<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El hot dog americano encontró un nuevo lugar en Buenos Aires y llegó acompañado por una fuerte estética vintage.</span></p><p><br>&nbsp;</p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Matt’s, la panchería creada por Migue Granados y Rodo Cámara, abrió sus puertas en Las Cañitas con una propuesta centrada en recetas clásicas de Estados Unidos.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Matt’s, el proyecto de Migue Granados y Rodo Cámara que lleva el hot dog americano a Buenos Aires</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En las últimas semanas, la ciudad de <strong>Buenos Aires</strong> fue testigo de una <strong>nueva inauguración gastronómica</strong> que puso en el centro de la escena a uno de los clásicos de la comida callejera estadounidense: <strong>el hot dog</strong>.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DdHwVxGR0Et/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DdHwVxGR0Et/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DdHwVxGR0Et/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Matt’s - Hot Dogs Americanos (@matts.hotdogs)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Se trata de </span><a href="https://www.instagram.com/matts.hotdogs/"><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>Matt’s</strong></span></a><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><strong>, la nueva panchería creada por Migue Granados</strong>, conductor y una de las caras principales de Olga, <strong>junto a Rodo Cámara</strong>, fundador de The Food Truck Store y Luisa’s y referente del universo gastronómico vinculado con las hamburguesas y la comida rápida.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto nació con una idea concreta: <strong>recrear en Buenos Aires la experiencia de las históricas pancherías americanas que marcaron generaciones en ciudades y territorios vinculados con el hot dog</strong>, como Chicago, Nueva York, Detroit y Coney Island.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La propuesta también apunta a trasladar esa identidad a la experiencia del local. Ubicado sobre la calle Maure 1678, en Las Cañitas, <strong>Matt’s apuesta por una estética inspirada en los clásicos diners estadounidenses</strong>, con barra, banquetas, cocina abierta, revestimientos y distintos elementos visuales que buscan transportar al público a otra época.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La filosofía del proyecto aparece resumida en una de sus principales consignas: <strong>no buscar reinventar el hot dog, sino representar su verdadera identidad</strong>. De esta manera, el concepto se apoya en un producto popular, callejero y accesible, pero también profundamente ligado a la cultura gastronómica de Estados Unidos.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Actualmente funciona de martes a jueves de 20:00 a 00:00, mientras que viernes, sábado y domingo permanece abierto de 12:00 a 00:00.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Del clásico al Coney Dog: así es la carta de Matt’s</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Como sucede con cualquier propuesta gastronómica, <strong>una de las partes fundamentales de Matt’s está en su carta</strong>. El menú toma como inspiración distintos estilos tradicionales del hot dog estadounidense y los adapta a una experiencia pensada para el público porteño.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Clásico: aderezo a elección.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Original: mostaza, cebolla y relish.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">NYC: mostaza picante, red onion sauce y chucrut.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Coney Dog: chili, cebolla y mostaza.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Chicago: mostaza, neon relish, cebolla, tomate, pickles y la posibilidad de sumar sport peppers.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Americano: queso cheddar y bacon bites.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Chili Cheese Dog: chili y queso cheddar</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La carta también incorpora distintas alternativas para complementar los hot dogs, con <strong>combos, toppings y guarniciones, además de postres y bebidas</strong>. Entre las opciones disponibles aparecen <strong>papas fritas y distintas bebidas sin alcohol</strong>, junto con cervezas, en una propuesta que busca completar la experiencia de una panchería americana: los precios de los hot dogs se pueden encontrar en la carta.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">De esta manera, <strong>Matt’s construye una carta que recorre diferentes estilos clásicos de Estados Unidos y los concentra en una misma propuesta gastronómica en Las Cañitas</strong>.</span></p>

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<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ciudad de México cuenta con una enorme variedad de propuestas gastronómicas, pero también guarda algunos destinos ideales para los fanáticos del paladar dulce, donde aparece Roll Lab, el local que lleva más de cinco años conquistando el paladar dulce de la capital con roles de canela.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Roll Lab, el laboratorio dulce que conquistó Colonia Juárez</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A lo largo y ancho de <strong>Ciudad de México</strong> existen distintas <strong>propuestas gastronómicas</strong> que cautivan el paladar de propios y visitantes. Desde <strong>opciones asiáticas</strong>, con el sushi y el ramen como algunos de sus grandes protagonistas, hasta <strong>destinos vinculados con la comida callejera y rápida</strong>, como hamburguesas, hot dogs y tacos, la capital mexicana ofrece alternativas para prácticamente todos los gustos.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Da5lPJGRwz7/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/Da5lPJGRwz7/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/Da5lPJGRwz7/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por Roll Lab (@roll_lab_)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero dentro de ese enorme universo gastronómico también <strong>hay espacio para quienes buscan una experiencia enfocada exclusivamente en el lado dulce de la cocina</strong>. Y es ahí donde aparece <strong>Roll Lab</strong>, uno de los destinos con mayor reputación dentro de la pastelería de Ciudad de México, ubicado en Varsovia 57, en la Colonia Juárez.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con más de cinco años dentro de la industria gastronómica y pastelera, <strong>el espacio construyó su identidad alrededor de los roles de canela, convertidos en el gran estandarte de su propuesta</strong>. A partir de allí, Roll Lab desarrolló distintas variedades que van desde los sabores más clásicos hasta combinaciones mucho más particulares.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6458b716a0.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Las delicias de Roll Lab (Roll Lab).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre sus opciones aparecen propuestas como el <strong>tradicional roll de canela, Kinder, maple y tiramisú</strong>, además de otras alternativas que forman parte de su concepto de “laboratorio”. Una combinación que convirtió al lugar en <strong>una parada atractiva para quienes buscan descubrir nuevas propuestas de pastelería en la capital mexicana</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Roll Lab se encuentra abierto de lunes a domingo de 8:00 a 19:00, aunque, dependiendo de la jornada, algunas variedades pueden agotarse antes de ese horario.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El menú de Roll Lab: roles clásicos, laboratorio y opciones especiales</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">A la hora de conocer cualquier destino gastronómico, uno de los puntos fundamentales es descubrir qué ofrece su carta. En el caso de Roll Lab, el menú se encuentra dividido en distintas categorías que permiten recorrer su propuesta desde los sabores más tradicionales hasta combinaciones mucho más originales</span></p><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Roles clásicos</span></h3><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Roll de canela</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Kinder</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Berries</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ferrero</span></li></ul><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Roles de laboratorio</span></h3><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Maple con tocino</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Lavanda y cardamomo</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Lotus</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Tiramisú</span></li></ul><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Laboratorio sólido</span></h3><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Roll NDUJA cheddar</span></li></ul><h3><span style="background-color:transparent;color:#434343;font-family:Arial,sans-serif;">Helado</span></h3><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Helado suave de pistacho</span></li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DW18atWCAQw/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DW18atWCAQw/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DW18atWCAQw/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida por Roll Lab (@roll_lab_)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los precios de Roll Lab van <strong>desde los $80 hasta los $125 pesos mexicanos</strong>, dependiendo de la opción elegida. De esta manera, la propuesta permite probar desde los clásicos roles de canela hasta algunas de sus combinaciones más particulares dentro del concepto de laboratorio.</span></p>

Roles de canela, el producto estrella de Roll Lab (1).avif

Roll Lab, el paraíso de los roles de canela que tenés que conocer en Ciudad de México

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Dentro de la nueva camada del reguetón mexicano, Denna La Porri aparece como una de las propuestas femeninas que más rápido logró construir una identidad reconocible.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Reguetón mexa, barrio y personalidad: el universo de Denna La Porri</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>industria musical mexicana</strong> cuenta con una enorme variedad de escenas y referentes que conviven dentro de un mismo panorama. Desde la <strong>música regional mexicana</strong> y los <strong>corridos tumbados</strong> hasta el <strong>rap</strong>, con nombres como <strong>Alemán, C-Kan y Aczino</strong>, el país también desarrolló <strong>una escena de reguetón con identidad propia</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_68b44245bb.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Denna y Porri, las integrantes del dúo Denna La Porri (Instagram/Denna La Porri).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Dentro de esa nueva camada aparece <strong>Denna La Porri</strong>, el proyecto formado por <strong>Danna Paola Reyna Merklin</strong>, conocida como Denna, y <strong>Ana Paula Sánchez Jiménez</strong>, conocida como Porri. Ambas encontraron en el reguetón mexa una plataforma para desarrollar <strong>una propuesta marcada por el desparpajo, el humor, la sexualidad y una fuerte identidad barrial</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El proyecto comenzó a tomar forma en el año 2025 y su primera canción fue “<i><strong>Vacilón</strong></i>”. A partir de ese lanzamiento, <strong>el dúo comenzó a ganar una base de seguidores y a escalar rápidamente dentro de la escena urbana de Ciudad de México</strong>, con presentaciones en espacios vinculados al género como Mr. Duck, Bar Oriente y Club Amok.</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/mKTHyXEMqIg" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Una de las características más interesantes del proyecto puede encontrarse en su evolución sonora. En sus primeros lanzamientos, los bajos ocupaban un lugar central y en ocasiones incluso se imponían sobre las voces. Con el paso de las canciones, esa relación fue cambiando y las voces de ambas comenzaron a adquirir mayor protagonismo, algo que también ayudó a consolidar la identidad musical del dúo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Esa transformación también puede apreciarse en su manera de abordar las letras. <strong>Denna La Porri lleva lo sexual y lo visceral hacia una concepción vinculada con el barrio</strong>, una característica que forma parte de una escena de reguetón mexicano que desarrolló sus propios códigos, estéticas y formas de contar historias.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_0a8e364dca.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">La estética de Denna La Porri (Instagram/Denna La Porri).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Este año, el proyecto dio un paso todavía más importante con el lanzamiento de “<i><strong>PEKORITAS VOL.1</strong></i>”, su primer álbum de estudio. Compuesto por un total de diez sencillo, el disco también funciona como <strong>una muestra de la amplitud del dúo</strong>. A lo largo de sus canciones aparecen colaboraciones con nombres como <strong>Kinto Piso, Legorreta, elakkka, Uzielito Mix, Moodjaas, La Dembow Gang y Grozero</strong>, ampliando el universo sonoro del proyecto y conectándolo con distintos nombres de la escena urbana mexicana.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Ese recorrido explica <strong>por qué Denna La Porri aparece como una de las propuestas emergentes más interesantes del reguetón mexicano</strong>. Con una identidad que combina perreo, humor, sexualidad, estética y una marcada conexión con el barrio, Danna y Ana Paula construyeron en poco tiempo un proyecto reconocible y con espacio para seguir creciendo dentro de la escena urbana.</span></p>

Denna La Porri, el dúo femenino que se convirtió en una de las caras del reguetón mexa (1).avif

El dúo femenino que se convirtió en una de las caras del reguetón mexa

<p>Los accesorios también encontraron nuevas formas de conquistar el streetwear argentino, y Es de Neko lo demuestra con carteras confeccionadas completamente a partir de mostacillas.</p><h2>Es de Neko y el arte de construir carteras mostacilla por mostacilla</h2><p>Con el paso del tiempo, los accesorios dejaron de ocupar un papel secundario dentro del streetwear para convertirse en piezas capaces de definir por completo un outfit. Gorras, joyería, bolsos y carteras ganaron protagonismo hasta construir sus propias tendencias, y en Argentina existe una propuesta que lleva ese universo hacia un terreno mucho menos habitual: <a href="https://www.instagram.com/esdeneko_"><u>Es de Neko</u></a>.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b7c7b0752a.png" alt=""><figcaption>Corbata de mostacillas hecha por Es de Neko (Instagram/Es de Neko).</figcaption></figure><p>El proyecto concentra gran parte de su identidad en las beadbags, término que podría traducirse como “bolsos de cuentas”: carteras confeccionadas artesanalmente a partir de mostacillas, cuentas, abalorios o perlitas que se entrelazan una a una mediante una técnica de tejido manual hasta conseguir una estructura firme y resistente.</p><p>El resultado son piezas que combinan moda y trabajo artesanal y que convierten un material tradicionalmente asociado a pequeños accesorios en el protagonista absoluto de una cartera. Es de Neko explora esta técnica mediante diferentes tamaños, formas, colores y niveles de complejidad.</p><p>Entre sus propuestas aparecen desde bolsos pequeños hasta modelos de mayores dimensiones y versiones con correas largas, acompañados por una paleta que puede pasar de tonalidades clásicas como negro o blanco hasta combinaciones mucho más llamativas con rojo, azul, verde o amarillo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DayE1P4hULz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DayE1P4hULz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los diseños también permiten jugar con distintos niveles de detalle. Hay propuestas más minimalistas donde el entramado de mostacillas es el protagonista y otras que incorporan figuras y patrones como corazones o mariposas, llevando cada pieza hacia un terreno mucho más gráfico y personalizado.</p><p>Pero el universo de Es de Neko no se limita únicamente a las carteras. La misma técnica aparece trasladada a otros accesorios, entre ellos porta encendedores y corbatas confeccionadas con mostacillas, ampliando una propuesta que encuentra en el trabajo manual su principal sello de identidad.</p><p>Las piezas pueden adquirirse a través de la <a href="https://esdeneko.empretienda.com.ar/"><u>tienda oficial del proyecto</u></a>, con precios que varian dependiendo del modelo y su complejidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c4a083e5b6.png" alt=""><figcaption>Malena Pichot, actriz, comediante y activista feminista argentina, utilizando una beadbag de Es de Neko (Instagram/Malena Pichot).</figcaption></figure><p>Además, Es de Neko permite pasar de comprar una pieza terminada a aprender directamente cómo crearla. El proyecto ofrece workshops presenciales de elaboración con mostacillas, con materiales y acompañamiento durante el proceso, acercando la técnica tanto a quienes simplemente sienten curiosidad como a quienes quieren comenzar a desarrollar sus propios diseños.</p><p>De esta manera, Es de Neko encontró una forma particular de introducir la artesanía dentro del streetwear argentino: transformar pequeñas cuentas individuales en carteras, accesorios y piezas capaces de convertirse en protagonistas del outfit.</p>

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Es de Neko, la marca argentina que transforma mostacillas en carteras

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Los videojuegos ya no tienen por qué quedarse frente a una pantalla y Pixel Universe es una muestra de ello, el espacio de Ciudad de México propone minijuegos, desafíos y experiencias inspiradas en el mundo de los píxeles.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El espacio de CDMX donde los videojuegos cobran vida más allá de las pantallas: así es Pixel Universe</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La <strong>Ciudad de México</strong> cuenta con un sinfín de <strong>atracciones </strong>para todo tipo de públicos, desde quienes buscan propuestas culturales hasta aquellos que prefieren experiencias vinculadas al entretenimiento y los videojuegos. Y uno de esos rincones es <strong>Pixel Universe</strong> (Avenida Patriotismo 615, alcaldía Benito Juárez), un espacio de entretenimiento inmersivo donde <strong>el mundo de los píxeles se transforma en una experiencia para vivir más allá de las pantallas</strong>.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1833d52051.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Firewall, uno de los minijuegos de Pixel Universe (Pixel Universe).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Una de sus principales propuestas es <strong>Misión Pixel Cap</strong>, una sección compuesta por distintos <strong>minijuegos </strong>en los que <strong>la destreza, la rapidez, la concentración y el trabajo en equipo son fundamentales</strong> para conseguir el mejor resultado. La experiencia cuenta con diferentes desafíos que ponen a prueba las habilidades de quienes se animan a participar.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Entre las atracciones aparece <strong>Arena</strong>, donde los participantes deben poner a prueba su mente, destreza y capacidad de trabajar en equipo. También está <strong>Código Croma</strong>, un desafío protagonizado por botones de colores y distintos retos en los que la precisión y la audacia son claves para alcanzar la victoria.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Otra de las propuestas es <strong>Bitmap Rush</strong>, una experiencia en la que cada movimiento cuenta. Los participantes deben moverse, saltar y correr mientras observan los paneles LED para esquivar algunos elementos y pisar otros con el objetivo de acumular el mayor puntaje posible.</span></p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DZydps8BrUJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DZydps8BrUJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; border-bottom: 2px solid transparent; transform: translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg)"></div></div><div style="margin-left: auto;"> <div style=" width: 0px; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-right: 8px solid transparent; transform: translateY(16px);"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; flex-grow: 0; height: 12px; width: 16px; transform: translateY(-4px);"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 8px solid #F4F4F4; border-left: 8px solid transparent; transform: translateY(-4px) translateX(8px);"></div></div></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center; margin-bottom: 24px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 224px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 144px;"></div></div></a><p style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; line-height:17px; margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DZydps8BrUJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Pixel Universe (@pixeluniverse.mx)</a></p></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En <strong>Firewall</strong>, el desafío pasa por superar distintos obstáculos digitales con destreza y cuidado, mientras que <strong>Ojo de Glitch</strong> propone poner a prueba la cautela y la rapidez: los participantes deberán evitar ser detectados por el ojo mientras corren para presionar los botones que el glitch vaya asignando.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Por último, <strong>El corazón del caos</strong> transforma todas las pelotas de la alberca en municiones para enfrentarse al glitch. La propuesta combina proyecciones, objetivos y movimiento para completar el desafío y ponerle fin al caos.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Pero Misión Pixel Cap no es la única experiencia disponible. Pixel Universe también cuenta con una <strong>zona de arcade</strong>, que suma diferentes juegos a la propuesta, además de un <strong>espacio de pixel art</strong> donde cada visitante puede elegir un personaje y construirlo píxel por píxel para llevarse un recuerdo único a casa.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6cdff2dadd.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Bitmap Rush, una de las atracciones de Pixel Universe (Pixel Universe).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El espacio también cuenta con <strong>After Dark</strong>, una propuesta pensada para el entretenimiento nocturno, con bebidas y actividades, además de un sector gastronómico para recargar energías entre los diferentes minijuegos, con opciones como hamburguesas y alitas de pollo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Y la experiencia continúa después de cada desafío: quienes participan pueden conseguir <strong>Pixel Coins</strong>, monedas que se obtienen tras completar los minijuegos y que luego pueden utilizarse para canjear premios y artículos exclusivos dentro de la tienda de Pixel Universe.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Precios, horarios, ubicación y todo lo que tenés que saber de Pixel Universe</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si después de conocer sus atracciones ya te dieron ganas de visitar <strong>Pixel Universe</strong>, hay algunos datos que tenés que tener en cuenta antes de acercarte. El espacio está pensado para <strong>personas de 8 años de edad en adelante</strong> y cuenta con diferentes horarios dependiendo del día de la semana.</span></p><ul><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Domingo a jueves: de 11:00 a 21:00.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Viernes: de 12:00 a 19:00 y de 19:00 a 01:00.</span></li><li><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Sábado: de 11:00 a 19:00 y de 19:00 a 01:00.</span></li></ul><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Con entradas <strong>a partir de $399 pesos mexicanos</strong>, Pixel Universe combina <strong>minijuegos, tecnología, arcade, arte y gastronomía</strong> en un mismo espacio, con una experiencia pensada para quienes buscan llevar el universo de los videojuegos a un terreno mucho más físico e inmersivo.</span></p>

El espacio inmersivo de Ciudad de México donde los videojuegos cobran vida.avif

El espacio inmersivo de Ciudad de México donde los videojuegos cobran vida

Las taquerías de CDMX que tenés que conocer (1).avif

Las cinco taquerías que tenés que conocer en Ciudad de México

<p>El universo de One Piece salió de las pantallas para convertirse en arte urbano: en la ciudad de León, más de veinte artistas locales dieron vida a sus principales personajes y crearon un monumental homenaje al universo creado por Eiichiro Oda.</p><h2>Luffy, Zoro y los Sombrero de Paja llegan a León en un mural monumental</h2><p>México es uno de los grandes referentes del muralismo latinoamericano y, dentro de su territorio, León se consolidó durante los últimos años como uno de los puntos destacados para el desarrollo del arte urbano. Ahora, la ciudad volvió a quedar en el centro de la escena gracias a un monumental homenaje al universo de One Piece.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_027ad72c44.png" alt=""><figcaption>Detalles del mural de One Piece en León (IMJU León).</figcaption></figure><p>La obra se encuentra sobre el bulevar José María Morelos, esquina con Rafael Corrales Ayala, y ocupa una superficie de aproximadamente 43 metros de largo por 7 metros de alto. Para llevar adelante el proyecto, más de veinte artistas urbanos locales unieron sus estilos en una intervención encabezada por Sergio Mar Quiroz, conocido artísticamente como Zhot, uno de los principales referentes del arte urbano leonés.</p><p>Con una trayectoria que supera los 150 murales y como uno de los referentes del colectivo RNK, Zhot lideró una obra que funciona como un portal directo hacia el universo creado por Eiichiro Oda, el mangaka detrás de una de las historias más importantes de la cultura japonesa contemporánea.</p><p>El mural reúne una extensa selección de personajes y símbolos reconocibles de One Piece, llevando al formato de gran escala a buena parte de los protagonistas de la historia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Monkey D. Luffy</li><li>Roronoa Zoro</li><li>Nami</li><li>Usopp</li><li>Sanji</li><li>Tony Tony Chopper</li><li>Nico Robin</li><li>Franky</li><li>Brook</li><li>Jinbe</li></ul><p>Otro de los elementos que más llama la atención es la presencia del Going Merry, el icónico barco que acompañó a los Sombrero de Paja durante una parte fundamental de su aventura, integrado dentro de una composición que conecta a los distintos personajes y momentos de la historia.</p><p>La intervención también incorpora un guiño al fenómeno global que One Piece alcanzó fuera del manga y el anime: la aparición de Iñaki Godoy, actor mexicano que interpreta a Monkey D. Luffy en la adaptación live action de Netflix, que llevó nuevamente el universo de Eiichiro Oda a una audiencia masiva.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6812405743.png" alt=""><figcaption>Fans de One Piece posando con el mural creado por Zhot y compañía en Léon (IMJU León).</figcaption></figure><p>El proyecto contó además con la participación de artistas locales como Mercy, Iturias, Bler, Crook, Chris Brown, Gabe, Mauricio, Frida, Zorbe, Brote, entre otros integrantes del colectivo de más de 20 artistas que participaron de la intervención.</p><p>Así, León suma una nueva pieza a su creciente recorrido dentro del muralismo mexicano con una obra que cruza generaciones, disciplinas y culturas: el arte urbano local se convierte en el escenario para homenajear a una historia que, después de más de mil episodios y décadas de recorrido, logró convertirse en uno de los grandes fenómenos culturales de Japón y del mundo.</p>

