<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Santiago de Chile será la sede de la&nbsp;<strong>cuarta edición</strong> de&nbsp;<strong>Ruidosa Fest</strong> los días&nbsp;<strong>11 y 12 de octubre</strong> en el&nbsp;<strong>Parque O’Higgins</strong>. Este festival es un faro para la&nbsp;<strong>visibilización de mujeres y disidencias</strong> en la industria musical. Este año promete ser la versión más&nbsp;<strong>ambiciosa e inclusiva</strong> hasta la fecha, con múltiples artistas destacadas y un espacio de&nbsp;<strong>activismo y celebración</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Un line-up estelar</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El cartel de Ruidosa Fest 2025 presenta un&nbsp;<strong>ensamble diverso</strong> de talento, encabezado por la icónica&nbsp;<strong>Myriam Hernández</strong>, cuya reciente presentación en el Estadio Nacional la posiciona como una de las figuras más importantes de la música chilena. Junto a ella, la rapera puertorriqueña&nbsp;<strong>Villano Antillano</strong> y la argentina&nbsp;<strong>Ms. Nina</strong> prometen incendiar el escenario con su&nbsp;<strong>fuerza y estilo</strong>.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La&nbsp;<strong>escena nacional</strong> tendrá una fuerte representación con artistas de la talla de&nbsp;<strong>Francisca Valenzuela</strong> (fundadora del festival),&nbsp;<strong>Javiera Mena</strong>,&nbsp;<strong>CAMI</strong>,&nbsp;<strong>Princesa Alba</strong>,&nbsp;<strong>Nicole</strong>,&nbsp;<strong>Akriilla</strong>,&nbsp;<strong>Paula Rivas</strong>,&nbsp;<strong>Supernova</strong>,&nbsp;<strong>Daniela Millaleo</strong>,&nbsp;<strong>Masquemusica</strong>,&nbsp;<strong>Chini.png</strong>,&nbsp;<strong>Fran Maira</strong>,&nbsp;<strong>Karla Grunewaldt</strong>,&nbsp;<strong>Nekki</strong>,&nbsp;<strong>Javiera Electra</strong>,&nbsp;<strong>Entremares</strong>,&nbsp;<strong>Laia</strong> y&nbsp;<strong>Las Bordonas de Oro</strong>, entre otras. El humor también se hará presente con las comediantes nacionales&nbsp;<strong>Paloma Salas</strong> y&nbsp;<strong>Pamela Leiva</strong>, y una&nbsp;<strong>sorpresa internacional</strong> se anunciará próximamente para completar la grilla.</span></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Ruidosa_Fest_Chile_line_up_1_6a820fa0d6.jpg"></figure><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><sup>La grilla completa que estará presente en el Ruidosa Fest.</sup></span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Entradas&nbsp;</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La&nbsp;<strong>venta general</strong> se activó el&nbsp;<strong>18 de julio</strong> a través de&nbsp;<strong>Punto Ticket</strong>. Para ambos días parte en $55.000 en la Etapa 1, con un cargo por servicio de $8.250, sumando un total de $63.250. En Etapa 2 sube a $72.000 (total $82.800) y en Etapa 3 alcanza los $85.000 (total $97.750). Quienes compren con&nbsp;<strong>BancoEstado</strong> acceden a un 20% de descuento, pagando desde $52.250 en Etapa 1. También se puede optar por entradas&nbsp;<strong>por día</strong>, que van desde los $36.800 en Etapa 1 hasta $57.500 en Etapa 3, con descuentos disponibles tanto para BancoEstado como para usuarios&nbsp;<strong>WOM</strong>, quienes pagan desde $30.400.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Una plataforma para el cambio</strong></span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Ruidosa Fest</strong> es una&nbsp;<strong>plataforma integral</strong> de&nbsp;<strong>discusión y activismo feminista</strong>. Desde su fundación en 2016 por la artista chilena&nbsp;<strong>Francisca Valenzuela</strong>, el festival trabajó incansablemente para&nbsp;<strong>derribar barreras</strong> y&nbsp;<strong>amplificar voces</strong>.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El evento contará con&nbsp;<strong>paneles de conversación inspiradores</strong>,&nbsp;<strong>exhibiciones artísticas</strong> y una<strong> feria</strong> de organizaciones y emprendedoras que destacarán el&nbsp;<strong>talento femenino</strong> en diversas áreas.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La colaboración con la productora&nbsp;<strong>Bizarro</strong> asegura una experiencia más&nbsp;<strong>grande y ambiciosa</strong>, que invita a toda la comunidad a ser parte de este&nbsp;<strong>espacio de encuentro, visibilización y transformación cultural</strong>. Además, mantiene un firme&nbsp;<strong>compromiso con iniciativas sociales</strong> enfocadas en la&nbsp;<strong>violencia de género</strong>, los&nbsp;<strong>derechos reproductivos</strong> y la&nbsp;<strong>equidad en la música</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/0G1PS2nEAxE" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><sup>Ruidosa: Mujeres que hacen ruido.</sup></span></p>

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Noticias

La revolución femenina llega a Santiago con la Ruidosa Fest 2025

<p>El streaming argentino y latinoamericano se prepara para salir de la pantalla y encontrarse cara a cara con su comunidad con Generación, el festival que reunirá durante tres días a más de 75 figuras con shows, experiencias y contenido en vivo.</p><h2>Generación, el festival que llevará el streaming fuera de la pantalla</h2><p>Históricamente, la comunidad de creadores de contenido y streamers tuvo distintos puntos de encuentro en Argentina, desde eventos como Club Media Fest hasta propuestas como Argentina Game Show, donde algunos de los principales exponentes de las redes sociales se reunieron frente a sus comunidades.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3918400400.png" alt=""><figcaption>Alejo Igoa durante su show en el Movistar Arena de Buenos Aires (Instagram/Alejo Igoa).</figcaption></figure><p>Después de varios años, Buenos Aires volverá a ser escenario de un evento de estas características con Generación, el festival que reunirá durante tres días a streamers, creadores de contenido y artistas en BA Ferial, el predio anteriormente conocido como Costa Salguero, bajo una propuesta que busca llevar el universo digital al mundo físico, con shows, experiencias y contenidos exclusivos en vivo.</p><p>Con un formato que propone distintas maneras de vivir el festival, cada asistente podrá elegir qué creador ver, cuándo hacerlo y cómo disfrutar la experiencia, desde presentaciones individuales hasta el acceso a escenarios y jornadas completas: una especie de “Lollapalooza de streamers” con más de 45 shows y 75 creadores distribuidos durante tres jornadas.</p><p>Generación se llevará a cabo del viernes 11 al domingo 13 de diciembre y contará con la presencia de algunas de las principales figuras argentinas del streaming, como Spreen, Coscu, Ian Lucas y Goncho, además de referentes españoles como TheGrefg, Jordi Wild y Rubius, quien volverá a Argentina después de varios años.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_29f33fd276.png" alt=""><figcaption>Coker sacándose fotos con fanáticos (Argentina Game Show).</figcaption></figure><p>La programación también tendrá espacio para artistas musicales y nuevos nombres de la escena digital, con figuras como Lit Killah, Marcos Giles y Melian, entre otros.</p><h2>Los tres escenarios de Generación: qué streamers estarán en cada uno</h2><p>La propuesta de Generación estará dividida en tres escenarios, cada uno con una programación diferente y una selección de streamers, creadores y artistas.</p><ul><li>Stage Play: Alejo Igoa, Robleis, Ian Lucas, Jordi Wild, Rubius, Spreen, TheGrefg y más.</li></ul><ul><li>Stage Click: Coscu, Momo, Nilo Ojeda, Top Globales, Spreen, HiClavero, Angie Velasco, Yolo Aventuras, Lit Killah y más.</li></ul><ul><li>Stage Trend: La Gula, Mica Suárez, Kevsho, Marti Benza, Ferne con Grego, La Gambeta y más.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La distribución permitirá que cada asistente pueda armar su propia experiencia dentro del festival, eligiendo qué escenario recorrer y qué creadores quiere ver en vivo, más allá de los horarios que todavía no fueron anunciados.</p><h2>Toda la información que tenés que saber sobre Generación</h2><p>Generación se llevará a cabo del 11 al 13 de diciembre en BA Ferial, con una programación que abarcará distintas áreas vinculadas al entretenimiento digital, como streaming, gaming, comedia, lifestyle, fútbol digital y creator economy, entre otras.</p><p>https://www.streetartlatam.com/agenda/evento/generacion-festival-de-streamers-en-buenos-aires</p><p>Para todos aquellos que quieran vivir en primera persona la experiencia de Generación, podrán adquirir sus entradas a través de la página oficial del festival, con cuatro modalidades diferentes según el tipo de acceso que busquen:</p><ul><li>Show Pass: acceso a un show en particular, desde $33.000.</li></ul><ul><li>Stage Pass: acceso a un escenario completo, desde $112.500.</li></ul><ul><li>Day Pass: acceso durante una jornada completa, desde $202.500.</li></ul><ul><li>Festival Pass: acceso a los tres días del festival, desde $350.000.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El festival contará con tres escenarios —Trend, Click y Play— y diferentes zonas de activaciones, donde los asistentes podrán encontrar setups, torneos, espacios de free play y un paseo gastronómico, además de otras experiencias pensadas para llevar el universo de los creadores fuera de la pantalla.</p>

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Así será Generación, el festival que reunirá a los streamers más importantes en Buenos Aires

<p>Desde su primera edición en Bogotá hasta su desembarco internacional en Quito, Cuestión de Carácter Fest construyó una historia marcada por artistas, personajes y muros colectivos.</p><h2>¿Qué es Cuestión de Carácter Fest, el festival que convirtió los caracteres en protagonistas?</h2><p>Cuestión de Carácter Fest se convirtió no solo en uno de los festivales de arte urbano más importantes de Bogotá, ciudad donde nació, sino también en una propuesta que dejó su huella a lo largo y ancho de Colombia y en distintos puntos de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e4188f9f7d.png" alt=""><figcaption>Los primeros trazos de Cuestión de Carácter Fest (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><p>Liderado por los artistas colombianos Lady Rayo y Franco, el festival reúne a cientos de creadores nacionales e internacionales bajo una misma premisa: levantar un muro colectivo repleto de los caracteres más representativos de la región. De esta manera, se consolidó como uno de los encuentros artísticos más destacados del calendario urbano de Bogotá.</p><h2>La historia de Cuestión de Carácter Fest, edición por edición</h2><h3>El comienzo en Bogotá</h3><p>La historia de Cuestión de Carácter Fest comenzó en diciembre del año 2022, cuando su primera edición llegó al centro de Bogotá. Artistas locales, colaboradores e invitados internacionales intervinieron una obra sobre una culata compuesta por una colección de caracteres icónicos a todo color y una pared paralela con los mismos personajes bajo una temática en blanco y negro. Ambas intervenciones se convirtieron en un espacio referente de la ciudad y marcaron el nacimiento del festival.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>Más de 250 artistas en el Parque de los Novios</h3><p>Tres años después, Cuestión de Carácter Fest tuvo su segunda edición en el Parque de los Novios. La jornada reunió a más de 250 muralistas, ilustradores y creadores provenientes de distintos puntos de la región, quienes dejaron su huella en la ciudad a través de una nueva construcción colectiva de personajes y estilos.</p><h3>Fiesta de Personajes: una celebración en tres momentos</h3><p>Entre las producciones especiales del festival apareció “Fiesta de Personajes”, una propuesta dividida en tres momentos: fiesta, concierto y after party. La intervención se construyó alrededor del concepto del llamado del muro, con espacios libres en los que cada personaje podía acomodarse a la situación que eligiera, jugando con la identidad de los caracteres y el contexto en el que eran representados.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2d8e2e5427.png" alt=""><figcaption>Muro de Bogotá repleto de caracteres (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><h3>La Última Farra: una reinterpretación de La Última Cena</h3><p>Otra de las producciones especiales fue La Última Farra, una reinterpretación de “La Última Cena” llevada al contexto actual. En esta versión, la mesa se convirtió en el escenario central y estuvo acompañada por objetos y elementos cotidianos que ayudaron a construir una representación cargada de identidad y complicidad.</p><h3>Cuestión de Carácter llegó a Barranquilla</h3><p>La quinta edición, celebrada en mayo de 2026, marcó un nuevo capítulo para el festival al salir de Bogotá y aterrizar en Barranquilla. La jornada reunió a grafiteros, ilustradores y creadores de personajes de Barranquilla, Cartagena, Santa Marta y distintos puntos de la costa, mientras que los caracteres plasmados en el muro incorporaron elementos propios de la escena caribeña, como palmeras, tiburones y gafas oscuras.</p><h3>El festival cruzó las fronteras de Colombia y aterrizó en Quito</h3><p>En junio de 2026, Cuestión de Carácter Fest dio uno de sus pasos más importantes al realizar su primera edición internacional en Quito, Ecuador. El desembarco significó un desafío para el festival al salir de su zona de confort y trasladar su concepto a un nuevo territorio, donde más de 50 artistas invitados llevaron la idea del muro lleno de caracteres a la capital ecuatoriana. Además de la intervención colectiva, la propuesta contó con una exposición de serigrafías y lienzos, batalla de caracteres y jornadas de estampado, entre otras actividades.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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De Bogotá a Latinoamérica: la historia de Cuestión de Carácter Fest

