<p>Luego de haber intervenido las calles de Argentina y de rincones más allá de las fronteras como Corea del Sur, Australia y Reino Unido, Martín Ron dejó su primera huella en Mar del Plata, uno de los epicentros locales del muralismo, con una obra tributo a los condimentos que conquistan las playas de la ciudad verano tras verano.</p><h2>Lobos marinos, playa y guardavidas: el primer mural de Martín Ron en Mar del Plata</h2><p>Si el tópico de conversación tiene como foco la escena del muralismo a lo largo y ancho de Argentina, es casi imposible no mencionar el nombre de Martín Ron entre los máximos exponentes del movimiento a nivel nacional así como a Mar del Plata dentro de los rincones con mayor prestigio local. Dos emblemas del muralismo en Argentina que, hasta tan solo unos días, nunca habían generado un vínculo entre sí.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_db14be8f91.png" alt=""><figcaption>Martín Ron junto a su mural en el Torreón del Monje de Mar del Plata (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure><p>Pero esa historia ya terminó. Y es que después de más de quince años de embellecer los espacios urbanos de diversos puntos de Argentina como Miramar, La Pampa y Córdoba y, hasta incluso, haber pintado en destinos internacionales de la talla de Reino Unido, Australia y Corea del Sur, Martín Ron dejó su primera intervención artística en la ciudad de Mar del Plata. Spoiler: no fue ni en la fachada de un edificio o en una popular avenida. El muralista argentino intervino el Torreón del Monje, un edificio emblema e ícono de las playas marplatenses, en el marco de la apertura de una nueva sucursal de la reconocida y prestigiosa heladería Lucciano’s.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_78beb68afe.png" alt=""><figcaption>Los detalles de la intervención de Martín Ron en Mar del Plata (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure><p>“<em>Mi primera obra en Mar del Plata. Hay algo especial en llegar por primera vez a un lugar que ya estaba lleno de imágenes, recuerdos y postales. Y más aún cuando el desafío exige rapidez, precisión y decisión. Durante esos días buceamos en las perlitas de La Feliz y apostamos a componer en vivo este homenaje a la playa, al mar y a quienes hacen de esta ciudad un lugar tan especial</em>”, escribió el muralista argentino en su perfil de Instagram acompañado de postales del proceso de la obra.</p><p>Y el debut de Martín Ron en el muralismo marplatense no podía ser de otra manera que con una intervención repleta de guiños y homenajes a la ciudad balnearia predilecta de Argentina. Realizada en un estilo neoclásico, la obra inmortaliza la esencia de la metrópoli en un cielorraso compuesto por personajes icónicos de “La Feliz”, sobrenombre que recibe la ciudad de Mar del Plata: los vendedores de churros, la gente tomando sol y compartiendo un mate, el Monumento al Lobo Marino ubicado en la Rambla, los guardavidas y la gente que disfruta del mar y pelotas de fútbol e inflables. El universo que colorea las playas marplatenses verano tras verano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b5a86a6dec.png" alt=""><figcaption>El equipo de trabajo detrás del primer mural de Martín Ron en Mar del Plata (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure><p>Más allá del trabajo de Martín Ron, la obra en el Torreón del Monje también contó con la participación de los artistas Mariana Parra, Juan Jiant, Oblvkizmo y Emiliano Mariani, quienes dejaron su huella en la intervención y colaboraron con el muralista.</p>

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Noticias

La primera huella de Martín Ron en Mar del Plata

<p>Si alguna vez viste de cerca el proceso de creación de un mural, probablemente hayas notado algo extraño: antes de pintar, el artista llena la pared de garabatos.</p><p>Y no, no lo hace al azar, sino que es parte de una técnica conocida como <em>doodle grid</em>, que ayuda a trasladar bocetos a gran escala.</p><h2>Doodle grid: por qué los muralistas llenan de garabatos las paredes antes de pintar</h2><p>Es muy probable que, si alguna vez prestaste atención a cómo los artistas realizan sus murales, hayas notado que antes de comenzar con la pintura final suelen llenar la superficie de líneas, formas, letras y garabatos. Y aunque a simple vista pueda parecer algo hecho al azar, en realidad se trata de una técnica utilizada para trasladar un boceto a gran escala con mayor precisión.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e0bb6afe05.png" alt=""><figcaption>Doodle grid hecho por Martín Ron (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure><p>Conocida como <em>doodle grid</em> o cuadrícula de garabatos, esta técnica funciona como una especie de mapa visual sobre la pared. El artista cubre previamente la superficie con diferentes referencias, generalmente utilizando un color claro o spray, para después utilizarlas como puntos de orientación mientras reproduce el diseño a mano alzada.</p><p>A diferencia de una cuadrícula geométrica tradicional, donde la pared se divide en cuadrados para mantener las proporciones, el <em>doodle grid </em>propone una referencia mucho más intuitiva y dinámica. Los garabatos permiten ubicar elementos, calcular proporciones y trasladar partes complejas del boceto sin necesidad de recurrir necesariamente a un proyector.</p><p>Además, esta técnica resulta especialmente útil cuando se trabaja sobre superficies de gran tamaño o en espacios exteriores donde las condiciones de luz pueden dificultar el uso de proyectores. Una vez que comienza la pintura definitiva, las líneas y formas utilizadas como referencia quedan completamente cubiertas, haciendo que desaparezca ese particular “mapa” que permitió construir el mural.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>De esta manera, lo que para cualquier persona puede parecer una pared llena de garabatos sin sentido funciona en realidad como una herramienta de planificación: una manera más rápida, flexible e intuitiva de conservar las proporciones y trasladar un diseño desde un boceto pequeño hasta una obra de grandes dimensiones.</p>

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La razón por la que los muralistas hacen garabatos antes de pintar sus obras

