes de estancia artística en la Universidad Ricardo Palma, en Lima, Perú.</li></ul><p>La convocatoria también incluye residencias en Italia, Australia, Bélgica y China, además de exposiciones en galerías y espacios culturales de ciudades como Bucarest y Génova, fortaleciendo uno de los principales objetivos del proyecto: conectar a artistas emergentes con el circuito internacional del arte contemporáneo.</p>

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Arte Laguna Prize 2026: qué es, cómo participar y cuáles son los premios

<p>Red Bull Batalla sigue ampliando su calendario competitivo y anunció el “Mundial por Equipos”, un torneo de exhibición que reunirá a Argentina, México, Perú y Colombia en un novedoso formato de tres contra tres.</p><p>La competencia comenzará el próximo martes 23 de junio y tendrá una particularidad que la diferencia de cualquier otro evento: el público reemplazará al jurado tradicional y será el encargado de decidir qué selección avanza y quién se consagra campeón.</p><h2>¿Qué es el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla?</h2><p>Luego del anuncio del calendario oficial para una nueva temporada de Red Bull Batalla, que comenzará en el mes de septiembre con la Final Nacional de Perú, y aprovechando la fiebre de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el organismo número uno dentro del freestyle hispanohablante comenzó a calentar los motores de la actual campaña con la presentación del “Mundial por Equipos”.</p><p>Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-freestyle-hispanohablante-ya-tiene-calendario-asi-sera-la-nueva-temporada-de-red-bull-batalla/1000089">El freestyle hispanohablante ya tiene calendario: así será la nueva temporada de Red Bull Batalla</a></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqEHbsTVtM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqEHbsTVtM/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con la presencia de Argentina, México, Colombia y Perú como las naciones participantes, Red Bull Batalla anunció el “Mundial por Equipos”, una competencia de exhibición donde los países se enfrentarán en batallas de formato tres contra tres y, después de cada transmisión, el público será el encargado de decidir al vencedor.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/acru-conquisto-red-bull-batalla-5-vidas-y-se-convirtio-en-el-nuevo-rey-del-formato/1000086"><u><em>Acru conquistó Red Bull Batalla 5 Vidas y se convirtió en el nuevo rey del formato</em></u></a></p><p>Una competencia que no solo marca un antes y un después dentro del currículum de Red Bull Batalla al convertirse en el primer torneo en formato mundialista con la presencia de un grupo de freestylers representando a un mismo país, sino también en el hecho de dejar a un lado a los jurados y convertir a los espectadores en los dueños de la decisión final en cada una de las batallas.</p><h2>Los equipos que competirán por el título mundial</h2><p>Y como en toda competencia, una de las aristas más importantes dentro del “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla son los nombres que dirán presente arriba del escenario y buscarán alcanzar la gloria al final del torneo.</p><ul><li>México: Jony Beltrán, Tess La y Fat Tony</li></ul><ul><li>Argentina: Mecha, Exe y Larrix</li></ul><ul><li>Perú: Nekroos, Almendrades y Jota</li></ul><ul><li>Colombia: Valles-T, Fat N y Marithea</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_763561700b.png" alt=""><figcaption>Jony Beltrán, uno de los representantes de México en el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla (Instagram/Jony Beltrán).</figcaption></figure><p>Un mix de freestylers donde no solo conviven leyendas del circuito latinoamericano como Jony Beltrán o Jota y figuras que llevarán la bandera del movimiento durante los próximos años como Exe, Marithea y Fat N, sino que también confirma lo que todo el mundo pensaba desde el anuncio de la competencia: habrá un altísimo nivel de rimas.</p><h2>Toda la información que tenés que saber sobre el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla</h2><p>Es muy probable que después de conocer el formato y las selecciones que formarán parte de la competencia, el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla se haya añadido a tu lista de torneos para seguir, y Street Art Latam te trae toda la información.</p><p>El “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla comenzará con el enfrentamiento entre Perú y México el próximo martes 23 de junio, seguirá dos días después (jueves 25 de junio) con el duelo que pondrá frente a frente a la Argentina de Larrix frente a la Colombia de Valles-T y culminará el lunes 29 de junio con la gran definición entre las selecciones que consigan adueñarse de la victoria en sus respectivas batallas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ec869cd5dc.png" alt=""><figcaption>Marithea, una de las freestylers presentes en el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla (Instagram/Marithea).</figcaption></figure><p>Todas las jornadas se transmitirán en directo a través de los canales oficiales de Red Bull Batalla (YouTube, Twitch, Facebook y TikTok).</p><ul><li>México: 13:00 horas.</li></ul><ul><li>Colombia y Perú: 14:00 horas.</li></ul><ul><li>Chile: 15:00 horas.</li></ul><ul><li>Argentina: 16:00 horas.</li></ul><ul><li>España: 21:00 horas.</li></ul><p>En cuanto a la votación, donde el público tomará el papel de jurado, se hará a través de esta página web y los resultados serán anunciados en las cuentas oficiales de Red Bull Batalla. Después de cada transmisión, se abrirá una votación de 48 horas para decidir qué equipos avanzan a la siguiente fase, y durante la final, vos también podrás elegir el país campeón, en este caso con una votación que durará 24 horas.</p>

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El formato mundialista llega a Red Bull Batalla con un torneo inédito entre selecciones

<p><strong>Afonsoul</strong> utiliza el espacio público como un lienzo para la <strong>resiliencia</strong>. Este <strong>artista visual brasileño</strong>, hoy radicado en <strong>Portugal</strong>, define su búsqueda como una mezcla de elementos <strong>figurativos y abstractos</strong> orientada a la <strong>expresión humana</strong>, donde cada mural funciona como un puente de <strong>pertenencia y colectividad</strong> que invita al diálogo.</p><h3><strong>El ritual de la creación urbana</strong></h3><p>En la obra de este muralista, los conceptos de <strong>identidad</strong> y <strong>esperanza en tiempos difíciles</strong> son constantes que ofrecen un <strong>punto de pausa</strong> en el caos citadino. Tiene un <strong>proceso creativo que</strong> nace de una sensación u observación personal. Luego, lo traduce en <strong>sketches digitales</strong> y fotos de referencia, aunque siempre deja margen para el <strong>improviso</strong>. <em>&quot;En la calle, el proceso se vuelve casi un ritual donde la obra se construye técnica y emocionalmente&quot;</em>, <strong>detalla Afonsoul</strong>.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7667353cb.png" alt=""><figcaption>Bajo el título &quot;Las pequeñas rebeliones&quot;, esta colección de Afonsoul define el acto de soñar como un ejercicio de resistencia y una luz interna.</figcaption></figure><h3><strong>El reconocimiento internacional</strong></h3><p>Al instalarse en <strong>Lisboa</strong>, su trabajo ganó un <strong>control técnico</strong> que limitó al &quot;ser explorador&quot; de sus inicios, llevándolo a buscar hoy un equilibrio entre la maestría y la <strong>disonancia formal</strong> para añadir <strong>intensidad</strong>.</p><p>Dos obras marcaron su carrera: <strong>&quot;Origens&quot; (2022)</strong> en São Paulo, que le abrió las puertas de la escena regional, y el mural que le valió el <strong>segundo puesto mundial</strong> en <strong>Street Art Cities</strong> en 2024. <em>&quot;Fue un divisor de aguas porque confirmó que estaba construyendo un lenguaje fuerte e internacional&quot;</em>, <strong>reconoce Afonsoul</strong>.</p><h3><strong>Del refugio pandémico a la conquista de la calle</strong></h3><p><strong>Afonso de Oliveira </strong>inició su vínculo con la creación gracias a la curiosidad infantil, pero la verdadera <strong>transformación</strong> profesional ocurrió cuando decidió utilizar la pintura como una <strong>válvula de escape</strong> ante la crisis global. <em>&quot;Me reconecté durante la pandemia, que fue cuando me sumergí de lleno en este mundo y utilicé el arte como refugio&quot;</em>, <strong>cuenta</strong>. Esa necesidad de lenguaje y presencia lo empujó hacia el <strong>espacio público</strong>, atraído por una fuerza que no entiende de jerarquías académicas. <em>&quot;La calle no pide permiso para existir, es viva, directa y fluida&quot;</em>, <strong>explica Afonsoul</strong>, quien buscaba que su obra fuera <strong>accesible y cotidiana</strong> para quienes jamás visitan una galería.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c86d1f0512.png" alt=""><figcaption>Inspirado por la emoción de sus raíces, Afonsoul intervino la Casa Arraiá con un muro que celebra el éxito de un camino que une a Santos con el mundo.</figcaption></figure><h3><strong>Los desafíos del entorno urbano</strong></h3><p>Para el artista, la <strong>colaboración y el aprendizaje</strong> constante son fundamentales. Mantiene una relación estrecha con la <strong>comunidad artística</strong>. Respecto a la <strong>efimeridad</strong> del soporte urbano, la acepta como una característica intrínseca de su belleza, incluso cuando sus mejores trabajos han sido cubiertos en apenas 12 horas. <em>&quot;Aunque la obra desaparezca físicamente, permanece en la experiencia de quien la vio&quot;</em>, <strong>reflexiona Afonsoul</strong>.</p><p><em>Leé también: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/despues-de-dos-anos-maxi-bagnasco-volvio-a-pintar-en-buenos-aires/1707"><u><em><strong>Después de dos años, Maxi Bagnasco volvió a pintar en Buenos Aires</strong></em></u></a></p><p>En cuanto a los obstáculos, menciona las <strong>burocracias de Lisboa</strong> y el clima, pero enfatiza que el reto mayor es la humildad. <em>&quot;El ejercicio de dejar el ego de lado y ponerse en el papel del otro es lo más desafiante&quot;</em>, <strong>asegura Afonsoul</strong>, con el entendimiento de que la <strong>arquitectura y la luz</strong> del lugar son coautores del resultado final.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f21ef1d98d.png" alt=""><figcaption>Con el mural titulado &quot;La soñadora&quot;, Afonsoul simbolizó la resistencia del foco y la pasión personal, recordándonos que el sueño es siempre superior a la fragilidad de nuestro barco o la fuerza de la marea.</figcaption></figure><h3><strong>Redes sociales y la visión sobre América Latina</strong></h3><p>Si bien las <strong>redes sociales</strong> son herramientas de difusión clave, su foco permanece en la <strong>conexión real</strong>. Al observar el panorama en su tierra natal, ve una <strong>autenticidad y urgencia</strong> envidiables, nacidas de la necesidad cultural frente a la falta de <strong>incentivos institucionales</strong>. <em>&quot;La esperanza y alegría de nuestro pueblo es visible en nuestra producción artística&quot;</em>, <strong>sostiene</strong>.</p><p>Como cierre de su aprendizaje, enfatiza que la <strong>consistencia vence al talento</strong> y que la inspiración solo llega a través de la disciplina. <em>&quot;El mundo se enamorará de lo que tienes para decir, no de lo que otros dicen y tú simplemente repites&quot;</em>, <strong>aconseja Afonsoul</strong> a quienes se inician en este camino de <strong>intensidad y humanismo</strong>.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DTU1TBTjAk3/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DTU1TBTjAk3/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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Afonsoul: “utilizo el arte como refugio”

