La capital de Chile tiene varios pulmones verdes con naturaleza, cultura y actividades masivas, panoramas imperdibles para el esparcimiento de familia y amigos sin necesidad de alejarse de la metrópoli. Estos parques urbanos, destinos clave para la recreación, la práctica deportiva y la apreciación artística, atraen a miles de visitantes anualmente.<h3>Parque Araucano</h3>El Parque Araucano constituye un verdadero remanso en la comuna de Las Condes. Abarca una extensión de casi 30 hectáreas. Cuenta con extensas áreas verdes que son el escenario perfecto para diversos tipos de paseos, entre ellos senderos específicamente diseñados para recorrer a pie, en bicicleta o junto a mascotas. También proporciona instalaciones recreativas para todas las edades, desde modernos juegos infantiles, una pista de pump track hasta un skate park. Además, posee canchas deportivas y una zona dedicada para la realización de picnics. Es un espacio ideal para disfrutar en familia o tomar una pausa laboral refrescante.<ul><li>Ubicación: Pdte. Riesco 5877, Las Condes.</li></ul><ul><li>Horario: lunes a domingo, de 06:00 a 21:00 horas.</li></ul><ul><li>Acceso: ingreso gratuito.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e9ccd62377.png" alt=""><figcaption>[Imagen], por Wikipedia.</figcaption></figure><h3>Parque Alberto Hurtado</h3>El Parque Alberto Hurtado, conocido anteriormente como el Parque Intercomunal de La Reina, se distingue por su gran extensión y elementos naturales diseñados. Tiene una laguna artificial de 7.000 metros cuadrados, la cual contribuye a crear un entorno de relajo y entretención. Las instalaciones incluyen quinchos y zonas de picnic para el esparcimiento, además de ciclovías y juegos infantiles. Los más pequeños pueden disfrutar de paseos en trencito o ponys. El parque también cuenta con un anfiteatro para 10.000 personas aproximadamente, escenario de grandes eventos como la Semana de la Chilenidad o el Santiago Bierfest.<ul><li>Ubicación: Francisco Bilbao 8105, La Reina.</li></ul><ul><li>Horario: martes a domingo, de 08:30 a 19:00 horas.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_411f57f4c3.png" alt=""><figcaption>[Imagen], por Indie Hoy.</figcaption></figure><h3>Parque de las Esculturas</h3>El Parque de las Esculturas es un sitio patrimonial de alto valor cultural en Providencia, reconocido globalmente como uno de los 170 museos más relevantes del mundo por el Consejo Internacional de Museos (ICOM). Sus jardines exhiben una colección que consta de aproximadamente 50 esculturas creadas por artistas chilenos galardonados, como Marta Colvin y Federico Assler. El parque complementa su oferta con una sala subterránea llena de exposiciones y diversas actividades culturales. Este lugar es un paseo imperdible de la capital, conocido además por ser escenario de eventos masivos como el Festival Internacional Providencia Jazz.<ul><li>Ubicación: Santa María 2205, Providencia.</li></ul><ul><li>Horario: lunes a domingo, de 08:00 a 20:00 horas.</li></ul><ul><li>Acceso: ingreso gratuito.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ab073bf734.png" alt=""><figcaption>[Imagen], por Expedia.</figcaption></figure><h3>Parque de la Familia</h3>El Parque de la Familia, antiguamente llamado Parque Fluvial Padre Renato Poblete, ostenta el título del único parque urbano fluvial y el más moderno del país. Este espacio forma parte integral del circuito de la ciclovía Mapocho 42K. Se distingue por su laguna artificial de 2,5 hectáreas, la cual es alimentada directamente por las aguas del río Mapocho y constituye un hábitat para aves como patos y garzas. Su arquitectura se organiza en terrazas, las cuales funcionan como un anfiteatro al aire libre con capacidad para 600 personas. Además, tiene más de 2.000 especies vegetales endémicas de Chile. Canchas de futbolito, zonas de picnic, miradores, juegos de agua y más.<ul><li>Ubicación: Costanera Sur Poniente 3201, Quinta Normal.</li></ul><ul><li>Horario: martes a domingo, de 06:00 a 20:30 horas.</li></ul><ul><li>Acceso: ingreso gratuito.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_75eb1f1dbe.png" alt=""><figcaption>[Imagen], por www.archdaily.cl.</figcaption></figure><h3>Quinta Normal</h3>El Parque Quinta Normal representa un verdadero ícono de Santiago, porque es el primer parque público inaugurado en la ciudad en el año 1841. Este pulmón verde, de 35 hectáreas, resguarda más de 4.000 árboles. El principal atractivo reside en su inmenso valor histórico y cultural, con una red de museos que incluye el Ferroviario y el de Historia Natural. Cuenta con una laguna artificial, variados juegos de agua y un invernadero que fue declarado Monumento Histórico. El prestigioso medio Travel + Leisure lo reconoció en 2013 como uno de los parques más bellos del mundo.<ul><li>Ubicación: Av Matucana 520, Santiago.</li></ul><ul><li>Horario: martes a domingo, de 07:00 a 20:30 horas.</li></ul><ul><li>Acceso: ingreso gratuito.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b0e6f37eb8.png" alt=""><figcaption>[Imagen], por Wikipedia.</figcaption></figure>

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Noticias

Para una escapada antiestrés: descubrí los mejores parques de Santiago

Bicicletas ágiles conquistan obstáculos imposibles.&nbsp;Atletas audaces desafían la física.&nbsp;Ambas son las premisas del&nbsp;trial biking. Esta disciplina electrizante transforma paisajes urbanos y naturales en escenarios de pura destreza.&nbsp;No es simplemente andar en&nbsp;bicicleta. Es una&nbsp;danza precisa.&nbsp;Ciclistas expertos ejecutan movimientos calculados, superan rocas gigantes, escalan muros imponentes, saltan sobre troncos escarpados y más. Cada movimiento requiere&nbsp;equilibrio absoluto y cada salto demanda&nbsp;concentración máxima. El&nbsp;atleta y su máquina son uno solo, para desafiar la inercia y conquistar la&nbsp;gravedad.<h2>Riders por Latinoamérica</h2>Sebastián Fernández es una figura clave del&nbsp;bike trial en Argentina. Conocido por su apodo “el loco del equilibrio”, construyó una carrera basada en la&nbsp;precisión extrema y el dominio técnico sobre la bicicleta. Obtuvo múltiples campeonatos nacionales y&nbsp;torneos sudamericanos, y su presencia en&nbsp;exhibiciones urbanas popularizó la disciplina en eventos públicos y festivales deportivos. Además de competir, realiza&nbsp;shows educativos y artísticos, convirtiéndose en un embajador del deporte en espacios no convencionales.Wesley Rocha, desde&nbsp;Brasil, consolidó el bike trial en su país. El país no cuenta con una gran tradición en esta disciplina, pero él participó en&nbsp;torneos sudamericanos e internacionales, y llevó el deporte a&nbsp;festivales extremos y competencias multidisciplinarias.&nbsp;Pablo Riveros representa al&nbsp;trial chileno con solidez y constancia. Ganó títulos como&nbsp;campeón nacional y participó en diversas competencias a nivel sudamericano. Es conocido por su enfoque técnico, su dominio en zonas naturales y por ser un formador activo. Además, es impulsor de&nbsp;escuelas de trial en Santiago de Chile y promotor de espacios públicos adaptados para el entrenamiento.&nbsp;Ángel Gaitán, desde&nbsp;Colombia, ha sido pionero en la escena del trial urbano. Con una trayectoria que lo ha llevado a competir en eventos de&nbsp;trial y bike show, ha desarrollado un estilo que combina&nbsp;destreza técnica con espectáculo. Ha participado en campeonatos regionales y ha trabajado junto a colectivos de deportes urbanos para integrar el trial a espacios de exhibición y&nbsp;festivales de cultura joven. Su contribución se destaca en la&nbsp;formación de riders y en la visibilidad del trial como disciplina callejera en ascenso.&nbsp;&nbsp;Diego Ordoñez es originario de&nbsp;Guatemala, es uno de los riders más influyentes de Centroamérica. Fue&nbsp;campeón panamericano y representó a su país en&nbsp;competiciones internacionales. Tiene un estilo explosivo y versatilidad en circuitos urbanos y naturales. A través de clínicas, talleres y su fuerte presencia en redes sociales, trabaja activamente en la&nbsp;difusión de la práctica entre jóvenes guatemaltecos, mediante espacios para la formación de nuevas generaciones.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<h2>Semilleros de talento&nbsp;</h2>Colombia es una potencia regional. En sus montañas escarpadas se forjan&nbsp;atletas excepcionales,&nbsp;Daniel Dhers, leyenda del&nbsp;BMX, es un ejemplo de ello.&nbsp;México también exhibe un crecimiento notable, sus parques urbanos se transforman en pistas improvisadas.&nbsp;Argentina no se queda atrás con&nbsp;competencias emocionantes se desarrollan en diversas provincias y el nivel competitivo aumenta año tras año. La diversidad geográfica enriquece la práctica y cada región impone sus propios desafíos.Las ciudades cuentan con escenarios únicos. Escaleras abandonadas se convierten en rampas. Muros desgastados son desafíos verticales. Plazas públicas se transforman en circuitos técnicos. La&nbsp;creatividad no tiene límites, encuentran obstáculos donde otros solo ven rutina, una apropiación del espacio público genera asombro.&nbsp;<h2>Una filosofía de vida</h2>El&nbsp;trial biking trasciende la mera actividad física para ser una&nbsp;filosofía de vida.&nbsp;Los atletas aprenden la&nbsp;perseverancia y cultivan la&nbsp;paciencia. Cada obstáculo superado fortalece el espíritu y cada frustración se convierte en&nbsp;motivación.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/el_espectacular_Trial_Biking_en_los_techos_1_6acda7cf0b.jpg"> El potencial de crecimiento es enorme. La visibilidad del deporte aumenta gradualmente [Imagen], por RedBull.Las redes sociales juegan un papel crucial porque difunden hazañas increíbles. Por otro lado, la&nbsp;gravedad es solo un desafío más para estos maestros del&nbsp;equilibrio sobre dos ruedas. La influencia de la&nbsp;cultura local se manifiesta y la&nbsp;pasión desbordante es una característica distintiva, que continúa construyéndose con cada pedaleada.&nbsp;

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Trial Biking y el arte de vencer la gravedad

Además de ser uno de los países más importantes de Latinoamérica, Brasil cuenta con un gran variedad de destinos turísticos con un amplio abanico de atractivos y sitios para recorrer tales como Río de Janeiro, San Pablo y Brasilia, por ejemplo.<h2>Río de Janeiro</h2>Si bien no es la capital, Río de Janeiro es la ciudad más conocida de Brasil y la segunda más poblada por detrás de San Pablo. Uno de los puntos turísticos más importantes de la metrópoli ubicada en el sureste del país son las famosas playas de Ipanema y de Copacabana, dos de los destinos más emblemáticos y representativos de la ciudad tanto para los locales como para los turistas.Situado en la cima del Cerro del Corcovado, el Cristo Redentor es, sin dudas, otro de los atractivos turísticos más importantes de Río de Janeiro. La estatua, que representa a Jesús de Nazaret con los brazos abiertos, puede ser vista desde casi todos los lugares de la ciudad, aunque también existe la posibilidad de admirarla desde cerca.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CIUDADES_BRASIL_2_9349ea0fe0.jpg"> Vista panorámica del Cristo Redentor y sus alrededores (Getty Images).Además de ser uno de los monumentos naturales más icónicos de la ciudad, el Pan de Azúcar también integra la lista de los sitios de Río de Janeiro más elegidos por el turismo mundial. Ubicado en la desembocadura de la bahía de Guanabara, en el barrio de Urca, el monumento cuenta con un mirador que ofrece una de las mejores vistas de la metrópoli y posee varias rutas de escalada para los amantes de dicha disciplina.A su vez, Río de Janeiro cuenta con un estrecho vínculo con el fútbol. Además de ser la ciudad de origen de cuatro equipos de renombre en la escena sudamericana como Flamengo, Fluminense, Botafogo y Vasco da Gama, la metrópoli posee el Estadio Maracaná, uno de los recintos más importantes en la historia del balompié.<h2>San Pablo</h2>San Pablo, la ciudad con más habitantes de Brasil y de todo el continente sudamericano, cuenta con un amplio abanico de lugares fascinantes para explorar. Además de ser el corazón financiero y cultural de la metrópoli, la Avenida Paulista es una de las calles más importantes de San Pablo. La avenida se encuentra llena de rascacielos, tiendas, restaurantes y centros culturales que la convierten en un sitio ideal para caminar y recorrer los distintos atractivos que ofrece.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CIUDADES_BRASIL_3_49a66ba340.jpg"> Las vistas de la Avenida Paulista (Secretaria de Turismo del Gobierno del Estado de San Pablo).Considerado el pulmón verde de la ciudad y comparado con Central Park, el Parque del Ibirapuera es uno de los parques urbanos más grandes de América Latina y otro de los atractivos de San Pablo. Además de contar con un amplío espacio para caminar, andar en bicicleta y disfrutar de la naturaleza, el parque posee el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo Afro Brasil y el Auditório Ibirapuera.El Mercado Municipal de San Pablo es uno de los puntos gastronómicos más recomendados de la ciudad brasileña. Famoso por su arquitectura y su vasta oferta gastronómica, el sitio cuenta con varias delicias locales como el pastel de bacalhau (empanada de bacalao) y el sándwich de mortadela, entre otros platillos.La Catedral Metropolitana de San Pablo, reconocida por su impactante arquitectura tanto por fuera como por dentro, la Pinacoteca del Estado, museo de arte de renombre en la metrópoli, y el Edificio Martinelli, que cuenta con una de las mejores vistas de la ciudad, son otros de los sitios imperdibles de San Pablo.<h2>Brasilia</h2>Conocida por su arquitectura modernista, diseñada por el famoso arquitecto Oscar Niemeyer, Brasilia integra la lista de las ciudades brasileñas más visitadas por el turismo. La capital del país sudamericano posee una gran variedad de sitios que la convierten en una de las joyas arquitectónicas del continente.Además de contar con un arquitectura asombrosa, la Plaza de los Tres Poderes es el corazón político de la ciudad y alberga los edificios de los tres poderes del gobierno: Palacio de Planalto (sede del poder ejecutivo), Congreso Nacional (poder legislativo) y Supremo Tribunal Federal (poder judicial).La Catedral de Brasilia también forma parte de los sitios turísticos más importantes de la ciudad. Reconocida como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, el edificio se ha convertido en una de las atracciones más importantes debido a su diseño futurista y su belleza arquitectónica.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CIUDADES_BRASIL_4_40990c3873.jpg"> El exterior de la Catedral de Brasilia (Expedia).