<p>Charly García volvió a dejar su huella en las calles porteñas. En la terraza de la emblemática esquina de Corrientes y Callao, el muralista Martín Ron inauguró un homenaje de casi 200 metros cuadrados inspirado en la icónica portada de “Clics Modernos”, convirtiendo a la obra en uno de los nuevos puntos culturales de Buenos Aires.</p><h2>Charly García ya tiene un nuevo homenaje gigante en las calles de Buenos Aires</h2><p>Hablar del rock argentino es, casi de manera inevitable, hablar de Charly García. Canciones como “Demoliendo hoteles”, “Nos siguen pegando abajo”, “Los dinosaurios” o “No voy en tren”, discos que marcaron generaciones y conciertos que quedaron grabados para siempre en la memoria colectiva transformaron al músico en una de las figuras más importantes de la historia cultural del país.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1684e012ba.png" alt=""><figcaption>Vista del mural en homenaje a Charly García hecho por Martín Ron en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure><p>Y en los últimos días, el legado del artista volvió a dejar su huella en la Ciudad de Buenos Aires con la inauguración de un gigantesco mural realizado por Martín Ron, uno de los muralistas más reconocidos del mundo.</p><p>La tradicional disquería y librería Zivals, ubicada en la emblemática esquina de las avenidas Corrientes y Callao, decidió celebrar un nuevo aniversario convocando al artista argentino para crear una intervención dedicada a Charly García: el resultado fue &quot;Modern Streets&quot;, un mural de casi 200 metros cuadrados emplazado sobre la terraza del histórico local.</p><p>La obra toma como inspiración la icónica portada de “Clics Modernos”, el álbum que Charly lanzó en 1983, reinterpretando aquella histórica fotografía tomada en Nueva York. Sin embargo, la versión creada por Martín Ron traslada el espíritu de aquella imagen a Buenos Aires, incorporando escenas y elementos característicos del paisaje urbano porteño, en un diálogo entre las dos ciudades que marcaron la historia del músico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZDra5Gh6vC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZDra5Gh6vC/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto contó además con la participación de los artistas Mariana Parra, OBLVKIZMO y Emiliano Mariani, quienes acompañaron el proceso creativo de una de las intervenciones urbanas más importantes inauguradas recientemente en la capital argentina.</p><p>&quot;<em>Gracias a todos los que pasaron, miraron, tocaron bocina, frenaron un rato o compartieron una charla durante estos días de pintura. La calle y todo lo que allí sucede también forma parte importante de la obra</em>&quot;, escribió Martín Ron en sus redes sociales.</p><p>El propio muralista explicó que la intención fue trasladar a la pared esa mezcla de ciudad, modernidad, arte callejero y sensibilidad que Charly García convirtió en una marca registrada de su carrera, uniendo la Nueva York de los años 80 con una Buenos Aires que sigue respirando cultura en cada una de sus esquinas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce0cacbd62.png" alt=""><figcaption>Martín Ron sentado junto a su homenaje a Charly García (Martín Ron).</figcaption></figure><p>Con su inauguración, “Modern Streets” no solo se suma al extenso catálogo de obras de Martín Ron, sino que también se convierte en uno de los homenajes urbanos más importantes dedicados a Charly García y en una nueva parada obligada para fanáticos del rock argentino y del arte urbano en la Ciudad de Buenos Aires.</p><h2>¿Quién es Martín Ron, el artista detrás del mural de Charly García?</h2><p>Más allá de encontrarse en boca de todos por ser el responsable del nuevo mural en homenaje a Charly García en el corazón de Buenos Aires, Martín Ron cuenta con el privilegio de ser uno de los máximos referentes del muralismo argentino y uno de los artistas urbanos más reconocidos a nivel internacional.</p><p>Con más de 400 obras realizadas a lo largo de su trayectoria, el muralista bonaerense dejó su huella no solo en distintos rincones de Argentina, sino también en ciudades de renombre mundial como Miami, Londres, Berlín, Bristol y Tenerife, consolidándose como uno de los grandes embajadores del arte urbano nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ec7523e709.png" alt=""><figcaption>Martín Ron, el muralista detrás del homenaje artístico a Charly García en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure><p>Su currículum artístico incluye intervenciones gigantes dedicadas a algunas de las figuras más importantes de la cultura y la historia argentina, con murales en homenaje a Diego Armando Maradona, Lionel Messi y el Papa Francisco, entre muchos otros personajes icónicos.</p><p>Ahora, con “Modern Streets”, Martín Ron suma una nueva obra a su extenso legado artístico y vuelve a demostrar por qué es considerado uno de los grandes nombres del muralismo contemporáneo, transformando una de las esquinas más emblemáticas de Buenos Aires en un nuevo homenaje a la figura y el legado de Charly García.</p>

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Así es el mural de Charly García que transforma una de las esquinas más icónicas de Buenos Aires

<p>A pocos días del inicio de una nueva Copa del Mundo, Argentina vuelve a rendirse ante la figura de Lionel Messi. Desde Rosario hasta Mendoza, pasando por Córdoba, Santiago del Estero y Buenos Aires, las paredes del país se transformaron en enormes homenajes urbanos dedicados al capitán argentino, construyendo un recorrido artístico que celebra al futbolista más importante de la historia nacional.</p><h2>Berazategui y un homenaje colectivo al capitán argentino</h2><p>Uno de los homenajes más recientes dedicados a Lionel Messi en Argentina se encuentra en el centro de Berazategui, provincia de Buenos Aires, donde un gigantesco retrato del capitán argentino se convirtió en un nuevo punto de encuentro para fanáticos y vecinos de la ciudad.</p><p>Ubicado sobre la avenida Mitre 1368, el mural fue realizado por los artistas Federico Medoro y Leonel García y presenta un imponente primer plano del rostro de Messi.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e2acc49d37.png" alt=""><figcaption>Los artistas Federico Medoro y Leonel García junto al mural en homenaje a Messi en Berazategui (Instagram).</figcaption></figure><p>La obra nació como una forma de agradecer y celebrar la alegría que el futbolista generó en millones de argentinos tras la conquista de la Copa del Mundo de Qatar, aunque también se destacó por una particularidad: más de mil personas participaron del proyecto dejando sus firmas y colaborando para hacerlo realidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZIEhWLRuRb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZIEhWLRuRb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El trabajo comenzó durante el mes de marzo y demandó jornadas de entre seis y ocho horas diarias, extendiéndose hasta finales de mayo. Con el paso de las semanas, la intervención fue ganando notoriedad hasta trascender las fronteras de Berazategui y llegar al propio Lionel Messi, quien envió un mensaje de agradecimiento a los artistas y a todas las personas involucradas en la realización de la obra, consolidando el mural como uno de los homenajes urbanos más emblemáticos y recientes dedicados al campeón del mundo.</p><h2>El mural más grande de Messi en Mendoza</h2><p>En la ciudad de <strong>Tunuyán</strong>, provincia de Mendoza, el muralista mendocino <strong>Renzo Correa</strong> (conocido en la escena artística como <strong>RECnebulus</strong>) realizó uno de los homenajes urbanos más impactantes del país.</p><p>Ubicada en el <strong>Polideportivo Central de Tunuyán</strong>, esta gran obra combina hiperrealismo y surrealismo. La composición presenta tres representaciones clave del capitán argentino:</p><ul><li>Una besando la Copa del Mundo tras la consagración en Qatar.</li></ul><ul><li>Otra celebrando un gol.</li></ul><ul><li>Un retrato en primer plano de su rostro.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2f01ccc736.png" alt=""><figcaption>Messi hecho mural en Tunuyán (Gobierno de Tunuyán).</figcaption></figure><p>Todo esto se encuentra sobre un fondo oscuro atravesado por <strong>tres estrellas</strong> que simbolizan los títulos mundiales de la Selección argentina. Considerada la representación de Messi más grande de la provincia de Mendoza, la obra se transformó rápidamente en un punto de encuentro turístico y futbolero.</p><h2>Messi toma una histórica esquina de Río Cuarto</h2><p>En la ciudad de Río Cuarto, provincia de Córdoba, el artista visual Gastón Liberto realizó un nuevo homenaje urbano dedicado a Lionel Messi, sumando otra obra de gran escala al recorrido artístico que celebra la figura del capitán argentino a lo largo del país.</p><p>Ubicado sobre una emblemática esquina del centro riocuartense, el mural se extiende a lo largo de 25 metros de ancho por 6 metros de alto y presenta a Messi en blanco y negro sobre una bandera argentina intervenida con una estrella que reemplaza al tradicional Sol de Mayo, un recurso visual que remite directamente a la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar. La intervención envuelve por completo la fachada de una histórica construcción de arquitectura italiana que actualmente funciona como 495 Club.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a0355a93f1.png" alt=""><figcaption>Gastón Liberto realizando los últimos detalles del mural de Lionel Messi en Río Cuarto (Instagram/Gastón Liberto).</figcaption></figure><p>La obra fue realizada por Gastón Liberto, uno de los muralistas argentinos más reconocidos de la actualidad. Con una trayectoria internacional que incluye proyectos en ciudades como Barcelona, Miami, Córdoba y Buenos Aires, el artista desarrolló un estilo realista y expresivo que lo llevó a retratar figuras como Diego Maradona, Pablo Aimar, La Mona Jiménez y el propio Lionel Messi. Además de homenajear al capitán argentino, el mural busca poner en valor el patrimonio arquitectónico local y transformar el espacio público a través del arte.</p><h2>El festejo ante México convertido en arte en Santiago del Estero</h2><p>En la ciudad de Frías, provincia de Santiago del Estero, el artista plástico Julián Ávila llevó la figura de Lionel Messi al espacio público a través de una obra que retrata uno de los momentos más recordados del capitán argentino durante el Mundial de Qatar.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ae02261804.png" alt=""><figcaption>El mural en homenaje a Lionel Messi en la ciudad de Frías, Santiago del Estero (Julián Ávila).</figcaption></figure><p>Ubicado en la ex terminal de ómnibus de la ciudad, el mural presenta a Messi celebrando el triunfo frente a México en la fase de grupos de la Copa del Mundo, una imagen que quedó grabada en la memoria colectiva de los argentinos. La composición muestra al futbolista sobre un fondo azul marino acompañado por los característicos rayos del Sol de Mayo, uno de los símbolos más representativos de la identidad nacional.</p><p>Con unas dimensiones aproximadas de cinco metros de alto por siete de ancho, la intervención se convirtió en una de las obras urbanas más destacadas de Frías y en un nuevo homenaje artístico al capitán que condujo a la Selección argentina hacia la conquista de la tercera estrella mundialista.</p><h2>Rosario, la ciudad donde Messi se convirtió en mural</h2><p>Rosario, la cuna de Lionel Messi, alberga uno de los recorridos de arte urbano más extensos dedicados al capitán argentino, retratando diferentes etapas de su vida.</p><ul><li>Barrio La Bajada: En el barrio de su infancia hay más de treinta murales que recuerdan sus primeros años e inicios en el fútbol. Allí, en la Escuela Nº 66 “General Las Heras”, se conserva un mural de 2015 impulsado por la Fundación Messi y pintado por el brasileño Paulo Cosentino.</li></ul><ul><li>Club Abanderado Grandoli: El sitio histórico donde dio sus primeros pasos con una pelota.</li></ul><ul><li>Homenajes Monumentales: Destacan el mural “De Otra Galaxia y de Mi Barrio” (de Imagina y Grupo Sismo)  y, principalmente, “De Otra Galaxia y de Mi Ciudad”. Este último, con casi setenta metros de altura y más de 500 metros cuadrados, se consolidó como el mural dedicado a Messi más grande de Rosario.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e5e695e0de.png" alt=""><figcaption>El mural &quot;De Otra Galaxia y de Mi Ciudad&quot; en Rosario (Goal).</figcaption></figure><p>El recorrido continúa por sitios históricos como el Club Abanderado Grandoli, donde dio sus primeros pasos con una pelota, y alcanza algunas de las intervenciones más monumentales de la ciudad. Entre ellas se destacan “De Otra Galaxia y de Mi Barrio”, realizado por los artistas de Imagina y Grupo Sismo durante la Copa América 2021, y “De Otra Galaxia y de Mi Ciudad”, una obra de casi setenta metros de altura y más de 500 metros cuadrados que se convirtió en el mural dedicado a Messi más grande de Rosario, consolidando a la ciudad como uno de los principales destinos para quienes buscan seguir la huella artística del campeón del mundo.</p><h2>El homenaje monumental de Martín Ron en el corazón de Buenos Aires</h2><p>En pleno corazón de la Ciudad de Buenos Aires, sobre la Avenida 9 de Julio a la altura de la Avenida Belgrano, se encuentra uno de los homenajes urbanos más emblemáticos dedicados a Lionel Messi.</p><p>La obra fue realizada por el reconocido muralista argentino Martín Ron un año después de la consagración de la Selección Argentina en el Mundial de Qatar y retrata al capitán argentino en pleno festejo, con el brazo alzado y el puño cerrado, transmitiendo toda la emoción de la conquista de la tercera estrella.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0511174998.png" alt=""><figcaption>La obra de Martín Ron en homenaje a Lionel Messi en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure><ul><li>Dimensiones: cercanas a los 35 metros de alto por 20 metros de ancho.</li></ul><ul><li>Materiales: se necesitaron más de 200 litros de pintura y alrededor de 50 brochas.</li></ul><ul><li>Equipo: un grupo de cuatro personas trabajando durante varias semanas.</li></ul><p>El resultado final no solo transformó el paisaje urbano de una de las avenidas más transitadas de Argentina, sino que también consolidó al mural como una parada obligada para turistas, fanáticos del fútbol y amantes del arte urbano que visitan la capital argentina.</p>