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El universo de One Piece toma las calles de León

<p>Dentro de la cultura del rap existen distintas formas de enfrentamiento y no todas dependen de la improvisación. Las batallas escritas construyeron su propia identidad a partir de las barras preparadas y se convirtieron en una parte esencial del costado competitivo del rap.</p><h2>Batallas escritas, la rama del rap donde las barras llegan preparadas</h2><p>Dentro del universo de los enfrentamientos de la cultura del rap existen distintas ramas y formatos. Una de las más conocidas es el freestyle, donde dos MCs se enfrentan a través de rimas improvisadas. La otra es las batallas escritas, una disciplina en la que la improvisación deja de ser protagonista y las barras pasan a ser preparadas con anticipación.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_1d70964f61.png" alt=""><figcaption>Replik batallando en la Liga Bazooka (Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>A diferencia del freestyle, donde la capacidad de respuesta y la improvisación son fundamentales, en las batallas escritas cada competidor prepara sus rounds antes de llegar al escenario. Las rimas se escriben, se memorizan y luego se ejecutan de corrido frente al rival, en una especie de performance en la que cada MC busca utilizar sus mejores recursos para atacar y superar al contrincante.</p><p>La preparación puede incluir investigación sobre el rival, referencias a su carrera, juegos de palabras, dobles sentidos, recursos técnicos y todo tipo de elementos que puedan utilizarse para construir un round. La duración de cada participación depende del formato de la competencia y de la cantidad de barras que cada MC haya preparado.</p><p>Una de las grandes diferencias con las batallas de freestyle aparece al momento de definir al ganador. Si estás acostumbrado a competencias como Red Bull Batalla, Freestyle Master Series o God Level, probablemente hayas visto jurados de tres o cinco personas encargados de determinar quién se queda con la victoria. En las batallas escritas, en cambio, no existe esa figura: la decisión queda en manos del público.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZdOz7yufLI/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZdOz7yufLI/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por eso, el resultado muchas veces puede generar debates y opiniones divididas entre los espectadores. Cada persona interpreta de manera diferente los ataques, las referencias y los recursos utilizados durante los rounds, haciendo que la percepción del público sea una parte fundamental del enfrentamiento.</p><p>Otro elemento característico es el formato a capela. Si bien existen competencias o enfrentamientos que incorporan instrumentales de fondo, las batallas escritas suelen desarrollarse sin beat, dejando que las barras preparadas, la interpretación y la presencia escénica sean los principales protagonistas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c33301a6bd.png" alt=""><figcaption>La performance de Giro en la Liga Bazooka (Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>Así, las batallas escritas construyeron su propia identidad dentro de la cultura del rap: una disciplina donde la improvisación deja lugar a la planificación, la investigación y la escritura para convertir cada round en una verdadera pieza de performance.</p><h2>Los grandes escenarios de las batallas escritas en Latinoamérica: Línea Dieciséis y Liga Bazooka</h2><p>Así como Red Bull Batalla y Freestyle Master Series se convirtieron en dos de los grandes circuitos del freestyle hispanohablante, las batallas escritas también construyeron sus propios escenarios de referencia. Entre ellos aparecen dos nombres fundamentales para entender su evolución en Latinoamérica: Línea Dieciséis y Liga Bazooka.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/ybvOtQpU-DE" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p>Con sede en México, Línea Dieciséis se convirtió en uno de los primeros grandes escenarios de batallas escritas de la región. Durante sus años de actividad reunió a algunos de los nombres más reconocidos del rap y el freestyle hispanohablante, entre ellos Aczino, Akapellah, Sony, Eric El Niño, Muelas de Gallo, Kaiser, Blon, Papo, Dtoke, McKlopedia e Invert.</p><p>Su importancia fue más allá de los enfrentamientos: Línea Dieciséis ayudó a sentar las bases de una escena que posteriormente continuaría creciendo y encontrando nuevos espacios para desarrollarse.</p><p>En la actualidad, ese lugar de referencia es ocupado principalmente por Liga Bazooka, una de las competencias más importantes de batallas escritas del circuito hispanohablante. Con los argentinos Dtoke y Papo como caras visibles, la organización llevó este formato a distintos escenarios de Argentina y México, reuniendo a MCs de diferentes países.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_133d16f70a.png" alt=""><figcaption>Markitos y Humo Aliens batallando en la Liga Bazooka (Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>Argentina, Colombia, Estados Unidos, México y Uruguay son algunos de los países que tuvieron representantes en sus enfrentamientos, consolidando a Liga Bazooka como un punto de encuentro para los principales exponentes de esta disciplina.</p><p>De esta manera, Línea Dieciséis representa una parte fundamental de la historia de las batallas escritas en Latinoamérica, mientras que Liga Bazooka mantiene vivo y en constante crecimiento un formato que encontró en la preparación, la escritura y la performance una identidad propia dentro de la cultura del rap.</p>

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¿Qué son las batallas escritas, la disciplina del rap en donde cada barra se prepara al detalle?

<p>Diseños únicos, lanzamientos limitados y una regla clara: lo que se agota no vuelve. Así es la propuesta de Tacs Club, una de las sensaciones mexicanas del mundo de las gorras.</p><h2>La marca mexicana que convirtió las gorras en objetos de colección: así es Tacs Club</h2><p>La escena del streetwear encontró en los accesorios un universo donde las gorras dejaron de ser un complemento para convertirse en protagonistas de los outfits.</p><p>Y en México, una de las marcas que mejor representa esta tendencia es Tacs Club, una firma que ya reúne a casi 100 mil seguidores en redes sociales y construyó una identidad alrededor de diseños exclusivos y lanzamientos sin restock.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_8c7e2fb8a8.png" alt=""><figcaption>Gorra "LA Dragons" de Tacs Club (Tacs Club).</figcaption></figure><p>A diferencia de las propuestas tradicionales, Tacs Club trabaja con unidades limitadas que, una vez agotadas, no vuelven a producirse. Esto transforma cada gorra en una pieza de colección y hace que la disponibilidad dependa de los lanzamientos y la temporada.</p><p>La estética de la marca toma como referencia algunos códigos clásicos de las gorras estructuradas, pero los lleva hacia un lenguaje propio, con diseños que combinan distintos recursos visuales.</p><ul><li>Camuflajes.</li><li>Brillos y acabados especiales.</li><li>Dragones.</li><li>Tipografías de inspiración japonesa.</li><li>Detalles gráficos y bordados exclusivos.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbcDGU_lxUc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbcDGU_lxUc/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La propuesta también alcanzó el terreno de las colaboraciones. Entre ellas se encuentra una colección especial realizada junto al artista mexicano Cornelio Vega Jr., que llevó la identidad de Tacs Club hacia una nueva audiencia.</p><p>Con sus lanzamientos limitados, una estética reconocible y una propuesta basada en la exclusividad, Tacs Club logró posicionarse como una de las marcas mexicanas que encontraron en las gorras mucho más que un accesorio: una pieza capaz de definir un outfit y convertirse en un objeto de colección.</p>

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Tacs Club y el boom de las gorras exclusivas en México

<p>Latinoamérica encontró en el hip hop una tierra fértil para el surgimiento de grandes referentes que marcaron a generaciones enteras, y entre ellos aparece un nombre argentino con casi dos décadas de historia: Urbanse.</p><h2>Urbanse y una trayectoria construida sobre las raíces del rap argentino</h2><p>Todos podemos estar de acuerdo en que la cultura hip hop encontró en Latinoamérica una tierra fértil para crecer, desarrollarse y dar lugar a algunos de los referentes más importantes del movimiento. Desde Canserbero en Venezuela y Chystemc en Chile hasta Dtoke y Acru en Argentina, la región construyó una historia propia alrededor de las barras, las batallas y el rap.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_bf21c6eaa9.png" alt=""><figcaption>Urbanse, ícono del rap argentino (Instagram/Urbanse).</figcaption></figure><p>Y en Argentina, uno de esos espacios se completa con el nombre de Urbanse, MC y compositor que, con casi dos décadas de trayectoria, logró convertirse en una de las figuras destacadas del rap nacional y en un referente dentro de la escena latinoamericana.</p><p>Su recorrido está directamente relacionado con algunos de los momentos y espacios que ayudaron a construir el hip hop argentino. Urbanse fue una pieza clave de Halabalusa, una de las primeras competencias de freestyle del país, escenario en el que nombres como Dtoke comenzaron a sobresalir y que funcionó como punto de encuentro para una generación que empezaba a darle forma a la escena nacional.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOesexfiU_4/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOesexfiU_4/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Años más tarde, también se convirtió en un integrante fundamental de La Conexión Real, uno de los grupos más emblemáticos del rap argentino, compartiendo espacio con figuras como Núcleo aka Tintasucia, Finarru, Tortu y Frane.</p><p>El nombre de Urbanse también trascendió las fronteras nacionales a través de distintas colaboraciones con referentes de la escena hispanohablante, entre ellos Rxnde Akozta, Ali aka Mind, Jona Sánchez, Granuja y Acru.</p><p>Otro de los puntos destacados de su recorrido fue el lanzamiento de “<i>Literal</i>”, disco publicado en el año 2017 y compuesto por diez canciones, que reafirmó su lugar como una de las voces que ayudaron a construir el rap argentino desde sus bases.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_bcb2947bd9.png" alt=""><figcaption>Urbanse junto a sus seguidores en pleno concierto (Instagram/Urbanse).</figcaption></figure><p>Pero la importancia de Urbanse dentro del movimiento no se explica únicamente por sus canciones. Su presencia durante distintas etapas de la cultura hip hop, su participación en espacios fundamentales para el desarrollo del freestyle nacional y su vínculo con algunas de las figuras más importantes de la escena lo convirtieron en una pieza que conecta diferentes generaciones del rap argentino.</p><p>De las primeras competencias hasta sus proyectos musicales y colaboraciones con artistas de distintos puntos de Latinoamérica, Urbanse construyó una trayectoria que demuestra que la vigencia también puede ser una forma de hacer historia dentro del hip hop.</p>

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Urbanse, una pieza clave del rap argentino que atravesó generaciones

Santino Ferrari tocando durante una edición de Drop N Kicks (1).avif

Lost & Found, Drop N Kicks y la música: las tres caras de Santino Ferrari

<p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">El vínculo entre Ca7riel &amp; Paco Amoroso y la moda urbana suma un nuevo capítulo con una de las grandes marcas deportivas internacionales, y es que PUMA confirmó oficialmente su alianza con el dúo argentino.</span></p><h2><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Música, moda y archivo: así es la nueva alianza entre PUMA y Ca7riel &amp; Paco Amoroso</span></h2><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Desde hace varios años, el nombre de <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso</strong> dejó de estar vinculado únicamente al mundo musical y pasó a convertirse en <strong>un fenómeno que trasciende canciones, discos y escenarios</strong>. El dúo argentino también construyó una identidad propia a partir de su estilo, su carisma y una estética que los llevó a ocupar un lugar cada vez más importante dentro de la moda urbana.</span></p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/oeg1dQUj3tg" title="Video de YouTube" loading="lazy" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">En las últimas horas, los artistas <strong>volvieron a ser noticia</strong> y, esta vez, no fue por el lanzamiento de un nuevo sencillo, un álbum o el anuncio de una nueva gira.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Después de haber dejado su primera huella en el mundo de la moda urbana junto a la marca española Bershka, <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso unieron fuerzas oficialmente con PUMA</strong>, consolidando una alianza que cruza música, moda urbana y la identidad visual que caracteriza al dúo.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_db3dcfb63f.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Ca7riel &amp; Paco Amoroso vestidos de PUMA durante uno de sus shows (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Si bien el vínculo ya había comenzado a hacerse visible, la colaboración todavía no había sido oficializada. Durante un <strong>show realizado en la ciudad de Nueva York</strong> en el mes de junio, <strong>Ca7riel &amp; Paco Amoroso fueron vistos utilizando prendas y piezas de PUMA</strong>, una señal que anticipaba el acuerdo que finalmente fue confirmado por ambas partes a través de una publicación en Instagram.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La alianza contempla <strong>el co-diseño de vestuarios personalizados para los shows de su gira global, combinando piezas creadas especialmente para los artistas con prendas vintage pertenecientes al archivo de PUMA</strong>. De esta manera, la propuesta busca trasladar la identidad de Ca7riel &amp; Paco Amoroso al escenario a través de looks que mezclan elementos contemporáneos con piezas históricas de la marca.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_47fbb39d1d.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">La huella de PUMA en los shows de Ca7riel &amp; Paco Amoroso (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">La colaboración ya tuvo sus primeras apariciones en distintas ciudades del mundo. Además de Nueva York, <strong>los looks vinculados a PUMA también pudieron verse en Ciudad de México y Barcelona</strong>, aunque todavía quedan nuevos escenarios y estilos por conocer a medida que avance la gira.</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d40c30bc80.png"></span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;font-size:11px;">Vestuario de Ca7riel hecho por PUMA (PUMA).</span></p><p><span style="background-color:transparent;color:#000000;font-family:Arial,sans-serif;">Para Ca7riel &amp; Paco Amoroso, se trata de un nuevo capítulo dentro de una trayectoria que cada vez tiene más puntos de contacto con la moda y la cultura urbana. Para PUMA, en tanto, representa un nuevo vínculo con dos artistas argentinos que lograron convertir su música, su estética y su manera de habitar los escenarios en parte fundamental de su identidad.</span></p>

Ca7riel & Paco Amoroso vestidos por PUMA durante un show.avif

Ca7riel & Paco Amoroso se visten de PUMA

<p>El streetwear vuelve a encontrarse con la cultura pop: Nike confirmó su nueva colaboración con One Piece, inspirada en tres de las legendarias Frutas del Diablo.</p><h2>Nike y One Piece se unen para convertir las Frutas del Diablo en sneakers</h2><p>El vínculo entre la cultura pop y el mundo del streetwear continúa creciendo con colaboraciones que llevan universos de ficción a prendas y zapatillas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b412af31cf.png" alt=""><figcaption>Ope Ope no Mi, una de las Frutas del Diablo del universo de One Piece, hecha sneaker (Nike).</figcaption></figure><p>Y una de las últimas en sumarse a esta tendencia es Nike x One Piece, una colección que fusiona el ADN de la firma estadounidense con uno de los mangas y animes más populares de las últimas décadas.</p><p>Después de rumores y diferentes adelantos, Nike confirmó una propuesta inspirada en el universo creado por Eiichiro Oda, con las Frutas del Diablo como grandes protagonistas. La colección toma como punto de partida tres de ellas —la Gomu Gomu no Mi, la Mera Mera no Mi y la Ope Ope no Mi— para reinterpretar la silueta de las Air Max Plus.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcYRurhIdBM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcYRurhIdBM/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Gomu Gomu Air Max Plus: la primera de las sneakers está inspirada en la Gomu Gomu no Mi, asociada a Monkey D. Luffy. La combinación de tonos morados y verdes busca trasladar a la zapatilla la estética de la fruta que convirtió al protagonista en un hombre de goma, mientras que las líneas onduladas características de las Air Max Plus refuerzan la referencia a la elasticidad y el movimiento de sus poderes.</li><li>Mera Mera Air Max Plus: la segunda versión toma como referencia la Mera Mera no Mi, relacionada originalmente con Portgas D. Ace y posteriormente con Sabo. En este caso, Nike apuesta por una combinación de naranjas, amarillos y rojos, creando un efecto visual inspirado en las llamas y acompañado por detalles en azul turquesa que generan contraste en diferentes sectores de la silueta.</li><li>Ope Ope Air Max Plus: por último, aparece la Ope Ope no Mi, la fruta utilizada por Trafalgar D. Water Law. Su diseño se diferencia de los anteriores mediante una estética más psicodélica y una combinación de tonos ciruela y pistacho, buscando representar visualmente el particular universo del ROOM, la habilidad que permite a Law manipular personas, objetos y posiciones dentro de un espacio determinado.</li></ul><p>Las tres Air Max Plus comparten además un detalle especial en la lengüeta: un Jolly Roger reinterpretado por Nike e inspirado en la bandera pirata de Luffy, con el característico sombrero de paja como elemento central. De esta manera, uno de los símbolos más reconocibles de One Piece se convierte en parte del diseño de la colección.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_504235c233.png" alt=""><figcaption>El universo de One Piece convertido en moda urbana por Nike (Nike).</figcaption></figure><p>Pero las zapatillas no serán las únicas protagonistas. La colaboración también incluye camisetas, jerseys, gorras y un chaleco, con diseños que combinan paneles originales del manga, referencias a la historia de One Piece y elementos clásicos del universo de Nike.</p><p>Así, Nike lleva el universo de One Piece directamente al streetwear a través de una colección que no solo recupera algunos de los símbolos más importantes de la obra de Eiichiro Oda, sino que convierte a tres de sus Frutas del Diablo más reconocidas en protagonistas de una de las siluetas más icónicas de la marca.</p>

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El universo de One Piece llega al streetwear de la mano de Nike

Atleta venezolano en los Juegos Suramericanos de Santa Fe.avif

Juegos Suramericanos Santa Fe 2026: medallas, resultados y protagonistas del deporte urbano

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El Bronx convirtió al hip hop en materia escolar: así es la nueva Bronx School of Hip Hop

Nekroos y el trofeo de campeón de la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú (1).avif

Nekroos tuvo revancha y se consagró campeón de la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú

<p>A pocas semanas de que los principales circuitos del freestyle hispanohablante vuelvan a encender sus motores, Street Art Latam repasa a los protagonistas que más reproducciones generaron durante la pasada temporada.</p><h2>Azuky, la reina de las reproducciones</h2><p>Para sorpresa de nadie, Azuky fue la freestyler más vista de la pasada temporada, con una cifra que supera las 28 millones de visualizaciones. Una completa locura.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DIIPeFaxVyD/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DIIPeFaxVyD/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La mexicana se convirtió en una de las grandes sensaciones del freestyle hispanohablante durante el último calendario, dejando su huella en competencias como FMS México y FMS Internacional, donde protagonizó enfrentamientos que paralizaron la escena frente a nombres como Nota Roja, El Menor y Jony Beltrán.</p><p>Su presencia también se extendió a Red Bull Batalla, donde formó parte de “Nueva Historia”, el evento conmemorativo que celebró las dos décadas de historia de una de las competencias más importantes del freestyle en español.</p><h2>Aczino y otro año entre los grandes protagonistas</h2><p>El segundo puesto del ranking también quedó en manos de un freestyler mexicano: Aczino, considerado por muchos como uno de los mejores MCs de todos los tiempos, quien alcanzó los 17,7 millones de visualizaciones durante la temporada 2025-26.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DXlN9ttjLG2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DXlN9ttjLG2/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El mexicano volvió a convertirse en una de las grandes sensaciones del calendario del freestyle hispanohablante, con presencia en escenarios como Freestyle Master Series y Red Bull Batalla.</p><p>Su característico estilo punzante, directo y sangriento, una de las marcas que históricamente definieron su manera de rapear, volvió a estar presente durante una temporada que lo ubicó entre los principales protagonistas en cantidad de reproducciones.</p><h2>Lokillo, una figura que dejó de ser sorpresa</h2><p>El tercer puesto de los freestylers más vistos de la temporada quedó para el colombiano Lokillo, quien alcanzó los 17,4 millones de visualizaciones.</p><p>El colombiano dejó atrás su condición de novedad para transformarse en uno de los pilares del freestyle no solo de Colombia, sino también del circuito hispanohablante.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DSd3aBCEsOU/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/DSd3aBCEsOU/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con un estilo carismático, directo y punzante, Lokillo volvió a demostrar su capacidad para conectar con el público y se metió entre los tres MCs que más reproducciones generaron durante la pasada temporada.</p><h2>Del cuarto al décimo: las otras figuras que dominaron las reproducciones</h2><p>Más allá del dominio de Azuky, Aczino y Lokillo, el ranking de los freestylers más vistos también cuenta con otros nombres destacados de la escena hispanohablante.</p><ul><li>4.º — Jony Beltrán (16,7 millones).</li><li>5.º — Nota Roja (10,4 millones).</li><li>6.º — Sara Socas (9,1 millones).</li><li>7.º — El Menor (7,9 millones).</li><li>8.º — Gazir (7,2 millones).</li><li>9.º — Chuty (6,9 millones).</li><li>10.º — Teorema (5,4 millones).</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_94df439aca.png" alt=""><figcaption>Jony Beltrán arriba del escenario (Instagram/Jony Beltrán).</figcaption></figure><p>De esta manera, el top 10 de la temporada 2025-26 reúne a representantes de México, Colombia, España y otros rincones del freestyle hispanohablante, con Azuky como la gran líder del ranking gracias a sus más de 28 millones de reproducciones.</p>

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¿Quiénes fueron los MCs más vistos de la temporada?