<p>El streetwear encontró en las redes sociales uno de sus principales escenarios para ampliar su alcance. Entre los creadores que transforman tendencias en contenido cotidiano, en Colombia aparece el nombre de Nick, un influencer que logró convertir la moda urbana en una guía de inspiración para miles de seguidores.</p><h2>Outfits, tendencias y moda urbana: así conquistó Nick el streetwear colombiano</h2><p>Más allá de las grandes marcas y las pasarelas internacionales, el streetwear también crece gracias a creadores que acercan las tendencias al día a día. Y en Colombia, uno de esos nombres es Nick, un influencer de moda que reúne más de 300 mil seguidores en redes sociales y construyó una comunidad alrededor de los outfits, el análisis de prendas y las combinaciones urbanas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6f6145bd3f.png" alt=""><figcaption>El estilo de Nick en las calles de Ciudad de México (Instagram/Nick).</figcaption></figure><p>Su contenido gira alrededor de una idea simple: demostrar que la moda también puede explicarse desde las redes. A través de videos dinámicos comparte distintas maneras de combinar prendas, propone estilos para diferentes ocasiones y analiza tanto marcas colombianas como firmas internacionales que marcan el pulso del streetwear.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/las-marcas-colombianas-de-streetwear-que-deberias-conocer/285</p><ul><li>Ideas de outfits para distintas ocasiones.</li><li>Combinaciones de prendas y accesorios.</li><li>Análisis de marcas de moda urbana.</li><li>Retos virales inspirados en el streetwear.</li><li>Copias e interpretaciones de outfits populares.</li><li>Recorridos por tiendas y locales de ropa.</li><li>Curiosidades sobre tendencias y prendas.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@nck09_/video/7540842111239818502" data-video-id="7540842111239818502" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@nck09_/video/7540842111239818502?lang=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Su crecimiento también trascendió las pantallas. Nick comenzó a participar en pasarelas y eventos vinculados con la moda, consolidando un perfil que combina la creación de contenido con la presencia dentro de la industria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_91cf580b82.png" alt=""><figcaption>Nick, una de las caras del streetwear colombiano en redes (Instagram/Nick).</figcaption></figure><p>Con una estética marcada por prendas oversize, zapatillas, accesorios y referencias constantes a las tendencias que dominan las redes sociales, el colombiano se convirtió en una de las figuras emergentes del streetwear digital, inspirando a miles de jóvenes a experimentar con sus propios estilos y demostrando que las plataformas también pueden convertirse en una vidriera para descubrir nuevas formas de vestir.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/club-misterio-la-marca-con-la-que-fede-vigevani-conquisto-el-streetwear/656</p>

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Nick y la nueva generación del streetwear colombiano en redes sociales

<p>Luego de la acción en Río de Janeiro, Street League Skateboarding llevó el Takeover a Tempe, Arizona, donde Braden Hoban y Yumeka Oda se quedaron con los títulos.</p><h2>Braden Hoban se quedó con la cima del Takever en Tempe</h2><p>El estadounidense Braden Hoban (27.3) brilló en el Mullet Arena de Tempe, Arizona, y se quedó con el primer puesto en la rama masculina del Takeover de la Street League Skateboarding, logrando así su primera victoria en la presente temporada de la competencia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_97002319d9.png" alt=""><figcaption>Braden Hoban besando el trofeo de campeón de la Street League Skateboarding (SLS).</figcaption></figure><p>Además de alzarse con el campeonato, Hoban realizó el truco con mayor puntuación de la noche: un kickflip back noseblunt que recibió un 9.5 en su última pasada.</p><p>El brasileño Felipe Mota (27.0) se quedó con la medalla de plata y también logró la mejor actuación latinoamericana de la competencia, mientras que el japonés Kairi Netsuke (25.7) completó el podio con el tercer puesto.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DctebElBNcs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DctebElBNcs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los estadounidenses Lazer Crawford (23.6) y Jagger Eaton (17.0) completaron la clasificación final en el cuarto y quinto lugar, respectivamente.</p><h2>Yumeka Oda y una nueva victoria en la Street League Skateboarding</h2><p>La japonesa Yumeka Oda (19.3) se consagró campeona de la rama femenina en el Takeover de la Street League Skateboarding en Tempe, asegurándose su segunda victoria en la competencia y su primer triunfo en este formato.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrpGa1B7mG/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrpGa1B7mG/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La skater selló el título con un kickflip back 50, en una final que volvió a tener dominio japonés en los primeros puestos: Miyu Ito (18.7) consiguió la medalla de plata, mientras que Coco Yoshizawa (18.4) completó el podio con el tercer lugar.</p><p>La brasileña Maria Lucia (15.0), única representante latinoamericana en la ronda final, terminó en el quinto puesto de la clasificación.</p>

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Braden Hoban y Yumeka Oda, las estrellas del Takeover de la Street League Skateboarding en Tempe

<p>Desde hace ya un puñado de años, la movida streetwear en Argentina ha dejado de ser considerada un nicho para convertirse en uno de los pilares de la industria textil, y marcas como Samples Studios, Bomba Project o Rotten Future lo demuestran a la perfección.</p><h2>Samples Studios</h2><p>Fundada en el año 2021, Samples Studios se consolidó como una de las marcas que forman parte de la escena del streetwear argentino, con una propuesta que combina creatividad, minimalismo y una identidad urbana.</p><p>Su catálogo reúne prendas y accesorios pensados para distintos estilos, aunque mantiene una identidad visual marcada por una estética urbana y una paleta que combina tonalidades clásicas como blanco y negro con colores como azul, rojo y verde.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6777b225a7.png" alt=""><figcaption>Modelo de Samples Studios (Samples Studios).</figcaption></figure><ul><li>Hoodies</li></ul><ul><li>Jeans</li></ul><ul><li>Zip hoodies</li></ul><ul><li>Playeras</li></ul><ul><li>Polos</li></ul><ul><li>Sweaters</li></ul><ul><li>Chombas</li></ul><ul><li>Camisetas manga largas</li></ul><ul><li>Camisas</li></ul><ul><li>Bermudas</li></ul><ul><li>Joggings</li></ul><ul><li>Accesorios como gorras</li></ul><p>El crecimiento de Samples Studios temporada tras temporada la convirtió en uno de los nombres destacados del streetwear argentino, con una propuesta que encontró en la combinación entre diseño, minimalismo y cultura urbana una identidad propia.</p><p>Con locales en Palermo Soho (Gorriti 4799) y Palermo Queens (Gurruchaga 934), la firma también llevó su propuesta a escenarios internacionales, con presencia en la Semana de la Moda de Nueva York, un hito que refuerza aún más su carácter de emblema a nivel local.</p><h2>Rotten Future</h2><p>Bajo una estética llevada a lo oscuro, con diseños donde predominan tonalidades como el negro y estampados cargados, Rotten Future llevó su nombre a lo más alto del streetwear en Argentina, estableciéndose como un pilar a nivel nacional.</p><p>Las prendas de Rotten Future se caracterizan por una fuerte presencia visual y una estética urbana que combina siluetas amplias, lavados gastados y referencias al universo militar, deportivo y underground. Entre camperas, jerseys, remeras y pantalones aparecen diseños que juegan con diferentes texturas, tonos y recursos gráficos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e9e72528ee.png" alt=""><figcaption>Modelo de Rotten Future (Rotten Future).</figcaption></figure><p>El catálogo de la marca argentina también apuesta por piezas que se alejan de lo tradicional, con prendas pensadas para convertirse en protagonistas del outfit. Camperas en tonos ceniza, negro y gris, jerseys, cinturones y diseños waffle conviven con propuestas más experimentales, manteniendo una identidad marcada por lo crudo, lo urbano y una estética de inspiración underground.</p><p>Personalidades de las redes sociales y la música como Mernuel, Milo J, Unicornio y Seven Keyne han sido vistos con prendas de Rotten Future, que también logró dejar una huella en Scrapworld, una de las ferias más reconocidas de la moda urbana en Europa, siendo la primera marca argentina capaz de llegar a dicho escenario.</p><h2>Bomba Project</h2><p>Otra de las firmas que ha conseguido hacerse de un nombre dentro del streetwear argentino es Bomba Project, marca urbana genderless creada en el año 2021.</p><p>Con una comunidad que alcanza los 200 mil seguidores en redes sociales y una impronta basada en la argentinidad, Bomba Project presenta un perchero de prendas que abarca sweaters, camperas, hoodies, remeras, polos, jeans y accesorios como gorras, medias, ropa interior y collares bajo una paleta de diseños tanto minimalistas, donde simplemente destaca el logo de la marca, como estampados o inscripciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1b187fdb92.png" alt=""><figcaption>Modelos de Bomba Project (Bomba Project).</figcaption></figure><p>Entre sus logros, la marca argentina logró colaborar con McDonald’s y, hasta incluso, llegar a estrellas del fútbol local como Alexis Mac Allister, actual jugador de Liverpool y campeón del mundo en el Mundial de Qatar con la Selección argentina.</p>

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Tres marcas de streetwear argentino que marcan tendencia

<p>Si sos rapero, grafitero, beatmaker, artista visual o tenés una marca de ropa, probablemente Buena Cepa tenga un lugar para vos. El festival creado por Desko y Jali busca convertirse en una plataforma para quienes desean mostrar su arte.</p><h2>Buena Cepa, un punto de encuentro para la cultura urbana</h2><p>Buenos Aires tiene espacios para todo tipo de expresiones dentro de la cultura urbana: desde lugares dedicados exclusivamente al graffiti hasta escenarios donde el freestyle y el rap encuentran su lugar.</p><p>Sin embargo, existe un rincón en la capital argentina donde todas estas propuestas conviven en una misma experiencia, pensada por y para artistas emergentes.</p><p>Buena Cepa es un festival ideado por Desko y Jali, dos artistas emergentes de Buenos Aires que decidieron crear un espacio pensado especialmente para quienes están dando sus primeros pasos dentro de la cultura urbana. La propuesta funciona como un punto de encuentro para MCs, grafiteros, beatmakers, dibujantes y marcas de ropa que buscan mostrar su trabajo y conectar con el público.</p><p>Con múltiples ediciones realizadas, el evento fue consolidando una identidad propia y ampliando su propuesta con open mics, shows, espacios para dibujo, graffiti y stands de emprendimientos, además de otras expresiones vinculadas a la cultura urbana.</p><p>Una propuesta de nicho que pone el foco en darle visibilidad a quienes todavía están construyendo su camino.</p><h2>Buena Cepa prepara su cuarta fecha en Buenos Aires</h2><p>Si sos rapero, DJ, artista visual o tenés una marca de ropa y estás buscando un espacio para mostrarte, Buena Cepa prepara una nueva oportunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El próximo sábado 5 de septiembre, el festival tendrá su cuarta fecha en Tabaco Bar, ubicado en Estados Unidos 265, San Telmo. Las entradas para la cuarta fecha de Buena Cepa se pueden conseguir a través del portal Central Ticket, con precios que parten desde los $10.000 argentinos.</p><p>La jornada contará con raperos invitados, exposiciones de artistas visuales, DJ sets y open mics, en una nueva edición pensada para reunir a distintos exponentes de la escena emergente.</p>

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El espacio donde el rap, el graffiti y el streetwear se encuentran: así es Buena Cepa