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Los murales de Messi que conquistan las calles argentinas rumbo al Mundial

<p>Con intervenciones de gran formato y una estética inspirada en el universo amazónico, Zelva Uno se transformó en un emblema del muralismo peruano y uno de los artistas urbanos más reconocidos de Latinoamérica.</p><h2>Zelva Uno, el emblema peruano del muralismo amazónico</h2><p>La escena del arte urbano a lo largo y ancho de Latinoamérica cuenta con ciertos nombres que, automáticamente tras ser escuchados, se vinculan con un país: desde Martín Ron con Argentina, pasando por Os Gêmeos con Brasil y José Gallino con Uruguay hasta Cristóbal Persona con Chile. Y el listado de ejemplos podría seguir por todo el continente.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e70b07aded.png" alt=""><figcaption>Zelva Uno, el emblema del arte amazónico (Instagram/Zelva Uno).</figcaption></figure><p>Y así como sucede con todos estos países, uno de los primeros nombres que aparece en nuestra mente al escuchar la escena artística de Perú es el de Joe Fernández Carrasco, conocido dentro del mundo del muralismo bajo el seudónimo de Zelva Uno.</p><p>Con casi dos décadas de trayectoria en el universo de las intervenciones, la pintura y los diseños, Zelva Uno se ha convertido en uno de los artistas visuales con mayor reconocimiento e impacto en el arte urbano de Latinoamérica. A través de un estilo que toma a la naturaleza como centro de la obra y fuente principal de inspiración, influenciado por su acercamiento a la comunidad shipibo-konibo de Cantagallo, el muralista logró llevar el ámbito natural por todo Perú y otros países para representar la cultura amazónica a través de murales de gran formato llenos de simbolismos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2be92bc669.png" alt=""><figcaption>La huella de Zelva Uno en París (Instagram/Zelva Uno).</figcaption></figure><p>Aunque el muralismo latinoamericano posee una enorme diversidad de estilos, técnicas y enfoques, el trabajo de Zelva Uno logró construir una identidad propia dentro del continente. No solo por la magnitud de sus intervenciones o por su capacidad para transformar paredes en auténticas postales selváticas, sino también por convertir a la naturaleza y a la cultura amazónica en protagonistas de una obra que ya forma parte del ADN artístico de Perú.</p><h2>Murales selváticos y simbolismos amazónicos: el currículum artístico de Zelva Uno</h2><p>Si hablamos de llevar la naturaleza y la cultura amazónica a las paredes, no hay mejor persona que Zelva Uno, y su currículum de obras tanto a lo largo y ancho de Perú como fuera del país sudamericano lo respaldan.</p><ul><li>“Wamprat”: una de las intervenciones más destacadas de Zelva Uno fuera de Perú. Realizada en la ciudad de París, la obra retrata a Marina Ortiz y la relación que tiene la iconografía Yanesha con los patrones del jaguar, acompañada por una corona de pétalos de hojas de algodón, uno de los recursos más usados en su cultura, el pequeño y hermoso Tucaneta y las energías que provienen de la tierra en formas ondulantes.</li></ul><ul><li>“Guardiana de Paz”: pieza realizada en la ciudad de Bogotá en conjunto con el muralista Zie Crix. La intervención honra la memoria, la tierra y la conexión entre Perú y Colombia mediante la unión de muralistas reconocidos de ambas naciones como lo es Zelva Uno en Perú y Zie Crix en Colombia.</li></ul><ul><li>“Melvin, los afluentes y la raya”: tal vez una de sus obras más recientes, un homenaje ciento por ciento dedicado a su amigo Rotapon Estrella, líder, activista y artista Kakataibo. La pieza cuenta con Melvin como figura principal acompañado de una manta, un animal que se camufla en las arenas de los ríos amazónicos para evitar depredadores.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7974a20936.png" alt=""><figcaption>El mural colaborativo entre Zelva Uno y el colombiano Zie Crix (Instagram/Zelva Uno).</figcaption></figure><p>Un legado constituido a base de trasladar la cultura amazónica a las paredes de las grandes ciudades.</p>