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Río de Janeiro, San Pablo y Brasilia: las tres ciudades imperdibles de Brasil

Además de ser uno de los países más importantes de Latinoamérica, México también integra la lista de países con metrópolis alucinantes en materia turística.Ciudad de México, Guadalajara y Cancún son tres ciudades imprescindibles en México que ofrecen experiencias únicas como museos, edificios históricos, playas, arte urbano y vida nocturna, entre otros atractivos.<h2>Ciudad de México</h2>Conocida como la Ciudad de los Palacios, Ciudad de México es una de las metrópolis más visitadas por el turismo. Además de ser la capital del país norteamericano, la ciudad cuenta con un extenso abanico de atractivos turísticos para recorrer.Con edificios icónicos como el Palacio de Bellas Artes, una de las joyas arquitectónicas del país y uno de los centros culturales más importantes donde, por ejemplo, se exhiben obras de artes de artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, entre otros, y la Catedral Metropolitana, uno de los templos religiosos más reconocidos de Latinoamérica, el Centro Histórico de la Ciudad de México es, sin dudas, el principal sitio turístico de la metrópoli.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Las_afueras_del_increible_Palacio_de_Bellas_Artes_a4c9260d7b.jpg"> [Imagen], por Expedia.Otro de los aspectos fundamentales de Ciudad de México es la amplia diversidad de espacios artísticos. El Museo Frida Kahlo, donde se pueden apreciar obras y objetos personales de la histórica artista, el Museo Nacional de Antropología, una de las galerías más importantes de América Latina, y el Museo Soumaya, una de las edificaciones más impactantes de la metrópoli que contiene la colección de Fundación Carlos Slim, que ofrece más de treinta siglos de arte americano y europeo, son algunos de los recintos artísticos reconocidos y visitados de la ciudad.A su vez, barrios como Roma y Condesa son sitios ideales para conocer el arte urbano de la Ciudad de México. Los distritos cuentan con cientos de murales de diversos artistas en las edificaciones que rodean la zona que le dan un toque urbano y de color. <img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/La_impactante_arquitectura_del_Museo_Soumaya_b1590601d9.jpg">[Imagen], por Expedia.Ciudad de México también cuenta con una gran influencia en el fútbol local al ser hogar de tres de las instituciones más importantes de la escena nacional tales como Club América, Pumas UNAM y Cruz Azul. Los amantes del balompié podrán visitar los estadios de los clubes y, en caso de que el torneo esté en juego, ver un partido y conocer cómo se vive el fútbol en suelo mexicano.La Ciudad de México también es hogar del Ángel de la Independencia, uno de los monumentos más icónicos e importantes del país latinoamericano. El monumento representa a la diosa griega de la victoria, Niké, quien sostiene una corona de laurel en la mano derecha y una cadena rota en la mano izquierda que simboliza la liberación de México del dominio colonial español.El Bosque de Chapultepec, conocido como uno de los parques urbanos más grandes del continente latinoamericano, es un sitio ideal para disfrutar de la naturaleza y realizar actividades al aire libre.<h2>Cancún</h2>Ubicada en el estado de Quintana Roo, Cancún es otra de las ciudades mexicanas más visitadas por el turismo mundial. Si bien el principal atractivo de la metrópoli son las playas, también cuenta con diversos sitios para disfrutar y conocer cada rincón de la ciudad.Delfines, famosa por su arena blanca y el letrero de “Cancún”, y Tortugas, popular entre turistas y locales y con un ambiente relajado con opciones para deportes acuáticos, son algunas de las playas más reconocidas de Cancún. A su vez, Cancún también es hogar de Xcaret, un parque eco-arqueológico donde se puede disfrutar de actividades acuáticas, shows culturales, fauna local y cenotes.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/La_vista_aerea_de_las_playas_y_los_edificios_de_Cancun_9025b4756f.jpg"> [Imagen], por Expedia.Otro de los atractivos de la metrópoli mexicana es la vida nocturna. Clubes como Coco Bongo, una de las discotecas más famosas de Cancún, que cuenta con espectáculos en vivo como shows en vivo e imitaciones y que atrae a multitudes de turistas, y&nbsp;The City Nightclub, otro de los clubes más grandes de América Latina, convierte a Cancún en uno de los mejores lugares para disfrutar de la noche.Al mismo tiempo, la cercanía de Cancún con islas como Isla Mujeres o Isla Holbox permite que los turistas puedan disfrutar de otros atractivos sin escaparse ni viajar lejos de la ciudad.<h2>Guadalajara</h2>Conocida como la cuna del mariachi y el tequila, Guadalajara ofrece un ambiente lleno de tradición mexicana con una inmensa variedad de atractivos turísticos para visitar.Además de ser uno de los principales templos religiosos de México, la Catedral de Guadalajara es un sitio ideal para comenzar la recorrida por la ciudad. La basílica, que está compuesta por tres naves, es uno de los símbolos más importantes y una de las maravillas arquitectónicas de la metrópoli.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/La_iluminacion_de_la_Catedral_de_Guadalajara_de_noche_51a8aa6c8f.jpg"> [Imagen], por Expedia.El Teatro Degollado también integra la lista de los sitios turísticos más importantes de Guadalajara. Ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad, el recinto, que alberga espectáculos de ballet, ópera y música clásica y tiene una capacidad para más de mil personas, es uno de los teatros más bellos y populares de México.&nbsp;Otro de los lugares recomendados para visitar en Guadalajara es el Mercado San Juan de Dios, también conocido como el Mercado Libertad. El sitio, que es uno de los mercados techados más grandes de América Latina, presenta un abanico de artesanías, comida típica, ropa y artículos de todo tipo para sumergirte en la vida tapatía.La metrópoli mexicana también cuenta con sitios como el Bosque Los Colomos o el Parque Agua Azul ideales para conectar con la naturaleza y realizar actividades al aire libre.

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Ciudad de México, Cancún y Guadalajara: las tres ciudades imperdibles de México

Seguramente te habrás cruzado en Instagram, TikTok o YouTube con una entrevista protagonizada por alguno de los personajes más particulares de Buenos Aires.Detrás de ese formato se encuentra Neumo, periodista y creador de contenido argentino que convirtió una simple mesa plegable instalada en espacios públicos en el escenario de “De la calle al living”, un fenómeno digital que acumula millones de reproducciones y reúne a algunas de las figuras más virales de internet y de las calles porteñas.<h2>“De la calle al living”: el formato de Neumo que conquistó las redes sociales</h2>Las entrevistas son uno de esos formatos que parecen inmunes al paso del tiempo. Desde los primeros programas de televisión hasta los podcasts, streams y contenidos que hoy dominan las redes sociales, las conversaciones cara a cara siguen siendo una de las formas más efectivas de contar historias y conocer personajes.Y si bien es frecuente asociar las entrevistas a grandes producciones, estudios equipados con tecnología de última generación, cámaras profesionales, focos de iluminación y escenografías cuidadosamente diseñadas, existe un argentino que decidió darle una vuelta de tuerca a la fórmula tanto desde la puesta en escena como desde la elección de sus invitados: su nombre es Agus Oli, aunque en internet la mayoría lo conoce simplemente como Neumo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSDs9wuDwx2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSDs9wuDwx2/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Con pasado en medios y plataformas como Vorterix e Hispa, el periodista y productor argentino encontró su propia identidad digital a través de “De la Calle al Living”, un formato de entrevistas que se convirtió en un fenómeno en TikTok, Instagram y YouTube.Con millones de reproducciones y cientos de miles de likes acumulados, Neumo logró construir una propuesta que llama la atención desde donde se la mire. No solamente por el tipo de preguntas o por el ritmo de las conversaciones, sino también por la selección de invitados y la sencillez de un set que se volvió completamente reconocible para su audiencia. Y es que el creador de contenido argentino construyó una identidad propia entrevistando a personajes virales de internet, figuras populares de las calles porteñas, artistas urbanos, creadores de contenido y protagonistas de ese universo tan particular que mezcla redes sociales, cultura popular y fenómenos urbanos.<ul><li>Marito Baracus</li></ul><ul><li>Melian Valen</li></ul><ul><li>Lolo</li></ul><ul><li>El Joker argentino</li></ul><ul><li>Slimesanti</li></ul><ul><li>Turrobaby</li></ul><ul><li>MKS</li></ul><ul><li>Alejo Devil</li></ul><ul><li>CaraLoco</li></ul><ul><li>Maxi (el enano bostero)</li></ul><ul><li>Margim</li></ul><ul><li>Joaco de Piedras Blancas</li></ul><ul><li>Imitadores de personajes como Spiderman y Batman</li></ul><ul><li>Matías Candia</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXP00r1DyAa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXP00r1DyAa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Pero quizás uno de los aspectos más llamativos del proyecto es su escenario. Lejos de los estudios tradicionales, Neumo despliega una mesa plegable de madera, dos sillas negras y un par de micrófonos corbateros en distintos puntos de la Ciudad de Buenos Aires. Parques, plazas, avenidas y zonas turísticas se convierten así en un living improvisado donde cualquier persona puede transformarse en protagonista de una entrevista.El resultado son conversaciones breves, dinámicas y adaptadas al lenguaje de las redes sociales, donde cada respuesta busca captar la atención del espectador en apenas unos segundos. Una fórmula simple, efectiva y profundamente ligada a la velocidad del consumo digital actual que convirtió a “De la Calle al Living” en uno de los formatos de entrevistas más reconocibles del ecosistema de contenidos argentino.

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El formato que convirtió a los personajes más insólitos de Buenos Aires en estrellas de internet

El universo de One Piece salió de las pantallas para convertirse en arte urbano: en la ciudad de León, más de veinte artistas locales dieron vida a sus principales personajes y crearon un monumental homenaje al universo creado por Eiichiro Oda.<h2>Luffy, Zoro y los Sombrero de Paja llegan a León en un mural monumental</h2>México es uno de los grandes referentes del muralismo latinoamericano y, dentro de su territorio, León se consolidó durante los últimos años como uno de los puntos destacados para el desarrollo del arte urbano. Ahora, la ciudad volvió a quedar en el centro de la escena gracias a un monumental homenaje al universo de One Piece.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_027ad72c44.png" alt=""><figcaption>Detalles del mural de One Piece en León (IMJU León).</figcaption></figure>La obra se encuentra sobre el bulevar José María Morelos, esquina con Rafael Corrales Ayala, y ocupa una superficie de aproximadamente 43 metros de largo por 7 metros de alto. Para llevar adelante el proyecto, más de veinte artistas urbanos locales unieron sus estilos en una intervención encabezada por Sergio Mar Quiroz, conocido artísticamente como Zhot, uno de los principales referentes del arte urbano leonés.Con una trayectoria que supera los 150 murales y como uno de los referentes del colectivo RNK, Zhot lideró una obra que funciona como un portal directo hacia el universo creado por Eiichiro Oda, el mangaka detrás de una de las historias más importantes de la cultura japonesa contemporánea.El mural reúne una extensa selección de personajes y símbolos reconocibles de One Piece, llevando al formato de gran escala a buena parte de los protagonistas de la historia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Monkey D. Luffy</li><li>Roronoa Zoro</li><li>Nami</li><li>Usopp</li><li>Sanji</li><li>Tony Tony Chopper</li><li>Nico Robin</li><li>Franky</li><li>Brook</li><li>Jinbe</li></ul>Otro de los elementos que más llama la atención es la presencia del Going Merry, el icónico barco que acompañó a los Sombrero de Paja durante una parte fundamental de su aventura, integrado dentro de una composición que conecta a los distintos personajes y momentos de la historia.La intervención también incorpora un guiño al fenómeno global que One Piece alcanzó fuera del manga y el anime: la aparición de Iñaki Godoy, actor mexicano que interpreta a Monkey D. Luffy en la adaptación live action de Netflix, que llevó nuevamente el universo de Eiichiro Oda a una audiencia masiva.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6812405743.png" alt=""><figcaption>Fans de One Piece posando con el mural creado por Zhot y compañía en Léon (IMJU León).</figcaption></figure>El proyecto contó además con la participación de artistas locales como Mercy, Iturias, Bler, Crook, Chris Brown, Gabe, Mauricio, Frida, Zorbe, Brote, entre otros integrantes del colectivo de más de 20 artistas que participaron de la intervención.Así, León suma una nueva pieza a su creciente recorrido dentro del muralismo mexicano con una obra que cruza generaciones, disciplinas y culturas: el arte urbano local se convierte en el escenario para homenajear a una historia que, después de más de mil episodios y décadas de recorrido, logró convertirse en uno de los grandes fenómenos culturales de Japón y del mundo.