<p>La escena del freestyle latinoamericano en plazas tendrá su gran cita en la ciudad de Lima, donde el próximo sábado 19 de septiembre, Red Bull Batalla llevará por primera vez el Torneo de Plazas a suelo peruano.</p><h2>Lima recibe por primera vez el Torneo de Plazas de Red Bull Batalla</h2><p>Ya con la presente temporada de Red Bull Batalla en marcha, el calendario vuelve a convertir a Lima en una de las ciudades protagonistas del circuito. Esta vez, la capital peruana será escenario de una competencia que funciona como puente entre la escena underground y el máximo nivel de la improvisación: el Torneo de Plazas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_b5500fe270.png" alt=""><figcaption>El venezolano Chang improvisando (Instagram/Chang).</figcaption></figure><p>El próximo sábado 19 de septiembre, Lima recibirá por primera vez esta competencia, que reunirá a representantes surgidos de distintas plazas y circuitos clasificatorios de Latinoamérica, España y Estados Unidos en busca de quedarse con uno de los premios más importantes del circuito.</p><p>El Torneo de Plazas nació como una instancia destinada a conectar el freestyle de calle con la escena internacional de Red Bull Batalla. A través de distintas competencias realizadas en plazas de diferentes países, los mejores exponentes consiguen su clasificación para esta instancia, donde finalmente se define quién tendrá la oportunidad de llegar a la Final Internacional, que esta temporada se realizará también en suelo limeño.</p><p>La presente edición contará con dieciséis plazas clasificatorias, quince países representados y dos incorporaciones inéditas al circuito: Honduras y República Dominicana, ampliando todavía más el mapa de una competencia que encuentra en las plazas uno de sus principales puntos de origen.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_f4d62eec9f.png" alt=""><figcaption>Performance de Knnon, participante del Torneo de Plazas de Red Bull Batalla (Instagram/Knnon).</figcaption></figure><p>Así, Lima se prepara para recibir a algunos de los nombres más destacados del freestyle de plaza, todos con un mismo objetivo: convertirse en el nuevo campeón del Torneo de Plazas y conseguir el pase a la Final Internacional de Red Bull Batalla.</p><h2>¿Qué freestylers participarán del Torneo de Plazas de Red Bull Batalla en Lima?</h2><p>Luego de finalizar las distintas competencias clasificatorias, el Torneo de Plazas ya tiene definidos a sus dieciséis representantes. Freestylers provenientes de distintos puntos del circuito llegarán a Lima con el objetivo de quedarse con el título y conseguir el esperado cupo para la Final Internacional de Red Bull Batalla.</p><ul><li>Fat N - Vigente campeón del Torneo de Plazas</li><li>R16 - Campeón de Bienvenidos al Under</li><li>Knnon - Campeón de Zona de Barras</li><li>Chang - Campeón de ChocoRap</li><li>DAFP - Campeón de Rap Sin Groserías</li><li>Daser - 24 Almas Freestyle (Bolivia)</li><li>Nocre - God Size (España)</li><li>KNT - Entre Freestyle (Argentina)</li><li>TNT - Skill Master Freestyle League (Honduras)</li><li>Thodal - Liga Inmortal (Chile)</li><li>Hammer - Hypnotic Palace (Uruguay)</li><li>KG - Raptablo (Perú)</li><li>Darío - Carolina Style (Ecuador)</li><li>Mitze - La Federación (Paraguay)</li><li>Artil - Funko Battles (México)</li><li>Representante de Sin City League (Estados Unidos)</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_09142321ac.png" alt=""><figcaption>El uruguayo Hammer tirando rimas sobre el escenario (Instagram/Hammer).</figcaption></figure><p>Los fanáticos podrán disfrutar de cada batalla, réplica y momento clave de la competencia mediante los canales oficiales en Twitch, YouTube, Facebook, X y TikTok, además de la plataforma Red Bull TV, que ofrecerá la cobertura completa del evento.</p>

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Red Bull Batalla lleva el Torneo de Plazas a Perú

<p>El streetwear encontró en las redes sociales uno de sus principales escenarios para ampliar su alcance. Entre los creadores que transforman tendencias en contenido cotidiano, en Colombia aparece el nombre de Nick, un influencer que logró convertir la moda urbana en una guía de inspiración para miles de seguidores.</p><h2>Outfits, tendencias y moda urbana: así conquistó Nick el streetwear colombiano</h2><p>Más allá de las grandes marcas y las pasarelas internacionales, el streetwear también crece gracias a creadores que acercan las tendencias al día a día. Y en Colombia, uno de esos nombres es Nick, un influencer de moda que reúne más de 300 mil seguidores en redes sociales y construyó una comunidad alrededor de los outfits, el análisis de prendas y las combinaciones urbanas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6f6145bd3f.png" alt=""><figcaption>El estilo de Nick en las calles de Ciudad de México (Instagram/Nick).</figcaption></figure><p>Su contenido gira alrededor de una idea simple: demostrar que la moda también puede explicarse desde las redes. A través de videos dinámicos comparte distintas maneras de combinar prendas, propone estilos para diferentes ocasiones y analiza tanto marcas colombianas como firmas internacionales que marcan el pulso del streetwear.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/las-marcas-colombianas-de-streetwear-que-deberias-conocer/285</p><ul><li>Ideas de outfits para distintas ocasiones.</li><li>Combinaciones de prendas y accesorios.</li><li>Análisis de marcas de moda urbana.</li><li>Retos virales inspirados en el streetwear.</li><li>Copias e interpretaciones de outfits populares.</li><li>Recorridos por tiendas y locales de ropa.</li><li>Curiosidades sobre tendencias y prendas.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@nck09_/video/7540842111239818502" data-video-id="7540842111239818502" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@nck09_/video/7540842111239818502?lang=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Su crecimiento también trascendió las pantallas. Nick comenzó a participar en pasarelas y eventos vinculados con la moda, consolidando un perfil que combina la creación de contenido con la presencia dentro de la industria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_91cf580b82.png" alt=""><figcaption>Nick, una de las caras del streetwear colombiano en redes (Instagram/Nick).</figcaption></figure><p>Con una estética marcada por prendas oversize, zapatillas, accesorios y referencias constantes a las tendencias que dominan las redes sociales, el colombiano se convirtió en una de las figuras emergentes del streetwear digital, inspirando a miles de jóvenes a experimentar con sus propios estilos y demostrando que las plataformas también pueden convertirse en una vidriera para descubrir nuevas formas de vestir.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/club-misterio-la-marca-con-la-que-fede-vigevani-conquisto-el-streetwear/656</p>

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Nick y la nueva generación del streetwear colombiano en redes sociales

<p>El fingerboard llevó la esencia del skateboarding a una tabla en miniatura y construyó una comunidad que no para de crecer, y en Argentina, uno de sus grandes referentes es Finger Industries.</p><h2>Finger Industries, un emblema del fingerboard en Argentina</h2><p>El movimiento del fingerboard, una práctica que traslada la esencia del skateboarding a tablas en miniatura controladas con los dedos, continúa creciendo a nivel internacional y cada vez gana más espacio dentro de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d4500e24ac.png" alt=""><figcaption>Fingerboard de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>Más allá de las grandes marcas que dominan el mercado global, cada país desarrolló sus propios protagonistas. En Argentina, uno de esos nombres es Finger Industries, una marca nacional fundada en el año 2015 y con sede en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires.</p><p>Con más de una década de trayectoria, la firma se convirtió en uno de los principales referentes de la escena local gracias a una propuesta que combina fabricación propia, distribución de marcas internacionales y desarrollo de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A eso se suma una fuerte presencia en redes sociales, donde supera los 200 mil seguidores, consolida un vínculo directo con quienes practican fingerboard y ayuda a difundir una disciplina que pasó de ser un hobby de nicho a construir una escena cada vez más grande en Argentina.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/sueno-con-que-cada-provincia-tenga-una-marca-de-fingerboards-propia/1530</p><h2>De fabricar una tabla propia a construir una marca</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes nombres del fingerboard argentino, Finger Industries tuvo un comienzo mucho más simple. La historia empezó en el año 2015, cuando su fundador no lograba conseguir en Argentina un fingerboard profesional de madera que cumpliera con la calidad que buscaba.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa necesidad se transformó en una oportunidad. A través de pruebas, errores y aprendizaje, comenzó a experimentar con técnicas de laminado y fabricación hasta conseguir tablas que respondieran a sus expectativas.</p><p>Un año más tarde apareció la tienda online, en una etapa en la que, según recuerdan desde la propia marca, vender apenas un par de fingerboards por semana ya representaba un gran logro.</p><p>Desde entonces, Finger Industries comenzó a crecer de manera progresiva a través de eventos, redes sociales y la difusión constante de la disciplina. En el año 2018 amplió su equipo de trabajo para mejorar la producción y aumentar la capacidad de fabricación.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El gran salto llegó durante la cuarentena, cuando el fingerboard encontró en el hogar un escenario ideal para crecer y la marca consiguió alcanzar a una audiencia mucho más amplia. Ese proceso desembocó, en el año 2021, en la apertura de Fingershop, un espacio físico pensado no solo para comprar productos, sino también para practicar, encontrarse con otros riders y vivir la cultura del fingerboard de manera presencial.</p><h2>Finger Industries y un catálogo pensado para todos los niveles</h2><p>Decir que Finger Industries funciona como un paraíso para quienes viven el fingerboard no es una exageración. Su catálogo reúne prácticamente todo lo necesario tanto para quienes recién empiezan como para riders que buscan mejorar cada detalle de su setup.</p><ul><li>Tapes</li><li>Ruedas</li><li>Trucks</li><li>Tuercas</li><li>Tablas</li><li>Fingerboards completos</li><li>Bujes</li><li>Racks</li><li>Herramientas</li><li>Accesorios</li><li>Rampas</li><li>Módulos</li><li>Rails</li><li>Finger scooters</li><li>Finger BMX</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c51156160d.png" alt=""><figcaption>Fingerboards de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>La propuesta permite desde armar un fingerboard pieza por pieza, eligiendo componentes y diseños de manera personalizada, hasta adquirir modelos completamente armados y listos para usar.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/nestor-el-abuelo-de-74-anos-que-se-convirtio-en-una-estrella-del-fingerboard/1000332</p><p>Además de comercializar productos propios, Finger Industries también distribuye distintas marcas internacionales, ampliando todavía más una oferta pensada para distintos niveles y estilos.</p><p>Todos los productos pueden adquirirse a través de la tienda oficial de la marca o de manera presencial en su local ubicado en Sáenz 179, Lomas de Zamora, un punto de encuentro que combina tienda, práctica y comunidad alrededor del fingerboard.</p>

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Finger Industries, el paraíso del fingerboard en Buenos Aires

<p>La FMS Colombia, la liga más importante y prestigiosa del freestyle colombiano, vuelve al circuito de Urban Roosters para una nueva temporada con un cartel repleto de estrellas como Aczino, Valles-T, Reverse y Fat N, entre otros nombres.</p><h2>Atención, amantes del freestyle: la FMS Colombia está de regreso</h2><p>La escena del freestyle colombiano vuelve a prepararse para una nueva temporada de Freestyle Master Series, una de las principales ligas del circuito hispanohablante.</p><p>Tras la conquista del español Gazir en la pasada temporada, quien no formará parte de esta campaña, la competición promete convertirse nuevamente en una de las animadoras del certamen, con una plantilla enmarcada por la presencia de grandes figuras nacionales como Fat N y Valles-T e internacionales como Aczino y Reverse.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_5873905d07.png" alt=""><figcaption>Valles-T improvisando sobre el escenario (Instagram/Valles-T).</figcaption></figure><p>La quinta temporada de FMS Colombia tenía previsto comenzar el domingo 23 de agosto en Pereira, en una jornada que marcaría el regreso de la competición al país cafetero. Sin embargo, la fecha fue aplazada debido a las graves consecuencias que dejó el terremoto en distintas regiones del país, entre ellas Pereira, Chocó, Manizales y Cali.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/fms-argentina-vuelve-con-una-temporada-cargada-de-campeones-leyendas-y-nuevos-talentos/1000455</p><p>La organización comunicará la nueva fecha, ciudad y escenario en los que se dará comienzo a la quinta edición de la liga, que tendrá como principal atractivo la búsqueda de un nuevo campeón tras la ausencia de Gazir.</p><p>El español se había consagrado en la última temporada y se convirtió en el dueño del título, pero su salida deja abierta la pelea por una nueva corona entre algunos de los principales nombres del freestyle colombiano y latinoamericano.</p><h2>Aczino, Valles-T y Éxodo Lirical: las figuras de la quinta temporada de FMS Colombia</h2><p>La quinta temporada de FMS Colombia ya conoce quiénes serán los diez freestylers participantes del cartel de competidores, con una combinación de figuras colombianas y grandes nombres internacionales.</p><ul><li>Dima — Colombia</li><li>Éxodo Lirical — República Dominicana</li><li>Valles-T — Colombia</li><li>Aczino — México</li><li>Reverse — Cuba</li><li>Fat N — Colombia</li><li>Pandora — Colombia</li><li>Filósofo — Colombia</li><li>Urko o Visionario</li><li>Puppy o Vilardi</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_9ef1a51e4d.png" alt=""><figcaption>Reverse en los escenarios de Red Bull Batalla (Instagram/Reverse).</figcaption></figure><p>Los últimos dos cupos que completarán la plantilla de FMS Colombia se decidirán a vida o muerte, por lo que los freestylers tendrán que ganarse su puesto con sangre.</p><p>Durante la primera jornada, cuatro MCs se enfrentarán en batallas independientes y el ganador de cada una obtendrá su cupo directo a la liga. El vencedor de cada enfrentamiento sumará los puntos correspondientes y continuará compitiendo frente a su segundo rival del día, mientras que el perdedor quedará eliminado del proceso.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/fms-chile-prepara-su-septima-temporada-con-kaiser-nitro-teorema-stuart-y-nuevas-figuras/1000040</p><p>Los freestylers que ya fueron anunciados como integrantes de la quinta temporada no participarán de este formato de clasificación.</p>

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Aczino, Valles-T y Éxodo Lirical: así será la quinta temporada de FMS Colombia

<p>Desde retratos y cuadros hasta prendas, sneakers y micrófonos personalizados, el arte encontró en la música urbana un nuevo espacio para expandirse, y en Perú, Erick Jonziel convirtió ese vínculo en su propia disciplina.</p><h2>Erick Jonziel y el arte que llegó a los escenarios de la música urbana</h2><p>Las distintas facetas del arte encuentran en la música urbana un espacio para expandirse: desde la creación de retratos y obras inspiradas en sus protagonistas hasta la personalización de prendas, sneakers y objetos que luego forman parte de sus shows.</p><p>En Perú existe un artista que construyó prácticamente un multiverso alrededor de estas propuestas, y esa persona es Erick Jonziel, conocido también como “el artista de los artistas”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_e189ade310.png" alt=""><figcaption>Erick Jonziel junto a Anuel AA (Instagram/Erick Jonziel).</figcaption></figure><p>Con más de 300 mil seguidores en redes sociales, Erick Jonziel se convirtió en uno de los referentes de una disciplina que une arte, diseño y cultura urbana a través de piezas de colección con acabados lujosos.</p><p>Un trabajo que no solo lo consolidó como un emblema artístico dentro del género urbano regional, sino que también lo llevó a codearse y crear piezas para algunas de las figuras más importantes de la música urbana latinoamericana.</p><ul><li>Nicky Jam</li><li>Ryan Castro</li><li>Anuel</li><li>Omar Courtz</li><li>Nio García</li><li>Myke Towers</li><li>De La Rose</li><li>Chris MJ</li><li>María Becerra</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7434237354627419447" data-video-id="7434237354627419447" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7434237354627419447" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><h2>Retratos, customs y arte para los protagonistas de la música urbana latina: el universo artístico de Erick Jonziel</h2><p>Una de las principales características de su obra aparece en los retratos personalizados, donde el artista lleva la representación de los músicos a una nueva dimensión. Sus cuadros no se limitan a reproducir el rostro o la imagen de sus protagonistas, sino que incorporan elementos que sobresalen físicamente de la pieza. Un claro ejemplo aparece en los retratos de artistas como Nicky Jam, Ryan Castro o Anuel AA, donde el peruano replica sus cadenas y otros accesorios para convertirlos en elementos tridimensionales que salen del cuadro y generan un efecto visual único.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7298022086201724165" data-video-id="7298022086201724165" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7298022086201724165" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Pero los cuadros son apenas una parte de su universo creativo. Otro de sus grandes pilares está en la customización de prendas y sneakers, con piezas inspiradas en la identidad, estética y universo de diferentes artistas. El resultado son diseños exclusivos que, en varios casos, terminaron dejando de ser simples piezas de colección para convertirse en parte de los outfits utilizados por los propios músicos durante sus presentaciones.</p><p>La personalización también llegó a uno de los objetos más reconocibles de cualquier show: el micrófono. Cada vez es más habitual que los artistas busquen llevar elementos exclusivos al escenario y Erick Jonziel se convirtió en uno de los especialistas en transformar estos instrumentos en verdaderas piezas de diseño. Entre sus trabajos aparecen customs realizados para figuras como Nicky Jam y Nio García, demostrando que su propuesta puede trasladarse prácticamente a cualquier elemento que forme parte de la identidad visual de un artista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_976d203901.png" alt=""><figcaption>Nio García utilizando un micrófono personalizado por Erick Jonziel en uno de sus conciertos (Instagram/Erick Jonziel).</figcaption></figure><p>Así, entre retratos que salen del lienzo, prendas diseñadas especialmente para los escenarios y micrófonos convertidos en piezas de colección, Erick Jonziel construyó una propuesta artística que tiene a los protagonistas de la música como eje central. Una forma de entender el arte que no solo homenajea a los artistas, sino que también consigue llevar su identidad a objetos y piezas que terminan formando parte de sus propias historias.</p>

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¿Quién es Erick Jonziel, el artista que convierte a los músicos en piezas de colección?