Los argentinos Augusto Servello y Andrea Nigosanti mordiendo su medalla de los Juegos Suramericanos (1).avif

Juegos Suramericanos Santa Fe 2026: medallas, resultados y protagonistas del deporte urbano

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Nekroos tuvo revancha y se consagró campeón de la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú

<p>La presencia femenina dentro del rap mexicano continúa creciendo, pero algunas artistas llevan décadas construyendo ese camino, y una de ellas es Ximbo, pionera y referente de la escena nacional.</p><h2>Ximbo, una pionera del rap mexicano</h2><p>El rap se consolidó como uno de los movimientos culturales y musicales más importantes de México, con figuras como C-Kan, Aczino y Neto Peña como algunos de los nombres que ayudaron a construir su identidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14fbf8dfd1.png" alt=""><figcaption>La figura de Ximbo a través de los fanáticos (Instagram Ximbo).</figcaption></figure><p>Sin embargo, la historia de la escena también tiene una importante presencia femenina, y Jimena de Santiago, mejor conocida como Ximbo, ocupa un lugar fundamental dentro de ella.</p><p>Con más de tres décadas de trayectoria, la mexicana se convirtió en una de las pioneras del rap nacional y en una figura que logró mantenerse vigente a través de diferentes generaciones de la cultura hip hop.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/3A-uX9qXZGY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Su propuesta se caracterizó por una mirada marcada por la conciencia social, sus posturas sobre distintos aspectos de la vida y una identidad vinculada al feminismo, elementos que terminaron convirtiéndola en una de las voces femeninas más reconocidas del movimiento.</p><h2>Ximbo y sus primeros pasos dentro de la cultura hip hop</h2><p>Durante los años 80, “<em>Rapper&#x27;s Delight</em>” fue una de las primeras canciones que acercó a Ximbo al universo del rap. La canción, incluso, tuvo una versión conocida en México como “<em>El Cotorreo</em>”, realizada por el comediante Memo Ríos y que terminó de impulsar ese primer vínculo de la mexicana con la cultura del hip hop.</p><p>En la preparatoria comenzó a escribir y lanzar sus primeras rimas en solitario. Años más tarde se vinculó con Malik y posteriormente formó Magisterio, grupo que se convirtió en uno de los proyectos destacados de la escena de la capital mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/7tQK6J7IFac" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>A partir de allí, Ximbo comenzó a transitar por diferentes escenarios y colectivos, consolidando una trayectoria que la llevó a convertirse en una referente del rap nacional y en una de las mujeres que abrió camino dentro de una escena que todavía estaba en pleno crecimiento.</p><h2>Feminismo, identidad y cultura: el legado de Ximbo</h2><p>A lo largo de sus más de tres décadas de carrera, Ximbo construyó una identidad artística que trascendió las rimas. Su trabajo estuvo marcado por dos grandes ejes: el feminismo y la visibilización de las culturas y lenguas originarias dentro del hip hop.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_caa8b8ee5a.png" alt=""><figcaption>Ximbo rapeando sobre el escenario (Instagram(Ximbo).</figcaption></figure><p>A través de sus letras, su participación en festivales y su recorrido por diferentes espacios de la escena, la mexicana utilizó el rap como una herramienta para expresar sus ideas y darles lugar a temáticas que históricamente tuvieron menor presencia dentro del movimiento.</p><p>Su trayectoria también la convirtió en una inspiración para las nuevas generaciones de mujeres que encontraron en el rap un espacio de expresión. Por eso, hablar de la historia del rap mexicano y de la presencia femenina dentro de la cultura hip hop implica necesariamente mencionar el nombre de Ximbo.</p>

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Ximbo, la mujer que hizo historia en el rap mexicano

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Si sos rapero, grafitero, beatmaker, artista visual o tenés una marca de ropa, probablemente Buena Cepa tenga un lugar para vos. El festival creado por Desko y Jali busca convertirse en una plataforma para quienes desean mostrar su arte.</p><h2>Buena Cepa, un punto de encuentro para la cultura urbana</h2><p>Buenos Aires tiene espacios para todo tipo de expresiones dentro de la cultura urbana: desde lugares dedicados exclusivamente al graffiti hasta escenarios donde el freestyle y el rap encuentran su lugar.</p><p>Sin embargo, existe un rincón en la capital argentina donde todas estas propuestas conviven en una misma experiencia, pensada por y para artistas emergentes.</p><p>Buena Cepa es un festival ideado por Desko y Jali, dos artistas emergentes de Buenos Aires que decidieron crear un espacio pensado especialmente para quienes están dando sus primeros pasos dentro de la cultura urbana. La propuesta funciona como un punto de encuentro para MCs, grafiteros, beatmakers, dibujantes y marcas de ropa que buscan mostrar su trabajo y conectar con el público.</p><p>Con múltiples ediciones realizadas, el evento fue consolidando una identidad propia y ampliando su propuesta con open mics, shows, espacios para dibujo, graffiti y stands de emprendimientos, además de otras expresiones vinculadas a la cultura urbana.</p><p>Una propuesta de nicho que pone el foco en darle visibilidad a quienes todavía están construyendo su camino.</p><h2>Buena Cepa prepara su cuarta fecha en Buenos Aires</h2><p>Si sos rapero, DJ, artista visual o tenés una marca de ropa y estás buscando un espacio para mostrarte, Buena Cepa prepara una nueva oportunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El próximo sábado 5 de septiembre, el festival tendrá su cuarta fecha en Tabaco Bar, ubicado en Estados Unidos 265, San Telmo. Las entradas para la cuarta fecha de Buena Cepa se pueden conseguir a través del portal Central Ticket, con precios que parten desde los $10.000 argentinos.</p><p>La jornada contará con raperos invitados, exposiciones de artistas visuales, DJ sets y open mics, en una nueva edición pensada para reunir a distintos exponentes de la escena emergente.</p>

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El espacio donde el rap, el graffiti y el streetwear se encuentran: así es Buena Cepa

<p>El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.</p><h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2><p>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure><p>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.</p><p>Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.</p><h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2><p>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.</p><p>Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.</p><ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.</p><h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2><p>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.</p><p>Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.</p><h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2><p>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure><p>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.</p><p>Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.</p><p>El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.</p><p>En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.</p>

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¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

<p>Tras más de dos semanas de competencia, los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo llegaron a su fin y el deporte urbano fue uno de los protagonistas del certamen, con el básquet 3x3, el skateboarding y los eSports como grandes representantes.</p><h2>República Dominicana festejó en casa y se quedó con el oro del básquet 3x3</h2><p>La medalla de oro del básquet 3x3 masculino de los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo se quedó en República Dominicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c9f09fbf33.png" alt=""><figcaption>Básquet 3x3 en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><p>El seleccionado local derrotó 18-16 a Puerto Rico en la definición disputada en el Malecón Deportivo y se consagró campeón ante su público de la mano de Rayner Moquete, quien aportó ocho puntos y terminó como máximo anotador de la final.</p><p>El combinado dominicano construyó su camino al título desde la fase de grupos, donde superó a San Cristóbal y Nieves y Jamaica, antes de avanzar en las rondas eliminatorias.</p><p>En cuartos de final, República Dominicana dejó en el camino a Haití, mientras que en semifinales se impuso ante Guatemala para meterse en la definición por el oro. En el partido decisivo, volvió a mostrar su fortaleza y derrotó a Puerto Rico para quedarse con el primer lugar.</p><p>El podio lo completó Guatemala, que venció 21-12 a México en el partido por el bronce. De esta manera, República Dominicana, Puerto Rico y Guatemala fueron los tres seleccionados que terminaron arriba.</p><h2>Puerto Rico y Colombia dominaron el skateboarding en Santo Domingo</h2><p>El skateboarding tuvo al street femenino y masculino como protagonistas en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo y repartió medallas entre Puerto Rico, México, Venezuela y Colombia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_66741c10f5.png" alt=""><figcaption>Skateboarding en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><p>En la rama femenina, Esmeralda Butler (150,76) se quedó con la medalla de oro. La puertorriqueña fue escoltada por la mexicana Geraldine Sánchez (90,62), mientras que la venezolana María Arias (80,08) completó el podio.</p><p>En la competencia masculina, el oro quedó en manos del colombiano Jhancarlos González (176,64), uno de los grandes nombres del continente en la disciplina. El puertorriqueño Gabriel Lavallee (140,22) consiguió la medalla de plata, mientras que el mexicano Brayan Coria (139,08) cerró el podio.</p><h2>MenaRD, Colombia y Panamá: los campeones de los eSports en Santo Domingo</h2><p>Los deportes electrónicos hicieron su debut histórico como disciplina oficial en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo y tuvieron competencia en tres videojuegos: eFootball, League of Legends y Street Fighter 6.</p><ul><li>eFootball: el oro fue para el panameño Jhonnatan David Mora Moreno.</li><li>League of Legends: Colombia se quedó con el primer puesto.</li><li>Street Fighter 6: el oro fue para el dominicano Saúl Leonardo Mena Segundo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_914fa89c62.png" alt=""><figcaption>El dominicano Saúl Leonardo Mena Segundo, dueño de la medalla de oro en Street Fighter 6, festejando (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><h2>México, Colombia y Cuba: los tres mejores del medallero</h2><p>México fue el gran dominador de los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo. La delegación cerró la competencia en el primer puesto del medallero con 167 medallas de oro y 407 preseas en total, producto de 125 platas y 115 bronces.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db1skCxN8yo/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db1skCxN8yo/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Colombia terminó en el segundo lugar con 91 medallas doradas y 266 preseas totales, mientras que Cuba completó el podio con 51 oros y 155 medallas.</p><p>Por su parte, República Dominicana, anfitrión de la competencia, finalizó en el quinto lugar con 46 medallas de oro y 150 preseas en total.</p>

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Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo: conocé los ganadores del deporte urbano

<p>El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.</p><h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2><p>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.</p><p>La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.</p><p>Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul><p>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.</p><h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2><p>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.</p><p>En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.</p><p>El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.</p><h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2><p>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.</p><p>La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.</p><p>Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.</p><p>La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.</p>

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Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