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El universo de One Piece toma las calles de León

Los argentinos Augusto Servello y Andrea Nigosanti mordiendo su medalla de los Juegos Suramericanos (1).avif

Juegos Suramericanos Santa Fe 2026: medallas, resultados y protagonistas del deporte urbano

El skateboarding cuenta con diferentes modalidades, cada una con sus propios escenarios, obstáculos y formas de desarrollar los trucos, y Street Art Latam te trae una guía para conocer sus principales disciplinas: street, park y bowl.<h2>Street: cuando la ciudad se convierte en un skatepark</h2>El street es una de las modalidades más vinculadas con los orígenes urbanos del skateboarding. En lugar de utilizar exclusivamente rampas diseñadas para patinar, los skaters aprovechan elementos del mobiliario urbano para desarrollar sus líneas y trucos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6388c185da.png" alt=""><figcaption>Escenario de street en el mundo del skateboarding (Red Bull).</figcaption></figure>Escaleras, barandas, bancos, bordes, muros y desniveles pueden convertirse en obstáculos para realizar diferentes maniobras, mientras que la creatividad y la capacidad para interpretar el entorno tienen un papel fundamental.En las competencias de street, los participantes suelen ser evaluados por aspectos como la dificultad de los trucos, la ejecución, la variedad, el uso de los obstáculos y la fluidez de sus recorridos.<h2>Park: trucos, velocidad y líneas en un circuito de rampas</h2>El park se desarrolla en circuitos especialmente construidos para el skateboarding, que combinan diferentes rampas, transiciones, desniveles y obstáculos.A diferencia del street, donde el escenario busca reproducir elementos de la ciudad, los skateparks permiten construir recorridos específicos para que los skaters puedan aprovechar las distintas estructuras y ganar velocidad.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/CmRarO1_NGo" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Las líneas pueden incluir saltos, giros, grinds y diferentes maniobras realizadas sobre las rampas y obstáculos del circuito, donde la velocidad, la altura y la dificultad de los trucos son algunos de los elementos que adquieren protagonismo.Esta modalidad también forma parte del programa olímpico, donde el recorrido se desarrolla sobre un circuito con distintas transiciones y obstáculos.<h2>Bowl: velocidad y transiciones dentro de una gran estructura</h2>El bowl toma su nombre de la forma de las estructuras en las que se practica. Se trata de espacios con paredes curvas y transiciones que permiten que los skaters recorran el circuito utilizando el impulso generado por sus movimientos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fe9f25ca4b.png" alt=""><figcaption>El skater español Danny León haciendo skate en un bowl (Red Bull).</figcaption></figure>En lugar de desplazarse principalmente de un obstáculo a otro, como puede ocurrir en street, el skater aprovecha las paredes y transiciones para mantener la velocidad, subir por los laterales y realizar diferentes maniobras.La profundidad y la forma del bowl pueden variar considerablemente, generando diferentes posibilidades para quienes lo utilizan. La modalidad exige un buen control de la velocidad, equilibrio y capacidad para leer las transiciones de la estructura.

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¿Cuáles son las principales modalidades del skateboarding?

El deporte urbano continúa ganando espacio dentro de las competencias deportivas, y los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles, que se llevarán a cabo del lunes 2 al sábado 7 de noviembre en Mar del Plata, no serán la excepción: skateboarding, BMX freestyle, freestyle y básquet 3x3 formarán parte del programa deportivo del certamen.<h2>El deporte urbano tendrá su lugar en los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles</h2>Los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles, una de las principales competencias deportivas a lo largo y ancho de Argentina, tendrán una importante presencia del deporte urbano en su actual edición.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_87936f054f.png" alt=""><figcaption>Skateboarding en los Juegos Urbanos Evita (Diario Olé).</figcaption></figure>El programa incluirá disciplinas convencionales y adaptadas, ampliando el espacio para diferentes expresiones deportivas y permitiendo que jóvenes talentos puedan competir, desarrollarse y mostrar sus habilidades en un escenario de alcance nacional.<ul><li>Básquet 3x3</li></ul><ul><li>Básquet 3x3 adaptado</li></ul><ul><li>BMX freestyle</li></ul><ul><li>Freestyle</li></ul><ul><li>Skateboarding</li></ul>La presencia de estas disciplinas vuelve a demostrar cómo el deporte urbano continúa incorporándose a los principales programas deportivos y generando espacios de competencia para las nuevas generaciones.<h2>¿Qué son los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles?</h2>Con un programa que reúne 38 disciplinas, divididas en 31 convencionales y 7 adaptadas, y organizado por la Secretaría de Turismo, Ambiente y Deportes de la Nación, los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles son uno de los principales programas deportivos juveniles de Argentina.La competencia cuenta con dos etapas: primero se desarrolla un proceso clasificatorio en cada provincia, donde participan miles de jóvenes de todo el país, y luego llega la fase final en Mar del Plata, que este año reunirá a más de 8.000 participantes.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/wzifLjmZ7iE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Además de funcionar como un espacio de competencia y encuentro para jóvenes atletas, los Juegos representan una oportunidad para la detección de talentos, con el objetivo de que los deportistas más destacados puedan incorporarse posteriormente a estructuras de alto rendimiento y representar a Argentina en competencias internacionales.Entre las disciplinas convencionales aparecen deportes como atletismo, bádminton, boxeo, canotaje, esgrima, gimnasia, hockey, judo y taekwondo, entre muchas otras.

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El deporte urbano llega a los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles

Si alguna vez viste a varios freestylers o bailarines reunidos alrededor de un espacio y te preguntaste qué estaban haciendo, probablemente estabas frente a un cypher. Pero ¿qué significa este concepto y por qué es tan importante para el hip hop?.<h2>¿Qué es un cypher en el hip hop?</h2>Un cypher es un espacio de encuentro en el que diferentes artistas se reúnen para expresarse, improvisar y compartir dentro de la cultura hip hop. Puede estar protagonizado por MCs haciendo freestyle, bailarines de breaking o artistas de distintas disciplinas que forman un círculo alrededor de quienes están participando.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/Cub8V9DXApI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>La dinámica no tiene una única forma: puede aparecer en una plaza, una calle, un evento o incluso en una competencia. Lo importante es el intercambio. Cada participante toma su turno, responde a lo que ocurre a su alrededor y aporta su propio estilo, mientras el resto observa, acompaña y forma parte de la experiencia.<ul><li>Freestyle: MCs improvisan rimas y construyen respuestas en el momento.</li></ul><ul><li>Breaking: los bailarines entran al círculo y muestran sus movimientos y combinaciones.</li></ul><ul><li>Danza: diferentes estilos pueden convivir dentro del mismo espacio.</li></ul><ul><li>Improvisación: la creatividad y la capacidad de reaccionar son protagonistas.</li></ul><ul><li>Intercambio: los participantes observan, aprenden y toman elementos de otros artistas.</li></ul><h2>¿Por qué el cypher es tan importante para el hip hop?</h2>Más allá de ser un espacio para demostrar habilidades, el cypher representa uno de los valores centrales del hip hop: la comunidad. El círculo permite que artistas de distintos niveles compartan un mismo lugar, intercambien conocimientos y desarrollen su identidad a partir de la interacción con otros.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dc1ec73080.png" alt=""><figcaption>Cypher de freestyle (Chelsea Factory).</figcaption></figure>Por eso, el cypher también funciona como un espacio de aprendizaje. Un MC puede encontrar nuevas formas de improvisar al escuchar a otro, mientras que un bailarín puede incorporar movimientos, estilos o recursos después de observar a sus compañeros. No se trata únicamente de competir, sino de formar parte de una escena y mantener vivo el intercambio cultural que caracteriza al hip hop.Y aunque hoy existen grandes competencias y eventos internacionales, los cyphers continúan apareciendo en plazas, calles y encuentros urbanos de todo el mundo, manteniendo una de las formas más tradicionales de vivir y compartir la cultura hip hop.

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¿Qué es un cypher y por qué es tan importante en la cultura hip hop?

Durante años, parkour y freerunning fueron utilizados como sinónimos, pero cada disciplina tiene una identidad propia. Mientras una prioriza la eficiencia y la velocidad, la otra encuentra en la creatividad y las acrobacias su principal forma de expresión, y Street Art Latam te ayuda a identificarlas.<h2>Parkour y freerunning: dos disciplinas, un objetivo diferente</h2>Es muy probable que muchos piensen que el parkour y el freerunning son la misma disciplina, simplemente con un nombre diferente, como suele ocurrir con otras disciplinas.Sin embargo, aunque ambas comparten movimientos, saltos y desplazamientos por el entorno urbano, existe una diferencia fundamental: el objetivo principal de cada una.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a6efe29821.png" alt=""><figcaption>El freerunner Krystian Kowalewski sobre una azotea en la isla griega de Astypalea (Red Bull).</figcaption></figure>El parkour busca llegar de un punto A a un punto B de la manera más rápida, eficiente y segura posible. El freerunning, en cambio, prioriza la libertad de movimiento, la creatividad y la expresión personal, incorporando elementos acrobáticos y movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.<h2>¿Cuáles son las principales diferencias entre parkour y freerunning?</h2>Aunque ambas disciplinas nacieron de una misma raíz y comparten numerosas técnicas, con el paso del tiempo desarrollaron identidades propias.<ul><li>Objetivo: el parkour prioriza la velocidad, la eficiencia, la técnica y la resolución de obstáculos. El freerunning pone el foco en la creatividad, la expresión personal y la estética de cada movimiento.</li></ul><ul><li>Movimientos: el parkour utiliza desplazamientos, saltos, trepadas, carreras por paredes y otros movimientos destinados a superar obstáculos de manera funcional. El freerunning incorpora además giros, acrobacias, saltos mortales y movimientos más espectaculares.</li></ul><ul><li>Esencia: para el parkour, el recorrido y la manera de superar cada obstáculo son los elementos centrales. En el freerunning, el estilo y la forma de ejecutar cada movimiento también se convierten en protagonistas.</li></ul><ul><li>Libertad: mientras el parkour busca encontrar una solución eficiente para atravesar un espacio, el freerunning permite modificar el recorrido y sumar movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bc8c323590.png" alt=""><figcaption>Freerunner realizando una acrobacia en una azotea en una azotea de la isla griega de Astipalea (Red Bull).</figcaption></figure>El freerunning se popularizó especialmente gracias a Sébastien Foucan, quien ayudó a desarrollar una interpretación más libre y acrobática del movimiento urbano.Con el tiempo, esta disciplina encontró su propia identidad y se convirtió en una de las expresiones más reconocibles dentro de los deportes urbanos.En definitiva, ambas disciplinas comparten una misma raíz y muchas de sus técnicas, pero su filosofía es diferente: el parkour busca eficiencia; el free running busca expresión.

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¿Por qué el freerunning es diferente al parkour?

El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.<h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.<h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.<ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.<h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.<h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.