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El muralista que lleva la cultura amazónica a las ciudades

<p>El arte urbano argentino tiene nombres propios, y uno de los más influyentes es el de Alfredo Segatori: más de tres décadas de trayectoria, un centenar de intervenciones a lo largo y ancho del país y uno de los pioneros en la materia.</p><h2>Alfredo Segatori como ícono del arte urbano en Argentina</h2><p>Hablar de la escena del arte urbano en Latinoamérica implica, casi de manera inevitable, detenerse en Argentina como uno de sus principales epicentros. No solo por la huella que el muralismo ha dejado a lo largo y ancho de sus ciudades, desde grandes capitales hasta rincones más periféricos, sino también por el legado cultural que artistas y colectivos han construido con el paso del tiempo, consolidando al país como un territorio clave para el desarrollo y la proyección del arte urbano en la región.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3ffd0b6e10.png" alt=""><figcaption>Alfredo Segatori, la cara del muralismo en Argentina (Distrito Arte).</figcaption></figure><p>Dentro de ese mapa, resulta imposible no mencionar a referentes que han marcado el pulso de la disciplina en las últimas décadas, como Martín Ron, David Petroni o el Grupo Sismo, entre otros nombres que han contribuido a posicionar a Argentina en la escena global.</p><p>Y en ese listado de figuras imprescindibles, también aparece en un lugar destacado Alfredo Segatori, cuya obra ha logrado trascender generaciones y estilos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1ae81f29a4.png" alt=""><figcaption>Alfredo Segatori junto a una de sus obras en Buenos Aires (Clarín).</figcaption></figure><p>Con una trayectoria de más de tres décadas en el arte urbano, Alfredo Segatori —conocido dentro del circuito como “El Pelado”— no solo se consolidó como uno de los principales exponentes del muralismo a nivel nacional, sino que además construyó una identidad visual propia que lo posiciona como uno de los pilares más sólidos e influyentes de la disciplina en Argentina.</p><p>Muralista urbano de Buenos Aires desde fines de los años 80, Alfredo Segatori fue uno de los pioneros en intervenir el espacio público cuando el arte urbano aún no contaba con el reconocimiento actual. Desde entonces, su trabajo se expandió de manera sostenida, llevando su firma personal a distintos puntos del país y consolidando una producción que hoy supera el centenar de obras a nivel nacional.</p><h2>El legado de Alfredo Segatori en el arte urbano</h2><p>De estilo autodidacta, versátil y profundamente ligado al entorno urbano, Alfredo Segatori ha desarrollado una obra que oscila entre la abstracción y la figuración. A lo largo de más de tres décadas de trayectoria, el artista ha sabido trabajar tanto desde la composición pura de color y forma como desde representaciones figurativas de gran escala, consolidando una identidad visual propia dentro del muralismo argentino.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_430f7365f0.png" alt=""><figcaption>Vista aérea de &quot;Dino Rex&quot;, obra de Alfredo Segatori en las calles de Buenos Aires (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>Con más de un centenar de intervenciones realizadas tanto dentro como fuera del país, su producción se organiza en tres grandes líneas de trabajo que definen su búsqueda artística: la figuración con aerosol a mano alzada (freehand), los murales con materiales reciclados y su serie conocida como “Exabrupto de color”.</p><p>Dentro de su trabajo en aerosol freehand, una de las obras más representativas es “Dino Rex”, un mural de gran escala emplazado en la ciudad de Buenos Aires. La pieza presenta la figura de un tiranosaurio rex montado sobre una tabla de skateboarding, con una gorra negra hacia atrás y el dorsal número 10 en referencia a Diego Armando Maradona. Una intervención que, sin lugar a dudas, se volvió un ícono de su currículum, así como también de la escena artística de la capital.</p><p>En cuanto a sus intervenciones con materiales reciclados, una de las más reconocidas es “Chatarra Zen”, una obra que sintetiza de manera clara su búsqueda en torno a la reutilización y la experimentación material. En esta pieza, Alfredo Segatori construye una figura monumental de estética budista a partir de chatarra y piezas metálicas ensambladas, generando una imagen que combina espiritualidad y crudeza industrial.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d699929fc4.png" alt=""><figcaption>&quot;Chatarra Zen&quot;; la obra de Alfredo Segatori (Alfredo Segatori).</figcaption></figure><p>Por otro lado, su serie “Exabrupto de color” pone el foco en la intensidad cromática y el impacto visual. Uno de los ejemplos más destacados de esta línea fue su intervención sobre la escultura de “La Mano” en Punta del Este, uno de los puntos turísticos más emblemáticos de la ciudad, donde desplegó una explosión de color que resignificó la obra desde una perspectiva contemporánea.</p><p>A lo largo de su carrera, Segatori también fue convocado para proyectos de gran escala, como su participación en el plan de saneamiento del Riachuelo, donde realizó un mural en el barrio de Barracas. Además que llegó a ostentar un récord Guinness por realizar uno de los murales pintados por un solo artista más grandes del mundo, así como también llegó a intervenir espacios en países como México y Estados Unidos, con trabajos en ciudades como Nueva York, Baltimore y su participación en la escena artística de Miami.</p>

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Alfredo Segatori, el pionero que transformó el muralismo en Argentina