<p>Dentro del streetwear latinoamericano hay nombres que encontraron su lugar lejos de las pasarelas tradicionales, y uno de ellos es Kiko Báez, el creativo mexicano que transformó sus chaquetas personalizadas en piezas elegidas por algunas de las mayores estrellas de la música y el deporte.</p><h2>Kiko Báez, el diseñador mexicano que llevó sus chaquetas a los mayores escenarios de la música latina</h2><p>Dentro del mundo de la moda conviven creativos de todos los estilos: desde quienes impulsan la moda sustentable hasta aquellos que encuentran en la alta costura, el cuero o la sastrería su principal sello de identidad. Y es en México donde aparece uno de los nombres que logró construir una huella propia dentro del streetwear latinoamericano: Kiko Báez.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c344da2762.png" alt=""><figcaption>Kiko Báez en el Street Fever (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><p>Oriundo de Tijuana, Baja California, y director creativo de la firma familiar Exclusivos Báez, el diseñador mexicano se convirtió en uno de los grandes referentes de la moda urbana gracias a sus piezas completamente personalizadas.</p><p>A través de un trabajo centrado principalmente en la creación de chaquetas confeccionadas a medida, el mexicano vistió figuras de la música regional mexicana como Christian Nodal, Natanael Cano, Eduin Caz o Banda MS, así como también a grandes exponentes de la música urbana latina como Maluma, Daddy Yankee, Wisin y Yandel, J Balvin, Karol G, Feid e incluso el rapero estadounidense Offset.</p><h2>El sello creativo que distingue a Kiko Báez: chaquetas personalizadas</h2><p>Con un sello basado en prendas uno de uno, diseñadas exclusivamente para cada cliente, Kiko Báez logró construir una identidad donde cada pieza busca representar la historia, la personalidad o un momento especial del artista.</p><p>Sus chaquetas suelen aparecer en conciertos, giras internacionales, videoclips, homenajes, aniversarios, entregas de premios y presentaciones de gran magnitud, convirtiéndose en parte del espectáculo tanto como la música.</p><ul><li>Canelo Álvarez</li></ul><ul><li>Maluma</li></ul><ul><li>Grupo Frontera</li></ul><ul><li>Cris MJ</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Omar Courtz</li></ul><ul><li>Wisin y Yandel</li></ul><ul><li>J Balvin</li></ul><ul><li>Karol G</li></ul><ul><li>Feid</li></ul><ul><li>Christian Nodal</li></ul><ul><li>Natanael Cano</li></ul><ul><li>Eduin Caz</li></ul><ul><li>Banda MS</li></ul><ul><li>Offset</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7a5be7e6e.png" alt=""><figcaption>Omar Courtz vistiendo una chaqueta personalizada por Kiko Báez durante uno de sus shows (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><h2>El diseño para Canelo Álvarez que cambió su carrera</h2><p>Uno de los momentos que marcó un antes y un después en su carrera llegó gracias al boxeador Saúl &quot;Canelo&quot; Álvarez. A través de un amigo en común, el diseñador consiguió entregarle una chaqueta confeccionada especialmente para celebrar la conquista del campeonato indiscutido del mexicano.</p><p>Aunque el boxeador ya tenía preparado el vestuario para la conferencia de prensa posterior al combate, que era un trabajo de la firma Dolce &amp; Gabbana, decidió cambiarse a último momento para lucir el diseño de Kiko Báez frente a los medios, una escena que impulsó definitivamente la carrera del creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424" data-video-id="7566507427361754424" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424?lang=es&amp;q=canelo%20alvarezz%20indesputed%20jacket&amp;t=1785352047884" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde entonces, sus piezas comenzaron a multiplicarse en algunos de los escenarios más importantes de la música latina. Entre ellas destacan la chaqueta utilizada por J Balvin durante la participación de Bad Bunny en México en el marco de “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour” y el diseño confeccionado para Natanael Cano durante su presentación en Coachella, uno de los festivales musicales más importantes del mundo.</p><p>Más allá de las celebridades que visten sus diseños, Kiko Báez representa el crecimiento del diseño mexicano dentro de la moda urbana contemporánea. Con piezas completamente personalizadas y un trabajo artesanal que prioriza la exclusividad, el creativo de Tijuana logró que sus chaquetas dejaran de ser una simple prenda para convertirse en una extensión de la identidad de algunos de los artistas más importantes del panorama latinoamericano.</p>

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El diseñador mexicano que conquistó los escenarios de J Balvin, Feid y Maluma

<p>Después de reinventar modelos como Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, Bad Bunny presentó junto a adidas una nueva versión de las icónicas F50, ahora adaptadas al universo lifestyle e inspiradas en la araña lobo, uno de los arácnidos más representativos de Puerto Rico.</p><h2>Bad Bunny lleva las históricas F50 del fútbol al universo lifestyle</h2><p>El vínculo entre adidas y Bad Bunny continúa escribiendo nuevos capítulos. Luego de reinterpretar algunas de las siluetas más emblemáticas de la marca alemana, como las Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, además de presentar las Bad Bo 1.0, su primera zapatilla original con la firma, el artista puertorriqueño volvió a mirar hacia el archivo de las tres tiras para darle una nueva vida a uno de los modelos más representativos del fútbol: las F50.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d4347b03b6.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><p>Bajo el nombre de Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint, la colaboración toma una de las franquicias más icónicas de la historia de la marca —utilizada durante años por figuras como Lionel Messi en sus primeras etapas como futbolista profesional— y la traslada a un formato pensado para el uso cotidiano. El resultado es una silueta que abandona la cancha para instalarse en las calles, combinando la esencia del fútbol con el lenguaje del streetwear y la identidad creativa del músico boricua.</p><h2>Puerto Rico como parte del diseño</h2><p>Como ya es habitual en las colaboraciones de Benito con adidas, el diseño también funciona como un homenaje a Puerto Rico, su tierra natal. En esta oportunidad, el par encuentra inspiración en la araña lobo puertorriqueña, un arácnido conocido por su velocidad, agilidad y capacidad para desplazarse con precisión, características que históricamente también definieron a la línea F50 dentro del universo futbolístico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56503e0800.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><p>Esa referencia se traduce en una construcción que apuesta por una estética técnica, con una estructura de malla respirable envuelta por una &quot;jaula&quot; que recuerda las formas del arácnido, mientras que la paleta de colores recupera el histórico colorway Ocean presentado por adidas en 2004. El diseño mantiene la esencia deportiva del modelo original, aunque reinterpretada desde una mirada completamente urbana.</p><h2>Los detalles que vuelven únicas las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint</h2><p>Los detalles exclusivos también ocupan un papel central. Además del branding característico de Bad Bunny, uno de los laterales incorpora la inscripción &quot;adidas para Bad Bunny&quot;, acompañada por el sello &quot;+F50 BB&quot;, una firma que deja en claro que no se trata simplemente de una reedición del modelo clásico, sino de una versión completamente atravesada por el universo creativo del artista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a2a40f3787.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><h2>¿Cuánto cuestan las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint?</h2><p>Con un precio de 160 dólares estadounidenses, las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint estarán disponibles a través de la tienda oficial de adidas y de retailers seleccionados. Un lanzamiento que no solo suma un nuevo capítulo a la exitosa relación entre la marca alemana y el cantante puertorriqueño, sino que también vuelve a demostrar cómo el archivo del fútbol continúa encontrando un nuevo espacio dentro de la moda y el streetwear contemporáneo.</p>

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Bad Bunny suma un nuevo capítulo junto a adidas con las F50 Ghost Sprint

<p>Si hay que hablar de referentes femeninas del muralismo contemporáneo en México, el nombre de Camila Ricard ocupa un lugar destacado. En diálogo con Street Art LATAM, la artista repasó sus comienzos, la construcción de su estilo, la escena del arte urbano mexicano y los proyectos que marcaron su carrera.</p><h2>Un estilo artístico en constante evolución</h2><p>En el universo del arte urbano conviven una infinidad de estilos, técnicas y formas de entender la creación. Con el paso del tiempo, cada muralista termina construyendo una identidad propia que no solo define sus obras, sino también la manera en la que observa el mundo. En el caso de Camila Yarahuan Ricard, esa identidad tiene una palabra que la resume por completo: la libertad.</p><p>&quot;<em>Si tuviera que definir mi estilo con una sola palabra, sería libre. Es un estilo que está en constante evolución porque nunca estudié arte de manera formal; todo lo que he aprendido ha sido a través de la experimentación, la intuición y la conexión con las distintas etapas de mi vida</em>&quot;, reconoce la mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá de esa definición, la muralista mexicana reconoce que cada una de sus obras funciona como un reflejo del momento personal que atraviesa. Actualmente encuentra inspiración en crear piezas con propósito, incorporando símbolos, números, repeticiones y elementos que representan conexiones más profundas. Interesada en explorar el comportamiento humano, la energía y la naturaleza, asegura que más que perseguir un estilo fijo, su principal objetivo es crear desde la autenticidad.</p><p>Entre las influencias que acompañaron el desarrollo de su identidad artística, Camila Ricard destaca a Frida Kahlo como su principal referente. La mexicana admira su capacidad para crear sin filtros y convertir cada etapa de su vida en una obra cargada de significado. Como mujer, también encuentra inspiración en la libertad con la que Kahlo mezclaba símbolos, emociones y experiencias personales.</p><p>Sin embargo, sus referencias no se limitan únicamente al universo artístico. La naturaleza, los viajes, las personas que conoce en el camino y las conversaciones cotidianas también forman parte de un proceso creativo que busca nutrirse constantemente de nuevas vivencias y perspectivas.</p><h2>El arte urbano como herramienta para transformar espacios</h2><p>Para muchos muralistas, el primer acercamiento a las calles nace de la necesidad de expresar una idea, intervenir un espacio o simplemente compartir una parte de sí mismos con quienes transitan la ciudad: “<em>Me parece mágico pensar que una persona pueda cruzarse con una obra en su camino y que, aunque sea por unos segundos, esa experiencia despierte una emoción, una reflexión o simplemente le cambie el día. Poder transformar un espacio compartido en un lugar con identidad y significado es una de las razones por las que disfruto tanto el arte urbano</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de69395dc8.png" alt=""><figcaption>El proceso creativo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>Con esa filosofía, la artista mexicana asegura que cada mural representa una oportunidad para dejar un lugar un poco mejor de como lo encontró. Más allá del resultado final, entiende al arte como una herramienta capaz de generar encuentros, despertar emociones y transformar la relación entre las personas y los espacios que habitan.</p><p>Más allá del espacio donde pinta, la muralista también tiene claro cuál es el mensaje que busca dejar en cada una de sus intervenciones. A través de sus obras intenta transmitir emoción, energía y libertad, sin perseguir la perfección ni el realismo como objetivo principal.</p><p>Camila explica que trabaja de manera intuitiva, permitiendo que los colores, las formas, las palabras y los símbolos aparezcan de forma natural durante el proceso creativo. Más que controlar cada detalle, siente que actúa como un canal para esas ideas, con la esperanza de que cada obra invite a quien la observa a conectar con algo propio y le recuerde que la creatividad también nace cuando dejamos espacio para sentir.</p><h2>La visión de Camila Ricard sobre la escena del muralismo en México</h2><p>No hay dudas de que México se consolidó como uno de los grandes referentes del arte urbano en Latinoamérica, con una escena que no solo ganó visibilidad en los últimos años, sino que también amplió sus espacios de desarrollo gracias al crecimiento de festivales, convocatorias y proyectos colectivos. Una evolución que también perciben quienes forman parte activa de ese movimiento, como Camila Yarahuan Ricard.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b65a7d6ba3.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>“<em>En México el arte urbano está viviendo un momento muy interesante. Cada vez existen más convocatorias, colaboraciones con marcas, festivales y espacios que apuestan por integrar el arte en la vida cotidiana. También veo una comunidad de artistas mucho más unida y abierta a compartir procesos, conocimientos y oportunidades</em>”, reconoce la muralista.</p><h2>El proyecto que marcó un antes y un después en su carrera</h2><p>Todo recorrido artístico tiene una obra o un proyecto que termina marcando un antes y un después. Ya sea por el desafío técnico, el impacto que genera o la historia que lo rodea, hay trabajos que trascienden el resultado final y se convierten en los más significativos de una carrera. Para Camila Ricard, esa experiencia estuvo lejos de un muro y encontró su lugar en el acompañamiento a adolescentes que atravesaban una enfermedad: talleres de arte para adolescentes con cáncer junto a la Fundación ASAC.</p><p>“<em>Cuando tenía 18 años yo también viví un proceso de cáncer, así que regresar años después desde otro lugar, acompañando a jóvenes que estaban atravesando algo similar, fue profundamente significativo</em>”.</p><p>Haber atravesado esa misma experiencia le permitió conectar desde un lugar profundamente personal, convirtiendo al arte en una herramienta de expresión, compañía y contención para quienes transitaban un momento difícil.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d516122acc.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><h2>Consejos para quienes comienzan en el arte urbano</h2><p>Todo camino creativo comienza con una primera obra, un primer trazo o un primer muro. Como sucede en el deporte, la gastronomía o cualquier otra disciplina, quienes recién empiezan suelen buscar referencias y consejos de personas que ya recorrieron ese camino. Y para Camila Charahuan Ricard, hay un mensaje que nunca pierde vigencia.</p><p>“<em>En el mundo creativo es muy fácil compararse y sentir presión por avanzar más rápido, pero cada artista tiene un proceso distinto. Cuando dejas de mirar el tiempo de los demás y empiezas a confiar en el tuyo, todo comienza a fluir de una manera diferente</em>”, aconseja Camila, quien también considera que atreverse es fundamental para descubrir nuevas oportunidades, incluso antes de sentirse completamente preparado. A su vez, invita a no perder la capacidad de divertirse durante el proceso creativo, convencida de que es justamente en ese espacio de libertad, juego y experimentación donde nacen las obras más especiales.</p><h2>La obra que mejor representa su carrera: el balón monumental rumbo al Mundial</h2><p>A lo largo de su carrera, Camila Yarahuan Ricard dejó su huella en distintos rincones de México a través de murales e intervenciones que combinan color, simbolismo y emoción. Sin embargo, uno de los proyectos que más representa su presente artístico llegó de la mano del fútbol y de la cuenta regresiva hacia la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá 2026.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/?hl=zh-cn" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La muralista mexicana fue una de las artistas seleccionadas por Grupo GICSA para intervenir un balón monumental como parte de Golearte, una iniciativa que reunió a distintos creadores para reinterpretar la pasión que representa el fútbol en México. Sobre la inspiración detrás de la obra, Ricard explicó: &quot;<em>La inspiración nació de la famosa &#x27;ola&#x27; que marcó el Mundial de 1986. A partir de esa idea construí una composición donde cada ola representaba emociones, lugares y personas que conectan a millones dentro y fuera del país</em>&quot;.</p><p>La intervención fue exhibida en Paseo Interlomas, donde miles de personas pudieron recorrerla, fotografiarse y disfrutar del trabajo realizado por todos los artistas participantes, consolidándose como una de las acciones artísticas más representativas del camino hacia el Mundial 2026.</p>

