<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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Noticias

“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>Gatitos, corazones, cerezas, cruces y referencias al anime pueden convertirse en joyería cuando pasan por las manos de Repricot.</p><p>Desde México, la artista construyó una propuesta que combina plata 925, colores y cultura pop con una estética cercana al universo del streetwear.</p><h2>La artista que lleva el Latin Kawaii a los accesorios: Repricot</h2><p>El streetwear no se limita a las prendas y los sneakers. Con el crecimiento de las propuestas vinculadas a los accesorios, la joyería también encontró un lugar dentro de la estética urbana. Y en Ciudad de México, Repricot construyó una propuesta que combina el universo del Latin Kawaii con piezas de joyería en plata 925.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_abc10b9985.png" alt=""><figcaption>Mujeres usando los accesorios de Repricot (Repricot).</figcaption></figure><p>Su trabajo se caracteriza por una estética colorida y cargada de referencias a la cultura pop, donde las formas tradicionales de la joyería conviven con diseños mucho más lúdicos. Más allá del brillo propio de la plata, sus piezas incorporan una paleta que pasa por tonos rosados, violetas, naranjas, verdes y ámbar, creando un universo visual reconocible, una variedad que también aparece en los formatos que desarrolla.</p><ul><li>Dijes y amuletos</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Pulseras</li></ul><ul><li>Hebillas y accesorios</li></ul><h2>De gatitos a corazones: el universo de joyería de Repricot</h2><p>Pero si algo distingue a Repricot es la manera en la que transforma objetos, personajes y símbolos cotidianos en piezas de joyería. Sus diseños recorren diferentes universos y pueden encontrarse referencias a:</p><ul><li>Gatitos y corazones</li></ul><ul><li>Cerezas y cruces</li></ul><ul><li>Pistolas y llantas</li></ul><ul><li>Personajes y referencias del anime como Yu-Gi-Oh!</li></ul><ul><li>Hello Kitty</li></ul><ul><li>Formas y motivos inspirados en la cultura pop</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e4263aaac.png" alt=""><figcaption>Anillos creados por Repricot (Repricot).</figcaption></figure><p>Así, la propuesta de Repricot se mueve entre la joyería tradicional y una estética mucho más cercana al streetwear, donde un anillo, una cadena o un dije pueden convertirse en una extensión de la identidad de quien los lleva.</p><p>El resultado es un catálogo que apuesta por la mezcla de colores, símbolos y referencias, con piezas pensadas para quienes buscan llevar el universo Latin Kawaii más allá de la ropa y convertir los accesorios en los protagonistas de su outfit.</p>

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Joyería, streetwear y Latin Kawaii: la propuesta de Repricot

