<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Así como la gastronomía, el deporte y el turismo en Argentina cuentan con sus referentes paralelos en las redes sociales, la moda urbana también encontró al suyo: <strong>Thomas Hodara</strong>, el creador de contenido que traslada la <strong>moda hype</strong> desde Córdoba al mundo digital.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Thomas Hodara, el líder cordobés de la moda hype</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>streetwear </strong>ha crecido a pasos agigantados en los últimos años y ha dejado de ser considerado como una corriente emergente para establecerse como una de las <strong>artistas más populares</strong> dentro del universo de la <strong>moda urbana</strong>. Más allá de que la cantidad de marcas incrementó de manera considerable, hecho que sin dudas potenció el crecimiento de la escena, la <strong>creación de contenido en redes sociales</strong> se convirtió en un pilar fundamental a la hora de hablar del auge del streetwear a nivel mundial.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_8c8fb69af8.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">De Córdoba al mundo con la moda hype como principio: Thomas Hodara (Instagram/Thomas Hodara).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En cuanto a <strong>Latinoamérica</strong>, referentes como <strong>We Got Kicks</strong> del puertorriqueño Jorge Andrés han puesto al continente en el mapa a través de contenido enfocado ciento por ciento en el <strong>streetwear </strong>y la <strong>moda hype</strong>. Y en el último tiempo, las redes sociales y la moda urbana fueron testigo de la explosión de un perfil que, desde su incursión en las plataformas digitales, se instaló como uno de los comandantes de la movida en internet a nivel nacional y continental: </span><a href="https://www.instagram.com/hassuru.ar/"><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Thomas Hodara</strong></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con más de 60 mil seguidores entre sus redes sociales, el influencer oriundo de Córdoba conocido también en redes bajo el seudónimo de <strong>Hassuru </strong>logró consolidar su figura dentro de <strong>Argentina </strong>como uno de los <strong>creadores de contenido</strong> vinculado al <strong>streetwear </strong>más populares. Un contenido compuesto por vlogs y experiencias en convenciones y festivales de moda hype, videos realizando ventas y un puñado de colaboraciones con figuras musicales como <strong>Trueno y Lucho SSJ</strong> que lo llevaron a cosechar millones de reproducciones y apuntar su nombre en la escena nacional.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La lupa en el perfil de Thomas Hodara</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si tu fanatismo va por el lado de la moda hype y el inmenso universo que la rodea, <strong>el perfil del argentino debería ingresar a tu lista de perfiles a seguir</strong>, y porque no comenzar a scrollear en su redes en este mismo instante.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>venta de prendas </strong>es el contenido que reina en el perfil de <strong>Thomas Hodara</strong>, donde recibe a compradores en su local, el único showroom de moda hype en la provincia de Córdoba, les enseña todas las prendas que se encuentran disponibles, los aconseja y, hasta incluso, los ayuda a armar un outfit completo o encontrar ese producto que tanto buscan.&nbsp;</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@hassuru.ar/video/7555583032451730700" data-video-id="7555583032451730700" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px; min-width:325px;"> <section> <a target="_blank" title="@hassuru.ar" href="https://www.tiktok.com/@hassuru.ar?refer=embed">@hassuru.ar</a> <p>????????????????????negociando con mi pana @Jorge Andrés <a title="wgk" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/wgk?refer=embed">#wgk</a> <a title="wegotkicks" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/wegotkicks?refer=embed">#wegotkicks</a> </p> <a target="_blank" title="♬ original sound - HASSURU" href="https://www.tiktok.com/music/original-sound-7555583062130674488?refer=embed">♬ original sound - HASSURU</a> </section> </blockquote> <script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">También cuenta con <strong>vlogs </strong>en los que ilustra el día a día y cómo es <strong>la vida de un emprendedor de moda hype</strong> en Argentina y otros donde viaja a distintas partes del mundo y <strong>recorrer convenciones</strong> o ferias dedicadas a la escena del streetwear.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Las colaboraciones es otra artista del contenido de <strong>Thomas Hodara</strong>: el cordobés ha grabado con colegas como <strong>We Got Kicks</strong> de Puerto Rico y <strong>Rami The Icon </strong>de Estados Unidos, así como también con estrellas de la música urbana argentina como <strong>Trueno, Lucho SSJ, C.R.O, MKS, Mike Southside, Khea y Neo Pistea</strong>, entre otros.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Más que un simple influencer de moda hype</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El perfil de <strong>Thomas Hodara</strong> como figura de la <strong>moda hype</strong> en <strong>Argentina </strong>no solo es considerado debido a su huella en las redes sociales con videos que reúnen millones de reproducciones y likes, sino que también por su presencia en el <strong>mercado</strong>. Bajo el nombre de <strong>Hassuru</strong>, la página web del cordobés es un perchero digital repleto de prendas, accesorios y sneakers de las principales marcas como <strong>Nike, Adidas, BAPE, Supreme, Fear of God, Corteiz y Denim Tears</strong>: prendas exclusivas, un universo de talles, ediciones limitadas y colecciones difíciles de conseguir, y las grandes novedades de la moda hype. <strong>Un catálogo de productos que lo consolida como uno de los referentes del streetwear a nivel local y nacional</strong>.</span></p>

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Noticias

El cordobés que lleva la moda hype a las redes

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Puerto Rico </strong>no solo es la tierra del reggaetón, sino que también se ha convertido en la tierra natal de uno de los creadores de contenido de moda hype más significativos de la escena latinoamericana: <strong>Jorge Andrés de We Got Kicks</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">We Got Kicks, el pilar puertorriqueño del streetwear</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El <strong>streetwear </strong>ha impactado en la escena de la moda mundial como una de las corrientes textiles con mayor fuerza de todas, y <strong>Latinoamérica </strong>logró instalar su figura dentro de las regiones que más apostaron por el estilo con <strong>Argentina, México, Brasil y Colombia</strong> a la cabeza. Si el foco lo ponemos en los actores, no hay dudas de que las marcas son el principal protagonista dentro de la expansión y la popularidad de la corriente, pero los <strong>influencers o creadores de contenido </strong>también se han ganado un lugar como pilares. Y si tenemos que mencionar a una de las principales estrellas en redes sociales enfocada al streetwear, <strong>es imposible no hablar acerca del puertorriqueño Jorge Andrés, conocido como We Got Kicks</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d74b2c9181.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Jorge Andrés, la cara de We Got Kicks (Instagram/We Got Kicks).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con más de tres millones de seguidores entre todas sus redes sociales, el proyecto <strong>We Got Kicks </strong>liderado por el puertorriqueño Jorge Andrés se estableció como <strong>un referente indiscutido del streetwear y la ropa hype</strong> en la comunidad latinoamericana.&nbsp;</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El canal no solo es un paraíso y una vidriera digital de la industria textil popular, sino que también es uno de los perfiles líderes en cuanto a la <strong>moda hype</strong> con un contenido <strong>ciento por ciento enfocado en la pilcha</strong>: vlogs en festivales, ferias y convenciones de moda populares como <strong>SneakerCon y CactusCon</strong>, donde regatea precios, muestra productos y habla sobre las prendas, colaboraciones con personalidades de la música urbana latinoamericana como <strong>Luar La L, Ovi, Casper Magico, Jay Wheeler y Brytiago</strong>, experiencias visitando tiendas de lujo y desafíos como organizar el closet de artistas, recorrer tiendas tanto en <strong>Puerto Rico</strong> como en países como <strong>Colombia, España y Estados Unidos</strong> en busca de precios e intentar comprar y vender sneakers, entre otros tantos estilos de videos con la moda hype como protagonista.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Más allá que un perfil digital de moda hype</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Es muy probable que la faceta más reconocida de<strong> We Got Kicks</strong> sea su lado digital, y con razón: millones de seguidores en cada red social, cientos de miles de reproducciones, likes y comentarios en los posteos y una comunidad enorme de amantes de la ropa hype. Pero el proyecto encabezado por el puertorriqueño Jorge Andrés también cuenta con su <strong>propia marca de ropa</strong> bajo el mismo seudónimo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_7f5625736d.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">We Got Kicks, el emblema puertorriqueño de la moda hype (Instagram/We Got Kicks).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con un catálogo de prendas que va <strong>desde hoodies y camisetas hasta accesorios</strong> como gorras, calcetines y linternas, <strong>We Got Kicks</strong> también conquistó parte del mercado textil con su línea de ropa: los precios de las prendas se encuentran entre los <strong>$15 y $65 dólares americanos </strong>y se pueden adquirir a través de su&nbsp;</span><a href="https://wegotkickspr.com/"><span style="background-color:transparent;color:#1155cc;font-family:Arial,sans-serif;"><u>página web</u></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De la misma manera, los fanáticos de la ropa también podrán conseguir a través de la página de <strong>We Got Kicks</strong> un universo de prendas hype de todo con marcas como <strong>Nike, Adidas, Anti Social Social Club, Fear of God, New Balance, Supreme y Yeezy</strong>.</span></p>

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La moda hype en el rostro de Jorge Andrés de We Got Kicks.jpg

El emblema puertorriqueño de la moda hype

Santino Ferrari tocando durante una edición de Drop N Kicks (1).avif

Lost & Found, Drop N Kicks y la música: las tres caras de Santino Ferrari

<p>Con apenas tres meses transcurridos del año, la industria de la moda ya dejó ver lanzamientos y colaboraciones que marcaron agenda. Sin embargo, en el último tiempo hubo una que se destacó por encima del resto: la unión entre La Martina y Supreme, un cruce que conecta la tradición del polo argentino con la estética hype de la firma neoyorquina.</p><h2>Del polo al hype: La Martina y Supreme crean su propio universo</h2><p>El universo del streetwear se mueve como una montaña rusa: colaboraciones inesperadas, drops que se agotan en cuestión de minutos y alianzas que redefinen el pulso de la industria. En ese escenario, conviven desde duplas ya consolidadas hasta juntes que aparecen una sola vez, pero dejan una marca imborrable.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DVeTaUlii97/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DVeTaUlii97/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>También están aquellas colaboraciones que rompen todos los esquemas. Cruces entre marcas que, en los papeles, parecen hablar idiomas distintos, pero que terminan encontrando un punto en común para crear algo completamente nuevo dentro de la escena.</p><p>En ese terreno aparece la unión entre La Martina y Supreme, una colaboración que conecta la tradición del polo con la estética del streetwear y la moda hype. El lanzamiento no solo destaca por su propuesta, sino por su peso simbólico: representa el primer acercamiento de Supreme a una marca de origen argentino y latinoamericano, al mismo tiempo que marca el desembarco de La Martina en la escena hype. Un junte histórico por el lado que se vea.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_12721870ce.png" alt=""><figcaption>La Martina x Supreme (Supreme).</figcaption></figure><p>La cápsula fue presentada en redes con una pieza que resume el cruce de mundos: un polo clásico intervenido con el rojo característico de Supreme, logos de ambas marcas y detalles como el número 3 junto a la inscripción “MMXXVI” en la espalda y el sello “World Famous” en el cuello, reafirmando el ADN de la firma neoyorquina. Al mismo tiempo, también aparece la huella de Jacob &amp; Co., la reconocida empresa de origen estadounidense que vende productos de joyería y relojes de pulsera.</p><p>Más allá del diseño, la cápsula también funciona como un puente cultural: acerca la tradición, la historia y la identidad del polo argentino —marcada por la herencia, el esfuerzo y una construcción simbólica ligada al país— a una nueva audiencia global, reinterpretándola dentro de los códigos contemporáneos del streetwear.</p><p>Al mismo tiempo, la colaboración expande el mapa del hype hacia territorios que históricamente no habían sido protagonistas dentro de la escena, posicionando a Argentina —y, por extensión, a Latinoamérica— dentro de una conversación global dominada durante años por otros polos culturales. No se trata solo de una cápsula, sino de un gesto que redefine quiénes pueden formar parte del circuito.</p><h2>La colección completa de La Martina x Supreme</h2><p>Con el lanzamiento oficial, la colaboración entre La Martina y Supreme terminó de revelar el verdadero alcance del proyecto. Aquella primera imagen del clásico polo rojo fue apenas una puerta de entrada a una cápsula mucho más amplia, pensada para unir el ADN deportivo de la firma argentina con los códigos del streetwear contemporáneo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1430fed356.png" alt=""><figcaption>Turrobaby como modelo en la colección de Supreme x La Martina (Supreme).</figcaption></figure><p>La colección está compuesta por una campera, una típica camiseta de rugby, una camiseta de fútbol, una sudadera con cierre, un jogger y una gorra de seis paneles, además de distintos accesorios y piezas lifestyle que expanden el universo de la colaboración.</p><p>En términos estéticos, la cápsula se mueve entre tonos negros, rojos, amarillos, grises, rosas y celestes, combinando los colores clásicos de Supreme con guiños al universo del polo y a la identidad argentina. En las distintas prendas conviven los logos de Supreme, La Martina y Jacob &amp; Co., junto a detalles como el tradicional número 3, el sello &quot;World Famous&quot; y referencias a la cultura deportiva que inspira el proyecto.</p><h2>La huella del under argentino en Supreme x La Martina</h2><p>Uno de los detalles más llamativos del lanzamiento fue la campaña elegida para presentar la colección. Lejos de apostar únicamente por modelos tradicionales o figuras del deporte, Supreme y La Martina decidieron poner el foco sobre una de las nuevas corrientes culturales argentinas.</p><p>La sesión fotográfica estuvo protagonizada por AgusFortnite2008, integrantes de Swaggerboyz junto a Stiffy, y Turrobaby, dos de los nombres más representativos del nuevo under musical argentino. Una decisión que conecta el universo del polo y el streetwear con una generación de artistas que comienza a dejar su huella tanto a nivel nacional como internacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a310cbe35f.png" alt=""><figcaption>AgusFortnite2008 como modelo en la colección de Supreme x La Martina (Supreme).</figcaption></figure><p>La presencia del colectivo dentro de la campaña no parece casual. Al igual que la propia colaboración entre Supreme y La Martina, representa el encuentro entre mundos diferentes que encuentran puntos en común a través de la cultura urbana, la moda y la música, ampliando el alcance de una cápsula que trasciende la ropa para convertirse en un fenómeno cultural.</p>

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Dos mundos, una estética: el junte de La Martina y Supreme

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De la mano de marcas como <strong>Supreme</strong>, <strong>BAPE </strong>y <strong>Off-White</strong>, la <strong>corriente&nbsp;</strong><i><strong>hype</strong></i> ha ganado terreno dentro del streetwear a nivel internacional y se ha consolidado como uno de los estilos más exclusivos de la escena. A pesar de no contar con la concesión para la venta de marcas de lujo, <strong>Argentina presenta puntos de compra y venta de prendas de dicho nivel como Drops, One Kickz y The Hype Company</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Drops</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con más de diez años de experiencia en el mercado de la moda y la reventa de marcas de lujo, <strong>Drops </strong>(Avenida Olazábal 1515) <strong>se ha convertido en la referencia más importante del mercado hype en Argentina</strong>. El local cuenta con <strong>tres tipos de productos</strong> (calzado, indumentaria y accesorios) y un sinfín de sellos como <strong>Nike, Adidas, BAPE, Fear of God, Off-White, Balmain, AMIRI, Trapstar, Supreme, Palm Angels, Versace y Louis Vuitton</strong>, entre tantos otros. El establecimiento no solo <strong>logró marcar un antes y un después en el escenario de la moda hype al traer prendas y crear los primeros cimientos de la corriente a nivel local</strong>, sino que también desarrolló un vínculo con las grandes personalidades de las redes sociales de Argentina como <strong>Coscu, Zeko, Goncho, Brunenger, Pablo Nonis, Albere, Spreen, Carrera y C0ker</strong>.</span></p><p><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Marcas_como_Nike_Fear_of_God_Off_White_y_Balmain_dicen_presente_en_Drops_0fb4fb55d7.jpg"><br><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Marcas como Nike, Fear of God, Off-White y Balmain dicen presente en Drops (Instagram/Drops).</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">The Hype Company</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Establecido en el año 2023 y bajo la misión de hacer que la moda de diseñadores sea más accesible en Argentina, <strong>The Hype Company es otro de los establecimientos con mayor impacto dentro de la corriente hype en territorio argentino</strong>. Con marcas como <strong>Dior, Louis Vuitton, Supreme, Prada, Balenciaga y Givenchy</strong>, el sitio presenta un catálogo de prendas y accesorios que va <strong>desde hoodies, camisas, remeras, pantalones, gorras, cinturones, bolsos, zapatillas y shorts y también ofrece la posibilidad de comprar, vender y consignar todo tipo de prendas</strong>. THC, abreviatura del local, ha recibido la visita de celebridades locales de distintas áreas de la talla de <strong>Brunenger, Spreen, Lauty Gram, Ecko, Doble P, Luck Ra y Salastkbron</strong> y ha ganado popularidad en las plataformas más reconocidas como Instagram y Tiktok a través de posteos relacionados con la corriente&nbsp;<i>hype</i>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Ecko_referente_del_genero_urbano_argentino_con_ropa_de_The_Hype_Company_e9a0af388d.jpg"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Ecko, referente del género urbano argentino, con ropa de The Hype Company (Instagram/The Hype Company).</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">One Kickz</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con sede en el barrio de Palermo Soho, <strong>One Kickz es, sin dudas, otro de los sitios más emblemáticos de la corriente&nbsp;</strong><i><strong>hype</strong></i><strong> en Argentina</strong>. Con casi 200 mil seguidores en Instagram y un gran catálogo de prendes, el establecimiento cuenta con marcas como <strong>Nike, Corteiz, BAPE, Supreme, Adidas, Off-White, COMME des GARÇONS y Nude Project</strong> y ha trabajado con estrellas del fútbol como <strong>Lucas Pratto, Darío Benedetto y Miguel Borja</strong>, figuras de la música como <strong>Luck Ra, Salastkbron, Asan y Rusherking</strong> e influencers como <strong>Brunenger, Clari Cremaschi y Coty Romero</strong>. Al igual que Drops, One Kickz logró aportar su granito de arena a la corriente del&nbsp;<i>hype</i> local y<strong> se ha convertido en uno de los referentes de la moda de lujo en Argentina</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Superior_Royale_Denim_Bomber_de_la_marca_Corteiz_085ad067de.jpg">Superior Royale Denim Bomber de la marca Corteiz (Instagram/One Kickz).</span></p>

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Remera ABC Camo Shark Zip Tee de la marca BAPE.jpg

¿Dónde conseguir ropa hype en Argentina?

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">¿Te imaginás poder conseguir prendas de marcas como Corteiz, Balenciaga, Off-White, Nude Project o Supreme en pleno Santiago? Parece imposible, pero existe un lugar que lo hace realidad: <strong>Reserved</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Reserved como sinónimo de la ropa hype en Santiago</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con marcas como <strong>Supreme, Anti Social Social Club y Essentials</strong>, la <strong>ropa hype</strong> se ha instalado como uno de los <strong>grandes fenómenos</strong> en la escena de la <strong>moda urbana internacional</strong>. Y no solo por su popularidad y el estatus que otorga a quienes la visten, sino también por esa dosis de exclusividad que la conforma al no ser un tipo de prenda fácil de conseguir en cualquier shopping o local de ropa de la ciudad.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b68dbe77fc.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El interior de Reserved (Reserved).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y aunque se cuentan con los dedos de la mano, cada ciudad de Latinoamérica presenta un exclusivo establecimiento consolidado como el paraíso de la ropa hype, <strong>y&nbsp;</strong></span><a href="https://www.instagram.com/reserved.cl/?hl=es"><span style="background-color:transparent;color:#1155cc;font-family:Arial,sans-serif;"><strong><u>Reserved</u></strong></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong> lo es en Santiago de Chile</strong>. Ubicado en la calle Asturias 77, comuna de Las Condes, y abierto de lunes a domingos de 12:00 a 20:00 horas, <strong>Reserved </strong>se ha ganado el privilegio y el título de ser el <strong>lugar número uno de ropa hype</strong> en la capital chilena: marcas internacionales de la talla de Off-White, Balenciaga y Louis Vuitton, sellos locales como More Amor y Amour Apparel y un abanico de prendas como hoodies, remeras, sneakers y accesorios.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_532b8f0057.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Supreme, BAPE, Essentials y más marcas en Reserved, el emblema de la ropa hype en Santiago (Reserved).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Más allá de que la variedad a nivel marcas y prendas ya es un motivo completamente válido para establecerlo como el núcleo de la ropa hype en Santiago, los números y las figuras que han pasado por el local también contribuyen al debate. Con más de 90 mil seguidores en Instagram, <strong>Reserved </strong>recibió la visita de figuras del streaming como <strong>Coscu y Shelao</strong>, personalidades locales de la talla del humorista <strong>Lucho Miranda</strong> y estrellas de la música como <strong>El Menor y Ceaese</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">¿Qué marcas puedo encontrar?</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Llamar a Reserved el santuario de la ropa hype en Santiago no es exagerar o buscar un gancho para atraer clientes: basta entrar una vez para entender por qué.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/C-nmr5Mu9cz/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/C-nmr5Mu9cz/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/C-nmr5Mu9cz/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por RESERVED SCL (@reserved.cl)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con una oferta que va desde marcas nacionales e internacionales hasta un abanico que conforma todo tipo de prendas que puedas imaginar, el local ubicado en Las Condes, comuna del sector nororiente de la ciudad de Santiago, se ha establecido como el rincón soñado para todos los amantes de esta prestigiosa e icónica moda.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Balenciaga</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cold Culture</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Corteiz</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Essentials</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Nude Project</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Off-White</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Palm Angels</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Scuffers</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Stussy</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Supreme</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Nike</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Adidas</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">BAPE</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Louis Vuitton</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Anti Social Social Club</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c3bd532b0f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Corteiz, una de las marcas presentes en Reserved (Reserved).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y eso no es lo único. También hay <strong>marcas de carácter nacional</strong> de la talla de <strong>Amour Apparel, More Amor, Noak y VSA Worldwide</strong> y un abanico de prendas para armar tu outfit de cabeza a pie: chaquetas, pantalones, shorts, sweaters, hoodies, remeras, sneakers y accesorios como anillos, collares, bolsos, gorras, lentes y muñecos, entre otras tantas variantes. <strong>Un arsenal hype para todos los gustos</strong>.</span></p>

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El paraíso de la ropa hype en Santiago

<p>El skateboarding cuenta con diferentes modalidades, cada una con sus propios escenarios, obstáculos y formas de desarrollar los trucos, y Street Art Latam te trae una guía para conocer sus principales disciplinas: street, park y bowl.</p><h2>Street: cuando la ciudad se convierte en un skatepark</h2><p>El street es una de las modalidades más vinculadas con los orígenes urbanos del skateboarding. En lugar de utilizar exclusivamente rampas diseñadas para patinar, los skaters aprovechan elementos del mobiliario urbano para desarrollar sus líneas y trucos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6388c185da.png" alt=""><figcaption>Escenario de street en el mundo del skateboarding (Red Bull).</figcaption></figure><p>Escaleras, barandas, bancos, bordes, muros y desniveles pueden convertirse en obstáculos para realizar diferentes maniobras, mientras que la creatividad y la capacidad para interpretar el entorno tienen un papel fundamental.</p><p>En las competencias de street, los participantes suelen ser evaluados por aspectos como la dificultad de los trucos, la ejecución, la variedad, el uso de los obstáculos y la fluidez de sus recorridos.</p><h2>Park: trucos, velocidad y líneas en un circuito de rampas</h2><p>El park se desarrolla en circuitos especialmente construidos para el skateboarding, que combinan diferentes rampas, transiciones, desniveles y obstáculos.</p><p>A diferencia del street, donde el escenario busca reproducir elementos de la ciudad, los skateparks permiten construir recorridos específicos para que los skaters puedan aprovechar las distintas estructuras y ganar velocidad.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/CmRarO1_NGo" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Las líneas pueden incluir saltos, giros, grinds y diferentes maniobras realizadas sobre las rampas y obstáculos del circuito, donde la velocidad, la altura y la dificultad de los trucos son algunos de los elementos que adquieren protagonismo.</p><p>Esta modalidad también forma parte del programa olímpico, donde el recorrido se desarrolla sobre un circuito con distintas transiciones y obstáculos.</p><h2>Bowl: velocidad y transiciones dentro de una gran estructura</h2><p>El bowl toma su nombre de la forma de las estructuras en las que se practica. Se trata de espacios con paredes curvas y transiciones que permiten que los skaters recorran el circuito utilizando el impulso generado por sus movimientos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fe9f25ca4b.png" alt=""><figcaption>El skater español Danny León haciendo skate en un bowl (Red Bull).</figcaption></figure><p>En lugar de desplazarse principalmente de un obstáculo a otro, como puede ocurrir en street, el skater aprovecha las paredes y transiciones para mantener la velocidad, subir por los laterales y realizar diferentes maniobras.</p><p>La profundidad y la forma del bowl pueden variar considerablemente, generando diferentes posibilidades para quienes lo utilizan. La modalidad exige un buen control de la velocidad, equilibrio y capacidad para leer las transiciones de la estructura.</p>

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¿Cuáles son las principales modalidades del skateboarding?

