<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La cumbia vuelve a tener su propio Mundial y esta vez los protagonistas son los tecladistas: Sin Miedo prepara una segunda edición con dieciséis participantes, una dinámica renovada y nuevas herramientas para que los fanáticos decidan quién avanza de ronda.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El Mundial de Tecladistas de Sin Miedo vuelve a conquistar la cumbia argentina</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después del éxito de la primera edición, <strong>el Mundial de Tecladistas</strong>, una especie de Copa del Mundo para los músicos de la cumbia y la música tropical argentina, <strong>vuelve a conquistar la escena digital cumbiera de la mano de Sin Miedo</strong>.&nbsp;</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Ddhip4vhYup/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/Ddhip4vhYup/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/Ddhip4vhYup/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por SIN MIEDO (@sinmiedooficial)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La propuesta <strong>pone a los tecladistas de diferentes bandas en el centro de la escena</strong> y los enfrenta en <strong>duelos donde cada participante debe demostrar su nivel a través de punteos, arreglos y diferentes versiones</strong> frente a miles de fanáticos y colegas.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La dinámica mantiene uno de los elementos centrales de la primera edición: <strong>el público es quien decide quién avanza</strong>. Para cada cruce se publica <strong>un video con la participación de los dos tecladistas y en la caja de comentarios aparecen dos mensajes fijados</strong>, uno correspondiente a cada músico. <strong>El comentario que recibe más likes es el que determina al ganador</strong> y, por lo tanto, quién continúa en el torneo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En esta segunda edición participarán <strong>dieciséis tecladistas</strong>, que tendrán que interpretar dos punteos durante su presentación para intentar convencer a los seguidores y conseguir el pasaje a la siguiente instancia.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_4990c6bc61.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Tobi Valenzuela, el actual campeón del Mundial de los Tecladistas (Instagram/Sin Miedo).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero la nueva temporada también tendrá una modificación importante en su formato. En esta oportunidad, <strong>cada tecladista estará acompañado por tres músicos elegidos por él mismo</strong>, conformando una pequeña banda propia para acompañar su participación.</span></p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/tobi-valenzuela-campeon-del-mundial-de-los-tecladistas-de-sin-miedo/1000220</p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Así, el foco no estará únicamente en el virtuosismo individual, sino también en la capacidad de cada participante para armar su equipo y encontrar la mejor manera de presentar su propuesta musical.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los tecladistas que buscarán quedarse con la segunda edición del Mundial de los Tecladistas</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>segunda edición</strong> del <strong>Mundial de Tecladistas</strong> contará con <strong>un grupo de dieciséis protagonistas</strong> provenientes de diferentes puntos de la escena cumbiera y tropical.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre ellos aparece además <strong>Tobi Valenzuela</strong>, campeón defensor del certamen, que buscará repetir la conquista de la primera edición.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Gusty Suárez</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pinky SD</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Santi Farías</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Danilo Montana</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Marcelo Daniel Moya</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Xiomara Juárez</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pestaña Récord</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Claudio Román</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Tobi Valenzuela — campeón defensor</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Koki La Sauce</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El Guachón</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Darío González</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Luciano Luvi Rearte</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Luciano Creiner</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Jessica Molgal</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Alan de La Calle</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6787d4b9de.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">El arte de los tecladistas como protagonista del Mundial de los Tecladistas (Instagram/Sin Miedo).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con dieciséis participantes y una dinámica renovada, <strong>el Mundial volverá a llevar a los tecladistas al centro de la conversación dentro de la escena digital de la cumbia</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Cada presentación tendrá su propio cruce, sus propios punteos y, finalmente, el veredicto de una comunidad que será la encargada de definir quién sigue en carrera.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Sin Miedo vuelve a construir una competencia que transforma a los músicos detrás de las grandes bandas en protagonistas absolutos, llevando a las redes <strong>una propuesta que mezcla talento, identidad cumbiera, juego y participación del público</strong>.</span></p>

Santi Farias, uno de los participantes del Mundial de los Tecladistas.avif

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Punteos, cumbia y votaciones: así será la segunda edición del Mundial de Tecladistas