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“Siempre he sentido que el mundo tiene espacio para más arte”

<p>La sexta edición de La Velada del Año no solo contará con una cartelera repleta de creadores de contenido, sino también con una transmisión encabezada por algunas de las voces más reconocidas del mundo digital, y Argentina y México aportarán dos figuras de peso a la mesa de comentaristas: Momo y Quackity.</p><h2>Las nuevas voces de La Velada del Año VI: Momo y Quackity</h2><p>Con el correr de las ediciones, La Velada del Año dejó de ser un simple evento para convertirse en una megaproducción hasta consolidarse como uno de los mayores espectáculos del mundo digital: alfombra roja, invitados de lujo tanto nacionales como internacionales, cámaras de última generación, combates protagonizados por estrellas de las redes y shows musicales de la talla de un festival de primer nivel.</p><p>Y dentro de toda esa producción, hay un ingrediente que edición tras edición también ganó protagonismo: los comentaristas encargados de narrar cada combate.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baf49e85de.png" alt=""><figcaption>Ibai Llanos, Luzu, Reven y compañía: la mesa de comentarista habitual de La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>Y, a poco menos de dos semanas de que el Estadio La Cartuja se convierta en la casa de La Velada del Año VI, Ibai Llanos confirmó quiénes formarán parte de la mesa de comentaristas de esta edición, que volverá a reunir a algunas de las figuras más reconocidas del streaming hispanohablante, combinando nombres históricos del evento con nuevas incorporaciones que buscarán ponerle su sello a cada uno de los combates.</p><p>La mesa de comentaristas de La Velada del Año VI combinará experiencia con nuevas incorporaciones. Mientras que Ibai Llanos, Luzu, Reven y Jaime Ugarte volverán a repetir presencia tras participar en ediciones anteriores, el argentino Momo y el mexicano Quackity se estrenarán como las principales novedades del equipo encargado de narrar los combates desde el Estadio La Cartuja.</p><h2>Momo, del ring a la mesa de comentaristas</h2><p>No hay dudas de que Momo se convirtió en una de las grandes referencias del streaming argentino. Considerado como uno de los pioneros de la creación de contenido en vivo dentro del país, el creador construyó una comunidad de millones de seguidores a través de plataformas como Twitch y YouTube, donde combina transmisiones de videojuegos, charlas, reacciones y contenido vinculado al deporte, consolidándose como una de las caras más reconocidas del ecosistema digital nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce0a044f0b.png" alt=""><figcaption>Momo saliendo al cuadrilátero en el Párense de Manos (Instagram/Momo).</figcaption></figure><p>Su vínculo con el boxeo influencer tampoco es nuevo. El argentino fue uno de los protagonistas de la segunda edición de La Velada del Año, donde se subió al ring para enfrentar al español Viruzz, combate en el que cayó por decisión unánime.</p><p>Además, también integró la cartelera de Párense de Manos, el evento de boxeo influencer realizado en Argentina, experiencia que lo convierte en una de las voces con mayor conocimiento de este tipo de espectáculos y explica su incorporación como uno de los nuevos comentaristas de La Velada del Año VI.</p><h2>Quackity, la gran apuesta mexicana para la transmisión</h2><p>Desde México, un país con una histórica tradición dentro del boxeo, llega otra de las grandes novedades de la mesa de comentaristas: Quackity. Considerado como uno de los creadores de contenido más populares del mundo hispanohablante, el mexicano construyó una comunidad de millones de seguidores gracias a sus transmisiones de videojuegos, contenido de humor y proyectos que trascendieron las fronteras de Latinoamérica, alcanzando también una enorme repercusión en Estados Unidos y el público angloparlante.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cd191b2e12.png" alt=""><figcaption>Quackity, la huella mexicana en la mesa de comentaristas de La Velada del Año VI (Pinterest).</figcaption></figure><p>Su incorporación no solo suma una de las figuras más influyentes del streaming internacional, sino que también refuerza la presencia latinoamericana dentro de la transmisión de La Velada del Año VI. Junto al argentino Momo, Quackity aportará una mirada distinta a una mesa de comentaristas que combinará la experiencia de nombres históricos como Ibai Llanos, Luzu, Reven y Jaime Ugarte con dos de las personalidades digitales más importantes de la región.</p>

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¿Quiénes serán los comentaristas latinoamericanos de La Velada del Año VI?

<p>Hablar de Eva Bracamontes es hablar de una artista que encontró en el espacio público mucho más que un soporte para pintar. A través de murales de gran formato, la mexicana construyó una identidad visual que combina color, ilustración y un fuerte compromiso con distintas problemáticas sociales.</p><p>Con una trayectoria internacional que supera la última década, la ilustradora y diseñadora llevó sus obras a diferentes países de América y Europa, consolidándose como una de las referentes del muralismo contemporáneo latinoamericano gracias a un lenguaje gráfico que une sensibilidad artística y conciencia social.</p><h2>¿Quién es Eva Bracamontes, la artista urbana mexicana que transforma los muros en espacios de reflexión social?</h2><p>El arte urbano mexicano reúne a una nueva generación de artistas que encontró en los muros un espacio para desarrollar lenguajes visuales propios. Mientras algunos construyen su identidad a partir de la cultura popular o el mundo del deporte, otros decidieron convertir cada intervención en una oportunidad para abrir el diálogo sobre distintas problemáticas sociales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5f9e1b4018.png" alt=""><figcaption>El mural “Todos los Derechos, Todas las Personas” de la artista urbana Eva Bracamontes (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese grupo aparece Eva Bracamontes, una artista que logró transformar el muralismo en una herramienta de reflexión y visibilización. A través de un lenguaje cargado de color y simbolismo, sus obras recorrieron distintos países de América y Europa, consolidando una trayectoria que hoy la ubica entre las muralistas mexicanas con mayor proyección internacional.</p><p>Eva Bracamontes es una artista urbana, ilustradora y diseñadora mexicana cuya obra se caracteriza por abordar temáticas vinculadas a los derechos humanos, la migración, el desplazamiento forzado y la violencia contra mujeres, niñas y niños.</p><p>Su vínculo con el arte comenzó mucho antes de dedicarse profesionalmente al muralismo. Hija de Alicia y Joel, ambos arqueólogos, creció rodeada de referencias culturales que terminaron marcando buena parte de su imaginario visual y que hoy continúan presentes en sus composiciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5ddc316804.png" alt=""><figcaption>Obra de Eva Bracamontes para Somos México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Antes de comenzar a intervenir espacios públicos, Bracamontes cursó la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde se especializó en ilustración, disciplina que continúa siendo una de sus grandes pasiones. Fue justamente durante el período entre la licenciatura y la maestría cuando empezó a experimentar con el arte urbano, un camino que comenzó como un pasatiempo hace ya más de diez años y que, con el paso de los años, se transformó en su principal forma de expresión.</p><h2>Murales que cruzaron fronteras: la huella artística de Eva Bracamontes</h2><p>Con el paso de los años, Eva Bracamontes llevó su obra mucho más allá de México y participó en festivales, encuentros e intervenciones de arte urbano en distintos países, consolidando una presencia internacional.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-artista-que-crea-murales-que-aparecen-y-desaparecen-con-el-agua/1988"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Actualmente cuenta con murales realizados en:</p><ul><li>Canadá</li></ul><ul><li>Estados Unidos</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>Ecuador</li></ul><ul><li>Venezuela</li></ul><ul><li>Perú</li></ul><ul><li>Argentina</li></ul><ul><li>Francia</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_618f244d33.png" alt=""><figcaption>El homenaje de Eva Bracamontes al boxeador mexicano Juan Manuel Márquez en las calles de Ciudad de México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Dentro de México, su trabajo también puede encontrarse en diferentes ciudades, entre ellas:</p><ul><li>Ciudad de México</li></ul><ul><li>Guadalajara</li></ul><ul><li>Querétaro</li></ul><ul><li>Oaxaca</li></ul><p>Este recorrido refleja no solo el crecimiento de su carrera, sino también el interés de distintas organizaciones e instituciones por una propuesta artística capaz de conectar con públicos diversos sin perder su identidad.</p><h2>El arte como herramienta para hablar de derechos humanos</h2><p>Uno de los aspectos que distingue la producción de Eva Bracamontes es el compromiso social presente en buena parte de sus murales.</p><p>A lo largo de su carrera desarrolló proyectos junto a organizaciones como Save the Children y colaboró con organismos vinculados a Naciones Unidas dedicados a la defensa de los derechos humanos, llevando su lenguaje artístico a iniciativas que buscan generar conciencia sobre distintas problemáticas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b84ad4372.png" alt=""><figcaption>Mural de Eva Bracamontes realizado en el marco de la conmemoración de la lucha por la igualdad de derechos para las mujeres y la recuperación de espacios culturales e históricos (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><ul><li>La migración</li></ul><ul><li>El desplazamiento forzado</li></ul><ul><li>La violencia contra las mujeres</li></ul><ul><li>La protección de niñas y niños</li></ul><ul><li>La defensa de los derechos humanos</li></ul><p>Más que ilustrar estas realidades, sus murales buscan generar conversación y construir espacios donde el arte funcione como un puente entre las personas y las historias que muchas veces permanecen invisibilizadas.</p><h2>Una identidad visual que combina color, ilustración y fuerza femenina</h2><p>La obra de Eva Bracamontes se distingue por una identidad visual fácilmente reconocible. Sus murales suelen estar protagonizados por figuras femeninas de formas voluptuosas, composiciones dinámicas y una paleta cromática intensa que convierte cada intervención en un punto de encuentro para quienes recorren la ciudad.</p><p>A ese universo visual se suman influencias de la ilustración contemporánea y distintos guiños a la gráfica pop, elementos que aportan dinamismo sin perder el carácter reflexivo de cada pieza. El resultado es un lenguaje artístico que consigue equilibrar belleza estética, identidad latinoamericana y contenido social.</p>