<p>Dentro del streetwear latinoamericano hay nombres que encontraron su lugar lejos de las pasarelas tradicionales, y uno de ellos es Kiko Báez, el creativo mexicano que transformó sus chaquetas personalizadas en piezas elegidas por algunas de las mayores estrellas de la música y el deporte.</p><h2>Kiko Báez, el diseñador mexicano que llevó sus chaquetas a los mayores escenarios de la música latina</h2><p>Dentro del mundo de la moda conviven creativos de todos los estilos: desde quienes impulsan la moda sustentable hasta aquellos que encuentran en la alta costura, el cuero o la sastrería su principal sello de identidad. Y es en México donde aparece uno de los nombres que logró construir una huella propia dentro del streetwear latinoamericano: Kiko Báez.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c344da2762.png" alt=""><figcaption>Kiko Báez en el Street Fever (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><p>Oriundo de Tijuana, Baja California, y director creativo de la firma familiar Exclusivos Báez, el diseñador mexicano se convirtió en uno de los grandes referentes de la moda urbana gracias a sus piezas completamente personalizadas.</p><p>A través de un trabajo centrado principalmente en la creación de chaquetas confeccionadas a medida, el mexicano vistió figuras de la música regional mexicana como Christian Nodal, Natanael Cano, Eduin Caz o Banda MS, así como también a grandes exponentes de la música urbana latina como Maluma, Daddy Yankee, Wisin y Yandel, J Balvin, Karol G, Feid e incluso el rapero estadounidense Offset.</p><h2>El sello creativo que distingue a Kiko Báez: chaquetas personalizadas</h2><p>Con un sello basado en prendas uno de uno, diseñadas exclusivamente para cada cliente, Kiko Báez logró construir una identidad donde cada pieza busca representar la historia, la personalidad o un momento especial del artista.</p><p>Sus chaquetas suelen aparecer en conciertos, giras internacionales, videoclips, homenajes, aniversarios, entregas de premios y presentaciones de gran magnitud, convirtiéndose en parte del espectáculo tanto como la música.</p><ul><li>Canelo Álvarez</li></ul><ul><li>Maluma</li></ul><ul><li>Grupo Frontera</li></ul><ul><li>Cris MJ</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Omar Courtz</li></ul><ul><li>Wisin y Yandel</li></ul><ul><li>J Balvin</li></ul><ul><li>Karol G</li></ul><ul><li>Feid</li></ul><ul><li>Christian Nodal</li></ul><ul><li>Natanael Cano</li></ul><ul><li>Eduin Caz</li></ul><ul><li>Banda MS</li></ul><ul><li>Offset</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7a5be7e6e.png" alt=""><figcaption>Omar Courtz vistiendo una chaqueta personalizada por Kiko Báez durante uno de sus shows (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><h2>El diseño para Canelo Álvarez que cambió su carrera</h2><p>Uno de los momentos que marcó un antes y un después en su carrera llegó gracias al boxeador Saúl &quot;Canelo&quot; Álvarez. A través de un amigo en común, el diseñador consiguió entregarle una chaqueta confeccionada especialmente para celebrar la conquista del campeonato indiscutido del mexicano.</p><p>Aunque el boxeador ya tenía preparado el vestuario para la conferencia de prensa posterior al combate, que era un trabajo de la firma Dolce &amp; Gabbana, decidió cambiarse a último momento para lucir el diseño de Kiko Báez frente a los medios, una escena que impulsó definitivamente la carrera del creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424" data-video-id="7566507427361754424" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424?lang=es&amp;q=canelo%20alvarezz%20indesputed%20jacket&amp;t=1785352047884" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde entonces, sus piezas comenzaron a multiplicarse en algunos de los escenarios más importantes de la música latina. Entre ellas destacan la chaqueta utilizada por J Balvin durante la participación de Bad Bunny en México en el marco de “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour” y el diseño confeccionado para Natanael Cano durante su presentación en Coachella, uno de los festivales musicales más importantes del mundo.</p><p>Más allá de las celebridades que visten sus diseños, Kiko Báez representa el crecimiento del diseño mexicano dentro de la moda urbana contemporánea. Con piezas completamente personalizadas y un trabajo artesanal que prioriza la exclusividad, el creativo de Tijuana logró que sus chaquetas dejaran de ser una simple prenda para convertirse en una extensión de la identidad de algunos de los artistas más importantes del panorama latinoamericano.</p>

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El diseñador mexicano que conquistó los escenarios de J Balvin, Feid y Maluma

<p>Lo que comenzó como un oficio tradicional terminó convirtiéndose en un verdadero fenómeno digital. A través de videos donde prepara elotes y raspados desde las calles de California, Elotero MX conquistó a millones de personas en plataformas como Instagram y YouTube y llevó la gastronomía callejera mexicana a las redes sociales.</p><h2>¿Quién es Elotero MX y por qué se convirtió en un fenómeno de las redes sociales?</h2><p>Desde hace ya varios años, las redes sociales dejaron de ser únicamente un espacio de entretenimiento para convertirse también en una fuente inagotable de trabajo y en una vidriera capaz de llevar oficios tradicionales a millones de personas alrededor del mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e43661e159.png" alt=""><figcaption>Elotero MX junto a su carrito de elotes en las calles de California (Elotero MX).</figcaption></figure><p>Y es que más allá de los creadores de contenido vinculados al turismo, los videojuegos o el deporte, también hay quienes encontraron en su trabajo cotidiano la receta perfecta para conquistar internet.</p><p>Y México tiene uno de los ejemplos más curiosos: Elotero MX, el mexicano que se transformó en una verdadera sensación digital gracias a un oficio tan tradicional como preparar elotes, raspados y distintos snacks desde su carrito instalado en las calles de California.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DZiTVjSvtWs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DZiTVjSvtWs/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Lejos de limitarse a mostrar el producto final, el creador comparte desde su propia perspectiva cómo transcurre cada jornada de trabajo. En sus videos aparecen niños, adolescentes, familias y vecinos que se acercan a comprar un elote o un raspado, mientras él registra el paso a paso de cada preparación y las conversaciones espontáneas que surgen con cada cliente. Una combinación entre gastronomía callejera, cercanía y naturalidad que terminó convirtiéndose en el sello que distingue a su contenido.</p><p>A través de esos pequeños momentos cotidianos, Elotero MX también funciona como una ventana hacia la cultura mexicana, mostrando uno de sus platillos más tradicionales y la calidez que suele rodear a este tipo de puestos callejeros. Esa fórmula le permitió reunir cientos de miles de seguidores tanto en Instagram como en YouTube, además de acumular millones de reproducciones en sus publicaciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8cd25b5395.png" alt=""><figcaption>La zona de trabajo de Elotero MX (Elotero MX).</figcaption></figure><p>En una época en la que muchas veces se asocia el éxito en redes sociales con grandes producciones y presupuestos millonarios, la historia de Elotero MX demuestra exactamente lo contrario. En ocasiones, una cámara, un carrito de elotes y la autenticidad suficiente para compartir el día a día alcanzan para transformar un oficio tradicional en un fenómeno capaz de conquistar a millones de personas alrededor del mundo.</p>