<p>Aunque todas comparten la bicicleta y la búsqueda de nuevos trucos, las modalidades del BMX Freestyle presentan diferencias en sus escenarios y estilos, y Street Art Latam te explica cuáles son.</p><h2>Park</h2><p>El park se desarrolla en circuitos diseñados especialmente para los riders, con obstáculos como rampas, muros, columnas y saltos. Los competidores encadenan distintos trucos en una misma línea y son evaluados por su ejecución y dificultad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_acadfab49e.png" alt=""><figcaption>Rider haciendo truco en los aires (Stephen Leonardi).</figcaption></figure><h2>Vert</h2><p>El vert toma su nombre de vertical y se disputa sobre una rampa con forma de U, cuyos extremos alcanzan una posición vertical. En esta modalidad, los riders aprovechan la altura para despegar varios metros por encima de la estructura y ejecutar trucos durante el vuelo.</p><h2>Street</h2><p>El street traslada el BMX al entorno urbano y utiliza elementos de la ciudad como parte del recorrido. Escaleras, muros, barandas y otros obstáculos sirven para crear nuevas líneas y ejecutar trucos, con la exploración del espacio como uno de sus principales atractivos.</p><h2>Dirt</h2><p>El dirt se caracteriza por sus grandes saltos sobre montículos de tierra especialmente construidos para generar altura y distancia. Los riders aprovechan el tiempo en el aire para realizar trucos de distinta dificultad antes de completar el aterrizaje.</p><h2>Flatland</h2><p>A diferencia de otras modalidades, el flatland se practica completamente sobre una superficie plana y sin obstáculos. Los riders realizan combinaciones de trucos que incluyen equilibrios, giros y movimientos sobre una o ambas ruedas, donde el control de la bicicleta es fundamental.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0fc085788b.png" alt=""><figcaption>Rider practicando la modalidad flatland de BMX Freestyle (Franco Monsalvo).</figcaption></figure>

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El ABC del BMX Freestyle: conocé sus cinco modalidades

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El vínculo entre Ca7riel &amp; Paco Amoroso y la moda urbana suma un nuevo capítulo con una de las grandes marcas deportivas internacionales, y es que PUMA confirmó oficialmente su alianza con el dúo argentino.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Música, moda y archivo: así es la nueva alianza entre PUMA y Ca7riel &amp; Paco Amoroso</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde hace varios años, el nombre de <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso</strong> dejó de estar vinculado únicamente al mundo musical y pasó a convertirse en <strong>un fenómeno que trasciende canciones, discos y escenarios</strong>. El dúo argentino también construyó una identidad propia a partir de su estilo, su carisma y una estética que los llevó a ocupar un lugar cada vez más importante dentro de la moda urbana.</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/oeg1dQUj3tg" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En las últimas horas, los artistas <strong>volvieron a ser noticia</strong> y, esta vez, no fue por el lanzamiento de un nuevo sencillo, un álbum o el anuncio de una nueva gira.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después de haber dejado su primera huella en el mundo de la moda urbana junto a la marca española Bershka, <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso unieron fuerzas oficialmente con PUMA</strong>, consolidando una alianza que cruza música, moda urbana y la identidad visual que caracteriza al dúo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_db3dcfb63f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Ca7riel &amp; Paco Amoroso vestidos de PUMA durante uno de sus shows (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si bien el vínculo ya había comenzado a hacerse visible, la colaboración todavía no había sido oficializada. Durante un <strong>show realizado en la ciudad de Nueva York</strong> en el mes de junio, <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso fueron vistos utilizando prendas y piezas de PUMA</strong>, una señal que anticipaba el acuerdo que finalmente fue confirmado por ambas partes a través de una publicación en Instagram.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La alianza contempla <strong>el co-diseño de vestuarios personalizados para los shows de su gira global, combinando piezas creadas especialmente para los artistas con prendas vintage pertenecientes al archivo de PUMA</strong>. De esta manera, la propuesta busca trasladar la identidad de Ca7riel &amp; Paco Amoroso al escenario a través de looks que mezclan elementos contemporáneos con piezas históricas de la marca.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_47fbb39d1d.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">La huella de PUMA en los shows de Ca7riel &amp; Paco Amoroso (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La colaboración ya tuvo sus primeras apariciones en distintas ciudades del mundo. Además de Nueva York, <strong>los looks vinculados a PUMA también pudieron verse en Ciudad de México y Barcelona</strong>, aunque todavía quedan nuevos escenarios y estilos por conocer a medida que avance la gira.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d40c30bc80.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Vestuario de Ca7riel hecho por PUMA (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para Ca7riel &amp; Paco Amoroso, se trata de un nuevo capítulo dentro de una trayectoria que cada vez tiene más puntos de contacto con la moda y la cultura urbana. Para PUMA, en tanto, representa un nuevo vínculo con dos artistas argentinos que lograron convertir su música, su estética y su manera de habitar los escenarios en parte fundamental de su identidad.</span></p>

Ca7riel & Paco Amoroso vestidos por PUMA durante un show.avif

Ca7riel & Paco Amoroso se visten de PUMA

<p>Luego de la conquista del Mundial de Qatar, cientos de murales comenzaron a aparecer en distintos puntos de Argentina como homenaje a la tercera estrella. Entre ellos sobresalen los realizados por Maic Bruera, autor de las emblemáticas obras dedicadas a Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez (esquina Gorriti y Pasaje Atalcalco) y Lionel Scaloni (Gorriti 5347).</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó el origen de esas creaciones, el impacto de la Scaloneta en el muralismo y cómo el fútbol puede transformarse en arte.</p><h2>El motivo de la elección del “Dibu” Martínez y Lionel Scaloni como protagonistas de las obras</h2><p>Luego de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar, el muralismo argentino atravesó una verdadera &quot;escalonetización&quot;. A lo largo y ancho del país, cientos de paredes se transformaron en homenajes a los protagonistas de la tercera estrella, con Lionel Messi como la figura más retratada. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el foco estuvo puesto en dos nombres distintos: Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez y Lionel Scaloni, una elección que combinó el fanatismo de su hijo por el arquero y la admiración del artista por la faceta más humana del entrenador.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_092d33b017.png" alt=""><figcaption>El quiebre de Lionel Scaloni convertido en mural por Maic Bruera en Palermo (Maic Bruera).</figcaption></figure><p>“<em>Creo que fue un descarte más que nada. Messi ya estaba tan hecho que no daba para hacerlo de vuelta, y después fue muy obvio. Dibu era como una figura por el personaje que se convirtió en ese Mundial y por la atajada, y después le sumó también que mi hijo se hizo re fanático del Dibu y estaban todos los nenes como que querian ser arqueros, con la remera que se hizo medio icónica, estabe re hypeado. Estaba la foto del chabón en una pose muy copada, no hubo mucha vuelta: la foto está buena, el personaje es un copado, a mi hijo le cabe, está todo más que bien</em>”, cuenta Maic sobre la elección del “Dibu” Martínez.</p><p>En el caso de Lionel Scaloni, la inspiración pasó por otro lado. Más allá de los resultados deportivos, Bruera encontró en el entrenador una figura serena, auténtica y profundamente humana. Esa personalidad, sumada a los gestos que dejó durante el Mundial, terminó convirtiéndolo en el segundo gran protagonista de sus murales: <em>Scaloni ya fue otra cosa. Era un poquito más de sentirse más representado, había una movida de que el chaboncito estaba como “el tipo que ordenó a la Selección y encontró cómo hacerlo jugar bien a Messi”. Y también estaba la personalidad. Hoy lo ves en el Mundial y el flaco no te grita un gol. Es muy especial y, en un momento, se da la situación de la cámara cuando se quiebra y que lo transforma en ese chabón humano. Son quiebres emocionales que están buenísimo y justo lo agarraron con esa cara de meme</em>”.</p><h2>De los memes del Mundial al arte urbano</h2><p>A la hora de retratar un hecho deportivo, muchos artistas urbanos buscan inmortalizar la emoción de un instante para que quien observe la obra vuelva a sentir lo que ocurrió aquel día. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el enfoque fue diferente. Más que transmitir la carga emocional de una jugada, el muralista argentino apostó por capturar esas imágenes que, además de quedar grabadas en la memoria colectiva, también se transformaron en verdaderos memes durante la Copa del Mundo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>De mi lado fue más el momento meme. Después al ser tan icónico te lleva directamente a lo que vos sentiste en ese momento, pero no buscaba tratar de hacer sentir a la gente un momento especial, sino riamonos y emocionamos un poco. Tratar de ser lo más fotográfico en el sentido de la postal. En el de Scaloni es más difícil, pero en el del Dibu se entiende más: el pasto no es textura pasto, es una línea verde. Te ubica en situación y el personaje en pose. Es la postal de lo que pasó en ese momento</em>”, expresa Maic.</p><h2>El muralismo como puente entre generaciones</h2><p>Más allá de intervenir un muro, muchas obras de arte urbano terminan convirtiéndose en verdaderos registros de momentos que marcaron una época. Con el paso de los años, esos murales funcionan como un puente entre distintas generaciones, permitiendo que quienes los observen vuelvan a conectarse con hechos que quedaron grabados en la memoria colectiva. Las representaciones de la atajada del Dibu Martínez y el abrazo de Lionel Scaloni realizadas por Maic Bruera son un claro ejemplo de ello: “<em>Si, porque no sabes cuanto va a durar el mural. Se rompe la pared, pintan arriba, el muralismo es efímero. No importa qué personaje sea. Pero lo que tiene es que por más que se termine rompiendo o quede un poquito de la expresión del mural, te va a venir rápidamente la imagen real. Por ahí es una especie de disparador, ya no se ve o está medio escrachado, pero el recuerdo que te genera es viajar directamente a la final. Esa función la va a seguir cumpliendo</em>”.</p><h2>Los murales que podrían llegar tras otra estrella</h2><p>Con el duelo de cuartos de final ante Suiza a la vuelta de la esquina, la Selección argentina quedó a solo tres partidos de conquistar una nueva Copa del Mundo. Y así como la consagración en Qatar inspiró a Maic Bruera a llevar al “Dibu” Martínez y a Lionel Scaloni a distintos muros, el artista ya imagina la posibilidad de volver a tomar los pinceles si la Albiceleste logra escribir un nuevo capítulo en su historia.</p><p>“<em>Hay situaciones, imagenes que vos las ves. Podes ir por el lado emocional o por el gracioso. Por ahí no de los mismos personajes (Dibu y Scaloni). Pero no voy a estar pintando hasta que no termine este Mundial. Faltan tres partidos y Argentina es una manga de enfermos que siempre aparece una situación que no podes creerla: el cabezazo de Enzo Fernández o la última jugada de Lautaro Martínez gambeteando y haciendo tiempo, que termina pechandose cara a cara. Seguramente alguna imagen va a aparecer y algo vamos a pintar</em>”, dice Maic sobre las ideas acerca de una posible intervención en caso de que la Selección argentina salga campeona.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3583cea2da.png" alt=""><figcaption>La atajada del Dibu Martínez inmortalizada en los muros de Palermo por Maic Bruera (Maic Bruera).</figcaption></figure><h2>El orgullo de retratar a una generación histórica</h2><p>No hay dudas de que la Scaloneta marcó un antes y un después en la historia del fútbol argentino. La conquista de la tercera estrella, los gestos de sus protagonistas y las imágenes que dejó el Mundial de Qatar ya forman parte de la memoria colectiva y serán recordadas por generaciones. En ese camino, artistas como Maic Bruera también aportaron su granito de arena, inmortalizando algunos de esos momentos en murales que hoy funcionan como homenaje y testimonio de una de las etapas más importantes del deporte argentino.</p><p>“<em>Está bueno que tengamos algo de la Selección. A mi me pasa que fueron muchos años de putearme con la Selección, y de golpe te amigaste de vuelta y sino ganas o si hacen cualquier cosa, ya está. Me da esa sensación de poder pintar algo que está buena y le genera recuerdos a la gente que lo ve. Por más de que se intente ponerlos en una postura política a los personajes, son los jugadores de la Selección y uno lo que quiere es que salgan campeón cada cuatro años. Los murales son una parte positiva del recuerdo</em>”.</p><h2>Cómo Qatar revolucionó el muralismo argentino</h2><p>El impacto de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar trascendió el fútbol y también encontró un fuerte eco en el arte urbano. Desde Tierra del Fuego hasta Jujuy, los muros de ciudades y pueblos se transformaron en homenajes a figuras como Lionel Messi, Lionel Scaloni, Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez, Ángel Di María y otros protagonistas de la tercera estrella, dando lugar a uno de los movimientos muralistas vinculados al deporte más importantes de los últimos años.</p><p>Un fenómeno que no solo fue percibido por quienes forman parte del ambiente artístico, sino también por el público en general y por los propios medios de comunicación.</p><p>“<em>El muralismo en Argentina se pone muy de moda entre 2010 y 2014, y empieza a crecer. Arranca a ser aceptado por la sociedad, los vecinos, los espacios, pero no te daba nunca una excusa copada para pintar. No ibas a pintar a Sampaoli, no tiene mística, nada. Después tiene momentos tristísimos. Si hubieramos salido campeones en Brasil, el rodillazo de Neuer a Higuaín hubiera sido genial. Pero al mismo tiempo no hay nada muy positivo para recordar, como para pintar un momento. Ya Messi venía muy arriba, ya había muchos murales: lo que le dio salir campeón del mundo fue que todo estaba lleno de murales de él. Le hizo muy bien, creo que las dos cosas se potenciaron: el Mundial con el muralismo y el muralismo con el Mundial</em>”.</p>

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Maic Bruera, el artista que convirtió al Dibu Martínez y a Scaloni en murales icónicos

<p>Los accesorios también encontraron nuevas formas de conquistar el streetwear argentino, y Es de Neko lo demuestra con carteras confeccionadas completamente a partir de mostacillas.</p><h2>Es de Neko y el arte de construir carteras mostacilla por mostacilla</h2><p>Con el paso del tiempo, los accesorios dejaron de ocupar un papel secundario dentro del streetwear para convertirse en piezas capaces de definir por completo un outfit. Gorras, joyería, bolsos y carteras ganaron protagonismo hasta construir sus propias tendencias, y en Argentina existe una propuesta que lleva ese universo hacia un terreno mucho menos habitual: <a href="https://www.instagram.com/esdeneko_"><u>Es de Neko</u></a>.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b7c7b0752a.png" alt=""><figcaption>Corbata de mostacillas hecha por Es de Neko (Instagram/Es de Neko).</figcaption></figure><p>El proyecto concentra gran parte de su identidad en las beadbags, término que podría traducirse como “bolsos de cuentas”: carteras confeccionadas artesanalmente a partir de mostacillas, cuentas, abalorios o perlitas que se entrelazan una a una mediante una técnica de tejido manual hasta conseguir una estructura firme y resistente.</p><p>El resultado son piezas que combinan moda y trabajo artesanal y que convierten un material tradicionalmente asociado a pequeños accesorios en el protagonista absoluto de una cartera. Es de Neko explora esta técnica mediante diferentes tamaños, formas, colores y niveles de complejidad.</p><p>Entre sus propuestas aparecen desde bolsos pequeños hasta modelos de mayores dimensiones y versiones con correas largas, acompañados por una paleta que puede pasar de tonalidades clásicas como negro o blanco hasta combinaciones mucho más llamativas con rojo, azul, verde o amarillo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DayE1P4hULz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DayE1P4hULz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los diseños también permiten jugar con distintos niveles de detalle. Hay propuestas más minimalistas donde el entramado de mostacillas es el protagonista y otras que incorporan figuras y patrones como corazones o mariposas, llevando cada pieza hacia un terreno mucho más gráfico y personalizado.</p><p>Pero el universo de Es de Neko no se limita únicamente a las carteras. La misma técnica aparece trasladada a otros accesorios, entre ellos porta encendedores y corbatas confeccionadas con mostacillas, ampliando una propuesta que encuentra en el trabajo manual su principal sello de identidad.</p><p>Las piezas pueden adquirirse a través de la <a href="https://esdeneko.empretienda.com.ar/"><u>tienda oficial del proyecto</u></a>, con precios que varian dependiendo del modelo y su complejidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c4a083e5b6.png" alt=""><figcaption>Malena Pichot, actriz, comediante y activista feminista argentina, utilizando una beadbag de Es de Neko (Instagram/Malena Pichot).</figcaption></figure><p>Además, Es de Neko permite pasar de comprar una pieza terminada a aprender directamente cómo crearla. El proyecto ofrece workshops presenciales de elaboración con mostacillas, con materiales y acompañamiento durante el proceso, acercando la técnica tanto a quienes simplemente sienten curiosidad como a quienes quieren comenzar a desarrollar sus propios diseños.</p><p>De esta manera, Es de Neko encontró una forma particular de introducir la artesanía dentro del streetwear argentino: transformar pequeñas cuentas individuales en carteras, accesorios y piezas capaces de convertirse en protagonistas del outfit.</p>

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Es de Neko, la marca argentina que transforma mostacillas en carteras

<p>El streetwear vuelve a encontrarse con la cultura pop: Nike confirmó su nueva colaboración con One Piece, inspirada en tres de las legendarias Frutas del Diablo.</p><h2>Nike y One Piece se unen para convertir las Frutas del Diablo en sneakers</h2><p>El vínculo entre la cultura pop y el mundo del streetwear continúa creciendo con colaboraciones que llevan universos de ficción a prendas y zapatillas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b412af31cf.png" alt=""><figcaption>Ope Ope no Mi, una de las Frutas del Diablo del universo de One Piece, hecha sneaker (Nike).</figcaption></figure><p>Y una de las últimas en sumarse a esta tendencia es Nike x One Piece, una colección que fusiona el ADN de la firma estadounidense con uno de los mangas y animes más populares de las últimas décadas.</p><p>Después de rumores y diferentes adelantos, Nike confirmó una propuesta inspirada en el universo creado por Eiichiro Oda, con las Frutas del Diablo como grandes protagonistas. La colección toma como punto de partida tres de ellas —la Gomu Gomu no Mi, la Mera Mera no Mi y la Ope Ope no Mi— para reinterpretar la silueta de las Air Max Plus.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcYRurhIdBM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcYRurhIdBM/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Gomu Gomu Air Max Plus: la primera de las sneakers está inspirada en la Gomu Gomu no Mi, asociada a Monkey D. Luffy. La combinación de tonos morados y verdes busca trasladar a la zapatilla la estética de la fruta que convirtió al protagonista en un hombre de goma, mientras que las líneas onduladas características de las Air Max Plus refuerzan la referencia a la elasticidad y el movimiento de sus poderes.</li><li>Mera Mera Air Max Plus: la segunda versión toma como referencia la Mera Mera no Mi, relacionada originalmente con Portgas D. Ace y posteriormente con Sabo. En este caso, Nike apuesta por una combinación de naranjas, amarillos y rojos, creando un efecto visual inspirado en las llamas y acompañado por detalles en azul turquesa que generan contraste en diferentes sectores de la silueta.</li><li>Ope Ope Air Max Plus: por último, aparece la Ope Ope no Mi, la fruta utilizada por Trafalgar D. Water Law. Su diseño se diferencia de los anteriores mediante una estética más psicodélica y una combinación de tonos ciruela y pistacho, buscando representar visualmente el particular universo del ROOM, la habilidad que permite a Law manipular personas, objetos y posiciones dentro de un espacio determinado.</li></ul><p>Las tres Air Max Plus comparten además un detalle especial en la lengüeta: un Jolly Roger reinterpretado por Nike e inspirado en la bandera pirata de Luffy, con el característico sombrero de paja como elemento central. De esta manera, uno de los símbolos más reconocibles de One Piece se convierte en parte del diseño de la colección.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_504235c233.png" alt=""><figcaption>El universo de One Piece convertido en moda urbana por Nike (Nike).</figcaption></figure><p>Pero las zapatillas no serán las únicas protagonistas. La colaboración también incluye camisetas, jerseys, gorras y un chaleco, con diseños que combinan paneles originales del manga, referencias a la historia de One Piece y elementos clásicos del universo de Nike.</p><p>Así, Nike lleva el universo de One Piece directamente al streetwear a través de una colección que no solo recupera algunos de los símbolos más importantes de la obra de Eiichiro Oda, sino que convierte a tres de sus Frutas del Diablo más reconocidas en protagonistas de una de las siluetas más icónicas de la marca.</p>

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El universo de One Piece llega al streetwear de la mano de Nike

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El Bronx convirtió al hip hop en materia escolar: así es la nueva Bronx School of Hip Hop

<p>El streetwear encontró en las redes sociales uno de sus principales escenarios para ampliar su alcance. Entre los creadores que transforman tendencias en contenido cotidiano, en Colombia aparece el nombre de Nick, un influencer que logró convertir la moda urbana en una guía de inspiración para miles de seguidores.</p><h2>Outfits, tendencias y moda urbana: así conquistó Nick el streetwear colombiano</h2><p>Más allá de las grandes marcas y las pasarelas internacionales, el streetwear también crece gracias a creadores que acercan las tendencias al día a día. Y en Colombia, uno de esos nombres es Nick, un influencer de moda que reúne más de 300 mil seguidores en redes sociales y construyó una comunidad alrededor de los outfits, el análisis de prendas y las combinaciones urbanas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6f6145bd3f.png" alt=""><figcaption>El estilo de Nick en las calles de Ciudad de México (Instagram/Nick).</figcaption></figure><p>Su contenido gira alrededor de una idea simple: demostrar que la moda también puede explicarse desde las redes. A través de videos dinámicos comparte distintas maneras de combinar prendas, propone estilos para diferentes ocasiones y analiza tanto marcas colombianas como firmas internacionales que marcan el pulso del streetwear.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/las-marcas-colombianas-de-streetwear-que-deberias-conocer/285</p><ul><li>Ideas de outfits para distintas ocasiones.</li><li>Combinaciones de prendas y accesorios.</li><li>Análisis de marcas de moda urbana.</li><li>Retos virales inspirados en el streetwear.</li><li>Copias e interpretaciones de outfits populares.</li><li>Recorridos por tiendas y locales de ropa.</li><li>Curiosidades sobre tendencias y prendas.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@nck09_/video/7540842111239818502" data-video-id="7540842111239818502" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@nck09_/video/7540842111239818502?lang=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Su crecimiento también trascendió las pantallas. Nick comenzó a participar en pasarelas y eventos vinculados con la moda, consolidando un perfil que combina la creación de contenido con la presencia dentro de la industria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_91cf580b82.png" alt=""><figcaption>Nick, una de las caras del streetwear colombiano en redes (Instagram/Nick).</figcaption></figure><p>Con una estética marcada por prendas oversize, zapatillas, accesorios y referencias constantes a las tendencias que dominan las redes sociales, el colombiano se convirtió en una de las figuras emergentes del streetwear digital, inspirando a miles de jóvenes a experimentar con sus propios estilos y demostrando que las plataformas también pueden convertirse en una vidriera para descubrir nuevas formas de vestir.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/club-misterio-la-marca-con-la-que-fede-vigevani-conquisto-el-streetwear/656</p>