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Eva Bracamontes, la muralista mexicana que transforma el arte en reflexión

<p>Las calles de Buenos Aires no solo son el hogar de millones de personas, sino también el escenario de personajes que terminan formando parte de la identidad de la ciudad, y entre ellos sobresale el “Joker Argentino”, una figura viral que conquistó las redes sociales y se convirtió en un verdadero emblema urbano.</p><h2>El hombre que llevó al Joker a las calles argentinas</h2><p>Muchas veces, las calles de las grandes ciudades están pobladas por personajes que terminan convirtiéndose en parte de su identidad. Figuras extravagantes, artistas callejeros o simples vecinos que, por distintos motivos, logran ganarse un lugar en la memoria colectiva y transformarse en verdaderos emblemas urbanos. Y estoy seguro de que, mientras leés estas líneas, ya estás pensando en alguno de esos personajes que existen en tu propia ciudad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b101df2c6c.png" alt=""><figcaption>El “Joker Argentino” en medio de una manifestación en Buenos Aires (Telam).</figcaption></figure><p>En el caso de Buenos Aires, uno de los nombres que logró conquistar las calles y las redes sociales en los últimos años fue el del llamado “Joker Argentino&quot;. Seguramente te hayas cruzado con algún video suyo votando en las elecciones presidenciales, protagonizando un enfrentamiento viral con un Spider-Man en el Puente de la Mujer de Puerto Madero o participando en distintas manifestaciones frente al Congreso de la Nación. Detrás de todas esas imágenes aparece la figura de Darío Daniel Sirvent, un argentino que encontró en la interpretación del Joker una forma completamente nueva de reinventar su vida.</p><p>La historia comenzó hace ya más de seis años. Tras más de dos décadas trabajando en una productora, Darío perdió su empleo en medio de una serie de despidos y tercerizaciones. Fue justamente en ese contexto cuando llegó a los cines “Joker”, la película protagonizada por Joaquin Phoenix y dirigida por Todd Phillips. Como ocurrió con millones de espectadores alrededor del mundo, el argentino encontró una fuerte conexión con la historia de Arthur Fleck y con la sensación de sentirse desplazado por el sistema.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@yelmarcial/video/7420893161293171974" data-video-id="7420893161293171974" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@yelmarcial/video/7420893161293171974?lang=es&amp;q=Joker%20argentino&amp;t=1783390642134" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Y lejos de quedarse únicamente con la admiración por el personaje, decidió llevar esa identificación un paso más allá. Así nació el “Joker Argentino”: una interpretación minuciosa que reproduce cada detalle del personaje, desde el traje rosa, la camisa verde y el chaleco mostaza hasta el maquillaje, el peinado y los gestos característicos que popularizó la película. Una versión completamente argentina de uno de los personajes más icónicos de la cultura popular.</p><h2>¿Por qué el Joker Argentino se volvió viral en las redes sociales?</h2><p>Parte de la popularidad del “Joker Argentino” también radica en un detalle tan simple como efectivo: la naturalidad con la que el personaje se mezcla en la vida cotidiana.</p><p>Lejos de aparecer únicamente en eventos o producciones especiales para redes sociales, es habitual verlo realizando actividades comunes como cualquier vecino. Desde hacer las compras en un supermercado o esperar el colectivo en una parada, hasta caminar por el centro porteño, participar de manifestaciones o recorrer distintos barrios de la ciudad, la imagen del icónico villano de Gotham irrumpiendo en escenarios completamente normales genera un contraste tan absurdo como fascinante. Esa mezcla entre ficción y realidad terminó convirtiéndose en una de las marcas registradas del personaje y en uno de los principales motivos detrás de su viralidad.</p><h2>Del personaje callejero al fenómeno digital</h2><p>Lo que comenzó como una caracterización terminó convirtiéndose en un verdadero fenómeno digital. Con más de 250.000 seguidores en redes sociales y publicaciones que acumulan cientos de miles de reproducciones e interacciones, Darío logró construir una comunidad propia y transformar su personaje en una de las figuras callejeras más reconocibles del país. Entre apariciones espontáneas, eventos públicos y videos virales, el “Joker Argentino” pasó de ser una curiosidad urbana a convertirse en uno de los personajes más populares y reconocidos de las calles argentinas.</p>

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De perder su trabajo a convertirse en el Joker más famoso de Argentina

<p>Tras superar a Suiza en los cuartos de final, la Selección argentina de Lionel Messi y compañía se medirá ante la Inglaterra de Jude Bellingham y Harry Kane por un lugar en la final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, y la ciudad de Buenos Aires desplegará distintas propuestas para seguir el encuentro.</p><p>Desde fan zones con pantallas gigantes hasta fiestas temáticas y espacios con un inmenso abanico de actividades y propuestas para todo tipo de público, la capital argentina se prepara para vivir otra noche mundialista junto a la Scaloneta.</p><h2>La Plaza Seeber se tiñe de celeste y blanco para el choque ante Inglaterra</h2><p>Plaza Seeber volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro para los hinchas argentinos durante los octavos de final del Mundial. El Buenos Aires Fan Fest, que desde el 11 de junio y hasta el 19 de julio reúne a miles de personas en Palermo, volverá a abrir sus puertas para seguir en pantalla gigante el cruce entre la Scaloneta y Inglaterra por un lugar en la definición de la Copa del Mundo en Nueva York.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e12e47add.png" alt=""><figcaption>La población argentina alentando a la Scaloneta en la Plaza Seeber de Palermo (Gobierno de Buenos Aires).</figcaption></figure><p>Como ya es habitual, el espacio ofrecerá pantalla gigante, patio gastronómico con food trucks, sectores para descansar, música en vivo de la mano de Narela, artistas itinerantes, freestylers, bombos, actividades para niños y múltiples experiencias interactivas que convertirán nuevamente a Palermo en uno de los principales epicentros del Mundial dentro de Buenos Aires.</p><h2>Nueva Pompeya vive el Mundial de La Scaloneta en Arena Sur Fan Fest</h2><p>Ubicado sobre la calle Avenida Sáenz 459, Arena Sur Fan Fest se convirtió en el epicentro de cientos de hinchas argentinos en el barrio de Nueva Pompeya a lo largo del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, y por supuesto que también lo será en el enfrentamiento de las semifinales ante Inglaterra por un lugar en la final del torneo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ8NG70E6Yz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ8NG70E6Yz/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una pantalla gigante para seguir el encuentro, sonido envolvente, gastronomía y un ambiente lleno de pasión futbolera, el espacio se prepara para acoger la visita de aficionados argentinos en el marco del choque ante Inglaterra. Con capacidad limitada y sujeto a orden de llegada, las puertas de Arena Sur Fan Fest abrirán una hora antes del pitazo del encuentro (15:00 horas): apurate y adueñate de un lugar para vivir un nuevo cruce de eliminación de La Scaloneta en la Copa del Mundo.</p><h2>Ronda convierte el Dot Baires Shopping en una tribuna mundialista</h2><p>Otra de las propuestas para seguir el partido llegará desde <a href="https://www.instagram.com/ronda.ba/?hl=es"><u>Ronda</u></a>, el espacio gastronómico y de entretenimiento ubicado dentro del Dot Baires Shopping, que organizará una watch party especial para acompañar a la Selección argentina durante el choque frente a Inglaterra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ca6072ddc3.png" alt=""><figcaption>Ronda celebrando los goles de Argentina en la Copa del Mundo (Ronda).</figcaption></figure><p>Con entrada libre y gratuita, la actividad comenzará al mediodía con una previa especialmente preparada para los fanáticos. La jornada incluirá metegoles, DJ en vivo, happy hour de Fernet Branca, la denominada &quot;Picada Scaloneta&quot;, premios, sorpresas y distintas propuestas recreativas antes de la transmisión del encuentro en pantalla gigante.</p><h2>Avellaneda también se suma a la fiesta mundialista para seguir a la Selección argentina</h2><p>La fiebre por la Selección argentina también llegará al sur del conurbano bonaerense. Desde las 14:00 horas, el Parque La Estación (Güemes 700, Avellaneda) abrirá sus puertas para recibir a cientos de hinchas que buscarán alentar a la Scaloneta en el duelo frente a Inglaterra por un lugar en la final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Das3fOORGiC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Das3fOORGiC/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con entrada libre y gratuita, el espacio contará con una pantalla gigante para seguir el encuentro, además de una programación especial que incluirá música en vivo, food trucks, maquillajes temáticos, sorteos, juegos y un sector destinado al intercambio de figuritas, convirtiéndose en una de las grandes propuestas para vivir otra tarde mundialista en comunidad.</p><h2>Los bares deportivos se alistan para alentar a la Scaloneta</h2><p>Más allá de los fan fest y las plazas que recibirán a miles de hinchas, la ciudad de Buenos Aires también ofrece una amplia variedad de bares deportivos para seguir el encuentro entre Argentina e Inglaterra. Con pantallas gigantes, ambientación futbolera y un clima pensado para vivir cada partido en comunidad, estos espacios volverán a convertirse en los puntos más concurridos durante la Copa del Mundo.</p><ul><li><a href="https://www.instagram.com/locosxelfutbolbar/?hl=es"><u>Locos x el Fútbol</u></a> (Recoleta): convertido desde hace años en uno de los bares deportivos más populares de Buenos Aires, volverá a abrir sus puertas para recibir a los fanáticos de la Scaloneta en un ambiente completamente dedicado al fútbol.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/irishpub_sullivans/?utm_source=ig_embed&amp;ig_rid=A91RcpaI8_a6SqFLu0lLvsn"><u>Sullivan&#x27;s Irish Pub</u></a> (Palermo): el tradicional pub irlandés contará con múltiples pantallas para seguir el encuentro y volverá a reunir a hinchas argentinos y fanáticos de distintas nacionalidades en una nueva jornada mundialista.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/triumph.sportsbar/?hl=es"><u>Triumph Sport Bar</u></a> (Monserrat): otra de las alternativas elegidas por los amantes del deporte. El bar se prepara para vivir el cruce entre Argentina y Inglaterra con transmisión en vivo y el clima ideal para acompañar a la Selección en busca de la clasificación a la definición de la competencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4b06ccd5ed.png" alt=""><figcaption>Triumph Sport Bar mirando el duelo de la Selección argentina ante Argelia (Instagram/Triumph Sport Bar).</figcaption></figure>