<p>En los últimos años, el streetwear argentino construyó una escena cada vez más amplia, con marcas que apostaron por diferentes formas de entender la moda urbana, y Anhelo Studios es una de las que logró hacerse un lugar dentro de este movimiento.</p><h2>Anhelo Studios, la marca que conquistó el streetwear argentino</h2><p>Dentro del crecimiento que atravesó el streetwear en Argentina, distintas marcas lograron construir una identidad propia y convertirse en protagonistas de la escena nacional.</p><p>Nombres como TwoHip, King of the Kongo, Bullbenny, Beyond y Samples forman parte de un movimiento que llevó la moda urbana a nuevos espacios y públicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b57f215b9c.png" alt=""><figcaption>Anhelo Studios, referente del streetwear en Argentina (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese universo aparece Anhelo Studios, una marca que consiguió hacerse un lugar dentro de la escena y que ya supera las 15 mil prendas vendidas. Bajo una propuesta que apuesta por combinar diferentes códigos de la moda urbana y por llegar tanto a quienes buscan piezas básicas como a quienes prefieren outfits más cargados y llamativos, el sello logró convertirse en uno de los abanderados de la movida a nivel nacional.</p><h2>El ADN de Anhelo Studios: una marca que mezcla distintos universos</h2><p>Una de las principales características de Anhelo Studios está en la variedad de estilos que conviven dentro de su catálogo, donde cuenta con prendas que van desde remeras, hoodies, zip hoodies y polos hasta bermudas, jerseys deportivos, shorts, pantalones cargo y diferentes modelos de joggers.</p><p>La propuesta también se refleja en los recursos utilizados para construir cada pieza: estampados, camuflados, detalles desgastados, costuras rotas, tachas y diferentes tratamientos textiles aparecen junto a prendas más limpias y minimalistas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8747a66353.png" alt=""><figcaption>Slimesanti vistiendo una zip-hoodie de Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>A esto se suma una amplia paleta de colores que recorre el negro, blanco y beige, pero también tonos como celeste, rosa, verde, amarillo, rojo, violeta y marrón.</p><p>El resultado es una marca capaz de moverse entre diferentes universos de la moda urbana. Desde una estética trap y oscura hasta prendas deportivas, diseños más clásicos o piezas cargadas de estampados y detalles, Anhelo Studios construye un catálogo pensado para distintos perfiles dentro del streetwear.</p><h2>De Tiago PZK a Emilia Mernes: las figuras que eligieron Anhelo Studios</h2><p>El crecimiento de Anhelo Studios  también puede verse en la presencia de sus prendas en los looks de diferentes figuras de la música y la escena urbana argentina. La marca consiguió llegar al guardarropa de artistas y personalidades que representan distintas generaciones y estilos.</p><ul><li>Luli González</li></ul><ul><li>Zell</li></ul><ul><li>Turrobaby</li></ul><ul><li>Carrera</li></ul><ul><li>Khea</li></ul><ul><li>Tiago PZK</li></ul><ul><li>Acru</li></ul><ul><li>Emilia Mernes</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_259e865399.png" alt=""><figcaption>Khea vestido por Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>La presencia de estas figuras funciona como otro reflejo del alcance que consiguió la marca dentro de la escena nacional: una propuesta que, sin limitarse a una única estética, logró encontrar un espacio entre distintos exponentes de la música y la cultura urbana.</p>

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El streetwear argentino tiene una nueva protagonista: Anhelo Studios

<p>Después de conquistar generaciones dentro del mundo de los videojuegos, Street Fighter vuelve a ser noticia, aunque esta vez lejos de las consolas. La histórica franquicia de Capcom protagoniza una nueva colaboración junto a PUMA, que transformó a sus personajes más emblemáticos en una colección de sneakers.</p><h2>PUMA lleva el universo de Street Fighter a las icónicas Suede</h2><p>Cada vez es más común ver cómo la cultura pop, entiéndase por películas, series, videojuegos o libros, gana terreno dentro del mundo de los sneakers. Y uno de los últimos casos que vuelve a confirmar esta tendencia es la colaboración entre PUMA y Capcom, que lleva a algunos de los personajes más icónicos de Street Fighter al universo del calzado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1c7f05bfb1.png" alt=""><figcaption>Chun-Li de Street Fighter hecha sneaker por PUMA (PUMA).</figcaption></figure><p>En el marco del 58° aniversario de las PUMA Suede, una de las siluetas más emblemáticas de la firma alemana y un verdadero ícono de la moda urbana, la marca presentó la colección &quot;Street Fighter x Puma Suede Pack&quot;.</p><p>La colaboración está compuesta por tres modelos exclusivos inspirados en la histórica franquicia de videojuegos y, según trascendió, llegará a la tienda oficial de Puma y a puntos de venta seleccionados hacia finales de este año.</p><h2>Así luce la colección Street Fighter x PUMA Suede</h2><p>La cápsula está integrada por tres pares de zapatillas que toman como inspiración a algunos de los luchadores más emblemáticos de Street Fighter. Cada diseño adapta los colores, ataques y detalles característicos de su personaje para trasladarlos a la clásica silueta PUMA Suede.</p><ul><li>Chun-Li: combina cuero de primera calidad con tachas metálicas plateadas y detalles dorados, en referencia a los brazaletes y a la tradicional vestimenta de la luchadora china.</li></ul><ul><li>Ryu: apuesta por una base blanca con la clásica Formstrip de Puma en rojo y detalles que simulan salpicaduras de pintura negra. Además, incorpora una ilustración del Hadouken, el legendario ataque de energía del personaje.</li></ul><ul><li>Ken Masters: presenta un diseño inverso al de Ryu, con una base roja, la Formstrip en blanco y el mismo efecto de pintura negra. En este caso, el homenaje llega a través de una ilustración del Shoryuken, su icónico puñetazo ascendente.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7badbdd99.png" alt=""><figcaption>La suela de las zapatillas de PUMA inspiradas en el universo de Street Fighter (PUMA).</figcaption></figure><p>Como detalle adicional, cada uno de los pares incorpora una etiqueta con la inscripción &quot;World Warrior Tournament&quot; (Torneo Mundial de Guerreros), la competencia ficticia donde se desarrolla Street Fighter, además del nombre del personaje correspondiente impreso sobre la suela, reforzando el vínculo entre la colección y una de las franquicias más importantes de la historia de los videojuegos.</p>

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Ryu, Ken y Chun-Li de Street Fighter llegan a los sneakers con PUMA

<p>La cultura pop continúa ganando terreno dentro del streetwear y una de las colaboraciones más esperadas del año tiene como protagonistas a Converse y Dragon Ball Z: una colección especial compuesta por sneakers e indumentaria inspirados en los personajes más emblemáticos de la histórica franquicia japonesa.</p><h2>Los personajes de Dragon Ball Z llegan al mundo del streetwear con Converse</h2><p>Desde hace ya varios años, la cultura pop dejó de ser únicamente una fuente de inspiración para el cine, los videojuegos o la televisión para también convertirse en uno de los grandes motores del streetwear.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbDrd-zvSbd/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbDrd-zvSbd/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y uno de los ejemplos más recientes llega de la mano de Converse, que unió fuerzas con Dragon Ball Z para presentar una colección especial inspirada en algunos de los personajes más icónicos de la histórica franquicia japonesa.</p><h2>Así son los sneakers que homenajean a Goku, Vegeta y compañía</h2><p>Con más de quince modelos de zapatillas, y con las clásicas Chuck Taylor All Star como principal silueta, Converse trasladó el universo de Dragon Ball Z al mundo de los sneakers con una colección inspirada en algunos de los personajes más icónicos de la franquicia japonesa. A través de combinaciones de colores, logotipos, ilustraciones y distintos guiños visuales, cada par busca representar la esencia de un personaje diferente, convirtiendo a las zapatillas en un homenaje para los fanáticos de la saga.</p><ul><li>Goku</li></ul><ul><li>Vegeta</li></ul><ul><li>Cell</li></ul><ul><li>Freezer</li></ul><ul><li>Majin Buu</li></ul><ul><li>Shenlong</li></ul><ul><li>Piccolo</li></ul><ul><li>Krilin</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f94b53ac9f.png" alt=""><figcaption>Los sneakers de la colección entre Converse y Dragon Ball Z (Converse).</figcaption></figure><p>La colección no se limita únicamente al calzado. La cápsula también incorpora una línea de remeras, hoodies y prendas de indumentaria que mantiene la misma identidad visual, replicando personajes, símbolos y referencias de Dragon Ball Z para completar una de las colaboraciones más importantes entre el universo del anime y el streetwear de los últimos años.</p><p>Con esta colaboración, Converse vuelve a demostrar cómo el streetwear continúa encontrando en el anime uno de sus principales aliados, sumando una colección que une dos universos con millones de seguidores alrededor del mundo y que promete convertirse en una de las más buscadas por fanáticos de Dragon Ball Z y coleccionistas de zapatillas.</p>

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Dragon Ball Z aterriza en el streetwear de la mano de Converse

<p>Gatitos, corazones, cerezas, cruces y referencias al anime pueden convertirse en joyería cuando pasan por las manos de Repricot.</p><p>Desde México, la artista construyó una propuesta que combina plata 925, colores y cultura pop con una estética cercana al universo del streetwear.</p><h2>La artista que lleva el Latin Kawaii a los accesorios: Repricot</h2><p>El streetwear no se limita a las prendas y los sneakers. Con el crecimiento de las propuestas vinculadas a los accesorios, la joyería también encontró un lugar dentro de la estética urbana. Y en Ciudad de México, Repricot construyó una propuesta que combina el universo del Latin Kawaii con piezas de joyería en plata 925.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_abc10b9985.png" alt=""><figcaption>Mujeres usando los accesorios de Repricot (Repricot).</figcaption></figure><p>Su trabajo se caracteriza por una estética colorida y cargada de referencias a la cultura pop, donde las formas tradicionales de la joyería conviven con diseños mucho más lúdicos. Más allá del brillo propio de la plata, sus piezas incorporan una paleta que pasa por tonos rosados, violetas, naranjas, verdes y ámbar, creando un universo visual reconocible, una variedad que también aparece en los formatos que desarrolla.</p><ul><li>Dijes y amuletos</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Pulseras</li></ul><ul><li>Hebillas y accesorios</li></ul><h2>De gatitos a corazones: el universo de joyería de Repricot</h2><p>Pero si algo distingue a Repricot es la manera en la que transforma objetos, personajes y símbolos cotidianos en piezas de joyería. Sus diseños recorren diferentes universos y pueden encontrarse referencias a:</p><ul><li>Gatitos y corazones</li></ul><ul><li>Cerezas y cruces</li></ul><ul><li>Pistolas y llantas</li></ul><ul><li>Personajes y referencias del anime como Yu-Gi-Oh!</li></ul><ul><li>Hello Kitty</li></ul><ul><li>Formas y motivos inspirados en la cultura pop</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e4263aaac.png" alt=""><figcaption>Anillos creados por Repricot (Repricot).</figcaption></figure><p>Así, la propuesta de Repricot se mueve entre la joyería tradicional y una estética mucho más cercana al streetwear, donde un anillo, una cadena o un dije pueden convertirse en una extensión de la identidad de quien los lleva.</p><p>El resultado es un catálogo que apuesta por la mezcla de colores, símbolos y referencias, con piezas pensadas para quienes buscan llevar el universo Latin Kawaii más allá de la ropa y convertir los accesorios en los protagonistas de su outfit.</p>

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Joyería, streetwear y Latin Kawaii: la propuesta de Repricot