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Nick y la nueva generación del streetwear colombiano en redes sociales

<p>La joyería también es parte de la identidad de un look, y Bass Joyas lo llevó a otro nivel.</p><p>Desde Buenos Aires, el proyecto de joyería personalizada y prendas de autor construyó una propuesta propia dentro de la escena urbana y creó piezas elegidas por artistas de la talla de Nicki Nicole y Milo J.</p><h2>Anillos, cadenas y piezas de autor: conocé Bass Joyas, la joyería elegida por artistas</h2><p>Más allá de las prendas y los sneakers, los accesorios ganaron un lugar cada vez más importante dentro de la moda y se convirtieron en piezas fundamentales para completar y potenciar cada look.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en la ciudad de Buenos Aires aparece Bass Joyas, un proyecto dedicado a la joyería personalizada y las piezas de autor que logró hacerse un lugar dentro de la escena urbana y musical, con diseños elegidos por artistas como Nicki Nicole, Luck Ra, Knak, Pedrito VM y Milo J, entre otros.</p><h2>Oro, plata y diseños de autor: la propuesta de Bass Joyas</h2><p>La propuesta de Bass Joyas se caracteriza por trabajar con distintos materiales y formatos, con piezas que van desde diseños clásicos hasta alternativas más llamativas y personalizadas.</p><ul><li>Oro</li><li>Plata 925</li><li>Cubic</li><li>Bronce</li><li>Anillos</li><li>Colgantes</li><li>Cadenas</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36fc30d683.png" alt=""><figcaption>Joyería by Bass Joyas (Instagram/Bass Joyas).</figcaption></figure><p>Entre sus diseños aparecen cruces góticas, flores de lis, flores cúbicas, cruces de alquimia, números personalizados, símbolos de infinito, iniciales y estrellas, además de otras piezas pensadas para quienes buscan darle una identidad particular a sus accesorios.</p><p>Con precios que van desde los $50.000 hasta los $400.000 pesos argentinos, Bass Joyas cuenta con envíos a todo el país y permite adquirir sus piezas a través de su página web.</p>

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La joyería que llegó a los looks de Nicki Nicole, Luck Ra y Milo J: así es Bass Joyas

<p>Ilustración, animación 2D y 3D, moda y diseño de personajes forman parte del universo de Artsy Kars, una artista mexicana que convirtió la creación de mundos en su sello personal.</p><h2>Color, personajes y fantasía: la identidad de Artsy Kars</h2><p>Hay artistas que crean obras y otros que construyen universos enteros alrededor de ellas. Y en México, Artsy Kars convirtió la ilustración, la animación y el diseño de personajes en su propia forma de crear mundos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9266ab1ced.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Artsy Kars (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure><p>La artista mexicana Karen Sofía Vega Moreno, conocida artísticamente como Artsy Kars, construyó una identidad visual propia a partir de la combinación de animación, ilustración, diseño de personajes y creación de mundos. Su propuesta se caracteriza por una estética vibrante inspirada en el arte pop, el color y la narrativa, con piezas que mezclan elementos 2D y 3D para desarrollar universos cargados de personajes, emociones y simbolismo.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/el-taller-mexicano-que-mantiene-viva-la-tradicion-zapoteca-jacobo-y-maria-angeles/2175</p><p>Su proceso creativo le permite moverse entre diferentes disciplinas y técnicas, utilizando ilustraciones digitales y animaciones dinámicas para explorar nuevas dimensiones y darles vida a mundos imaginarios. A esto se suma una fuerte influencia de la moda, que aparece tanto en sus personajes como en prendas y artículos que forman parte de su universo artístico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Uno de los proyectos centrales dentro de su obra es ArtsyWorld, un mundo ficticio en expansión poblado por personajes, criaturas y narrativas mágicas. A través de este espacio, Artsy Kars explora conceptos como la identidad queer, la transformación, la moda, la mitología, la sensualidad y la belleza surrealista de la vida cotidiana, combinando referencias del anime, el arte pop, la cultura urbana y el arte digital contemporáneo.</p><p>Su trabajo también trascendió el ámbito personal para llegar a algunas de las principales industrias del entretenimiento, la música y la moda.</p><ul><li>Sony Music</li><li>Matisse</li><li>Yeri Mua</li><li>Disney</li><li>Adidas</li><li>Natura</li><li>Tecate Emblema</li></ul><p>Dentro de estos proyectos, la mexicana participó en la creación de promocionales animados, key visuals, portadas ilustradas, diseño de personajes y dirección visual integral, llevando su particular lenguaje artístico a diferentes formatos y plataformas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_84eb601541.png" alt=""><figcaption>Karen Sofía Vega Moreno junto a uno de los personajes de su universo artístico (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure><p>La propuesta de Artsy Kars encuentra así uno de sus principales atractivos en la capacidad de construir personajes que funcionan como protagonistas de sus propios mundos: obras combinan color, identidad, moda y narrativa para crear una estética lúdica y expresiva, donde lo cotidiano puede transformarse en escenarios cargados de fantasía.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/brandon-mata-y-el-arte-de-pintar-letreros-a-mano/2169</p><p>Radicada en Ciudad de México, la artista continúa expandiendo su lenguaje a través de la animación, la ilustración, la dirección de arte y la creación de mundos, consolidando una visión artística donde el color y la imaginación funcionan como herramientas para contar historias.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/pokemon-arte-huichol-y-piezas-unicas-hechas-a-mano-el-universo-de-taka-arte/2172</p>

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Artsy Kars, la artista mexicana que creó su propio universo de color

<p>Desde hace ya un puñado de años, la movida streetwear en Argentina ha dejado de ser considerada un nicho para convertirse en uno de los pilares de la industria textil, y marcas como Samples Studios, Bomba Project o Rotten Future lo demuestran a la perfección.</p><h2>Samples Studios</h2><p>Fundada en el año 2021, Samples Studios se consolidó como una de las marcas que forman parte de la escena del streetwear argentino, con una propuesta que combina creatividad, minimalismo y una identidad urbana.</p><p>Su catálogo reúne prendas y accesorios pensados para distintos estilos, aunque mantiene una identidad visual marcada por una estética urbana y una paleta que combina tonalidades clásicas como blanco y negro con colores como azul, rojo y verde.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6777b225a7.png" alt=""><figcaption>Modelo de Samples Studios (Samples Studios).</figcaption></figure><ul><li>Hoodies</li></ul><ul><li>Jeans</li></ul><ul><li>Zip hoodies</li></ul><ul><li>Playeras</li></ul><ul><li>Polos</li></ul><ul><li>Sweaters</li></ul><ul><li>Chombas</li></ul><ul><li>Camisetas manga largas</li></ul><ul><li>Camisas</li></ul><ul><li>Bermudas</li></ul><ul><li>Joggings</li></ul><ul><li>Accesorios como gorras</li></ul><p>El crecimiento de Samples Studios temporada tras temporada la convirtió en uno de los nombres destacados del streetwear argentino, con una propuesta que encontró en la combinación entre diseño, minimalismo y cultura urbana una identidad propia.</p><p>Con locales en Palermo Soho (Gorriti 4799) y Palermo Queens (Gurruchaga 934), la firma también llevó su propuesta a escenarios internacionales, con presencia en la Semana de la Moda de Nueva York, un hito que refuerza aún más su carácter de emblema a nivel local.</p><h2>Rotten Future</h2><p>Bajo una estética llevada a lo oscuro, con diseños donde predominan tonalidades como el negro y estampados cargados, Rotten Future llevó su nombre a lo más alto del streetwear en Argentina, estableciéndose como un pilar a nivel nacional.</p><p>Las prendas de Rotten Future se caracterizan por una fuerte presencia visual y una estética urbana que combina siluetas amplias, lavados gastados y referencias al universo militar, deportivo y underground. Entre camperas, jerseys, remeras y pantalones aparecen diseños que juegan con diferentes texturas, tonos y recursos gráficos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e9e72528ee.png" alt=""><figcaption>Modelo de Rotten Future (Rotten Future).</figcaption></figure><p>El catálogo de la marca argentina también apuesta por piezas que se alejan de lo tradicional, con prendas pensadas para convertirse en protagonistas del outfit. Camperas en tonos ceniza, negro y gris, jerseys, cinturones y diseños waffle conviven con propuestas más experimentales, manteniendo una identidad marcada por lo crudo, lo urbano y una estética de inspiración underground.</p><p>Personalidades de las redes sociales y la música como Mernuel, Milo J, Unicornio y Seven Keyne han sido vistos con prendas de Rotten Future, que también logró dejar una huella en Scrapworld, una de las ferias más reconocidas de la moda urbana en Europa, siendo la primera marca argentina capaz de llegar a dicho escenario.</p><h2>Bomba Project</h2><p>Otra de las firmas que ha conseguido hacerse de un nombre dentro del streetwear argentino es Bomba Project, marca urbana genderless creada en el año 2021.</p><p>Con una comunidad que alcanza los 200 mil seguidores en redes sociales y una impronta basada en la argentinidad, Bomba Project presenta un perchero de prendas que abarca sweaters, camperas, hoodies, remeras, polos, jeans y accesorios como gorras, medias, ropa interior y collares bajo una paleta de diseños tanto minimalistas, donde simplemente destaca el logo de la marca, como estampados o inscripciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1b187fdb92.png" alt=""><figcaption>Modelos de Bomba Project (Bomba Project).</figcaption></figure><p>Entre sus logros, la marca argentina logró colaborar con McDonald’s y, hasta incluso, llegar a estrellas del fútbol local como Alexis Mac Allister, actual jugador de Liverpool y campeón del mundo en el Mundial de Qatar con la Selección argentina.</p>

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Tres marcas de streetwear argentino que marcan tendencia

<p>Con más de 270 mil seguidores en redes sociales, el artista chileno Emilio Álvarez se convirtió en uno de los referentes de la customización en Latinoamérica, llevando su arte desde prendas de vestir y zapatillas hasta autos, skates y objetos cotidianos.</p><h2>Emilio Álvarez y el arte de convertir cualquier objeto en una pieza única</h2><p>La customización se convirtió en una de las ramas más interesantes dentro de la moda y la cultura urbana. En Latinoamérica, distintos artistas encontraron en la personalización una manera de intervenir prendas, accesorios y objetos cotidianos para transformarlos en piezas únicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_03ebd6b973.png" alt=""><figcaption>Emilio Álvarez customizando una chaqueta de jean (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Y en Chile, uno de los nombres que más se destaca dentro de esta escena es Emilio Álvarez. Con una comunidad de más de 270 mil seguidores, el artista construyó una identidad propia a partir de la customización y llevó su trabajo mucho más allá de las zapatillas, convirtiendo prácticamente cualquier superficie en un nuevo lienzo.</p><p>Su universo atraviesa el streetwear y la indumentaria, con intervenciones sobre sneakers, camisetas, hoodies, gorras, bolsos, billeteras y botines de fútbol, pero también alcanza objetos mucho menos habituales como botellas de whisky, billetes, tablas de skate, automóviles, termos, joysticks de consolas y valijas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Uno de los principales rasgos de su obra es la presencia del anime, una fuente de inspiración que aparece constantemente en sus diseños. Entre las franquicias y universos que llevó a sus piezas se encuentran:</p><ul><li>Hunter x Hunter</li></ul><ul><li>One Piece</li></ul><ul><li>Dragon Ball Z</li></ul><ul><li>Sailor Moon</li></ul><ul><li>Naruto</li></ul><ul><li>Los Caballeros del Zodiaco</li></ul><ul><li>One Punch Man</li></ul><ul><li>Pokemon</li></ul><p>Pero su trabajo no se queda únicamente en el anime. Álvarez también incorpora referencias a la cultura pop, el fútbol y personajes icónicos, con diseños inspirados en figuras como Tony Montana, Arturo Vidal, Neymar y Cristiano Ronaldo.</p><p>A lo largo de su trayectoria, además, sus customizaciones lo llevaron a trabajar junto a distintas figuras reconocidas de la música y el deporte. Entre algunas de sus colaboraciones aparecen:</p><ul><li>Eladio Carrión</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Cristián Zavala</li></ul><ul><li>Eduardo Vargas</li></ul><ul><li>Anuel</li></ul><ul><li>Michael Vadulli</li></ul><ul><li>Igor Lichnovsky</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a238b9420.png" alt=""><figcaption>El futbolista Cristián Zavala con sus botines customizados by Emilio Álvarez (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Así, Emilio Álvarez convirtió la customización en mucho más que una técnica aplicada a la moda: la transformó en una forma de llevar sus referencias, personajes e identidad artística a prácticamente cualquier objeto que pueda convertirse en un lienzo.</p>

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Emilio Álvarez, el artista chileno que no deja ningún objeto sin customizar

<p>En los últimos años, el streetwear argentino construyó una escena cada vez más amplia, con marcas que apostaron por diferentes formas de entender la moda urbana, y Anhelo Studios es una de las que logró hacerse un lugar dentro de este movimiento.</p><h2>Anhelo Studios, la marca que conquistó el streetwear argentino</h2><p>Dentro del crecimiento que atravesó el streetwear en Argentina, distintas marcas lograron construir una identidad propia y convertirse en protagonistas de la escena nacional.</p><p>Nombres como TwoHip, King of the Kongo, Bullbenny, Beyond y Samples forman parte de un movimiento que llevó la moda urbana a nuevos espacios y públicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b57f215b9c.png" alt=""><figcaption>Anhelo Studios, referente del streetwear en Argentina (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese universo aparece Anhelo Studios, una marca que consiguió hacerse un lugar dentro de la escena y que ya supera las 15 mil prendas vendidas. Bajo una propuesta que apuesta por combinar diferentes códigos de la moda urbana y por llegar tanto a quienes buscan piezas básicas como a quienes prefieren outfits más cargados y llamativos, el sello logró convertirse en uno de los abanderados de la movida a nivel nacional.</p><h2>El ADN de Anhelo Studios: una marca que mezcla distintos universos</h2><p>Una de las principales características de Anhelo Studios está en la variedad de estilos que conviven dentro de su catálogo, donde cuenta con prendas que van desde remeras, hoodies, zip hoodies y polos hasta bermudas, jerseys deportivos, shorts, pantalones cargo y diferentes modelos de joggers.</p><p>La propuesta también se refleja en los recursos utilizados para construir cada pieza: estampados, camuflados, detalles desgastados, costuras rotas, tachas y diferentes tratamientos textiles aparecen junto a prendas más limpias y minimalistas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8747a66353.png" alt=""><figcaption>Slimesanti vistiendo una zip-hoodie de Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>A esto se suma una amplia paleta de colores que recorre el negro, blanco y beige, pero también tonos como celeste, rosa, verde, amarillo, rojo, violeta y marrón.</p><p>El resultado es una marca capaz de moverse entre diferentes universos de la moda urbana. Desde una estética trap y oscura hasta prendas deportivas, diseños más clásicos o piezas cargadas de estampados y detalles, Anhelo Studios construye un catálogo pensado para distintos perfiles dentro del streetwear.</p><h2>De Tiago PZK a Emilia Mernes: las figuras que eligieron Anhelo Studios</h2><p>El crecimiento de Anhelo Studios  también puede verse en la presencia de sus prendas en los looks de diferentes figuras de la música y la escena urbana argentina. La marca consiguió llegar al guardarropa de artistas y personalidades que representan distintas generaciones y estilos.</p><ul><li>Luli González</li></ul><ul><li>Zell</li></ul><ul><li>Turrobaby</li></ul><ul><li>Carrera</li></ul><ul><li>Khea</li></ul><ul><li>Tiago PZK</li></ul><ul><li>Acru</li></ul><ul><li>Emilia Mernes</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_259e865399.png" alt=""><figcaption>Khea vestido por Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure><p>La presencia de estas figuras funciona como otro reflejo del alcance que consiguió la marca dentro de la escena nacional: una propuesta que, sin limitarse a una única estética, logró encontrar un espacio entre distintos exponentes de la música y la cultura urbana.</p>

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El streetwear argentino tiene una nueva protagonista: Anhelo Studios

<p>La gastronomía porteña continúa reinventándose con propuestas que transforman clásicos de la cocina internacional. Y en pleno barrio de Palermo, aparece Pushi, una experiencia diferente para disfrutar sushi: rolls servidos dentro de un tubo que se consumen de manera práctica inspirado en una tendencia surgida en Estados Unidos.</p><h2>La experiencia de comer sushi desde un tubo: así es Pushi</h2><p>La gastronomía es una de las industrias que más se reinventa constantemente. Ya sea a través de nuevos platillos o de reinterpretaciones de clásicos, cada vez aparecen propuestas que transforman la forma de consumir comidas populares.</p><p>Y uno de los mejores ejemplos es el sushi, que en los últimos años dio lugar a versiones tan curiosas como hamburguesas, panchos e incluso pizzas inspiradas en el tradicional plato japonés.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e6cd55ea8b.png" alt=""><figcaption>Persona vertiendo salsa en un tubo Pushi (Instagram/Pushi).</figcaption></figure><p>Ahora, esa búsqueda por ofrecer una experiencia diferente desembarcó en la ciudad de Buenos Aires con una idea importada desde Estados Unidos. Ubicado en el barrio de Palermo (calle Honduras 5624), Pushi se convirtió en uno de los locales sensación gracias a una propuesta que rompe con la manera tradicional de comer sushi: rolls servidos dentro de un tubo que se consumen empujando las piezas hacia arriba, una por una.</p><p>Lejos de presentar el sushi sobre un plato, cada preparación se sirve en un envase cilíndrico inspirado en el formato de las clásicas papas fritas tipo Pringles. Además, cada tubo incluye una varita especialmente diseñada para completar la experiencia, que puede contener salsas como soja, teriyaki o maracuyá, entre otras opciones.</p><ul><li>Destapar el tubo y retirar la varita rellena con la salsa elegida.</li></ul><ul><li>Verter la salsa dentro del envase.</li></ul><ul><li>Utilizar la varita para empujar las piezas desde la base hacia la parte superior.</li></ul><ul><li>Disfrutar cada bocado sin necesidad de utilizar palillos tradicionales.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZAnqlRpbBU/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZAnqlRpbBU/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá del factor sorpresa, el formato también busca ofrecer una alternativa práctica para disfrutar sushi en cualquier lugar. Ya sea dentro del local, mientras se camina por la ciudad o incluso para llevar, la propuesta transforma una comida tradicional en una experiencia diferente, cómoda y pensada para el consumo urbano.</p><h2>¿Qué contiene la carta de Pushi?</h2><p>Más allá del innovador formato, la propuesta gastronómica de Pushi mantiene la esencia del sushi tradicional a través de una carta que reúne cinco variedades de rolls. Desde combinaciones clásicas con salmón y langostinos hasta alternativas con atún o completamente veganas, el local busca ofrecer opciones para todos los gustos.</p><ul><li>Crunchy: langostino, salmón, palta, verdeo y quinoa crunchy (incluye salsa de soja).</li></ul><ul><li>Manhattan: langostino, palta, queso feta y tenkasu.</li></ul><ul><li>Phila: salmón, queso phila, palta y sésamo mixto.</li></ul><ul><li>Tuna: atún, queso phila, pepino y sésamo rubio.</li></ul><ul><li>Vegan: hongos, palta, lechuga y ciboulette.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DY0b8P1D3fe/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DY0b8P1D3fe/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los tubos de sushi tienen un valor que oscila entre $18.000 y $22.000 pesos argentinos, mientras que las salsas se adquieren por separado por $1.000 pesos argentinos cada una. Entre las opciones disponibles aparecen sabores como maracuyá, nikkei, soja, spicy y teriyaki, permitiendo personalizar cada preparación según las preferencias de cada comensal.</p><p>En cuanto a los horarios, el espacio ubicado en el barrio de Palermo abre los lunes de 12:00 a 15:00 horas, de martes a sábado de 12:00 a 23:00 horas y los domingos de 19:00 a 23:00 horas, permitiendo disfrutar de la experiencia en todo momento del día.</p>

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Pushi, el novedoso sushi en tubo que llegó al barrio de Palermo

<p>Las plazas de Latinoamérica comenzaron a sumar una nueva modalidad de batalla en las últimas semanas: dos personas se enfrentan cara a cara para demostrar quién tiene más aura.</p><h2>Batallas de “farmear aura”, el nuevo viral en las calles de Latinoamérica</h2><p>Seguramente en las últimas semanas hayas visto en distintas plazas de Argentina, Colombia y Brasil —uno de los principales focos donde nació y se popularizó este fenómeno— competencias en las que dos personas se enfrentan cara a cara para demostrar quién tiene más presencia, actitud y carisma. Esas son las batallas de “farmear aura”.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@bellacuggclublive/video/7669205296589327648" data-video-id="7669205296589327648" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@bellacuggclublive/video/7669205296589327648?q=batallas%20farmeo%20aura&amp;t=1787166705598" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>La dinámica es sencilla: dos participantes se enfrentan frente al público y buscan imponerse a través de diferentes movimientos, poses y gestos que se hicieron populares en redes sociales. Tendencias como el “six seven” o el mewing aparecen dentro de estas batallas, en las que cada competidor intenta construir una presencia capaz de superar a la de su rival.</p><ul><li>Postura: la manera de pararse y desenvolverse frente al rival.</li></ul><ul><li>Mirada: transmitir seguridad, confianza y presencia.</li></ul><ul><li>Gestos: utilizar expresiones capaces de llamar la atención.</li></ul><ul><li>Creatividad: encontrar nuevas formas de destacarse durante el enfrentamiento.</li></ul><ul><li>Actitud: la capacidad de proyectar seguridad y personalidad.</li></ul><p>El público también tiene un papel fundamental. A través de aplausos, gritos y reacciones, quienes rodean la batalla acompañan el enfrentamiento y pueden terminar inclinando la balanza hacia uno de los participantes.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@chinese.wb/video/7675160918929624338" data-video-id="7675160918929624338" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@chinese.wb/video/7675160918929624338?q=batallas%20farmeo%20aura&amp;t=1787166705598" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Así, las plazas que durante años fueron escenarios de batallas de freestyle, skateboarding, parkour o BMX freestyle ahora suman una nueva modalidad de competencia nacida directamente de la cultura digital.</p><h2>¿Qué significan los términos “farmear” y “aura”?</h2><p>Para entender el fenómeno hay que separar las dos palabras que componen la expresión. Por un lado, “farmear” viene del inglés “<em>farm</em>” y está relacionado con el lenguaje de los videojuegos: significa repetir determinadas acciones para conseguir recursos, puntos u objetos.</p><p>En este caso, el recurso que se busca conseguir es el “aura”, un concepto utilizado en internet para representar el carisma, el magnetismo, la seguridad, el estilo o la presencia que una persona proyecta frente a los demás.</p><p>Por eso, “farmear aura” significa realizar acciones, poses o gestos con el objetivo de acumular simbólicamente ese carisma o presencia y generar una determinada impresión en quienes están alrededor.</p><p>Lo que comenzó como una expresión de la cultura digital y se volvió popular en redes sociales terminó dando el salto al mundo físico.</p><p>Ahora, las plazas de distintas ciudades latinoamericanas funcionan como escenario para una competencia en la que no hay una pelota, una tabla o un micrófono de por medio: el objetivo es demostrar quién tiene más aura.</p>

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¿Qué son las batallas de “farmear aura”, el fenómeno furor en las plazas de Latinoamérica?