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Los spots para ver el partido de la Selección argentina ante Inglaterra en Buenos Aires

<p>La histórica actuación de la Selección paraguaya en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá no solo quedó grabada en la memoria de los hinchas, sino también en las paredes de la ciudad de Asunción. Tras la clasificación frente a Alemania, el muralista Víctor Servín inmortalizó a Orlando Gill y José Canale en una obra que celebra a dos de los grandes héroes de la Albirroja durante el torneo.</p><h2>Así es el tributo artístico a Orlando Gill y José Canale en Asunción</h2><p>Con tan solo cuatro partidos como saldo restante del cronograma del Mundial de México, Estados Unidos y Canadá, ya podemos hacer un listado de los episodios más importantes que nos dejó esta edición de la competencia más importante del fútbol de selecciones nacionales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_696b210e4c.png" alt=""><figcaption>José Canale inmortalizado artísticamente en los muros de Asunción (Instagram/Victor Servín).</figcaption></figure><p>Y no hay dudas de que dentro de ese recorrido, donde aparecen momentos como el festejo de los hinchas noruegos o la aparición de fans característicos como Lumumba Vea, el aficionado estatua de República Democrática del Congo. Pero si tenemos que hablar de episodios estrictamente futbolísticos y, sobre todo, a nivel latinoamericano, hay que mencionar la actuación de la Selección de Paraguay de Gustavo Alfaro, superando la fase de grupos, dejando fuera a Alemania por penales y cayendo eliminada ante Francia por tan solo un gol. Una participación más que histórica.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-mural-que-celebra-la-huella-de-cucho-hernandez-en-el-mundial/1000143"><u><em>El mural que celebra la huella de Cucho Hernández en el Mundial</em></u></a></p><p>Y la Selección paraguaya no solo dejó su huella en las canchas de la Copa del Mundo, sino que también impactó en la escena del arte urbano nacional con una intervención homenaje en Asunción a dos de las figuras de la Albirroja en el torneo.</p><p>Ubicado en el Superviaducto de Madame Lynch, en la ciudad de Asunción, el muralista Víctor Servín, junto a sus colegas Justo “Toto” Servín y Francisco Rivas, convirtió uno de los muros del sector en un tributo artístico a Orlando Gill y José Canale, los héroes de la histórica clasificación ante Alemania en Boston.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaXyxoCDs7E/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaXyxoCDs7E/?img_index=3" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La intervención representa dos de los momentos más importantes de la tanda de penales entre Paraguay y Alemania: el penal de la clasificación de José Canale en el lado izquierdo y la atajada de Orlando Gill en el otro costado de la superficie, con la presencia de una franja roja y blanca en la parte superior como guiño a la camiseta de la Albirroja.</p><p>“<em>Siempre tuve ese anhelo de pintar en algún túnel o viaducto, como se hace en otros países, y formar parte de eso, pero con una temática nacionalista o, como prefiero decir, paraguayística. Estábamos en plena tendencia futbolera. Paraguay era noticia prácticamente en todo el mundo por la hazaña de eliminar a Alemania, entonces coincidimos en que esta sería una buena temática para esta ocasión</em>”, cuenta el muralista Víctor Servín acerca de la pieza.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fa3be839e2.png" alt=""><figcaption>El homenaje artístico a Orlando Gill del muralista Victor Servín (Instagram/Victor Servín).</figcaption></figure><p>Más allá de su valor artístico, la obra también refleja cómo el Mundial logró trascender el terreno de juego para instalarse en otros espacios de la cultura. En este caso, el muralismo volvió a convertirse en una herramienta para preservar la memoria colectiva y rendir homenaje a dos futbolistas que ya forman parte de una de las páginas más importantes en la historia reciente de la Selección paraguaya.</p>

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Del Mundial al arte urbano: el mural que inmortaliza a Orlando Gill y José Canale en Asunción

<p>La espera terminó para 9z Team. La organización argentina derrotó a PARIVISION en la final de la XSE Pro League, levantó el trofeo en la ciudad de Guangzhou y escribió una de las páginas más importantes en la historia de los eSports nacionales al conquistar el primer campeonato Tier-1 del país.</p><h2>9z Team levantó la XSE Pro League en China</h2><p>Luego de la histórica participación en el Intel Extreme Masters Major Cologne, donde superaron por primera vez la fase de grupos del torneo venciendo a organizaciones de primer nivel como PARIVISION, Team Vitality y The MongolZ, 9z Team volvió a escribir una nueva página dentro de su historia con la conquista de la XSE Pro League disputada en la ciudad de Guangzhou, el primer trofeo de categoría Tier-1 tanto de su vitrina como a nivel nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8367f73edb.png" alt=""><figcaption>El festejo de 9z Team tras conquistar la XSE Pro League en China (HLTV).</figcaption></figure><p>La organización argentina capitaneada por max se impuso 3-0 ante PARIVISION (13-9, 13-10 y 13-4) en la definición de la competencia, levantó el trofeo de la XSE Pro League en China y tachó un nuevo objetivo de su lista de deseos: conquistar un torneo de Tier-1.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-impulsor-del-counter-strike-en-argentina/1519"><u><em>El impulsor del Counter-Strike en Argentina</em></u></a></p><ul><li>Derrota ante EYEBALLERS (10-13).</li></ul><ul><li>Victoria ante SINNERS (13-5).</li></ul><ul><li>Victoria ante 3DMAX (13-9).</li></ul><ul><li>Derrota ante Alliance (14-16 y 7-13).</li></ul><ul><li>Victoria ante MIBR (13-10 y 16-13).</li></ul><ul><li>Victoria ante TYLOO (13-9, 7-13 y 13-5).</li></ul><ul><li>Victoria ante Alliance (13-10, 17-19 y 13-7)</li></ul><ul><li>Victoria ante PARIVISION (13-9, 13-10 y 13-4).</li></ul><p>“<em>Seguimos cumpliendo nuestros sueños, seguimos haciendo historia. Hoy nuestra vitrina suma su primer trofeo Tier-1 tras vencer a Parivision por 3-0 en la Grand Final. Estos chicos siguen escribiendo su historia en los libros del Counter-Strike coronando nuestro escudo de gloria</em>”, escribió la organización en redes sociales tras la conquista, que le otorgó un premio de $200 mil dólares estadounidenses.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cd07e185a0.png" alt=""><figcaption>El beso de max, capitán de 9z Team, al trofeo de la XSE Pro League (HLTV).</figcaption></figure><h2>Una conquista que cambió la historia de los eSports argentinos</h2><p>Más allá del trofeo, la conquista en Guangzhou representa un punto de inflexión para los eSports argentinos. Con este título, 9z Team no solo cumplió uno de los grandes objetivos de su historia, sino que también abrió una nueva etapa para el Counter-Strike nacional al convertirse en la primera organización del país en conquistar un torneo de categoría Tier-1. Un logro que, sin dudas, quedará marcado como uno de los hitos más importantes en la historia de la disciplina en Argentina.</p>

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9z Team hace historia y conquista el primer título Tier-1 para Argentina

<p>Desde la intimidad del óleo en el taller hasta la monumentalidad del mural en las calles de Europa y Latinoamérica, <strong>Guido Palmadessa</strong> construyó un cuerpo de obra que indaga en la condición humana. Formado en la Universidad Nacional de Arte (UNA) y radicado en <strong>Berlín</strong>, este artista visual transita una búsqueda estética que equilibra la tradición figurativa argentina con las dinámicas del arte público contemporáneo.</p><h3><strong>Del entorno familiar a los muros globales</strong></h3><p>El vínculo de Palmadessa con la creación visual no fue casual. Creció rodeado de estímulos en un entorno donde sus tíos artistas plásticos y las pinturas de su tía funcionaron como referencia temprana. Este interés, profesionalizado en la academia, dio un giro decisivo al entrar en contacto con grafiteros y muralistas que lo invitaron a cambiar la soledad del estudio por la adrenalina de la calle.</p><p>La <strong>identidad latinoamericana</strong> y la Nueva Figuración de los años 60 cimentaron su base teórica, enriquecida por disciplinas como la danza y el cine. <em>&quot;Ese cruce terminó de definir mi camino&quot;, </em>rememoró el artista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e9b5e366fb.png" alt=""><figcaption>Gelsenkirchen, Germany.</figcaption></figure><p>Esta base conceptual sostiene una visión donde la identidad individual es inseparable de la experiencia compartida. Para Palmadessa, las raíces y los viajes por la región configuran una <strong>identidad colectiva</strong> que guarda problemáticas comunes reflejadas en el arte. <em>&quot;La propia se constituye a partir de la colectiva&quot;, </em>reflexionó.</p><h3><strong>La tensión creativa: entre el óleo y el aerosol</strong></h3><p>El proceso creativo del artista se divide en dos soportes que, aunque nacen del mismo impulso, obedecen a tiempos distintos. En el espacio público, utiliza <strong>acrílicos al agua</strong> y herramientas industriales para resolver grandes superficies bajo la presión del tiempo. Mientras que en el taller, el <strong>óleo sobre lienzo</strong> le permite el error, el borrado y la introspección. Esta dualidad técnica derivó en una evolución estilística que pasó de una simbología ligada a culturas originarias hacia una pintura donde la materia y la textura son protagonistas.</p><p>Obras clave como <em>Mate en el tren Urquiza</em> (2017) marcaron un punto de inflexión hacia una pincelada más suelta, donde lo inacabado cobra sentido. <em>&quot;Me interesa esa tensión entre una mancha inicial y una figura que intenta aparecer sin borrar del todo el gesto previo,&quot; explicó.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_82ae270cc0.png" alt=""><figcaption>La intimidad del proceso.</figcaption></figure><h3><strong>El espacio público como hecho político</strong></h3><p><strong>Intervenir</strong> la trama urbana implica para el artista asumir una <strong>responsabilidad</strong> que trasciende lo estético. Lejos de ver una frontera entre la decisión formal y el impacto social, Palmadessa entiende que pintar una pared requiere organización, consenso y una lectura atenta del contexto. Ya sea en proyectos de arte público o festivales, busca generar entornos empáticos donde la obra despierte reflexiones latentes.</p><p>Sin embargo, trabajar en la calle conlleva aceptar la <strong>efimeridad</strong>. El deterioro o la desaparición de la obra son parte de las reglas del juego en el arte urbano, lo que obliga a practicar el desapego y entender los muros como una capa más de la naturaleza de la ciudad. <em>&quot;Prefiero pensar las paredes como una capa más de la naturaleza urbana, aunque trato de evitar proyectos pensados para desaparecer rápidamente,&quot; aclaró.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_df45ebc2dc.png" alt=""><figcaption>Between Freedom and Balance - Wuppertal, Germany 2023.</figcaption></figure><h3><strong>La ternura y la memoria como ejes temáticos</strong></h3><p>Si bien en sus inicios abordó tópicos como la migración y el trabajo, su producción reciente se concentra en las <strong>relaciones humanas</strong> y el contacto afectivo. Tiene como objetivo reivindicar la empatía en el espacio público, con composiciones que funcionan de manera similar a la memoria: fragmentarias y abiertas a múltiples lecturas. La improvisación se convierte así en una herramienta lúdica, mientras que el concepto de &quot;contacto&quot; actúa como forma de resistencia. <em>&quot;La ternura humana atraviesa todo mi trabajo,&quot; aseguró el muralista.</em></p><h3><strong>Resiliencia y comunidad en el arte actual</strong></h3><p>Palmadessa destaca la importancia de las redes de colaboración frente a un contexto mundial complejo y políticas culturales desiguales. Para él, el <strong>arte urbano en Latinoamérica</strong> se define por su potencia y diversidad, sostenido por una comunidad que resiste y crea pese a las dificultades. En este escenario, las plataformas digitales sirven como difusión, pero el artista insiste en que la experiencia física de la pintura es insustituible.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce562cdc25.png" alt=""><figcaption>Guido Palmadessa en acción.</figcaption></figure><p>Con una trayectoria que une continentes, su consejo para las nuevas generaciones se basa en la paciencia, el trabajo colectivo y la comprensión de los ciclos productivos. <em>&quot;Creo que lo importante es ser coherente con la obra, y saber entender los ciclos productivos,&quot; concluyó Palmadessa.</em></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Ck6g3bjoVxe/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/Ck6g3bjoVxe/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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Guido Palmadessa, la mirada de un artista argentino en Alemania