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¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.<h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma de intervenir los espacios”.El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad”.<h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.<h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.“Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.<h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.“Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad”.Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.<h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo”.Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

Tomomi Nishikubo llevó el ciclismo de trial al límite con un histórico fakie nose manual en Hakuba, Japón, donde estableció dos récords Guinness al descender marcha atrás y sobre la rueda delantera de su bicicleta por un trampolín de esquí.<h2>El histórico descenso de Tomomi Nishikubo en Hakuba</h2>El vínculo entre Red Bull y los deportes urbanos y de acción creció exponencialmente durante los últimos años y dio lugar a algunas de las hazañas más increíbles de las diferentes disciplinas. Desde el feeble grind de Leticia Bufoni en un skatepark instalado dentro de un avión a más de 3.000 metros de altura hasta el salto de Matt Jones entre dos camiones en movimiento, distintos atletas llevaron sus especialidades a escenarios imposibles.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_26ab1bf65f.png" alt=""><figcaption>El fakie nose manual de Tomomi Nishikubo en el trampolín de salto de esquí en Hakuba (Red Bull).</figcaption></figure>Ahora, Tomomi Nishikubo escribió su propia página en ese particular libro de hazañas al llevar el ciclismo de trial al límite. El japonés descendió marcha atrás por el trampolín de salto de esquí en Hakuba, mientras mantenía el equilibrio únicamente sobre la rueda delantera de su bicicleta, a través de una maniobra conocida como fakie nose manual, que le permitió establecer dos récords Guinness.Bajar una pendiente pronunciada en bicicleta ya representa un desafío para cualquier rider. Hacerlo marcha atrás aumenta considerablemente la dificultad y hacerlo mientras se mantiene el equilibrio sobre una sola rueda parece directamente imposible. Sin embargo, Nishikubo convirtió esa idea en realidad después de dos años de planificación y preparación.La inspiración llegó desde otro deporte y de otro atleta japonés. Nishikubo tomó como referencia a Ryoyu Kobayashi, quien en el año 2024 protagonizó un espectacular salto de 291 metros en una rampa especialmente construida en Hlidarfjall, Islandia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@guinnessworldrecords/video/7673107915993124118" data-video-id="7673107915993124118" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@guinnessworldrecords/video/7673107915993124118" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>En Hakuba, Nishikubo llevó esa inspiración a su propio terreno. El rider alcanzó velocidades superiores a los 60 km/h y consiguió mantenerse sobre la rueda delantera durante 35 segundos mientras recorría el trampolín de esquí en una maniobra en la que fakie significa desplazarse hacia atrás y nose manual mantener el equilibrio sobre la rueda delantera.<h2>Los dos récords Guinness que estableció Nishikubo</h2>La hazaña de Tomomi Nishikubo no quedó solamente en una maniobra espectacular. Su descenso por el trampolín de Hakuba le permitió establecer dos nuevos récords mundiales Guinness, relacionados tanto con la inclinación de la superficie como con la distancia recorrida.<ul><li>Fakie nose manual en bicicleta más empinado: 37,5 grados de inclinación.</li></ul><ul><li>Mayor distancia recorrida en fakie nose manual en bicicleta sobre un trampolín de esquí: 136,6 metros.</li></ul>De esta manera, Nishikubo no solo llevó una disciplina como el ciclismo de trial a un escenario completamente inesperado, sino que convirtió una idea que parecía imposible en dos marcas reconocidas oficialmente por Guinness World Records.

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Tomomi Nishikubo y el descenso marcha atrás que desafió los límites del ciclismo de trial

El streetwear tiene códigos, tendencias y también un lenguaje propio que aparecen constantemente en lanzamientos, redes sociales y tiendas especializadas, y Street Art Latam te acerca una guía de términos para entender la escena de la moda urbana.<h2>Tendencias y siluetas</h2><ul><li>Oversize: prendas diseñadas con un calce deliberadamente amplio y holgado, con mayor volumen que una silueta tradicional.</li></ul><ul><li>Boxy: silueta de aspecto más cuadrado y estructurado, generalmente más ancha y corta que una prenda convencional.</li></ul><ul><li>Cropped: prendas cuyo largo se encuentra por encima del corte tradicional, dejando una parte mayor del cuerpo al descubierto.</li></ul><ul><li>Gorpcore: tendencia que incorpora prendas y elementos asociados originalmente a actividades outdoor y de montaña dentro de looks urbanos.</li></ul><ul><li>Techwear: estilo que combina estética urbana con prendas funcionales, materiales técnicos, múltiples bolsillos y recursos pensados para mejorar la utilidad de las piezas.</li></ul><ul><li>Normcore: estética basada en prendas simples, funcionales y deliberadamente convencionales, alejadas de la búsqueda de llamar la atención mediante diseños excesivos.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_466e78d4dd.png" alt=""><figcaption>Moda urbana (Cottonbro studio).</figcaption></figure><h2>Lanzamientos y colaboraciones</h2><ul><li>Drop: lanzamiento puntual de una colección o producto, generalmente realizado en una fecha determinada y con una estrategia que busca generar expectativa alrededor de la salida.</li></ul><ul><li>Collab: abreviatura de collaboration. Se utiliza para describir una colaboración entre dos o más marcas, artistas, diseñadores o figuras.</li></ul><ul><li>Capsule: colección pequeña y acotada de prendas o productos que comparten una temática, concepto o identidad visual determinada.</li></ul><ul><li>Limited Edition: edición limitada de un producto fabricada o comercializada en cantidades reducidas, lo que suele aumentar su exclusividad y atractivo para los consumidores.</li></ul><h2>El ABC de las sneakers</h2><ul><li>Size: hace referencia al talle o número de una zapatilla. En el mundo sneaker suele aparecer expresado según diferentes sistemas de talles, como US, UK o EU.</li></ul><ul><li>Silueta: es el modelo o diseño general de una zapatilla, independientemente de la combinación de colores o materiales. Por ejemplo, una Air Force 1 o una Air Jordan 1 son siluetas diferentes.</li></ul><ul><li>Colorway: describe la combinación de colores y materiales utilizada en una determinada versión de una silueta. Una misma zapatilla puede tener múltiples colorways.</li></ul><ul><li>Deadstock (DS): se utiliza para describir una zapatilla nueva, sin uso y generalmente conservada en su estado original.</li></ul><ul><li>VNDS: significa Very Near Deadstock y se utiliza para zapatillas que fueron utilizadas muy poco y se encuentran prácticamente en el mismo estado que unas nuevas.</li></ul><ul><li>GR: abreviatura de General Release. Son lanzamientos de zapatillas que tienen una disponibilidad relativamente amplia, en contraste con ediciones limitadas o lanzamientos exclusivos.</li></ul><ul><li>Resell: es la reventa de una zapatilla, generalmente después de su lanzamiento y a un precio diferente al original. El mercado resell es una parte fundamental de la cultura sneaker.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_160e5cc45b.png" alt=""><figcaption>Air Jordan 5, un tipo de silueta del mundo sneaker (Jordan).</figcaption></figure>

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Oversize, boxy, drop y colorway: los términos del streetwear que tenés que conocer

La decimotercera edición de los Juegos Suramericanos, que reunirá a más de 4.000 atletas en 43 deportes y 60 disciplinas, aterrizará en la provincia de Santa Fe, desde el próximo sábado 12 hasta el sábado 26 de septiembre, con Rosario, Santa Fe y Rafaela como las tres ciudades sede.<h2>Juegos Suramericanos 2026: Argentina se prepara para recibir una nueva edición</h2>Luego de la edición anterior realizada en Asunción y tras dos décadas de espera, los Juegos Suramericanos regresarán a tierras argentinas. En esta oportunidad, Rosario, Santa Fe y Rafaela serán las tres ciudades sede de la competencia, que se llevará a cabo del sábado 12 al sábado 26 de septiembre.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYaDudhjxdb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYaDudhjxdb/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>La decimotercera edición reunirá a más de 4.000 atletas de distintos países de la región, que competirán en 43 deportes y 60 disciplinas en busca de quedarse con las medallas y convertirse en protagonistas de una nueva edición de los Juegos Suramericanos.Además, esta edición cuenta con un hecho histórico: es la primera vez que ODESUR designa a una región como sede de los Juegos, con tres ciudades de la provincia de Santa Fe encargadas de recibir a las distintas competencias.<h2>¿Qué países participarán de los Juegos Suramericanos?</h2>La decimotercera edición de los Juegos Suramericanos contará con la participación de 15 comités olímpicos nacionales, que buscarán adueñarse del medallero y llevarse el protagonismo de la competencia.Los países participantes serán:<ul><li>Argentina</li><li>Aruba</li><li>Bolivia</li><li>Brasil</li><li>Chile</li><li>Colombia</li><li>Curazao</li><li>Ecuador</li><li>Guyana</li><li>Panamá</li><li>Paraguay</li><li>Perú</li><li>Surinam</li><li>Uruguay</li><li>Venezuela</li></ul>Brasil llegará a la competencia como el último ganador del medallero. En la edición pasada, disputada en Asunción, el país consiguió 133 medallas de oro y 319 preseas en total, y buscará repetir su dominio en tierras argentinas.<h2>BMX Freestyle, skateboarding y eSports: los deportes urbanos dicen presente en Santa Fe</h2>Dentro de las 60 disciplinas que formarán parte de los Juegos Suramericanos, el deporte urbano y electrónico volverá a tener presencia con tres disciplinas que ya lograron hacerse un lugar en las grandes competencias internacionales: BMX Freestyle, skateboarding y eSports.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7db37bf010.png" alt=""><figcaption>El peruano Deyvid Anderson Tuesta Mota en acción en los Juegos Suramericanos de Asunción (Instagram/Deyvid Anderson).</figcaption></figure>El BMX Freestyle y el skateboarding tendrán como sede a Rafaela, mientras que los deportes electrónicos se desarrollarán en Rosario, distribuidos de la siguiente manera:<ul><li>eSports: del domingo 13 al miércoles 16 de septiembre en el Mercado del Patio de Rosario.</li><li>BMX Freestyle: lunes 14 y martes 15 de septiembre en el EcoParque de Rafaela.</li><li>Skateboarding: viernes 18 y sábado 19 de septiembre en el EcoParque de Rafaela.</li></ul>La competencia contará, además, con seis clústeres y 20 escenarios distribuidos entre distintas locaciones de la provincia: los espacios contemplados serán el Museo del Deporte Santafesino, Parque Independencia, Mercado del Patio, Parque a la Bandera, Jockey Club Rosario y Rosario Golf Club.De esta manera, los Juegos Suramericanos 2026 no solo reunirán a algunas de las principales figuras del deporte continental, sino que también volverán a darle protagonismo a disciplinas vinculadas con la cultura urbana y los deportes electrónicos.

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Juegos Suramericanos 2026: fechas, países, disciplinas y sedes en Santa Fe

Cada 11 de agosto, la cultura hip hop vuelve a celebrar sus raíces: una fiesta en el Bronx que sentó las bases de un movimiento que conquistó el mundo.<h2>¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?</h2>El 11 de agosto no es un día común y corriente dentro de la cultura hip hop.Y no es por el nacimiento de un emblema de la talla de Tupac o The Notorious B.I.G., ni por el lanzamiento de un disco que marcó un antes y un después, sino por una fiesta organizada en el Bronx.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0e4b889424.png" alt=""><figcaption>DJ Kool Herc, uno de los emblemas del hip hop a nivel mundial (Getty Images).</figcaption></figure>El 11 de agosto de 1973, Cindy Campbell organizó una fiesta en el Bronx (1520 Sedgwick Avenue), condado estadounidense del estado de Nueva York, junto a su hermano Clive Campbell, más conocido como DJ Kool Herc, quien estuvo a cargo de la música. Aquel encuentro, que con el paso de los años sería considerado como uno de los momentos fundacionales del hip hop, sentó las bases de una cultura que terminaría expandiéndose por todo el mundo.<h2>Los cuatro pilares que construyen la cultura hip hop</h2>Luego de aquella fiesta, el hip hop comenzó a crecer a pasos agigantados y a expandirse por Estados Unidos hasta convertirse en un fenómeno global.Al mismo tiempo, la cultura fue construyendo su identidad alrededor de cuatro elementos fundamentales:<ul><li>DJing: el trabajo de los DJs, desde la selección y mezcla de canciones hasta la creación de breaks y bases que se convirtieron en el corazón musical de las primeras fiestas de hip hop.</li></ul><ul><li>MCing o rap: la voz de la cultura. A través de rimas, improvisaciones y letras, los MCs comenzaron a narrar sus experiencias, expresar ideas y animar las fiestas.</li></ul><ul><li>Breaking: la expresión corporal del movimiento. Los breakers llevaron el baile a las calles y desarrollaron un lenguaje propio basado en movimientos, acrobacias y creatividad.</li></ul><ul><li>Graffiti: la dimensión visual del hip hop. Los artistas comenzaron a intervenir muros, trenes y distintos espacios urbanos para construir una identidad gráfica que terminó convirtiéndose en una de las expresiones más reconocibles de la cultura.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9cee71d404.png" alt=""><figcaption>Graffiti como elemento clave de la cultura hip hop (Kevin Woblick).</figcaption></figure>Con el paso del tiempo, estos cuatro elementos dejaron de funcionar únicamente como expresiones independientes y comenzaron a convivir dentro de un mismo movimiento. Así, el hip hop trascendió la música para convertirse en una cultura capaz de influir en el arte urbano, el baile, la moda y la identidad de distintas generaciones alrededor del mundo.<h2>De una fiesta en el Bronx a una cultura que conquistó el mundo</h2>Lo que comenzó como una fiesta en un barrio de Nueva York terminó convirtiéndose en el punto de partida de una de las culturas más influyentes de los últimos 50 años.El hip hop encontró en las calles un espacio para expresarse y, a través de sus distintos pilares, construyó una identidad que rápidamente superó las fronteras del Bronx.Desde las rimas y los beats hasta los murales y las batallas de breaking, aquella cultura nacida en el corazón de Nueva York encontró nuevas formas de expresarse en cada rincón del planeta. Por eso, cada 11 de agosto, el mundo vuelve la mirada hacia aquel momento que marcó el comienzo de una historia que todavía continúa escribiéndose.