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El creador que convirtió la venta de elotes en un fenómeno de las redes sociales

<p>El estreno de “Minions y Monstruos” no solo marcó el regreso de los icónicos personajes amarillos a la pantalla grande. De la mano de Converse, también desembarcaron en el universo sneaker con una colección repleta de referencias a la popular franquicia.</p><h2>Las clásicas siluetas de Converse se tiñen de amarillo con los Minions</h2><p>Las colaboraciones entre marcas de streetwear y franquicias del cine continúan ampliando sus fronteras. Con el estreno de “Minions y Monstruos”, película que marca el regreso de los icónicos personajes amarillos a la pantalla grande, Converse decidió que la vuelta de los inseparables compañeros de Gru no se limitara únicamente al cine. Y es que, en paralelo al lanzamiento del film, la histórica firma estadounidense presentó una colección que traslada el universo de los Minions al mundo de los sneakers y la indumentaria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95ee6f632c.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure><p>Pensada tanto para los fanáticos de la saga como para los amantes de la cultura pop y el streetwear, la colección toma algunas de las siluetas más emblemáticas de la marca, como las Chuck Taylor All Star y las Chuck 70, para reinterpretarlas con una estética inspirada en los protagonistas de la película. A ellas se suman modelos Easy-On para niños y una línea de indumentaria compuesta por remeras, hoodies y otras prendas que mantienen el mismo lenguaje visual.</p><p>Lejos de limitarse a un simple cambio de colores, Converse apostó por trasladar la identidad de los Minions a cada rincón de la colección. Los pares incorporan paneles confeccionados en denim, bordados, bolsillos funcionales, detalles gráficos y una paleta dominada por el amarillo, el blanco, el negro y distintos tonos de jean.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dcf5e1bfa3.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure><p>A esto se suman ilustraciones de los personajes en diferentes situaciones, desde Minions cargando objetos hasta otros interactuando con sus propios cordones del calzado, lo que aporta un fuerte componente lúdico.</p><p>Los guiños también aparecen en pequeños detalles. Las plantillas y las suelas incorporan referencias al universo de la franquicia, mientras que algunos modelos transforman la clásica identidad visual de Converse al reemplazar la letra &quot;O&quot; del logotipo por el característico ojo de un Minion. En el caso de las versiones Easy-On, la correa ajustable también fue diseñada para recordar las antiparras que distinguen a los personajes, fusionando funcionalidad y diseño en una misma pieza.</p><p>La propuesta se completa con una amplia variedad de colorways y estampados, desde versiones repletas de ilustraciones de los Minions hasta otras mucho más sutiles, donde los guiños aparecen únicamente en pequeños detalles distribuidos por toda la zapatilla. De esta manera, la colección ofrece alternativas tanto para quienes buscan una pieza llamativa como para quienes prefieren un diseño más discreto inspirado en la franquicia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a056cda0a3.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure><p>Disponible a través de la tienda oficial de Converse y de comercios seleccionados, la colección tiene precios que parten desde los $40 dólares para algunos modelos infantiles y accesorios, mientras que las versiones más elaboradas de las Chuck 70 alcanzan los $105 dólares.</p><p>Un lanzamiento que vuelve a demostrar cómo el universo sneaker continúa encontrando inspiración en el cine y la cultura pop para dar vida a colaboraciones pensadas tanto para el uso diario como para el coleccionismo.</p>