<p><strong>&#x27;Río Arriba&#x27;</strong> es una intervención artística de <strong>2.000 metros cuadrados</strong> inaugurada en la ciudad de Rosario. Ubicada en el playón de <strong>Costa Nueva</strong>, esta pieza es un ecosistema de imágenes diseñado para ser habitado. Bajo la dirección de <strong>Martín Ron</strong> y la ejecución de un colectivo de <strong>15 artistas locales</strong>, el mural utiliza la estética contemporánea del <strong>sticker</strong> para fragmentar y reconstruir la identidad local sobre el asfalto. De esta manera, convirtieron un antiguo espacio portuario en una plataforma de exploración cultural.</p><p><em>Leé también: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/murales-mudos-pero-elocuentes/465"><u><em><strong>Murales mudos, pero elocuentes</strong></em></u></a></p><h3><strong>La técnica del sticker</strong></h3><p>La propuesta estética de <strong>&#x27;Río Arriba&#x27;</strong> rompe con la linealidad del muralismo clásico. En lugar de una figura central única, se compone de múltiples piezas gráficas que representan <strong>lugares, símbolos y gestos</strong> de la cultura rosarina. Cada elemento funciona de manera independiente, y permite que el espectador descubra detalles como el <strong>casco de los bomberos voluntarios</strong> o iconos de la vida cotidiana mientras camina sobre ellos. Esta disposición obliga a una <strong>lectura activa</strong>. Para comprender ciertos fragmentos es necesario girar el cuerpo o desplazarse varios metros. Esta obra rompe la jerarquía del punto de vista único.</p><h3><strong>El aura y el juego de la imagen espejada</strong></h3><p>Uno de los mayores distintivos de la obra es su interacción con <strong>El Aura</strong>, la estructura refractaria que cubre parte del paseo. El intendente <strong>de la ciudad</strong> señaló que la escala del mural (<strong>80x30 metros</strong>) hacía imposible capturar la obra completa en una fotografía convencional. Por ello, el diseño fue concebido para ser <strong>espejado</strong> en la cubierta superior. Esta arquitectura permite que el visitante vea la composición integrada en el techo, incluyéndose a sí mismo en el reflejo. Además, elimina la distancia entre el observador y la pieza artística.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a45665dbab.png" alt=""><figcaption>El mural completo [Imagen], por Prensa Municipalidad Rosario.</figcaption></figure><h3><strong>Un desafío para el arte urbano colectivo</strong></h3><p>La ejecución de <strong>&#x27;Río Arriba&#x27;</strong> representó un reto técnico y logístico para el equipo de muralistas, entre los que destacan figuras como <strong>Dimas, Betina Rian y Juan Ignacio Grandi</strong>. A diferencia del trabajo en muro, la pintura sobre piso enfrentó condiciones de <strong>viento, tierra y una escala técnica</strong> que exigió precisión en la marcación del diseño principal.</p><p>El proyecto fue coordinado por la <strong>Gerencia de Murales</strong> y contó con el apoyo de empresas como <strong>Tersuave</strong>, que proveyó los materiales necesarios para que los artistas tradujeran sus visiones gráficas en una superficie de alto tránsito y exposición climática.</p><h3><strong>El mural como hito de infraestructura</strong></h3><p>El mural funciona como el nexo del <strong>Distrito de la Innovación</strong>, conecta el paseo peatonal con la nueva <strong>rambla accesible</strong>. La obra transformó el suelo en una <strong>escultura horizontal</strong> que señaliza el camino hacia el río Paraná. La integración de bancos, canteros y bicicleteros alrededor de la pintura permite que sea un espacio de permanencia y no solo de paso.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/-hCEdyGVILw" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Mural El Aura / Costa Nueva</p>

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Río Arriba, un mural de 2.000 metros cuadrados de arte espejado

<p>Con legado en equipos como Undead Gaming, INFINITY e Isurus Gaming y una trayectoria de más de cinco años en el mundo de los eSports, Gabriel “Ackerman” Aparicio se consolidó como uno de los supports más importantes del League of Legends en Argentina.</p><h2>El primer amor y el paso al profesionalismo</h2><p>Así como nadie nace siendo un chef de un restaurante con estrellas Michelin, teniendo las habilidades de un jugador de la NBA o mismo con el talento de muralistas de la talla de Martín Ron, los jugadores profesionales de deportes electrónicos tampoco llegan al mundo con el don en su totalidad, sino que es algo que se gesta con el correr de los años y el tiempo frente a las pantallas. Y en la mayoría de los casos, todos cuentan con un fanatismo por los videojuegos desde niños.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d9dab7a917.png" alt=""><figcaption>Ackerman compitiendo con Estral Esports en Chengdu (Instagram/Gabriel Aparicio).</figcaption></figure><p>“<em>Mi primer recuerdo con los videojuegos fue el AO Tierras del Sur, un juego que me marcó mucho de chiquito, me acuerdo que lo jugaba mucho con mis hermanos. Empecé a jugar con seis años y me enganché muchísimo</em>”, recuerda Gabriel Aparicio, reconocido en la escena de los eSports bajo su nick “Ackerman”, sobre su primera memoria con el mundo de los videojuegos.</p><p>Del hobbie al profesionalismo hay un paso bastante grande, que en algunas ocasiones queda marcado por algún viaje, en otras por el primer dinero ganado por jugar y también por alguna destacada actuación en una competencia. En el caso de Ackerman, llegó con un viaje: “<em>El momento en que dejé el juego como hobbie fue cuando viaje a México para trabajar en INFINITY. Creo que ahí me di cuenta que era un trabajo serio y tenía que cumplir ciertas normas: había gente superior a mí, viajé fuera de mi país, fue todo más serio</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7fb1508b60.png" alt=""><figcaption>La sonrisa de Ackerman en plena competencia (Instagram/Gabriel Aparicio).</figcaption></figure><p>Más allá de las victorias, los títulos y el reconocimiento de pares, la aceptación del círculo íntimo es uno de los grandes desafíos en la carrera de un jugador profesional de eSports. Y en el caso de Ackerman, llegó en un tono divertido y sorpresivo: “<em>Mis amigos no sabían nada. Ellos me habían invitado a una cena de egresados que no pudimos hacer por el tema de la pandemia y les mandé una foto que estaba de viaje en México. Me preguntaron qué hacía ahí y les dije que había empezado a trabajar de pro player. Fue algo que siempre lo mantuve oculto porque no creía que era algo que iba a llegar muy lejos y después terminó siendo. Así se enteraron y después empezaron a seguirme más a mí y a los equipos en los que yo estaba</em>”.</p><h2>La rutina de un jugador profesional de eSports</h2><p>Uno de los aspectos más curiosos del mundo de los eSports debe ser la rutina de los jugadores: cuánto tiempo de descanso y de práctica tienen, qué hacen en su tiempo libre fuera de las pantallas y cómo es el día a día en la vida de un jugador profesional de deportes electrónicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fe464b6423.png" alt=""><figcaption>El focus de Ackerman (Instagram/Gabriel Aparicio).</figcaption></figure><p>“<em>La rutina de un jugador de eSports se basa en jugar casi todo el día. En general me gusta tener una rutina normal y saludable. Siempre trato de entrenar gimnasio cuando termino las scrims así me relajo un poco y saco la cabeza de la rutina y la oficina, algo que me ayuda bastante en lo mental</em>”, reconoce Ackerman acerca de las distintas claves de su rutina como jugador de Isurus Gaming, donde también reconoce que descansar y despejar la mente es uno de los puntos más importantes de la rutina: “<em>Creo que es muy importante para un jugador estar bien de la cabeza porque dependes mucho de ello, no requiere de un gran esfuerzo físico, sino más mental. Necesitas cosas que te ayuden a descansar, a meditar</em>”.</p><h2>La escena de los eSports en Argentina desde la vista de un profesional</h2><p>Con las figuras de 9Z y Bestia, los eSports en Argentina ganaron terreno en los últimos años y lograron dejar una huella, creando una comunidad y dejando de ser un pequeño nicho para tomar mayor reconocimiento. Sin embargo, la escena local va más allá de estos dos equipos, y no todo es color de rosas: “<em>La escena de los eSports en Argentina como League Of Legends está bastante muerta. Creo que hay juegos como el Counter-Strike donde todavía sigue vivo y tiene buenos jugadores y fanaticada que lo convierten en el bastión de los eSports</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c55a269fb7.png" alt=""><figcaption>Ackerman vistiendo la camiseta de INFINITY (Instagram/Gabriel Aparicio).</figcaption></figure><p>Y de la mano de esta visión, también se hace una tarea compleja el hecho de poder vivir de los deportes electrónicos, algo que en otras partes del mundo es completamente potable. “<em>Dudo bastante que se pueda vivir de los eSports en Argentina. La escena cayó muchísimo y no sé si se revertirá: antes estaba la LVP y había grandes equipos con figuras y eventos importantes y estaba todo bien formado. Hoy lo veo todo muy muerto, se cerró mucho el círculo de los pro players</em>”, reconoce Gabriel Aparicio sobre la posibilidad de vivir de los eSports en Argentina.</p><h2>El desafío más difícil para un jugador profesional de eSports</h2><p>Sería tonto juzgar de fácil la tarea de un jugador profesional de videojuegos. Creer que únicamente es ganar dinero estando horas frente a una pantalla y nada más.</p><p>La vida de un pro player de eSports lleva consigo una lista de desafíos similar a la que puede atravesar un jugador de fútbol o de otra disciplina, y Ackerman lo sabe más que nadie: “<em>El hecho de que no estás en tu casa y estás muy lejos de tu círculo íntimo es uno de los puntos más difíciles de ser jugador profesional, y es algo que no se tiene muy en cuenta. Está bueno, pero esa es la peor parte: estar lejos de todo en un país que no conoces con una cultura totalmente diferente, sumado a tener que rendir y acostumbrarse a las críticas</em>”.</p>