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¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?

Entre obstáculos, camas elásticas, rampas, air tracks y paredes con barandales y con más de 700 metros cuadrados de superficie, Wukong Parkour Point se convirtió en uno de los espacios de referencia para practicar parkour en Ciudad de México.<h2>Wukong Parkour Point, el espacio que lleva el parkour al siguiente nivel en CDMX</h2>Más allá de la existencia de parques, plazas y distintos espacios públicos que la propia comunidad del parkour fue transformando en sitios de entrenamiento, la disciplina también encontró en la Ciudad de México un lugar diseñado especialmente para practicarla. Se trata de Wukong Parkour Point, uno de los espacios especializados más importantes de la capital mexicana, ubicado en Avenida Extremadura 55, en la colonia Insurgentes Mixcoac, dentro de la alcaldía Benito Juárez.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bbd471e618.png" alt=""><figcaption>Niña entrenando parkour en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><h2>¿Qué podés encontrar en Wukong Parkour Point?</h2>El lugar cuenta con una amplia variedad de estructuras y sectores pensados para entrenar movimientos de distintos niveles de dificultad. Entre sus instalaciones se encuentra una cama de aire gigante, donde los practicantes pueden animarse a intentar giros y trucos complejos con mayor seguridad, además de una cama elástica e incluso un air track para practicar combos.También hay una zona de recorridos con barras, una rampa destinada a practicar deslizamientos, bancos y obstáculos de distintas formas y tamaños, junto con una pared equipada con barandales para trabajar ascensos y descensos.El espacio ubicado en la Ciudad de México también cuenta con distintos obstáculos distribuidos a lo largo de sus instalaciones, bajo la idea de que toda la estructura funcione como un recorrido prácticamente interminable, con diferentes posibilidades para entrenar parkour en cada rincón. Además, el suelo de Wukong Parkour Point está construido con un material pensado para reducir el impacto de las caídas, una característica fundamental para entrenar con mayor seguridad y disminuir riesgos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0201cdef28.png" alt=""><figcaption>Diversión y entrenamiento en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure>Wukong Parkour Point también cuenta con coaches que acumulan más de quince años de experiencia en la disciplina, por lo que la propuesta no está destinada únicamente a atletas experimentados. El espacio también resulta una alternativa para quienes dejaron de entrenar y quieren volver a la práctica, buscan recuperar su condición física o simplemente quieren incorporar un nuevo deporte a su rutina.<h2>Clases y Open Gym: cómo entrenar en Wukong Parkour Point</h2>Wukong Parkour Point ofrece distintas alternativas para aprovechar sus instalaciones según la experiencia y los objetivos de cada persona. Las clases cuentan con inscripción gratuita y pueden contratarse con una frecuencia de entre una y cinco veces por semana, por lo que cada practicante puede elegir la modalidad que mejor se adapte a su rutina.Los planes pueden contratarse por períodos de tres, seis o doce meses, y el valor varía de acuerdo con la cantidad de clases semanales y la duración elegida, con precios que parten desde $1.147 pesos mexicanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2e5e9213e0.png" alt=""><figcaption>Clases de parkour para niños en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><h2>¿Tenés experiencia en el parkour? También podés entrenar en Wukong Parkour Point</h2>Para quienes ya tienen experiencia y prefieren entrenar por su cuenta, Wukong Parkour Point también cuenta con la modalidad Open Gym. Al igual que las clases, puede contratarse por períodos de tres, seis o doce meses y permite utilizar libremente las diferentes estructuras y sectores del espacio para practicar movimientos, trabajar técnicas específicas o continuar progresando de manera independiente: los planes de Open Gym parten desde $1.160 pesos mexicanos, dependiendo de la duración elegida.De esta manera, Wukong Parkour Point se presenta como una alternativa tanto para quienes quieren dar sus primeros pasos en el parkour como para aquellos que ya conocen la disciplina y buscan un espacio equipado para seguir llevando sus habilidades un poco más lejos.

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Wukong Parkour Point, el templo del parkour en CDMX

El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.<h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

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Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

Hablar de música urbana en Venezuela es hablar de Neutro Shorty. Convertido en una de las principales figuras del género en su país, el artista logró trascender fronteras gracias a un sonido propio, colaboraciones internacionales y un mensaje que inspiró a toda una generación.<h2>¿Quién es Neutro Shorty? El abanderado del trap en Venezuela</h2>Hablar de trap en Venezuela es hablar, inevitablemente, de Neutro Shorty. Nacido como Liomar Acosta, el artista se convirtió con el paso de los años en el máximo referente del género en su país y en uno de los pioneros del movimiento urbano latinoamericano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1885fe5cf1.png" alt=""><figcaption>Neutro Shorty en el backstage de uno de sus shows (Instagram/Neutro Shorty).</figcaption></figure>Sin embargo, su historia comenzó mucho antes de los millones de reproducciones, las giras internacionales y las colaboraciones con algunas de las principales figuras de la escena.Su carrera dio inicio en 2007, cuando apenas tenía 13 años y decidió dejar la escuela para apostar de lleno por la música. Ese mismo año grabó desde su casa &quot;Chicos Estúpidos&quot;, su primera canción, y poco después comenzó a ganar notoriedad en Facebook gracias a distintos videos donde mezclaba rap, freestyle y comedia. Tres años más tarde llegó &quot;Pa las Pokemonas&quot;, un sencillo que retrataba la realidad de muchos jóvenes venezolanos y que terminó marcando el verdadero comienzo de su carrera profesional dentro del trap.<h2>El artista que llevó el trap venezolano al continente</h2>Con el correr de los años, Neutro Shorty dejó de ser una promesa para convertirse en una de las voces más importantes de la música urbana latinoamericana.A través de distintos lanzamientos fue consolidando un sonido propio que mezcla trap, rap y otros géneros urbanos, una identidad que lo llevó a convertirse en una de las figuras más trascendentales de Venezuela durante la última década.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/1Cbxt1HSTgg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Su crecimiento también quedó reflejado en las colaboraciones. A lo largo de su carrera compartió canciones con artistas de la talla de Ñengo Flow, Myke Towers, Duki, Neo Pistea, Arcángel, Eladio Carrión, Yandel e incluso protagonizó una sesión junto a Bizarrap, alianzas que terminaron de posicionarlo como un nombre de peso dentro de la escena internacional. A eso se suman temas que acumulan millones de reproducciones y una comunidad que hoy llega a los casi tres millones de oyentes mensuales en Spotify, cifras que respaldan el impacto de su música dentro y fuera de Venezuela.<h2>Mucho más que música: el mensaje detrás de Neutro Shorty</h2>Más allá de los números, Neutro Shorty también se convirtió en una figura influyente por el mensaje que transmite en sus canciones. Gran parte de sus letras hablan sobre el esfuerzo, la disciplina, la superación personal y la posibilidad de cambiar el propio destino sin importar el lugar del que uno provenga, una temática que conecta especialmente con miles de jóvenes de los barrios venezolanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fb2daf4906.png" alt=""><figcaption>Un concierto de Neutro Shorty repleto de fanáticos (Instagram/Neutro Shorty).</figcaption></figure>Esa cercanía con su público hizo que muchos lo consideraran mucho más que un artista. Para una nueva generación de músicos y fanáticos, Neutro representa la prueba de que es posible abrirse camino desde abajo a través del trabajo, la constancia y la pasión. Gracias a ese equilibrio entre una carrera consolidada, un sonido reconocible y un discurso inspirador, hoy es considerado no solo el máximo exponente del trap venezolano, sino también una de las figuras más importantes de la música urbana de toda Latinoamérica.

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Neutro Shorty, la bandera del trap venezolano que conquistó Latinoamérica

La nueva generación de la música urbana puertorriqueña sigue sumando protagonistas, y entre ellos aparece Fanta Rosario, un artista que ya empieza a destacar por su sonido, su imagen y un universo creativo diferente.<h2>De la estética al sonido: las claves detrás del crecimiento de Fanta Rosario</h2>Hablar de Puerto Rico es hablar de una de las grandes cunas de la música urbana a nivel mundial. La isla vio nacer a referentes históricos como Daddy Yankee y Don Omar, y con el paso de los años continuó alimentando la escena con figuras de la talla de Bad Bunny, Anuel AA y Arcángel y, más recientemente, con una nueva generación integrada por artistas como Dei V, Omar Courtz o De La Rose que comenzó a tomar la posta, demostrando que el talento puertorriqueño continúa renovándose año tras año.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_515e82c06a.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario, la nueva joya del género urbano en Puerto Rico (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure>En ese contexto aparece Fanta Rosario, uno de los nombres que poco a poco empieza a hacerse un lugar dentro de la nueva ola urbana de la isla. Con una propuesta que combina trap, reguetón y otros sonidos urbanos, el artista logró construir una identidad reconocible tanto desde lo musical como desde lo visual, convirtiéndose en una de las apariciones más interesantes de la escena puertorriqueña.https://www.streetartlatam.com/articulo/de-la-rose-en-la-cima-descubrila/1145<h2>Gorras planas, lentes Y2K y una estética que no pasa desapercibida: la estética de Fanta Rosario</h2>Gran parte de esa identidad también pasa por su estética. Gorra plana llevada de costado, polos y jerseys, lentes inspirados en la moda de los años 2000, un rosario como sello distintivo y una actitud desenfadada forman parte de una imagen que se traslada a sus videoclips. Allí predominan los colores saturados, las composiciones poco convencionales y una estética inspirada en el internet de comienzos de siglo, construyendo un universo creativo que acompaña a la perfección el sonido de sus canciones.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rwNNcDEVnIU" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>Ese estilo ya quedó plasmado en temas como "Si Me Hiciera El de la Lengua", "ADM", "Dicen", "GUAO" y "No Te Kashi", canciones que acumulan millones de reproducciones y que ayudaron a posicionarlo entre las nuevas figuras del movimiento. A eso se suma el respaldo de artistas ya consolidados como Jon Z, Bryant Myers, Arcángel, Bad Bunny e incluso el argentino Bizarrap, quienes en distintas oportunidades mostraron apoyo hacia su proyecto.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_62cea13a87.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario junto a Jon Z y Luar La L (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure>&nbsp;<h2>Fanta Rosario como el futuro de la música urbana puertorriqueña</h2>Con más de un millón de oyentes mensuales en Spotify, colaboraciones cada vez más importantes y una identidad artística que se distingue desde el primer vistazo, Fanta Rosario aparece como uno de los nombres llamados a protagonizar el futuro de la música urbana puertorriqueña, confirmando que la isla continúa siendo una fábrica inagotable de nuevos talentos.https://www.streetartlatam.com/articulo/la-marca-de-gorras-que-eligieron-duki-little-boogie-y-el-kun-agueero/1000279

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¿Quién es Fanta Rosario, una de las nuevas joyas de la música urbana de Puerto Rico?

Las calles de Buenos Aires no solo son el hogar de millones de personas, sino también el escenario de personajes que terminan formando parte de la identidad de la ciudad, y entre ellos sobresale el “Joker Argentino”, una figura viral que conquistó las redes sociales y se convirtió en un verdadero emblema urbano.<h2>El hombre que llevó al Joker a las calles argentinas</h2>Muchas veces, las calles de las grandes ciudades están pobladas por personajes que terminan convirtiéndose en parte de su identidad. Figuras extravagantes, artistas callejeros o simples vecinos que, por distintos motivos, logran ganarse un lugar en la memoria colectiva y transformarse en verdaderos emblemas urbanos. Y estoy seguro de que, mientras leés estas líneas, ya estás pensando en alguno de esos personajes que existen en tu propia ciudad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b101df2c6c.png" alt=""><figcaption>El “Joker Argentino” en medio de una manifestación en Buenos Aires (Telam).</figcaption></figure>En el caso de Buenos Aires, uno de los nombres que logró conquistar las calles y las redes sociales en los últimos años fue el del llamado “Joker Argentino&quot;. Seguramente te hayas cruzado con algún video suyo votando en las elecciones presidenciales, protagonizando un enfrentamiento viral con un Spider-Man en el Puente de la Mujer de Puerto Madero o participando en distintas manifestaciones frente al Congreso de la Nación. Detrás de todas esas imágenes aparece la figura de Darío Daniel Sirvent, un argentino que encontró en la interpretación del Joker una forma completamente nueva de reinventar su vida.La historia comenzó hace ya más de seis años. Tras más de dos décadas trabajando en una productora, Darío perdió su empleo en medio de una serie de despidos y tercerizaciones. Fue justamente en ese contexto cuando llegó a los cines “Joker”, la película protagonizada por Joaquin Phoenix y dirigida por Todd Phillips. Como ocurrió con millones de espectadores alrededor del mundo, el argentino encontró una fuerte conexión con la historia de Arthur Fleck y con la sensación de sentirse desplazado por el sistema.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@yelmarcial/video/7420893161293171974" data-video-id="7420893161293171974" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@yelmarcial/video/7420893161293171974?lang=es&amp;q=Joker%20argentino&amp;t=1783390642134" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>Y lejos de quedarse únicamente con la admiración por el personaje, decidió llevar esa identificación un paso más allá. Así nació el “Joker Argentino”: una interpretación minuciosa que reproduce cada detalle del personaje, desde el traje rosa, la camisa verde y el chaleco mostaza hasta el maquillaje, el peinado y los gestos característicos que popularizó la película. Una versión completamente argentina de uno de los personajes más icónicos de la cultura popular.<h2>¿Por qué el Joker Argentino se volvió viral en las redes sociales?</h2>Parte de la popularidad del “Joker Argentino” también radica en un detalle tan simple como efectivo: la naturalidad con la que el personaje se mezcla en la vida cotidiana.Lejos de aparecer únicamente en eventos o producciones especiales para redes sociales, es habitual verlo realizando actividades comunes como cualquier vecino. Desde hacer las compras en un supermercado o esperar el colectivo en una parada, hasta caminar por el centro porteño, participar de manifestaciones o recorrer distintos barrios de la ciudad, la imagen del icónico villano de Gotham irrumpiendo en escenarios completamente normales genera un contraste tan absurdo como fascinante. Esa mezcla entre ficción y realidad terminó convirtiéndose en una de las marcas registradas del personaje y en uno de los principales motivos detrás de su viralidad.<h2>Del personaje callejero al fenómeno digital</h2>Lo que comenzó como una caracterización terminó convirtiéndose en un verdadero fenómeno digital. Con más de 250.000 seguidores en redes sociales y publicaciones que acumulan cientos de miles de reproducciones e interacciones, Darío logró construir una comunidad propia y transformar su personaje en una de las figuras callejeras más reconocibles del país. Entre apariciones espontáneas, eventos públicos y videos virales, el “Joker Argentino” pasó de ser una curiosidad urbana a convertirse en uno de los personajes más populares y reconocidos de las calles argentinas.