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Converse lleva a los Minions al mundo sneaker

<p>La nueva generación de la música urbana puertorriqueña sigue sumando protagonistas, y entre ellos aparece Fanta Rosario, un artista que ya empieza a destacar por su sonido, su imagen y un universo creativo diferente.</p><h2>De la estética al sonido: las claves detrás del crecimiento de Fanta Rosario</h2><p>Hablar de Puerto Rico es hablar de una de las grandes cunas de la música urbana a nivel mundial. La isla vio nacer a referentes históricos como Daddy Yankee y Don Omar, y con el paso de los años continuó alimentando la escena con figuras de la talla de Bad Bunny, Anuel AA y Arcángel y, más recientemente, con una nueva generación integrada por artistas como Dei V, Omar Courtz o De La Rose que comenzó a tomar la posta, demostrando que el talento puertorriqueño continúa renovándose año tras año.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_515e82c06a.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario, la nueva joya del género urbano en Puerto Rico (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure><p>En ese contexto aparece Fanta Rosario, uno de los nombres que poco a poco empieza a hacerse un lugar dentro de la nueva ola urbana de la isla. Con una propuesta que combina trap, reguetón y otros sonidos urbanos, el artista logró construir una identidad reconocible tanto desde lo musical como desde lo visual, convirtiéndose en una de las apariciones más interesantes de la escena puertorriqueña.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/de-la-rose-en-la-cima-descubrila/1145</p><h2>Gorras planas, lentes Y2K y una estética que no pasa desapercibida: la estética de Fanta Rosario</h2><p>Gran parte de esa identidad también pasa por su estética. Gorra plana llevada de costado, polos y jerseys, lentes inspirados en la moda de los años 2000, un rosario como sello distintivo y una actitud desenfadada forman parte de una imagen que se traslada a sus videoclips. Allí predominan los colores saturados, las composiciones poco convencionales y una estética inspirada en el internet de comienzos de siglo, construyendo un universo creativo que acompaña a la perfección el sonido de sus canciones.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rwNNcDEVnIU" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p>Ese estilo ya quedó plasmado en temas como "<i>Si Me Hiciera El de la Lengua</i>", "<i>ADM</i>", "<i>Dicen</i>", "<i>GUAO</i>" y "<i>No Te Kashi</i>", canciones que acumulan millones de reproducciones y que ayudaron a posicionarlo entre las nuevas figuras del movimiento. A eso se suma el respaldo de artistas ya consolidados como Jon Z, Bryant Myers, Arcángel, Bad Bunny e incluso el argentino Bizarrap, quienes en distintas oportunidades mostraron apoyo hacia su proyecto.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_62cea13a87.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario junto a Jon Z y Luar La L (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure><p>&nbsp;</p><h2>Fanta Rosario como el futuro de la música urbana puertorriqueña</h2><p>Con más de un millón de oyentes mensuales en Spotify, colaboraciones cada vez más importantes y una identidad artística que se distingue desde el primer vistazo, Fanta Rosario aparece como uno de los nombres llamados a protagonizar el futuro de la música urbana puertorriqueña, confirmando que la isla continúa siendo una fábrica inagotable de nuevos talentos.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/la-marca-de-gorras-que-eligieron-duki-little-boogie-y-el-kun-agueero/1000279</p>

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¿Quién es Fanta Rosario, una de las nuevas joyas de la música urbana de Puerto Rico?