<p>La joyería también es parte de la identidad de un look, y Bass Joyas lo llevó a otro nivel.</p><p>Desde Buenos Aires, el proyecto de joyería personalizada y prendas de autor construyó una propuesta propia dentro de la escena urbana y creó piezas elegidas por artistas de la talla de Nicki Nicole y Milo J.</p><h2>Anillos, cadenas y piezas de autor: conocé Bass Joyas, la joyería elegida por artistas</h2><p>Más allá de las prendas y los sneakers, los accesorios ganaron un lugar cada vez más importante dentro de la moda y se convirtieron en piezas fundamentales para completar y potenciar cada look.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en la ciudad de Buenos Aires aparece Bass Joyas, un proyecto dedicado a la joyería personalizada y las piezas de autor que logró hacerse un lugar dentro de la escena urbana y musical, con diseños elegidos por artistas como Nicki Nicole, Luck Ra, Knak, Pedrito VM y Milo J, entre otros.</p><h2>Oro, plata y diseños de autor: la propuesta de Bass Joyas</h2><p>La propuesta de Bass Joyas se caracteriza por trabajar con distintos materiales y formatos, con piezas que van desde diseños clásicos hasta alternativas más llamativas y personalizadas.</p><ul><li>Oro</li><li>Plata 925</li><li>Cubic</li><li>Bronce</li><li>Anillos</li><li>Colgantes</li><li>Cadenas</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36fc30d683.png" alt=""><figcaption>Joyería by Bass Joyas (Instagram/Bass Joyas).</figcaption></figure><p>Entre sus diseños aparecen cruces góticas, flores de lis, flores cúbicas, cruces de alquimia, números personalizados, símbolos de infinito, iniciales y estrellas, además de otras piezas pensadas para quienes buscan darle una identidad particular a sus accesorios.</p><p>Con precios que van desde los $50.000 hasta los $400.000 pesos argentinos, Bass Joyas cuenta con envíos a todo el país y permite adquirir sus piezas a través de su página web.</p>

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La joyería que llegó a los looks de Nicki Nicole, Luck Ra y Milo J: así es Bass Joyas

<p>A meses del inicio, la Freestyle World Cup, el primer Mundial de freestyle por selecciones organizado por Urban Roosters, comienza a definir a sus protagonistas, y Bolivia fue uno de los primeros países en confirmar su equipo con Armamente, Crispa y Vinns como integrantes.</p><h2>Armamente, Crispa y Vinns: el tridente de Bolivia para la Freestyle World Cup</h2><p>Luego de la fecha de la Pre-World Cup llevada a cabo en la ciudad de Cochabamba, donde las preselecciones de Bolivia y Chile dejaron ver sus primeras pinceladas de cara a la Freestyle World Cup de diciembre, llegó una de las primeras grandes noticias del camino al mundial: Bolivia confirmó su tridente para la competencia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcVGXWiAMaR/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcVGXWiAMaR/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>De esta manera, el país latinoamericano ya tiene definido a su equipo para afrontar el primer mundial de freestyle de selecciones, con un tridente que combina experiencia, liderazgo, creatividad y juventud.</p><ul><li>Armamente: capitán y líder del equipo, con experiencia y trayectoria en competencias nacionales e internacionales.</li></ul><ul><li>Crispa: experiencia, técnica, creatividad y un estilo propio que lo convirtió en uno de los referentes de la escena boliviana.</li></ul><ul><li>Vinns: juventud, energía, frescura y proyección para completar una selección que apuesta por el futuro.</li></ul><p>La conformación del equipo llegó después de diferentes procesos clasificatorios y actividades previas realizadas en Bolivia, donde varios freestylers compitieron durante las últimas semanas por un lugar en la delegación que viajará al mundial.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1359871330.png" alt=""><figcaption>Armamente, representante boliviano de la Pre-World Cup, improvisando (Instagram/Armamente).</figcaption></figure><p>Bolivia, además, compartirá el Grupo C de la Freestyle World Cup junto a México, Venezuela y Uruguay, en una zona que tendrá como atractivo el choque entre diferentes estilos de la escena latinoamericana.</p><p>Con Armamente como líder, la experiencia y creatividad de Crispa y el potencial de Vinns, Bolivia se convirtió en una de las primeras selecciones en cerrar oficialmente su tridente para la gran cita de diciembre.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/freestyle-world-cup-formato-grupos-y-como-sera-el-mundial-organizado-por-urban-roosters/2092</p><p>¿Cómo creés que le irá a Bolivia en la Freestyle World Cup?</p>

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Bolivia ya tiene tridente para la Freestyle World Cup

<p>La nueva música mexicana tiene una generación de artistas que encontró en las redes sociales el camino para llegar a millones de personas, y entre ellos aparece la figura de Kevin AMF, una de las voces más reconocidas dentro del movimiento local.</p><h2>De los éxitos virales a convertirse en una sensación de la música mexicana: conocé a Kevin AMF</h2><p>Seguramente hayas escuchado éxitos de millones de reproducciones como “<em>Pocos Años, Mil Errores</em>”, “<em>Jálale ALV</em>” o “<em>Dembow Fresón</em>”. Aunque parecen canciones diferentes, todas tienen algo en común: la voz de Kevin AMF, uno de los grandes representantes de la nueva generación de jóvenes dentro de la música mexicana.</p><p>Con apenas 18 años de edad, Kevin Alan Moreno Franco, conocido artísticamente como Kevin AMF —una abreviación de su nombre y sus apellidos—, se convirtió en una de las figuras emergentes más populares de la nueva ola de artistas mexicanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1fd598722.png" alt=""><figcaption>Kevin AMF arriba del escenario (Instagram/Kevin AMF).</figcaption></figure><p>Originario de Culiacán, México, el cantante construyó un sonido refrescante que refleja las diferentes culturas y estilos con los que creció, tomando influencias del regional mexicano y del latin urbano.</p><p>Con más de seis millones de oyentes mensuales en Spotify, el mexicano consiguió posicionarse entre los exponentes jóvenes más escuchados de la escena gracias a canciones como “<em>Dembow Fresón</em>”, “<em>Rich Kid</em>” y “<em>Porte Fresón</em>”, un crecimiento que también estuvo acompañado por colaboraciones con nombres como Luis R. Conríquez, Danny Flow, Víctor Mendivil, BB Trickz y Yeri Mua, ampliando todavía más su presencia dentro de la música mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/PFc2qEw0y3U" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>El punto de partida de su carrera se encuentra en “<em>Porte Fresón</em>”, canción que alcanzó millones de reproducciones en YouTube y comenzó a ganar notoriedad principalmente a través de las redes sociales. Los clips y fragmentos de sus canciones encontraron rápidamente una audiencia en plataformas como TikTok, donde su frescura y estilo particular ayudaron a convertirlo en una de las nuevas caras de la escena.</p><p>A partir de allí llegarían “<em>Dembow Fresón</em>” y “<em>Rich Kid</em>”, dos lanzamientos que terminaron de consolidar su presencia entre el público joven. Sin embargo, uno de los grandes saltos de su carrera llegó con “<em>Jálale ALV</em>”, colaboración junto a la rapera catalana BB Trickz: el tema, centrado en la fiesta y el coqueteo y acompañado por una fuerte base de dembow, superó los 60 millones de reproducciones, convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_aa05c59fbf.png" alt=""><figcaption>Kevin AMF durante un show en Ciudad de México (Instagram/Kevin AMF).</figcaption></figure><p>El impacto de Kevin AMF también demuestra el peso que tienen actualmente las redes sociales en el crecimiento de los artistas. Lo que comenzó con canciones y clips que se viralizaron rápidamente terminó llevándolo a distintos escenarios y eventos, tanto dentro como fuera de Sinaloa, mientras su nombre comenzaba a ganar cada vez más espacio dentro de la industria.</p><p>Con una propuesta que combina sonidos del regional mexicano y la música urbana, Kevin AMF representa a una generación de jóvenes artistas mexicanos que encontró en Internet una vía para acercarse a millones de personas. A sus 18 años, su ascenso recién comienza, pero sus reproducciones y colaboraciones ya lo posicionan como una de las figuras emergentes a seguir dentro de la nueva música mexicana.</p>

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Kevin AMF, la joven sensación que conquista la música mexicana

<p>Ilustración, animación 2D y 3D, moda y diseño de personajes forman parte del universo de Artsy Kars, una artista mexicana que convirtió la creación de mundos en su sello personal.</p><h2>Color, personajes y fantasía: la identidad de Artsy Kars</h2><p>Hay artistas que crean obras y otros que construyen universos enteros alrededor de ellas. Y en México, Artsy Kars convirtió la ilustración, la animación y el diseño de personajes en su propia forma de crear mundos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9266ab1ced.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Artsy Kars (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure><p>La artista mexicana Karen Sofía Vega Moreno, conocida artísticamente como Artsy Kars, construyó una identidad visual propia a partir de la combinación de animación, ilustración, diseño de personajes y creación de mundos. Su propuesta se caracteriza por una estética vibrante inspirada en el arte pop, el color y la narrativa, con piezas que mezclan elementos 2D y 3D para desarrollar universos cargados de personajes, emociones y simbolismo.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/el-taller-mexicano-que-mantiene-viva-la-tradicion-zapoteca-jacobo-y-maria-angeles/2175</p><p>Su proceso creativo le permite moverse entre diferentes disciplinas y técnicas, utilizando ilustraciones digitales y animaciones dinámicas para explorar nuevas dimensiones y darles vida a mundos imaginarios. A esto se suma una fuerte influencia de la moda, que aparece tanto en sus personajes como en prendas y artículos que forman parte de su universo artístico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Uno de los proyectos centrales dentro de su obra es ArtsyWorld, un mundo ficticio en expansión poblado por personajes, criaturas y narrativas mágicas. A través de este espacio, Artsy Kars explora conceptos como la identidad queer, la transformación, la moda, la mitología, la sensualidad y la belleza surrealista de la vida cotidiana, combinando referencias del anime, el arte pop, la cultura urbana y el arte digital contemporáneo.</p><p>Su trabajo también trascendió el ámbito personal para llegar a algunas de las principales industrias del entretenimiento, la música y la moda.</p><ul><li>Sony Music</li><li>Matisse</li><li>Yeri Mua</li><li>Disney</li><li>Adidas</li><li>Natura</li><li>Tecate Emblema</li></ul><p>Dentro de estos proyectos, la mexicana participó en la creación de promocionales animados, key visuals, portadas ilustradas, diseño de personajes y dirección visual integral, llevando su particular lenguaje artístico a diferentes formatos y plataformas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_84eb601541.png" alt=""><figcaption>Karen Sofía Vega Moreno junto a uno de los personajes de su universo artístico (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure><p>La propuesta de Artsy Kars encuentra así uno de sus principales atractivos en la capacidad de construir personajes que funcionan como protagonistas de sus propios mundos: obras combinan color, identidad, moda y narrativa para crear una estética lúdica y expresiva, donde lo cotidiano puede transformarse en escenarios cargados de fantasía.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/brandon-mata-y-el-arte-de-pintar-letreros-a-mano/2169</p><p>Radicada en Ciudad de México, la artista continúa expandiendo su lenguaje a través de la animación, la ilustración, la dirección de arte y la creación de mundos, consolidando una visión artística donde el color y la imaginación funcionan como herramientas para contar historias.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/pokemon-arte-huichol-y-piezas-unicas-hechas-a-mano-el-universo-de-taka-arte/2172</p>

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Artsy Kars, la artista mexicana que creó su propio universo de color

<p>De jugar Tony Hawk en PlayStation a conseguir sus primeros sponsors y competir, Kinky Boy, skater oriundo de Mendoza, construyó una historia marcada por el skateboarding.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo comenzó tu vínculo con el skate?</strong></p><p>La primer cercanía con el skate que tuve fue aproximadamente para el año 2007, para ese entonces yo tenía siete años y era un niño que le gustaba mucho jugar Playstation, uno de los juegos que más jugaba era Tony Hawk, tenía varios de la saga, “<em>ProSkater 1 y 2</em>”, “<em>Proving Ground</em>”, “<em>Project 8</em>” y otros, yo tenía una patineta de juguete pero sabía que no era como la que salían en los videos dentro del juego entonces le pedí una “real” a mi padre. En ese entonces mi hermano mayor tenía su skate y era súper distinto a la mía de juguete y ahí surgieron mi duda y ganas de tener una mejor.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f2126fa673.png" alt=""><figcaption>Kinky Boy en acción (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure><p><strong>¿Quiénes fueron tus primeros ídolos o referentes?</strong></p><p>Para ese entonces recuerdo mucho haber visto a un Nyjah Huston niño en sus videopartes de Element que hacía trucos increíbles y ahí nacieron las ganas de patinar , ya que él con 11 años ya hacía locuras que todo niño o adulto querría hacer. Otros skaters que me motivaban también eran Paul Rodriguez, Pj Ladd, Shane Oneill y así te puedo nombrar varios.</p><p><strong>¿Qué momento de tu carrera recordás como el más importante?</strong></p><p>Yo creo que los primeros 5 años de mi comienzo fueron sin saber que quizás un día cumpliría sueños que ni siquiera yo sabia que tenia hasta ese momento, cuando tenia 13/14 años fue cuando me di cuenta que realmente no era un simple juego o hobbie para mi ya que se estaban dando oportunidades de “sponsors” con marcas locales, ganaba algunos campeonatos y ya filmaba video partes en la calle, eso marcó mi trayectoria a lo que soy hoy en dia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DLxeH6XuuRk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DLxeH6XuuRk/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p><strong>¿Cuál fue el truco que más te costó aprender?</strong></p><p>Me costó muchísimo tiempo aprender kickflip como un año aproximadamente, luego de eso empecé a entender un poco más la técnica con los demás trucos y ya me facilitaba para aprender otras combinaciones.</p><p><strong>¿Cómo ves actualmente la escena del skate en tu país?</strong></p><p>En Argentina hay un nivel increíble de chicos que quizás no son tan conocidos o que no cuentan con un apoyo material para la práctica, pero eso también habla de que la industria está un poco estancada ya que es una disciplina bastante costosa monetariamente hablando. En Argentina, por suerte hay eventos casi todo el año para que chicos y chicas se sientan motivados y enfocados para su progreso en la práctica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c2925f26f.png" alt=""><figcaption>Sesión de fotos de Kinky Boy (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué cosas cambiaron desde que comenzaste hasta hoy?</strong></p><p>Cambió muchísimo mi mentalidad a medida que iba creciendo ya que me lo fui tomando más serio cada vez, también los entornos en los que concurría a practicar, al principio era solo calle, después hicieron varios skateparks en mi ciudad que facilitaban un poco más el aprendizaje y la motivación. También los círculos de amigos que hoy en día se dedican a otras cosas ajenas al skateboarding.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CuNugtZp2ND/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CuNugtZp2ND/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p><strong>¿Qué importancia tienen las redes sociales para los skaters actualmente?</strong></p><p>Ayuda bastante el hecho de “hacerse conocido” si se lo utiliza de una forma estratégica para el crecimiento personal, te acerca a gente que quizás no sabía de tu existencia y te ven subiendo contenido todo el rato relacionado al skate. Pienso que es una herramienta que en la modernidad se tiene que usar para favorecer la imagen, pero tampoco abusar de eso.</p><p><strong>¿Qué significa el skate para vos después de todos estos años?</strong></p><p>Para mí y para muchos significa superación, te ayuda a enfocarte, te brinda valores que no se aprenden en todos lados, te enseña a caerte y levantarte las veces que sea necesario, el skate es unión, te conecta con gente de cualquier parte del mundo sin tener que hablar el mismo idioma. El skateboarding salvó mi vida muchas veces y estoy agradecido con la vida por haberme puesto esto en mi camino.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_92571e58fb.png" alt=""><figcaption>Kinky Boy en las calles de Buenos Aires (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure>

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“El skateboarding salvó mi vida muchas veces”

<p>La espera terminó, y el calendario de las Finales Nacionales de Red Bull Batalla vuelve a Latinoamérica con Perú como primera parada de la temporada.</p><h2>Perú abre el calendario latinoamericano de las Finales Nacionales de Red Bull Batalla</h2><p>Cuatro meses después de la conquista de El Menor en la Final Internacional en Santiago y luego de las primeras finales regionales disputadas en territorio español, el calendario de Red Bull Batalla vuelve a Latinoamérica para dar inicio a las Finales Nacionales de la temporada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_67af7faeb5.png" alt=""><figcaption>JC Snake improvisando en la Final Regional de Lima (Instagram/Red Bull Batalla).</figcaption></figure><p>Perú será el primer destino latinoamericano del circuito y tendrá el próximo sábado 12 de septiembre a Paradiso Lima como escenario de una definición que reunirá a dieciséis de los principales exponentes del freestyle peruano.</p><p>Nombres como Jota Shoy, JC Snake, Katacrist, Nekroos y Stick se verán las caras en busca de quedarse con la corona nacional y convertirse en el representante de Perú en la próxima Final Internacional, que también tendrá a Lima como sede.</p><h2>Dieciséis nombres, una corona: los competidores de la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú</h2><p>A tan solo días de que Paraiso Lima se convierta en el escenario de la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú, la competencia ya conoce a los 16 freestylers que lucharán por convertirse en el primer campeón nacional de la temporada.</p><ul><li>Icon</li></ul><ul><li>JC Snake</li></ul><ul><li>Jota Shoy</li></ul><ul><li>Katacrist</li></ul><ul><li>KG</li></ul><ul><li>Letras</li></ul><ul><li>Lucio</li></ul><ul><li>MSL</li></ul><ul><li>Nekroos</li></ul><ul><li>NSP</li></ul><ul><li>Piero Pistas</li></ul><ul><li>Ramset</li></ul><ul><li>RGB</li></ul><ul><li>Stick</li></ul><ul><li>Venti</li></ul><ul><li>Cafú</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbrHCgdzJux/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbrHCgdzJux/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h2>Todo lo que tenés que saber sobre la Final Nacional de Red Bull Batalla Perú</h2><p>Si tenés ganas de conocer al nuevo campeón peruano y seguir de cerca una de las competencias más importantes del freestyle nacional, Street Art Latam te trae toda la información que tenés que tener en cuenta.</p><p>La Final Nacional de Red Bull Batalla Perú se llevará a cabo el próximo sábado 12 de septiembre en Paradiso Lima, donde los dieciséis competidores buscarán quedarse con el título y conseguir el boleto para representar al país en la próxima Final Internacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_74b943f99b.png" alt=""><figcaption>Jota Shoy, una leyenda presente en la Final Nacional de Red Bull Batalla (Instagram/Jota Shoy).</figcaption></figure><p>Las entradas se pueden conseguir a través de <a href="https://www.ticketmaster.pe/event/red-bull-batalla-final-nacional-peru-2026-venta-general"><u>Ticketmaster Perú</u></a>, con precios que parten desde los $80 soles peruanos.</p><p>Los fanáticos podrán disfrutar de cada batalla, réplica y momento clave de la competencia mediante los canales oficiales en Twitch, YouTube, Facebook, X y TikTok, además de la plataforma Red Bull TV, que ofrecerá la cobertura completa del evento.</p>

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Red Bull Batalla vuelve a Latinoamérica con Perú como primera parada

<p>Luego de la acción en Río de Janeiro, Street League Skateboarding llevó el Takeover a Tempe, Arizona, donde Braden Hoban y Yumeka Oda se quedaron con los títulos.</p><h2>Braden Hoban se quedó con la cima del Takever en Tempe</h2><p>El estadounidense Braden Hoban (27.3) brilló en el Mullet Arena de Tempe, Arizona, y se quedó con el primer puesto en la rama masculina del Takeover de la Street League Skateboarding, logrando así su primera victoria en la presente temporada de la competencia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_97002319d9.png" alt=""><figcaption>Braden Hoban besando el trofeo de campeón de la Street League Skateboarding (SLS).</figcaption></figure><p>Además de alzarse con el campeonato, Hoban realizó el truco con mayor puntuación de la noche: un kickflip back noseblunt que recibió un 9.5 en su última pasada.</p><p>El brasileño Felipe Mota (27.0) se quedó con la medalla de plata y también logró la mejor actuación latinoamericana de la competencia, mientras que el japonés Kairi Netsuke (25.7) completó el podio con el tercer puesto.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DctebElBNcs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DctebElBNcs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los estadounidenses Lazer Crawford (23.6) y Jagger Eaton (17.0) completaron la clasificación final en el cuarto y quinto lugar, respectivamente.</p><h2>Yumeka Oda y una nueva victoria en la Street League Skateboarding</h2><p>La japonesa Yumeka Oda (19.3) se consagró campeona de la rama femenina en el Takeover de la Street League Skateboarding en Tempe, asegurándose su segunda victoria en la competencia y su primer triunfo en este formato.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrpGa1B7mG/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrpGa1B7mG/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La skater selló el título con un kickflip back 50, en una final que volvió a tener dominio japonés en los primeros puestos: Miyu Ito (18.7) consiguió la medalla de plata, mientras que Coco Yoshizawa (18.4) completó el podio con el tercer lugar.</p><p>La brasileña Maria Lucia (15.0), única representante latinoamericana en la ronda final, terminó en el quinto puesto de la clasificación.</p>

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Braden Hoban y Yumeka Oda, las estrellas del Takeover de la Street League Skateboarding en Tempe

<p><strong>La nueva temporada del freestyle hispanohablante</strong> comienza a tomar forma y las principales ligas ya empiezan a <strong>revelar a sus protagonistas</strong>, y <strong>FMS Chile</strong> se prepara para su <strong>séptimo año</strong> con una combinación de históricos, nuevas figuras y presencia internacional.</p><h2>Un nuevo capítulo para FMS Chile: diez nombres y una corona en juego</h2><p>Ya con la nueva temporada en marcha, el calendario del freestyle hispanohablante comienza a moverse con anuncios, fechas y participantes. Y <strong>Freestyle Master Series</strong>, el sistema de ligas organizado por <strong>Urban Roosters</strong> y una de las principales competencias de la escena, también empieza a tomar forma de cara a un nuevo año.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_22cf84f0bc.png" alt=""><figcaption>Teorema, uno de los MCs de la séptima temporada de FMS Chile, en pleno punchline (FMS Chile).</figcaption></figure><p><strong>Chile</strong>, uno de los países con mayor trayectoria dentro del circuito, ya se prepara para su <strong>séptima temporada</strong>. Si bien todavía no cuenta con una fecha de inicio confirmada, la liga ya tiene gran parte de su cartel definido después de varios anuncios que terminaron de darle forma a la competencia.</p><p>De esta manera, <strong>FMS Chile</strong> se convirtió en uno de los primeros países en confirmar a prácticamente todos sus participantes, después de que Colombia también avanzara con la conformación de su liga. La nueva temporada tendrá la <strong>presencia de nombres históricos como Kaiser, Nitro y Teorema</strong>, además de nuevas figuras que buscarán hacerse un lugar en una de las ligas más importantes del circuito.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a44c006552.png" alt=""><figcaption>Kaiser, un histórico del freestyle chileno, presente en FMS Chile (FMS Chile).</figcaption></figure><p>Una de las grandes novedades será también la participación del <strong>argentino Stuart,</strong> <strong>bicampeón de FMS Argentina</strong>, quien afrontará un nuevo desafío dentro del sistema de Urban Roosters. Al mismo tiempo, la ausencia de El Menor, campeón internacional chileno y uno de los grandes protagonistas de la escena reciente, será uno de los cambios más importantes respecto a temporadas anteriores.</p><p>Con una combinación de experiencia, juventud y presencia internacional, FMS Chile comienza a preparar una séptima temporada que <strong>todavía tiene dos lugares por definir,</strong> pero que ya cuenta con varios de los nombres que buscarán quedarse con el séptimo título de la historia de la liga.</p><h2>¿Quiénes serán los freestylers de la séptima temporada de FMS Chile?</h2><p>La séptima temporada de <strong>FMS Chile ya tiene ocho participantes confirmados, </strong>mientras que los dos lugares restantes se definirán durante la primera jornada de competencia. Para completar el cartel, la organización estableció dos batallas independientes que definirán quiénes consiguen su lugar directo en la liga.</p><ul><li>Kaiser</li></ul><ul><li>Nitro</li></ul><ul><li>Teorema</li></ul><ul><li>Stuart</li></ul><ul><li>Fusok</li></ul><ul><li>Drose</li></ul><ul><li>Destello</li></ul><ul><li>BTI</li></ul><ul><li>Metal Lingüística o Stigma</li></ul><ul><li>Adesong o Animus</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dc_ls7jvNaF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dc_ls7jvNaF/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Estas <strong>dos batallas</strong> fueron planteadas como enfrentamientos <strong>“vida o muerte”,</strong> ya que cada cruce definirá directamente uno de los últimos lugares disponibles para la temporada: los ganadores de cada batalla obtendrán su cupo directo a FMS Chile.</p><p>Con el cartel prácticamente completo, la liga ya tiene definidos a sus protagonistas y solo resta conocer quiénes serán los dos freestylers que conseguirán los últimos lugares para completar la séptima temporada.</p>