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“La escena de los eSports en Argentina está bastante muerta”

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si tu pasión se encuentra en la música y disfrutás de escuchar nuevos artistas, el perfil de <strong>Lowkey Santo </strong>es el ideal para vos, un argentino que busca <strong>potenciar y dar visibilidad</strong> a los <strong>artistas emergentes</strong> que luchan por vivir de la música en Argentina.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Lowkey Santo, el potenciador de artistas en Argentina</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Argentina </strong>es una constante mina de talento. Deportistas como <strong>Milton Martínez y Sara Banchoff</strong>, muralistas de la talla de <strong>Martin Ron, Maximiliano Bagnasco y David Petroni</strong> y referentes digitales como <strong>Coscu y Bajoneando por Hay</strong>. Pero la música es uno de los espacios a los que el territorio argentino más estrellas le ha aportado: <strong>Duki, Nicki Nicole, Emilia Mernes, Tiago PZK, Lit Killah, Cazzu, YSY A, Trueno</strong> y el listado podría seguir por un buen rato. Decir que Argentina es uno de los países referentes dentro del género urbano latinoamericano no es una locura. Es más:<strong> es una realidad</strong>. Y el talento local no solo se encuentra en aquellos rostros que figuran en las tapas de las revistas o en las tendencias musicales, sino que también se encuentra en cada rincón a lo largo y ancho del país con <strong>artistas emergentes</strong> que comienzan a emprender su camino en la industria con el objetivo de llegar a la cima.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_2060183f58.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Lowkey Santo, un trampolín a la industria (Instagram/Lowkey Santo).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y al mismo tiempo que existen personas que sueñan con convertirse en las próximas figuras locales, también hay gente que se encarga de <strong>darles visibilidad y un empujón</strong> para llegar a los grandes escenarios, <strong>y uno de ellos es Lowkey Santo</strong>. Con casi 100 mil seguidores entre todas sus redes sociales, el argentino tomó <strong>el rol de potenciador y ojeador de artistas</strong> y se encargó de ser esa persona que ayude a crecer a los músicos a nivel local. A través de distintas temáticas, enseña los trabajos de los artistas, cuenta un poco de su historia y deja que su comunidad pueda no solo <strong>conocer nuevos artistas</strong>, sino también exponer y compartir nombres de personas que ellos escuchen y otorgarles popularidad.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">“Recomendando artistas” y “Sentate y rapea”: sus secciones más populares</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Una de las secciones más exitosas de <strong>Lowkey Santo </strong>consiste en <strong>recomendar un nuevo artista por cada día que pasa del año</strong>. A lo largo de la temática, el argentino enseña los perfiles de distintos artistas emergentes como <strong>Nani Bargiano, Trucha, Radamel, Ambik y Tharo</strong>, donde enseña alguna parte de una de sus canciones y realiza una breve introducción para aquellos que quieran escucharla. Incluso contó con la participación de figuras del streaming como <strong>Mortedor, Luli González y Nacho Elizalde</strong> así como de personalidades de la música local de la talla de <strong>BM</strong>, autor de hits como “M.A (Mejores amigos)” y “Ni una ni dos”, quien también dejaron su huella en la sección y le acercaron el nombre de un artista de su gusto a Lowkey Santo.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DPNHGS_CATE/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DPNHGS_CATE/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DPNHGS_CATE/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Lowkey Santo ⚡???????? (@lowkeysanto.stz)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Otra sección popular dentro del perfil de <strong>Lowkey Santo</strong> se llama “<strong>Sentate y rapea</strong>”, donde se arma <strong>un pequeño estudio de grabación </strong>en distintas partes de la ciudad de Buenos Aires con dos sillas, una computadora, un micrófono y una placa de sonido e invita a aquellos artistas que pasan por la vía pública a <strong>tirarse unas rimas y grabar una sesión</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El feedback del público y de los propios artistas</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El trabajo de <strong>Lowkey Santo </strong>para llevar a la cima a distintos artistas emergentes está a la vista en cada rincón de su perfil, y también en el de los propios protagonistas de los videos, los músicos. Uno de los casos más conocidos es el de <strong>Mael</strong>, artista de 16 años de edad que pasó de <strong>cuatro mil a treinta mil seguidores y tocar en el Movistar Arena</strong> como telonero luego de ser descubierto por el influencer. Una locura.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_83f2c44823.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Mael, artista recomendado por Lowkey Santo, en el escenario del Movistar Arena (Instagram/Mael).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En sus redes, los <strong>mensajes de apoyo</strong> no paran de caer y llenar la caja de comentarios de todos los videos. Lo felicitan por la iniciativa, lo alientan a seguir y le agradecen por dar visibilidad a talentos que recién empiezan y buscan alcanzar la gloria en la industria. Muchos artistas emergentes también le escriben con ilusión, esperando su turno para ser descubiertos y valorando el espacio que él les abre a cada uno de ellos. Entre corazones, agradecimientos y palabras de admiración, se refleja el impacto real de su trabajo: <strong>no solo impulsa carreras, también inspira a una comunidad entera</strong>.</span></p>

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Lowkey Santo, el chico que convierte artistas desconocidos en estrellas de las redes.jpg