<p>Óscar Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más reconocidos de Latinoamérica gracias a un estilo completamente fuera de lo convencional: crear murales utilizando tapitas de botellas recicladas.</p><h2>Óscar Olivares, el venezolano que transformó el reciclaje en arte</h2><p>Dentro de la escena del arte urbano latinoamericano existen artistas que, con el paso del tiempo, terminan especializándose en un tipo de obra capaz de marcar su estilo y distinguirlos del resto. Desde Mode Orozco, el muralista mexicano que inmortaliza a ídolos del deporte latinoamericano, pasando por Luis Morales, el artista peruano vinculado a la cultura pop y la figura del león, hasta decenas de casos más repartidos a lo largo y ancho del continente que han logrado adueñarse de un estilo y convertirlo en propio, distinguiéndose y marcando tendencia por sobre el resto.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d01d8d64e8.png" alt=""><figcaption>El arte de Óscar Olivares en acción (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Y en Venezuela existe un artista que logró marcar tendencia con una manera de crear arte completamente fuera de lo convencional, dejando de lado la pintura tradicional para transformar residuos plásticos en auténticas obras monumentales.</p><p>Ese es el caso de Óscar Olivares, el venezolano que conquistó el mundo a través de intervenciones creadas con tapitas de botellas recicladas.</p><p>Nacido en Caracas, Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más populares del territorio venezolano gracias a un estilo marcado por la creación de murales y obras utilizando tapas plásticas como principal herramienta artística. Con huella en más de veinte países, el venezolano realizó intervenciones en gran parte de Venezuela y también en destinos internacionales de la talla de Miami, Houston, Denver, Madrid, Santo Domingo y Kuala Lumpur, construyendo una propuesta artística que logró trascender fronteras gracias a la combinación entre muralismo y reciclaje.</p><p>Con un vínculo relacionado al arte desde la adolescencia —cuando con apenas 14 años comenzó a dibujar a figuras del fútbol venezolano—, el caraqueño fue construyendo una carrera que no solo lo posicionó como un emblema del arte urbano en Venezuela, sino también como uno de los máximos exponentes del muralismo ecológico a nivel continental. A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones locales e internacionales, recibió distintos reconocimientos y dejó murales tanto en Venezuela como en Estados Unidos, donde incluso cuenta con una obra en Hollywood considerada como el primer mural venezolano de la zona.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3d0a47cae.png" alt=""><figcaption>Óscar Olivares y la Gioconda latinoamericana, una de sus obras más reconocidas (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Con el correr de los años, el venezolano terminó ampliando un currículum artístico que hoy lo tiene convertido en uno de los grandes referentes internacionales del arte con material reciclado, llevando su sello basado en tapitas de botellas a distintos rincones del planeta y fusionando muralismo, conciencia ecológica y participación comunitaria en una misma obra.</p><h2>El olimpo artístico de Óscar Olivares</h2><p>Todo artista cuenta con una especie de Olimpo de obras seleccionadas, no solo por haber marcado un antes y un después dentro de su carrera, sino también por la relevancia, la magnitud y el impacto que alcanzaron dentro de su currículum artístico. Y, por supuesto, Óscar Olivares también posee dicha sección dentro de su repertorio creativo.</p><ul><li>L’Italia a casa nostra: mural realizado con más de 180.000 tapas de botellas recicladas en la Casa D’Italia de Maracaibo, Venezuela, inspirado en la arquitectura italiana del Coliseo y en esculturas emblemáticas como La Piedad y el David de Miguel Ángel.</li></ul><ul><li><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-nueva-gioconda-hecha-con-100-000-tapas-en-el-salvador/1796"><u>La Gioconda latinoamericana</u></a>: obra creada utilizando más de 100.000 tapas de plástico recicladas en el barrio de Zacamil, El Salvador, que representa a una mujer de rasgos latinos, cabello negro, vestido colorido, pendientes dorados y una mirada penetrante que remite a la icónica expresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.</li></ul><ul><li>Noche estrellada de Plástico: pieza artística realizada con 1.500 tapas recicladas y expuesta en el Carrousel du Louvre de París, reinterpretando la clásica obra de Vincent van Gogh desde una mirada ecológica y contemporánea.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ded3aa8e8.png" alt=""><figcaption>Noche estrellada de Plástico de Óscar Olivares (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Más allá de la magnitud visual de cada mural, el trabajo del venezolano logró convertir residuos cotidianos en obras capaces de recorrer el mundo y generar conciencia ambiental desde el arte urbano. Un sello artístico que terminó posicionando a Óscar Olivares como uno de los máximos referentes internacionales del muralismo ecológico contemporáneo.</p>

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El artista que transforma tapitas de botellas en increíbles murales