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FMS Chile prepara su séptima temporada con Kaiser, Nitro, Teorema, Stuart y nuevas figuras

<p>El arte de la relojería encontró en las redes sociales una nueva generación de consumidores, y Matías Gastón Islas es uno de los jóvenes que mejor representan este fenómeno en Argentina.</p><h2>Matías Gastón Islas, el joven que hizo de la relojería un fenómeno digital</h2><p>Seguramente en el último tiempo te hayas cruzado en Instagram, TikTok o YouTube con algún video de un joven argentino hablando sobre relojes, modelos de lujo, compra y venta o artículos de colección.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e13021220b.png" alt=""><figcaption>Matías Gastón Islas en la ciudad de Buenos Aires (Instagram/Matías Gastón Islas).</figcaption></figure><p>Con su particular estilo, siempre acompañado por una vestimenta elegante y sus características patillas, Matías Gastón Islas se convirtió en una de las nuevas sensaciones de las redes sociales alrededor de un nicho poco habitual en el mundo digital: la relojería.</p><p>Con apenas 18 años de edad, Matías Gastón Islas construyó una importante presencia dentro del mercado de relojes y artículos de lujo en la Ciudad de Buenos Aires, donde actualmente cuenta con un amplio stock que supera las 300 unidades, con un catálogo que reúne desde modelos de marcas reconocidas como Casio hasta piezas de firmas de alta gama como Rolex, Cartier y Omega.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@islasmatias55/video/7628094622509698324" data-video-id="7628094622509698324" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@islasmatias55/video/7628094622509698324" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Su crecimiento no se limitó al negocio físico. A través de sus redes sociales, el joven comenzó a compartir contenidos vinculados con su trabajo, los distintos modelos que comercializa y conocimientos relacionados con el mundo de la relojería, logrando que un mercado tradicional encontrara también su lugar dentro del contenido viral.</p><h2>El camino que llevó a Matías Gastón Islas hasta la relojería</h2><p>Mucho antes de comenzar a trabajar con relojes, Matías Islas ya había encontrado en la compra y venta una manera de generar sus propios ingresos. Su primer acercamiento al mundo de los negocios ocurrió cuando todavía era muy chico y decidió poner a la venta sus propios juguetes.</p><p>Después de acumular distintos regalos y juguetes durante su infancia, el joven decidió venderlos y consiguió reunir alrededor de $500 dólares esatdounidenses. Aquella primera experiencia funcionó como el punto de partida de una actividad que con los años terminaría convirtiéndose en su principal fuente de ingresos.</p><p>Su recorrido continuó en San Telmo, uno de los principales polos de antigüedades de Buenos Aires. Entre locales, objetos históricos y piezas de colección, Islas comenzó a interiorizarse en el mundo de los artículos antiguos y descubrió el universo de los relojes.</p><p>A partir de allí comenzó a estudiar catálogos, conocer modelos y aprender sobre las distintas marcas y características de cada pieza. Sin una tradición familiar vinculada a la relojería, fue construyendo su propio camino hasta transformar aquel interés inicial en un negocio que hoy cuenta con cientos de relojes en stock a pocos metros del Obelisco.</p><h2>De la relojería a las redes: cómo Matías Gastón Islas se volvió viral</h2><p>Más allá de su actividad como relojero en el centro porteño, Matías Islas también consiguió convertir su trabajo en contenido para las redes sociales. Sus videos permiten conocer parte de su día a día, los relojes que tiene disponibles y algunas de las particularidades detrás de la compra, venta y valuación de este tipo de piezas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c26694fe14.png" alt=""><figcaption>Matías Gastón Islas como fenómeno de las redes sociales (Instagram/Matías Gastón Islas).</figcaption></figure><p>Instagram, TikTok y YouTube se transformaron así en una extensión de su negocio, con publicaciones que alcanzaron miles de reproducciones y le permitieron acercar el mundo de la relojería a una audiencia mucho más amplia.</p><p>Su caso también demuestra cómo algunos nichos tradicionalmente alejados de las redes pueden encontrar una nueva forma de conectar con el público cuando detrás existe una personalidad capaz de convertir el conocimiento y la actividad profesional en entretenimiento.</p><p>De vender sus propios juguetes durante la infancia a manejar cientos de relojes y convertirse en una figura reconocible en redes, Matías Islas construyó una historia que combina negocios, relojería y creación de contenido.</p>

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¿Quién es Matías Gastón Islas, el joven relojero que es furor en las redes sociales?

<p>La presencia femenina dentro del rap mexicano continúa creciendo, pero algunas artistas llevan décadas construyendo ese camino, y una de ellas es Ximbo, pionera y referente de la escena nacional.</p><h2>Ximbo, una pionera del rap mexicano</h2><p>El rap se consolidó como uno de los movimientos culturales y musicales más importantes de México, con figuras como C-Kan, Aczino y Neto Peña como algunos de los nombres que ayudaron a construir su identidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14fbf8dfd1.png" alt=""><figcaption>La figura de Ximbo a través de los fanáticos (Instagram Ximbo).</figcaption></figure><p>Sin embargo, la historia de la escena también tiene una importante presencia femenina, y Jimena de Santiago, mejor conocida como Ximbo, ocupa un lugar fundamental dentro de ella.</p><p>Con más de tres décadas de trayectoria, la mexicana se convirtió en una de las pioneras del rap nacional y en una figura que logró mantenerse vigente a través de diferentes generaciones de la cultura hip hop.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/3A-uX9qXZGY" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Su propuesta se caracterizó por una mirada marcada por la conciencia social, sus posturas sobre distintos aspectos de la vida y una identidad vinculada al feminismo, elementos que terminaron convirtiéndola en una de las voces femeninas más reconocidas del movimiento.</p><h2>Ximbo y sus primeros pasos dentro de la cultura hip hop</h2><p>Durante los años 80, “<em>Rapper&#x27;s Delight</em>” fue una de las primeras canciones que acercó a Ximbo al universo del rap. La canción, incluso, tuvo una versión conocida en México como “<em>El Cotorreo</em>”, realizada por el comediante Memo Ríos y que terminó de impulsar ese primer vínculo de la mexicana con la cultura del hip hop.</p><p>En la preparatoria comenzó a escribir y lanzar sus primeras rimas en solitario. Años más tarde se vinculó con Malik y posteriormente formó Magisterio, grupo que se convirtió en uno de los proyectos destacados de la escena de la capital mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/7tQK6J7IFac" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>A partir de allí, Ximbo comenzó a transitar por diferentes escenarios y colectivos, consolidando una trayectoria que la llevó a convertirse en una referente del rap nacional y en una de las mujeres que abrió camino dentro de una escena que todavía estaba en pleno crecimiento.</p><h2>Feminismo, identidad y cultura: el legado de Ximbo</h2><p>A lo largo de sus más de tres décadas de carrera, Ximbo construyó una identidad artística que trascendió las rimas. Su trabajo estuvo marcado por dos grandes ejes: el feminismo y la visibilización de las culturas y lenguas originarias dentro del hip hop.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_caa8b8ee5a.png" alt=""><figcaption>Ximbo rapeando sobre el escenario (Instagram(Ximbo).</figcaption></figure><p>A través de sus letras, su participación en festivales y su recorrido por diferentes espacios de la escena, la mexicana utilizó el rap como una herramienta para expresar sus ideas y darles lugar a temáticas que históricamente tuvieron menor presencia dentro del movimiento.</p><p>Su trayectoria también la convirtió en una inspiración para las nuevas generaciones de mujeres que encontraron en el rap un espacio de expresión. Por eso, hablar de la historia del rap mexicano y de la presencia femenina dentro de la cultura hip hop implica necesariamente mencionar el nombre de Ximbo.</p>

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Ximbo, la mujer que hizo historia en el rap mexicano

<p>El deporte urbano está acostumbrado a romper sus propios límites, y el skateboarding volvió a demostrarlo con una maniobra que parecía imposible. Esta vez, el protagonista fue Maxim Habanec, quien consiguió el récord mundial del deslizamiento más largo en patineta con un feeble grind de 78 metros de distancia.</p><h2>78 metros de distancia, un feeble grind y una marca histórica: así fue la hazaña de Maxim Habanec</h2><p>Pensar en el deporte urbano sin tener en cuenta la presencia de Red Bull como protagonista principal es casi imposible. No solo por ser una de las organizaciones más involucradas en las disciplinas deportivas más principales dentro del movimiento –desde el patrocinio por las grandes figuras del skateboarding o el BMX Freestyle hasta incluso detrás de la organización de los principales eventos– sino también por impulsar momentos que marcan un antes y un después y se graban en la memoria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3046b4ef8.png" alt=""><figcaption>Postal del récord de Maxim Habanec (Instagram/Maxim Habanec).</figcaption></figure><p>El drop-in de Sandro Dias en Porto Alegre, el descenso marcha atrás de Tomomi Nishikubo en Hakuba o el salto de Kriss Kyle sobre un auto de Fórmula 1 en el Circuito de Knockhill son tan solo tres de múltiples momentos en los que Red Bull llevó el deporte urbano al siguiente nivel y dejó un momento que quedará en la historia de la disciplina.</p><p>Y hace algunas semanas volvió a ocurrir, esta vez con Maxim Habanec, figura del skateboarding europeo, como protagonista y un grind de más de setenta metros de distancia como objetivo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@redbulllatino/video/7676502743619505428" data-video-id="7676502743619505428" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@redbulllatino/video/7676502743619505428" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>El skater checo logró realizar un feeble grind de 78 metros de largo, superando el hito alcanzado por Kanaan Dern y adueñándose del récord mundial del deslizamiento más largo en patineta. Para entender más la dimensión de lo conseguido por Maxim, es como si hubiese realizado un grind por el Obelisco acostado, y hasta incluso un poco más. Una completa locura.</p><p>El episodio, que rápidamente cosechó miles de visitas y se instaló como el gran episodio del skater checo durante la temporada, se convirtió en uno de los momentos más destacados del skateboarding y volvió a demostrar, una vez más, el vínculo entre Red Bull y el deporte urbano con un nuevo episodio que marcará un antes y un después.</p>

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Maxim Habanec y el feeble grind de 78 metros que hizo historia

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Si sos rapero, grafitero, beatmaker, artista visual o tenés una marca de ropa, probablemente Buena Cepa tenga un lugar para vos. El festival creado por Desko y Jali busca convertirse en una plataforma para quienes desean mostrar su arte.</p><h2>Buena Cepa, un punto de encuentro para la cultura urbana</h2><p>Buenos Aires tiene espacios para todo tipo de expresiones dentro de la cultura urbana: desde lugares dedicados exclusivamente al graffiti hasta escenarios donde el freestyle y el rap encuentran su lugar.</p><p>Sin embargo, existe un rincón en la capital argentina donde todas estas propuestas conviven en una misma experiencia, pensada por y para artistas emergentes.</p><p>Buena Cepa es un festival ideado por Desko y Jali, dos artistas emergentes de Buenos Aires que decidieron crear un espacio pensado especialmente para quienes están dando sus primeros pasos dentro de la cultura urbana. La propuesta funciona como un punto de encuentro para MCs, grafiteros, beatmakers, dibujantes y marcas de ropa que buscan mostrar su trabajo y conectar con el público.</p><p>Con múltiples ediciones realizadas, el evento fue consolidando una identidad propia y ampliando su propuesta con open mics, shows, espacios para dibujo, graffiti y stands de emprendimientos, además de otras expresiones vinculadas a la cultura urbana.</p><p>Una propuesta de nicho que pone el foco en darle visibilidad a quienes todavía están construyendo su camino.</p><h2>Buena Cepa prepara su cuarta fecha en Buenos Aires</h2><p>Si sos rapero, DJ, artista visual o tenés una marca de ropa y estás buscando un espacio para mostrarte, Buena Cepa prepara una nueva oportunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcPMOmWmFvP/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El próximo sábado 5 de septiembre, el festival tendrá su cuarta fecha en Tabaco Bar, ubicado en Estados Unidos 265, San Telmo. Las entradas para la cuarta fecha de Buena Cepa se pueden conseguir a través del portal Central Ticket, con precios que parten desde los $10.000 argentinos.</p><p>La jornada contará con raperos invitados, exposiciones de artistas visuales, DJ sets y open mics, en una nueva edición pensada para reunir a distintos exponentes de la escena emergente.</p>

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El espacio donde el rap, el graffiti y el streetwear se encuentran: así es Buena Cepa

<p>Si alguna vez viste de cerca el proceso de creación de un mural, probablemente hayas notado algo extraño: antes de pintar, el artista llena la pared de garabatos.</p><p>Y no, no lo hace al azar, sino que es parte de una técnica conocida como <em>doodle grid</em>, que ayuda a trasladar bocetos a gran escala.</p><h2>Doodle grid: por qué los muralistas llenan de garabatos las paredes antes de pintar</h2><p>Es muy probable que, si alguna vez prestaste atención a cómo los artistas realizan sus murales, hayas notado que antes de comenzar con la pintura final suelen llenar la superficie de líneas, formas, letras y garabatos. Y aunque a simple vista pueda parecer algo hecho al azar, en realidad se trata de una técnica utilizada para trasladar un boceto a gran escala con mayor precisión.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e0bb6afe05.png" alt=""><figcaption>Doodle grid hecho por Martín Ron (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure><p>Conocida como <em>doodle grid</em> o cuadrícula de garabatos, esta técnica funciona como una especie de mapa visual sobre la pared. El artista cubre previamente la superficie con diferentes referencias, generalmente utilizando un color claro o spray, para después utilizarlas como puntos de orientación mientras reproduce el diseño a mano alzada.</p><p>A diferencia de una cuadrícula geométrica tradicional, donde la pared se divide en cuadrados para mantener las proporciones, el <em>doodle grid </em>propone una referencia mucho más intuitiva y dinámica. Los garabatos permiten ubicar elementos, calcular proporciones y trasladar partes complejas del boceto sin necesidad de recurrir necesariamente a un proyector.</p><p>Además, esta técnica resulta especialmente útil cuando se trabaja sobre superficies de gran tamaño o en espacios exteriores donde las condiciones de luz pueden dificultar el uso de proyectores. Una vez que comienza la pintura definitiva, las líneas y formas utilizadas como referencia quedan completamente cubiertas, haciendo que desaparezca ese particular “mapa” que permitió construir el mural.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>De esta manera, lo que para cualquier persona puede parecer una pared llena de garabatos sin sentido funciona en realidad como una herramienta de planificación: una manera más rápida, flexible e intuitiva de conservar las proporciones y trasladar un diseño desde un boceto pequeño hasta una obra de grandes dimensiones.</p>

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La razón por la que los muralistas hacen garabatos antes de pintar sus obras

<p>Más allá de las grandes figuras que dominan la música latina, la música regional mexicana mantiene un lugar central dentro de la identidad cultural del país.</p><p>En ese escenario, nuevos nombres buscan hacerse un espacio y Mariana Millán aparece como una de las voces femeninas que comienzan a llamar la atención.</p><h2>Una nueva voz para la música regional mexicana: Mariana Millán</h2><p>Más allá de la fama y el enorme seguimiento que tienen artistas mainstream como Bad Bunny, Young Miko, Karol G o Bizarrap, en México existe un fuerte vínculo con la música regional mexicana, uno de los sonidos más representativos de la identidad cultural del país.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6b999c74d5.png" alt=""><figcaption>Mariana Millán, el nuevo talento femenino de la música regional mexicana (Instagram/Mariana Millán).</figcaption></figure><p>Junto a nombres que ya se consolidaron dentro de la nueva escena, como Natanael Cano, Peso Pluma y Grupo Frontera, continúan apareciendo artistas que buscan construir su propio camino dentro del género, y Mariana Millán es una de esas nuevas figuras.</p><p>Conocida como “la plebe de la voz grave”, la mexicana se convirtió en una de las nuevas apariciones femeninas de la música regional mexicana, con un sello particular que rápidamente se transformó en una de sus principales características: una voz grave y profunda que le aporta una identidad propia dentro de la escena.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/YhacrrvA4No" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Con poco más de dos años de trayectoria en la industria musical y sin provenir de una familia vinculada a la música, Millán comenzó a construir su recorrido a través de canciones como “<em>El Reventón</em>”, “<em>¿Qué Fue de Nosotros?</em>” y “<em>Polvo de Nuez</em>”, tres de los temas que forman parte de su todavía breve pero creciente carrera.</p><p>Su llegada a la música, además, estuvo marcada por una decisión personal que significó dejar atrás la estabilidad que había construido durante años. Antes de dedicarse profesionalmente a cantar, la mexicana tenía un trabajo con cuatro años de antigüedad y un sueldo fijo, pero decidió abandonarlo para perseguir el objetivo de convertirse en artista.</p><p>Así comenzó un recorrido que hoy la encuentra construyendo su identidad dentro de uno de los géneros más representativos de México. Con una voz que se diferencia y una trayectoria que recién comienza, Mariana Millán aparece como una de las nuevas figuras femeninas a seguir dentro de la música regional mexicana.</p>

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Mariana Millán y una voz que busca hacerse lugar en la música regional mexicana

<p>Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.</p><h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2><p>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure><p>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.</p><p>Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure><p>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.</p><h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2><p>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.</p><ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure><p>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.</p>

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El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

<p>Con más de 270 mil seguidores en redes sociales, el artista chileno Emilio Álvarez se convirtió en uno de los referentes de la customización en Latinoamérica, llevando su arte desde prendas de vestir y zapatillas hasta autos, skates y objetos cotidianos.</p><h2>Emilio Álvarez y el arte de convertir cualquier objeto en una pieza única</h2><p>La customización se convirtió en una de las ramas más interesantes dentro de la moda y la cultura urbana. En Latinoamérica, distintos artistas encontraron en la personalización una manera de intervenir prendas, accesorios y objetos cotidianos para transformarlos en piezas únicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_03ebd6b973.png" alt=""><figcaption>Emilio Álvarez customizando una chaqueta de jean (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Y en Chile, uno de los nombres que más se destaca dentro de esta escena es Emilio Álvarez. Con una comunidad de más de 270 mil seguidores, el artista construyó una identidad propia a partir de la customización y llevó su trabajo mucho más allá de las zapatillas, convirtiendo prácticamente cualquier superficie en un nuevo lienzo.</p><p>Su universo atraviesa el streetwear y la indumentaria, con intervenciones sobre sneakers, camisetas, hoodies, gorras, bolsos, billeteras y botines de fútbol, pero también alcanza objetos mucho menos habituales como botellas de whisky, billetes, tablas de skate, automóviles, termos, joysticks de consolas y valijas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Uno de los principales rasgos de su obra es la presencia del anime, una fuente de inspiración que aparece constantemente en sus diseños. Entre las franquicias y universos que llevó a sus piezas se encuentran:</p><ul><li>Hunter x Hunter</li></ul><ul><li>One Piece</li></ul><ul><li>Dragon Ball Z</li></ul><ul><li>Sailor Moon</li></ul><ul><li>Naruto</li></ul><ul><li>Los Caballeros del Zodiaco</li></ul><ul><li>One Punch Man</li></ul><ul><li>Pokemon</li></ul><p>Pero su trabajo no se queda únicamente en el anime. Álvarez también incorpora referencias a la cultura pop, el fútbol y personajes icónicos, con diseños inspirados en figuras como Tony Montana, Arturo Vidal, Neymar y Cristiano Ronaldo.</p><p>A lo largo de su trayectoria, además, sus customizaciones lo llevaron a trabajar junto a distintas figuras reconocidas de la música y el deporte. Entre algunas de sus colaboraciones aparecen:</p><ul><li>Eladio Carrión</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Cristián Zavala</li></ul><ul><li>Eduardo Vargas</li></ul><ul><li>Anuel</li></ul><ul><li>Michael Vadulli</li></ul><ul><li>Igor Lichnovsky</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a238b9420.png" alt=""><figcaption>El futbolista Cristián Zavala con sus botines customizados by Emilio Álvarez (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure><p>Así, Emilio Álvarez convirtió la customización en mucho más que una técnica aplicada a la moda: la transformó en una forma de llevar sus referencias, personajes e identidad artística a prácticamente cualquier objeto que pueda convertirse en un lienzo.</p>