<p>La fiebre por el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá también se trasladó al arte urbano en Brasil. En ciudades como San Pablo y Porto Alegre, figuras como Neymar, Vinicius Júnior, Alisson, Endrick y Ronaldinho fueron homenajeadas artísticamente con murales gigantes creados por artistas locales y pensados como una celebración visual del presente y la historia del combinado pentacampeón del mundo.</p><h2>El Mundial también se pintó en las calles de Brasil</h2><p>La llegada de una nueva edición de la Copa del Mundo no solo paralizó a la población futbolera de todo el mundo, sino que también volvió a desbordar los límites del juego para instalarse en otros universos como la gastronomía, los videojuegos, la moda y, en este caso, el arte urbano.</p><p>Y en Brasil, el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá encontró su lugar en la escena del muralismo con una serie de intervenciones gigantescas que comenzaron a captar la atención tanto del circuito local como del continental.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ5YVGJxqmV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ5YVGJxqmV/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En ciudades y municipios del país, como Porto Alegre y San Pablo, distintos muralistas brasileños trasladaron la pasión mundialista al espacio público con obras de gran formato dedicadas a figuras del actual plantel de la selección brasileña y a leyendas que marcaron la historia del Scratch.</p><h2>Neymar, Vinícius Júnior, Alisson, Endrick y Ronaldinho, las figuras homenajeadas en las calles brasileñasa</h2><p>Entre los nombres detrás de estas intervenciones aparecen artistas como Rafael Jung, Nosg, Bart, Chimia, Joca y Jefferson, quienes sorprendieron con obras de casi 200 metros de longitud pensadas para convertir el espacio público en una referencia visual del entusiasmo que despierta el Mundial.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f1e6466bc5.png" alt=""><figcaption>El muralista Joacaz Art realizando uno de los murales mundialistas en las calles de Brasil (Instagram/Joacaz Art).</figcaption></figure><p>A lo largo de los murales se pueden ver distintas figuras vinculadas al seleccionado brasileño, con escenas que recuperan tanto el presente como la historia del equipo.</p><p>Las obras incluyen imágenes de Neymar dominando la pelota, Vinícius Júnior en pleno festejo de gol, Alisson con la mirada fija al frente y Endrick retratado en distintas acciones de juego. A ese repertorio también se suma Ronaldinho, homenajeado con la Copa del Mundo conseguida por Brasil en Corea-Japón 2002, en una intervención que conecta a la generación actual con uno de los íconos más recordados de la historia del fútbol brasileño.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZc0vtfx6hG/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZc0vtfx6hG/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En un contexto en el que el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá desborda lo estrictamente futbolístico para instalarse en la moda, la música y el arte urbano, estas intervenciones brasileñas también funcionan como una muestra del lugar que ocupa la Copa del Mundo en el imaginario popular. A través de murales de gran escala dedicados a figuras del presente y del pasado del scratch, el muralismo local volvió a convertir el espacio público en una postal de la pasión mundialista.</p>

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Los gigantescos murales mundialistas de Neymar, Ronaldinho y Vinícius que decoran las calles de Brasil

<p>Después de superar la fase de grupos, dejar en el camino a Alemania por penales y meterse entre los dieciséis mejores del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, Paraguay volverá a paralizar la ciudad de Asunción con una nueva edición de la “Casa Albirroja”, el fan zone oficial impulsado por la Asociación Paraguaya de Fútbol para acompañar al seleccionado durante los octavos de final ante Francia.</p><h2>El punto de encuentro para alentar a Paraguay ante Francia en los octavos de la Copa del Mundo: la “Casa Albirroja”</h2><p>Si hay una tradición que acompaña cada Copa del Mundo es la de los Fan Fest: espacios donde miles de hinchas se reúnen para seguir a su selección rodeados de pantallas gigantes, gastronomía, música y distintas experiencias futboleras.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2cb67ca077.png" alt=""><figcaption>Hinchas paraguayos viviendo el Mundial en la “Casa Albirroja” (Instagram/Casa Albirroja).</figcaption></figure><p>Y durante el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, Paraguay no fue la excepción, y mucho menos lo será ahora. Tras hacer historia y conseguir la clasificación a los octavos de final luego de eliminar a Alemania por penales, la “Casa Albirroja” volverá a convertirse en el gran punto de encuentro para acompañar al combinado dirigido por Gustavo Alfaro.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/los-murales-de-messi-que-transforman-las-calles-de-estados-unidos/2039"><u><em>Los murales de Messi que transforman las calles de Estados Unidos</em></u></a></p><p>Con la Albirroja ya instalada entre las dieciséis mejores selecciones del Mundial y a la espera de conocer si su rival será Francia o Suecia, el espacio ubicado en el Puerto de Asunción continuará recibiendo a miles de aficionados durante la jornada mundialista.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaB0FuHuhvk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaB0FuHuhvk/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La experiencia volverá a contar con pantallas gigantes, sectores gastronómicos, música en vivo, DJs, experiencias interactivas y activaciones de marcas, además de distintas propuestas pensadas para toda la familia. De esta manera, la “Casa Albirroja” seguirá consolidándose como el principal punto de encuentro para los hinchas paraguayos durante la Copa del Mundo.</p><p>Para conocer más detalles sobre la programación, novedades y venta de entradas para la Casa Albirroja, los interesados pueden consultar los canales oficiales de la Asociación Paraguaya de Fútbol.</p><h2>¿Cómo conseguir entradas para la “Casa Albirroja”?</h2><p>Si no conseguiste entradas para acompañar a la Albirroja desde el estadio en el choque ante Francia, la “Casa Albirroja” sigue siendo la principal alternativa para vivir el encuentro junto a miles de hinchas en Asunción, y Street Art Latam te trae toda la información necesaria para poder vivir la experiencia desde Asunción.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e2d4ce22f2.png" alt=""><figcaption>La pasión por la Selección paraguaya en la “Casa Albirroja” (Instagram/Casa Albirroja).</figcaption></figure><p>Con entradas disponibles a través de <a href="https://www.tuti.com.py/CASA-ALBIRROJA"><u>Tuti</u></a> y de las plataformas oficiales de la Asociación Paraguaya de Fútbol, los tickets para ingresar al fan zone oficial de la Albirroja tienen precios que parten desde los $35.000 guaraníes, variando según la ubicación y el sector elegido dentro del predio. Además, el evento ofrece estacionamiento que debe adquirirse previamente.</p>

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La Casa Albirroja, el punto de encuentro para alentar a Paraguay en los octavos de final del Mundial

<p>Luego de vencer a Jordania y quedar como líder invicto de su grupo con nueve puntos, la Selección argentina de Lionel Messi y compañía se verá las caras ante Cabo Verde por un lugar en los octavos de final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, y la ciudad de Buenos Aires desplegará distintas propuestas para seguir el encuentro.</p><p>Desde fan zones con pantallas gigantes hasta fiestas temáticas y espacios con un inmenso abanico de actividades y propuestas para todo tipo de público, la capital argentina se prepara para vivir otra noche mundialista junto a la Scaloneta.</p><h2>La Plaza Seeber se tiñe de celeste y blanco para el choque ante Cabo Verde</h2><p>Plaza Seeber volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro para los hinchas argentinos durante los dieciseisavos de final del Mundial. El Buenos Aires Fan Fest, que desde el 11 de junio y hasta el 19 de julio reúne a miles de personas en Palermo, volverá a abrir sus puertas para seguir en pantalla gigante el cruce entre la Scaloneta y Cabo Verde por un lugar entre los dieciséis mejores de la Copa del Mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e12e47add.png" alt=""><figcaption>La población argentina alentando a la Scaloneta en la Plaza Seeber de Palermo (Gobierno de Buenos Aires).</figcaption></figure><p>La jornada comenzará desde el mediodía con una programación especial que incluirá también la transmisión del encuentro entre Australia y Egipto, además de distintas propuestas para vivir una auténtica fiesta mundialista antes del partido de Lionel Messi y compañía.</p><p>Como ya es habitual, el espacio ofrecerá pantalla gigante, patio gastronómico con food trucks, sectores para descansar, música en vivo —con la participación de Connie Isla—, un DJ set de Narela, artistas itinerantes, freestylers, bombos, actividades para niños y múltiples experiencias interactivas que convertirán nuevamente a Palermo en uno de los principales epicentros del Mundial dentro de Buenos Aires.</p><h2>Ronda convierte el Dot Baires Shopping en una tribuna mundialista</h2><p>Otra de las propuestas para seguir el partido llegará desde Ronda, el espacio gastronómico y de entretenimiento ubicado dentro del Dot Baires Shopping, que organizará una watch party especial para acompañar a la Selección argentina durante el choque frente a Cabo Verde.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaLbLRjldxs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaLbLRjldxs/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con entrada libre y gratuita, la actividad comenzará a las 18 horas con una previa especialmente preparada para los fanáticos. La jornada incluirá metegoles, DJ en vivo, happy hour de Fernet Branca, la denominada &quot;Picada Scaloneta&quot;, premios, sorpresas y distintas propuestas recreativas antes de la transmisión del encuentro en pantalla gigante.</p><h2>Avellaneda también se suma a la fiesta mundialista para seguir a la Selección argentina</h2><p>La fiebre por la Selección argentina también llegará al sur del conurbano bonaerense. Desde las 16 horas, el Parque La Estación (Güemes 700, Avellaneda) abrirá sus puertas para recibir a cientos de hinchas que buscarán alentar a la Scaloneta en el duelo frente a Cabo Verde por un lugar en los octavos de final del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaL7eA5BZU5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaL7eA5BZU5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con entrada libre y gratuita, el espacio contará con una pantalla gigante para seguir el encuentro, además de una programación especial que incluirá música en vivo, food trucks, maquillajes temáticos, sorteos, juegos y un sector destinado al intercambio de figuritas, convirtiéndose en una de las grandes propuestas para vivir otra tarde mundialista en comunidad.</p><h2>Los bares deportivos se alistan para alentar a la Scaloneta</h2><p>Más allá de los fan fest y las plazas que recibirán a miles de hinchas, la ciudad de Buenos Aires también ofrece una amplia variedad de bares deportivos para seguir el encuentro entre Argentina y Cabo Verde. Con pantallas gigantes, ambientación futbolera y un clima pensado para vivir cada partido en comunidad, estos espacios volverán a convertirse en los puntos más concurridos durante la Copa del Mundo.</p><ul><li><a href="https://www.instagram.com/locosxelfutbolbar/?hl=es"><u>Locos x el Fútbol</u></a> (Recoleta): convertido desde hace años en uno de los bares deportivos más populares de Buenos Aires, volverá a abrir sus puertas para recibir a los fanáticos de la Scaloneta en un ambiente completamente dedicado al fútbol.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/irishpub_sullivans/?utm_source=ig_embed&amp;ig_rid=A91RcpaI8_a6SqFLu0lLvsn"><u>Sullivan&#x27;s Irish Pub</u></a> (Palermo): el tradicional pub irlandés contará con múltiples pantallas para seguir el encuentro y volverá a reunir a hinchas argentinos y fanáticos de distintas nacionalidades en una nueva jornada mundialista.</li></ul><ul><li><a href="https://www.instagram.com/triumph.sportsbar/?hl=es"><u>Triumph Sport Bar</u></a> (Monserrat): otra de las alternativas elegidas por los amantes del deporte. El bar se prepara para vivir el cruce entre Argentina y Cabo Verde con transmisión en vivo y el clima ideal para acompañar a la Selección en busca de la clasificación.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4b06ccd5ed.png" alt=""><figcaption>Triumph Sport Bar mirando el duelo de la Selección argentina ante Argelia (Instagram/Triumph Sport Bar).</figcaption></figure>

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¿Dónde ver el partido de la Selección argentina ante Cabo Verde en la ciudad de Buenos Aires?