<p>El streetwear y el streaming vuelven a cruzarse en TWM by Goncho Banzas, la nueva cápsula creada por King of the Kongo junto al streamer argentino que toma al potrero argentino como inspiración.</p><h2>TWM by Goncho Banzas, la cápsula de Goncho x King of the Kongo</h2><p>Dos referentes de la escena argentina unen sus universos en “TWM by Goncho Banzas”, la cápsula que reúne a King of the Kongo, uno de los nombres con mayor trayectoria del streetwear nacional, y al streamer argentino.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dbb7VBzBhvI/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dbb7VBzBhvI/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La colección toma como punto de partida la identidad de TWM Football Club, una institución ficticia inspirada en la estética de los clásicos clubes ingleses y atravesada por la esencia del potrero argentino. La propuesta recupera la idea de un equipo que “<em>nunca jugó en grandes estadios</em>”, sino que construyó su historia en potreros olvidados, con pasión, herencia barrial y una “elegancia rota”.</p><p>Disponible a través del sitio web de King of the Kongo y sus locales, la cápsula está compuesta por nueve piezas que combinan prendas deportivas, básicos de streetwear y accesorios, con una paleta dominada por el marrón, negro y blanco.</p><ul><li>Buzo Crew: hoodie oversize confeccionado en rústico pesado.</li></ul><ul><li>Remera TWM Black: remera oversize de jersey de algodón negro.</li></ul><ul><li>Camiseta Dark League: camiseta confeccionada en tejido deportivo.</li></ul><ul><li>Suéter Worst: pieza marrón oversize confeccionada en tejido de punto liso.</li></ul><ul><li>Jean End: jean de calce relajado en denim washed black, con procesos de soft color fade y stone wash.</li></ul><ul><li>Campera Crest: campera oversize con capucha, confeccionada en gabardina pesada con efecto degradé.</li></ul><ul><li>Polo Insignia: polo de rústico con un diseño de rayas sutiles.</li></ul><ul><li>Remera TWM OFW: remera oversize confeccionada en jersey de algodón.</li></ul><ul><li>TWM Bag: bolso confeccionado en cuero de microfibra de alta durabilidad.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1caabe758c.png" alt=""><figcaption>TWM by Goncho Banzas, la nueva cápsula de King of the Kongo (King of the Kongo).</figcaption></figure><p>Uno de los elementos que atraviesa toda la colección es el logo TWM, sigla de The Worst Moment, un concepto ligado a la identidad de Goncho Banzas desde sus comienzos en el streaming, cuando utilizaba el nombre Goncho TWM. A esto se suman las inscripciones y elementos gráficos propios de King of the Kongo, que terminan de unir ambos universos.</p><p>Los precios de las piezas van desde $89.990 hasta $219.990 pesos argentinos, dependiendo del producto elegido.</p><h2>¿Quién es Goncho Banzas, el protagonista de la cápsula de King of the Kongo?</h2><p>Más allá de ser el protagonista de la nueva cápsula de King of the Kongo, Gonzalo Banzas, conocido en redes sociales bajo el seudónimo de Goncho, es uno de los pilares del streaming argentino desde hace más de una década.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cf9a8121a.png" alt=""><figcaption>Goncho Banzas, la cara detrás de la nueva cápsula de King of the Kongo (King of the Kongo).</figcaption></figure><p>Exjugador profesional de Counter-Strike, Goncho construyó una comunidad en plataformas como YouTube, Kick y Twitch a través de contenidos que van desde charlas, anécdotas y viajes hasta gameplays de videojuegos como Counter-Strike, Valorant y Fortnite.</p><p>Su recorrido dentro del streaming terminó convirtiendo a TWM en una parte fundamental de su identidad digital y, ahora, también en el concepto central de su primera cápsula junto a King of the Kongo.</p>

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Goncho x King of the Kongo: la cápsula que fusiona streetwear y streaming

<p>La joyería también es parte de la identidad de un look, y Bass Joyas lo llevó a otro nivel.</p><p>Desde Buenos Aires, el proyecto de joyería personalizada y prendas de autor construyó una propuesta propia dentro de la escena urbana y creó piezas elegidas por artistas de la talla de Nicki Nicole y Milo J.</p><h2>Anillos, cadenas y piezas de autor: conocé Bass Joyas, la joyería elegida por artistas</h2><p>Más allá de las prendas y los sneakers, los accesorios ganaron un lugar cada vez más importante dentro de la moda y se convirtieron en piezas fundamentales para completar y potenciar cada look.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en la ciudad de Buenos Aires aparece Bass Joyas, un proyecto dedicado a la joyería personalizada y las piezas de autor que logró hacerse un lugar dentro de la escena urbana y musical, con diseños elegidos por artistas como Nicki Nicole, Luck Ra, Knak, Pedrito VM y Milo J, entre otros.</p><h2>Oro, plata y diseños de autor: la propuesta de Bass Joyas</h2><p>La propuesta de Bass Joyas se caracteriza por trabajar con distintos materiales y formatos, con piezas que van desde diseños clásicos hasta alternativas más llamativas y personalizadas.</p><ul><li>Oro</li><li>Plata 925</li><li>Cubic</li><li>Bronce</li><li>Anillos</li><li>Colgantes</li><li>Cadenas</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36fc30d683.png" alt=""><figcaption>Joyería by Bass Joyas (Instagram/Bass Joyas).</figcaption></figure><p>Entre sus diseños aparecen cruces góticas, flores de lis, flores cúbicas, cruces de alquimia, números personalizados, símbolos de infinito, iniciales y estrellas, además de otras piezas pensadas para quienes buscan darle una identidad particular a sus accesorios.</p><p>Con precios que van desde los $50.000 hasta los $400.000 pesos argentinos, Bass Joyas cuenta con envíos a todo el país y permite adquirir sus piezas a través de su página web.</p>

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La joyería que llegó a los looks de Nicki Nicole, Luck Ra y Milo J: así es Bass Joyas

<p>Con más de 270 mil seguidores en redes sociales, el artista chileno Emilio Álvarez se convirtió en uno de los referentes de la customización en Latinoamérica, llevando su arte desde prendas de vestir y zapatillas hasta autos, skates y objetos cotidianos.</p><h2>Emilio Álvarez y el arte de convertir cualquier objeto en una pieza única</h2><p>La customización se convirtió en una de las ramas más interesantes dentro de la moda y la cultura urbana. En Latinoamérica, distintos artistas encontraron en la personalización una manera de intervenir prendas, accesorios y objetos cotidianos para transformarlos en piezas únicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_03ebd6b973.png" alt=""><figcaption>Emilio Álvarez customizando una chaqueta de jean (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Y en Chile, uno de los nombres que más se destaca dentro de esta escena es Emilio Álvarez. Con una comunidad de más de 270 mil seguidores, el artista construyó una identidad propia a partir de la customización y llevó su trabajo mucho más allá de las zapatillas, convirtiendo prácticamente cualquier superficie en un nuevo lienzo.</p><p>Su universo atraviesa el streetwear y la indumentaria, con intervenciones sobre sneakers, camisetas, hoodies, gorras, bolsos, billeteras y botines de fútbol, pero también alcanza objetos mucho menos habituales como botellas de whisky, billetes, tablas de skate, automóviles, termos, joysticks de consolas y valijas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Uno de los principales rasgos de su obra es la presencia del anime, una fuente de inspiración que aparece constantemente en sus diseños. Entre las franquicias y universos que llevó a sus piezas se encuentran:</p><ul><li>Hunter x Hunter</li></ul><ul><li>One Piece</li></ul><ul><li>Dragon Ball Z</li></ul><ul><li>Sailor Moon</li></ul><ul><li>Naruto</li></ul><ul><li>Los Caballeros del Zodiaco</li></ul><ul><li>One Punch Man</li></ul><ul><li>Pokemon</li></ul><p>Pero su trabajo no se queda únicamente en el anime. Álvarez también incorpora referencias a la cultura pop, el fútbol y personajes icónicos, con diseños inspirados en figuras como Tony Montana, Arturo Vidal, Neymar y Cristiano Ronaldo.</p><p>A lo largo de su trayectoria, además, sus customizaciones lo llevaron a trabajar junto a distintas figuras reconocidas de la música y el deporte. Entre algunas de sus colaboraciones aparecen:</p><ul><li>Eladio Carrión</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Cristián Zavala</li></ul><ul><li>Eduardo Vargas</li></ul><ul><li>Anuel</li></ul><ul><li>Michael Vadulli</li></ul><ul><li>Igor Lichnovsky</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a238b9420.png" alt=""><figcaption>El futbolista Cristián Zavala con sus botines customizados by Emilio Álvarez (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Así, Emilio Álvarez convirtió la customización en mucho más que una técnica aplicada a la moda: la transformó en una forma de llevar sus referencias, personajes e identidad artística a prácticamente cualquier objeto que pueda convertirse en un lienzo.</p>

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Emilio Álvarez, el artista chileno que no deja ningún objeto sin customizar

<p>Calaveras, guiños futboleros, sneakers y símbolos de la cultura urbana también pueden convertirse en piezas de joyería: ese es el universo que construyó Juan del Beats a través de sus diseños personalizados.</p><h2>La propuesta argentina que une joyería, streetwear y deporte: así es Juan del Beats</h2><p>Dentro de la escena urbana argentina, una de las propuestas que logró hacerse un lugar a través de diseños personalizados y una estética propia es Juan del Beats.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2fa7f50fcd.png" alt=""><figcaption>Nucleo Aka Tintasucia vistiendo piezas de Juan del Beats (Juan del Beats).</figcaption></figure><p>La joyería ubicada en la ciudad de Buenos Aires trabaja con piezas elaboradas en plata 925 y oro de 18 quilates, y desarrolla diseños que combinan referencias del streetwear, el deporte y la cultura urbana. A lo largo de su recorrido, las creaciones de Juan del Beats llegaron a manos de artistas como Luck Ra, Duki, C.R.O, Rels B e, incluso, a figuras internacionales del cine como Johnny Depp.</p><h2>Plata, oro y piezas personalizadas: el universo de Juan del Beats</h2><p>La propuesta de Juan del Beats reúne una amplia variedad de joyas personalizadas y piezas de autor pensadas para quienes buscan llevar accesorios con identidad propia.</p><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Aros</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Dijes</li></ul><ul><li>Coleccionables</li></ul><ul><li>Colaboraciones especiales</li></ul><p>Cada colección desarrolla una estética muy marcada, con referencias que van desde calaveras, armas y elementos del imaginario urbano hasta homenajes al mundo del fútbol, los sneakers y distintos símbolos deportivos</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>También aparecen diseños inspirados en botines, dorsales y siluetas icónicas, construyendo un catálogo que mezcla joyería tradicional con códigos contemporáneos.</p><p>Además, el proyecto ubicado en Buenos Aires realizó colaboraciones especiales, entre ellas una junto al trapero uruguayo Falke 912, ampliando todavía más un universo creativo donde la personalización y el diseño ocupan un lugar protagonista</p><h2>De Duki a C.R.O: los artistas que llevaron piezas de Juan del Beats</h2><p>La joyería logró posicionarse dentro de la escena musical y urbana gracias a distintas colaboraciones y trabajos realizados para reconocidas personalidades.</p><ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Duki</li></ul><ul><li>C.R.O</li></ul><ul><li>Núcleo</li></ul><ul><li>Nucleo Aka Tintasucia</li></ul><ul><li>Rels B</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una identidad visual atravesada por la cultura urbana, el deporte y el diseño personalizado, Juan del Beats continúa consolidándose como una de las propuestas argentinas de joyería que encontró en los accesorios una nueva forma de expresión artística.</p>

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Juan del Beats, la joyería que llevó el diseño urbano a otro nivel

<p>Si alguna vez viste a estrellas como Duki, Little Boogie o el Kun Agüero con una gorra particular, es posible que te hayas cruzado con algún modelo de 88 Caps, la marca argentina que se convirtió en una de las novedades del streetwear y los accesorios.</p><h2>La marca de gorras que pisa fuerte en el streetwear argentino: 88 Caps</h2><p>Cuando se habla de streetwear, muchas veces el concepto queda asociado exclusivamente a prendas como hoodies, camisetas, jeans o bermudas. Sin embargo, la cultura urbana también se extiende hacia otros terrenos, desde el mundo de los sneakers hasta los accesorios.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c779ed86f9.png" alt=""><figcaption>88 Caps, la marca de gorras sensación en el streetwear argentino (88 Caps).</figcaption></figure><p>Y en Argentina, 88 Caps se convirtió en una de las marcas que llevó a las gorras a ocupar un lugar cada vez más importante dentro de la escena. Si bien firmas internacionales como New Era mantienen una posición dominante dentro de la industria, el crecimiento de propuestas nacionales demuestra que existe espacio para nuevas identidades y diseños.</p><h2>El catálogo de 88 Caps</h2><p>Con el lema “Built for Greatness”, la marca cuenta con un catálogo que combina diferentes formatos, desde gorras curvas hasta modelos planos y cerrados, con una variedad de diseños que recorre distintos estilos y públicos. Entre sus propuestas aparecen modelos en colores clásicos como negro, blanco y rojo, junto con alternativas en marrón, rosa, estampados de leopardo y diseños camuflados.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a8b885ce88.png" alt=""><figcaption>Modelo &quot;Dirty style Red fitted&quot; de 88 Caps (88 Caps).</figcaption></figure><h2>¿Cuánto cuestan las gorras de 88 Caps?</h2><p>La variedad también se refleja en los precios, con opciones que parten desde los $38.000 y llegan hasta los $54.900 pesos argentinos. Las gorras pueden adquirirse a través de su página web, mientras que la marca también cuenta con un showroom ubicado en Palermo Soho, con atención los martes y jueves mediante coordinación previa.</p><h2>De Duki a Fanta Rosario: las figuras que llevan 88 Caps</h2><p>El crecimiento de 88 Caps no se explica únicamente por sus diseños. La marca también consiguió instalarse entre distintas figuras de la música, el entretenimiento y el deporte, que incorporaron sus gorras a sus looks.</p><p>Desde artistas de la escena urbana argentina hasta personalidades internacionales, las gorras de la marca comenzaron a ganar presencia en distintos ámbitos.</p><ul><li>Duki</li></ul><ul><li>Emilia Mernes</li></ul><ul><li>Fanta Rosario</li></ul><ul><li>Facu HDR</li></ul><ul><li>Frozouda</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><ul><li>Little Boogie</li></ul><ul><li>MHTRESUNO</li></ul><ul><li>Kun Agüero</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4e94ab266b.png" alt=""><figcaption>Little Boogie vistiendo 88 Caps (88 Caps).</figcaption></figure><p>La presencia de estos nombres ayudó a que la marca trascendiera el universo específico de los accesorios y se instalara dentro de la conversación alrededor del streetwear argentino, donde las gorras dejaron de funcionar únicamente como complemento para convertirse en una pieza central de determinados looks.</p>