<p>Los accesorios también encontraron nuevas formas de conquistar el streetwear argentino, y Es de Neko lo demuestra con carteras confeccionadas completamente a partir de mostacillas.</p><h2>Es de Neko y el arte de construir carteras mostacilla por mostacilla</h2><p>Con el paso del tiempo, los accesorios dejaron de ocupar un papel secundario dentro del streetwear para convertirse en piezas capaces de definir por completo un outfit. Gorras, joyería, bolsos y carteras ganaron protagonismo hasta construir sus propias tendencias, y en Argentina existe una propuesta que lleva ese universo hacia un terreno mucho menos habitual: <a href="https://www.instagram.com/esdeneko_"><u>Es de Neko</u></a>.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b7c7b0752a.png" alt=""><figcaption>Corbata de mostacillas hecha por Es de Neko (Instagram/Es de Neko).</figcaption></figure><p>El proyecto concentra gran parte de su identidad en las beadbags, término que podría traducirse como “bolsos de cuentas”: carteras confeccionadas artesanalmente a partir de mostacillas, cuentas, abalorios o perlitas que se entrelazan una a una mediante una técnica de tejido manual hasta conseguir una estructura firme y resistente.</p><p>El resultado son piezas que combinan moda y trabajo artesanal y que convierten un material tradicionalmente asociado a pequeños accesorios en el protagonista absoluto de una cartera. Es de Neko explora esta técnica mediante diferentes tamaños, formas, colores y niveles de complejidad.</p><p>Entre sus propuestas aparecen desde bolsos pequeños hasta modelos de mayores dimensiones y versiones con correas largas, acompañados por una paleta que puede pasar de tonalidades clásicas como negro o blanco hasta combinaciones mucho más llamativas con rojo, azul, verde o amarillo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DayE1P4hULz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DayE1P4hULz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los diseños también permiten jugar con distintos niveles de detalle. Hay propuestas más minimalistas donde el entramado de mostacillas es el protagonista y otras que incorporan figuras y patrones como corazones o mariposas, llevando cada pieza hacia un terreno mucho más gráfico y personalizado.</p><p>Pero el universo de Es de Neko no se limita únicamente a las carteras. La misma técnica aparece trasladada a otros accesorios, entre ellos porta encendedores y corbatas confeccionadas con mostacillas, ampliando una propuesta que encuentra en el trabajo manual su principal sello de identidad.</p><p>Las piezas pueden adquirirse a través de la <a href="https://esdeneko.empretienda.com.ar/"><u>tienda oficial del proyecto</u></a>, con precios que varian dependiendo del modelo y su complejidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c4a083e5b6.png" alt=""><figcaption>Malena Pichot, actriz, comediante y activista feminista argentina, utilizando una beadbag de Es de Neko (Instagram/Malena Pichot).</figcaption></figure><p>Además, Es de Neko permite pasar de comprar una pieza terminada a aprender directamente cómo crearla. El proyecto ofrece workshops presenciales de elaboración con mostacillas, con materiales y acompañamiento durante el proceso, acercando la técnica tanto a quienes simplemente sienten curiosidad como a quienes quieren comenzar a desarrollar sus propios diseños.</p><p>De esta manera, Es de Neko encontró una forma particular de introducir la artesanía dentro del streetwear argentino: transformar pequeñas cuentas individuales en carteras, accesorios y piezas capaces de convertirse en protagonistas del outfit.</p>

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Es de Neko, la marca argentina que transforma mostacillas en carteras

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Mientras muchos artistas trabajan con pintura o lienzos, Toto Tatuer eligió un camino completamente distinto. A través del vidrio fracturado, el artista plástico de Ingeniero Maschwitz desarrolló una técnica propia que transforma las grietas en el principal recurso visual de cada una de sus obras.</p><h2>Conocé a Toto Tatuer, el argentino que crea retratos y símbolos utilizando vidrio fracturado</h2><p>Dentro de la escena artística argentina conviven propuestas de todo tipo: desde artistas dedicados al muralismo de gran escala hasta tatuadores que llevan el realismo como bandera. Y en ese amplio universo aparece Toto Tatuer, un artista que encontró a través de la resignificación de materiales cotidianos como el vidrio, el hierro y las cadenas una manera particular de construir su propia identidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Oriundo de Ingeniero Maschwitz, el artista plástico y también tatuador autodidacta logró convertirse en una de las figuras que más llaman la atención dentro de la escena artística de Buenos Aires gracias a una propuesta tan inusual como desafiante.</p><p>Su trabajo parte de elementos que forman parte de la vida cotidiana para transformarlos mediante procesos manuales que requieren precisión, paciencia y, en algunos casos, asumir ciertos riesgos durante su elaboración.</p><p>Actualmente instalado en el barrio porteño de Chacarita, Toto Tatuer llevó su particular mirada artística a proyectos junto a firmas de primer nivel como Samsung, Fernet Branca y McDonald&#x27;s, además de colaborar con figuras de la música como Cazzu.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95a4a74413.png" alt=""><figcaption>La Gioconda hecha con vidrio destrozado por Toto Tatuer (Toto Tatuer).</figcaption></figure><p>De esta manera, la obra del artista de Ingeniero Maschwitz logró trascender el circuito artístico tradicional para encontrar nuevos espacios donde los materiales y objetos cotidianos pueden adquirir una segunda vida.</p><h2>El vidrio roto como sello de identidad artística</h2><p>Más allá de resignificar materiales cotidianos como el vidrio, el hierro o las cadenas, Toto Tatuer desarrolló un lenguaje visual donde las fracturas se convierten en el principal recurso artístico. A través de impactos cuidadosamente controlados sobre el cristal, el artista construye retratos, animales, símbolos, frases e íconos populares utilizando las propias grietas como líneas de composición.</p><p>Entre las obras del artista de Ingeniero Maschwitz aparecen reinterpretaciones de clásicos como La Gioconda, escudos deportivos como el de Boca Juniors, corazones anatómicos, ojos, animales y composiciones tipográficas, siempre manteniendo al vidrio quebrado como protagonista absoluto de cada pieza.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa combinación entre técnica, precisión y materiales poco convencionales hace que cada trabajo sea irrepetible, ya que el patrón de fracturas nunca vuelve a repetirse exactamente de la misma manera. El resultado son obras que transforman un elemento asociado a la rotura en una expresión artística cargada de detalle, textura y profundidad.</p><p>En un contexto donde el arte contemporáneo busca constantemente nuevos lenguajes, Toto Tatuer demuestra que incluso un material asociado a la destrucción puede convertirse en el punto de partida para construir belleza. Una obra que invita a mirar las fracturas desde otra perspectiva y confirma que el arte también puede surgir allí donde muchos solo ven un objeto roto.</p>