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Emilio Álvarez, el artista chileno que no deja ningún objeto sin customizar

<p>Calaveras, guiños futboleros, sneakers y símbolos de la cultura urbana también pueden convertirse en piezas de joyería: ese es el universo que construyó Juan del Beats a través de sus diseños personalizados.</p><h2>La propuesta argentina que une joyería, streetwear y deporte: así es Juan del Beats</h2><p>Dentro de la escena urbana argentina, una de las propuestas que logró hacerse un lugar a través de diseños personalizados y una estética propia es Juan del Beats.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2fa7f50fcd.png" alt=""><figcaption>Nucleo Aka Tintasucia vistiendo piezas de Juan del Beats (Juan del Beats).</figcaption></figure><p>La joyería ubicada en la ciudad de Buenos Aires trabaja con piezas elaboradas en plata 925 y oro de 18 quilates, y desarrolla diseños que combinan referencias del streetwear, el deporte y la cultura urbana. A lo largo de su recorrido, las creaciones de Juan del Beats llegaron a manos de artistas como Luck Ra, Duki, C.R.O, Rels B e, incluso, a figuras internacionales del cine como Johnny Depp.</p><h2>Plata, oro y piezas personalizadas: el universo de Juan del Beats</h2><p>La propuesta de Juan del Beats reúne una amplia variedad de joyas personalizadas y piezas de autor pensadas para quienes buscan llevar accesorios con identidad propia.</p><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Aros</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Dijes</li></ul><ul><li>Coleccionables</li></ul><ul><li>Colaboraciones especiales</li></ul><p>Cada colección desarrolla una estética muy marcada, con referencias que van desde calaveras, armas y elementos del imaginario urbano hasta homenajes al mundo del fútbol, los sneakers y distintos símbolos deportivos</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>También aparecen diseños inspirados en botines, dorsales y siluetas icónicas, construyendo un catálogo que mezcla joyería tradicional con códigos contemporáneos.</p><p>Además, el proyecto ubicado en Buenos Aires realizó colaboraciones especiales, entre ellas una junto al trapero uruguayo Falke 912, ampliando todavía más un universo creativo donde la personalización y el diseño ocupan un lugar protagonista</p><h2>De Duki a C.R.O: los artistas que llevaron piezas de Juan del Beats</h2><p>La joyería logró posicionarse dentro de la escena musical y urbana gracias a distintas colaboraciones y trabajos realizados para reconocidas personalidades.</p><ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Duki</li></ul><ul><li>C.R.O</li></ul><ul><li>Núcleo</li></ul><ul><li>Nucleo Aka Tintasucia</li></ul><ul><li>Rels B</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una identidad visual atravesada por la cultura urbana, el deporte y el diseño personalizado, Juan del Beats continúa consolidándose como una de las propuestas argentinas de joyería que encontró en los accesorios una nueva forma de expresión artística.</p>

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Juan del Beats, la joyería que llevó el diseño urbano a otro nivel

<p>La escultura también puede nacer de aquello que queda fuera del circuito del consumo. Y en la Ciudad de México, Gastón Gallardo, conocido artísticamente como Galo Escultor, encuentra en objetos recuperados una materia prima para construir piezas que invitan a mirar el mundo desde otra perspectiva.</p><h2>Galo Escultor, una mirada que convierte los objetos en arte</h2><p>Dentro de la escena artística urbana y contemporánea de México, Gastón Gallardo, conocido en el mundo de la escultura como Galo Escultor o simplemente Galo, construyó una identidad marcada por la experimentación con materiales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2547439625.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Egresado de la Universidad Latinoamericana y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, el artista oriundo de la Ciudad de México combina su formación académica con una búsqueda que encuentra inspiración en aquello que muchas veces queda relegado al descarte.</p><p>Su trabajo parte de la recolección de objetos en mercados y tianguis, elementos que adquieren una nueva lectura cuando pasan por sus manos. En lugar de observarlos únicamente como materiales sin utilidad, Galo los entiende como pequeñas piezas de memoria y vestigios de la vida cotidiana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A partir de ellos crea esculturas únicas e irrepetibles, en las que aparecen figuras como caballos, peces, aves, rinocerontes, gorilas y tecuanes, entre muchas otras formas.</p><p>A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones individuales y colectivas y llevó sus piezas a distintos espacios culturales de México, entre ellos aparecen el Museo de la Ciudad de México, la Academia de San Carlos, la Biblioteca Vasconcelos y la Bienal de Fotografía de Oaxaca.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_59a87a2d53.png" alt=""><figcaption>Trabajos de Galo Escultor (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Su obra también se caracteriza por combinar distintos materiales y objetos de uso cotidiano, generando piezas en las que lo encontrado deja de ser simplemente un elemento viejo para convertirse en parte de una composición artística.</p><h2>Arte, consumo y una segunda vida para los objetos</h2><p>Detrás de cada pieza existe también una reflexión sobre la manera en que la sociedad produce, consume y descarta. La recuperación de materiales funciona como una forma de cuestionar ese ciclo y demostrar que aquello que perdió su función todavía puede adquirir un nuevo significado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_918c9ee247.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Así, Galo explora lo onírico, lo religioso y lo simbólico, utilizando la escultura como una herramienta para hablar sobre el ambiente y la cultura del descarte.</p><p>Cada creación es, en definitiva, una nueva oportunidad para mirar aquello que normalmente pasa desapercibido: objetos cotidianos que, después de ser encontrados y transformados, pueden convertirse en piezas únicas y volver a tener una historia.</p>

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Galo Escultor, el artista que transforma lo descartado en piezas artísticas

<p>¿Qué tienen en común una feria, una parrilla, una discoteca bailable, un barrio porteño y un destino poco turístico? Todos pueden convertirse en una nueva experiencia para Las Rutas de Juan, el canal argentino que recorre todo tipo de lugares.</p><h2>Turismo, gastronomía y exploración urbana en un mismo canal: Las Rutas de Juan</h2><p>La creación de contenido tiene lugar para todo: desde quienes encuentran en el turismo su principal fuente de inspiración hasta quienes se enfocan en la gastronomía o la exploración urbana. Pero también existen proyectos que deciden mezclar todas estas categorías en un mismo espacio. Ese es el caso de Las Rutas de Juan.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNMW7YNOOBe/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNMW7YNOOBe/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con casi medio millón de suscriptores en YouTube y una comunidad que también crece en Instagram, el canal del argentino construyó una propuesta basada en recorrer lugares, conocer historias y descubrir experiencias de todo tipo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a63bb74d2e.png" alt=""><figcaption>Las Rutas de Juan en Jujuy (Instagram/Las Rutas de Juan).</figcaption></figure><p>Desde explorar barrios y espacios como Villa Soldati, Villa Curita y La Salada, pasando por recorrer ferias y visitar discotecas hasta buscar propuestas gastronómicas particulares, cada video de Las Rutas de Juan propone una nueva ruta.</p><p>Argentina funciona como uno de los principales escenarios de su contenido, con recorridos por distintos puntos del país, visitas a parrillas, ferias y establecimientos gastronómicos. Pero el recorrido de Las Rutas de Juan también cruzó las fronteras y llevó al canal a países como Chile, Perú, Brasil, México, República Dominicana y Haití, donde mostró diferentes culturas, comidas y lugares.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNUFARuOLgj/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNUFARuOLgj/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Así, Las Rutas de Juan convirtió la curiosidad por conocer nuevos lugares en el eje de una propuesta que combina viajes, gastronomía, experiencias y exploración urbana, con una mirada cercana sobre aquellos destinos y espacios que muchas veces quedan fuera de los recorridos turísticos tradicionales.</p>

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Las Rutas de Juan, el canal argentino que recorre lugares de todo tipo

<p>El skateboarding centroamericano se prepara para uno de sus grandes encuentros regionales: Guatemala recibirá la cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding.</p><h2>El skate centroamericano se prepara para una nueva batalla regional: el Campeonato Centroamericano de Skateboarding</h2><p>El skateboarding centroamericano se prepara para uno de sus grandes encuentros regionales del calendario. Y es que, por primera vez en la historia, Guatemala será la sede del Campeonato Centroamericano de Skateboarding, una competencia que reunirá a seis selecciones de la región, entre ellas Costa Rica, Panamá y Nicaragua, durante dos jornadas en la capital guatemalteca, donde buscarán quedarse con el título regional y demostrar todo el talento del skateboarding centroamericano sobre la pista.</p><p>La cuarta edición del campeonato se llevará a cabo el próximo sábado 29 y domingo 30 de agosto en el Salón 4 del Parque de la Industria, ubicado en la Zona 9 de la Ciudad de Guatemala.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db3WeEyud9X/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db3WeEyud9X/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La competencia contará con participación masculina y femenina y tendrá entrada gratuita para los aficionados que quieran acercarse a disfrutar del talento de la región.</p><p>La actividad será organizada por primera vez por la Federación Deportiva Nacional de Patinaje de Guatemala (FEDEPAJ) y representará una oportunidad para fortalecer la participación deportiva regional y acercar el skateboarding al público guatemalteco.</p><p>Además, quienes no puedan asistir en primera persona, podrán seguir la competencia en vivo a través de las transmisiones de Facebook Live y YouTube de FEDEPAJ.</p><h2>¿Qué países participarán del Campeonato Centroamericano de Skateboarding?</h2><p>La cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding contará con la presencia de seis países, que llevarán a Guatemala a algunos de los principales talentos de la región para competir tanto en la rama masculina como femenina.</p><ul><li>Guatemala</li></ul><ul><li>El Salvador</li></ul><ul><li>Honduras</li></ul><ul><li>Nicaragua</li></ul><ul><li>Costa Rica</li></ul><ul><li>Panamá</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_db95a7fe2d.png" alt=""><figcaption>Annie Maccio, representante de Costa Rica en el Campeonato Centroamericano de Skateboarding (Instagram/Annie Maccio).</figcaption></figure><p>La presencia de las seis selecciones permitirá reunir diferentes estilos y técnicas del skateboarding centroamericano en un mismo escenario, en una competencia que buscará fortalecer los vínculos deportivos de la región y darle mayor visibilidad a la disciplina.</p>

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Guatemala recibe la cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>Buenos Aires es una de las ciudades de Latinoamérica con mayor variedad gastronómica, desde restaurantes de alta cocina hasta propuestas que conquistan las redes sociales. Y en el barrio de Flores, un local llevó uno de los clásicos argentinos a otro nivel: Damián Sandwich, la casa de los sándwiches de miga más grandes de la capital argentina.</p><h2>Damián Sandwich, el paraíso de los sándwiches de miga gigantes</h2><p>Ubicado en Avenida Varela 803, en el barrio porteño de Flores, y con proyección a inaugurar un nuevo local en Palermo, Damián Sandwich encontró su lugar dentro de la escena gastronómica de Buenos Aires a partir de una propuesta tan sencilla como contundente: sándwiches de miga de enormes dimensiones y con una cantidad de relleno fuera de lo habitual.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4f6bcd02b4.png" alt=""><figcaption>Chipa jamón cocido y queso dambo, una de las variedades de Damián Sandwich (Instagram/Damián Sandwich).</figcaption></figure><p>La diferencia se encuentra a simple vista. Para alcanzar una cantidad similar de relleno habría que juntar varios sándwiches de miga tradicionales, mientras que en Damián Sandwich todo aparece concentrado en una sola pieza.</p><p>La variedad también es uno de los grandes atractivos del lugar: hay sándwiches triples, morenitos, opciones con pan de chipá, alternativas vegetarianas y combinaciones especiales con ingredientes como vitel toné, pollo césar, guacamole, roquefort, palmitos, salsa golf y ananá.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DRaV9EEEfPb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DRaV9EEEfPb/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una propuesta que convirtió a un producto clásico de la gastronomía porteña en una experiencia mucho más contundente, Damián Sandwich se ganó un lugar entre los rincones gastronómicos que vale la pena conocer.</p><h2>De jamón y queso a brisket: las variedades de Damián Sandwich</h2><p>Uno de los puntos fuertes del local es la enorme cantidad de combinaciones disponibles.</p><p>La propuesta incluye opciones tradicionales, alternativas más elaboradas y sabores para distintos gustos.</p><ul><li>Sándwiches de chipá: jamón cocido y queso Dambo; lomito ahumado y cheddar.</li></ul><ul><li>Triples clásicos: jamón y tomate, jamón y huevo, jamón y lechuga, aceitunas verdes, morrón y huevo, tomate y huevo y jamón cocido con queso Dambo.</li></ul><ul><li>Morenitos: bondiola, fiambre y tomate; crudo, rúcula y parmesano; crudo y tomate; salame y queso; crudo y roquefort; crudo y ananá; palmitos, salsa golf y huevo, entre otras combinaciones.</li></ul><ul><li>Opciones premium: brisket, vitel toné, pastrón, matambre, milanesa de peceto, pollo guacamole y pollo César.</li></ul><ul><li>Alternativas vegetarianas: distintas combinaciones con zanahoria, tomate, morrón y otros vegetales.</li></ul><ul><li>Triples especiales: atún, palmitos, salsa golf, roquefort, nuez, primavera, cheddar y ananá.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbLd5ruCLBB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbLd5ruCLBB/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La variedad convierte al local en una parada especialmente atractiva para quienes quieren alejarse de las combinaciones tradicionales y probar nuevas versiones de un clásico argentino.</p><h2>Un fenómeno tanto gastronómico como digital</h2><p>El tamaño de sus productos, la cantidad de relleno y las distintas combinaciones hicieron que Damián Sandwich encontrara otro escenario para mostrar su propuesta: las redes sociales.</p><p>Los sándwiches se transformaron en protagonistas de videos, recomendaciones y contenidos gastronómicos, donde su particular tamaño funciona como el principal atractivo visual.</p><p>Así, lo que comenzó como una sándwichería especializada en uno de los clásicos de la gastronomía argentina terminó convirtiéndose en un verdadero paraíso para los fanáticos de los sándwiches de miga, con una propuesta que combina tradición, abundancia y un formato pensado para sorprender.</p>

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Damián Sandwich, el paraíso de los sándwiches de miga gigantes en Flores

<p>La gastronomía porteña continúa reinventándose con propuestas que transforman clásicos de la cocina internacional. Y en pleno barrio de Palermo, aparece Pushi, una experiencia diferente para disfrutar sushi: rolls servidos dentro de un tubo que se consumen de manera práctica inspirado en una tendencia surgida en Estados Unidos.</p><h2>La experiencia de comer sushi desde un tubo: así es Pushi</h2><p>La gastronomía es una de las industrias que más se reinventa constantemente. Ya sea a través de nuevos platillos o de reinterpretaciones de clásicos, cada vez aparecen propuestas que transforman la forma de consumir comidas populares.</p><p>Y uno de los mejores ejemplos es el sushi, que en los últimos años dio lugar a versiones tan curiosas como hamburguesas, panchos e incluso pizzas inspiradas en el tradicional plato japonés.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e6cd55ea8b.png" alt=""><figcaption>Persona vertiendo salsa en un tubo Pushi (Instagram/Pushi).</figcaption></figure><p>Ahora, esa búsqueda por ofrecer una experiencia diferente desembarcó en la ciudad de Buenos Aires con una idea importada desde Estados Unidos. Ubicado en el barrio de Palermo (calle Honduras 5624), Pushi se convirtió en uno de los locales sensación gracias a una propuesta que rompe con la manera tradicional de comer sushi: rolls servidos dentro de un tubo que se consumen empujando las piezas hacia arriba, una por una.</p><p>Lejos de presentar el sushi sobre un plato, cada preparación se sirve en un envase cilíndrico inspirado en el formato de las clásicas papas fritas tipo Pringles. Además, cada tubo incluye una varita especialmente diseñada para completar la experiencia, que puede contener salsas como soja, teriyaki o maracuyá, entre otras opciones.</p><ul><li>Destapar el tubo y retirar la varita rellena con la salsa elegida.</li></ul><ul><li>Verter la salsa dentro del envase.</li></ul><ul><li>Utilizar la varita para empujar las piezas desde la base hacia la parte superior.</li></ul><ul><li>Disfrutar cada bocado sin necesidad de utilizar palillos tradicionales.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZAnqlRpbBU/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZAnqlRpbBU/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá del factor sorpresa, el formato también busca ofrecer una alternativa práctica para disfrutar sushi en cualquier lugar. Ya sea dentro del local, mientras se camina por la ciudad o incluso para llevar, la propuesta transforma una comida tradicional en una experiencia diferente, cómoda y pensada para el consumo urbano.</p><h2>¿Qué contiene la carta de Pushi?</h2><p>Más allá del innovador formato, la propuesta gastronómica de Pushi mantiene la esencia del sushi tradicional a través de una carta que reúne cinco variedades de rolls. Desde combinaciones clásicas con salmón y langostinos hasta alternativas con atún o completamente veganas, el local busca ofrecer opciones para todos los gustos.</p><ul><li>Crunchy: langostino, salmón, palta, verdeo y quinoa crunchy (incluye salsa de soja).</li></ul><ul><li>Manhattan: langostino, palta, queso feta y tenkasu.</li></ul><ul><li>Phila: salmón, queso phila, palta y sésamo mixto.</li></ul><ul><li>Tuna: atún, queso phila, pepino y sésamo rubio.</li></ul><ul><li>Vegan: hongos, palta, lechuga y ciboulette.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DY0b8P1D3fe/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DY0b8P1D3fe/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los tubos de sushi tienen un valor que oscila entre $18.000 y $22.000 pesos argentinos, mientras que las salsas se adquieren por separado por $1.000 pesos argentinos cada una. Entre las opciones disponibles aparecen sabores como maracuyá, nikkei, soja, spicy y teriyaki, permitiendo personalizar cada preparación según las preferencias de cada comensal.</p><p>En cuanto a los horarios, el espacio ubicado en el barrio de Palermo abre los lunes de 12:00 a 15:00 horas, de martes a sábado de 12:00 a 23:00 horas y los domingos de 19:00 a 23:00 horas, permitiendo disfrutar de la experiencia en todo momento del día.</p>

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Pushi, el novedoso sushi en tubo que llegó al barrio de Palermo

<p>El freestyle competitivo hispanohablante dará un paso histórico con la llegada de la Freestyle World Cup, el torneo organizado por Urban Roosters que reunirá a veinticuatro selecciones nacionales en busca de la gloria mundial de las rimas.</p><h2>¿Qué es la Freestyle World Cup de Urban Roosters, el primer Mundial de freestyle hispanohablante?</h2><p>Si bien la Pre-World Cup sirvió como una primera prueba del formato por selecciones, el gran objetivo de Urban Roosters para este año será la Freestyle World Cup, el ambicioso Mundial que reunirá a las mejores delegaciones del freestyle hispanohablante durante el mes de diciembre.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_5b3b68f249.png" alt=""><figcaption>El costarricense SNK en los escenarios de Urban Roosters (Instagram/SNK).</figcaption></figure><p>El torneo contará con veinticuatro selecciones nacionales, cada una integrada por tres freestylers, uno de ellos como capitán, y adoptará un formato inspirado en la Copa del Mundo, trasladando el concepto de los seleccionados nacionales al universo de la improvisación.</p><p>La primera fase estará compuesta por seis grupos de cuatro equipos, donde cada país disputará tres enfrentamientos. Finalizada esta instancia, dieciséis selecciones avanzarán al cuadro eliminatorio, que comenzará en octavos de final y continuará con cuartos, semifinales y la gran definición.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYh5HygR0xE/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYh5HygR0xE/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Además del prestigio internacional, la competencia repartirá una importante bolsa de premios: el campeón recibirá 90.000 dólares, mientras que el subcampeón obtendrá 30.000 dólares.</p><h2>Así quedaron los grupos de la Freestyle World Cup</h2><p>Luego del sorteo oficial realizado por Urban Roosters, las veinticuatro selecciones ya conocen el camino que deberán recorrer en busca del título mundial.</p><ul><li>Grupo A: España, Puerto Rico, Panamá y El Salvador.</li></ul><ul><li>Grupo B: Perú, Paraguay, República Dominicana y Guinea Ecuatorial.</li></ul><ul><li>Grupo C: México, Venezuela, Bolivia y Uruguay.</li></ul><ul><li>Grupo D: Chile, Honduras, Nicaragua y Costa Rica.</li></ul><ul><li>Grupo E: Colombia, Guatemala, Estados Unidos y Ecuador.</li></ul><ul><li>Grupo F: Argentina, Cuba, Europa y una plaza aún por confirmar.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZbC4RlACLt/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZbC4RlACLt/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con el cuadro ya definido, las selecciones comenzarán a preparar sus equipos para una competencia que reunirá a algunos de los freestylers más destacados del circuito internacional.</p><h2>¿Cuándo se disputará la Freestyle World Cup de Urban Roosters?</h2><p>La Freestyle World Cup contará con cuatro eventos presenciales: tres jornadas correspondientes a la fase de grupos y una gran final internacional.</p><p>La competencia comenzará el viernes 4 de diciembre en Colombia, mientras que la definición del campeonato se disputará el sábado 12 de diciembre en la Ciudad de México, país que además ejercerá como anfitrión de la gran final.</p><p>De esta manera, Urban Roosters buscará trasladar definitivamente el formato mundialista al freestyle con la edición más ambiciosa en la historia de la disciplina, donde veinticuatro selecciones competirán por convertirse en la primera selección campeona del mundo.</p>