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De perder su trabajo a convertirse en el Joker más famoso de Argentina

Luego de la conquista del Mundial de Qatar, cientos de murales comenzaron a aparecer en distintos puntos de Argentina como homenaje a la tercera estrella. Entre ellos sobresalen los realizados por Maic Bruera, autor de las emblemáticas obras dedicadas a Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez (esquina Gorriti y Pasaje Atalcalco) y Lionel Scaloni (Gorriti 5347).En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó el origen de esas creaciones, el impacto de la Scaloneta en el muralismo y cómo el fútbol puede transformarse en arte.<h2>El motivo de la elección del “Dibu” Martínez y Lionel Scaloni como protagonistas de las obras</h2>Luego de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar, el muralismo argentino atravesó una verdadera &quot;escalonetización&quot;. A lo largo y ancho del país, cientos de paredes se transformaron en homenajes a los protagonistas de la tercera estrella, con Lionel Messi como la figura más retratada. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el foco estuvo puesto en dos nombres distintos: Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez y Lionel Scaloni, una elección que combinó el fanatismo de su hijo por el arquero y la admiración del artista por la faceta más humana del entrenador.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_092d33b017.png" alt=""><figcaption>El quiebre de Lionel Scaloni convertido en mural por Maic Bruera en Palermo (Maic Bruera).</figcaption></figure>“Creo que fue un descarte más que nada. Messi ya estaba tan hecho que no daba para hacerlo de vuelta, y después fue muy obvio. Dibu era como una figura por el personaje que se convirtió en ese Mundial y por la atajada, y después le sumó también que mi hijo se hizo re fanático del Dibu y estaban todos los nenes como que querian ser arqueros, con la remera que se hizo medio icónica, estabe re hypeado. Estaba la foto del chabón en una pose muy copada, no hubo mucha vuelta: la foto está buena, el personaje es un copado, a mi hijo le cabe, está todo más que bien”, cuenta Maic sobre la elección del “Dibu” Martínez.En el caso de Lionel Scaloni, la inspiración pasó por otro lado. Más allá de los resultados deportivos, Bruera encontró en el entrenador una figura serena, auténtica y profundamente humana. Esa personalidad, sumada a los gestos que dejó durante el Mundial, terminó convirtiéndolo en el segundo gran protagonista de sus murales: Scaloni ya fue otra cosa. Era un poquito más de sentirse más representado, había una movida de que el chaboncito estaba como “el tipo que ordenó a la Selección y encontró cómo hacerlo jugar bien a Messi”. Y también estaba la personalidad. Hoy lo ves en el Mundial y el flaco no te grita un gol. Es muy especial y, en un momento, se da la situación de la cámara cuando se quiebra y que lo transforma en ese chabón humano. Son quiebres emocionales que están buenísimo y justo lo agarraron con esa cara de meme”.<h2>De los memes del Mundial al arte urbano</h2>A la hora de retratar un hecho deportivo, muchos artistas urbanos buscan inmortalizar la emoción de un instante para que quien observe la obra vuelva a sentir lo que ocurrió aquel día. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el enfoque fue diferente. Más que transmitir la carga emocional de una jugada, el muralista argentino apostó por capturar esas imágenes que, además de quedar grabadas en la memoria colectiva, también se transformaron en verdaderos memes durante la Copa del Mundo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>“De mi lado fue más el momento meme. Después al ser tan icónico te lleva directamente a lo que vos sentiste en ese momento, pero no buscaba tratar de hacer sentir a la gente un momento especial, sino riamonos y emocionamos un poco. Tratar de ser lo más fotográfico en el sentido de la postal. En el de Scaloni es más difícil, pero en el del Dibu se entiende más: el pasto no es textura pasto, es una línea verde. Te ubica en situación y el personaje en pose. Es la postal de lo que pasó en ese momento”, expresa Maic.<h2>El muralismo como puente entre generaciones</h2>Más allá de intervenir un muro, muchas obras de arte urbano terminan convirtiéndose en verdaderos registros de momentos que marcaron una época. Con el paso de los años, esos murales funcionan como un puente entre distintas generaciones, permitiendo que quienes los observen vuelvan a conectarse con hechos que quedaron grabados en la memoria colectiva. Las representaciones de la atajada del Dibu Martínez y el abrazo de Lionel Scaloni realizadas por Maic Bruera son un claro ejemplo de ello: “Si, porque no sabes cuanto va a durar el mural. Se rompe la pared, pintan arriba, el muralismo es efímero. No importa qué personaje sea. Pero lo que tiene es que por más que se termine rompiendo o quede un poquito de la expresión del mural, te va a venir rápidamente la imagen real. Por ahí es una especie de disparador, ya no se ve o está medio escrachado, pero el recuerdo que te genera es viajar directamente a la final. Esa función la va a seguir cumpliendo”.<h2>Los murales que podrían llegar tras otra estrella</h2>Con el duelo de cuartos de final ante Suiza a la vuelta de la esquina, la Selección argentina quedó a solo tres partidos de conquistar una nueva Copa del Mundo. Y así como la consagración en Qatar inspiró a Maic Bruera a llevar al “Dibu” Martínez y a Lionel Scaloni a distintos muros, el artista ya imagina la posibilidad de volver a tomar los pinceles si la Albiceleste logra escribir un nuevo capítulo en su historia.“Hay situaciones, imagenes que vos las ves. Podes ir por el lado emocional o por el gracioso. Por ahí no de los mismos personajes (Dibu y Scaloni). Pero no voy a estar pintando hasta que no termine este Mundial. Faltan tres partidos y Argentina es una manga de enfermos que siempre aparece una situación que no podes creerla: el cabezazo de Enzo Fernández o la última jugada de Lautaro Martínez gambeteando y haciendo tiempo, que termina pechandose cara a cara. Seguramente alguna imagen va a aparecer y algo vamos a pintar”, dice Maic sobre las ideas acerca de una posible intervención en caso de que la Selección argentina salga campeona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3583cea2da.png" alt=""><figcaption>La atajada del Dibu Martínez inmortalizada en los muros de Palermo por Maic Bruera (Maic Bruera).</figcaption></figure><h2>El orgullo de retratar a una generación histórica</h2>No hay dudas de que la Scaloneta marcó un antes y un después en la historia del fútbol argentino. La conquista de la tercera estrella, los gestos de sus protagonistas y las imágenes que dejó el Mundial de Qatar ya forman parte de la memoria colectiva y serán recordadas por generaciones. En ese camino, artistas como Maic Bruera también aportaron su granito de arena, inmortalizando algunos de esos momentos en murales que hoy funcionan como homenaje y testimonio de una de las etapas más importantes del deporte argentino.“Está bueno que tengamos algo de la Selección. A mi me pasa que fueron muchos años de putearme con la Selección, y de golpe te amigaste de vuelta y sino ganas o si hacen cualquier cosa, ya está. Me da esa sensación de poder pintar algo que está buena y le genera recuerdos a la gente que lo ve. Por más de que se intente ponerlos en una postura política a los personajes, son los jugadores de la Selección y uno lo que quiere es que salgan campeón cada cuatro años. Los murales son una parte positiva del recuerdo”.<h2>Cómo Qatar revolucionó el muralismo argentino</h2>El impacto de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar trascendió el fútbol y también encontró un fuerte eco en el arte urbano. Desde Tierra del Fuego hasta Jujuy, los muros de ciudades y pueblos se transformaron en homenajes a figuras como Lionel Messi, Lionel Scaloni, Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez, Ángel Di María y otros protagonistas de la tercera estrella, dando lugar a uno de los movimientos muralistas vinculados al deporte más importantes de los últimos años.Un fenómeno que no solo fue percibido por quienes forman parte del ambiente artístico, sino también por el público en general y por los propios medios de comunicación.“El muralismo en Argentina se pone muy de moda entre 2010 y 2014, y empieza a crecer. Arranca a ser aceptado por la sociedad, los vecinos, los espacios, pero no te daba nunca una excusa copada para pintar. No ibas a pintar a Sampaoli, no tiene mística, nada. Después tiene momentos tristísimos. Si hubieramos salido campeones en Brasil, el rodillazo de Neuer a Higuaín hubiera sido genial. Pero al mismo tiempo no hay nada muy positivo para recordar, como para pintar un momento. Ya Messi venía muy arriba, ya había muchos murales: lo que le dio salir campeón del mundo fue que todo estaba lleno de murales de él. Le hizo muy bien, creo que las dos cosas se potenciaron: el Mundial con el muralismo y el muralismo con el Mundial”.

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Maic Bruera, el artista que convirtió al Dibu Martínez y a Scaloni en murales icónicos

Charly García volvió a dejar su huella en las calles porteñas. En la terraza de la emblemática esquina de Corrientes y Callao, el muralista Martín Ron inauguró un homenaje de casi 200 metros cuadrados inspirado en la icónica portada de “Clics Modernos”, convirtiendo a la obra en uno de los nuevos puntos culturales de Buenos Aires.<h2>Charly García ya tiene un nuevo homenaje gigante en las calles de Buenos Aires</h2>Hablar del rock argentino es, casi de manera inevitable, hablar de Charly García. Canciones como “Demoliendo hoteles”, “Nos siguen pegando abajo”, “Los dinosaurios” o “No voy en tren”, discos que marcaron generaciones y conciertos que quedaron grabados para siempre en la memoria colectiva transformaron al músico en una de las figuras más importantes de la historia cultural del país.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1684e012ba.png" alt=""><figcaption>Vista del mural en homenaje a Charly García hecho por Martín Ron en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure>Y en los últimos días, el legado del artista volvió a dejar su huella en la Ciudad de Buenos Aires con la inauguración de un gigantesco mural realizado por Martín Ron, uno de los muralistas más reconocidos del mundo.La tradicional disquería y librería Zivals, ubicada en la emblemática esquina de las avenidas Corrientes y Callao, decidió celebrar un nuevo aniversario convocando al artista argentino para crear una intervención dedicada a Charly García: el resultado fue &quot;Modern Streets&quot;, un mural de casi 200 metros cuadrados emplazado sobre la terraza del histórico local.La obra toma como inspiración la icónica portada de “Clics Modernos”, el álbum que Charly lanzó en 1983, reinterpretando aquella histórica fotografía tomada en Nueva York. Sin embargo, la versión creada por Martín Ron traslada el espíritu de aquella imagen a Buenos Aires, incorporando escenas y elementos característicos del paisaje urbano porteño, en un diálogo entre las dos ciudades que marcaron la historia del músico.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZDra5Gh6vC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZDra5Gh6vC/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>El proyecto contó además con la participación de los artistas Mariana Parra, OBLVKIZMO y Emiliano Mariani, quienes acompañaron el proceso creativo de una de las intervenciones urbanas más importantes inauguradas recientemente en la capital argentina.&quot;Gracias a todos los que pasaron, miraron, tocaron bocina, frenaron un rato o compartieron una charla durante estos días de pintura. La calle y todo lo que allí sucede también forma parte importante de la obra&quot;, escribió Martín Ron en sus redes sociales.El propio muralista explicó que la intención fue trasladar a la pared esa mezcla de ciudad, modernidad, arte callejero y sensibilidad que Charly García convirtió en una marca registrada de su carrera, uniendo la Nueva York de los años 80 con una Buenos Aires que sigue respirando cultura en cada una de sus esquinas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce0cacbd62.png" alt=""><figcaption>Martín Ron sentado junto a su homenaje a Charly García (Martín Ron).</figcaption></figure>Con su inauguración, “Modern Streets” no solo se suma al extenso catálogo de obras de Martín Ron, sino que también se convierte en uno de los homenajes urbanos más importantes dedicados a Charly García y en una nueva parada obligada para fanáticos del rock argentino y del arte urbano en la Ciudad de Buenos Aires.<h2>¿Quién es Martín Ron, el artista detrás del mural de Charly García?</h2>Más allá de encontrarse en boca de todos por ser el responsable del nuevo mural en homenaje a Charly García en el corazón de Buenos Aires, Martín Ron cuenta con el privilegio de ser uno de los máximos referentes del muralismo argentino y uno de los artistas urbanos más reconocidos a nivel internacional.Con más de 400 obras realizadas a lo largo de su trayectoria, el muralista bonaerense dejó su huella no solo en distintos rincones de Argentina, sino también en ciudades de renombre mundial como Miami, Londres, Berlín, Bristol y Tenerife, consolidándose como uno de los grandes embajadores del arte urbano nacional.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ec7523e709.png" alt=""><figcaption>Martín Ron, el muralista detrás del homenaje artístico a Charly García en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure>Su currículum artístico incluye intervenciones gigantes dedicadas a algunas de las figuras más importantes de la cultura y la historia argentina, con murales en homenaje a Diego Armando Maradona, Lionel Messi y el Papa Francisco, entre muchos otros personajes icónicos.Ahora, con “Modern Streets”, Martín Ron suma una nueva obra a su extenso legado artístico y vuelve a demostrar por qué es considerado uno de los grandes nombres del muralismo contemporáneo, transformando una de las esquinas más emblemáticas de Buenos Aires en un nuevo homenaje a la figura y el legado de Charly García.