<p>No hay dudas de que la actual Copa del Mundo ya dejó imágenes imborrables: los récords de Lionel Messi, las sorpresas protagonizadas por selecciones como Cabo Verde y Curazao y los goles espectaculares de figuras como Erling Haaland y Kylian Mbappé.</p><p>Sin embargo, en esta edición disputada en Estados Unidos, México y Canadá, otro protagonista también logró captar la atención de los fanáticos: los nuevos botines presentados por Nike, adidas y PUMA.</p><p>En ese contexto, Street Art Latam conversó con Marcelo de Wilde, más conocido como Marcelo Botines, uno de los coleccionistas de calzado futbolístico más reconocidos de Argentina. Con más de 400 pares en su colección, repasó el origen de su pasión, la evolución de los botines a lo largo de los años y analizó las últimas innovaciones presentadas por las principales marcas deportivas.</p><h2>Marcelo Botines, el coleccionista argentino que construyó un museo del calzado futbolístico</h2><p>En cada Copa del Mundo hay un detalle que, además del juego, también capta la atención de millones de fanáticos: los botines que utilizan figuras de la talla de Lionel Messi, Neymar Júnior, Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé o Erling Haaland.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b494acac16.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines dando una conferencia en el evento Kicks and Fest (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Y en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá no es la excepción, con marcas como Nike, Adidas y Puma marcando el pulso del calzado de las grandes estrellas del fútbol internacional.</p><p>Dentro de ese universo aparece Marcelo de Wilde, más conocido en redes sociales como Marcelo Botines, uno de los especialistas más reconocidos de Latinoamérica en materia de calzado futbolístico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una colección de más de 400 pares en impecables condiciones y base en el barrio porteño de Mataderos, el creador de contenido construyó un archivo que reúne desde modelos históricos hasta piezas utilizadas por leyendas como Diego Maradona, Lionel Messi o Sergio Agüero. Junto a su socio Gonzalo Rodríguez, también atesora ediciones limitadas, botines firmados por figuras como Luis Figo, Enzo Fernández y Sergio Goycochea, además de trabajar de cerca con marcas de primer nivel para mostrar lanzamientos, tecnologías y novedades del universo botinero.</p><h2>David Beckham y el par que dio vida a Marcelo Botines</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes especialistas en botines de Latinoamérica y construir una colección con más de 400 pares, Marcelo de Wilde ya arrastraba desde la infancia una fascinación por el calzado deportivo: “<em>Mi pasión por coleccionar botines viene desde chico, que yo tenía muy en claro que me gustaban las zapatillas. En cada local que vendían zapatillas, me paraba a ver que modelo había: siempre buscaba una que me sea cómoda para jugar a la pelota, que la silueta me guste, porque antes solo podíamos comprar un solo calzado y lo teníamos para todo. No había poder económico como para tener un par para la escuela y otro para jugar a la pelota: era uno para todo</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b30d953ffc.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines enseñando calzado deportivo de la marca Skechers (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Lo que comenzó como un fanatismo por las zapatillas terminó transformándose en una pasión absoluta por los botines, una obsesión que años más tarde encontraría su punto de partida en una pieza muy especial. Y fue en el año 2017, cuando Marcelo adquirió un botín de David Beckham, par que abriría la puerta y daría comienzo al personaje de Marcelo Botines.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/del-vestuario-a-la-tribuna-asi-conquisto-el-streetwear-la-copa-del-mundo/1000217"><u><em>Del vestuario a la tribuna: así conquistó el streetwear la Copa del Mundo</em></u></a></p><h2>La evolución del botín a lo largo de los Mundiales</h2><p>A lo largo de las distintas ediciones de la Copa del Mundo, el calzado deportivo atravesó una transformación constante, no solo desde lo estético, sino también en términos de tecnología, materiales y diseño. En ese recorrido, Marcelo Botines tiene en claro cuál fue una de las irrupciones más importantes en la historia reciente del fútbol y los botines.</p><p>“<em>Las evoluciones más interesantes que tuvimos a lo largo de las Copas del Mundo para mí, luego de pasar todo lo que fue la década del 50, 60 y 70, cuando llegó el Mundial de Estados Unidos 1994, que la marca adidas irrumpe con los Predator y un elemento por encima de la capellada para darle más contacto a la pelota, efecto y un poco más de poder, hay un cambio muy grande</em>”, cuenta Marcelo sobre la que, para él, marcó un antes y un después en el calzado deportivo en Copas del Mundo.</p><p>Sin embargo, dentro de ese repaso histórico, el coleccionista argentino también destaca otros hitos que modificaron la escena, como la irrupción de los botines tipo botita de Nike durante Brasil 2014 o el nacimiento de la línea Mercurial en Francia 1998, torneo en el que Ronaldo Nazário protagonizó además uno de los primeros grandes modelos signature pensados para una estrella del fútbol mundial.</p><p>Aunque Marcelo también reconoce una evolución en cuanto a las cantidades y las variantes de cada marca: “<em>El fútbol tuvo una evolución muy grande y así también los botines. Antes había un botín de cada marca y, ahora, tenemos tres o cuatro silos diferentes dentro de cada marca específicos para las posiciones del campo de juego según la velocidad, la técnica y el estilo</em>”.</p><h2>La visión sobre los diseños de Nike, adidas y PUMA para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá</h2><p>Como bien mencionamos al inicio, marcas como Nike, adidas y PUMA han dejado una huella casi que imborrable en el diseño del calzado deportivo que sus estrellas utilizaran en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, esta vez con el color rosa como tonalidad protagónica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>Para este Mundial, no vemos ninguna tecnología que sea diferente o disruptiva a lo que ya veníamos viendo. Por el lado de Nike, tenemos una cápsula de aire en la placa de la suela y sus otros hilos totalmente idénticos. Desaparece la botita y vuelve a aparecer el Mercurial en todas sus versiones. Por su parte, adidas viene trabajando con los botines de antes (F50, Predator, Copa) y el botín especial para Lionel Messi llamado “El último tango”. PUMA tiene sus hilos Future, Ultra y King sin menciones especiales para algunos de sus jugadores</em>”, comenta el coleccionista sobre la huella de las principales marcas en la presente edición del Mundial.</p>

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Marcelo Botines y una vida dedicada a coleccionar historias del fútbol

<p><strong>Juan Pablo (JP)</strong> es un artista de la <strong>Región de Valparaíso</strong> que transforma los muros grises en portales hacia lo sagrado. Con una trayectoria que inició a los <strong>26 años</strong> tras abandonar la oficina de <strong>arquitectura</strong>, hoy combina la creación de <strong>murales urbanos</strong> con la <strong>educación artística</strong> en escuelas y talleres particulares.</p><h3><strong>El arte como un portal hacia la locura y el misterio</strong></h3><p>Para JP, el <strong>espacio público</strong> es el escenario ideal para una búsqueda personal que intenta alcanzar un punto medio entre el autor y el espectador. En su visión entiende la creación como un vehículo de <strong>experiencias sensibles</strong> donde el lenguaje humano funciona como un puente entre lo material y lo espiritual.</p><p>Busca generar un éxtasis similar al de la <strong>poesía</strong>. <em>&quot;El arte es un rasgo de la locura, una antena que te conecta con el misterio de la existencia&quot;</em>, afirma. Bajo esta premisa, la razón y la intuición se funden en una <strong>certeza corporal</strong> que todos los seres humanos pueden compartir y resonar.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_834235b844.png" alt=""><figcaption>Bonneuil-sur-Marne, París, septiembre de 2025. Intervención realizada para un festival, retratando a los trabajadores del puerto en su entorno natural a orillas del río Marne.</figcaption></figure><h3><strong>Símbolos en la ruta latinoamericana</strong></h3><p>La temática de sus piezas no es azarosa. Existe un hilo conductor que une el <strong>sincretismo religioso</strong>, la <strong>figuración simbólica</strong> y el <strong>misticismo</strong>. El haber viajado como mochilero por el continente fue la llave para entender una raíz común basada en la <strong>resiliencia</strong> y la <strong>camaradería colectiva</strong>. Este sentimiento atraviesa toda su obra. <em>&quot;Hay un sentimiento latinoamericano que atraviesa todo mi trabajo&quot;</em>, reconoce.</p><p>En su paleta técnica, el uso de <strong>pintura acrílica</strong>, rodillos y <strong>pigmentos metálicos</strong> define su estilo, donde el <strong>color cobre</strong> es su herramienta favorita para dinamizar los brillos de la obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_705270ac9a.png" alt=""><figcaption>Intervención en Metro Estación Hospital, Viña del Mar.</figcaption></figure><h3><strong>El proceso creativo</strong></h3><p>A diferencia de otros autores, JP utiliza la <strong>poesía</strong> y la <strong>literatura</strong> como los cimientos de sus imágenes. Tiene una metodología equilibrada y delicada. Prepara una base sólida mediante <strong>collages</strong> y <strong>referencias fotográficas</strong>, pero deja un margen amplio para que la obra respire y cambie durante la ejecución.</p><p>Por otro lado, JP valora la incertidumbre del proceso.<em>&quot;Disfruto más el trabajo cuando hago exploración en el mural mientras proyecto los resultados&quot;</em>, explica. Esta flexibilidad le permite que el <strong>boceto inicial</strong> mute significativamente, de manera que un 30% del resultado final queda a merced de lo que ocurra en el momento frente a la pared.</p><p><em>Leé también: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-arte-que-conecta-con-la-realidad-by-nandy-mondragon/771"><u><em>El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón</em></u></a></p><h3><strong>La comunidad como el soporte principal</strong></h3><p>Aunque factores como el <strong>clima y la lluvia</strong> en lugares como <strong>Gran</strong> <strong>Bretaña</strong> condicionan su planificación, el artista prioriza el <strong>vínculo social</strong> sobre cualquier obstáculo técnico. La calle es su soporte principal porque requiere una sensibilidad especial hacia los lugares y permite ejercitar <strong>lazos comunitarios</strong> genuinos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_17633944cf.png" alt=""><figcaption>“A la tierra”, mural para el pueblo de Vimioso, Portugal.</figcaption></figure><p>JP comulga con la filosofía de Violeta Parra “los vecinos en el centro de la experiencia”. <em>&quot;Me quedo con la gente, porque el contexto social es un ingrediente relevante en la obra&quot;</em>, sostiene. Para él, ser un agente dentro de una <strong>red de personas</strong> es lo que da sentido a la cultura en el espacio público.</p><h3><strong>Identidad y rechazo a las fórmulas repetitivas</strong></h3><p>El trabajo de JP está en constante metamorfosis. El artista integra paulatinamente la <strong>abstracción</strong> para ampliar su capacidad expresiva sin perder la <strong>figuración</strong> como vehículo de comunicación básico.</p><p>A pesar de la presión actual por la presencia digital, prefiere gestionar su carrera mediante <strong>contactos directos</strong> y correos electrónicos. Tiene una postura firme frente a la tecnología: <em>&quot;Quiero ser pintor, no un creador de contenido para las redes sociales&quot;</em>, <strong>sentencia</strong>.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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