<p>Hablar de Eva Bracamontes es hablar de una artista que encontró en el espacio público mucho más que un soporte para pintar. A través de murales de gran formato, la mexicana construyó una identidad visual que combina color, ilustración y un fuerte compromiso con distintas problemáticas sociales.</p><p>Con una trayectoria internacional que supera la última década, la ilustradora y diseñadora llevó sus obras a diferentes países de América y Europa, consolidándose como una de las referentes del muralismo contemporáneo latinoamericano gracias a un lenguaje gráfico que une sensibilidad artística y conciencia social.</p><h2>¿Quién es Eva Bracamontes, la artista urbana mexicana que transforma los muros en espacios de reflexión social?</h2><p>El arte urbano mexicano reúne a una nueva generación de artistas que encontró en los muros un espacio para desarrollar lenguajes visuales propios. Mientras algunos construyen su identidad a partir de la cultura popular o el mundo del deporte, otros decidieron convertir cada intervención en una oportunidad para abrir el diálogo sobre distintas problemáticas sociales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5f9e1b4018.png" alt=""><figcaption>El mural “Todos los Derechos, Todas las Personas” de la artista urbana Eva Bracamontes (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese grupo aparece Eva Bracamontes, una artista que logró transformar el muralismo en una herramienta de reflexión y visibilización. A través de un lenguaje cargado de color y simbolismo, sus obras recorrieron distintos países de América y Europa, consolidando una trayectoria que hoy la ubica entre las muralistas mexicanas con mayor proyección internacional.</p><p>Eva Bracamontes es una artista urbana, ilustradora y diseñadora mexicana cuya obra se caracteriza por abordar temáticas vinculadas a los derechos humanos, la migración, el desplazamiento forzado y la violencia contra mujeres, niñas y niños.</p><p>Su vínculo con el arte comenzó mucho antes de dedicarse profesionalmente al muralismo. Hija de Alicia y Joel, ambos arqueólogos, creció rodeada de referencias culturales que terminaron marcando buena parte de su imaginario visual y que hoy continúan presentes en sus composiciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5ddc316804.png" alt=""><figcaption>Obra de Eva Bracamontes para Somos México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Antes de comenzar a intervenir espacios públicos, Bracamontes cursó la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde se especializó en ilustración, disciplina que continúa siendo una de sus grandes pasiones. Fue justamente durante el período entre la licenciatura y la maestría cuando empezó a experimentar con el arte urbano, un camino que comenzó como un pasatiempo hace ya más de diez años y que, con el paso de los años, se transformó en su principal forma de expresión.</p><h2>Murales que cruzaron fronteras: la huella artística de Eva Bracamontes</h2><p>Con el paso de los años, Eva Bracamontes llevó su obra mucho más allá de México y participó en festivales, encuentros e intervenciones de arte urbano en distintos países, consolidando una presencia internacional.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-artista-que-crea-murales-que-aparecen-y-desaparecen-con-el-agua/1988"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Actualmente cuenta con murales realizados en:</p><ul><li>Canadá</li></ul><ul><li>Estados Unidos</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>Ecuador</li></ul><ul><li>Venezuela</li></ul><ul><li>Perú</li></ul><ul><li>Argentina</li></ul><ul><li>Francia</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_618f244d33.png" alt=""><figcaption>El homenaje de Eva Bracamontes al boxeador mexicano Juan Manuel Márquez en las calles de Ciudad de México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Dentro de México, su trabajo también puede encontrarse en diferentes ciudades, entre ellas:</p><ul><li>Ciudad de México</li></ul><ul><li>Guadalajara</li></ul><ul><li>Querétaro</li></ul><ul><li>Oaxaca</li></ul><p>Este recorrido refleja no solo el crecimiento de su carrera, sino también el interés de distintas organizaciones e instituciones por una propuesta artística capaz de conectar con públicos diversos sin perder su identidad.</p><h2>El arte como herramienta para hablar de derechos humanos</h2><p>Uno de los aspectos que distingue la producción de Eva Bracamontes es el compromiso social presente en buena parte de sus murales.</p><p>A lo largo de su carrera desarrolló proyectos junto a organizaciones como Save the Children y colaboró con organismos vinculados a Naciones Unidas dedicados a la defensa de los derechos humanos, llevando su lenguaje artístico a iniciativas que buscan generar conciencia sobre distintas problemáticas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b84ad4372.png" alt=""><figcaption>Mural de Eva Bracamontes realizado en el marco de la conmemoración de la lucha por la igualdad de derechos para las mujeres y la recuperación de espacios culturales e históricos (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><ul><li>La migración</li></ul><ul><li>El desplazamiento forzado</li></ul><ul><li>La violencia contra las mujeres</li></ul><ul><li>La protección de niñas y niños</li></ul><ul><li>La defensa de los derechos humanos</li></ul><p>Más que ilustrar estas realidades, sus murales buscan generar conversación y construir espacios donde el arte funcione como un puente entre las personas y las historias que muchas veces permanecen invisibilizadas.</p><h2>Una identidad visual que combina color, ilustración y fuerza femenina</h2><p>La obra de Eva Bracamontes se distingue por una identidad visual fácilmente reconocible. Sus murales suelen estar protagonizados por figuras femeninas de formas voluptuosas, composiciones dinámicas y una paleta cromática intensa que convierte cada intervención en un punto de encuentro para quienes recorren la ciudad.</p><p>A ese universo visual se suman influencias de la ilustración contemporánea y distintos guiños a la gráfica pop, elementos que aportan dinamismo sin perder el carácter reflexivo de cada pieza. El resultado es un lenguaje artístico que consigue equilibrar belleza estética, identidad latinoamericana y contenido social.</p>