<p>Después de conquistar generaciones dentro del mundo de los videojuegos, Street Fighter vuelve a ser noticia, aunque esta vez lejos de las consolas. La histórica franquicia de Capcom protagoniza una nueva colaboración junto a PUMA, que transformó a sus personajes más emblemáticos en una colección de sneakers.</p><h2>PUMA lleva el universo de Street Fighter a las icónicas Suede</h2><p>Cada vez es más común ver cómo la cultura pop, entiéndase por películas, series, videojuegos o libros, gana terreno dentro del mundo de los sneakers. Y uno de los últimos casos que vuelve a confirmar esta tendencia es la colaboración entre PUMA y Capcom, que lleva a algunos de los personajes más icónicos de Street Fighter al universo del calzado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1c7f05bfb1.png" alt=""><figcaption>Chun-Li de Street Fighter hecha sneaker por PUMA (PUMA).</figcaption></figure><p>En el marco del 58° aniversario de las PUMA Suede, una de las siluetas más emblemáticas de la firma alemana y un verdadero ícono de la moda urbana, la marca presentó la colección &quot;Street Fighter x Puma Suede Pack&quot;.</p><p>La colaboración está compuesta por tres modelos exclusivos inspirados en la histórica franquicia de videojuegos y, según trascendió, llegará a la tienda oficial de Puma y a puntos de venta seleccionados hacia finales de este año.</p><h2>Así luce la colección Street Fighter x PUMA Suede</h2><p>La cápsula está integrada por tres pares de zapatillas que toman como inspiración a algunos de los luchadores más emblemáticos de Street Fighter. Cada diseño adapta los colores, ataques y detalles característicos de su personaje para trasladarlos a la clásica silueta PUMA Suede.</p><ul><li>Chun-Li: combina cuero de primera calidad con tachas metálicas plateadas y detalles dorados, en referencia a los brazaletes y a la tradicional vestimenta de la luchadora china.</li></ul><ul><li>Ryu: apuesta por una base blanca con la clásica Formstrip de Puma en rojo y detalles que simulan salpicaduras de pintura negra. Además, incorpora una ilustración del Hadouken, el legendario ataque de energía del personaje.</li></ul><ul><li>Ken Masters: presenta un diseño inverso al de Ryu, con una base roja, la Formstrip en blanco y el mismo efecto de pintura negra. En este caso, el homenaje llega a través de una ilustración del Shoryuken, su icónico puñetazo ascendente.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7badbdd99.png" alt=""><figcaption>La suela de las zapatillas de PUMA inspiradas en el universo de Street Fighter (PUMA).</figcaption></figure><p>Como detalle adicional, cada uno de los pares incorpora una etiqueta con la inscripción &quot;World Warrior Tournament&quot; (Torneo Mundial de Guerreros), la competencia ficticia donde se desarrolla Street Fighter, además del nombre del personaje correspondiente impreso sobre la suela, reforzando el vínculo entre la colección y una de las franquicias más importantes de la historia de los videojuegos.</p>

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Ryu, Ken y Chun-Li de Street Fighter llegan a los sneakers con PUMA

<p>Hay clásicos que nunca pasan de moda y el alfajor es uno de ellos. En pleno Caballito, un local llevó esa pasión a otro nivel y reunió más de 400 variedades bajo un mismo techo: conocé La Tienda del Alfajor.</p><h2>La Tienda del Alfajor, un paraíso para los fanáticos de la golosina argentina</h2><p>El alfajor es, sin dudas, una de las golosinas más arraigadas en la cultura argentina. Con el paso del tiempo, dejó de ser únicamente una combinación de galletas y dulce de leche para convertirse en un clásico que aparece en desayunos, meriendas, postres y antojos.</p><p>Y en el barrio de Caballito, esa pasión tiene un lugar propio: La Tienda del Alfajor.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_972b25a072.png" alt=""><figcaption>La fachada de La Tienda del Alfajor (Instagram/La Tienda del Alfajor).</figcaption></figure><p>Ubicada en Rojas 46, en el barrio porteño de Caballito, La Tienda del Alfajor nació a partir del interés de tres socios, dos de ellos vinculados al mundo de la distribución de golosinas. El proyecto encontró en el alfajor su razón de ser y construyó una propuesta dedicada exclusivamente a este producto.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DUJgGJHD4gu/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DUJgGJHD4gu/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El local cuenta con más de 400 variedades, lo que permite encontrar desde los clásicos que forman parte del imaginario argentino hasta alternativas más específicas. Entre su oferta aparecen productos sin TACC, ediciones premium y alfajores regionales, ampliando el recorrido por las distintas versiones que existen dentro de una de las golosinas más populares del país.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c5363338c9.png" alt=""><figcaption>Más de 400 variedades de alfajores (Instagram/La Tienda del Alfajor).</figcaption></figure><p>La propuesta convierte al local en una especie de recorrido por el universo del alfajor: diferentes sabores, formatos, marcas y estilos reunidos en un mismo espacio para quienes buscan descubrir nuevas opciones o simplemente encontrar su próximo favorito.</p><ul><li>Lunes a viernes: de 7:30 a 20:30.</li></ul><ul><li>Sábados y domingos: de 10:00 a 20:00.</li></ul><p>Así, tanto quienes buscan un alfajor para arrancar el día como aquellos que quieren cerrar la tarde con algo dulce pueden acercarse a conocer la propuesta.</p>

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Más de 400 variedades en pleno Caballito: así es La Tienda del Alfajor

<p>Empezar a streamear no requiere necesariamente contar con el setup más costoso del mercado, y Street Art Latam te trae las claves que necesitás saber para armar tu primer equipo de trabajo como streamer.</p><h2>El setup básico para comenzar a hacer streams</h2><p>Armar un setup de streaming no significa necesariamente comprar todos los componentes más caros o los últimos productos lanzados por las marcas líderes en el mercado. La elección dependerá principalmente del tipo de contenido que quieras realizar: un stream IRL, una transmisión de videojuegos o una combinación de ambos requieren necesidades diferentes.</p><h2>Una PC capaz de acompañar el contenido</h2><p>La computadora es uno de los componentes centrales de cualquier setup, especialmente cuando el objetivo es realizar streams de videojuegos.</p><p>Para transmisiones IRL sencillas, las exigencias pueden ser menores. En cambio, si la idea es jugar y transmitir al mismo tiempo, la PC deberá poder ejecutar el videojuego, el software de streaming y las diferentes escenas y elementos que formen parte de la transmisión.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_452599b1fb.png" alt=""><figcaption>El elemento principal para iniciar tu camino de streamer: la PC (Kamil Čičila).</figcaption></figure><p>Por eso, una buena referencia para quienes comienzan es buscar una computadora capaz de ejecutar con solvencia los videojuegos que pretenden transmitir, como Counter-Strike, Valorant, EAFC o Minecraft, sin depender necesariamente de configuraciones gráficas demasiado bajas.</p><h2>Cámara y micrófono: dos elementos fundamentales</h2><p>La cámara permite sumar una imagen del creador a la transmisión, aunque no es necesario comenzar con una cámara profesional. Una webcam puede ser suficiente para los primeros streams y existen modelos de distintas gamas que permiten mejorar la calidad progresivamente.</p><p>También es posible utilizar un teléfono como alternativa, siempre que se cuente con una configuración compatible para incorporarlo al stream.</p><p>Entre las opciones conocidas dentro del mundo de las webcams aparecen modelos de Logitech como la Brio o la C920, aunque la elección dependerá del presupuesto y de la calidad de imagen buscada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dbc145efa1.png" alt=""><figcaption>Micrófono Snowball iCE de Logitech (Erik Mclean).</figcaption></figure><p>El audio, por otro lado, es uno de los aspectos que más conviene cuidar. Un micrófono USB dedicado puede ofrecer una mejora importante respecto del micrófono integrado de la computadora, mientras que, también, es posible comenzar utilizando el micrófono de unos auriculares.</p><p>Entre las alternativas conocidas aparecen opciones de HyperX (Quadcast) y Logitech (Snowball iCE), además de los headsets de marcas como Corsair o Redragon, que cuentan con un micrófono incorporado de alta calidad.</p><p>La idea principal es sencilla: no necesitás tener el mejor micrófono para empezar, pero sí un audio claro que permita escuchar al creador sin dificultades.</p><h2>Monitor, teclado y mouse: los periféricos también cuentan</h2><p>El resto del setup puede comenzar con periféricos convencionales. Un teclado, un mouse y un monitor funcionales son suficientes para dar los primeros pasos, especialmente si ya forman parte de la computadora que utilizás habitualmente.</p><p>En el caso de los streams de videojuegos, un mouse cómodo y un teclado que respondan correctamente pueden tener mayor importancia, mientras que un segundo monitor puede convertirse en una mejora interesante para quienes quieran controlar el chat, OBS, las alertas y otras herramientas mientras juegan.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4794b7d9e2.png" alt=""><figcaption>Teclado, mouse y pantalla: los periféricos necesarios en cada setup (Jorge David Arley Campos).</figcaption></figure><p>Por eso, no es necesario renovar todos los periféricos antes de comenzar: lo recomendable es transmitir primero y actualizar el setup a medida que las necesidades crezcan.</p><h2>El software para darle forma al stream</h2><p>Finalmente, y como uno de los últimos pasos del listado, el hardware necesita estar acompañado por un programa capaz de organizar la transmisión.</p><p>OBS Studio es una de las alternativas más utilizadas y permite crear escenas, incorporar cámaras, capturas de pantalla, imágenes, textos, fuentes del navegador y diferentes elementos de audio y video. Además, es gratuito y de código abierto.</p><p>También existen alternativas como XSplit y Streamlabs Desktop, que pueden utilizarse para configurar escenas, fuentes, alertas y otros elementos del directo.</p><p>Así, el primer setup puede ser mucho más sencillo de lo que parece: una PC adecuada para el contenido, una cámara, un micrófono y periféricos funcionales pueden ser suficientes para comenzar.</p>

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Todo lo que necesitás saber para empezar a streamear desde cero

<p>En la industria textil mexicana existen distintos perfiles que encontraron en la moda una forma de expresar identidad, cultura y creatividad, y uno de los nombres que más destaca dentro de ese universo es Mauro Garfias.</p><p>Con más de quince años de trayectoria, el diseñador llevó su particular mirada sobre el streetwear, la mezclilla y el diseño a marcas, clubes deportivos y figuras internacionales.</p><h2>Un emblema del diseño mexicano: Mauro Garfias</h2><p>La industria del diseño en México ha encontrado en Mauro Garfias uno de sus nombres más destacados. Egresado del Instituto de Estudios Superiores de Moda en Casa de Francia, con una licenciatura en Diseño y Confección, una especialización en mezclilla y formación como diseñador gráfico, Garfias se convirtió en uno de los nombres vinculados al diseño y la moda urbana mexicana más importantes de la última década.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4cba5ec703.png" alt=""><figcaption>El estilo de Mauro Garfias x Vans (Instagram/Mauro Garfias).</figcaption></figure><p>Con una propuesta que combina la cultura streetwear con prendas de identidad propia y una mirada enfocada en la reutilización y el consumo responsable, el diseñador mexicano logró trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, además de desarrollar proyectos vinculados al mundo del fútbol y la cultura urbana.</p><h2>12crew, una firma que apuesta por la identidad</h2><p>Uno de los principales proyectos de Garfias dentro del streetwear es 12crew, una firma de construcción textil que busca crear prendas únicas y transformar la manera en la que se visten los mexicanos.</p><p>La propuesta se sostiene sobre tres pilares principales:</p><ul><li>Calidad.</li></ul><ul><li>Diseño.</li></ul><ul><li>Tendencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e8444ad0a.png" alt=""><figcaption>Mauro Garfias visitando prendas de 12crew (12crew).</figcaption></figure><p>La marca también incorpora técnicas de upcycling y reworking, con las que busca reutilizar y transformar prendas y materiales como una contrapropuesta frente al consumo masivo.</p><p>La mezclilla ocupa un lugar central dentro de su universo, acompañada por referencias del arte japonés, la cultura urbana y una búsqueda constante de piezas únicas y exclusivas.</p><h2>De México al mundo: las figuras que vistieron sus diseños</h2><p>El trabajo de Garfias también trascendió las fronteras de México y llegó a figuras reconocidas internacionalmente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Además de trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, el diseñador mexicano realizó prendas especiales y únicas para jugadores como Javier “Chicharito” Hernández, Andrés Guardado y Shaquille O&#x27;Neal.</p><p>Su trayectoria también incluye colaboraciones con referentes del hip hop y el graffiti como Aczino y Tote King, llevando su propuesta desde el streetwear mexicano hacia diferentes escenarios de la cultura urbana internacional.</p>

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El diseño mexicano bajo la mirada de Mauro Garfias

<p>El streetwear tiene códigos, tendencias y también un lenguaje propio que aparecen constantemente en lanzamientos, redes sociales y tiendas especializadas, y Street Art Latam te acerca una guía de términos para entender la escena de la moda urbana.</p><h2>Tendencias y siluetas</h2><ul><li>Oversize: prendas diseñadas con un calce deliberadamente amplio y holgado, con mayor volumen que una silueta tradicional.</li></ul><ul><li>Boxy: silueta de aspecto más cuadrado y estructurado, generalmente más ancha y corta que una prenda convencional.</li></ul><ul><li>Cropped: prendas cuyo largo se encuentra por encima del corte tradicional, dejando una parte mayor del cuerpo al descubierto.</li></ul><ul><li>Gorpcore: tendencia que incorpora prendas y elementos asociados originalmente a actividades outdoor y de montaña dentro de looks urbanos.</li></ul><ul><li>Techwear: estilo que combina estética urbana con prendas funcionales, materiales técnicos, múltiples bolsillos y recursos pensados para mejorar la utilidad de las piezas.</li></ul><ul><li>Normcore: estética basada en prendas simples, funcionales y deliberadamente convencionales, alejadas de la búsqueda de llamar la atención mediante diseños excesivos.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_466e78d4dd.png" alt=""><figcaption>Moda urbana (Cottonbro studio).</figcaption></figure><h2>Lanzamientos y colaboraciones</h2><ul><li>Drop: lanzamiento puntual de una colección o producto, generalmente realizado en una fecha determinada y con una estrategia que busca generar expectativa alrededor de la salida.</li></ul><ul><li>Collab: abreviatura de collaboration. Se utiliza para describir una colaboración entre dos o más marcas, artistas, diseñadores o figuras.</li></ul><ul><li>Capsule: colección pequeña y acotada de prendas o productos que comparten una temática, concepto o identidad visual determinada.</li></ul><ul><li>Limited Edition: edición limitada de un producto fabricada o comercializada en cantidades reducidas, lo que suele aumentar su exclusividad y atractivo para los consumidores.</li></ul><h2>El ABC de las sneakers</h2><ul><li>Size: hace referencia al talle o número de una zapatilla. En el mundo sneaker suele aparecer expresado según diferentes sistemas de talles, como US, UK o EU.</li></ul><ul><li>Silueta: es el modelo o diseño general de una zapatilla, independientemente de la combinación de colores o materiales. Por ejemplo, una Air Force 1 o una Air Jordan 1 son siluetas diferentes.</li></ul><ul><li>Colorway: describe la combinación de colores y materiales utilizada en una determinada versión de una silueta. Una misma zapatilla puede tener múltiples colorways.</li></ul><ul><li>Deadstock (DS): se utiliza para describir una zapatilla nueva, sin uso y generalmente conservada en su estado original.</li></ul><ul><li>VNDS: significa Very Near Deadstock y se utiliza para zapatillas que fueron utilizadas muy poco y se encuentran prácticamente en el mismo estado que unas nuevas.</li></ul><ul><li>GR: abreviatura de General Release. Son lanzamientos de zapatillas que tienen una disponibilidad relativamente amplia, en contraste con ediciones limitadas o lanzamientos exclusivos.</li></ul><ul><li>Resell: es la reventa de una zapatilla, generalmente después de su lanzamiento y a un precio diferente al original. El mercado resell es una parte fundamental de la cultura sneaker.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_160e5cc45b.png" alt=""><figcaption>Air Jordan 5, un tipo de silueta del mundo sneaker (Jordan).</figcaption></figure>

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Oversize, boxy, drop y colorway: los términos del streetwear que tenés que conocer

<p>No todos los atletas de parkour buscan lo mismo. Mientras algunos intentan completar un recorrido en el menor tiempo posible, otros priorizan la creatividad y la dificultad de sus movimientos, y Street Art Latam te ayuda a entender las diferencias entre las modalidades Speed y Freestyle.</p><h2>Speed: el desafío de completar el recorrido en el menor tiempo</h2><p>El speed es la modalidad competitiva del parkour en la que el objetivo principal es completar un recorrido determinado en el menor tiempo posible. Los atletas deben desplazarse por un circuito que combina diferentes obstáculos, saltos, trepadas y movimientos, buscando encontrar la manera más rápida y eficiente de llegar hasta la meta.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/cNktWBBM9AI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En esta modalidad, cada segundo puede marcar la diferencia. Por eso, además de la velocidad, resulta fundamental mantener el control del cuerpo y elegir correctamente la trayectoria para evitar errores que puedan afectar el tiempo final.</p><p>La preparación física también tiene un papel central: acelerar, frenar, saltar, trepar y cambiar rápidamente de dirección exige fuerza, coordinación, equilibrio y resistencia.</p><h2>Freestyle: cuando la creatividad se convierte en protagonista</h2><p>A diferencia del Speed, la modalidad Freestyle no tiene como objetivo principal completar un recorrido lo más rápido posible. En este caso, los atletas cuentan con mayor libertad para construir una rutina y demostrar sus capacidades técnicas y creativas.</p><p>Los movimientos, las acrobacias, las combinaciones y la dificultad de las secuencias forman parte de una presentación en la que el atleta busca diferenciarse.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6e96c493cb.png" alt=""><figcaption>Freestyle como modalidad del parkour (Squarespace).</figcaption></figure><p>La creatividad es uno de los elementos centrales. No se trata solamente de ejecutar movimientos difíciles, sino también de combinarlos de una manera fluida y construir una rutina que tenga identidad propia.</p><p>Dependiendo de la competencia, los jueces pueden valorar aspectos relacionados con la dificultad, ejecución, variedad, creatividad y composición de la rutina.</p>

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Speed y Freestyle: las dos caras del parkour que tenés que conocer

<p>El streaming argentino y latinoamericano se prepara para salir de la pantalla y encontrarse cara a cara con su comunidad con Generación, el festival que reunirá durante tres días a más de 75 figuras con shows, experiencias y contenido en vivo.</p><h2>Generación, el festival que llevará el streaming fuera de la pantalla</h2><p>Históricamente, la comunidad de creadores de contenido y streamers tuvo distintos puntos de encuentro en Argentina, desde eventos como Club Media Fest hasta propuestas como Argentina Game Show, donde algunos de los principales exponentes de las redes sociales se reunieron frente a sus comunidades.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3918400400.png" alt=""><figcaption>Alejo Igoa durante su show en el Movistar Arena de Buenos Aires (Instagram/Alejo Igoa).</figcaption></figure><p>Después de varios años, Buenos Aires volverá a ser escenario de un evento de estas características con Generación, el festival que reunirá durante tres días a streamers, creadores de contenido y artistas en BA Ferial, el predio anteriormente conocido como Costa Salguero, bajo una propuesta que busca llevar el universo digital al mundo físico, con shows, experiencias y contenidos exclusivos en vivo.</p><p>Con un formato que propone distintas maneras de vivir el festival, cada asistente podrá elegir qué creador ver, cuándo hacerlo y cómo disfrutar la experiencia, desde presentaciones individuales hasta el acceso a escenarios y jornadas completas: una especie de “Lollapalooza de streamers” con más de 45 shows y 75 creadores distribuidos durante tres jornadas.</p><p>Generación se llevará a cabo del viernes 11 al domingo 13 de diciembre y contará con la presencia de algunas de las principales figuras argentinas del streaming, como Spreen, Coscu, Ian Lucas y Goncho, además de referentes españoles como TheGrefg, Jordi Wild y Rubius, quien volverá a Argentina después de varios años.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_29f33fd276.png" alt=""><figcaption>Coker sacándose fotos con fanáticos (Argentina Game Show).</figcaption></figure><p>La programación también tendrá espacio para artistas musicales y nuevos nombres de la escena digital, con figuras como Lit Killah, Marcos Giles y Melian, entre otros.</p><h2>Los tres escenarios de Generación: qué streamers estarán en cada uno</h2><p>La propuesta de Generación estará dividida en tres escenarios, cada uno con una programación diferente y una selección de streamers, creadores y artistas.</p><ul><li>Stage Play: Alejo Igoa, Robleis, Ian Lucas, Jordi Wild, Rubius, Spreen, TheGrefg y más.</li></ul><ul><li>Stage Click: Coscu, Momo, Nilo Ojeda, Top Globales, Spreen, HiClavero, Angie Velasco, Yolo Aventuras, Lit Killah y más.</li></ul><ul><li>Stage Trend: La Gula, Mica Suárez, Kevsho, Marti Benza, Ferne con Grego, La Gambeta y más.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La distribución permitirá que cada asistente pueda armar su propia experiencia dentro del festival, eligiendo qué escenario recorrer y qué creadores quiere ver en vivo, más allá de los horarios que todavía no fueron anunciados.</p><h2>Toda la información que tenés que saber sobre Generación</h2><p>Generación se llevará a cabo del 11 al 13 de diciembre en BA Ferial, con una programación que abarcará distintas áreas vinculadas al entretenimiento digital, como streaming, gaming, comedia, lifestyle, fútbol digital y creator economy, entre otras.</p><p>https://www.streetartlatam.com/agenda/evento/generacion-festival-de-streamers-en-buenos-aires</p><p>Para todos aquellos que quieran vivir en primera persona la experiencia de Generación, podrán adquirir sus entradas a través de la página oficial del festival, con cuatro modalidades diferentes según el tipo de acceso que busquen:</p><ul><li>Show Pass: acceso a un show en particular, desde $33.000.</li></ul><ul><li>Stage Pass: acceso a un escenario completo, desde $112.500.</li></ul><ul><li>Day Pass: acceso durante una jornada completa, desde $202.500.</li></ul><ul><li>Festival Pass: acceso a los tres días del festival, desde $350.000.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El festival contará con tres escenarios —Trend, Click y Play— y diferentes zonas de activaciones, donde los asistentes podrán encontrar setups, torneos, espacios de free play y un paseo gastronómico, además de otras experiencias pensadas para llevar el universo de los creadores fuera de la pantalla.</p>

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Así será Generación, el festival que reunirá a los streamers más importantes en Buenos Aires