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La marca de gorras que eligieron Duki, Little Boogie y el Kun Agüero

<p>En la industria textil mexicana existen distintos perfiles que encontraron en la moda una forma de expresar identidad, cultura y creatividad, y uno de los nombres que más destaca dentro de ese universo es Mauro Garfias.</p><p>Con más de quince años de trayectoria, el diseñador llevó su particular mirada sobre el streetwear, la mezclilla y el diseño a marcas, clubes deportivos y figuras internacionales.</p><h2>Un emblema del diseño mexicano: Mauro Garfias</h2><p>La industria del diseño en México ha encontrado en Mauro Garfias uno de sus nombres más destacados. Egresado del Instituto de Estudios Superiores de Moda en Casa de Francia, con una licenciatura en Diseño y Confección, una especialización en mezclilla y formación como diseñador gráfico, Garfias se convirtió en uno de los nombres vinculados al diseño y la moda urbana mexicana más importantes de la última década.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4cba5ec703.png" alt=""><figcaption>El estilo de Mauro Garfias x Vans (Instagram/Mauro Garfias).</figcaption></figure><p>Con una propuesta que combina la cultura streetwear con prendas de identidad propia y una mirada enfocada en la reutilización y el consumo responsable, el diseñador mexicano logró trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, además de desarrollar proyectos vinculados al mundo del fútbol y la cultura urbana.</p><h2>12crew, una firma que apuesta por la identidad</h2><p>Uno de los principales proyectos de Garfias dentro del streetwear es 12crew, una firma de construcción textil que busca crear prendas únicas y transformar la manera en la que se visten los mexicanos.</p><p>La propuesta se sostiene sobre tres pilares principales:</p><ul><li>Calidad.</li></ul><ul><li>Diseño.</li></ul><ul><li>Tendencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e8444ad0a.png" alt=""><figcaption>Mauro Garfias visitando prendas de 12crew (12crew).</figcaption></figure><p>La marca también incorpora técnicas de upcycling y reworking, con las que busca reutilizar y transformar prendas y materiales como una contrapropuesta frente al consumo masivo.</p><p>La mezclilla ocupa un lugar central dentro de su universo, acompañada por referencias del arte japonés, la cultura urbana y una búsqueda constante de piezas únicas y exclusivas.</p><h2>De México al mundo: las figuras que vistieron sus diseños</h2><p>El trabajo de Garfias también trascendió las fronteras de México y llegó a figuras reconocidas internacionalmente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Además de trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, el diseñador mexicano realizó prendas especiales y únicas para jugadores como Javier “Chicharito” Hernández, Andrés Guardado y Shaquille O&#x27;Neal.</p><p>Su trayectoria también incluye colaboraciones con referentes del hip hop y el graffiti como Aczino y Tote King, llevando su propuesta desde el streetwear mexicano hacia diferentes escenarios de la cultura urbana internacional.</p>

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El diseño mexicano bajo la mirada de Mauro Garfias

<p>Dentro del streetwear latinoamericano hay nombres que encontraron su lugar lejos de las pasarelas tradicionales, y uno de ellos es Kiko Báez, el creativo mexicano que transformó sus chaquetas personalizadas en piezas elegidas por algunas de las mayores estrellas de la música y el deporte.</p><h2>Kiko Báez, el diseñador mexicano que llevó sus chaquetas a los mayores escenarios de la música latina</h2><p>Dentro del mundo de la moda conviven creativos de todos los estilos: desde quienes impulsan la moda sustentable hasta aquellos que encuentran en la alta costura, el cuero o la sastrería su principal sello de identidad. Y es en México donde aparece uno de los nombres que logró construir una huella propia dentro del streetwear latinoamericano: Kiko Báez.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c344da2762.png" alt=""><figcaption>Kiko Báez en el Street Fever (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><p>Oriundo de Tijuana, Baja California, y director creativo de la firma familiar Exclusivos Báez, el diseñador mexicano se convirtió en uno de los grandes referentes de la moda urbana gracias a sus piezas completamente personalizadas.</p><p>A través de un trabajo centrado principalmente en la creación de chaquetas confeccionadas a medida, el mexicano vistió figuras de la música regional mexicana como Christian Nodal, Natanael Cano, Eduin Caz o Banda MS, así como también a grandes exponentes de la música urbana latina como Maluma, Daddy Yankee, Wisin y Yandel, J Balvin, Karol G, Feid e incluso el rapero estadounidense Offset.</p><h2>El sello creativo que distingue a Kiko Báez: chaquetas personalizadas</h2><p>Con un sello basado en prendas uno de uno, diseñadas exclusivamente para cada cliente, Kiko Báez logró construir una identidad donde cada pieza busca representar la historia, la personalidad o un momento especial del artista.</p><p>Sus chaquetas suelen aparecer en conciertos, giras internacionales, videoclips, homenajes, aniversarios, entregas de premios y presentaciones de gran magnitud, convirtiéndose en parte del espectáculo tanto como la música.</p><ul><li>Canelo Álvarez</li></ul><ul><li>Maluma</li></ul><ul><li>Grupo Frontera</li></ul><ul><li>Cris MJ</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Omar Courtz</li></ul><ul><li>Wisin y Yandel</li></ul><ul><li>J Balvin</li></ul><ul><li>Karol G</li></ul><ul><li>Feid</li></ul><ul><li>Christian Nodal</li></ul><ul><li>Natanael Cano</li></ul><ul><li>Eduin Caz</li></ul><ul><li>Banda MS</li></ul><ul><li>Offset</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7a5be7e6e.png" alt=""><figcaption>Omar Courtz vistiendo una chaqueta personalizada por Kiko Báez durante uno de sus shows (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><h2>El diseño para Canelo Álvarez que cambió su carrera</h2><p>Uno de los momentos que marcó un antes y un después en su carrera llegó gracias al boxeador Saúl &quot;Canelo&quot; Álvarez. A través de un amigo en común, el diseñador consiguió entregarle una chaqueta confeccionada especialmente para celebrar la conquista del campeonato indiscutido del mexicano.</p><p>Aunque el boxeador ya tenía preparado el vestuario para la conferencia de prensa posterior al combate, que era un trabajo de la firma Dolce &amp; Gabbana, decidió cambiarse a último momento para lucir el diseño de Kiko Báez frente a los medios, una escena que impulsó definitivamente la carrera del creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424" data-video-id="7566507427361754424" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424?lang=es&amp;q=canelo%20alvarezz%20indesputed%20jacket&amp;t=1785352047884" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde entonces, sus piezas comenzaron a multiplicarse en algunos de los escenarios más importantes de la música latina. Entre ellas destacan la chaqueta utilizada por J Balvin durante la participación de Bad Bunny en México en el marco de “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour” y el diseño confeccionado para Natanael Cano durante su presentación en Coachella, uno de los festivales musicales más importantes del mundo.</p><p>Más allá de las celebridades que visten sus diseños, Kiko Báez representa el crecimiento del diseño mexicano dentro de la moda urbana contemporánea. Con piezas completamente personalizadas y un trabajo artesanal que prioriza la exclusividad, el creativo de Tijuana logró que sus chaquetas dejaran de ser una simple prenda para convertirse en una extensión de la identidad de algunos de los artistas más importantes del panorama latinoamericano.</p>

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El diseñador mexicano que conquistó los escenarios de J Balvin, Feid y Maluma

<p>Dentro de la cultura sneaker, la customización encontró en Latinoamérica a distintos artistas que transformaron las zapatillas en verdaderos lienzos. Y en México, Diana Ponzo se convirtió en una de las grandes abanderadas de este movimiento gracias a diseños inspirados en universos como la cultura pop, el anime y el deporte.</p><h2>Diana Ponzo, la abanderada de la customización de sneakers en México</h2><p>El movimiento sneaker cuenta con un sinfín de aristas que conviven entre sí y forman la esencia de una cultura que no deja de expandirse. Desde las colaboraciones entre dos o más marcas en un mismo par hasta los grandes lanzamientos de compañías como Nike y adidas, pasando por las cápsulas creadas junto a artistas y celebridades, las zapatillas construyeron un universo propio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7358d75dc.png" alt=""><figcaption>Spikes customizados por la mexicana Diana Ponzo (Instagram/Diana Ponzo).</figcaption></figure><p>Dentro de ese mundo también existe una vertiente que mezcla la pasión por los sneakers con el arte urbano: la customización. Latinoamérica cuenta con distintos referentes que encontraron en la intervención de zapatillas una forma de expresión y, en México, la figura de Diana Ponzo se consolidó como una de las grandes representantes del movimiento.</p><p>Con una técnica basada en el trabajo pintado a mano y una comunidad de casi medio millón de seguidores en redes sociales, la mexicana convirtió cada par en un lienzo para explorar distintos universos de la cultura pop. Sus diseños recorren desde películas y series hasta el anime, los videojuegos, la música y el deporte.</p><ul><li>Películas y series: Harry Potter, Shrek, Toy Story y otros grandes títulos de la cultura popular.</li></ul><ul><li>Anime: personajes como Gokú y Vegeta de Dragon Ball y Luffy de One Piece.</li></ul><ul><li>Música: artistas como Taylor Swift.</li></ul><ul><li>Deportes: figuras como Lionel Messi y Shohei Ohtani, además de referencias a escuderías de Fórmula 1.</li></ul><ul><li>Películas animadas: El Rey León, El extraño mundo de Jack y Coraline.</li></ul><ul><li>Animales y otras referencias de la cultura pop.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C-F1SuDuEQh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C-F1SuDuEQh/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, el trabajo de Diana Ponzo no se limita al resultado final. A través de sus redes sociales, la artista también muestra el proceso de construcción de cada diseño, desde la elección de los colores y los materiales hasta el uso de distintos pinceles y las técnicas que utiliza para transformar cada zapatilla.</p><p>De esta manera, sus seguidores pueden conocer el paso a paso detrás de cada customización y descubrir cómo un par convencional puede convertirse en una pieza única, atravesada por las referencias, los personajes y los universos que forman parte de la cultura popular.</p><p>La variedad de universos que atraviesan sus diseños, sumada a una técnica que combina precisión, creatividad y trabajo artesanal, convirtió a Diana Ponzo en una de las grandes abanderadas de la customización de sneakers en México. A través de cada par, la artista demuestra que una zapatilla puede ser mucho más que un objeto de moda: también puede convertirse en un lienzo para contar historias.</p>