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Eva Bracamontes, la muralista mexicana que transforma el arte en reflexión

<p>Seguramente te cruzaste en TikTok, Instagram o YouTube con un artista que parecía hacer aparecer ilustraciones por arte de magia cada vez que tocaba un lienzo. Detrás de esos videos virales está Matt Chessco, el creador de origen canadiense que transformó el proceso creativo de sus intervenciones en un fenómeno digital.</p><h2>Cuando una pincelada se convierte en espectáculo: la fórmula de Matt Chessco</h2><p>Si bien el espacio público continúa siendo el principal escenario de exposición para el arte urbano a nivel internacional —no solo por ser el lugar donde nació gran parte del movimiento, sino también porque sigue siendo el soporte elegido por miles de artistas alrededor del mundo—, las redes sociales se han convertido en una nueva vitrina capaz de llevar una obra a millones de personas en cuestión de horas.</p><p>Y alguien que entendió a la perfección esa transformación es el canadiense Matt Chessco.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DWoVucegJ7o/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DWoVucegJ7o/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Aunque no mantiene un vínculo directo con la escena latinoamericana, Chessco se consolidó como uno de los creadores de contenido artístico más populares del ecosistema digital a nivel internacional. Con más de cinco millones de seguidores en sus redes y miles de millones de reproducciones acumuladas, el artista logró trabajar para compañías de alcance global como Microsoft, Disney, Google, Netflix, Fortnite, BMW, Samsung y Sony, además de llevar sus obras a las colecciones personales de celebridades como Post Malone y Bella Poarch.</p><p>Sin embargo, más allá de su talento como ilustrador, existe un elemento que lo distingue del resto de los artistas digitales, y es que Matt Chessco convirtió el propio proceso creativo en parte de la obra.</p><p>A través de videos grabados sobre lienzos y bastidores, el canadiense desarrolló un estilo visual donde cada golpe, toque o movimiento sobre la superficie parece activar una nueva capa de pintura. Gracias a una cuidada edición, el espectador ve cómo la ilustración se construye de manera progresiva, casi como si apareciera por arte de magia frente a sus ojos. Un recurso simple, pero extremadamente efectivo, que terminó convirtiéndose en una de sus principales señas de identidad dentro de plataformas como TikTok, Instagram y YouTube.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXzBEdagJZ1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXzBEdagJZ1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Nacido en Toronto y criado en Montreal, Chessco trabajó durante años como diseñador industrial e ingeniero mecánico antes de abandonar su carrera profesional para perseguir el sueño de convertirse en artista a tiempo completo. Una decisión que terminó cambiando su vida y que hoy se refleja en millones de seguidores, colaboraciones con algunas de las marcas más importantes del mundo y una huella cada vez más fuerte dentro del arte digital contemporáneo.</p>

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El artista que convierte cada pincelada en un truco de magia digital