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Toto Tatuer y el arte de transformar el vidrio roto en obras únicas

<p>Más allá de las paredes intervenidas y los gigantescos murales que caracterizan a São Paulo, la ciudad también alberga espacios dedicados al street art, y uno de los más destacados es Nucle1, un centro cultural que transformó una antigua fábrica en un verdadero templo del arte contemporáneo.</p><h2>Nucle1, el espacio donde el arte urbano paulista encontró un nuevo hogar</h2><p>Es de público conocimiento que la ciudad de San Pablo no solo es uno de los principales epicentros del arte urbano en Brasil, sino que también se ha convertido en una verdadera referencia a nivel continental. Sus calles, avenidas y edificios funcionan como enormes galerías a cielo abierto, donde murales e intervenciones forman parte del paisaje cotidiano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_897c631754.png" alt=""><figcaption>Obra del artista Alexandre Puga expuesta en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Sin embargo, más allá de las obras que decoran los espacios públicos paulistas, la ciudad también cuenta con rincones especialmente dedicados a la difusión del movimiento artístico. Y uno de los más importantes surgidos en el último tiempo es Nucle1 (Rua Muniz de Souza 809, Aclimação), un centro cultural de ocho pisos dedicado por completo al arte urbano y contemporáneo.</p><h2>De una fábrica de corbatas a un edificio de ocho pisos dedicado al arte</h2><p>Ubicado en lo que antiguamente funcionó como una fábrica de corbatas, Nucle1 transformó el edificio en un espacio cultural de más de 1.500 metros cuadrados intervenido por el artista Enivo, donde los colores, las formas y las expresiones urbanas toman el protagonismo absoluto.</p><p>Inspirado en experiencias artísticas como “Bauhaus” y “Factory” de Andy Warhol, el centro propone una experiencia inmersiva donde el arte está presente en paredes, techos y prácticamente en cada rincón del edificio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1c32436fe.png" alt=""><figcaption>El talento artístico de Bieto en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Además de exhibir grafitis e intervenciones urbanas, Nucle1 reúne distintas disciplinas culturales como:</p><ul><li>Arte urbano</li></ul><ul><li>Escultura</li></ul><ul><li>Diseño</li></ul><ul><li>Moda</li></ul><ul><li>Música</li></ul><ul><li>Intervenciones circenses</li></ul><p>Con entrada totalmente gratuita, el espacio se consolidó como uno de los puntos de encuentro más interesantes de la escena artística paulista.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-callejon-mas-famoso-de-san-pablo/317"><u><em>El callejón más famoso de San Pablo</em></u></a></p><h2>Los artistas que dan vida a Nucle1</h2><p>El espacio también funciona como una gran plataforma para artistas brasileños contemporáneos, reuniendo obras de referentes del arte urbano y visual como:</p><ul><li>Fefe Talavera</li></ul><ul><li>Priscila Barbosa</li></ul><ul><li>Katia Suzue</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La propuesta convierte a Nucle1 en una parada obligatoria para quienes buscan descubrir la riqueza del arte urbano brasileño desde una perspectiva diferente, donde distintas disciplinas conviven bajo un mismo techo.</p><p>Abierto de miércoles a viernes de 12:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 18:00, el centro cultural demuestra que San Pablo continúa expandiendo los límites del street art, llevando su identidad más allá de las calles y transformándola en una experiencia artística integral.</p>

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El impresionante centro cultural de ocho pisos que celebra el arte urbano en San Pablo