El chico que convierte artistas desconocidos en estrellas de las redes

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">¿Te imaginas una galería de arte dentro del Aconcagua, la montaña más alta de América? Aunque suene increíble, existe: se llama “<strong>Nautilus</strong>” y es obra del artista argentino <strong>Miguel Doura</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La galería de arte argentina que vive en el Aconcagua</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La escena del <strong>arte </strong>es un mundo que invita a la exploración. No solo por su infinidad de obras repartidas a lo largo y ancho del planeta Tierra, sino también por los distintos estilos, diseños y técnicas que ofrece dentro de su manual. Hablar de arte es hablar de <strong>Vincent van Gogh, Leonardo da Vinci y Pablo Picasso</strong>, pero también es mencionar a <strong>Os Gêmeos, Martin Ron y Colectivo Licuado</strong>. Y lo mismo con los materiales: desde el óleo, la acuarela y el grafito hasta el aerosol, el collage y el arte digital. En pocas palabras, <strong>un universo con posibilidades infinitas en todos los aspectos</strong>.</span></p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Nautilus_la_galeria_de_arte_contemporaneo_mas_alta_del_mundo_1_5b801d801e.jpg"></figure><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">"Nautilus", la galería de arte contemporáneo más alta del mundo (Miguel Doura).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y en todo el ambiente del arte, también existen sucesos o hechos que marcaron un antes y un después en la corriente, y uno de ellos es “<strong>Nautilus</strong>” del argentino <strong>Miguel Doura</strong>, la galería de arte contemporáneo más alta del mundo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Es probable que al pensar en una galería o un museo de este tipo, nos imaginemos una estructura en el centro de alguna ciudad importante con fachadas imponentes, salas amplias y un recorrido cuidadoso y elegantemente diseñado para sorprender a todos los amantes de la pintura y los cuadros. Pero hay sitios que escapan a esa lógica o pensamiento como el del argentino: <strong>una galería situada a más de cuatro mil metros sobre el nivel del mar en el campamento base de Plaza de Mulas, ubicado en la cara oeste del Aconcagua en Argentina</strong>. Sí, tal cual lees. Una galería de arte en la montaña más alta del continente americano.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Abierta durante la temporada de escalada (de principios de diciembre a principios de marzo), la galería “<strong>Nautilus</strong>” de <strong>Miguel Doura </strong>expone una selección de obras del artista dentro de una carpa, que es desmontada durante los <strong>meses de invierno</strong> debido a que las condiciones climáticas impiden su apertura. Ya con más de dos décadas de historia, el establecimiento se consolidó como <strong>una de las maravillas artísticas más importantes</strong> no solo a nivel nacional, sino que también se estableció recorrió el mundo y se convirtió en <strong>un pilar del arte internacional</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6f3e01cffb.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">"Escalera al Cielo", una de las obras de Miguel Doura (Miguel Doura).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Aunque muchas veces no lleve consigo una razón, el nombre de la galería de <strong>Miguel Doura</strong> tiene un guiño al mundo de la literatura: su forma, que recuerda y se asemeja a la estructura de un submarino, hizo que al artista argentino se le viniera a la cabeza el legendario <strong>Nautilus </strong>de la novela “<strong>Veinte mil leguas de viaje submarino</strong>” del escritor y dramaturgo de origen francés <strong>Julio Verne</strong>. Con un estilo que muchos comparan con el del pintor neerlandés Vincent Van Gogh, el argentino no solo realiza obras con <strong>el Aconcagua y su entorno</strong> como musa, sino que tiene un portafolio variado, donde también abundan <strong>los paisajes y las figuras humanas</strong>.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La huella en los Guinness World Records</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A simple vista, está claro que la galería “<strong>Nautilus</strong>” del artista argentino <strong>Miguel Doura</strong> es un hecho que ha marcado un antes y un después en la historia del arte contemporáneo mundial, y no hay dudas de ello. Pero el establecimiento traspasó la barrera de las pinturas y las obras y también dejó una huella en los <strong>Guinness World Records</strong> al convertirse en <strong>la galería de arte contemporáneo más alta del mundo</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_10b370305f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Miguel Doura y el certificado de los Guinness World Records por la galería de arte contemporáneo más del mundo (Guinness World Records).</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">¿Quién es Miguel Doura, el artista detrás de la galería?</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Además de ser el protagonista de las obras que se exhiben dentro de “<strong>Nautilus</strong>”, la galería de arte contemporáneo más alta del mundo, <strong>Miguel Doura </strong>es un pintor argentino con formación en la <strong>Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón</strong>. Reconocido a nivel internacional, sus exposiciones han recorrido importantes galerías y ferias de arte en distintos países, consolidándolo como<strong> una figura relevante dentro del panorama artístico contemporáneo </strong>no solo por ser el creador y la cara visible detrás de la galería, sino también por su talento artístico.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_abaf955050.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El arte de Miguel Doura en el Aconcagua (Clarín).</span></p>

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La galería de arte más alta del mundo está en Argentina

<p>Luego de la conquista del Mundial de Qatar, cientos de murales comenzaron a aparecer en distintos puntos de Argentina como homenaje a la tercera estrella. Entre ellos sobresalen los realizados por Maic Bruera, autor de las emblemáticas obras dedicadas a Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez (esquina Gorriti y Pasaje Atalcalco) y Lionel Scaloni (Gorriti 5347).</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó el origen de esas creaciones, el impacto de la Scaloneta en el muralismo y cómo el fútbol puede transformarse en arte.</p><h2>El motivo de la elección del “Dibu” Martínez y Lionel Scaloni como protagonistas de las obras</h2><p>Luego de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar, el muralismo argentino atravesó una verdadera &quot;escalonetización&quot;. A lo largo y ancho del país, cientos de paredes se transformaron en homenajes a los protagonistas de la tercera estrella, con Lionel Messi como la figura más retratada. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el foco estuvo puesto en dos nombres distintos: Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez y Lionel Scaloni, una elección que combinó el fanatismo de su hijo por el arquero y la admiración del artista por la faceta más humana del entrenador.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_092d33b017.png" alt=""><figcaption>El quiebre de Lionel Scaloni convertido en mural por Maic Bruera en Palermo (Maic Bruera).</figcaption></figure><p>“<em>Creo que fue un descarte más que nada. Messi ya estaba tan hecho que no daba para hacerlo de vuelta, y después fue muy obvio. Dibu era como una figura por el personaje que se convirtió en ese Mundial y por la atajada, y después le sumó también que mi hijo se hizo re fanático del Dibu y estaban todos los nenes como que querian ser arqueros, con la remera que se hizo medio icónica, estabe re hypeado. Estaba la foto del chabón en una pose muy copada, no hubo mucha vuelta: la foto está buena, el personaje es un copado, a mi hijo le cabe, está todo más que bien</em>”, cuenta Maic sobre la elección del “Dibu” Martínez.</p><p>En el caso de Lionel Scaloni, la inspiración pasó por otro lado. Más allá de los resultados deportivos, Bruera encontró en el entrenador una figura serena, auténtica y profundamente humana. Esa personalidad, sumada a los gestos que dejó durante el Mundial, terminó convirtiéndolo en el segundo gran protagonista de sus murales: <em>Scaloni ya fue otra cosa. Era un poquito más de sentirse más representado, había una movida de que el chaboncito estaba como “el tipo que ordenó a la Selección y encontró cómo hacerlo jugar bien a Messi”. Y también estaba la personalidad. Hoy lo ves en el Mundial y el flaco no te grita un gol. Es muy especial y, en un momento, se da la situación de la cámara cuando se quiebra y que lo transforma en ese chabón humano. Son quiebres emocionales que están buenísimo y justo lo agarraron con esa cara de meme</em>”.</p><h2>De los memes del Mundial al arte urbano</h2><p>A la hora de retratar un hecho deportivo, muchos artistas urbanos buscan inmortalizar la emoción de un instante para que quien observe la obra vuelva a sentir lo que ocurrió aquel día. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el enfoque fue diferente. Más que transmitir la carga emocional de una jugada, el muralista argentino apostó por capturar esas imágenes que, además de quedar grabadas en la memoria colectiva, también se transformaron en verdaderos memes durante la Copa del Mundo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>De mi lado fue más el momento meme. Después al ser tan icónico te lleva directamente a lo que vos sentiste en ese momento, pero no buscaba tratar de hacer sentir a la gente un momento especial, sino riamonos y emocionamos un poco. Tratar de ser lo más fotográfico en el sentido de la postal. En el de Scaloni es más difícil, pero en el del Dibu se entiende más: el pasto no es textura pasto, es una línea verde. Te ubica en situación y el personaje en pose. Es la postal de lo que pasó en ese momento</em>”, expresa Maic.</p><h2>El muralismo como puente entre generaciones</h2><p>Más allá de intervenir un muro, muchas obras de arte urbano terminan convirtiéndose en verdaderos registros de momentos que marcaron una época. Con el paso de los años, esos murales funcionan como un puente entre distintas generaciones, permitiendo que quienes los observen vuelvan a conectarse con hechos que quedaron grabados en la memoria colectiva. Las representaciones de la atajada del Dibu Martínez y el abrazo de Lionel Scaloni realizadas por Maic Bruera son un claro ejemplo de ello: “<em>Si, porque no sabes cuanto va a durar el mural. Se rompe la pared, pintan arriba, el muralismo es efímero. No importa qué personaje sea. Pero lo que tiene es que por más que se termine rompiendo o quede un poquito de la expresión del mural, te va a venir rápidamente la imagen real. Por ahí es una especie de disparador, ya no se ve o está medio escrachado, pero el recuerdo que te genera es viajar directamente a la final. Esa función la va a seguir cumpliendo</em>”.</p><h2>Los murales que podrían llegar tras otra estrella</h2><p>Con el duelo de cuartos de final ante Suiza a la vuelta de la esquina, la Selección argentina quedó a solo tres partidos de conquistar una nueva Copa del Mundo. Y así como la consagración en Qatar inspiró a Maic Bruera a llevar al “Dibu” Martínez y a Lionel Scaloni a distintos muros, el artista ya imagina la posibilidad de volver a tomar los pinceles si la Albiceleste logra escribir un nuevo capítulo en su historia.</p><p>“<em>Hay situaciones, imagenes que vos las ves. Podes ir por el lado emocional o por el gracioso. Por ahí no de los mismos personajes (Dibu y Scaloni). Pero no voy a estar pintando hasta que no termine este Mundial. Faltan tres partidos y Argentina es una manga de enfermos que siempre aparece una situación que no podes creerla: el cabezazo de Enzo Fernández o la última jugada de Lautaro Martínez gambeteando y haciendo tiempo, que termina pechandose cara a cara. Seguramente alguna imagen va a aparecer y algo vamos a pintar</em>”, dice Maic sobre las ideas acerca de una posible intervención en caso de que la Selección argentina salga campeona.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3583cea2da.png" alt=""><figcaption>La atajada del Dibu Martínez inmortalizada en los muros de Palermo por Maic Bruera (Maic Bruera).</figcaption></figure><h2>El orgullo de retratar a una generación histórica</h2><p>No hay dudas de que la Scaloneta marcó un antes y un después en la historia del fútbol argentino. La conquista de la tercera estrella, los gestos de sus protagonistas y las imágenes que dejó el Mundial de Qatar ya forman parte de la memoria colectiva y serán recordadas por generaciones. En ese camino, artistas como Maic Bruera también aportaron su granito de arena, inmortalizando algunos de esos momentos en murales que hoy funcionan como homenaje y testimonio de una de las etapas más importantes del deporte argentino.</p><p>“<em>Está bueno que tengamos algo de la Selección. A mi me pasa que fueron muchos años de putearme con la Selección, y de golpe te amigaste de vuelta y sino ganas o si hacen cualquier cosa, ya está. Me da esa sensación de poder pintar algo que está buena y le genera recuerdos a la gente que lo ve. Por más de que se intente ponerlos en una postura política a los personajes, son los jugadores de la Selección y uno lo que quiere es que salgan campeón cada cuatro años. Los murales son una parte positiva del recuerdo</em>”.</p><h2>Cómo Qatar revolucionó el muralismo argentino</h2><p>El impacto de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar trascendió el fútbol y también encontró un fuerte eco en el arte urbano. Desde Tierra del Fuego hasta Jujuy, los muros de ciudades y pueblos se transformaron en homenajes a figuras como Lionel Messi, Lionel Scaloni, Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez, Ángel Di María y otros protagonistas de la tercera estrella, dando lugar a uno de los movimientos muralistas vinculados al deporte más importantes de los últimos años.</p><p>Un fenómeno que no solo fue percibido por quienes forman parte del ambiente artístico, sino también por el público en general y por los propios medios de comunicación.</p><p>“<em>El muralismo en Argentina se pone muy de moda entre 2010 y 2014, y empieza a crecer. Arranca a ser aceptado por la sociedad, los vecinos, los espacios, pero no te daba nunca una excusa copada para pintar. No ibas a pintar a Sampaoli, no tiene mística, nada. Después tiene momentos tristísimos. Si hubieramos salido campeones en Brasil, el rodillazo de Neuer a Higuaín hubiera sido genial. Pero al mismo tiempo no hay nada muy positivo para recordar, como para pintar un momento. Ya Messi venía muy arriba, ya había muchos murales: lo que le dio salir campeón del mundo fue que todo estaba lleno de murales de él. Le hizo muy bien, creo que las dos cosas se potenciaron: el Mundial con el muralismo y el muralismo con el Mundial</em>”.</p>