<p>Desde su primera edición en Bogotá hasta su desembarco internacional en Quito, Cuestión de Carácter Fest construyó una historia marcada por artistas, personajes y muros colectivos.</p><h2>¿Qué es Cuestión de Carácter Fest, el festival que convirtió los caracteres en protagonistas?</h2><p>Cuestión de Carácter Fest se convirtió no solo en uno de los festivales de arte urbano más importantes de Bogotá, ciudad donde nació, sino también en una propuesta que dejó su huella a lo largo y ancho de Colombia y en distintos puntos de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e4188f9f7d.png" alt=""><figcaption>Los primeros trazos de Cuestión de Carácter Fest (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><p>Liderado por los artistas colombianos Lady Rayo y Franco, el festival reúne a cientos de creadores nacionales e internacionales bajo una misma premisa: levantar un muro colectivo repleto de los caracteres más representativos de la región. De esta manera, se consolidó como uno de los encuentros artísticos más destacados del calendario urbano de Bogotá.</p><h2>La historia de Cuestión de Carácter Fest, edición por edición</h2><h3>El comienzo en Bogotá</h3><p>La historia de Cuestión de Carácter Fest comenzó en diciembre del año 2022, cuando su primera edición llegó al centro de Bogotá. Artistas locales, colaboradores e invitados internacionales intervinieron una obra sobre una culata compuesta por una colección de caracteres icónicos a todo color y una pared paralela con los mismos personajes bajo una temática en blanco y negro. Ambas intervenciones se convirtieron en un espacio referente de la ciudad y marcaron el nacimiento del festival.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>Más de 250 artistas en el Parque de los Novios</h3><p>Tres años después, Cuestión de Carácter Fest tuvo su segunda edición en el Parque de los Novios. La jornada reunió a más de 250 muralistas, ilustradores y creadores provenientes de distintos puntos de la región, quienes dejaron su huella en la ciudad a través de una nueva construcción colectiva de personajes y estilos.</p><h3>Fiesta de Personajes: una celebración en tres momentos</h3><p>Entre las producciones especiales del festival apareció “Fiesta de Personajes”, una propuesta dividida en tres momentos: fiesta, concierto y after party. La intervención se construyó alrededor del concepto del llamado del muro, con espacios libres en los que cada personaje podía acomodarse a la situación que eligiera, jugando con la identidad de los caracteres y el contexto en el que eran representados.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2d8e2e5427.png" alt=""><figcaption>Muro de Bogotá repleto de caracteres (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><h3>La Última Farra: una reinterpretación de La Última Cena</h3><p>Otra de las producciones especiales fue La Última Farra, una reinterpretación de “La Última Cena” llevada al contexto actual. En esta versión, la mesa se convirtió en el escenario central y estuvo acompañada por objetos y elementos cotidianos que ayudaron a construir una representación cargada de identidad y complicidad.</p><h3>Cuestión de Carácter llegó a Barranquilla</h3><p>La quinta edición, celebrada en mayo de 2026, marcó un nuevo capítulo para el festival al salir de Bogotá y aterrizar en Barranquilla. La jornada reunió a grafiteros, ilustradores y creadores de personajes de Barranquilla, Cartagena, Santa Marta y distintos puntos de la costa, mientras que los caracteres plasmados en el muro incorporaron elementos propios de la escena caribeña, como palmeras, tiburones y gafas oscuras.</p><h3>El festival cruzó las fronteras de Colombia y aterrizó en Quito</h3><p>En junio de 2026, Cuestión de Carácter Fest dio uno de sus pasos más importantes al realizar su primera edición internacional en Quito, Ecuador. El desembarco significó un desafío para el festival al salir de su zona de confort y trasladar su concepto a un nuevo territorio, donde más de 50 artistas invitados llevaron la idea del muro lleno de caracteres a la capital ecuatoriana. Además de la intervención colectiva, la propuesta contó con una exposición de serigrafías y lienzos, batalla de caracteres y jornadas de estampado, entre otras actividades.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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De Bogotá a Latinoamérica: la historia de Cuestión de Carácter Fest

<p>Toda escena artística tiene figuras que encuentran su identidad en una disciplina, pero también existen quienes deciden explorar distintos lenguajes, y en la Ciudad de México, Rodrigo Roji construyó una propuesta donde el tatuaje, el arte y el diseño conviven bajo una misma identidad.</p><h2>Rodrigo Roji y una identidad que cruza distintas disciplinas</h2><p>Nacido en 1990 y oriundo de Ciudad de México, Rodrigo Roji es un artista visual especializado en tatuaje de línea fina que también desarrolló trabajos vinculados a la pintura y la escultura, bajo una propuesta que se expande más allá de la piel y encuentra diferentes espacios dentro de la escena artística mexicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8ca3326281.png" alt=""><figcaption>Rodrigo Roji, el talentoso artista de Ciudad de México (Instagram/Rodrigo Roji).</figcaption></figure><p>Su recorrido lo llevó a ser invitado a tatuar en Bang Bang, uno de los estudios más reconocidos de Nueva York, además de colaborar con compañías mundialmente populares de la talla Apple, adidas, Nike, Corona y New Era.</p><h2>RARR, el universo de coleccionables de Rodrigo Roji</h2><p>Uno de los proyectos que amplió el universo creativo de Roji es RARR, una propuesta de juguetes coleccionables que combina diseño, cultura popular y arte urbano. Las piezas están realizadas en vinilo y, en muchos casos, son ediciones limitadas, con diseños toman referencias de diferentes mundos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Arte urbano y cultura popular.</li></ul><ul><li>Lucha libre.</li></ul><ul><li>Deporte y básquet.</li></ul><ul><li>Streetwear y diseño contemporáneo.</li></ul><p>El proyecto también permitió colaboraciones con nombres como Los Diablos Rojos, NBA y Adidas Originals, consolidando el vínculo del artista con diferentes espacios de la cultura urbana.</p><h2>Del tatuaje al streetwear: la expansión del universo de Rodrigo Roji</h2><p>La exploración de Roji también llegó a la moda con Sad Boy, una línea de ropa y streetwear que reúne prendas y elementos vinculados a su universo visual. Si bien figura temporalmente cerrado en sus canales oficiales, el proyecto también forma parte del recorrido que demuestra la amplitud de su propuesta artística.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dd8be02d98.png" alt=""><figcaption>La colaboración entre Rodrigo Roji y New Era (New Era).</figcaption></figure><p>Roji es además el creador de Not a Gallery, un estudio de tatuaje y galería de arte que funciona como punto de encuentro entre distintas disciplinas.</p><p>Entre tatuajes, esculturas, pinturas, coleccionables y diseño, Rodrigo Roji construyó una identidad que evita quedar encerrada en una única disciplina y conecta diferentes expresiones de la cultura contemporánea.</p>

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Rodrigo Roji, un artista entre tatuajes, pintura y escultura

<p>Meses después de sorprender al mundo con sus imágenes junto al Sol y la Luna, Danny León volvió a combinar skate y astronomía para protagonizar una toma única durante el eclipse solar total en España.</p><h2>Skate y astronomía: la imagen de Danny León que recorre el mundo</h2><p>A meses de su icónica fotografía patinando con la Luna de fondo, una imagen que rápidamente captó la atención de la escena urbana y las redes sociales, Danny León volvió a dejar su huella con una producción que parece salida de una película.</p><p>El skater madrileño protagonizó una escena única al sincronizar un salto sobre un half pipe con el instante exacto de la totalidad del eclipse solar que pudo observarse en España.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El resultado fue una silueta de León suspendida en el aire mientras la Luna ocultaba por completo al Sol.</p><p>La imagen no tardó en convertirse en un fenómeno en redes sociales. Publicada en el perfil de Instagram del skater español, la producción ya superó las 110 millones de reproducciones y los 11 millones de me gusta, consolidándose como una de las postales deportivas del año.</p><p>El proyecto fue ideado durante meses por León junto al filmmaker Gonzalo González de Vega y el fotógrafo José Ángel Izquierdo, con la participación de otros integrantes del equipo audiovisual. La producción se realizó en Novales, en una finca particular de Huesca, donde se instaló una rampa modulable calculada específicamente para que la altura del salto coincidiera con la posición del Sol vista desde la cámara.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b350af9970.png" alt=""><figcaption>Danny León patinando con la Luna de fondo (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>La dificultad no estaba solamente en ejecutar el truco. Las fotografías y videos fueron registrados desde aproximadamente 400 y 600 metros de distancia, utilizando teleobjetivos para conseguir que Danny, su tabla y el eclipse aparecieran en un mismo plano. Además, el momento de totalidad ofrecía un margen de apenas unos segundos para conseguir la toma perfecta.</p><p>Y esta no fue una imagen aislada: el eclipse cerró una trilogía visual en la que León llevó el skate a convivir con tres protagonistas de la astronomía. Primero fue el Sol, después la Luna y finalmente un eclipse total, completando una serie de producciones que combinan skateboarding, naturaleza y fotografía.</p><h2>¿Quién es Danny León, el skater que patinó en pleno eclipse en España?</h2><p>Aunque esta histórica imagen volvió a llevar su nombre a las redes de todo el mundo, Danny León no es un skater más. Nacido en Móstoles en el año 1994, el español construyó una carrera de más de dos décadas y se convirtió en uno de los principales referentes del skateboarding español.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_01493f6538.png" alt=""><figcaption>Danny León en la última edición del Marisquiño (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>Su trayectoria también lo llevó a representar a España en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 y París 2024, donde compitió en la modalidad de park, terminó en la novena posición y obtuvo diploma olímpico.</p><p>Ahora, con una imagen que combina precisión deportiva, fotografía y astronomía, León vuelve a demostrar porqué es uno de los nombres más reconocidos del skate español y por qué sus proyectos trascienden las pistas para convertirse en auténticos fenómenos visuales.</p>

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El salto de Danny León durante el eclipse que sorprendió al mundo

<p>Cada 11 de agosto, la cultura hip hop vuelve a celebrar sus raíces: una fiesta en el Bronx que sentó las bases de un movimiento que conquistó el mundo.</p><h2>¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?</h2><p>El 11 de agosto no es un día común y corriente dentro de la cultura hip hop.</p><p>Y no es por el nacimiento de un emblema de la talla de Tupac o The Notorious B.I.G., ni por el lanzamiento de un disco que marcó un antes y un después, sino por una fiesta organizada en el Bronx.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0e4b889424.png" alt=""><figcaption>DJ Kool Herc, uno de los emblemas del hip hop a nivel mundial (Getty Images).</figcaption></figure><p>El 11 de agosto de 1973, Cindy Campbell organizó una fiesta en el Bronx (1520 Sedgwick Avenue), condado estadounidense del estado de Nueva York, junto a su hermano Clive Campbell, más conocido como DJ Kool Herc, quien estuvo a cargo de la música. Aquel encuentro, que con el paso de los años sería considerado como uno de los momentos fundacionales del hip hop, sentó las bases de una cultura que terminaría expandiéndose por todo el mundo.</p><h2>Los cuatro pilares que construyen la cultura hip hop</h2><p>Luego de aquella fiesta, el hip hop comenzó a crecer a pasos agigantados y a expandirse por Estados Unidos hasta convertirse en un fenómeno global.</p><p>Al mismo tiempo, la cultura fue construyendo su identidad alrededor de cuatro elementos fundamentales:</p><ul><li>DJing: el trabajo de los DJs, desde la selección y mezcla de canciones hasta la creación de breaks y bases que se convirtieron en el corazón musical de las primeras fiestas de hip hop.</li></ul><ul><li>MCing o rap: la voz de la cultura. A través de rimas, improvisaciones y letras, los MCs comenzaron a narrar sus experiencias, expresar ideas y animar las fiestas.</li></ul><ul><li>Breaking: la expresión corporal del movimiento. Los breakers llevaron el baile a las calles y desarrollaron un lenguaje propio basado en movimientos, acrobacias y creatividad.</li></ul><ul><li>Graffiti: la dimensión visual del hip hop. Los artistas comenzaron a intervenir muros, trenes y distintos espacios urbanos para construir una identidad gráfica que terminó convirtiéndose en una de las expresiones más reconocibles de la cultura.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9cee71d404.png" alt=""><figcaption>Graffiti como elemento clave de la cultura hip hop (Kevin Woblick).</figcaption></figure><p>Con el paso del tiempo, estos cuatro elementos dejaron de funcionar únicamente como expresiones independientes y comenzaron a convivir dentro de un mismo movimiento. Así, el hip hop trascendió la música para convertirse en una cultura capaz de influir en el arte urbano, el baile, la moda y la identidad de distintas generaciones alrededor del mundo.</p><h2>De una fiesta en el Bronx a una cultura que conquistó el mundo</h2><p>Lo que comenzó como una fiesta en un barrio de Nueva York terminó convirtiéndose en el punto de partida de una de las culturas más influyentes de los últimos 50 años.</p><p>El hip hop encontró en las calles un espacio para expresarse y, a través de sus distintos pilares, construyó una identidad que rápidamente superó las fronteras del Bronx.</p><p>Desde las rimas y los beats hasta los murales y las batallas de breaking, aquella cultura nacida en el corazón de Nueva York encontró nuevas formas de expresarse en cada rincón del planeta. Por eso, cada 11 de agosto, el mundo vuelve la mirada hacia aquel momento que marcó el comienzo de una historia que todavía continúa escribiéndose.</p>

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¿Por qué hoy se celebra el Día Mundial del Hip Hop?

<p>Dentro del streetwear latinoamericano hay nombres que encontraron su lugar lejos de las pasarelas tradicionales, y uno de ellos es Kiko Báez, el creativo mexicano que transformó sus chaquetas personalizadas en piezas elegidas por algunas de las mayores estrellas de la música y el deporte.</p><h2>Kiko Báez, el diseñador mexicano que llevó sus chaquetas a los mayores escenarios de la música latina</h2><p>Dentro del mundo de la moda conviven creativos de todos los estilos: desde quienes impulsan la moda sustentable hasta aquellos que encuentran en la alta costura, el cuero o la sastrería su principal sello de identidad. Y es en México donde aparece uno de los nombres que logró construir una huella propia dentro del streetwear latinoamericano: Kiko Báez.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c344da2762.png" alt=""><figcaption>Kiko Báez en el Street Fever (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><p>Oriundo de Tijuana, Baja California, y director creativo de la firma familiar Exclusivos Báez, el diseñador mexicano se convirtió en uno de los grandes referentes de la moda urbana gracias a sus piezas completamente personalizadas.</p><p>A través de un trabajo centrado principalmente en la creación de chaquetas confeccionadas a medida, el mexicano vistió figuras de la música regional mexicana como Christian Nodal, Natanael Cano, Eduin Caz o Banda MS, así como también a grandes exponentes de la música urbana latina como Maluma, Daddy Yankee, Wisin y Yandel, J Balvin, Karol G, Feid e incluso el rapero estadounidense Offset.</p><h2>El sello creativo que distingue a Kiko Báez: chaquetas personalizadas</h2><p>Con un sello basado en prendas uno de uno, diseñadas exclusivamente para cada cliente, Kiko Báez logró construir una identidad donde cada pieza busca representar la historia, la personalidad o un momento especial del artista.</p><p>Sus chaquetas suelen aparecer en conciertos, giras internacionales, videoclips, homenajes, aniversarios, entregas de premios y presentaciones de gran magnitud, convirtiéndose en parte del espectáculo tanto como la música.</p><ul><li>Canelo Álvarez</li></ul><ul><li>Maluma</li></ul><ul><li>Grupo Frontera</li></ul><ul><li>Cris MJ</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Omar Courtz</li></ul><ul><li>Wisin y Yandel</li></ul><ul><li>J Balvin</li></ul><ul><li>Karol G</li></ul><ul><li>Feid</li></ul><ul><li>Christian Nodal</li></ul><ul><li>Natanael Cano</li></ul><ul><li>Eduin Caz</li></ul><ul><li>Banda MS</li></ul><ul><li>Offset</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7a5be7e6e.png" alt=""><figcaption>Omar Courtz vistiendo una chaqueta personalizada por Kiko Báez durante uno de sus shows (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><h2>El diseño para Canelo Álvarez que cambió su carrera</h2><p>Uno de los momentos que marcó un antes y un después en su carrera llegó gracias al boxeador Saúl &quot;Canelo&quot; Álvarez. A través de un amigo en común, el diseñador consiguió entregarle una chaqueta confeccionada especialmente para celebrar la conquista del campeonato indiscutido del mexicano.</p><p>Aunque el boxeador ya tenía preparado el vestuario para la conferencia de prensa posterior al combate, que era un trabajo de la firma Dolce &amp; Gabbana, decidió cambiarse a último momento para lucir el diseño de Kiko Báez frente a los medios, una escena que impulsó definitivamente la carrera del creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424" data-video-id="7566507427361754424" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424?lang=es&amp;q=canelo%20alvarezz%20indesputed%20jacket&amp;t=1785352047884" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde entonces, sus piezas comenzaron a multiplicarse en algunos de los escenarios más importantes de la música latina. Entre ellas destacan la chaqueta utilizada por J Balvin durante la participación de Bad Bunny en México en el marco de “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour” y el diseño confeccionado para Natanael Cano durante su presentación en Coachella, uno de los festivales musicales más importantes del mundo.</p><p>Más allá de las celebridades que visten sus diseños, Kiko Báez representa el crecimiento del diseño mexicano dentro de la moda urbana contemporánea. Con piezas completamente personalizadas y un trabajo artesanal que prioriza la exclusividad, el creativo de Tijuana logró que sus chaquetas dejaran de ser una simple prenda para convertirse en una extensión de la identidad de algunos de los artistas más importantes del panorama latinoamericano.</p>

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El diseñador mexicano que conquistó los escenarios de J Balvin, Feid y Maluma

<p>Entre obstáculos, camas elásticas, rampas, air tracks y paredes con barandales y con más de 700 metros cuadrados de superficie, Wukong Parkour Point se convirtió en uno de los espacios de referencia para practicar parkour en Ciudad de México.</p><h2>Wukong Parkour Point, el espacio que lleva el parkour al siguiente nivel en CDMX</h2><p>Más allá de la existencia de parques, plazas y distintos espacios públicos que la propia comunidad del parkour fue transformando en sitios de entrenamiento, la disciplina también encontró en la Ciudad de México un lugar diseñado especialmente para practicarla. Se trata de Wukong Parkour Point, uno de los espacios especializados más importantes de la capital mexicana, ubicado en Avenida Extremadura 55, en la colonia Insurgentes Mixcoac, dentro de la alcaldía Benito Juárez.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bbd471e618.png" alt=""><figcaption>Niña entrenando parkour en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><h2>¿Qué podés encontrar en Wukong Parkour Point?</h2><p>El lugar cuenta con una amplia variedad de estructuras y sectores pensados para entrenar movimientos de distintos niveles de dificultad. Entre sus instalaciones se encuentra una cama de aire gigante, donde los practicantes pueden animarse a intentar giros y trucos complejos con mayor seguridad, además de una cama elástica e incluso un air track para practicar combos.</p><p>También hay una zona de recorridos con barras, una rampa destinada a practicar deslizamientos, bancos y obstáculos de distintas formas y tamaños, junto con una pared equipada con barandales para trabajar ascensos y descensos.</p><p>El espacio ubicado en la Ciudad de México también cuenta con distintos obstáculos distribuidos a lo largo de sus instalaciones, bajo la idea de que toda la estructura funcione como un recorrido prácticamente interminable, con diferentes posibilidades para entrenar parkour en cada rincón. Además, el suelo de Wukong Parkour Point está construido con un material pensado para reducir el impacto de las caídas, una característica fundamental para entrenar con mayor seguridad y disminuir riesgos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0201cdef28.png" alt=""><figcaption>Diversión y entrenamiento en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><p>Wukong Parkour Point también cuenta con coaches que acumulan más de quince años de experiencia en la disciplina, por lo que la propuesta no está destinada únicamente a atletas experimentados. El espacio también resulta una alternativa para quienes dejaron de entrenar y quieren volver a la práctica, buscan recuperar su condición física o simplemente quieren incorporar un nuevo deporte a su rutina.</p><h2>Clases y Open Gym: cómo entrenar en Wukong Parkour Point</h2><p>Wukong Parkour Point ofrece distintas alternativas para aprovechar sus instalaciones según la experiencia y los objetivos de cada persona. Las clases cuentan con inscripción gratuita y pueden contratarse con una frecuencia de entre una y cinco veces por semana, por lo que cada practicante puede elegir la modalidad que mejor se adapte a su rutina.</p><p>Los planes pueden contratarse por períodos de tres, seis o doce meses, y el valor varía de acuerdo con la cantidad de clases semanales y la duración elegida, con precios que parten desde $1.147 pesos mexicanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2e5e9213e0.png" alt=""><figcaption>Clases de parkour para niños en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><h2>¿Tenés experiencia en el parkour? También podés entrenar en Wukong Parkour Point</h2><p>Para quienes ya tienen experiencia y prefieren entrenar por su cuenta, Wukong Parkour Point también cuenta con la modalidad Open Gym. Al igual que las clases, puede contratarse por períodos de tres, seis o doce meses y permite utilizar libremente las diferentes estructuras y sectores del espacio para practicar movimientos, trabajar técnicas específicas o continuar progresando de manera independiente: los planes de Open Gym parten desde $1.160 pesos mexicanos, dependiendo de la duración elegida.</p><p>De esta manera, Wukong Parkour Point se presenta como una alternativa tanto para quienes quieren dar sus primeros pasos en el parkour como para aquellos que ya conocen la disciplina y buscan un espacio equipado para seguir llevando sus habilidades un poco más lejos.</p>

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Wukong Parkour Point, el templo del parkour en CDMX

<p>Dentro de la cultura sneaker, la customización encontró en Latinoamérica a distintos artistas que transformaron las zapatillas en verdaderos lienzos. Y en México, Diana Ponzo se convirtió en una de las grandes abanderadas de este movimiento gracias a diseños inspirados en universos como la cultura pop, el anime y el deporte.</p><h2>Diana Ponzo, la abanderada de la customización de sneakers en México</h2><p>El movimiento sneaker cuenta con un sinfín de aristas que conviven entre sí y forman la esencia de una cultura que no deja de expandirse. Desde las colaboraciones entre dos o más marcas en un mismo par hasta los grandes lanzamientos de compañías como Nike y adidas, pasando por las cápsulas creadas junto a artistas y celebridades, las zapatillas construyeron un universo propio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7358d75dc.png" alt=""><figcaption>Spikes customizados por la mexicana Diana Ponzo (Instagram/Diana Ponzo).</figcaption></figure><p>Dentro de ese mundo también existe una vertiente que mezcla la pasión por los sneakers con el arte urbano: la customización. Latinoamérica cuenta con distintos referentes que encontraron en la intervención de zapatillas una forma de expresión y, en México, la figura de Diana Ponzo se consolidó como una de las grandes representantes del movimiento.</p><p>Con una técnica basada en el trabajo pintado a mano y una comunidad de casi medio millón de seguidores en redes sociales, la mexicana convirtió cada par en un lienzo para explorar distintos universos de la cultura pop. Sus diseños recorren desde películas y series hasta el anime, los videojuegos, la música y el deporte.</p><ul><li>Películas y series: Harry Potter, Shrek, Toy Story y otros grandes títulos de la cultura popular.</li></ul><ul><li>Anime: personajes como Gokú y Vegeta de Dragon Ball y Luffy de One Piece.</li></ul><ul><li>Música: artistas como Taylor Swift.</li></ul><ul><li>Deportes: figuras como Lionel Messi y Shohei Ohtani, además de referencias a escuderías de Fórmula 1.</li></ul><ul><li>Películas animadas: El Rey León, El extraño mundo de Jack y Coraline.</li></ul><ul><li>Animales y otras referencias de la cultura pop.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C-F1SuDuEQh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C-F1SuDuEQh/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, el trabajo de Diana Ponzo no se limita al resultado final. A través de sus redes sociales, la artista también muestra el proceso de construcción de cada diseño, desde la elección de los colores y los materiales hasta el uso de distintos pinceles y las técnicas que utiliza para transformar cada zapatilla.</p><p>De esta manera, sus seguidores pueden conocer el paso a paso detrás de cada customización y descubrir cómo un par convencional puede convertirse en una pieza única, atravesada por las referencias, los personajes y los universos que forman parte de la cultura popular.</p><p>La variedad de universos que atraviesan sus diseños, sumada a una técnica que combina precisión, creatividad y trabajo artesanal, convirtió a Diana Ponzo en una de las grandes abanderadas de la customización de sneakers en México. A través de cada par, la artista demuestra que una zapatilla puede ser mucho más que un objeto de moda: también puede convertirse en un lienzo para contar historias.</p>