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Así es el mural de Charly García que transforma una de las esquinas más icónicas de Buenos Aires

En medio del crecimiento de la calistenia en Argentina y Latinoamérica, Axel Dubin se convirtió en uno de los principales divulgadores de la disciplina, combinando entrenamiento, educación y contenido digital para miles de personas.<h2>Conocé a Axel Dubin, el emblema argentino de la calistenia</h2>Las redes sociales se han convertido en el escenario ideal para que cualquier persona construya su propio universo digital. Desde la gastronomía y el turismo, pasando por los videojuegos, la moda y, por supuesto, el deporte, internet permitió que distintas disciplinas encontraran comunidades propias y nuevos referentes. Incluso aquellas prácticas que durante años ocuparon un lugar de nicho lograron expandirse y conquistar a millones de personas alrededor del mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_135bf91792.png" alt=""><figcaption>Axel Dubin haciendo calistenia en Puerto Madero (Instagram/Axel Dubin).</figcaption></figure>Uno de esos casos es el de la calistenia, disciplina que en los últimos años experimentó un enorme crecimiento tanto en Argentina como en Latinoamérica, impulsada por la búsqueda de entrenamientos al aire libre y el auge del contenido fitness en plataformas digitales. Y si hay que hablar de uno de los grandes referentes argentinos de este movimiento, el nombre de Axel Dubin aparece prácticamente de manera obligatoria.Con casi una década de trayectoria, más de 1.500 alumnos formados y una comunidad que supera los 250.000 seguidores en redes sociales, Axel Dubin se consolidó como uno de los principales emblemas digitales de la calistenia argentina.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/como-meterte-en-el-mundo-de-la-calistenia-desde-cero/962">¿Cómo meterte en el mundo de la calistenia desde cero?</a>Sus videos entrenando en plazas y parques, corrigiendo técnicas, enseñando ejercicios y compartiendo distintos desafíos físicos acumulan cientos de miles de reproducciones y lo posicionaron como una de las caras más reconocidas de la disciplina en el país.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYCcLGXxqIm/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYCcLGXxqIm/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Sin embargo, su impacto va mucho más allá de las redes sociales. A lo largo de los años, Axel Dubin construyó una propuesta integral alrededor de la calistenia, combinando la creación de contenido con la enseñanza y la formación profesional. Cursos para instructores, entrenamientos personalizados con seguimiento, programas específicos, guías de nutrición y distintos proyectos educativos forman parte de una carrera que lo convirtió en uno de los nombres más importantes del universo de la calistenia en Argentina.<h2>Los cursos y programas de Axel Dubin para aprender calistenia</h2>Más allá de haber construido su propio nombre dentro de la calistenia y convertirse en uno de los principales referentes argentinos tanto en redes sociales como fuera de ellas, el trabajo de Axel Dubin va mucho más allá de la creación de contenido.Aunque internet se convirtió en una de las grandes plataformas para expandir su figura, el corazón de su proyecto está puesto en la enseñanza y en la formación de nuevas generaciones de atletas y entrenadores.Lejos de limitarse a los entrenamientos personalizados, Axel Dubin desarrolló una plataforma integral dedicada a la calistenia, con distintas propuestas adaptadas a todos los niveles y objetivos:<ul><li>Curso de Instructor de Calistenia, con certificación incluida y formación profesional.</li></ul><ul><li>Coaching VIP, con entrenamientos personalizados y seguimiento profesional.</li></ul><ul><li>E-books y guías de entrenamiento y nutrición, pensados para complementar el aprendizaje.</li></ul><ul><li>Cursos específicos, dedicados a habilidades como Planche, Handstand, One Arm Handstand, Muscle Up, Front Lever, flexiones en vertical y fundamentos técnicos de la disciplina.</li></ul><ul><li>Programas estructurados, diseñados para distintos niveles de experiencia y objetivos deportivos.</li></ul><ul><li>Programas de creación de contenido y marca personal, orientados a quienes buscan desarrollarse profesionalmente dentro del mundo fitness.</li></ul><ul><li>Retos y desafíos para principiantes, creados para quienes desean iniciarse en el universo de la calistenia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_216fbf8ff7.png" alt=""><figcaption>Axel Dubin haciendo calistenia en las calles de Buenos Aires (Instagram/Axel Dubin).</figcaption></figure>De esta manera, el universo de Axel Dubin trasciende su propio recorrido como atleta e instructor. A través de sus cursos, programas y propuestas educativas, el argentino logró construir una comunidad que comparte una misma pasión y un objetivo en común: difundir la calistenia y acercar la disciplina a cada vez más personas, sin importar su edad o nivel de experiencia.<h2>Axel Dubin en redes sociales: cómo enseña calistenia a miles de personas</h2>Más allá de su trayectoria como instructor y referente de la calistenia, Axel Dubin encontró en las redes sociales una herramienta ideal para acercar la disciplina a miles de personas. Con una comunidad que supera los 250.000 seguidores, el argentino convirtió plataformas como Instagram en una especie de aula virtual, donde comparte entrenamientos, ejercicios y distintas situaciones de su día a día como entrenador.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXaaKWVkSGM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXaaKWVkSGM/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Pero el éxito de su contenido va mucho más allá del entretenimiento. Gran parte de sus publicaciones muestran el progreso de sus alumnos, corrigen errores técnicos frecuentes y explican de manera sencilla cómo ejecutar distintos movimientos de la calistenia, permitiendo que tanto sus estudiantes como cualquier persona que siga sus videos pueda aprender, perfeccionar su técnica y aplicar esos conocimientos en sus propios entrenamientos.De esta manera, Axel Dubin logró trasladar la enseñanza de la calistenia desde los parques y gimnasios hacia el universo digital, consolidándose como uno de los principales divulgadores argentinos de la disciplina.

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¿Quién es Axel Dubin, el referente argentino que impulsa la calistenia?

Mientras el trap, el reguetón y la cumbia continúan dominando gran parte de la conversación musical argentina, una nueva propuesta comenzó a abrirse camino desde los márgenes de la escena. Se trata de Qüeva, un grupo integrado por Biz, Mery Lov, Nico Roi y Agus Evert que apuesta por recuperar la esencia del R&amp;B en español y acercarla a una nueva generación de oyentes.<h2>Qüeva, el grupo de R&amp;B que conquista la música argentina</h2>La industria musical argentina presencia cada semana el nacimiento de nuevos proyectos artísticos. Desde aquellos que buscan conquistar los parlantes a través de la cumbia, como los casos de La T y La M o Kingto, hasta artistas que mantienen vivo el espíritu del under o propuestas que apuestan por sonidos menos explorados dentro de la escena local.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6c2188e684.png" alt=""><figcaption>Qüeva durante uno de sus videoclips (Qüeva).</figcaption></figure>Y es justamente en este último grupo donde aparece Qüeva.Es probable que en las últimas semanas te hayas encontrado en TikTok, Instagram o YouTube con una particular reinterpretación de &quot;¿Por qué te demoras?&quot;, uno de los clásicos del dúo puertorriqueño Plan B. Sin embargo, lejos del reguetón que popularizó la canción original, esta nueva versión propone una lectura completamente distinta, influenciada por el R&amp;B contemporáneo y creada por Qüeva.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-regreso-del-regueton-viejo-tiene-nombre-2mileros/1000193">El regreso del reguetón viejo tiene nombre: 2mileros</a>Conformado por Biz y Mery Lov como voces principales, Nico Roi en la producción y Agus Evert como ingeniero de mezcla y masterización, el grupo argentino encontró en el R&amp;B en español su principal identidad artística. Una apuesta poco habitual dentro de una industria donde géneros como el trap, el reguetón y la cumbia ocupan gran parte de la conversación musical.El debut oficial del proyecto llegó con &quot;Quandolaveo&quot;, sencillo que actualmente supera las 100 mil reproducciones y que sirvió como carta de presentación para una propuesta que busca recuperar y reinterpretar los sonidos característicos del R&amp;B.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/Z5FKKyS3aqY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Sin embargo, el fenómeno terminó de explotar con el lanzamiento de &quot;Cayó la ficha&quot;, la versión inspirada en el éxito de Plan B que en poco más de una semana ya acumula más de 100 mil visualizaciones en YouTube.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a35b24a48f.png" alt=""><figcaption>Qüeva en el estudio de grabación (Qüeva).</figcaption></figure>Aunque todavía no alcanza el año de trayectoria, Qüeva ya comienza a posicionarse como una de las novedades más interesantes de la música argentina. No solo por la rápida recepción que tuvieron sus canciones, sino también por una propuesta que busca devolverle protagonismo al R&amp;B en español dentro de una escena dominada por otros sonidos urbanos.

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¿Quién es Qüeva y por qué todos están hablando de ellos?

Juan Pablo (JP) es un artista de la Región de Valparaíso que transforma los muros grises en portales hacia lo sagrado. Con una trayectoria que inició a los 26 años tras abandonar la oficina de arquitectura, hoy combina la creación de murales urbanos con la educación artística en escuelas y talleres particulares.<h3>El arte como un portal hacia la locura y el misterio</h3>Para JP, el espacio público es el escenario ideal para una búsqueda personal que intenta alcanzar un punto medio entre el autor y el espectador. En su visión entiende la creación como un vehículo de experiencias sensibles donde el lenguaje humano funciona como un puente entre lo material y lo espiritual.Busca generar un éxtasis similar al de la poesía. &quot;El arte es un rasgo de la locura, una antena que te conecta con el misterio de la existencia&quot;, afirma. Bajo esta premisa, la razón y la intuición se funden en una certeza corporal que todos los seres humanos pueden compartir y resonar.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_834235b844.png" alt=""><figcaption>Bonneuil-sur-Marne, París, septiembre de 2025. Intervención realizada para un festival, retratando a los trabajadores del puerto en su entorno natural a orillas del río Marne.</figcaption></figure><h3>Símbolos en la ruta latinoamericana</h3>La temática de sus piezas no es azarosa. Existe un hilo conductor que une el sincretismo religioso, la figuración simbólica y el misticismo. El haber viajado como mochilero por el continente fue la llave para entender una raíz común basada en la resiliencia y la camaradería colectiva. Este sentimiento atraviesa toda su obra. &quot;Hay un sentimiento latinoamericano que atraviesa todo mi trabajo&quot;, reconoce.En su paleta técnica, el uso de pintura acrílica, rodillos y pigmentos metálicos define su estilo, donde el color cobre es su herramienta favorita para dinamizar los brillos de la obra.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_705270ac9a.png" alt=""><figcaption>Intervención en Metro Estación Hospital, Viña del Mar.</figcaption></figure><h3>El proceso creativo</h3>A diferencia de otros autores, JP utiliza la poesía y la literatura como los cimientos de sus imágenes. Tiene una metodología equilibrada y delicada. Prepara una base sólida mediante collages y referencias fotográficas, pero deja un margen amplio para que la obra respire y cambie durante la ejecución.Por otro lado, JP valora la incertidumbre del proceso.&quot;Disfruto más el trabajo cuando hago exploración en el mural mientras proyecto los resultados&quot;, explica. Esta flexibilidad le permite que el boceto inicial mute significativamente, de manera que un 30% del resultado final queda a merced de lo que ocurra en el momento frente a la pared.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-arte-que-conecta-con-la-realidad-by-nandy-mondragon/771">El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón</a><h3>La comunidad como el soporte principal</h3>Aunque factores como el clima y la lluvia en lugares como Gran Bretaña condicionan su planificación, el artista prioriza el vínculo social sobre cualquier obstáculo técnico. La calle es su soporte principal porque requiere una sensibilidad especial hacia los lugares y permite ejercitar lazos comunitarios genuinos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_17633944cf.png" alt=""><figcaption>“A la tierra”, mural para el pueblo de Vimioso, Portugal.</figcaption></figure>JP comulga con la filosofía de Violeta Parra “los vecinos en el centro de la experiencia”. &quot;Me quedo con la gente, porque el contexto social es un ingrediente relevante en la obra&quot;, sostiene. Para él, ser un agente dentro de una red de personas es lo que da sentido a la cultura en el espacio público.<h3>Identidad y rechazo a las fórmulas repetitivas</h3>El trabajo de JP está en constante metamorfosis. El artista integra paulatinamente la abstracción para ampliar su capacidad expresiva sin perder la figuración como vehículo de comunicación básico.A pesar de la presión actual por la presencia digital, prefiere gestionar su carrera mediante contactos directos y correos electrónicos. Tiene una postura firme frente a la tecnología: &quot;Quiero ser pintor, no un creador de contenido para las redes sociales&quot;, sentencia.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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JP, el arquitecto que dejó la oficina para intervenir las calles