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Diana Ponzo, la artista que convirtió los sneakers en un lienzo

<p>Consolidado como una de las grandes figuras del rap latinoamericano, Trueno continúa ampliando su influencia fuera de la industria musical. Y en esta oportunidad, el artista argentino presentó una colaboración junto a la histórica marca británica KANGOL, con la que lanzó una edición especial del clásico Bermuda Casual, uno de los pilusos más emblemáticos del streetwear a nivel mundial.</p><h2>Trueno da su primer gran paso en el streetwear junto a KANGOL</h2><p>Desde hace ya varios años, Trueno dejó de ser únicamente uno de los grandes referentes del rap argentino para también convertirse en una de las principales figuras de la moda urbana latinoamericana. Entre colaboraciones con marcas, campañas y una identidad estética cada vez más marcada, el artista sumó un nuevo capítulo a ese recorrido de la mano de la histórica firma británica KANGOL.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbK-h_SjxeI/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbK-h_SjxeI/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Así como otros artistas argentinos como Duki, Paulo Londra o Bizarrap comenzaron a construir su propio camino dentro del universo de la moda, el rapero bonaerense dio uno de sus pasos más importantes en la industria del streetwear con una colaboración oficial junto a la reconocida marca nacida en el Reino Unido.</p><p>Y es que Trueno presentó, junto a KANGOL, una edición especial del clásico Bermuda Casual, uno de los pilusos más emblemáticos de la firma. La pieza luce una construcción completamente negra con textura tipo toalla e incorpora, en lados opuestos, el tradicional canguro de KANGOL y un logotipo exclusivo inspirado en la identidad visual del artista argentino.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1cd5054411.png" alt=""><figcaption>Trueno x KANGOL (KANGOL).</figcaption></figure><p>La colaboración fue anunciada inicialmente para el mercado japonés, donde se comercializará de forma exclusiva en esta primera etapa. Sin embargo, no se descarta que en los próximos meses también pueda llegar a otros mercados internacionales, incluyendo Argentina y distintos países de Latinoamérica, ampliando así el alcance de una de las colaboraciones más importantes en la carrera de Trueno dentro del universo del streetwear.</p>

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Así es el exclusivo piluso que Trueno lanzó junto a KANGOL

<p>Después de reinventar modelos como Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, Bad Bunny presentó junto a adidas una nueva versión de las icónicas F50, ahora adaptadas al universo lifestyle e inspiradas en la araña lobo, uno de los arácnidos más representativos de Puerto Rico.</p><h2>Bad Bunny lleva las históricas F50 del fútbol al universo lifestyle</h2><p>El vínculo entre adidas y Bad Bunny continúa escribiendo nuevos capítulos. Luego de reinterpretar algunas de las siluetas más emblemáticas de la marca alemana, como las Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, además de presentar las Bad Bo 1.0, su primera zapatilla original con la firma, el artista puertorriqueño volvió a mirar hacia el archivo de las tres tiras para darle una nueva vida a uno de los modelos más representativos del fútbol: las F50.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d4347b03b6.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><p>Bajo el nombre de Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint, la colaboración toma una de las franquicias más icónicas de la historia de la marca —utilizada durante años por figuras como Lionel Messi en sus primeras etapas como futbolista profesional— y la traslada a un formato pensado para el uso cotidiano. El resultado es una silueta que abandona la cancha para instalarse en las calles, combinando la esencia del fútbol con el lenguaje del streetwear y la identidad creativa del músico boricua.</p><h2>Puerto Rico como parte del diseño</h2><p>Como ya es habitual en las colaboraciones de Benito con adidas, el diseño también funciona como un homenaje a Puerto Rico, su tierra natal. En esta oportunidad, el par encuentra inspiración en la araña lobo puertorriqueña, un arácnido conocido por su velocidad, agilidad y capacidad para desplazarse con precisión, características que históricamente también definieron a la línea F50 dentro del universo futbolístico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56503e0800.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><p>Esa referencia se traduce en una construcción que apuesta por una estética técnica, con una estructura de malla respirable envuelta por una &quot;jaula&quot; que recuerda las formas del arácnido, mientras que la paleta de colores recupera el histórico colorway Ocean presentado por adidas en 2004. El diseño mantiene la esencia deportiva del modelo original, aunque reinterpretada desde una mirada completamente urbana.</p><h2>Los detalles que vuelven únicas las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint</h2><p>Los detalles exclusivos también ocupan un papel central. Además del branding característico de Bad Bunny, uno de los laterales incorpora la inscripción &quot;adidas para Bad Bunny&quot;, acompañada por el sello &quot;+F50 BB&quot;, una firma que deja en claro que no se trata simplemente de una reedición del modelo clásico, sino de una versión completamente atravesada por el universo creativo del artista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a2a40f3787.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><h2>¿Cuánto cuestan las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint?</h2><p>Con un precio de 160 dólares estadounidenses, las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint estarán disponibles a través de la tienda oficial de adidas y de retailers seleccionados. Un lanzamiento que no solo suma un nuevo capítulo a la exitosa relación entre la marca alemana y el cantante puertorriqueño, sino que también vuelve a demostrar cómo el archivo del fútbol continúa encontrando un nuevo espacio dentro de la moda y el streetwear contemporáneo.</p>

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Bad Bunny suma un nuevo capítulo junto a adidas con las F50 Ghost Sprint

<p>El estreno de “Minions y Monstruos” no solo marcó el regreso de los icónicos personajes amarillos a la pantalla grande. De la mano de Converse, también desembarcaron en el universo sneaker con una colección repleta de referencias a la popular franquicia.</p><h2>Las clásicas siluetas de Converse se tiñen de amarillo con los Minions</h2><p>Las colaboraciones entre marcas de streetwear y franquicias del cine continúan ampliando sus fronteras. Con el estreno de “Minions y Monstruos”, película que marca el regreso de los icónicos personajes amarillos a la pantalla grande, Converse decidió que la vuelta de los inseparables compañeros de Gru no se limitara únicamente al cine. Y es que, en paralelo al lanzamiento del film, la histórica firma estadounidense presentó una colección que traslada el universo de los Minions al mundo de los sneakers y la indumentaria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95ee6f632c.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure><p>Pensada tanto para los fanáticos de la saga como para los amantes de la cultura pop y el streetwear, la colección toma algunas de las siluetas más emblemáticas de la marca, como las Chuck Taylor All Star y las Chuck 70, para reinterpretarlas con una estética inspirada en los protagonistas de la película. A ellas se suman modelos Easy-On para niños y una línea de indumentaria compuesta por remeras, hoodies y otras prendas que mantienen el mismo lenguaje visual.</p><p>Lejos de limitarse a un simple cambio de colores, Converse apostó por trasladar la identidad de los Minions a cada rincón de la colección. Los pares incorporan paneles confeccionados en denim, bordados, bolsillos funcionales, detalles gráficos y una paleta dominada por el amarillo, el blanco, el negro y distintos tonos de jean.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dcf5e1bfa3.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure><p>A esto se suman ilustraciones de los personajes en diferentes situaciones, desde Minions cargando objetos hasta otros interactuando con sus propios cordones del calzado, lo que aporta un fuerte componente lúdico.</p><p>Los guiños también aparecen en pequeños detalles. Las plantillas y las suelas incorporan referencias al universo de la franquicia, mientras que algunos modelos transforman la clásica identidad visual de Converse al reemplazar la letra &quot;O&quot; del logotipo por el característico ojo de un Minion. En el caso de las versiones Easy-On, la correa ajustable también fue diseñada para recordar las antiparras que distinguen a los personajes, fusionando funcionalidad y diseño en una misma pieza.</p><p>La propuesta se completa con una amplia variedad de colorways y estampados, desde versiones repletas de ilustraciones de los Minions hasta otras mucho más sutiles, donde los guiños aparecen únicamente en pequeños detalles distribuidos por toda la zapatilla. De esta manera, la colección ofrece alternativas tanto para quienes buscan una pieza llamativa como para quienes prefieren un diseño más discreto inspirado en la franquicia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a056cda0a3.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure><p>Disponible a través de la tienda oficial de Converse y de comercios seleccionados, la colección tiene precios que parten desde los $40 dólares para algunos modelos infantiles y accesorios, mientras que las versiones más elaboradas de las Chuck 70 alcanzan los $105 dólares.</p><p>Un lanzamiento que vuelve a demostrar cómo el universo sneaker continúa encontrando inspiración en el cine y la cultura pop para dar vida a colaboraciones pensadas tanto para el uso diario como para el coleccionismo.</p>

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Converse lleva a los Minions al mundo sneaker

<p>Durante años, UNO fue uno de los juegos de cartas más populares del mundo. Ahora, el histórico título de Mattel decidió dar un paso más y trasladar toda su identidad al universo del streetwear, con una exclusiva colaboración junto a Comet que transforma sus colores y cartas en unas zapatillas de edición limitada.</p><h2>UNO entra al mundo sneaker con una edición limitada junto a Comet</h2><p>Las colaboraciones dejaron de ser un fenómeno exclusivo entre marcas de moda. En los últimos años, videojuegos, películas, series y hasta juguetes comenzaron a abrirse camino dentro de la cultura sneaker, demostrando que prácticamente cualquier ícono de la cultura pop puede convertirse en una zapatilla.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c14bd31a57.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure><p>Y ahora fue el turno de UNO, el histórico juego de cartas de Mattel, que dio el salto al streetwear de la mano de Comet con una colaboración de edición limitada que transforma uno de los juegos de mesa más populares de todos los tiempos en un par pensado para coleccionistas y fanáticos del diseño.</p><p>Inspirada en la clásica paleta de colores del juego —rojo, amarillo, azul, verde, negro y blanco—, la colaboración apuesta por una silueta low top que recuerda a modelos icónicos del universo sneaker como las Air Force 1 o las BAPE Sta. Sobre esa base aparecen paneles multicolor, el logo de UNO en el talón y distintos detalles característicos de Comet distribuidos a lo largo de la media suela y el resto del calzado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_971e46ecb3.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure><p>Lejos de limitarse al aspecto visual, la propuesta también incorpora distintos guiños al universo del juego. Cada par esconde referencias a las tradicionales reglas de UNO debajo de las plantillas, mientras que la caja fue completamente rediseñada para replicar el packaging original con el que históricamente se comercializa el juego de cartas.</p><p>Pensada desde la nostalgia, el coleccionismo y la cultura pop, la colaboración consigue trasladar la identidad de UNO al mundo del streetwear sin perder la esencia de ninguno de los dos universos.</p><h2>La edición limitada que convierte a UNO en una pieza de colección</h2><p>Además de su diseño, otro de los aspectos que convierten a la colaboración entre UNO y Comet en uno de los lanzamientos más llamativos del año es su exclusividad. La colección cuenta con apenas 800 pares disponibles en todo el mundo, una decisión que convierte al modelo en una auténtica pieza de colección desde su lanzamiento.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_426c49d18e.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure><p>Sin planes de reposición una vez agotado el stock, la colaboración apuesta por un formato de edición limitada que potencia su valor dentro del universo sneaker y reafirma el carácter especial de un proyecto que une dos mundos pocas veces vistos juntos.</p><p>Más allá del lanzamiento en sí, la unión entre Mattel y Comet vuelve a demostrar cómo la cultura sneaker continúa expandiendo sus fronteras, incorporando referentes de la cultura pop que hace algunos años parecían impensados dentro de este universo.</p>

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El histórico juego UNO ahora tiene sus propios sneakers