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Diana Ponzo, la artista que convirtió los sneakers en un lienzo

<p>Kicks and Friends se convirtió en uno de los grandes referentes de la cultura sneaker y la moda urbana en Argentina. A casi una década de sus inicios, Luciano Corcico repasó junto a Street Art Latam el nacimiento del proyecto, su explosión, los desafíos y el futuro.</p><h2>Los inicios de Kicks and Friends: de un unboxing entre amigos a una comunidad sneaker</h2><p>Antes de consolidarse como uno de los grandes referentes de la cultura sneaker en Argentina y como una voz autorizada dentro de la moda urbana a nivel latinoamericano, Kicks and Friends tuvo, como todo proyecto, un punto de partida. En el caso del proyecto encabezado por Juan Posite y Luciano Corcico, todo comenzó con un video de unboxing y review de las Jordan Retro 3 Katrina.</p><p>“<em>No hubo una previa a ese video. En ese momento andábamos muy atrás de lo que podía llegar, No había información e íbamos muy seguido a los shoppings. Yo veo en un grupo de Facebook que habían salido las Katrina y le aviso a Juan, que estaba en Capital. Cuando lo vi el fin de semana, que nos juntábamos con otros dos amigos, estábamos en lo de Juan y surgió: ‘Che, ¿por qué no hacemos un video, un unboxing de esto?’</em>”, cuenta Lucho.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_406afef661.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite en los inicios de Kicks and Friends (Instagram/Kicks and Friends).</figcaption></figure><p>Después de publicar el video y observar la repercusión que había generado, con páginas que lo compartían y personas vinculadas a distintas marcas que comenzaban a acercarse, Luciano y Juan empezaron a pensar nuevas secciones y contenidos para darle una estructura al canal. Así, lo que había comenzado casi de manera espontánea empezó a tomar forma y sentó las bases de lo que luego se convertiría en Kicks and Friends.</p><h2>El video que cambió el rumbo de Kicks and Friends</h2><p>Más allá del unboxing de las Jordan Retro 3 Katrina, el contenido que realmente marcó un antes y un después en el camino de Kicks and Friends en YouTube fue el video de su visita al Outlet de Quilmes, al que llegaron invitados por Nike para conocer una especie de clearance de la marca.</p><p>“<em>El Outlet de Quilmes. Hicimos un video yendo al Outlet de Quilmes invitados por Nike, que abría una especie de clearance. Vamos a última hora por el laburo de cada uno y cuando llegamos ya no dejaban pasar más gente. Compramos una locura de cosas a muy buenos precios y, en vez de hacer un video del lugar, hicimos un unboxing de todas las cosas que compramos</em>”.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rpg5CrXh4Fg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>El contenido se convirtió en uno de los grandes momentos de la historia del canal. No solo generó una importante repercusión en YouTube e Instagram, sino que también llevó a una gran cantidad de personas a descubrir el proyecto y a interesarse por otros videos de “cazando outlets” que ya formaban parte del canal.</p><p>A ese crecimiento también contribuyeron las colaboraciones con figuras nacionales como Ramita Gram, de Bajoneando por Hay, y PedritoVM, dos encuentros que, en palabras de Luciano, fueron “<em>dos empujones que nos ayudaron muchísimo a posicionarnos relativamente rápido</em>”. En apenas cinco meses, el proyecto había conseguido construir un importante flujo de audiencia en YouTube, lo que abrió las puertas a las primeras conversaciones con marcas y marcó el comienzo de una nueva etapa para Kicks and Friends.</p><h2>La visión detrás del éxito de Kicks and Friends</h2><p>Todo proyecto necesita una dosis de fortuna, aparecer en el momento justo o encontrar un nicho que, con el tiempo, pueda convertirse en algo mucho más grande, y sin lugar a dudas, Kicks and Friends tomó un poco de cada una de esas variables. La cultura sneaker todavía no tenía una presencia consolidada en las plataformas digitales argentinas cuando Juan y Luciano decidieron comenzar a mostrar su pasión por las zapatillas frente a una cámara.</p><p>“<em>Lo que hizo que nos fuera bien es que no había gente que pusiera la cara: había blogs, páginas de noticias y demás, pero nadie haciendo videos. Fue muy loco empezar a verlo después de nosotros. Al día de hoy, marcas y gente que hace contenido nos dicen que abrimos una puerta, que antes era impensado que una marca le pagara a alguien para que hiciera una reseña de su producto”.</em></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cb7a47bae.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico de Kicks and Friends en una entrevista en Vorterix (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Luciano también reconoce que a la audiencia que comenzó a seguirlos le terminó gustando la naturalidad y el carácter orgánico de sus contenidos. A eso se sumó un contexto cultural especialmente favorable: la explosión del trap en Argentina, el crecimiento de la moda urbana y una escena sneaker que empezaba a ganar cada vez más espacio.</p><p>“<em>El timing fue buenísimo, aparecimos en el momento perfecto para hablar de zapas y también supimos, con distintas secciones y demás, capitalizar a la gente que nos empezaba a conocer para marcar el terreno y no ser simplemente personas que sacan prendas de una caja</em>”, menciona también Luciano, una de las caras del proyecto.</p><h2>Marcas, hate y pandemia: los desafíos que Kicks and Friends tuvo que atravesar</h2><p>Todo proyecto tiene una base de desafíos que debe superar, no solo en el momento previo a comenzar su recorrido, sino también a lo largo de su crecimiento e incluso cuando alcanza su punto más alto. Kicks and Friends lo sabe más que nadie.</p><p>Entre los distintos obstáculos que debieron afrontar, Luciano recuerda que uno de los primeros fue conseguir trabajar con las marcas. El proyecto había llegado a un punto en el que Juan y él compraban tantas zapatillas que ya no podían mantener el ritmo por sus propios medios. Sin embargo, una vez que lograron establecer vínculos con las marcas y construir un flujo propio de audiencia, apareció un nuevo desafío: mantener todo lo que habían conseguido.</p><p>La exposición también trajo consigo una parte inevitable del mundo digital: el hate. El propio Luciano lo resume como la necesidad de “<em>bancarse la llegada de gente tirando mierda y acostumbrarse a eso</em>”. A eso se sumaron decisiones personales y profesionales de enorme importancia, como dejar sus trabajos para dedicarse de lleno al proyecto, además de atravesar una pandemia que modificó por completo la vida de millones de personas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2903e182ee.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite, las caras de Kicks and Friends (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Pero los desafíos no desaparecieron con la consolidación del proyecto. Después de atravesar distintas turbulencias y convertirse en una referencia de la cultura sneaker argentina, Kicks and Friends todavía tiene nuevos objetivos por delante: “<em>El desafío del día de hoy está en volver a reforzar esa comunidad que supimos tener y que seguimos teniendo. Seguir siendo alguien para las marcas y para la gente que te ve. No te digo volver a explotar, pero mantenernos es el desafío de hoy en día</em>”.</p><h2>Kicks and Friends y el cambio de una escena que todavía era de nicho</h2><p>El momento de creación de Kicks and Friends coincidió con una etapa en la que la cultura sneakerhead todavía era un universo de nicho en Argentina, con una comunidad más cerrada y alejada del público general. En ese contexto, Juan y Luciano decidieron hablar de zapatillas desde un lugar diferente y buscar que el contenido pudiera llegar incluso a personas que no tenían conocimientos previos sobre el mundo sneaker.</p><p>“<em>Cuando empezamos, creo que rompimos con algo bastante importante: no hablarle al sneakerhead. Cuando arrancamos el canal, la idea era hacer videos que, si mi papá está viendo YouTube a la madrugada, los vea y le interesen</em>”.</p><p>Luciano considera que el proyecto logró cambiar el juego dentro de la escena gracias a una combinación de factores. El timing volvió a ser determinante: Kicks and Friends apareció a la par del crecimiento del trap y en un momento de expansión global de la cultura de las zapatillas. Sin embargo, también hubo una lectura consciente del contexto argentino. El dúo entendió el país desde el que comunicaba, le dedicó tiempo a los productos que podían encontrarse en el mercado local y habló de aquello a lo que la gente realmente podía acceder.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8c29647361.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y su amor por los sneakers (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><p>Ese enfoque terminó generando un antes y un después. Con el paso del tiempo, distintas personas vinculadas al ambiente sneaker comenzaron a reconocer la importancia que tuvo Kicks and Friends en la expansión de la cultura en Argentina y en la apertura de una escena que, hasta entonces, se mantenía mucho más cerrada.</p><h2>El futuro de Kicks and Friends: casi una década de historia y nuevos desafíos</h2><p>Con casi una década de historia en el plano digital, Kicks and Friends continúa funcionando como un punto de encuentro para los fanáticos de las zapatillas y para todas aquellas personas que todavía buscan abrir la puerta a la cultura sneaker. Sin embargo, como ocurre con cualquier proyecto, también existe la posibilidad de que en algún momento llegue a su fin —aunque ojalá todavía falte mucho para ese día—.</p><p>Luciano mira ese futuro con la tranquilidad de quien ya siente que cumplió una parte importante de sus objetivos. Después de ocho años viviendo de una actividad que disfruta y que le permitió convertir su pasión en un trabajo, considera que el balance, independientemente de lo que pueda ocurrir más adelante, es positivo.</p><p>“<em>Si mañana me toca dejar de hacer esto o dejarlo como trabajo, obviamente lo lamentaría, pero al mismo tiempo no me puedo quejar. Son ocho años de vivir haciendo algo que disfruto, que me gusta. Si bien hay días de grabar, de ir a eventos y de pasar videos al editor, no me puedo quejar</em>”, expresa en retrospectiva del camino de Kicks and Friends.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14381f965e.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico con las Suede XL de PUMA (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><h2>El ping pong de Luciano Corcico: zapatillas, moda y referentes</h2><p>Más allá de su perfil delante de las cámaras como protagonista de Kicks and Friends, Lucho también cuenta con un lado más personal dentro de la cultura sneaker y la moda urbana: desde su marca y silueta favorita hasta el par más importante de su colección y las figuras que considera referentes de estilo.</p><ul><li>¿Marca favorita de sneakers? Jordan.</li></ul><ul><li>¿Silueta favorita? Jordan 11.</li></ul><ul><li>¿El mejor par de tu colección? Jordan 11 Concord.</li></ul><ul><li>¿Zapatilla favorita? LeBron 5 White Crimson Gold.</li></ul><ul><li>¿Un par que todavía te falta conseguir? Yeezy 350 V2 Zebra.</li></ul><ul><li>¿Marca infravalorada de ropa de Argentina? Cross y Offcourt.</li></ul><ul><li>¿Un artista que siempre viste bien? Duki y Lucho SSJ, y de afuera Oliver Sykes.</li></ul><ul><li>¿Un futbolista que se vista bien? Rodrigo De Paul y Jules Koundé.</li></ul>

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“Nosotros abrimos una puerta para que la gente quiera saber un poco más de zapas"

<p>Consolidado como una de las grandes figuras del rap latinoamericano, Trueno continúa ampliando su influencia fuera de la industria musical. Y en esta oportunidad, el artista argentino presentó una colaboración junto a la histórica marca británica KANGOL, con la que lanzó una edición especial del clásico Bermuda Casual, uno de los pilusos más emblemáticos del streetwear a nivel mundial.</p><h2>Trueno da su primer gran paso en el streetwear junto a KANGOL</h2><p>Desde hace ya varios años, Trueno dejó de ser únicamente uno de los grandes referentes del rap argentino para también convertirse en una de las principales figuras de la moda urbana latinoamericana. Entre colaboraciones con marcas, campañas y una identidad estética cada vez más marcada, el artista sumó un nuevo capítulo a ese recorrido de la mano de la histórica firma británica KANGOL.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbK-h_SjxeI/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbK-h_SjxeI/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Así como otros artistas argentinos como Duki, Paulo Londra o Bizarrap comenzaron a construir su propio camino dentro del universo de la moda, el rapero bonaerense dio uno de sus pasos más importantes en la industria del streetwear con una colaboración oficial junto a la reconocida marca nacida en el Reino Unido.</p><p>Y es que Trueno presentó, junto a KANGOL, una edición especial del clásico Bermuda Casual, uno de los pilusos más emblemáticos de la firma. La pieza luce una construcción completamente negra con textura tipo toalla e incorpora, en lados opuestos, el tradicional canguro de KANGOL y un logotipo exclusivo inspirado en la identidad visual del artista argentino.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1cd5054411.png" alt=""><figcaption>Trueno x KANGOL (KANGOL).</figcaption></figure><p>La colaboración fue anunciada inicialmente para el mercado japonés, donde se comercializará de forma exclusiva en esta primera etapa. Sin embargo, no se descarta que en los próximos meses también pueda llegar a otros mercados internacionales, incluyendo Argentina y distintos países de Latinoamérica, ampliando así el alcance de una de las colaboraciones más importantes en la carrera de Trueno dentro del universo del streetwear.</p>

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Así es el exclusivo piluso que Trueno lanzó junto a KANGOL

<p>El parkour desarrolló un lenguaje propio que acompaña cada salto, recorrido y competencia. Entre movimientos técnicos, formatos de evaluación y conceptos utilizados tanto por atletas, jueces y comentaristas, entender su vocabulario es el primer paso para disfrutar al máximo la disciplina, y Street Art Latam repasa los términos imprescindibles.</p><h2>Los movimientos básicos del parkour</h2><p>El parkour se basa en desplazarse de la manera más eficiente posible superando cualquier obstáculo del entorno. Para lograrlo, los traceurs utilizan una serie de movimientos fundamentales que constituyen la base de la disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_037f928354.png" alt=""><figcaption>La argentina Sara Banchoff realizando un movimiento durante un entrenamiento (Instagram/Sara Banchoff).</figcaption></figure><ul><li>Precision jump: salto preciso de un punto a otro buscando aterrizar con estabilidad.</li></ul><ul><li>Cat leap (Arm jump): salto hacia una pared o estructura, sujetándose con las manos mientras los pies amortiguan el impacto.</li></ul><ul><li>Vault: técnica para superar un obstáculo apoyándose con una o ambas manos.</li></ul><ul><li>Safety vault: uno de los vaults más utilizados, pensado para mantener el control durante el recorrido.</li></ul><ul><li>Speed vault: permite superar un obstáculo a máxima velocidad utilizando una sola mano.</li></ul><ul><li>Lazy vault: salto lateral utilizado para cambiar de dirección mientras se supera un obstáculo.</li></ul><ul><li>Kong vault: el atleta se impulsa con ambas manos y pasa el cuerpo completamente por encima del obstáculo.</li></ul><ul><li>Dash vault: las piernas pasan primero sobre el obstáculo y las manos impulsan el cuerpo desde atrás.</li></ul><ul><li>Wall run: carrera sobre una pared para alcanzar una mayor altura.</li></ul><ul><li>Wall climb: técnica utilizada para trepar un muro utilizando piernas y brazos.</li></ul><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/parkour-en-primera-persona-la-mirada-de-victor-dominguez-1/1038"><u><em>Parkour en primera persona: la mirada de Víctor Domínguez</em></u></a></p><h2>Los movimientos avanzados</h2><p>Con el paso del tiempo, los traceurs incorporan movimientos más técnicos que suelen aparecer en competencias internacionales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNyF_HtYuyB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNyF_HtYuyB/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Front flip: mortal hacia adelante.</li></ul><ul><li>Backflip: mortal hacia atrás.</li></ul><ul><li>Side flip: giro lateral en el aire.</li></ul><ul><li>Cork: rotación diagonal combinando giro y mortal.</li></ul><ul><li>Gainer: salto hacia adelante con rotación hacia atrás.</li></ul><ul><li>Palm spin: giro utilizando una mano como punto de apoyo.</li></ul><ul><li>Tic Tac: impulso sobre una pared para cambiar de dirección o ganar altura.</li></ul><ul><li>Underbar: atravesar un espacio estrecho pasando el cuerpo entre dos barras o estructuras.</li></ul><ul><li>Lache: balanceo y salto entre barras.</li></ul><ul><li>Cat pass: combinación de un Cat Leap con una salida inmediata.</li></ul><h2>La jerga del parkour</h2><p>Al igual que otras disciplinas urbanas, el parkour tiene un vocabulario propio que aparece constantemente en entrenamientos y competencias.</p><ul><li>Traceur / Traceuse: persona que practica parkour.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para entrenar.</li></ul><ul><li>Flow: capacidad para enlazar movimientos de forma natural.</li></ul><ul><li>Line: secuencia continua de movimientos.</li></ul><ul><li>Challenge: desafío específico propuesto entre atletas.</li></ul><ul><li>Stick: aterrizaje completamente estable, sin dar pasos adicionales.</li></ul><ul><li>Bail: abandonar un movimiento para evitar una caída o lesión.</li></ul><ul><li>Landing: recepción de un salto.</li></ul><ul><li>Take off: punto desde donde comienza el impulso.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a6b56d44b.png" alt=""><figcaption>La neerlandesa Noa Diorgina en acción (Instagram/Noa Diorgina).</figcaption></figure><h2>¿Cómo funciona una competencia de parkour?</h2><p>Además de conocer los movimientos, entender los formatos de competencia ayuda a disfrutar mucho más cada evento.</p><ul><li>Speed: modalidad en la que los atletas deben completar un circuito en el menor tiempo posible.</li></ul><ul><li>Freestyle: formato en el que los competidores realizan recorridos creativos combinando movimientos, técnica, dificultad y estilo.</li></ul><ul><li>Run: recorrido completo realizado por un atleta durante una ronda.</li></ul><ul><li>Dificultad: nivel técnico de los movimientos ejecutados.</li></ul><ul><li>Ejecución: limpieza y precisión con la que se realizan los movimientos.</li></ul><ul><li>Creatividad: capacidad para utilizar el entorno de manera original.</li></ul><ul><li>Fluidez: continuidad entre cada movimiento sin interrupciones.</li></ul><ul><li>Caída: error que puede afectar significativamente la puntuación.</li></ul><ul><li>Jueces: encargados de evaluar aspectos técnicos, creatividad y ejecución durante cada recorrido.</li></ul>

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Los conceptos que tenés que conocer para entender una competencia de parkour

<p>Después de reinventar modelos como Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, Bad Bunny presentó junto a adidas una nueva versión de las icónicas F50, ahora adaptadas al universo lifestyle e inspiradas en la araña lobo, uno de los arácnidos más representativos de Puerto Rico.</p><h2>Bad Bunny lleva las históricas F50 del fútbol al universo lifestyle</h2><p>El vínculo entre adidas y Bad Bunny continúa escribiendo nuevos capítulos. Luego de reinterpretar algunas de las siluetas más emblemáticas de la marca alemana, como las Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, además de presentar las Bad Bo 1.0, su primera zapatilla original con la firma, el artista puertorriqueño volvió a mirar hacia el archivo de las tres tiras para darle una nueva vida a uno de los modelos más representativos del fútbol: las F50.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d4347b03b6.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><p>Bajo el nombre de Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint, la colaboración toma una de las franquicias más icónicas de la historia de la marca —utilizada durante años por figuras como Lionel Messi en sus primeras etapas como futbolista profesional— y la traslada a un formato pensado para el uso cotidiano. El resultado es una silueta que abandona la cancha para instalarse en las calles, combinando la esencia del fútbol con el lenguaje del streetwear y la identidad creativa del músico boricua.</p><h2>Puerto Rico como parte del diseño</h2><p>Como ya es habitual en las colaboraciones de Benito con adidas, el diseño también funciona como un homenaje a Puerto Rico, su tierra natal. En esta oportunidad, el par encuentra inspiración en la araña lobo puertorriqueña, un arácnido conocido por su velocidad, agilidad y capacidad para desplazarse con precisión, características que históricamente también definieron a la línea F50 dentro del universo futbolístico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56503e0800.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><p>Esa referencia se traduce en una construcción que apuesta por una estética técnica, con una estructura de malla respirable envuelta por una &quot;jaula&quot; que recuerda las formas del arácnido, mientras que la paleta de colores recupera el histórico colorway Ocean presentado por adidas en 2004. El diseño mantiene la esencia deportiva del modelo original, aunque reinterpretada desde una mirada completamente urbana.</p><h2>Los detalles que vuelven únicas las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint</h2><p>Los detalles exclusivos también ocupan un papel central. Además del branding característico de Bad Bunny, uno de los laterales incorpora la inscripción &quot;adidas para Bad Bunny&quot;, acompañada por el sello &quot;+F50 BB&quot;, una firma que deja en claro que no se trata simplemente de una reedición del modelo clásico, sino de una versión completamente atravesada por el universo creativo del artista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a2a40f3787.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><h2>¿Cuánto cuestan las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint?</h2><p>Con un precio de 160 dólares estadounidenses, las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint estarán disponibles a través de la tienda oficial de adidas y de retailers seleccionados. Un lanzamiento que no solo suma un nuevo capítulo a la exitosa relación entre la marca alemana y el cantante puertorriqueño, sino que también vuelve a demostrar cómo el archivo del fútbol continúa encontrando un nuevo espacio dentro de la moda y el streetwear contemporáneo.</p>

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Bad Bunny suma un nuevo capítulo junto a adidas con las F50 Ghost Sprint

<p>La nueva generación de la música urbana puertorriqueña sigue sumando protagonistas, y entre ellos aparece Fanta Rosario, un artista que ya empieza a destacar por su sonido, su imagen y un universo creativo diferente.</p><h2>De la estética al sonido: las claves detrás del crecimiento de Fanta Rosario</h2><p>Hablar de Puerto Rico es hablar de una de las grandes cunas de la música urbana a nivel mundial. La isla vio nacer a referentes históricos como Daddy Yankee y Don Omar, y con el paso de los años continuó alimentando la escena con figuras de la talla de Bad Bunny, Anuel AA y Arcángel y, más recientemente, con una nueva generación integrada por artistas como Dei V, Omar Courtz o De La Rose que comenzó a tomar la posta, demostrando que el talento puertorriqueño continúa renovándose año tras año.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_515e82c06a.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario, la nueva joya del género urbano en Puerto Rico (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure><p>En ese contexto aparece Fanta Rosario, uno de los nombres que poco a poco empieza a hacerse un lugar dentro de la nueva ola urbana de la isla. Con una propuesta que combina trap, reguetón y otros sonidos urbanos, el artista logró construir una identidad reconocible tanto desde lo musical como desde lo visual, convirtiéndose en una de las apariciones más interesantes de la escena puertorriqueña.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/de-la-rose-en-la-cima-descubrila/1145</p><h2>Gorras planas, lentes Y2K y una estética que no pasa desapercibida: la estética de Fanta Rosario</h2><p>Gran parte de esa identidad también pasa por su estética. Gorra plana llevada de costado, polos y jerseys, lentes inspirados en la moda de los años 2000, un rosario como sello distintivo y una actitud desenfadada forman parte de una imagen que se traslada a sus videoclips. Allí predominan los colores saturados, las composiciones poco convencionales y una estética inspirada en el internet de comienzos de siglo, construyendo un universo creativo que acompaña a la perfección el sonido de sus canciones.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rwNNcDEVnIU" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p>Ese estilo ya quedó plasmado en temas como "<i>Si Me Hiciera El de la Lengua</i>", "<i>ADM</i>", "<i>Dicen</i>", "<i>GUAO</i>" y "<i>No Te Kashi</i>", canciones que acumulan millones de reproducciones y que ayudaron a posicionarlo entre las nuevas figuras del movimiento. A eso se suma el respaldo de artistas ya consolidados como Jon Z, Bryant Myers, Arcángel, Bad Bunny e incluso el argentino Bizarrap, quienes en distintas oportunidades mostraron apoyo hacia su proyecto.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_62cea13a87.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario junto a Jon Z y Luar La L (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure><p>&nbsp;</p><h2>Fanta Rosario como el futuro de la música urbana puertorriqueña</h2><p>Con más de un millón de oyentes mensuales en Spotify, colaboraciones cada vez más importantes y una identidad artística que se distingue desde el primer vistazo, Fanta Rosario aparece como uno de los nombres llamados a protagonizar el futuro de la música urbana puertorriqueña, confirmando que la isla continúa siendo una fábrica inagotable de nuevos talentos.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/la-marca-de-gorras-que-eligieron-duki-little-boogie-y-el-kun-agueero/1000279</p>

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¿Quién es Fanta Rosario, una de las nuevas joyas de la música urbana de Puerto Rico?