<p>Con sede en Venecia y una trayectoria que lo posicionó entre los grandes certámenes del arte contemporáneo, el Arte Laguna Prize abrió la convocatoria para su vigésimo primera edición, y desde Street Art Latam repasamos cómo inscribirse, cuáles son los requisitos y qué premios ofrece el concurso.</p><h2>¿Qué es el Arte Laguna Prize?</h2><p>El universo del arte contemporáneo internacional ya puso en marcha una nueva edición de uno de sus concursos más importantes. Se trata del Arte Laguna Prize, el certamen con sede en Venecia que se prepara para celebrar su vigésima primera edición y que, año tras año, reúne a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades en busca de impulsar sus carreras a nivel global.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e38957ceaf.png" alt=""><figcaption>Exposición en Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Nacido del deseo de la Asociación MoCA de valorar el arte en todas sus formas y con la misión de impulsar artistas internacionales, el premio se consolidó como uno de los principales certámenes de arte contemporáneo del mundo. Cada edición, un jurado integrado por especialistas selecciona a los finalistas y ganadores, cuyas obras se exhiben durante un mes en el emblemático Arsenale Nord de Venecia.</p><p>La convocatoria está abierta a disciplinas como pintura, escultura, instalación, fotografía, videoarte, performance, arte digital, land art, arte urbano, street art y diseño, entre muchas otras, manteniendo una característica que la distingue desde sus inicios: la libertad temática y la diversidad artística como eje central del proyecto.</p><p>Y este año no será la excepción. El Arte Laguna Prize abrió oficialmente su convocatoria para artistas que deseen exhibir sus trabajos en el histórico espacio veneciano, cuya muestra colectiva tendrá lugar del viernes 6 al domingo 29 de noviembre, reuniendo a creadores emergentes y consolidados de distintas partes del planeta.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9119ff13b8.png" alt=""><figcaption>Los rincones artísticos de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Y tranquilo: Street Art Latam te cuenta cómo participar, cuáles son los premios y todo lo que necesitás saber para intentar exhibir tu obra en Venecia.</p><h2>¿Cómo participar del Arte Laguna Prize 2026?</h2><p>Participar del Arte Laguna Prize es un proceso completamente digital y abierto a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades. Para hacerlo, los interesados deben ingresar a la plataforma oficial del certamen, crear un perfil personal y completar el <a href="https://artelagunaprize.com/21-edition/"><u>formulario de inscripción</u></a> antes del martes 30 de junio, fecha límite de la convocatoria.</p><p>El proceso de aplicación solicita información personal y artística del postulante, incluyendo una breve biografía, antecedentes profesionales y material vinculado a su producción. Además, los artistas deberán presentar parte de su portfolio con imágenes, videos y descripciones de las obras que desean postular.</p><p>Una vez completada la inscripción y enviada la documentación requerida, las postulaciones serán evaluadas por el jurado internacional del certamen, encargado de seleccionar a los finalistas que formarán parte de la exposición oficial en Venecia.</p><p>Para conocer todos los requisitos y completar la inscripción, los interesados pueden ingresar al <a href="https://artelagunaprize.com/"><u>sitio oficial del Arte Laguna Prize</u></a>.</p><h2>¿Cuáles son los premios del Arte Laguna Prize?</h2><p>Más allá del reconocimiento internacional y la posibilidad de exhibir en Venecia, el Arte Laguna Prize cuenta con un amplio programa de premios y oportunidades profesionales que buscan impulsar la carrera de los artistas participantes.</p><p>El certamen divide sus beneficios en cinco grandes categorías:</p><ul><li>Premios institucionales.</li></ul><ul><li>Residencias artísticas</li></ul><ul><li>Programas Business for Art.</li></ul><ul><li>Exposiciones internacionales.</li></ul><ul><li>Iniciativas vinculadas a sostenibilidad y solidaridad.</li></ul><p>Entre los reconocimientos más destacados, aparece el Premio Institucional de $10.000 euros, otorgado por MoCA y Arte Laguna Prize al ganador absoluto de la competencia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2981e5b89f.png" alt=""><figcaption>El arte como protagonista en cada edición de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure><p>Además, los artistas seleccionados podrán acceder a residencias y experiencias internacionales en distintos puntos del planeta. Pero para Latinoamérica, sobresalen dos oportunidades especiales:</p><ul><li>Dos semanas de residencia artística en el Estudio Rambar, en Guanacaste, Costa Rica.</li></ul><ul><li>Un mes de estancia artística en la Universidad Ricardo Palma, en Lima, Perú.</li></ul><p>La convocatoria también incluye residencias en Italia, Australia, Bélgica y China, además de exposiciones en galerías y espacios culturales de ciudades como Bucarest y Génova, fortaleciendo uno de los principales objetivos del proyecto: conectar a artistas emergentes con el circuito internacional del arte contemporáneo.</p>

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Arte Laguna Prize 2026: qué es, cómo participar y cuáles son los premios