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Freestyle World Cup: formato, grupos y cómo será el Mundial organizado por Urban Roosters

<p>El arte puede aparecer en los lugares y materiales más inesperados: desde una lata de pintura hasta alimentos, arena o elementos reciclados. Y en México, una tradición artesanal encontró una nueva forma de expresarse.</p><p>Se trata de Taka Arte, un proyecto que lleva el arte huichol al universo Pokémon a través de piezas únicas hechas a mano, donde la cultura pop se encuentra con una tradición cargada de simbolismo.</p><h2>Taka Arte y la fusión entre Pokémon y arte huicho</h2><p>El universo artístico no se limita a las obras sobre un bastidor, los murales hechos con pintura o las esculturas tradicionales. Existen propuestas que encuentran en distintos materiales y técnicas una manera de crear, y en México el arte huichol es una de las expresiones que mantiene una fuerte identidad artesanal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4852f91116.png" alt=""><figcaption>Eevee hecho con arte huichol por Taka Arte (Taka Arte).</figcaption></figure><p>En ese escenario aparece Taka Arte, un proyecto que tomó esta técnica y la llevó hacia uno de los universos más reconocidos de la cultura pop: Pokémon. A través de piezas únicas realizadas a mano, la propuesta combina personajes de distintas generaciones con una estética artesanal que convierte a cada diseño en una obra particular.</p><p>Entre los Pokémon que forman parte de su universo aparecen:</p><ul><li>Mega Gyarados</li></ul><ul><li>Ivysaur</li></ul><ul><li>Charizard X</li></ul><ul><li>Dragonite</li></ul><ul><li>Eevee</li></ul><ul><li>Psyduck</li></ul><ul><li>Squirtle</li></ul><ul><li>Charmander</li></ul><ul><li>Sylveon</li></ul><ul><li>Gengar</li></ul><ul><li>Pikachu</li></ul><ul><li>Rayquaza</li></ul><ul><li>Bulbasaur</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá del componente visual, cada pieza busca conservar el vínculo del arte huichol con la naturaleza y la espiritualidad. Los colores, símbolos y formas no funcionan únicamente como elementos decorativos, sino que pueden representar historias vinculadas con la protección, la vida y la tradición.</p><h2>¿Qué es el arte huichol, la técnica con la que Taka Arte transforma los Pokémon?</h2><p>El arte huichol, también conocido como arte wixárika, es una expresión artesanal vinculada al pueblo wixárika de México. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores intensos, formas simbólicas y elementos relacionados con la naturaleza y la cosmovisión de esta comunidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d82e2f2537.png" alt=""><figcaption>Arte huichol (Marival Resorts).</figcaption></figure><p>Esta tradición puede encontrarse en distintas piezas y objetos decorativos, donde los colores y símbolos adquieren un significado que va más allá de lo estético. Taka Arte toma esa identidad artesanal como punto de partida para trasladarla a personajes y referencias de la cultura pop.</p><p>Así, Pokémon se convierte en el puente entre dos universos diferentes: por un lado, una tradición artística mexicana; por otro, una franquicia reconocida mundialmente.</p>

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Pokémon, arte huichol y piezas únicas hechas a mano: el universo de Taka Arte

<p>Muchas veces el arte urbano se relaciona con grandes murales, aerosoles y paredes intervenidas. Sin embargo, también puede aparecer en formatos mucho más pequeños y cotidianos, como un cartel pintado a mano, y el tapatío Brandon Mata es una eminencia a lo largo y ancho del territorio mexicano.</p><h2>Brandon Mata y el arte detrás de cada letrero</h2><p>En la escena mexicana existen distintos emblemas del arte urbano: algunos encuentran su inspiración en el deporte, otros en la naturaleza y otros en la cultura popular. Pero también están quienes entienden que el arte urbano va mucho más allá de las latas de pintura, los murales y los grafitis.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y es en Guadalajara donde aparece el nombre de Brandon Mata, uno de los artistas que lleva esa mirada a los carteles y letreros pintados completamente a mano.</p><p>Brandon Mata es un artista mexicano oriundo de Guadalajara especializado en rotulación a mano, una técnica que utiliza pinceles y pintura para crear carteles, anuncios y diferentes piezas gráficas directamente sobre distintas superficies.</p><p>Su trabajo puede encontrarse en espacios tan cotidianos como locales gastronómicos, pizzerías, puestos de comida y establecimientos de bebidas. Allí, aquello que a simple vista podría parecer un vinilo o una impresión industrial tiene detrás el pulso y la precisión del artista tapatío.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c26279d8b.png" alt=""><figcaption>El trabajo de Brandon Mata en acción (Instagram/Brandon Mata).</figcaption></figure><p>La rotulación convierte así una herramienta comercial en una pieza visual que combina tipografías, colores, composiciones y detalles realizados completamente a mano.</p><p>Aunque Guadalajara aparece como uno de los principales puntos de trabajo de Mata, su obra también llegó a diferentes ciudades y regiones de México.</p><ul><li>Guadalajara.</li></ul><ul><li>Puerto Vallarta.</li></ul><ul><li>Aguascalientes.</li></ul><ul><li>Nayarit.</li></ul><ul><li>Querétaro.</li></ul><ul><li>Jalisco.</li></ul><p>Su recorrido demuestra cómo la rotulación puede trascender la función de anunciar un producto o negocio para convertirse en una expresión artística propia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en tiempos donde gran parte de la comunicación visual se produce de manera digital, el trabajo de Brandon Mata recupera el valor de una técnica que depende directamente del pulso, la paciencia y la precisión. Cada cartel tiene, de esta manera, un componente irrepetible: detrás de cada letra, dibujo o composición existe una persona que tomó un pincel y construyó la pieza desde cero.</p>

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Brandon Mata y el arte de pintar letreros a mano

<p>Tras el terremoto que golpeó Colombia, WestCol impulsó “Unidos x Colombia”, una campaña que reúne a grandes figuras de la talla de Coscu, Arcángel, Bizarrap, Nico Williams y Willyrex para acompañar y ayudar a las familias afectadas.</p><h2>WestCol lidera “Unidos x Colombia” y reúne a grandes figuras para ayudar a los damnificados por el terremoto</h2><p>Colombia atraviesa días de enorme dificultad luego del terremoto de magnitud 7,4 que golpeó al país el pasado lunes 10 de agosto, sismo que dejó más de 300 fallecidos, más de 4.000 heridos y miles de familias afectadas, además de importantes daños en viviendas e infraestructura.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcFDSENJuXY/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcFDSENJuXY/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En medio de este complejo escenario, WestCol, uno de los creadores de contenido más reconocidos de Colombia y un pilar de la creación de contenido a nivel latinoamericano, impulsó a través de sus redes sociales la campaña “Unidos x Colombia”, una iniciativa que reúne a reconocidos creadores de contenido, futbolistas y artistas hispanohablantes con el objetivo de acompañar y ayudar a las familias damnificadas.</p><p>A través del video difundido por el streamer colombiano, distintas figuras de la música, el deporte y la creación de contenido enviaron mensajes de fuerza y convocaron a sus comunidades a colaborar con quienes más lo necesitan. Entre los nombres que aparecen se encuentran Nicky Jam, Coscu, Arcángel, Nico Williams, Bizarrap, Wisin, Juan Fernando Quintero y Plex, entre otros.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_73a112e41b.png" alt=""><figcaption>WestCol abrazado con una señora mayor de edad en Colombia (Instagram/WestCol).</figcaption></figure><p>La iniciativa busca aprovechar el alcance de estas figuras para transformar la enorme comunidad digital que las acompaña en una red de apoyo para Colombia, especialmente para las personas que perdieron sus hogares o se vieron afectadas por la tragedia.</p><p>Si querés colaborar con los damnificados, podés ingresar al perfil de Instagram de <a href="https://www.instagram.com/westcol/?hl=es"><u>WestCol</u></a> para conocer los canales de donación vinculados a la campaña.</p>

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“Unidos x Colombia”: WestCol reúne a grandes figuras para ayudar a las familias afectadas por el terremoto

<p>La cultura pop continúa ganando terreno dentro del streetwear y una de las colaboraciones más esperadas del año tiene como protagonistas a Converse y Dragon Ball Z: una colección especial compuesta por sneakers e indumentaria inspirados en los personajes más emblemáticos de la histórica franquicia japonesa.</p><h2>Los personajes de Dragon Ball Z llegan al mundo del streetwear con Converse</h2><p>Desde hace ya varios años, la cultura pop dejó de ser únicamente una fuente de inspiración para el cine, los videojuegos o la televisión para también convertirse en uno de los grandes motores del streetwear.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbDrd-zvSbd/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbDrd-zvSbd/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y uno de los ejemplos más recientes llega de la mano de Converse, que unió fuerzas con Dragon Ball Z para presentar una colección especial inspirada en algunos de los personajes más icónicos de la histórica franquicia japonesa.</p><h2>Así son los sneakers que homenajean a Goku, Vegeta y compañía</h2><p>Con más de quince modelos de zapatillas, y con las clásicas Chuck Taylor All Star como principal silueta, Converse trasladó el universo de Dragon Ball Z al mundo de los sneakers con una colección inspirada en algunos de los personajes más icónicos de la franquicia japonesa. A través de combinaciones de colores, logotipos, ilustraciones y distintos guiños visuales, cada par busca representar la esencia de un personaje diferente, convirtiendo a las zapatillas en un homenaje para los fanáticos de la saga.</p><ul><li>Goku</li></ul><ul><li>Vegeta</li></ul><ul><li>Cell</li></ul><ul><li>Freezer</li></ul><ul><li>Majin Buu</li></ul><ul><li>Shenlong</li></ul><ul><li>Piccolo</li></ul><ul><li>Krilin</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f94b53ac9f.png" alt=""><figcaption>Los sneakers de la colección entre Converse y Dragon Ball Z (Converse).</figcaption></figure><p>La colección no se limita únicamente al calzado. La cápsula también incorpora una línea de remeras, hoodies y prendas de indumentaria que mantiene la misma identidad visual, replicando personajes, símbolos y referencias de Dragon Ball Z para completar una de las colaboraciones más importantes entre el universo del anime y el streetwear de los últimos años.</p><p>Con esta colaboración, Converse vuelve a demostrar cómo el streetwear continúa encontrando en el anime uno de sus principales aliados, sumando una colección que une dos universos con millones de seguidores alrededor del mundo y que promete convertirse en una de las más buscadas por fanáticos de Dragon Ball Z y coleccionistas de zapatillas.</p>

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Dragon Ball Z aterriza en el streetwear de la mano de Converse

<p>Tras más de dos semanas de competencia, los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo llegaron a su fin y el deporte urbano fue uno de los protagonistas del certamen, con el básquet 3x3, el skateboarding y los eSports como grandes representantes.</p><h2>República Dominicana festejó en casa y se quedó con el oro del básquet 3x3</h2><p>La medalla de oro del básquet 3x3 masculino de los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo se quedó en República Dominicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c9f09fbf33.png" alt=""><figcaption>Básquet 3x3 en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><p>El seleccionado local derrotó 18-16 a Puerto Rico en la definición disputada en el Malecón Deportivo y se consagró campeón ante su público de la mano de Rayner Moquete, quien aportó ocho puntos y terminó como máximo anotador de la final.</p><p>El combinado dominicano construyó su camino al título desde la fase de grupos, donde superó a San Cristóbal y Nieves y Jamaica, antes de avanzar en las rondas eliminatorias.</p><p>En cuartos de final, República Dominicana dejó en el camino a Haití, mientras que en semifinales se impuso ante Guatemala para meterse en la definición por el oro. En el partido decisivo, volvió a mostrar su fortaleza y derrotó a Puerto Rico para quedarse con el primer lugar.</p><p>El podio lo completó Guatemala, que venció 21-12 a México en el partido por el bronce. De esta manera, República Dominicana, Puerto Rico y Guatemala fueron los tres seleccionados que terminaron arriba.</p><h2>Puerto Rico y Colombia dominaron el skateboarding en Santo Domingo</h2><p>El skateboarding tuvo al street femenino y masculino como protagonistas en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo y repartió medallas entre Puerto Rico, México, Venezuela y Colombia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_66741c10f5.png" alt=""><figcaption>Skateboarding en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><p>En la rama femenina, Esmeralda Butler (150,76) se quedó con la medalla de oro. La puertorriqueña fue escoltada por la mexicana Geraldine Sánchez (90,62), mientras que la venezolana María Arias (80,08) completó el podio.</p><p>En la competencia masculina, el oro quedó en manos del colombiano Jhancarlos González (176,64), uno de los grandes nombres del continente en la disciplina. El puertorriqueño Gabriel Lavallee (140,22) consiguió la medalla de plata, mientras que el mexicano Brayan Coria (139,08) cerró el podio.</p><h2>MenaRD, Colombia y Panamá: los campeones de los eSports en Santo Domingo</h2><p>Los deportes electrónicos hicieron su debut histórico como disciplina oficial en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo y tuvieron competencia en tres videojuegos: eFootball, League of Legends y Street Fighter 6.</p><ul><li>eFootball: el oro fue para el panameño Jhonnatan David Mora Moreno.</li><li>League of Legends: Colombia se quedó con el primer puesto.</li><li>Street Fighter 6: el oro fue para el dominicano Saúl Leonardo Mena Segundo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_914fa89c62.png" alt=""><figcaption>El dominicano Saúl Leonardo Mena Segundo, dueño de la medalla de oro en Street Fighter 6, festejando (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><h2>México, Colombia y Cuba: los tres mejores del medallero</h2><p>México fue el gran dominador de los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo. La delegación cerró la competencia en el primer puesto del medallero con 167 medallas de oro y 407 preseas en total, producto de 125 platas y 115 bronces.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db1skCxN8yo/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db1skCxN8yo/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Colombia terminó en el segundo lugar con 91 medallas doradas y 266 preseas totales, mientras que Cuba completó el podio con 51 oros y 155 medallas.</p><p>Por su parte, República Dominicana, anfitrión de la competencia, finalizó en el quinto lugar con 46 medallas de oro y 150 preseas en total.</p>

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Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo: conocé los ganadores del deporte urbano

<p>Red Bull Dance Your Style, la competencia de street dance improvisado más importante del mundo, desembarca en México con clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México rumbo a la final nacional, y Street Art Latam te acerca toda la información.</p><h2>Clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México y una final nacional: así será el camino de Red Bull Dance Your Style en México</h2><p>Luego de las paradas realizadas en Brasil, Argentina y Colombia, donde los bailarines André Oliveira, Pacifi y Sharay Posadas se convirtieron en los ganadores, Red Bull Dance Your Style, una de las competencias de street dance improvisado más importantes del mundo, aterriza en México como una nueva parada en el continente latinoamericano.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DcH3sl_RNAA/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DcH3sl_RNAA/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La competencia pondrá frente a frente a dieciséis de los mejores bailarines de street dance del país en batallas uno contra uno, con una particularidad que la diferencia de otros torneos: no hay jueces. Después de cada enfrentamiento, será el público quien vote por su bailarín favorito y decida quién avanza a la siguiente ronda.</p><p>La primera etapa estará compuesta por las clasificatorias, que se desarrollarán en Monterrey y Ciudad de México. La primera cita será el jueves 27 de agosto en Panorama Sky Club, mientras que la segunda tendrá lugar el jueves 10 de septiembre en Fauna Rooftop de Ciudad de México, ciudad que también hospedará la gran definición nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d401b21571.png" alt=""><figcaption>Bailarina mexicana dejando su huella en Red Bull Dance Your Style (Red Bull).</figcaption></figure><p>Los bailarines buscarán demostrar toda su creatividad, musicalidad e improvisación sobre la pista para avanzar hasta la Final Nacional de Red Bull Dance Your Style México, donde volverán a ser los espectadores quienes tengan la última palabra.</p><p>La definición nacional se llevará a cabo el domingo 13 de septiembre en el Polyforum Siqueiros de Ciudad de México. Allí se conocerá al nuevo campeón mexicano, que conseguirá el derecho a representar al país en la Final Mundial de Red Bull Dance Your Style, que tendrá lugar en Zúrich, Suiza.</p>

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Red Bull Dance Your Style llega a México: conocé fechas y sedes

<p>Hay clásicos que nunca pasan de moda y el alfajor es uno de ellos. En pleno Caballito, un local llevó esa pasión a otro nivel y reunió más de 400 variedades bajo un mismo techo: conocé La Tienda del Alfajor.</p><h2>La Tienda del Alfajor, un paraíso para los fanáticos de la golosina argentina</h2><p>El alfajor es, sin dudas, una de las golosinas más arraigadas en la cultura argentina. Con el paso del tiempo, dejó de ser únicamente una combinación de galletas y dulce de leche para convertirse en un clásico que aparece en desayunos, meriendas, postres y antojos.</p><p>Y en el barrio de Caballito, esa pasión tiene un lugar propio: La Tienda del Alfajor.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_972b25a072.png" alt=""><figcaption>La fachada de La Tienda del Alfajor (Instagram/La Tienda del Alfajor).</figcaption></figure><p>Ubicada en Rojas 46, en el barrio porteño de Caballito, La Tienda del Alfajor nació a partir del interés de tres socios, dos de ellos vinculados al mundo de la distribución de golosinas. El proyecto encontró en el alfajor su razón de ser y construyó una propuesta dedicada exclusivamente a este producto.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DUJgGJHD4gu/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DUJgGJHD4gu/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El local cuenta con más de 400 variedades, lo que permite encontrar desde los clásicos que forman parte del imaginario argentino hasta alternativas más específicas. Entre su oferta aparecen productos sin TACC, ediciones premium y alfajores regionales, ampliando el recorrido por las distintas versiones que existen dentro de una de las golosinas más populares del país.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c5363338c9.png" alt=""><figcaption>Más de 400 variedades de alfajores (Instagram/La Tienda del Alfajor).</figcaption></figure><p>La propuesta convierte al local en una especie de recorrido por el universo del alfajor: diferentes sabores, formatos, marcas y estilos reunidos en un mismo espacio para quienes buscan descubrir nuevas opciones o simplemente encontrar su próximo favorito.</p><ul><li>Lunes a viernes: de 7:30 a 20:30.</li></ul><ul><li>Sábados y domingos: de 10:00 a 20:00.</li></ul><p>Así, tanto quienes buscan un alfajor para arrancar el día como aquellos que quieren cerrar la tarde con algo dulce pueden acercarse a conocer la propuesta.</p>

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Más de 400 variedades en pleno Caballito: así es La Tienda del Alfajor

<p>El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.</p><h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2><p>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.</p><p>Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio</em>”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.</p><p>Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.</p><h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2><p>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “<em>Jamaican heart</em>”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.</p><p>Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.</p><h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2><p>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.</p><p>Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.</p><p>Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.</p><p>Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.</p>

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El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

<p>La nueva cancha de Clutch Basket llegó con una sorpresa en sus paredes: un gigantesco mural de Maxi Bagnasco que rinde homenaje a las principales figuras de la Generación Dorada.</p><h2>Maxi Bagnasco homenajeó a la Generación Dorada con un mural en la nueva cancha de Clutch Basket</h2><p>La nueva cancha de Clutch Basket, uno de los principales puntos de encuentro del básquet en la Ciudad de Buenos Aires, en colaboración con Duki, sumó una intervención artística que rápidamente captó la atención de los fanáticos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db6gL4cSxw4/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db6gL4cSxw4/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En una de las paredes del espacio, el muralista argentino Maxi Bagnasco plasmó los rostros de algunas de las máximas figuras de la historia del básquet argentino.</p><p>La obra funciona como un homenaje a la denominada Generación Dorada, con las figuras de Pepe Sánchez, Fabricio Oberto, Luis Scola, Emanuel Ginóbili, Andrés Nocioni, Carlos Delfino y Pablo Prigioni como protagonistas de la intervención.</p><p>“<em>Así pinté Clutch x Duki, un mural para homenajear a La Generación Dorada. Gracias a la gente de Clutch por volver a confiar en mi trabajo y por dejarme llevar este proyecto a mi manera</em>”, escribió el muralista argentino en sus redes sociales acompañado de un posteo con imágenes del proceso de la intervención.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_771e6d4bae.png" alt=""><figcaption>El primer mural de Clutch Basket hecho por Maxi Bagnasco (Instagram/Maxi Bagnasco).</figcaption></figure><p>La intervención también marcó una nueva colaboración entre Bagnasco y Clutch Basket. El artista ya había dejado su huella en el proyecto creado por Grego Rossello cuando realizó el mural que acompaña a la cancha central y que reúne a algunas de las figuras más importantes de la historia del básquet mundial: Kobe Bryant, Emanuel Ginóbili, Michael Jordan, LeBron James, Allen Iverson y Stephen Curry.</p>