Más allá de la presencia de selecciones como Argentina, Brasil, México, Colombia, Uruguay y Paraguay dentro del campo de juego, Latinoamérica también tendrá un papel protagónico fuera de él. Y es que el continente se convirtió en una de las grandes referencias del álbum oficial de la Copa del Mundo gracias a figuras como Shakira, Daddy Yankee, Danny Ocean, Anitta y Natanael Cano.<h2>Shakira, Daddy Yankee y Anitta: la banda sonora latina del Mundial</h2>A pocos días del inicio de una nueva edición de la Copa del Mundo, el clima mundialista ya se vive en cada rincón del planeta. Las selecciones ultiman detalles, los hinchas comienzan a organizarse para seguir cada partido y las ciudades anfitrionas terminan de prepararse para recibir el evento deportivo más importante del planeta.Pero si hay algo que históricamente acompañó al Mundial además del fútbol, es la música. Desde himnos inolvidables como &quot;Waka Waka&quot; de Shakira hasta canciones que quedaron ligadas para siempre a determinadas ediciones como “Un&#x27;Estate Italiana” del Mundial de Italia 1990, la banda sonora de la Copa del Mundo forma parte de la memoria colectiva de millones de fanáticos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20074559c1.png" alt=""><figcaption>Shakira, el ícono musical latinoamericano por excelencia en la Copa del Mundo (Instagram/Shakira).</figcaption></figure>Y para esta edición, la FIFA decidió redoblar la apuesta.A través de FIFA Sound, la plataforma global de estrategia y entretenimiento musical del organismo, fue presentado el álbum oficial de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, un proyecto que incluye 18 canciones y que se convirtió en el compilado musical multitrack más extenso realizado para un Mundial de fútbol.El trabajo reúne artistas de distintas partes del mundo y géneros musicales diversos, desde figuras internacionales como Lisa, Tyler, Future y los Rolling Stones hasta una fuerte representación latinoamericana que vuelve a demostrar el peso cultural de la región dentro del espectáculo global con nombres de la talla de Shakira y Daddy Yankee.<ul><li>“Goals” — Lisa, Anitta y Rema</li></ul><ul><li>“Echo” — Daddy Yankee y Shenseea</li></ul><ul><li>“Por Ella” — Los Ángeles Azules y Belinda</li></ul><ul><li>“Three Nations” — 21 Savage, Natanael Cano y French Montana</li></ul><ul><li>“Mi México Lindo” — Alejandro Fernández</li></ul><ul><li>“Lighter” — Jelly Roll y Carín León</li></ul><ul><li>“Partidazo” — Danny Ocean</li></ul><ul><li>“Dai Dai” — Shakira y Burna Boy</li></ul><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/fcnDmrtj6Sk" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><h2>Uno a uno: Los artistas latinos que marcan el ritmo del torneo</h2>La presencia latinoamericana dentro del proyecto no solo destaca por la cantidad de artistas involucrados, sino también por el peso cultural de cada uno de ellos.Desde Anitta, una de las artistas más influyentes de Brasil y del continente en la actualidad, hasta Shakira, cuya relación con las Copas del Mundo ya forma parte de la historia del fútbol, el álbum reúne algunas de las voces más representativas de la región.A ellas se suman referentes de distintas generaciones y géneros como Daddy Yankee, Los Ángeles Azules, Belinda, Alejandro Fernández, Carín León, Natanael Cano y Danny Ocean, construyendo una selección musical que atraviesa el pop, el reggaetón, la cumbia, el regional mexicano, los corridos tumbados y los sonidos urbanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d6d36d26e0.png" alt=""><figcaption>Daddy Yankee, una de las huellas latinas en la música del Mundial (Instagram/Daddy Yankee).</figcaption></figure>Una combinación que confirma el enorme protagonismo que Latinoamérica mantiene dentro de la industria musical global y que volverá a hacerse escuchar en el escenario más importante del fútbol mundial.

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Latinoamérica conquista la banda sonora del Mundial

¿Te imaginás recorrer Buenos Aires como si fuera un videojuego retro? Gracias al trabajo del desarrollador argentino Nicolás Poore, esa idea dejó de ser una fantasía.Con miles de imágenes satelitales, inteligencia artificial y una estética inspirada en el pixel art, logró convertir a la Ciudad de Buenos Aires en un gigantesco mapa interactivo pensado para explorar, perderse y redescubrir cada rincón de la capital.<h2>La Ciudad de Buenos Aires hecha en un mundo de píxeles</h2>Desde la llegada de la Inteligencia Artificial, el universo digital atraviesa una revolución constante. Herramientas capaces de generar imágenes hiperrealistas, recrear escenarios imposibles o incluso combinar figuras históricas y celebridades en situaciones ficticias forman parte de una nueva realidad tecnológica que, hace apenas algunos años, parecía reservada para la ciencia ficción. Sin embargo, detrás de cada una de estas innovaciones siempre aparece una mente inquieta dispuesta a llevar los límites un paso más allá.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ac5929cf84.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure>Y uno de esos casos tiene sello argentino. Se trata de Nicolás Poore, desarrollador full stack y programador con casi dos décadas de experiencia, quien logró convertir a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (CABA) en un <a href="https://caba.nicolaspoore.com/">gigantesco mapa interactivo de pixel art</a>.Así es. Bajo un proyecto que recrea hasta el último detalle de la capital argentina, Poore trasladó monumentos, avenidas, estadios y rincones emblemáticos al universo de los píxeles. Desde puntos históricos como el Obelisco, la Casa Rosada o el Teatro Colón, pasando por arterias icónicas como la Avenida 9 de Julio y Corrientes, hasta escenarios deportivos como el Monumental de River Plate y La Bombonera de Boca Juniors, todo forma parte de una versión digital de la ciudad que puede recorrerse como si fuera un videojuego.La experiencia invita a explorar Buenos Aires desde una perspectiva completamente diferente, descubriendo monumentos, referencias culturales, guiños ocultos y pequeños secretos repartidos a lo largo del mapa. Un proyecto nacido de la inquietud por poner a prueba hasta dónde podía llegar la programación asistida por Inteligencia Artificial en una propuesta de gran escala y, al mismo tiempo, demostrar el potencial creativo de estas nuevas herramientas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3958816e62.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure>El resultado fue mucho más allá de un simple experimento tecnológico. Gracias a una combinación de nostalgia gamer, arte digital y patrimonio urbano, el mapa se convirtió en un fenómeno viral en redes sociales, atrayendo a miles de usuarios que ingresan para recorrer la ciudad, reencontrarse con lugares cargados de recuerdos y descubrir Buenos Aires convertida en un inmenso escenario de pixel art.<h2>¿Cómo se construyó la Ciudad de Buenos Aires pixelada?</h2>Antes de convertirse en un fenómeno digital y de que la Ciudad de Buenos Aires apareciera transformada en un gigantesco mapa de pixel art, Nicolás Poore tuvo que atravesar un complejo proceso de desarrollo dividido en distintas etapas.Para hacer posible el proyecto, el programador desglosó el desafío en tres grandes objetivos: obtener imágenes satelitales de toda la ciudad, convertirlas a una estética ilustrada inspirada en el pixel art y, finalmente, transformarlas en un mapa completamente interactivo.La primera etapa consistió en reunir el material visual necesario. Para ello utilizó la API de Google Maps y, apoyándose en herramientas de inteligencia artificial, construyó una maqueta digital con los límites exactos de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. A partir de allí generó una cuadrícula que dividió el territorio en secciones de 150 por 150 metros y desarrolló un script capaz de capturar automáticamente cada fragmento del mapa.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9309ce5feb.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure>La escala del proyecto representó uno de los mayores desafíos. Cubrir la totalidad de Buenos Aires implicó procesar cerca de seis mil imágenes independientes. Una vez obtenidas, utilizó Gemini para unirlas sin que se percibieran los bordes entre cada captura y transformarlas en una estética ilustrada. Las mejores versiones fueron utilizadas para entrenar un modelo de generación de imágenes con inteligencia artificial, permitiendo obtener resultados más consistentes y manteniendo una identidad visual uniforme en todo el mapa. Sin embargo, gran parte del proceso también requirió supervisión manual, corrigiendo errores y ajustando detalles imagen por imagen.Con el material terminado llegó la última etapa: construir el mapa interactivo. Para ello generó múltiples versiones de las imágenes en distintas resoluciones, permitiendo diferentes niveles de zoom y mostrando mayor o menor cantidad de detalles según la cercanía de la exploración.Pero quizás una de las decisiones más interesantes fue eliminar herramientas habituales de navegación. El mapa no cuenta con buscador de direcciones ni nombres de calles visibles. En cambio, invita a los usuarios a orientarse mediante avenidas, parques, monumentos y edificios emblemáticos, replicando la experiencia de recorrer una ciudad desconocida. Una elección que transforma el proyecto en algo más que un mapa digital: una invitación a perderse, explorar y redescubrir Buenos Aires desde una perspectiva completamente nueva.

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El proyecto que convirtió Buenos Aires en píxeles

Hablar del presente del funk brasileño es hablar de una nueva generación de artistas que expande los límites del género sin perder de vista sus raíces. Y entre esos nombres aparece el de Raissa Real, cantante carioca que combina la herencia del funk tradicional con sonidos contemporáneos y se posiciona como una de las figuras femeninas más prometedoras de la escena.<h2>Raissa Real y el futuro femenino del funk brasileño</h2>La música urbana brasileña atraviesa uno de los momentos más fértiles de su historia, con una nueva generación de artistas que toma la herencia del funk carioca tradicional y la fusiona con sonidos contemporáneos para conquistar nuevas audiencias. Entre esos nombres aparece Raissa Real, cantante y compositora nacida en Río de Janeiro que poco a poco comienza a construir su propio camino dentro de la escena musical del país y convertirse en una de las caras protagónicas del movimiento.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_664484012f.png" alt=""><figcaption>Rayssa Real, la actualidad femenina del funk brasileño (Instagram/Rayssa Real).</figcaption></figure>Reconocida por ser la decimosexta hija de Mr. Catra, una de las figuras más influyentes en la historia del funk brasileño, Raissa Real decidió transformar ese legado en una identidad artística propia. Con una propuesta que combina la intensidad y la actitud característica del funk carioca con elementos del trap, los ritmos urbanos contemporáneos y una estética que conecta con las nuevas generaciones de oyentes, la brasileña logró adueñarse de un nombre en la escena y colocarse como una de las referentes femeninas a lo largo y ancho del territorio.<h2>Los comienzos de su carrera musical y el repaso de sus hits</h2>Su recorrido musical comenzó a ganar notoriedad hace aproximadamente tres años, iniciando una etapa de crecimiento constante dentro de la escena urbana brasileña. A partir de allí, la artista continuó ampliando su catálogo con nuevos sencillos y colaboraciones que fortalecieron su presencia en plataformas digitales.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/ttF0Iku6IlA" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Dentro de este repaso por su carrera, se destacan dos grandes hitos en sus plataformas:<ul><li>“O Trem”: Fue la canción de lanzamiento que marcó el inicio de su proyección en el movimiento, logrando superar las 100.000 reproducciones en YouTube.</li></ul><ul><li>“Bandidona BB Linda”: Se consolidó como uno de los puntos más altos de su evolución musical y es actualmente uno de los temas más populares de su repertorio, superando las 75.000 reproducciones en YouTube y representando a la perfección su identidad artística.</li></ul><h2>Consolidación en la escena urbana</h2>Con más de 90.000 oyentes mensuales en Spotify, la artista carioca se consolidó como una de las voces emergentes más interesantes dentro del movimiento urbano brasileño, representando una nueva camada de músicos que mantienen viva la esencia del funk mientras exploran nuevos sonidos y formas de expresión.Entre herencia, personalidad y evolución artística, Raissa Real continúa ampliando su presencia dentro de una de las escenas musicales más influyentes de Latinoamérica.

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