<p>Luego del lanzamiento de “OMERTA”, el proyecto musical junto a Ryan Castro, J Balvin volvió a dejar su huella en la moda urbana tras aquella silueta colorida y psicodélica que se volvió un ícono de la cultura sneaker con unas nuevas Air Jordan 1.</p><h2>J Balvin y su historia con Jordan Brand</h2><p>Cada vez es más habitual ver cómo figuras latinoamericanas de la música dejan su huella dentro del universo de la moda urbana. Desde las reinterpretaciones y lanzamientos de Bad Bunny junto a adidas, pasando por las gorras de New Era con Duki y Bizarrap como protagonistas hasta incluso la incorporación de Paulo Londra como embajador de Vans: la conexión entre música y streetwear atraviesa uno de sus momentos más fuertes.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4cb2a81421.png" alt=""><figcaption>J Balvin junto a Ryan Castro con las nuevas Air Jordan 1 (Instagram/J Balvin).</figcaption></figure><p>Y si pensamos en una de las primeras colaboraciones capaces de romper la barrera entre el universo musical latino y la cultura sneaker global, es inevitable que aparezcan en nuestra cabeza aquellas icónicas Air Jordan 1 de J Balvin. Esa silueta colorida, explosiva y psicodélica que no solo se convirtió en un auténtico par de culto, sino que también funcionó como un puente entre la música urbana y el universo textil.</p><h2>De la psicodelia al negro total: así son las nuevas Air Jordan 1 de J Balvin</h2><p>Y es que, seis años después de aquel lanzamiento, J Balvin volvió a dejar su huella en el mundo de la moda urbana con una nueva reinterpretación de las Air Jordan 1.</p><p>Pero esta vez con un contraste totalmente opuesto al de aquella primera colaboración multicolor. Las nuevas sneakers mantienen la estructura que se volvió característica del lanzamiento original, con bordes recortados y dentados en zonas como la puntera, el cuello, el talón y el swoosh, aunque abandonando por completo la explosión cromática para abrazar una estética mucho más sobria y oscura, casi como si el modelo original hubiese sido atravesado por un filtro negro.</p><p>Entre los detalles más llamativos aparecen dos parches que rompen con el predominio absoluto del negro: por un lado, la clásica carita sonriente con ojos en forma de rayos sobre una placa circular amarilla, uno de los símbolos más reconocibles dentro del universo visual del colombiano; y por el otro, un Jumpman rosado. Además, las zapatillas incorporan la insignia “OMERTA”, una referencia directa al proyecto musical desarrollado junto a Ryan Castro.</p><p>Las nuevas Air Jordan 1 negras de J Balvin salieron a la luz a través de un posteo en la cuenta oficial de Instagram del colombiano, acompañado de un carrusel fotográfico donde el colombiano mostró distintos detalles de la silueta, desde la lengüeta hasta los gráficos laterales y los acabados del modelo. Y así como la versión psicodélica original terminó agotando su stock alrededor del mundo para convertirse en una pieza legendaria dentro de la cultura sneaker, esta nueva edición también parece destinada a transformarse en un objeto de deseo absoluto.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4d95784876.png" alt=""><figcaption>El detalle de las nuevas Air Jordan 1 de J Balvin (Instagram/J Balvin).</figcaption></figure><h2>¿Por qué las Air Jordan 1 negras de J Balvin son tan exclusivas?</h2><p>Y es que el par no fue pensado para ocupar escaparates ni llenar estanterías de tiendas, sino para formar parte del círculo íntimo del artista. Las zapatillas están reservadas exclusivamente para el formato “Friends &amp; Family”, con apenas cien unidades fabricadas para personas cercanas al entorno del colombiano. Una exclusividad extrema que eleva todavía más el aura de una silueta destinada a convertirse en otro capítulo icónico dentro de la relación entre la música latina y el streetwear global.</p><h2>La joya sneaker que J Balvin mostró en el Mundial</h2><p>Pero las sorpresas entre J Balvin y Jordan Brand no terminaron ahí. Durante la ceremonia inaugural del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, donde el colombiano interpretó éxitos como “<em>Qué Calor</em>”, “<em>I Like It</em>” y “<em>Una Vez</em>” junto a Ryan Castro en la previa del encuentro entre México y Sudáfrica, el artista colombiano dejó ver una nueva colaboración junto a Jordan Brand.</p><p>Se trata de las nuevas Air Jordan 4 &quot;Lemonade&quot;, una silueta completamente monocromática en un llamativo tono amarillo inspirado en el universo creativo del colombiano. El modelo mantiene elementos clásicos de las Jordan 4, como el mesh lateral visible, e incorpora detalles característicos del artista, entre ellos su icónica carita sonriente con ojos en forma de rayos invertida y ubicada en la zona del talón.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_526d9b9d5b.png" alt=""><figcaption>El talón de las Air Jordan 4 x J Balvin (Complex).</figcaption></figure><p>Aunque todavía no fueron lanzadas oficialmente, las Air Jordan 4 “Lemonade” ya se posicionan como uno de los pares más esperados del año dentro de la cultura sneaker. Según las primeras informaciones, la colaboración saldría a la venta en septiembre y promete convertirse en un nuevo capítulo dentro de la histórica relación entre J Balvin y Jordan Brand.</p>

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La nueva joya sneaker de J Balvin junto a Jordan Brand