<p>El Mundial de México, Estados Unidos y Canadá ya comenzó a dejar huella fuera de la cancha. Entre camisetas, colaboraciones y cápsulas especiales, BAPE y KidSuper sobresalieron con una propuesta que toma a las 48 selecciones del torneo como punto de partida para una colección de sneakers que conecta fútbol, moda y cultura urbana.</p><h2>48 selecciones, 48 zapatillas: así es la colección de BAPE y KidSuper inspirada en la Copa del Mundo</h2><p>No hay dudas de que el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá ya se convirtió en una edición histórica, y eso que tan solo se ha disputado un tercio de la competencia. No solo por el hecho de ser la primera Copa del Mundo con 48 selecciones participantes, sino también porque el fenómeno de la moda se transformó en uno de los grandes ejes que atraviesan la competencia, tanto dentro como fuera de la cancha.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bd86576412.png" alt=""><figcaption>El tenis de México de la colección entre BAPE y KidSuper (BAPE).</figcaption></figure><p>Desde el diseño de camisetas e indumentaria deportiva hasta el universo del streetwear, la competencia más importante del fútbol de selecciones abrió la puerta a una serie de colaboraciones entre selecciones y marcas de primer nivel.</p><p>Y los ejemplos sobran: desde el vínculo entre Jordan Brand y la Selección brasileña, pasando por la alianza entre adidas, Thrasher y la Selección argentina hasta casos como Palace con Inglaterra o incluso los archivos de Virgil Abloh en Estados Unidos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_63fceab543.png" alt=""><figcaption>El diseño de los 48 pares de Bapesta de la colección entre BAPE y Kidsuper por el Mundial (Bape).</figcaption></figure><p>Sin embargo, entre todas las propuestas hay una que sobresale por encima del resto. No solo por unir a dos nombres de peso dentro de la moda urbana internacional, sino también por la magnitud de su concepto: en lugar de enfocarse en una única selección o en un puñado de países, la colaboración apuesta por representar a los 48 combinados nacionales que forman parte de la Copa del Mundo. Y sí, estamos hablando de KidSuper x BAPE STA World Cup, una colección que encontró en la excusa perfecta para llevar la Copa del Mundo al terreno de las sneakers.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/gabriela-hearst-la-mente-detras-de-la-imagen-mundialista-de-uruguay/1968"><u><em>Gabriela Hearst, la mente detrás de la imagen mundialista de Uruguay</em></u></a></p><h2>De Argentina a Uzbekistán: una zapatilla para cada país del Mundial</h2><p>La colección encuentra en las Bapesta, la silueta insignia de la firma japonesa, el corazón de toda la propuesta. A partir de este modelo, KidSuper y BAPE construyeron una cápsula integrada por 48 sneakers distintos, uno por cada una de las selecciones que formarán parte de la fase de grupos de la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá.</p><p>Dentro de la colección aparecen desde países con una fuerte tradición mundialista y campeones del torneo como Argentina, Brasil, España, Francia y Uruguay hasta selecciones debutantes en la competencia como Cabo Verde, Curazao, Jordania y Uzbekistán. Una colaboración que no solo se apoya en las potencias históricas del fútbol, sino que también abraza el espíritu global y colectivo de la Copa del Mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6bccb10023.png" alt=""><figcaption>Algunos de los sneakers de la colección entre BAPE y KidSuper (House of Heat).</figcaption></figure><p>En el plano estético, cada par presenta la clásica parte superior de charol de las Bapesta intervenida con los colores de la bandera de la selección a la que representa. A eso se suma el logotipo del ojo de KidSuper ubicado en el centro de la estrella característica de BAPE sobre los laterales, mientras que en distintas zonas del diseño también aparecen el nombre y las siglas de cada combinado nacional, reforzando la identidad de cada país dentro de una colección que convierte al Mundial en una misma narrativa de streetwear.</p>

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La colección de BAPE y KidSuper que transforma el Mundial en 48 pares de sneakers

<p>En medio de la ola de colaboraciones que unieron a la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, Willy Chavarría presentó junto a adidas “Comienza con el Sueño”, una colección inspirada en el fútbol, la identidad mexicana y el lenguaje del streetwear.</p><p>Sin embargo, la propuesta no se quedó únicamente en el terreno futbolero y terminó ganando visibilidad en el vestuario de figuras latinas como Kenia OS, Peso Pluma y J Balvin.</p><h2>Moda, fútbol y cultura latina: el corazón de “Comienza con el Sueño”, la colección de Willy Chavarría junto a adidas</h2><p>Dentro de la ensalada de colaboraciones que han unido a la industria de la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, hay una que logró destacarse por encima del resto. Se trata de “Comienza con el Sueño”, la colección lanzada por adidas junto al diseñador Willy Chavarría, una propuesta que encuentra en el fútbol, la identidad mexicana y la alta costura del streetwear los pilares de toda su narrativa.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36e79c396a.png" alt=""><figcaption>La estética de la colección entre Willy Chavarría y adidas (Instagram/Willy Chavarría).</figcaption></figure><p>Nacido en Fresno y criado en el Valle de San Joaquín, en California, Chavarría trasladó a la cápsula algunos de los rasgos más característicos de su universo creativo: siluetas oversize, sastrería de alto impacto y una fuerte conexión con la cultura latina.</p><p>Uno de los grandes focos de la colección está puesto en la indumentaria. Entre las prendas más llamativas aparece una camiseta de cuello tipo polo en tonos verde, amarillo y rosa que funciona como una reinterpretación de la icónica casaca que vistió Jorge Campos durante el Mundial de Estados Unidos 1994. A eso se suman chándales y shorts con las inscripciones “México” y “Chavarría”, además de gorras, blazers, pantalones y camisas abotonadas confeccionadas bajo la estética habitual del diseñador, con bordados y el eslogan “Comienza con el Sueño” impreso sobre distintas piezas de la colección.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZaGjh1IJtH/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZaGjh1IJtH/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En ese marco también aparecen piezas como los modelos Willy Mega Low y los Megaride AG XL, dos variantes de calzado que combinan proporciones urbanas con guiños a los botines de fútbol tradicionales y a la estética del Mundial.</p><h2>La huella de Willy Chavarría en el vestuario de Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin</h2><p>Sin embargo, “Comienza con el Sueño” no solo se consolidó como una de las propuestas más llamativas dentro del cruce entre la Copa del Mundo y la moda urbana, sino que también logró instalarse en el vestuario de algunas de las figuras más importantes de la música latina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f79c62f8af.png" alt=""><figcaption>Kenia OS como cara de la colección de Willy Chavarría x adidas (Instagram/Kenia OS).</figcaption></figure><p>Nombres como Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin fueron vistos con prendas vinculadas al universo creativo de Willy Chavarría, reforzando el alcance cultural de una colección que trascendió el terreno estrictamente futbolero.</p><p>En ese recorrido, una de las figuras más ligadas a la propuesta fue Kenia OS, quien apareció como una de las caras visibles de la colección y formó parte de distintas sesiones fotográficas vinculadas a su presentación. A su lado también apareció Peso Pluma, otro de los artistas que ayudó a potenciar la visibilidad de la cápsula y que incluso fue visto durante el NBA All-Star Weekend con prendas de la colaboración entre adidas y el diseñador nacido en Fresno.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b1817cff9.png" alt=""><figcaption>Los diseños de Willy Chavarría en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá vestidos por J Balvin (Getty Images).</figcaption></figure><p>A esa lista se suma J Balvin, aunque en su caso el vínculo no se dio de manera directa con “Comienza con el Sueño”, sino con el propio Willy Chavarría. El colombiano fue uno de los protagonistas de la apertura musical de la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá en el Estadio Azteca, donde lució un vestuario diseñado exclusivamente por el creador estadounidense de raíces mexicanas. Un detalle que no pasa inadvertido si se tiene en cuenta la histórica cercanía de J Balvin con Nike: que el artista haya dejado de lado, al menos por un momento, ese universo para vestir una propuesta de Chavarría también funciona como una muestra del peso que el diseñador ha ganado dentro de la moda y la cultura pop latina.</p>

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De Peso Pluma a J Balvin: así llegó Willy Chavarría al vestuario de las figuras latinas

<p>A meses del estreno de Toy Story 5, Crocs presentó una nueva colección inspirada en la saga con diseños dedicados a Jessie, los Aliens de Pizza Planet y Jibbitz coleccionables con Woody, Tiro al Blanco y Buzz Lightyear como protagonistas.</p><h2>El regreso de Toy Story al universo de Crocs</h2><p>No hay dudas de que una de las noticias que más resonó dentro de la industria cinematográfica fue el anuncio de Toy Story 5, la quinta entrega de una de las sagas más emblemáticas de la animación, cuya historia pondrá a Woody, Buzz Lightyear, Jessie y compañía frente a un nuevo desafío vinculado a la tecnología. Una noticia que no solo agitó a los fanáticos de la franquicia, sino que también empezó a marcar agenda en el mundo de la moda.</p><p>Con el estreno cada vez más cerca, Crocs presentó una nueva colección inspirada en el universo creado por Pixar: una cápsula que mezcla nostalgia, diseño y piezas pensadas tanto para seguidores de la saga como para coleccionistas a un puñado de meses del estreno de la nueva película. El lanzamiento retoma el cruce entre la firma y Toy Story —tras modelos inspirados en Woody y Buzz lanzados previamente— y amplía ese universo con una propuesta todavía más conceptual.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_977e4c67e6.png" alt=""><figcaption>La vaquera Jessie transformada en Crocs (Crocs).</figcaption></figure><p>En esta nueva colaboración entre Crocs y el universo de Toy Story aparecen las botas de la vaquera Jessie, un modelo basado en los alienígenas de la máquina de garra de Pizza Planet y un set de Jibbitz coleccionables con personajes como Woody, Buzz, Jessie, Tiro al Blanco y los Aliens, diseñados para personalizar los pares y llevar la narrativa de la película al terreno del calzado y los accesorios.</p><p>Una colección que no solo regresa el universo de Toy Story al mundo del calzado tras aquel lanzamiento hace un puñado de años, sino que impacta de lleno en la escena de la moda urbana y el coleccionismo, con piezas que prometen marcar tendencia entre fanáticos, sneakerheads y amantes de las colaboraciones de cultura pop.</p><h2>Jessie, los Aliens y los detalles de la nueva cápsula de Crocs x Toy Story</h2><p>Si hay una pieza llamada a robarse las miradas dentro de la colección, esa es la silueta inspirada en Jessie. Concebida como una reinterpretación western del clásico calzado de Crocs, el modelo toma como referencia directa las icónicas botas de la vaquera y las traslada a una pieza cargada de detalles: base marrón decorativa, estructura superior tipo bota, estampado de vaca en la parte delantera, tela denim en la zona trasera y un cuello rojo con costuras blancas que replica uno de los rasgos más reconocibles del personaje. A eso se suman detalles con el nombre de Jessie en uno de los laterales, reforzando el carácter casi coleccionable del diseño.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_51c4fce546.png" alt=""><figcaption>Los Aliens de Pizza Planet hechos Crocs (Crocs).</figcaption></figure><p>La otra gran protagonista de la cápsula está inspirada en los míticos alienígenas de Pizza Planet y en su inolvidable “¡Oooh, la garra!”. Manteniendo la silueta clásica de las Crocs, este modelo toma a los pequeños aliens verdes como eje conceptual del diseño: sus tres ojos, orejas puntiagudas, antena, sonrisa característica y una paleta en verde, azul y violeta aparecen integradas en distintos sectores del par, mientras que el icónico “Ooooh” se suma como guiño en la parte trasera del talón. Una pieza que lleva uno de los elementos más queridos de Toy Story al terreno del calzado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_edc71a4757.png" alt=""><figcaption>Los Jibbitz coleccionables de la colección Toy Story x Crocs (Crocs).</figcaption></figure><p>La colección además llega acompañada por un set de Jibbitz coleccionables para personalizar cualquier modelo, con pines inspirados en Woody, Buzz Lightyear, Tiro al Blanco, Jessie y los propios alienígenas. Un complemento que termina de expandir una cápsula donde diseño, nostalgia y coleccionismo dialogan en cada detalle.</p>

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Crocs vuelve al universo Toy Story de la mano de Jessie y los Aliens