<p>Durante años, UNO fue uno de los juegos de cartas más populares del mundo. Ahora, el histórico título de Mattel decidió dar un paso más y trasladar toda su identidad al universo del streetwear, con una exclusiva colaboración junto a Comet que transforma sus colores y cartas en unas zapatillas de edición limitada.</p><h2>UNO entra al mundo sneaker con una edición limitada junto a Comet</h2><p>Las colaboraciones dejaron de ser un fenómeno exclusivo entre marcas de moda. En los últimos años, videojuegos, películas, series y hasta juguetes comenzaron a abrirse camino dentro de la cultura sneaker, demostrando que prácticamente cualquier ícono de la cultura pop puede convertirse en una zapatilla.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c14bd31a57.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure><p>Y ahora fue el turno de UNO, el histórico juego de cartas de Mattel, que dio el salto al streetwear de la mano de Comet con una colaboración de edición limitada que transforma uno de los juegos de mesa más populares de todos los tiempos en un par pensado para coleccionistas y fanáticos del diseño.</p><p>Inspirada en la clásica paleta de colores del juego —rojo, amarillo, azul, verde, negro y blanco—, la colaboración apuesta por una silueta low top que recuerda a modelos icónicos del universo sneaker como las Air Force 1 o las BAPE Sta. Sobre esa base aparecen paneles multicolor, el logo de UNO en el talón y distintos detalles característicos de Comet distribuidos a lo largo de la media suela y el resto del calzado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_971e46ecb3.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure><p>Lejos de limitarse al aspecto visual, la propuesta también incorpora distintos guiños al universo del juego. Cada par esconde referencias a las tradicionales reglas de UNO debajo de las plantillas, mientras que la caja fue completamente rediseñada para replicar el packaging original con el que históricamente se comercializa el juego de cartas.</p><p>Pensada desde la nostalgia, el coleccionismo y la cultura pop, la colaboración consigue trasladar la identidad de UNO al mundo del streetwear sin perder la esencia de ninguno de los dos universos.</p><h2>La edición limitada que convierte a UNO en una pieza de colección</h2><p>Además de su diseño, otro de los aspectos que convierten a la colaboración entre UNO y Comet en uno de los lanzamientos más llamativos del año es su exclusividad. La colección cuenta con apenas 800 pares disponibles en todo el mundo, una decisión que convierte al modelo en una auténtica pieza de colección desde su lanzamiento.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_426c49d18e.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure><p>Sin planes de reposición una vez agotado el stock, la colaboración apuesta por un formato de edición limitada que potencia su valor dentro del universo sneaker y reafirma el carácter especial de un proyecto que une dos mundos pocas veces vistos juntos.</p><p>Más allá del lanzamiento en sí, la unión entre Mattel y Comet vuelve a demostrar cómo la cultura sneaker continúa expandiendo sus fronteras, incorporando referentes de la cultura pop que hace algunos años parecían impensados dentro de este universo.</p>

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El histórico juego UNO ahora tiene sus propios sneakers

<p>Más allá de las paredes intervenidas y los gigantescos murales que caracterizan a São Paulo, la ciudad también alberga espacios dedicados al street art, y uno de los más destacados es Nucle1, un centro cultural que transformó una antigua fábrica en un verdadero templo del arte contemporáneo.</p><h2>Nucle1, el espacio donde el arte urbano paulista encontró un nuevo hogar</h2><p>Es de público conocimiento que la ciudad de San Pablo no solo es uno de los principales epicentros del arte urbano en Brasil, sino que también se ha convertido en una verdadera referencia a nivel continental. Sus calles, avenidas y edificios funcionan como enormes galerías a cielo abierto, donde murales e intervenciones forman parte del paisaje cotidiano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_897c631754.png" alt=""><figcaption>Obra del artista Alexandre Puga expuesta en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Sin embargo, más allá de las obras que decoran los espacios públicos paulistas, la ciudad también cuenta con rincones especialmente dedicados a la difusión del movimiento artístico. Y uno de los más importantes surgidos en el último tiempo es Nucle1 (Rua Muniz de Souza 809, Aclimação), un centro cultural de ocho pisos dedicado por completo al arte urbano y contemporáneo.</p><h2>De una fábrica de corbatas a un edificio de ocho pisos dedicado al arte</h2><p>Ubicado en lo que antiguamente funcionó como una fábrica de corbatas, Nucle1 transformó el edificio en un espacio cultural de más de 1.500 metros cuadrados intervenido por el artista Enivo, donde los colores, las formas y las expresiones urbanas toman el protagonismo absoluto.</p><p>Inspirado en experiencias artísticas como “Bauhaus” y “Factory” de Andy Warhol, el centro propone una experiencia inmersiva donde el arte está presente en paredes, techos y prácticamente en cada rincón del edificio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1c32436fe.png" alt=""><figcaption>El talento artístico de Bieto en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Además de exhibir grafitis e intervenciones urbanas, Nucle1 reúne distintas disciplinas culturales como:</p><ul><li>Arte urbano</li></ul><ul><li>Escultura</li></ul><ul><li>Diseño</li></ul><ul><li>Moda</li></ul><ul><li>Música</li></ul><ul><li>Intervenciones circenses</li></ul><p>Con entrada totalmente gratuita, el espacio se consolidó como uno de los puntos de encuentro más interesantes de la escena artística paulista.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-callejon-mas-famoso-de-san-pablo/317"><u><em>El callejón más famoso de San Pablo</em></u></a></p><h2>Los artistas que dan vida a Nucle1</h2><p>El espacio también funciona como una gran plataforma para artistas brasileños contemporáneos, reuniendo obras de referentes del arte urbano y visual como:</p><ul><li>Fefe Talavera</li></ul><ul><li>Priscila Barbosa</li></ul><ul><li>Katia Suzue</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La propuesta convierte a Nucle1 en una parada obligatoria para quienes buscan descubrir la riqueza del arte urbano brasileño desde una perspectiva diferente, donde distintas disciplinas conviven bajo un mismo techo.</p><p>Abierto de miércoles a viernes de 12:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 18:00, el centro cultural demuestra que San Pablo continúa expandiendo los límites del street art, llevando su identidad más allá de las calles y transformándola en una experiencia artística integral.</p>

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El impresionante centro cultural de ocho pisos que celebra el arte urbano en San Pablo

<p>A la hora de observar los tatuajes de un futbolista, gran parte de la atención suele centrarse en el diseño que luce sobre su piel. Sin embargo, pocas veces la mirada se posa sobre el artista responsable de convertir esa idea en una obra permanente.</p><p>Y durante la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el defensor mexicano Jorge Sánchez volvió a llamar la atención por sus tatuajes. Detrás de buena parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, uno de los referentes del tatuaje realista en México.</p><h2>Edd Flores, el artista detrás de la piel de Jorge Sánchez</h2><p>Desde hace tiempo que el futbolista dejó de ser un referente únicamente dentro del terreno de juego para convertirse también en un ícono estético puertas para afuera de los estadios.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_409b766e15.png" alt=""><figcaption>Edd Flores tatuando la piel del futbolista mexicano Jorge Sánchez (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure><p>A los looks protagonizados por marcas de lujo, diseñadores y firmas de streetwear se sumó otra expresión artística que ganó cada vez más protagonismo: el tatuaje. Una práctica que décadas atrás era prácticamente impensada dentro del fútbol profesional y que hoy forma parte de la identidad de buena parte de las grandes figuras del deporte.</p><p>Y en el marco de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el arte del tatuaje volvió a ocupar un lugar destacado. Desde promesas de inmortalizar el título con una nueva pieza hasta retratos futuristas y diseños inspirados en el torneo, varios futbolistas llamaron la atención por las obras que lucieron sobre su piel. Entre ellos apareció el defensor mexicano Jorge Sánchez, uno de los jugadores que más comentarios generó por sus tatuajes durante la competencia.</p><p>Detrás de gran parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, tatuador mexicano oriundo de Aguascalientes y artista principal de Flowers Tattoo Studio, ubicado en Plaza Arcos Campestre. Reconocido por sus trabajos de gran nivel técnico, el artista construyó una identidad basada en el realismo, los retratos y composiciones de alto nivel de detalle, convirtiéndose en uno de los nombres más destacados de la escena del tatuaje en México.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DUbnCICD-af/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DUbnCICD-af/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Entre las piezas que Edd Flores realizó para Jorge Sánchez se destacan distintos tatuajes de estilo hiperrealista, donde el defensor mexicano decidió inmortalizar a sus hijos y a su esposa mediante retratos de gran nivel.</p><p>Pero más allá de haber encontrado en Jorge Sánchez uno de sus clientes más reconocidos, el vínculo con el futbolista mexicano representa apenas una parte de una trayectoria que lo llevó a consolidarse como uno de los artistas más reconocidos de Aguascalientes y del panorama del tatuaje realista en el país.</p><h2>El estilo de Edd Flores: retratos hiperrealistas y una identidad marcada por el detalle</h2><p>Más allá de su trabajo junto a Jorge Sánchez, Edd Flores construyó una identidad artística que lo posicionó como uno de los referentes del tatuaje realista en México. Su portfolio reúne piezas de gran formato donde el nivel de detalle se convierte en el principal protagonista, con composiciones que buscan trasladar fotografías, emociones y escenas completas a la piel de cada cliente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DMiivRUx6Mn/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DMiivRUx6Mn/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Dentro de sus diseños aparecen retratos de familiares, figuras religiosas como Jesucristo y distintas advocaciones de la Virgen, animales como leones y rinocerontes, además de personajes de la cultura pop como Spider-Man y Buzz Lightyear. A ese abanico de temáticas se suman composiciones con elementos naturales, símbolos y piezas personalizadas, todas atravesadas por un marcado trabajo de luces, sombras y texturas que potencian el efecto tridimensional de cada tatuaje.</p><p>Si bien el blanco y negro ocupa un lugar central en buena parte de sus obras, el artista también incorpora color en distintas piezas para reforzar el impacto visual de los diseños. El resultado es una galería donde el hiperrealismo convive con composiciones de gran complejidad técnica, una combinación que terminó convirtiendo a Edd Flores en uno de los tatuadores más destacados de Aguascalientes y en una referencia para quienes buscan obras de alto nivel artístico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7dd9bbe0fe.png" alt=""><figcaption>Diseño de Edd Flores (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure><p>El trabajo de Edd Flores demuestra cómo el tatuaje también encontró un espacio dentro del fútbol moderno. En una Copa del Mundo donde la moda, las colaboraciones y la estética ocuparon un rol protagónico, artistas como el mexicano dejaron en claro que detrás de cada pieza también existe una historia, una identidad y un autor que muchas veces permanece fuera del foco, pero cuya huella termina acompañando a algunas de las grandes figuras del deporte.</p>

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Conocé a Edd Flores, el tatuador detrás de los impactantes diseños de Jorge Sánchez

<p>El Mundial de México, Estados Unidos y Canadá ya comenzó a dejar huella fuera de la cancha. Entre camisetas, colaboraciones y cápsulas especiales, BAPE y KidSuper sobresalieron con una propuesta que toma a las 48 selecciones del torneo como punto de partida para una colección de sneakers que conecta fútbol, moda y cultura urbana.</p><h2>48 selecciones, 48 zapatillas: así es la colección de BAPE y KidSuper inspirada en la Copa del Mundo</h2><p>No hay dudas de que el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá ya se convirtió en una edición histórica, y eso que tan solo se ha disputado un tercio de la competencia. No solo por el hecho de ser la primera Copa del Mundo con 48 selecciones participantes, sino también porque el fenómeno de la moda se transformó en uno de los grandes ejes que atraviesan la competencia, tanto dentro como fuera de la cancha.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bd86576412.png" alt=""><figcaption>El tenis de México de la colección entre BAPE y KidSuper (BAPE).</figcaption></figure><p>Desde el diseño de camisetas e indumentaria deportiva hasta el universo del streetwear, la competencia más importante del fútbol de selecciones abrió la puerta a una serie de colaboraciones entre selecciones y marcas de primer nivel.</p><p>Y los ejemplos sobran: desde el vínculo entre Jordan Brand y la Selección brasileña, pasando por la alianza entre adidas, Thrasher y la Selección argentina hasta casos como Palace con Inglaterra o incluso los archivos de Virgil Abloh en Estados Unidos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_63fceab543.png" alt=""><figcaption>El diseño de los 48 pares de Bapesta de la colección entre BAPE y Kidsuper por el Mundial (Bape).</figcaption></figure><p>Sin embargo, entre todas las propuestas hay una que sobresale por encima del resto. No solo por unir a dos nombres de peso dentro de la moda urbana internacional, sino también por la magnitud de su concepto: en lugar de enfocarse en una única selección o en un puñado de países, la colaboración apuesta por representar a los 48 combinados nacionales que forman parte de la Copa del Mundo. Y sí, estamos hablando de KidSuper x BAPE STA World Cup, una colección que encontró en la excusa perfecta para llevar la Copa del Mundo al terreno de las sneakers.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/gabriela-hearst-la-mente-detras-de-la-imagen-mundialista-de-uruguay/1968"><u><em>Gabriela Hearst, la mente detrás de la imagen mundialista de Uruguay</em></u></a></p><h2>De Argentina a Uzbekistán: una zapatilla para cada país del Mundial</h2><p>La colección encuentra en las Bapesta, la silueta insignia de la firma japonesa, el corazón de toda la propuesta. A partir de este modelo, KidSuper y BAPE construyeron una cápsula integrada por 48 sneakers distintos, uno por cada una de las selecciones que formarán parte de la fase de grupos de la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá.</p><p>Dentro de la colección aparecen desde países con una fuerte tradición mundialista y campeones del torneo como Argentina, Brasil, España, Francia y Uruguay hasta selecciones debutantes en la competencia como Cabo Verde, Curazao, Jordania y Uzbekistán. Una colaboración que no solo se apoya en las potencias históricas del fútbol, sino que también abraza el espíritu global y colectivo de la Copa del Mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6bccb10023.png" alt=""><figcaption>Algunos de los sneakers de la colección entre BAPE y KidSuper (House of Heat).</figcaption></figure><p>En el plano estético, cada par presenta la clásica parte superior de charol de las Bapesta intervenida con los colores de la bandera de la selección a la que representa. A eso se suma el logotipo del ojo de KidSuper ubicado en el centro de la estrella característica de BAPE sobre los laterales, mientras que en distintas zonas del diseño también aparecen el nombre y las siglas de cada combinado nacional, reforzando la identidad de cada país dentro de una colección que convierte al Mundial en una misma narrativa de streetwear.</p>

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La colección de BAPE y KidSuper que transforma el Mundial en 48 pares de sneakers

<p>Con el anuncio del calendario de una nueva temporada de Red Bull Batalla y, seguramente, la llegada de futuras citas que marcarán el ritmo del calendario de la escena hispanohablante, desde Street Art Latam te traemos todos los conceptos técnicos que sí o sí tenés que conocer antes de ver una competencia de freestyle.</p><h2>Conceptos técnicos de la improvisación</h2><p>Más allá de la creatividad, el freestyle cuenta con herramientas y recursos técnicos que los MCs utilizan para construir sus rimas y generar impacto durante una batalla.</p><ul><li>Punchline: remate de una rima diseñado para generar impacto en el rival, el público o los jueces.</li></ul><ul><li>Métrica: forma en que un MC organiza las sílabas y tiempos de sus rimas para adaptarse al beat.</li></ul><ul><li>Calambur: juego de palabras que modifica el significado de una frase mediante la combinación o separación de sílabas.</li></ul><ul><li>Flow: capacidad de adaptarse al ritmo instrumental manteniendo fluidez y musicalidad.</li></ul><ul><li>Patrón: secuencia de rimas construida con una misma estructura métrica.</li></ul><ul><li>Doble tempo: técnica que consiste en rapear a una velocidad superior a la base.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b254467778.png" alt=""><figcaption>Rapder y Skone batallando cara a cara en Escena Capital (Instagram/Rapder).</figcaption></figure><h2>Términos utilizados en las competencias</h2><p>Además de los recursos técnicos, las batallas cuentan con formatos y reglas específicas que dieron origen a conceptos propios de la competencia.</p><ul><li>Réplica: desempate que ocurre cuando los jueces consideran que no hubo un ganador claro.</li></ul><ul><li>Respuesta: contestación inmediata a algo dicho por el oponente.</li></ul><ul><li>Easy Mode: formato donde los competidores reciben palabras relativamente sencillas para improvisar.</li></ul><ul><li>Hard mode: modalidad con restricciones mayores y palabras más complejas.</li></ul><ul><li>Minuto libre: instancia donde el MC puede rapear sin condicionantes ni palabras obligatorias.</li></ul><ul><li>Sangre: ronda centrada en el ataque directo.</li></ul><ul><li>4x4: intercambio de cuatro compases por participante.</li></ul><ul><li>8x8: intercambio de ocho compases por participante.</li></ul><ul><li>Temática: modalidad donde los participantes deben improvisar sobre un tema determinado.</li></ul><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/las-batallas-mas-vistas-en-la-historia-de-batalla-de-maestros/1778"><u><em>Las batallas más vistas en la historia de Batalla de Maestros</em></u></a></p><h2>La jerga más utilizada dentro de la escena</h2><p>Como ocurre en cualquier movimiento cultural, el freestyle también desarrolló expresiones y términos propios que forman parte del día a día de sus protagonistas.</p><ul><li>MC: se utiliza para referirse a los freestylers o raperos.</li></ul><ul><li>Beat: base instrumental sobre la que improvisan los competidores.</li></ul><ul><li>Host: presentador encargado de conducir una competencia.</li></ul><ul><li>DJ: encargado de la música durante la competencia.</li></ul><ul><li>Barra: cada una de las líneas o frases que forman una rima.</li></ul><ul><li>Cypher: rueda de improvisación entre varios raperos.</li></ul><ul><li>Plaza: espacio público donde suelen reunirse los freestylers para entrenar y competir.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_57c62ef05f.png" alt=""><figcaption>Larrix enfrentándose ante Valles-T en el escenario de Red Bull Batalla (Instagram/Larrix).</figcaption></figure>

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El diccionario del freestyle: los términos que tenés que conocer para entender una batalla

<p>La fiebre por el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá también se trasladó al arte urbano en Brasil. En ciudades como San Pablo y Porto Alegre, figuras como Neymar, Vinicius Júnior, Alisson, Endrick y Ronaldinho fueron homenajeadas artísticamente con murales gigantes creados por artistas locales y pensados como una celebración visual del presente y la historia del combinado pentacampeón del mundo.</p><h2>El Mundial también se pintó en las calles de Brasil</h2><p>La llegada de una nueva edición de la Copa del Mundo no solo paralizó a la población futbolera de todo el mundo, sino que también volvió a desbordar los límites del juego para instalarse en otros universos como la gastronomía, los videojuegos, la moda y, en este caso, el arte urbano.</p><p>Y en Brasil, el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá encontró su lugar en la escena del muralismo con una serie de intervenciones gigantescas que comenzaron a captar la atención tanto del circuito local como del continental.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ5YVGJxqmV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ5YVGJxqmV/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En ciudades y municipios del país, como Porto Alegre y San Pablo, distintos muralistas brasileños trasladaron la pasión mundialista al espacio público con obras de gran formato dedicadas a figuras del actual plantel de la selección brasileña y a leyendas que marcaron la historia del Scratch.</p><h2>Neymar, Vinícius Júnior, Alisson, Endrick y Ronaldinho, las figuras homenajeadas en las calles brasileñasa</h2><p>Entre los nombres detrás de estas intervenciones aparecen artistas como Rafael Jung, Nosg, Bart, Chimia, Joca y Jefferson, quienes sorprendieron con obras de casi 200 metros de longitud pensadas para convertir el espacio público en una referencia visual del entusiasmo que despierta el Mundial.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f1e6466bc5.png" alt=""><figcaption>El muralista Joacaz Art realizando uno de los murales mundialistas en las calles de Brasil (Instagram/Joacaz Art).</figcaption></figure><p>A lo largo de los murales se pueden ver distintas figuras vinculadas al seleccionado brasileño, con escenas que recuperan tanto el presente como la historia del equipo.</p><p>Las obras incluyen imágenes de Neymar dominando la pelota, Vinícius Júnior en pleno festejo de gol, Alisson con la mirada fija al frente y Endrick retratado en distintas acciones de juego. A ese repertorio también se suma Ronaldinho, homenajeado con la Copa del Mundo conseguida por Brasil en Corea-Japón 2002, en una intervención que conecta a la generación actual con uno de los íconos más recordados de la historia del fútbol brasileño.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZc0vtfx6hG/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZc0vtfx6hG/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En un contexto en el que el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá desborda lo estrictamente futbolístico para instalarse en la moda, la música y el arte urbano, estas intervenciones brasileñas también funcionan como una muestra del lugar que ocupa la Copa del Mundo en el imaginario popular. A través de murales de gran escala dedicados a figuras del presente y del pasado del scratch, el muralismo local volvió a convertir el espacio público en una postal de la pasión mundialista.</p>

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Los gigantescos murales mundialistas de Neymar, Ronaldinho y Vinícius que decoran las calles de Brasil