<p>¿Puede internet transformar a un futbolista desconocido en una celebridad mundialista? Ese fue el desafío planteado por Scarso, el influencer argentino que convirtió al mediocampista neozelandés Tim Payne en fenómeno viral.</p><h2>El reto viral que convirtió a Tim Payne en fenómeno mundialista</h2><p>Con el pitazo inicial de una nueva edición de la Copa del Mundo cada vez más cerca, resulta prácticamente imposible pasar por alto cómo la fiebre mundialista ha comenzado a conquistar absolutamente todos los universos posibles. Desde el arte urbano y la moda hasta las redes sociales, el torneo más importante del fútbol internacional vuelve a convertirse en uno de los motores culturales más fuertes del planeta.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elscarso/video/7492158132190252343" data-video-id="7492158132190252343" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elscarso/video/7492158132190252343" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Y probablemente sea justamente internet el espacio donde el Mundial más huella viene dejando en las últimas semanas. Comerciales, canciones, anuncios, debates futboleros y contenido viral comienzan a invadir plataformas como TikTok, Instagram, YouTube y X, donde además los creadores de contenido deportivo se convierten en protagonistas absolutos fuera del campo de juego. No solo porque son especialistas del universo futbolero, sino también porque la Copa del Mundo representa el evento más esperado para quienes viven y generan contenido alrededor del deporte.</p><p>Y uno de los creadores que más repercusión logró generar en este contexto fue el argentino Scarso, quien decidió llevar adelante un desafío tan simple como ambicioso: convertir en famoso al jugador menos conocido de la próxima Copa del Mundo. Sí, así como se lee.</p><p>Bajo esa premisa, el influencer argentino comenzó una especie de “scouting mundialista” recorriendo las distintas selecciones clasificadas en busca de aquel futbolista que encajara perfectamente con el reto. Y finalmente lo encontró en Nueva Zelanda bajo el nombre de Tim Payne, mediocampista que se desempeña en Wellington Phoenix, con pasado en la Premier League y en el fútbol de Estados Unidos y que, hasta hace apenas unos días, pasaba prácticamente desapercibido para el público futbolero internacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4a05975272.png" alt=""><figcaption>Tim Payne, el protagonista del desafío de Scarso (Instagram/Tim Payne).</figcaption></figure><p>El desafío comenzó con un video publicado por Scarso explicando la idea de transformar al futbolista menos conocido del Mundial en una auténtica celebridad digital, mostrando además todo el análisis que realizó hasta dar con el nombre del jugador neozelandés. Y en menos de un día, el reto explotó por completo convirtiéndose en un fenómeno viral.</p><p>Al momento de la publicación inicial, Tim Payne contaba con poco más de 4.000 seguidores en Instagram. Sin embargo, tras la viralización del contenido, el futbolista multiplicó su comunidad de manera completamente descontrolada hasta superar los 300.000 seguidores en cuestión de horas. Una auténtica locura digital impulsada por miles y miles de usuarios que comenzaron a llenar sus publicaciones de comentarios, likes y mensajes provenientes de todas partes del mundo.</p><p>La repercusión fue tan grande que incluso figuras alejadas del mundo del fútbol comenzaron a involucrarse con el desafío. Entre ellos apareció el productor argentino Bizarrap, quien reaccionó públicamente a la movida impulsada por Scarso, aumentando todavía más el alcance del fenómeno. Y mientras todo explotaba en redes sociales, el propio Tim Payne también terminó comunicándose con el creador argentino para agradecerle y confesarle que no podía entender cómo había explotado semejante nivel de exposición mediática de un día para el otro.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elscarso/video/7644635904635620615" data-video-id="7644635904635620615" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elscarso/video/7644635904635620615" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Así, entre memes, comentarios, videos virales y millones de visualizaciones, el Mundial parece haber encontrado una nueva figura inesperada. Porque sí, todos saben que la próxima Copa del Mundo contará con estrellas como Lionel Messi, Kylian Mbappé, Cristiano Ronaldo, Neymar Júnior o Harry Kane. Pero gracias a internet y a un reto viral completamente inesperado, ahora también hay lugar para una nueva “superestrella” llamada Tim Payne.</p><h2>¿Quién es Scarso, el influencer detrás del boom de Tim Payne?</h2><p>Detrás del desafío que convirtió a Tim Payne en uno de los nombres más comentados de cara a la próxima Copa del Mundo aparece la figura del creador de contenido argentino Scarso. Con una comunidad cercana a los 700.000 seguidores en TikTok, Valentín Scarsini se consolidó como una de las caras más reconocidas del contenido futbolero digital en Latinoamérica gracias a un estilo basado en retos, desafíos virales, experimentos futbolísticos y videos cargados de humor y creatividad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_860ab5d658.png" alt=""><figcaption>Scarso, el creador de contenido argentino detrás del fenómeno viral de Tim Payne (Instagram/El Scarso).</figcaption></figure><p>A través de challenges relacionados con el fútbol, análisis, historias curiosas y dinámicas completamente fuera de lo común, Escarzo logró construir una comunidad acompañada por millones de reproducciones y cientos de miles de likes en redes sociales. Desde intentar hacer crecer clubes pequeños hasta inventar futbolistas ficticios o impulsar desafíos virales alrededor del deporte, el argentino encontró en el entretenimiento futbolero una fórmula que hoy lo posiciona como una de las grandes figuras emergentes del contenido deportivo en internet.</p>