<p>Seguramente te hayas cruzado en redes sociales con algún video donde un diseñador transforma retazos de tela o prendas descartadas en outfits completamente nuevos: detrás de gran parte de ese contenido aparece la figura del peruano Reffinato.</p><h2>Moda sostenible y creatividad: el universo fashion de Reffinato</h2><p>La industria de la moda cuenta con una infinidad de estilos, corrientes y formas de entender el diseño. Existen creadores que apuestan por la alta costura, otros que encuentran su identidad en el streetwear, algunos que exploran conceptos futuristas y también quienes deciden llevar la reutilización de materiales y la moda sostenible como bandera principal de su trabajo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DR0dqybDBn0/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DR0dqybDBn0/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y dentro de este último universo aparece uno de los referentes digitales más llamativos del último tiempo: el diseñador peruano Reffinato. Con más de medio millón de seguidores en su cuenta de Instagram, el creador latinoamericano logró transformar la reutilización de materiales en un fenómeno viral, llevando el concepto de moda sustentable a millones de personas a través de las redes sociales.</p><p>Con videos donde documenta desde el hallazgo de retazos de tela y prendas abandonadas hasta bolsas de supermercado y distintos materiales reciclables, Reffinato muestra el proceso completo detrás de cada diseño: desde la selección de los elementos y la confección hasta el resultado final. Todo acompañado de piezas que combinan estética urbana, creatividad y una fuerte identidad visual que convirtió su contenido en una referencia dentro de la moda alternativa y sostenible.</p><p>Pero además de las prendas para humanos, dentro de su comunidad también nació una de las secciones más particulares y populares de su contenido: los diseños para su gato Felipo. Sí, tal cual. El diseñador peruano también confecciona outfits para su mascota utilizando el mismo concepto sustentable, creando pequeñas piezas de moda reciclada que rápidamente se volvieron virales entre sus seguidores y terminaron convirtiéndose en una marca registrada dentro de su universo creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DS8npg5DuQl/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DS8npg5DuQl/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Entre reutilización, moda urbana y creatividad digital, Reffinato logró demostrar que el diseño de moda también puede surgir desde materiales descartados, llevando la sostenibilidad a un formato visual, entretenido y completamente adaptado al lenguaje de las redes sociales.</p>

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El diseñador que convirtió la moda sostenible en un fenómeno viral

<p>La próxima Copa del Mundo también tendrá a la moda como protagonista y Uruguay apostó fuerte en ese terreno: la diseñadora sustentable Gabriela Hearst fue elegida como la responsable del diseño de los uniformes mundialistas que la selección dirigida por Marcelo Bielsa utilizará en la cita de Estados Unidos, México y Canadá.</p><h2>¿Quién es Gabriela Hearst, la diseñadora detrás de los uniformes mundialistas de Uruguay?</h2><p>El escenario de la próxima Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá no solo será el epicentro donde superestrellas internacionales del balompié como Lionel Messi, Kylian Mbappé, Neymar Jr., Cristiano Ronaldo y Harry Kane convivirán siendo, seguramente, el principal foco de atención. Y es que la máxima competencia del fútbol de selecciones también volverá a convertirse en un escenario donde la industria textil y la moda tendrán un protagonismo cada vez más importante.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fe150f2409.png" alt=""><figcaption>Gabriela Hearst, la responsable de los uniformes mundialistas de Uruguay (Kevin Trageser).</figcaption></figure><p>No solo desde los uniformes y camisetas que utilizarán los distintos combinados nacionales —como el caso de la selección brasileña y su colaboración junto a Jordan Brand—, sino también mediante el desembarco de firmas internacionales como Zara y Thrasher, que ya comenzaron a dejar su propia impronta con colecciones y lanzamientos inspirados ciento por ciento en la vibra mundialista.</p><p>Y una de las selecciones que seguramente dará que hablar por su estética será Uruguay. El combinado dirigido por Marcelo Bielsa tendrá como responsable del diseño oficial de sus uniformes mundialistas a Gabriela Hearst, una de las diseñadoras latinoamericanas más importantes de la actualidad y una figura que logró unir lujo, identidad sudamericana y sustentabilidad dentro de la industria de la moda internacional.</p><p>Nacida en Uruguay y criada en la estancia familiar de ganado vacuno y ovejas merino en Paysandú, Gabriela Hearst pertenece a la séptima generación de una familia agropecuaria y se convirtió, con el correr de los años, en una de las grandes potencias creativas del diseño uruguayo tanto a nivel latinoamericano como internacional. Criada en un entorno donde el concepto de lujo estaba relacionado con la durabilidad, el trabajo artesanal y las piezas hechas para perdurar en el tiempo, la diseñadora trasladó esa filosofía a cada una de sus colecciones.</p><p>La uruguaya lanzó su firma homónima en el año 2015 con el objetivo de construir una marca con propósito detrás de cada diseño: colecciones de lujo atravesadas por la conciencia ambiental y la sustentabilidad. Pionera en la utilización de materiales reutilizados, tejidos sobrantes y políticas enfocadas en la reducción del plástico, Hearst se consolidó rápidamente como una de las grandes voces de la moda sustentable contemporánea.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b715102ab8.png" alt=""><figcaption>Diseño hecho por la propia Gabriela Hearst (Instagram/Gabriela Hearst).</figcaption></figure><p>Ganadora de reconocimientos como el International Woolmark Prize, el Fashion Visionary Award del Pratt Institute y el Infinity Award del International Center of Photography, además de haber sido incluida en la lista inaugural National Geographic 33 —que destaca a agentes de cambio cuyas ideas e influencias ayudan a construir un futuro mejor para el planeta—, Gabriela Hearst no solo se transformó en un emblema de la moda uruguaya y sostenible, sino también en la figura detrás de la imagen con la que Uruguay buscará dejar su huella en la próxima Copa del Mundo.</p><h2>Así son los trajes mundialistas de Uruguay diseñados por Gabriela Hearst</h2><p>El estreno oficial de los diseños de Gabriela Hearst no tardó en llegar. En el debut de la Selección uruguaya frente a Arabia Saudita en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, el plantel dirigido por Marcelo Bielsa dejó ver por primera vez los trajes creados por la diseñadora uruguaya, llevando a la máxima cita del fútbol una propuesta donde la elegancia, la identidad nacional y la sustentabilidad conviven en una misma pieza.</p><p>El elemento central de la propuesta diseñada por Gabriela Hearst es la lana uruguaya, un material que funciona como símbolo de la identidad y la tradición productiva del país sudamericano. Cada conjunto está confeccionado íntegramente con esta fibra y se compone de un blazer de dos botones inspirado en la sastrería italiana clásica, pantalones de pernera recta ligeramente ajustada y una camiseta polo de micromerino color marfil.</p><p>Como detalle distintivo, el interior del saco incorpora un forro de jacquard de seda tejido con el escudo nacional y personalizado con la fecha de la Copa del Mundo y el nombre de cada futbolista bordado a mano, mientras que el look se completa con las zapatillas Ohio de cuero blanco texturizado, fabricadas con un 30% de materiales reciclados.</p><p>Por su parte, el cuerpo técnico luce una variante compuesta por los mismos trajes, acompañados por camisas blancas de popelina y corbatas de sarga de seda azul marino con el escudo uruguayo bordado. Además, las fibras utilizadas para la confección de las prendas provienen directamente de establecimientos rurales del norte de Uruguay, reforzando el vínculo entre la colección, la sustentabilidad y la producción local.</p><p>Más allá de lo deportivo, la aparición de los trajes durante la Copa del Mundo terminó de consolidar una de las colaboraciones más llamativas del torneo, uniendo el prestigio de una de las diseñadoras latinoamericanas más importantes del mundo con la historia y la tradición de la selección uruguaya.</p>

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Gabriela Hearst, la mente detrás de la imagen mundialista de Uruguay

<p>El fingerboard llevó la esencia del skateboarding a una tabla en miniatura y construyó una comunidad que no para de crecer, y en Argentina, uno de sus grandes referentes es Finger Industries.</p><h2>Finger Industries, un emblema del fingerboard en Argentina</h2><p>El movimiento del fingerboard, una práctica que traslada la esencia del skateboarding a tablas en miniatura controladas con los dedos, continúa creciendo a nivel internacional y cada vez gana más espacio dentro de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d4500e24ac.png" alt=""><figcaption>Fingerboard de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>Más allá de las grandes marcas que dominan el mercado global, cada país desarrolló sus propios protagonistas. En Argentina, uno de esos nombres es Finger Industries, una marca nacional fundada en el año 2015 y con sede en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires.</p><p>Con más de una década de trayectoria, la firma se convirtió en uno de los principales referentes de la escena local gracias a una propuesta que combina fabricación propia, distribución de marcas internacionales y desarrollo de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A eso se suma una fuerte presencia en redes sociales, donde supera los 200 mil seguidores, consolida un vínculo directo con quienes practican fingerboard y ayuda a difundir una disciplina que pasó de ser un hobby de nicho a construir una escena cada vez más grande en Argentina.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/sueno-con-que-cada-provincia-tenga-una-marca-de-fingerboards-propia/1530</p><h2>De fabricar una tabla propia a construir una marca</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes nombres del fingerboard argentino, Finger Industries tuvo un comienzo mucho más simple. La historia empezó en el año 2015, cuando su fundador no lograba conseguir en Argentina un fingerboard profesional de madera que cumpliera con la calidad que buscaba.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa necesidad se transformó en una oportunidad. A través de pruebas, errores y aprendizaje, comenzó a experimentar con técnicas de laminado y fabricación hasta conseguir tablas que respondieran a sus expectativas.</p><p>Un año más tarde apareció la tienda online, en una etapa en la que, según recuerdan desde la propia marca, vender apenas un par de fingerboards por semana ya representaba un gran logro.</p><p>Desde entonces, Finger Industries comenzó a crecer de manera progresiva a través de eventos, redes sociales y la difusión constante de la disciplina. En el año 2018 amplió su equipo de trabajo para mejorar la producción y aumentar la capacidad de fabricación.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El gran salto llegó durante la cuarentena, cuando el fingerboard encontró en el hogar un escenario ideal para crecer y la marca consiguió alcanzar a una audiencia mucho más amplia. Ese proceso desembocó, en el año 2021, en la apertura de Fingershop, un espacio físico pensado no solo para comprar productos, sino también para practicar, encontrarse con otros riders y vivir la cultura del fingerboard de manera presencial.</p><h2>Finger Industries y un catálogo pensado para todos los niveles</h2><p>Decir que Finger Industries funciona como un paraíso para quienes viven el fingerboard no es una exageración. Su catálogo reúne prácticamente todo lo necesario tanto para quienes recién empiezan como para riders que buscan mejorar cada detalle de su setup.</p><ul><li>Tapes</li><li>Ruedas</li><li>Trucks</li><li>Tuercas</li><li>Tablas</li><li>Fingerboards completos</li><li>Bujes</li><li>Racks</li><li>Herramientas</li><li>Accesorios</li><li>Rampas</li><li>Módulos</li><li>Rails</li><li>Finger scooters</li><li>Finger BMX</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c51156160d.png" alt=""><figcaption>Fingerboards de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>La propuesta permite desde armar un fingerboard pieza por pieza, eligiendo componentes y diseños de manera personalizada, hasta adquirir modelos completamente armados y listos para usar.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/nestor-el-abuelo-de-74-anos-que-se-convirtio-en-una-estrella-del-fingerboard/1000332</p><p>Además de comercializar productos propios, Finger Industries también distribuye distintas marcas internacionales, ampliando todavía más una oferta pensada para distintos niveles y estilos.</p><p>Todos los productos pueden adquirirse a través de la tienda oficial de la marca o de manera presencial en su local ubicado en Sáenz 179, Lomas de Zamora, un punto de encuentro que combina tienda, práctica y comunidad alrededor del fingerboard.</p>

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