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Maic Bruera, el artista que convirtió al Dibu Martínez y a Scaloni en murales icónicos

<p>Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.</p><h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2><p>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure><p>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.</p><p>Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure><p>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.</p><h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2><p>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.</p><ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure><p>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.</p>

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El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

<p>El legado del Indio Solari sumó un nuevo capítulo en el universo del muralismo con la inauguración del mural más grande dedicado al histórico músico argentino. Ubicada en el municipio de Almirante Brown, provincia de Buenos Aires, la intervención reúne referencias a sus discos más emblemáticos y a toda su carrera artística, desde su etapa como solista hasta el éxito al mando de Los Redondos.</p><h2>El monumental homenaje al Indio Solari en las calles de Almirante Brown</h2><p>A poco más de un mes de la partida de Indio Solari, el legado del histórico cantante argentino continúa expandiéndose a través del arte urbano con homenajes que repasan no solo su figura, sino también algunas de las obras más importantes de su carrera.</p><p>Y una de las intervenciones más destacadas fue inaugurada frente al Polideportivo de Ministro Rivadavia, en la intersección de 25 de Mayo y Quiroga, en el municipio de Almirante Brown, donde quedó plasmado el mural más grande realizado hasta el momento en honor al exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9e9a0b9e0d.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure><p>Con una superficie de 530 metros cuadrados, la intervención fue realizada por los artistas Heber Martínez, Gabo Luna, Eki Besada y Gustavo Alderete, con la colaboración de Roger Oner y del equipo integrado por Sebastián, Cocco, Karina y Cristina, bajo la coordinación de TiN y la dirección artística de Nicolás Vicente. La obra propone un recorrido visual por distintas etapas de la trayectoria del músico, convirtiéndose en un verdadero homenaje a una de las figuras más influyentes de la historia del rock argentino.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/guido-palmadessa-la-mirada-de-un-artista-argentino-en-alemania/1000147"><u><em>Guido Palmadessa, la mirada de un artista argentino en Alemania</em></u></a></p><ul><li>“Oktubre”</li></ul><ul><li>“Luzbelito”</li></ul><ul><li>“Lobo Suelto, Cordero Atado”</li></ul><ul><li>“Último Bondi a Finisterre”</li></ul><ul><li>“¡Bang! ¡Bang!... Estás Liquidado”</li></ul><ul><li>“Un baion para el ojo idiota”</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaaWPvtR0RV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaaWPvtR0RV/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El homenaje no se limita únicamente a su etapa junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. La intervención también repasa su carrera como solista mediante referencias a discos como “<em>Porco Rex</em>”, “<em>El perfume de la tempestad y Pajaritos”</em> y “<em>Bravos muchachitos</em>”, entre otras obras, reflejando las distintas etapas que marcaron el recorrido artístico del músico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56cfd48d52.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure><p>El punto central de la obra está protagonizado por un imponente retrato del propio Indio Solari durante uno de sus conciertos. Allí aparece con los brazos abiertos, en una pose que remite a una figura casi religiosa, acompañado por sus inconfundibles gafas oscuras, una camisa verde y la inscripción &quot;Indio&quot; en grandes letras negras detrás de su figura. Una imagen que sintetiza el vínculo entre el artista y miles de seguidores, transformando el mural en un nuevo punto de encuentro para fanáticos, vecinos y amantes del arte urbano.</p>

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