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El desafío viral que quiere convertir al jugador menos conocido del Mundial en una estrella

<p>Los sabores asiáticos siguen ganando terreno en Buenos Aires y ahora tienen un nuevo protagonista: los onigiris de la mano Jurichi Onigiris, la propuesta ideada por Julian Chirom que ya conquista a los amantes de la gastronomía asiática.</p><h2>Jurichi Onigiris, el primer bar de onigiris en Buenos Aires</h2><p>En un mundo cada vez más conectado, la gastronomía se ha convertido en uno de los lenguajes culturales más universales. ¿Cuántas veces vimos una tradición culinaria escapar de su lugar de origen y echar raíces a miles de kilómetros de distancia? Desde parrillas argentinas que se multiplican en distintas ciudades de Europa, hasta casas de pastas que forman parte del ADN gastronómico porteño, los sabores viajan, se transforman y encuentran nuevos públicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_979bbe02e2.png" alt=""><figcaption>Los onigiris de Jurichi Onigiris (Jurichi Onigiris).</figcaption></figure><p>En ese contexto, la cocina asiática ha logrado posicionarse como una de las más influyentes dentro de la escena gastronómica de Buenos Aires. Con el sushi como principal exponente, su expansión dio lugar a una amplia variedad de propuestas que lograron conquistar al público local. Sin embargo, uno de los íconos más populares de la gastronomía japonesa, el onigiri —una bola de arroz moldeada generalmente en forma triangular, rellena con ingredientes como salmón, atún o umeboshi y envuelta parcialmente en alga nori— aún no contaba con un espacio propio en la capital argentina.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSXhwUfERar/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSXhwUfERar/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Ese vacío comenzó a saldarse con la llegada de Jurichi Onigiris. Ubicado en el barrio de Palermo y nacido de la iniciativa de Julian Chirom, un apasionado por esta preparación japonesa, el proyecto se consolidó como el primer bar especializado en onigiris de la ciudad de Buenos Aires. Con una propuesta centrada en este clásico de la cultura nipona, pero adaptada al paladar local, el espacio ofrece una carta variada donde los onigiris son protagonistas, acompañados por otras opciones que completan la experiencia y lo posicionan como un nuevo punto de referencia para los amantes de la comida asiática. Así que ya sabes, si sos de la ciudad de Buenos Aires y tu pasión son los onigiris, Jurichi Onigiris es una parada obligatoria en tu calendario.</p><h2>La historia detrás del proyecto</h2><p>El origen de Jurichi Onigiris está directamente ligado a la historia personal de Julián Chirom, su creador. Apasionado por la cocina, su primer acercamiento a los onigiri fue durante un viaje a Nueva York, experiencia que luego profundizó en Japón. Sorprendido por la poca presencia de esta preparación en Argentina, comenzó a hacerlos de manera casera para su círculo cercano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fbf4bb39d5.png" alt=""><figcaption>Julián Chirom, el creador de Jurichi Onigiris (Jurichi Onigiris).</figcaption></figure><p>Con el tiempo, lo que empezó como un hobby fue tomando forma: recetas que se perfeccionaban, combinaciones que evolucionaban y una idea que crecía casi sin proponérselo. Así nació Jurichi, con el objetivo de acercar los onigiris al público local y convertirlos en parte de la rutina gastronómica cotidiana.</p><h2>La carta: el corazón de Jurichi Onigiris</h2><p>Con los onigiri como protagonistas absolutos, la propuesta de Jurichi no solo se apoya en su carácter pionero en Buenos Aires, sino también en una carta sólida que respalda su lugar dentro de la escena. Con más de cinco variantes, cada opción combina ingredientes clásicos y giros contemporáneos que elevan esta preparación tradicional.</p><ul><li>Asian Salmon Sesame: relleno de salmón con mayo y aceite de sésamo, envuelto en alga nori crocante.</li></ul><ul><li>Spicy Tuna Japo Mayo: relleno de atún con mayo japonesa y un toque de togarashi apenas picante, envuelto en alga nori crocante.</li></ul><ul><li>Teri Salmon Glaze: relleno de salmón con salsa teriyaki premium y aceite de sésamo, envuelto en alga nori crocante.</li></ul><ul><li>Funghi Power Veggie: relleno de hongos salteados con salsa de hongos y maní crocante, envuelto en alga nori.</li></ul><ul><li>Egg Salad: relleno de huevo con mayo japonesa y un toque de aceite de trufa, envuelto en alga nori crocante.</li></ul><ul><li>Tartare Trucha y Palta: relleno de trucha cruda, palta y vinagreta japonesa, envuelto en alga nori crocante.</li></ul><ul><li>Week Especial (salmón trufado): relleno de salmón crudo con aceite de trufa, envuelto en alga nori crocante.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b73b782099.png" alt=""><figcaption>Las delicias gastronómicas de Jurichi Onigiris (Jurichi Onigiris).</figcaption></figure><p>Cada onigiri tiene un valor de $7.900 pesos argentinos, mientras que también se pueden pedir en formato de cajas de dos, tres, cuatro, ocho o doce unidades, con precios que van desde los $15.800 hasta los $81.400, según la cantidad elegida.</p><h2>Todo lo que tenés que saber para visitar Jurichi</h2><p>Es muy probable que, después de recorrer la carta y descubrir la propuesta, ya te hayan dado ganas de probar los onigiri de Jurichi. Para quienes quieran vivir la experiencia en primera persona, el local se encuentra en el barrio de Palermo (calle Bonpland 1861), consolidándose como un nuevo punto de encuentro para los fanáticos de la cocina asiática en la ciudad.</p><p>Jurichi Onigiris abre sus puertas de lunes a domingos y ofrece la posibilidad de disfrutar sus productos tanto en el local como a través de pedidos para llevar. Sus horarios de atención son:</p><ul><li>Lunes: 11:00 a 23:00</li></ul><ul><li>Martes: 11:00 a 23:00</li></ul><ul><li>Miércoles: 11:00 a 23:00</li></ul><ul><li>Jueves: 11:00 a 23:00</li></ul><ul><li>Viernes: 11:00 a 15:00</li></ul><ul><li>Sábados: 21:00 a 00:00</li></ul><ul><li>Domingos: 11:00 a 23:00</li></ul><p>Con una propuesta que combina tradición japonesa y sabores contemporáneos, el espacio se posiciona como una alternativa diferente dentro de la escena gastronómica porteña.</p>