<p>En medio del crecimiento de la calistenia en Argentina y Latinoamérica, Axel Dubin se convirtió en uno de los principales divulgadores de la disciplina, combinando entrenamiento, educación y contenido digital para miles de personas.</p><h2>Conocé a Axel Dubin, el emblema argentino de la calistenia</h2><p>Las redes sociales se han convertido en el escenario ideal para que cualquier persona construya su propio universo digital. Desde la gastronomía y el turismo, pasando por los videojuegos, la moda y, por supuesto, el deporte, internet permitió que distintas disciplinas encontraran comunidades propias y nuevos referentes. Incluso aquellas prácticas que durante años ocuparon un lugar de nicho lograron expandirse y conquistar a millones de personas alrededor del mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_135bf91792.png" alt=""><figcaption>Axel Dubin haciendo calistenia en Puerto Madero (Instagram/Axel Dubin).</figcaption></figure><p>Uno de esos casos es el de la calistenia, disciplina que en los últimos años experimentó un enorme crecimiento tanto en Argentina como en Latinoamérica, impulsada por la búsqueda de entrenamientos al aire libre y el auge del contenido fitness en plataformas digitales. Y si hay que hablar de uno de los grandes referentes argentinos de este movimiento, el nombre de Axel Dubin aparece prácticamente de manera obligatoria.</p><p>Con casi una década de trayectoria, más de 1.500 alumnos formados y una comunidad que supera los 250.000 seguidores en redes sociales, Axel Dubin se consolidó como uno de los principales emblemas digitales de la calistenia argentina.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/como-meterte-en-el-mundo-de-la-calistenia-desde-cero/962"><u><em>¿Cómo meterte en el mundo de la calistenia desde cero?</em></u></a></p><p>Sus videos entrenando en plazas y parques, corrigiendo técnicas, enseñando ejercicios y compartiendo distintos desafíos físicos acumulan cientos de miles de reproducciones y lo posicionaron como una de las caras más reconocidas de la disciplina en el país.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYCcLGXxqIm/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYCcLGXxqIm/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, su impacto va mucho más allá de las redes sociales. A lo largo de los años, Axel Dubin construyó una propuesta integral alrededor de la calistenia, combinando la creación de contenido con la enseñanza y la formación profesional. Cursos para instructores, entrenamientos personalizados con seguimiento, programas específicos, guías de nutrición y distintos proyectos educativos forman parte de una carrera que lo convirtió en uno de los nombres más importantes del universo de la calistenia en Argentina.</p><h2>Los cursos y programas de Axel Dubin para aprender calistenia</h2><p>Más allá de haber construido su propio nombre dentro de la calistenia y convertirse en uno de los principales referentes argentinos tanto en redes sociales como fuera de ellas, el trabajo de Axel Dubin va mucho más allá de la creación de contenido.</p><p>Aunque internet se convirtió en una de las grandes plataformas para expandir su figura, el corazón de su proyecto está puesto en la enseñanza y en la formación de nuevas generaciones de atletas y entrenadores.</p><p>Lejos de limitarse a los entrenamientos personalizados, Axel Dubin desarrolló una plataforma integral dedicada a la calistenia, con distintas propuestas adaptadas a todos los niveles y objetivos:</p><ul><li><strong>Curso de Instructor de Calistenia</strong>, con certificación incluida y formación profesional.</li></ul><ul><li><strong>Coaching VIP, </strong>con entrenamientos personalizados y seguimiento profesional.</li></ul><ul><li><strong>E-books y guías de entrenamiento y nutrición</strong>, pensados para complementar el aprendizaje.</li></ul><ul><li><strong>Cursos específicos</strong>, dedicados a habilidades como Planche, Handstand, One Arm Handstand, Muscle Up, Front Lever, flexiones en vertical y fundamentos técnicos de la disciplina.</li></ul><ul><li><strong>Programas estructurados</strong>, diseñados para distintos niveles de experiencia y objetivos deportivos.</li></ul><ul><li><strong>Programas de creación de contenido y marca personal</strong>, orientados a quienes buscan desarrollarse profesionalmente dentro del mundo fitness.</li></ul><ul><li><strong>Retos y desafíos para principiantes</strong>, creados para quienes desean iniciarse en el universo de la calistenia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_216fbf8ff7.png" alt=""><figcaption>Axel Dubin haciendo calistenia en las calles de Buenos Aires (Instagram/Axel Dubin).</figcaption></figure><p>De esta manera, el universo de Axel Dubin trasciende su propio recorrido como atleta e instructor. A través de sus cursos, programas y propuestas educativas, el argentino logró construir una comunidad que comparte una misma pasión y un objetivo en común: difundir la calistenia y acercar la disciplina a cada vez más personas, sin importar su edad o nivel de experiencia.</p><h2>Axel Dubin en redes sociales: cómo enseña calistenia a miles de personas</h2><p>Más allá de su trayectoria como instructor y referente de la calistenia, Axel Dubin encontró en las redes sociales una herramienta ideal para acercar la disciplina a miles de personas. Con una comunidad que supera los 250.000 seguidores, el argentino convirtió plataformas como Instagram en una especie de aula virtual, donde comparte entrenamientos, ejercicios y distintas situaciones de su día a día como entrenador.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXaaKWVkSGM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXaaKWVkSGM/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero el éxito de su contenido va mucho más allá del entretenimiento. Gran parte de sus publicaciones muestran el progreso de sus alumnos, corrigen errores técnicos frecuentes y explican de manera sencilla cómo ejecutar distintos movimientos de la calistenia, permitiendo que tanto sus estudiantes como cualquier persona que siga sus videos pueda aprender, perfeccionar su técnica y aplicar esos conocimientos en sus propios entrenamientos.</p><p>De esta manera, Axel Dubin logró trasladar la enseñanza de la calistenia desde los parques y gimnasios hacia el universo digital, consolidándose como uno de los principales divulgadores argentinos de la disciplina.</p>

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¿Quién es Axel Dubin, el referente argentino que impulsa la calistenia?

<p>En medio de la ola de colaboraciones que unieron a la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, Willy Chavarría presentó junto a adidas “Comienza con el Sueño”, una colección inspirada en el fútbol, la identidad mexicana y el lenguaje del streetwear.</p><p>Sin embargo, la propuesta no se quedó únicamente en el terreno futbolero y terminó ganando visibilidad en el vestuario de figuras latinas como Kenia OS, Peso Pluma y J Balvin.</p><h2>Moda, fútbol y cultura latina: el corazón de “Comienza con el Sueño”, la colección de Willy Chavarría junto a adidas</h2><p>Dentro de la ensalada de colaboraciones que han unido a la industria de la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, hay una que logró destacarse por encima del resto. Se trata de “Comienza con el Sueño”, la colección lanzada por adidas junto al diseñador Willy Chavarría, una propuesta que encuentra en el fútbol, la identidad mexicana y la alta costura del streetwear los pilares de toda su narrativa.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36e79c396a.png" alt=""><figcaption>La estética de la colección entre Willy Chavarría y adidas (Instagram/Willy Chavarría).</figcaption></figure><p>Nacido en Fresno y criado en el Valle de San Joaquín, en California, Chavarría trasladó a la cápsula algunos de los rasgos más característicos de su universo creativo: siluetas oversize, sastrería de alto impacto y una fuerte conexión con la cultura latina.</p><p>Uno de los grandes focos de la colección está puesto en la indumentaria. Entre las prendas más llamativas aparece una camiseta de cuello tipo polo en tonos verde, amarillo y rosa que funciona como una reinterpretación de la icónica casaca que vistió Jorge Campos durante el Mundial de Estados Unidos 1994. A eso se suman chándales y shorts con las inscripciones “México” y “Chavarría”, además de gorras, blazers, pantalones y camisas abotonadas confeccionadas bajo la estética habitual del diseñador, con bordados y el eslogan “Comienza con el Sueño” impreso sobre distintas piezas de la colección.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZaGjh1IJtH/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZaGjh1IJtH/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En ese marco también aparecen piezas como los modelos Willy Mega Low y los Megaride AG XL, dos variantes de calzado que combinan proporciones urbanas con guiños a los botines de fútbol tradicionales y a la estética del Mundial.</p><h2>La huella de Willy Chavarría en el vestuario de Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin</h2><p>Sin embargo, “Comienza con el Sueño” no solo se consolidó como una de las propuestas más llamativas dentro del cruce entre la Copa del Mundo y la moda urbana, sino que también logró instalarse en el vestuario de algunas de las figuras más importantes de la música latina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f79c62f8af.png" alt=""><figcaption>Kenia OS como cara de la colección de Willy Chavarría x adidas (Instagram/Kenia OS).</figcaption></figure><p>Nombres como Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin fueron vistos con prendas vinculadas al universo creativo de Willy Chavarría, reforzando el alcance cultural de una colección que trascendió el terreno estrictamente futbolero.</p><p>En ese recorrido, una de las figuras más ligadas a la propuesta fue Kenia OS, quien apareció como una de las caras visibles de la colección y formó parte de distintas sesiones fotográficas vinculadas a su presentación. A su lado también apareció Peso Pluma, otro de los artistas que ayudó a potenciar la visibilidad de la cápsula y que incluso fue visto durante el NBA All-Star Weekend con prendas de la colaboración entre adidas y el diseñador nacido en Fresno.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b1817cff9.png" alt=""><figcaption>Los diseños de Willy Chavarría en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá vestidos por J Balvin (Getty Images).</figcaption></figure><p>A esa lista se suma J Balvin, aunque en su caso el vínculo no se dio de manera directa con “Comienza con el Sueño”, sino con el propio Willy Chavarría. El colombiano fue uno de los protagonistas de la apertura musical de la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá en el Estadio Azteca, donde lució un vestuario diseñado exclusivamente por el creador estadounidense de raíces mexicanas. Un detalle que no pasa inadvertido si se tiene en cuenta la histórica cercanía de J Balvin con Nike: que el artista haya dejado de lado, al menos por un momento, ese universo para vestir una propuesta de Chavarría también funciona como una muestra del peso que el diseñador ha ganado dentro de la moda y la cultura pop latina.</p>

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De Peso Pluma a J Balvin: así llegó Willy Chavarría al vestuario de las figuras latinas

<p>La huella de Cucho Hernández ya no solo se siente dentro de la cancha. En pleno Mundial de México, Estados Unidos y Canadá, la ciudad de Pereira presentó una intervención artística dedicada al delantero colombiano con una obra que combina fútbol, identidad y arte urbano.</p><h2>Así es el mural de Cucho Hernández que ya se convirtió en un nuevo ícono de Pereira</h2><p>El Mundial de México, Estados Unidos y Canadá no solo conquistó escenarios como el deporte, la moda o las redes sociales, sino que también dejó su huella en el universo del arte urbano. A lo largo de la competencia, distintos murales comenzaron a aparecer en ciudades de los países participantes para homenajear a futbolistas, selecciones y momentos históricos de la competencia más importante a nivel de combinados nacionales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a437cf9db5.png" alt=""><figcaption>El detalle del mural en homenaje a Cucho Hernández en Pereira (La Ferro).</figcaption></figure><p>Y en Colombia –uno de los sietes países latinoamericanos que consiguieron su boleto para la Copa del Mundo– la ciudad de Pereira, epicentro del arte urbano nacional a lo largo y ancho del territorio, sumó una nueva obra dedicada a uno de sus máximos referentes deportivos: Cucho Hernández, delantero del Real Betis e integrante de la convocatoria de la Selección colombiana para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá.</p><p>Realizado por Artista Trujillo, el mural retrata al atacante vistiendo la camiseta de la Selección colombiana mientras sostiene el escudo nacional con una de sus manos, acompañado por una gran bandera de Colombia como fondo. La intervención busca rendir homenaje al futbolista surgido en Pereira, que hoy representa a la ciudad en la máxima cita del fútbol de selecciones nacionales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ-onA_tE9i/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ-onA_tE9i/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con esta intervención, Pereira vuelve a consolidar su identidad como una ciudad profundamente vinculada al arte urbano. El mural de Cucho Hernández ya se convirtió en un nuevo punto de encuentro para hinchas, vecinos y turistas que recorren la capital risaraldense durante la Copa del Mundo.</p>

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El mural que celebra la huella de Cucho Hernández en el Mundial

<p>No hay dudas de que la actual Copa del Mundo ya dejó imágenes imborrables: los récords de Lionel Messi, las sorpresas protagonizadas por selecciones como Cabo Verde y Curazao y los goles espectaculares de figuras como Erling Haaland y Kylian Mbappé.</p><p>Sin embargo, en esta edición disputada en Estados Unidos, México y Canadá, otro protagonista también logró captar la atención de los fanáticos: los nuevos botines presentados por Nike, adidas y PUMA.</p><p>En ese contexto, Street Art Latam conversó con Marcelo de Wilde, más conocido como Marcelo Botines, uno de los coleccionistas de calzado futbolístico más reconocidos de Argentina. Con más de 400 pares en su colección, repasó el origen de su pasión, la evolución de los botines a lo largo de los años y analizó las últimas innovaciones presentadas por las principales marcas deportivas.</p><h2>Marcelo Botines, el coleccionista argentino que construyó un museo del calzado futbolístico</h2><p>En cada Copa del Mundo hay un detalle que, además del juego, también capta la atención de millones de fanáticos: los botines que utilizan figuras de la talla de Lionel Messi, Neymar Júnior, Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé o Erling Haaland.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b494acac16.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines dando una conferencia en el evento Kicks and Fest (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Y en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá no es la excepción, con marcas como Nike, Adidas y Puma marcando el pulso del calzado de las grandes estrellas del fútbol internacional.</p><p>Dentro de ese universo aparece Marcelo de Wilde, más conocido en redes sociales como Marcelo Botines, uno de los especialistas más reconocidos de Latinoamérica en materia de calzado futbolístico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una colección de más de 400 pares en impecables condiciones y base en el barrio porteño de Mataderos, el creador de contenido construyó un archivo que reúne desde modelos históricos hasta piezas utilizadas por leyendas como Diego Maradona, Lionel Messi o Sergio Agüero. Junto a su socio Gonzalo Rodríguez, también atesora ediciones limitadas, botines firmados por figuras como Luis Figo, Enzo Fernández y Sergio Goycochea, además de trabajar de cerca con marcas de primer nivel para mostrar lanzamientos, tecnologías y novedades del universo botinero.</p><h2>David Beckham y el par que dio vida a Marcelo Botines</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes especialistas en botines de Latinoamérica y construir una colección con más de 400 pares, Marcelo de Wilde ya arrastraba desde la infancia una fascinación por el calzado deportivo: “<em>Mi pasión por coleccionar botines viene desde chico, que yo tenía muy en claro que me gustaban las zapatillas. En cada local que vendían zapatillas, me paraba a ver que modelo había: siempre buscaba una que me sea cómoda para jugar a la pelota, que la silueta me guste, porque antes solo podíamos comprar un solo calzado y lo teníamos para todo. No había poder económico como para tener un par para la escuela y otro para jugar a la pelota: era uno para todo</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b30d953ffc.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines enseñando calzado deportivo de la marca Skechers (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Lo que comenzó como un fanatismo por las zapatillas terminó transformándose en una pasión absoluta por los botines, una obsesión que años más tarde encontraría su punto de partida en una pieza muy especial. Y fue en el año 2017, cuando Marcelo adquirió un botín de David Beckham, par que abriría la puerta y daría comienzo al personaje de Marcelo Botines.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/del-vestuario-a-la-tribuna-asi-conquisto-el-streetwear-la-copa-del-mundo/1000217"><u><em>Del vestuario a la tribuna: así conquistó el streetwear la Copa del Mundo</em></u></a></p><h2>La evolución del botín a lo largo de los Mundiales</h2><p>A lo largo de las distintas ediciones de la Copa del Mundo, el calzado deportivo atravesó una transformación constante, no solo desde lo estético, sino también en términos de tecnología, materiales y diseño. En ese recorrido, Marcelo Botines tiene en claro cuál fue una de las irrupciones más importantes en la historia reciente del fútbol y los botines.</p><p>“<em>Las evoluciones más interesantes que tuvimos a lo largo de las Copas del Mundo para mí, luego de pasar todo lo que fue la década del 50, 60 y 70, cuando llegó el Mundial de Estados Unidos 1994, que la marca adidas irrumpe con los Predator y un elemento por encima de la capellada para darle más contacto a la pelota, efecto y un poco más de poder, hay un cambio muy grande</em>”, cuenta Marcelo sobre la que, para él, marcó un antes y un después en el calzado deportivo en Copas del Mundo.</p><p>Sin embargo, dentro de ese repaso histórico, el coleccionista argentino también destaca otros hitos que modificaron la escena, como la irrupción de los botines tipo botita de Nike durante Brasil 2014 o el nacimiento de la línea Mercurial en Francia 1998, torneo en el que Ronaldo Nazário protagonizó además uno de los primeros grandes modelos signature pensados para una estrella del fútbol mundial.</p><p>Aunque Marcelo también reconoce una evolución en cuanto a las cantidades y las variantes de cada marca: “<em>El fútbol tuvo una evolución muy grande y así también los botines. Antes había un botín de cada marca y, ahora, tenemos tres o cuatro silos diferentes dentro de cada marca específicos para las posiciones del campo de juego según la velocidad, la técnica y el estilo</em>”.</p><h2>La visión sobre los diseños de Nike, adidas y PUMA para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá</h2><p>Como bien mencionamos al inicio, marcas como Nike, adidas y PUMA han dejado una huella casi que imborrable en el diseño del calzado deportivo que sus estrellas utilizaran en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, esta vez con el color rosa como tonalidad protagónica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>Para este Mundial, no vemos ninguna tecnología que sea diferente o disruptiva a lo que ya veníamos viendo. Por el lado de Nike, tenemos una cápsula de aire en la placa de la suela y sus otros hilos totalmente idénticos. Desaparece la botita y vuelve a aparecer el Mercurial en todas sus versiones. Por su parte, adidas viene trabajando con los botines de antes (F50, Predator, Copa) y el botín especial para Lionel Messi llamado “El último tango”. PUMA tiene sus hilos Future, Ultra y King sin menciones especiales para algunos de sus jugadores</em>”, comenta el coleccionista sobre la huella de las principales marcas en la presente edición del Mundial.</p>

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Marcelo Botines y una vida dedicada a coleccionar historias del fútbol

<p>Seguir el ritmo del género urbano no es tarea sencilla. Entre lanzamientos, colaboraciones, anuncios de giras y movimientos constantes dentro de la industria, mantenerse actualizado requiere estar atento todo el tiempo, y para eso existe ElBoyGénero, uno de los principales referentes informativos del género urbano en redes sociales.</p><h2>El argentino que informa el día a día del género urbano: ElBoyGénero</h2><p>Uno de los movimientos culturales más importantes de Latinoamérica y que más masas moviliza dentro de las redes sociales es, sin lugar a dudas, el género urbano.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7509233304739056901" data-video-id="7509233304739056901" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7509233304739056901" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde lanzamientos de canciones y álbumes hasta anuncios de giras, colaboraciones inesperadas o récords de reproducciones, las novedades del movimiento mantienen la atención de millones de fanáticos en todo el continente.</p><p>Y alrededor de artistas, discos y lanzamientos no solo surgen nuevos talentos que alimentan la escena, sino también creadores de contenido especializados en seguir cada paso de la industria. Así como hay quienes dedican sus plataformas a la actualidad deportiva, la moda o la política, también existen perfiles enfocados exclusivamente en el universo urbano, y uno de los nombres que mejor representa este fenómeno es ElBoyGénero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4600a55609.png" alt=""><figcaption>ElBoyGénero en el Buenos Aires Trap (Instagram/ElBoyGénero).</figcaption></figure><h2>ElBoyGénero y las redes sociales: el noticiero del género urbano</h2><p>Con más de 150 mil seguidores en redes sociales y una comunidad que acompaña cada una de sus publicaciones, el argentino se consolidó como uno de los principales referentes digitales del género urbano en habla hispana. A través de un contenido que funciona como un verdadero noticiero especializado, ElBoyGénero se convirtió en uno de los “referentes periodísticos” de la industria musical latinoamericana en redes: noticias sobre los principales artistas del momento, lanzamientos de canciones, colaboraciones, álbumes, anuncios de giras y todo aquello que impacta en la escena.</p><h2>El contenido de ElBoyGénero: debates, rankings y desafíos musicales</h2><p>Pero su propuesta va mucho más allá de la actualidad. También construyó una identidad propia mediante desafíos, rankings, debates entre artistas, repasos históricos de discos, canciones y colaboraciones que marcaron distintas épocas del movimiento, transformando sus redes en un punto de encuentro para fanáticos de todas las generaciones.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7512965044330630405" data-video-id="7512965044330630405" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7512965044330630405" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Su crecimiento dentro de la comunidad urbana también quedó reflejado en colaboraciones junto a figuras como Álvaro Díaz y Darell, con quienes realizó contenidos especiales que refuerzan su cercanía con algunos de los nombres más importantes de la escena. Hoy, ElBoyGénero no solo informa sobre lo que ocurre dentro del movimiento, sino que se convirtió en una referencia para quienes buscan estar al día con cada novedad del género urbano.</p>

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El noticiero del género urbano tiene acento argentino

<p>A meses del estreno de Toy Story 5, Crocs presentó una nueva colección inspirada en la saga con diseños dedicados a Jessie, los Aliens de Pizza Planet y Jibbitz coleccionables con Woody, Tiro al Blanco y Buzz Lightyear como protagonistas.</p><h2>El regreso de Toy Story al universo de Crocs</h2><p>No hay dudas de que una de las noticias que más resonó dentro de la industria cinematográfica fue el anuncio de Toy Story 5, la quinta entrega de una de las sagas más emblemáticas de la animación, cuya historia pondrá a Woody, Buzz Lightyear, Jessie y compañía frente a un nuevo desafío vinculado a la tecnología. Una noticia que no solo agitó a los fanáticos de la franquicia, sino que también empezó a marcar agenda en el mundo de la moda.</p><p>Con el estreno cada vez más cerca, Crocs presentó una nueva colección inspirada en el universo creado por Pixar: una cápsula que mezcla nostalgia, diseño y piezas pensadas tanto para seguidores de la saga como para coleccionistas a un puñado de meses del estreno de la nueva película. El lanzamiento retoma el cruce entre la firma y Toy Story —tras modelos inspirados en Woody y Buzz lanzados previamente— y amplía ese universo con una propuesta todavía más conceptual.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_977e4c67e6.png" alt=""><figcaption>La vaquera Jessie transformada en Crocs (Crocs).</figcaption></figure><p>En esta nueva colaboración entre Crocs y el universo de Toy Story aparecen las botas de la vaquera Jessie, un modelo basado en los alienígenas de la máquina de garra de Pizza Planet y un set de Jibbitz coleccionables con personajes como Woody, Buzz, Jessie, Tiro al Blanco y los Aliens, diseñados para personalizar los pares y llevar la narrativa de la película al terreno del calzado y los accesorios.</p><p>Una colección que no solo regresa el universo de Toy Story al mundo del calzado tras aquel lanzamiento hace un puñado de años, sino que impacta de lleno en la escena de la moda urbana y el coleccionismo, con piezas que prometen marcar tendencia entre fanáticos, sneakerheads y amantes de las colaboraciones de cultura pop.</p><h2>Jessie, los Aliens y los detalles de la nueva cápsula de Crocs x Toy Story</h2><p>Si hay una pieza llamada a robarse las miradas dentro de la colección, esa es la silueta inspirada en Jessie. Concebida como una reinterpretación western del clásico calzado de Crocs, el modelo toma como referencia directa las icónicas botas de la vaquera y las traslada a una pieza cargada de detalles: base marrón decorativa, estructura superior tipo bota, estampado de vaca en la parte delantera, tela denim en la zona trasera y un cuello rojo con costuras blancas que replica uno de los rasgos más reconocibles del personaje. A eso se suman detalles con el nombre de Jessie en uno de los laterales, reforzando el carácter casi coleccionable del diseño.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_51c4fce546.png" alt=""><figcaption>Los Aliens de Pizza Planet hechos Crocs (Crocs).</figcaption></figure><p>La otra gran protagonista de la cápsula está inspirada en los míticos alienígenas de Pizza Planet y en su inolvidable “¡Oooh, la garra!”. Manteniendo la silueta clásica de las Crocs, este modelo toma a los pequeños aliens verdes como eje conceptual del diseño: sus tres ojos, orejas puntiagudas, antena, sonrisa característica y una paleta en verde, azul y violeta aparecen integradas en distintos sectores del par, mientras que el icónico “Ooooh” se suma como guiño en la parte trasera del talón. Una pieza que lleva uno de los elementos más queridos de Toy Story al terreno del calzado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_edc71a4757.png" alt=""><figcaption>Los Jibbitz coleccionables de la colección Toy Story x Crocs (Crocs).</figcaption></figure><p>La colección además llega acompañada por un set de Jibbitz coleccionables para personalizar cualquier modelo, con pines inspirados en Woody, Buzz Lightyear, Tiro al Blanco, Jessie y los propios alienígenas. Un complemento que termina de expandir una cápsula donde diseño, nostalgia y coleccionismo dialogan en cada detalle.</p>

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