<p>Con sede en Venecia y una trayectoria que lo posicionó entre los grandes certámenes del arte contemporáneo, el Arte Laguna Prize abrió la convocatoria para su vigésimo primera edición, y desde Street Art Latam repasamos cómo inscribirse, cuáles son los requisitos y qué premios ofrece el concurso.</p><h2>¿Qué es el Arte Laguna Prize?</h2><p>El universo del arte contemporáneo internacional ya puso en marcha una nueva edición de uno de sus concursos más importantes. Se trata del Arte Laguna Prize, el certamen con sede en Venecia que se prepara para celebrar su vigésima primera edición y que, año tras año, reúne a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades en busca de impulsar sus carreras a nivel global.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e38957ceaf.png" alt=""><figcaption>Exposición en Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Nacido del deseo de la Asociación MoCA de valorar el arte en todas sus formas y con la misión de impulsar artistas internacionales, el premio se consolidó como uno de los principales certámenes de arte contemporáneo del mundo. Cada edición, un jurado integrado por especialistas selecciona a los finalistas y ganadores, cuyas obras se exhiben durante un mes en el emblemático Arsenale Nord de Venecia.</p><p>La convocatoria está abierta a disciplinas como pintura, escultura, instalación, fotografía, videoarte, performance, arte digital, land art, arte urbano, street art y diseño, entre muchas otras, manteniendo una característica que la distingue desde sus inicios: la libertad temática y la diversidad artística como eje central del proyecto.</p><p>Y este año no será la excepción. El Arte Laguna Prize abrió oficialmente su convocatoria para artistas que deseen exhibir sus trabajos en el histórico espacio veneciano, cuya muestra colectiva tendrá lugar del viernes 6 al domingo 29 de noviembre, reuniendo a creadores emergentes y consolidados de distintas partes del planeta.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9119ff13b8.png" alt=""><figcaption>Los rincones artísticos de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Y tranquilo: Street Art Latam te cuenta cómo participar, cuáles son los premios y todo lo que necesitás saber para intentar exhibir tu obra en Venecia.</p><h2>¿Cómo participar del Arte Laguna Prize 2026?</h2><p>Participar del Arte Laguna Prize es un proceso completamente digital y abierto a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades. Para hacerlo, los interesados deben ingresar a la plataforma oficial del certamen, crear un perfil personal y completar el <a href="https://artelagunaprize.com/21-edition/"><u>formulario de inscripción</u></a> antes del martes 30 de junio, fecha límite de la convocatoria.</p><p>El proceso de aplicación solicita información personal y artística del postulante, incluyendo una breve biografía, antecedentes profesionales y material vinculado a su producción. Además, los artistas deberán presentar parte de su portfolio con imágenes, videos y descripciones de las obras que desean postular.</p><p>Una vez completada la inscripción y enviada la documentación requerida, las postulaciones serán evaluadas por el jurado internacional del certamen, encargado de seleccionar a los finalistas que formarán parte de la exposición oficial en Venecia.</p><p>Para conocer todos los requisitos y completar la inscripción, los interesados pueden ingresar al <a href="https://artelagunaprize.com/"><u>sitio oficial del Arte Laguna Prize</u></a>.</p><h2>¿Cuáles son los premios del Arte Laguna Prize?</h2><p>Más allá del reconocimiento internacional y la posibilidad de exhibir en Venecia, el Arte Laguna Prize cuenta con un amplio programa de premios y oportunidades profesionales que buscan impulsar la carrera de los artistas participantes.</p><p>El certamen divide sus beneficios en cinco grandes categorías:</p><ul><li>Premios institucionales.</li></ul><ul><li>Residencias artísticas</li></ul><ul><li>Programas Business for Art.</li></ul><ul><li>Exposiciones internacionales.</li></ul><ul><li>Iniciativas vinculadas a sostenibilidad y solidaridad.</li></ul><p>Entre los reconocimientos más destacados, aparece el Premio Institucional de $10.000 euros, otorgado por MoCA y Arte Laguna Prize al ganador absoluto de la competencia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2981e5b89f.png" alt=""><figcaption>El arte como protagonista en cada edición de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Además, los artistas seleccionados podrán acceder a residencias y experiencias internacionales en distintos puntos del planeta. Pero para Latinoamérica, sobresalen dos oportunidades especiales:</p><ul><li>Dos semanas de residencia artística en el Estudio Rambar, en Guanacaste, Costa Rica.</li></ul><ul><li>Un mes de estancia artística en la Universidad Ricardo Palma, en Lima, Perú.</li></ul><p>La convocatoria también incluye residencias en Italia, Australia, Bélgica y China, además de exposiciones en galerías y espacios culturales de ciudades como Bucarest y Génova, fortaleciendo uno de los principales objetivos del proyecto: conectar a artistas emergentes con el circuito internacional del arte contemporáneo.</p>

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