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El spot que lleva el sabor de los onigiris a Buenos Aires

<p>Con más de un millón y medio de seguidores en redes sociales, Mike Máquina del Mal se convirtió en uno de los fenómenos digitales más virales del ecosistema futbolero latinoamericano, y promete trasladar toda su personalidad, humor y estilo provocador a la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá.</p><h2>El personaje futbolero que conquistó las redes sociales: Mike Máquina del Mal</h2><p>La llegada de una nueva edición de la Copa del Mundo no solo convierte a las máximas estrellas del planeta en protagonistas absolutos del evento. Y es que más allá de nombres de la talla de Lionel Messi, Cristiano Ronaldo o Kylian Mbappé, cada Mundial también termina descubriendo personajes y figuras extra futbolísticas que le aportan un color especial a la competencia y acaban convirtiéndose en auténticos íconos culturales de cada edición.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e20c4f84b.png" alt=""><figcaption>Mike Máquina del Mal durante su paso por paren La Mano (Vorterix).</figcaption></figure><p>Y no hay dudas de que uno de los personajes mexicanos que promete robarse parte de los flashes fuera de las canchas en la próxima edición de la competencia será Mike Máquina del Mal, una de las personalidades digitales futboleras más populares y virales del último tiempo en México. Con casi un millón y medio de seguidores entre todas sus redes sociales —siendo TikTok la plataforma donde más impacto y viralidad ha conseguido— Miguel Bedean, nombre real del creador de contenido, logró convertirse en un fenómeno dentro del ecosistema futbolero latino.</p><p>Con una personalidad exagerada, provocadora, memeable y hasta incluso arrogantemente caricaturesca, el mexicano consiguió conectar rápidamente con el público futbolero de toda Latinoamérica a través de un estilo cargado de reacciones explosivas, humor, debates y transmisiones vinculadas al universo del fútbol. Un perfil que encontró en la Selección mexicana y en Club América —equipo del cual es hincha— dos de sus principales motores narrativos.</p><p>A través de streams, colaboraciones y apariciones junto a figuras del ecosistema digital deportivo como La Cobra y Davo Xeneize de Argentina, Los Futbolitos de República Dominicana y distintos creadores y futbolistas latinoamericanos, Mike Máquina del Mal terminó construyendo una identidad propia dentro de la conversación futbolera en redes sociales. Un personaje que, a falta de semanas para el pitazo inicial de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, ya se perfila como uno de los grandes emblemas digitales mexicanos que acompañarán la vibra mundialista fuera de los estadios.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dc4fafbfdf.png" alt=""><figcaption>Mike Máquina del Mal posando con la camiseta de América (Instagram/Mike Máquina del Mal).</figcaption></figure><p>Y es que en tiempos donde el fútbol también se consume a través de clips, memes, streams y reacciones virales, figuras como Mike Máquina del Mal representan a una nueva generación de personajes mundialistas: aquellos que, sin pisar el césped, también terminan formando parte del espectáculo. Porque si algo dejó en claro el fútbol moderno es que la Copa del Mundo ya no solo se juega dentro de los estadios, sino también en las redes sociales.</p>

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