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Maxi Bagnasco llevó a la Generación Dorada a las paredes de Clutch Basket

<p>Mientras muchos artistas trabajan con pintura o lienzos, Toto Tatuer eligió un camino completamente distinto. A través del vidrio fracturado, el artista plástico de Ingeniero Maschwitz desarrolló una técnica propia que transforma las grietas en el principal recurso visual de cada una de sus obras.</p><h2>Conocé a Toto Tatuer, el argentino que crea retratos y símbolos utilizando vidrio fracturado</h2><p>Dentro de la escena artística argentina conviven propuestas de todo tipo: desde artistas dedicados al muralismo de gran escala hasta tatuadores que llevan el realismo como bandera. Y en ese amplio universo aparece Toto Tatuer, un artista que encontró a través de la resignificación de materiales cotidianos como el vidrio, el hierro y las cadenas una manera particular de construir su propia identidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Oriundo de Ingeniero Maschwitz, el artista plástico y también tatuador autodidacta logró convertirse en una de las figuras que más llaman la atención dentro de la escena artística de Buenos Aires gracias a una propuesta tan inusual como desafiante.</p><p>Su trabajo parte de elementos que forman parte de la vida cotidiana para transformarlos mediante procesos manuales que requieren precisión, paciencia y, en algunos casos, asumir ciertos riesgos durante su elaboración.</p><p>Actualmente instalado en el barrio porteño de Chacarita, Toto Tatuer llevó su particular mirada artística a proyectos junto a firmas de primer nivel como Samsung, Fernet Branca y McDonald&#x27;s, además de colaborar con figuras de la música como Cazzu.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95a4a74413.png" alt=""><figcaption>La Gioconda hecha con vidrio destrozado por Toto Tatuer (Toto Tatuer).</figcaption></figure><p>De esta manera, la obra del artista de Ingeniero Maschwitz logró trascender el circuito artístico tradicional para encontrar nuevos espacios donde los materiales y objetos cotidianos pueden adquirir una segunda vida.</p><h2>El vidrio roto como sello de identidad artística</h2><p>Más allá de resignificar materiales cotidianos como el vidrio, el hierro o las cadenas, Toto Tatuer desarrolló un lenguaje visual donde las fracturas se convierten en el principal recurso artístico. A través de impactos cuidadosamente controlados sobre el cristal, el artista construye retratos, animales, símbolos, frases e íconos populares utilizando las propias grietas como líneas de composición.</p><p>Entre las obras del artista de Ingeniero Maschwitz aparecen reinterpretaciones de clásicos como La Gioconda, escudos deportivos como el de Boca Juniors, corazones anatómicos, ojos, animales y composiciones tipográficas, siempre manteniendo al vidrio quebrado como protagonista absoluto de cada pieza.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa combinación entre técnica, precisión y materiales poco convencionales hace que cada trabajo sea irrepetible, ya que el patrón de fracturas nunca vuelve a repetirse exactamente de la misma manera. El resultado son obras que transforman un elemento asociado a la rotura en una expresión artística cargada de detalle, textura y profundidad.</p><p>En un contexto donde el arte contemporáneo busca constantemente nuevos lenguajes, Toto Tatuer demuestra que incluso un material asociado a la destrucción puede convertirse en el punto de partida para construir belleza. Una obra que invita a mirar las fracturas desde otra perspectiva y confirma que el arte también puede surgir allí donde muchos solo ven un objeto roto.</p>

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Toto Tatuer y el arte de transformar el vidrio roto en obras únicas

<p>El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.</p><h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2><p>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.</p><p>La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.</p><p>Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul><p>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.</p><h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2><p>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.</p><p>En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.</p><p>El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.</p><h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2><p>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.</p><p>La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.</p><p>Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.</p><p>La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.</p>

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Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

<p>En la industria textil mexicana existen distintos perfiles que encontraron en la moda una forma de expresar identidad, cultura y creatividad, y uno de los nombres que más destaca dentro de ese universo es Mauro Garfias.</p><p>Con más de quince años de trayectoria, el diseñador llevó su particular mirada sobre el streetwear, la mezclilla y el diseño a marcas, clubes deportivos y figuras internacionales.</p><h2>Un emblema del diseño mexicano: Mauro Garfias</h2><p>La industria del diseño en México ha encontrado en Mauro Garfias uno de sus nombres más destacados. Egresado del Instituto de Estudios Superiores de Moda en Casa de Francia, con una licenciatura en Diseño y Confección, una especialización en mezclilla y formación como diseñador gráfico, Garfias se convirtió en uno de los nombres vinculados al diseño y la moda urbana mexicana más importantes de la última década.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4cba5ec703.png" alt=""><figcaption>El estilo de Mauro Garfias x Vans (Instagram/Mauro Garfias).</figcaption></figure><p>Con una propuesta que combina la cultura streetwear con prendas de identidad propia y una mirada enfocada en la reutilización y el consumo responsable, el diseñador mexicano logró trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, además de desarrollar proyectos vinculados al mundo del fútbol y la cultura urbana.</p><h2>12crew, una firma que apuesta por la identidad</h2><p>Uno de los principales proyectos de Garfias dentro del streetwear es 12crew, una firma de construcción textil que busca crear prendas únicas y transformar la manera en la que se visten los mexicanos.</p><p>La propuesta se sostiene sobre tres pilares principales:</p><ul><li>Calidad.</li></ul><ul><li>Diseño.</li></ul><ul><li>Tendencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e8444ad0a.png" alt=""><figcaption>Mauro Garfias visitando prendas de 12crew (12crew).</figcaption></figure><p>La marca también incorpora técnicas de upcycling y reworking, con las que busca reutilizar y transformar prendas y materiales como una contrapropuesta frente al consumo masivo.</p><p>La mezclilla ocupa un lugar central dentro de su universo, acompañada por referencias del arte japonés, la cultura urbana y una búsqueda constante de piezas únicas y exclusivas.</p><h2>De México al mundo: las figuras que vistieron sus diseños</h2><p>El trabajo de Garfias también trascendió las fronteras de México y llegó a figuras reconocidas internacionalmente.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Además de trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, el diseñador mexicano realizó prendas especiales y únicas para jugadores como Javier “Chicharito” Hernández, Andrés Guardado y Shaquille O&#x27;Neal.</p><p>Su trayectoria también incluye colaboraciones con referentes del hip hop y el graffiti como Aczino y Tote King, llevando su propuesta desde el streetwear mexicano hacia diferentes escenarios de la cultura urbana internacional.</p>

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El diseño mexicano bajo la mirada de Mauro Garfias

<p>El básquet argentino encontró en los últimos años nuevas formas de acercarse a públicos que van más allá del deporte tradicional, y una de ellas es La Crossover, la competencia creada por Facundo Campazzo y Germán Beder.</p><h2>¿Qué es La Crossover, el torneo que rompe con el básquet tradicional?</h2><p>La Crossover se convirtió en una propuesta que busca llevar el básquet argentino más allá de la competencia tradicional. Organizado por Facundo Campazzo y Germán Beder, el evento combina deporte, entretenimiento, música, streaming e influencers en un formato pensado tanto para los fanáticos del básquet como para una audiencia más amplia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_25db3fff94.png" alt=""><figcaption>Facundo Campazzo, una de las caras detrás de La Crossover (La Crossover).</figcaption></figure><p>La competencia reúne a distintos equipos encabezados por figuras reconocidas de la música, el streaming, el deporte y el entretenimiento, donde los protagonistas funcionan como las caras visibles de cada conjunto y son acompañados por basquetbolistas federados y jugadores vinculados a la competencia nacional.</p><h2>El reglamento de La Crossover</h2><p>A diferencia de un partido tradicional, La Crossover incorpora reglas y dinámicas propias que buscan convertir cada encuentro en un espectáculo. Entre ellas aparecen los tiros de cuatro puntos y los aros más bajos, además de concursos, activaciones con marcas y diferentes propuestas que se desarrollan alrededor de los partidos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1cfaa66fac.png" alt=""><figcaption>Baloncesto como pilar de La Crossover (La Crossover).</figcaption></figure><p>De esta manera, el básquet funciona como el eje de una experiencia que también reúne a figuras de distintas industrias y acerca el deporte a nuevos públicos.</p><h2>La edición que puso a La Crossover en el mapa</h2><p>La historia de La Crossover comenzó en agosto del año 2025, cuando el Microestadio Roberto Pando del Club Atlético San Lorenzo de Almagro recibió la primera edición del evento organizado por Facundo Campazzo y Germán Beder.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e86bb166ce.png" alt=""><figcaption>La Crossover, el evento que revolucionó el básquet argentino (La Crossover).</figcaption></figure><p>La jornada reunió a figuras del básquet, la música y el streaming en una competencia que rápidamente se convirtió en una propuesta diferente dentro de la escena deportiva argentina.</p><p>Uno de los principales atractivos fue justamente la combinación de protagonistas: los equipos estuvieron vinculados a reconocidas figuras del entretenimiento, mientras que dentro de la cancha participaron jugadores de básquet con experiencia federada.</p><p>La primera edición contó con la presencia de nombres como Luquitas Rodríguez, Pluzito, Grego Rossello, Juanposite, Andrés “Chapu” Nocioni y Paulo Londra, además de la participación de José Montesano y los propios organizadores, Facundo Campazzo y Germán Beder, como comentaristas de la competencia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNlf_m3xwA6/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNlf_m3xwA6/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El título quedó en manos de Showtime, equipo capitaneado por Luciana de la Barba, quien actualmente juega en Boca Juniors y cuenta con pasado en la Selección argentina de básquet femenino.</p><p>Así, la primera edición no solo marcó el nacimiento de La Crossover, sino que también estableció la identidad de un evento que busca cruzar al básquet con diferentes expresiones de la cultura popular.</p><h2>De San Lorenzo a La Bombonerita: todas las ediciones de La Crossover</h2><p>Desde aquella primera jornada en el Microestadio Roberto Pando, La Crossover continuó creciendo y sumando nuevas sedes, protagonistas y equipos. El recorrido del evento ya cuenta con tres ediciones, cada una con un campeón diferente.</p><ul><li>Primera edición — San Lorenzo: realizada en el Microestadio Roberto Pando, terminó con Showtime como campeón. El equipo, capitaneado por Luciana de la Barba, se quedó con el primer título de la historia de La Crossover.</li></ul><ul><li>Segunda edición — Zárate: la competencia tuvo una nueva edición en el Espacio DAM de Zárate, donde Speed se quedó con el campeonato después de imponerse ante Carriers.</li></ul><ul><li>Tercera edición — La Bombonerita: la competencia llegó al estadio Luis Conde, conocido como La Bombonerita, para una nueva jornada que terminó con Play to Win, el equipo de Pluzito, como campeón tras vencer a DaleBo.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dblw235RMbi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dblw235RMbi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con tres ediciones y diferentes escenarios, La Crossover fue ampliando una propuesta que mantiene al básquet como protagonista, pero que también apuesta por reunir deporte, entretenimiento, música y cultura digital en un mismo lugar.</p>

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La Crossover, el evento que revolucionó el básquet argentino

<p>El streaming argentino y latinoamericano se prepara para salir de la pantalla y encontrarse cara a cara con su comunidad con Generación, el festival que reunirá durante tres días a más de 75 figuras con shows, experiencias y contenido en vivo.</p><h2>Generación, el festival que llevará el streaming fuera de la pantalla</h2><p>Históricamente, la comunidad de creadores de contenido y streamers tuvo distintos puntos de encuentro en Argentina, desde eventos como Club Media Fest hasta propuestas como Argentina Game Show, donde algunos de los principales exponentes de las redes sociales se reunieron frente a sus comunidades.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3918400400.png" alt=""><figcaption>Alejo Igoa durante su show en el Movistar Arena de Buenos Aires (Instagram/Alejo Igoa).</figcaption></figure><p>Después de varios años, Buenos Aires volverá a ser escenario de un evento de estas características con Generación, el festival que reunirá durante tres días a streamers, creadores de contenido y artistas en BA Ferial, el predio anteriormente conocido como Costa Salguero, bajo una propuesta que busca llevar el universo digital al mundo físico, con shows, experiencias y contenidos exclusivos en vivo.</p><p>Con un formato que propone distintas maneras de vivir el festival, cada asistente podrá elegir qué creador ver, cuándo hacerlo y cómo disfrutar la experiencia, desde presentaciones individuales hasta el acceso a escenarios y jornadas completas: una especie de “Lollapalooza de streamers” con más de 45 shows y 75 creadores distribuidos durante tres jornadas.</p><p>Generación se llevará a cabo del viernes 11 al domingo 13 de diciembre y contará con la presencia de algunas de las principales figuras argentinas del streaming, como Spreen, Coscu, Ian Lucas y Goncho, además de referentes españoles como TheGrefg, Jordi Wild y Rubius, quien volverá a Argentina después de varios años.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_29f33fd276.png" alt=""><figcaption>Coker sacándose fotos con fanáticos (Argentina Game Show).</figcaption></figure><p>La programación también tendrá espacio para artistas musicales y nuevos nombres de la escena digital, con figuras como Lit Killah, Marcos Giles y Melian, entre otros.</p><h2>Los tres escenarios de Generación: qué streamers estarán en cada uno</h2><p>La propuesta de Generación estará dividida en tres escenarios, cada uno con una programación diferente y una selección de streamers, creadores y artistas.</p><ul><li>Stage Play: Alejo Igoa, Robleis, Ian Lucas, Jordi Wild, Rubius, Spreen, TheGrefg y más.</li></ul><ul><li>Stage Click: Coscu, Momo, Nilo Ojeda, Top Globales, Spreen, HiClavero, Angie Velasco, Yolo Aventuras, Lit Killah y más.</li></ul><ul><li>Stage Trend: La Gula, Mica Suárez, Kevsho, Marti Benza, Ferne con Grego, La Gambeta y más.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbhH1fljXv2/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La distribución permitirá que cada asistente pueda armar su propia experiencia dentro del festival, eligiendo qué escenario recorrer y qué creadores quiere ver en vivo, más allá de los horarios que todavía no fueron anunciados.</p><h2>Toda la información que tenés que saber sobre Generación</h2><p>Generación se llevará a cabo del 11 al 13 de diciembre en BA Ferial, con una programación que abarcará distintas áreas vinculadas al entretenimiento digital, como streaming, gaming, comedia, lifestyle, fútbol digital y creator economy, entre otras.</p><p>https://www.streetartlatam.com/agenda/evento/generacion-festival-de-streamers-en-buenos-aires</p><p>Para todos aquellos que quieran vivir en primera persona la experiencia de Generación, podrán adquirir sus entradas a través de la página oficial del festival, con cuatro modalidades diferentes según el tipo de acceso que busquen:</p><ul><li>Show Pass: acceso a un show en particular, desde $33.000.</li></ul><ul><li>Stage Pass: acceso a un escenario completo, desde $112.500.</li></ul><ul><li>Day Pass: acceso durante una jornada completa, desde $202.500.</li></ul><ul><li>Festival Pass: acceso a los tres días del festival, desde $350.000.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbWlooQD-JW/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El festival contará con tres escenarios —Trend, Click y Play— y diferentes zonas de activaciones, donde los asistentes podrán encontrar setups, torneos, espacios de free play y un paseo gastronómico, además de otras experiencias pensadas para llevar el universo de los creadores fuera de la pantalla.</p>

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Así será Generación, el festival que reunirá a los streamers más importantes en Buenos Aires

<p>La Liga Bazooka volverá a Argentina con una nueva edición que reunirá a grandes referentes nacionales de las batallas escritas el próximo domingo 25 de octubre en el emblemático Teatro Gran Rex.</p><h2>Liga Bazooka aterriza en el Teatro Gran Rex con una edición cien por ciento argentina</h2><p>Luego de anunciar su primera edición mexicana y tras la histórica jornada con formato todos contra todos, donde participaron nombres como Mecha y Chili Parker con un único round extenso para enfrentarse al resto de los competidores, la Liga Bazooka volverá a la ciudad de Buenos Aires para reunir nuevamente a algunos de los principales referentes de las batallas escritas a nivel nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f16435a4e.png" alt=""><figcaption>Replik, uno de los battlecat presentes en la edición nacional de la Liga Bazooka en el Teatro Gran Rex (Instagram/Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>La liga de batallas escritas más importante de la escena hispanohablante trasladará ahora su propuesta el próximo domingo 25 de octubre al Teatro Gran Rex, uno de los escenarios más emblemáticos de Argentina, donde contará con referentes consolidados como Chili Parker, Giro y Cill, figuras en ascenso como Musher y Yun y una combinación de vieja escuela, nuevas generaciones y cuentas pendientes.</p><p>Además, en su búsqueda por elevar la calidad del espectáculo, Liga Bazooka anunció una novedad para esta edición: la duración de los rounds variará según el momento de la cartelera.</p><ul><li>Primeras dos batallas: rounds de dos minutos.</li></ul><ul><li>Siguientes dos enfrentamientos: rounds de tres minutos.</li></ul><ul><li>Últimos tres cruces: rounds de cuatro minutos.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fcb9f5c09d.png" alt=""><figcaption>Gustavo Ramos en acción en la Liga Bazooka (Instagram/Liga Bazooka).</figcaption></figure><p>De esta manera, la nueva edición argentina no solo marcará el regreso de Liga Bazooka al país, sino que también presentará un formato pensado para que los enfrentamientos más importantes cuenten con mayor tiempo para desarrollar cada batalla.</p><h2>¿Cuáles serán los enfrentamientos de la edición argentina de la Liga Bazooka?</h2><p>La nueva edición contará con siete enfrentamientos que reunirán al número uno del ranking nacional, nombres consolidados del circuito, figuras en ascenso y competidores que volverán al escenario después de varios meses de ausencia.</p><ul><li>Compas versus Underdann</li></ul><ul><li>Musher versus Zaina</li></ul><ul><li>Brillante versus Humo Aliens</li></ul><ul><li>Gustavo Ramos versus Cill</li></ul><ul><li>Giro versus Markitos</li></ul><ul><li>Alcoy versus Yun</li></ul><ul><li>Chili Parker versus Replik</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbegD53FJml/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbegD53FJml/?hl=es-la&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h2>Toda la información sobre la Liga Bazooka en el Teatro Gran Rex</h2><p>Para quienes quieran vivir la nueva edición de Liga Bazooka en Buenos Aires, Street Art Latam trae toda la información para conseguir las entradas.</p><p>El evento se llevará a cabo el próximo domingo 25 de octubre en el Teatro Gran Rex, uno de los recintos más emblemáticos de la capital argentina, ubicado en la Avenida Corrientes, a menos de 200 metros del Obelisco.</p><p>Las entradas estarán disponibles a través de la plataforma <a href="https://www.tuentrada.com/liga-bazooka-tgr?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAc3J0YwZhcHBfaWQPOTM2NjE5NzQzMzkyNDU5AAGnxWNAEee7ObIvgydkhlhZfPigL7RL0P7iPE5G3VeCT1NrrIPKLpBJih0tCbo_aem_O3JZoylcpH_D1M8XU91xOQ"><u>TuEntrada</u></a>, con precios que van desde los $40.250 hasta los $109.250, dependiendo de la ubicación elegida dentro del recinto.</p>

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La Liga Bazooka vuelve a Buenos Aires: quién compite, enfrentamientos y entradas

<p>Desde su primera edición en Bogotá hasta su desembarco internacional en Quito, Cuestión de Carácter Fest construyó una historia marcada por artistas, personajes y muros colectivos.</p><h2>¿Qué es Cuestión de Carácter Fest, el festival que convirtió los caracteres en protagonistas?</h2><p>Cuestión de Carácter Fest se convirtió no solo en uno de los festivales de arte urbano más importantes de Bogotá, ciudad donde nació, sino también en una propuesta que dejó su huella a lo largo y ancho de Colombia y en distintos puntos de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e4188f9f7d.png" alt=""><figcaption>Los primeros trazos de Cuestión de Carácter Fest (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><p>Liderado por los artistas colombianos Lady Rayo y Franco, el festival reúne a cientos de creadores nacionales e internacionales bajo una misma premisa: levantar un muro colectivo repleto de los caracteres más representativos de la región. De esta manera, se consolidó como uno de los encuentros artísticos más destacados del calendario urbano de Bogotá.</p><h2>La historia de Cuestión de Carácter Fest, edición por edición</h2><h3>El comienzo en Bogotá</h3><p>La historia de Cuestión de Carácter Fest comenzó en diciembre del año 2022, cuando su primera edición llegó al centro de Bogotá. Artistas locales, colaboradores e invitados internacionales intervinieron una obra sobre una culata compuesta por una colección de caracteres icónicos a todo color y una pared paralela con los mismos personajes bajo una temática en blanco y negro. Ambas intervenciones se convirtieron en un espacio referente de la ciudad y marcaron el nacimiento del festival.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>Más de 250 artistas en el Parque de los Novios</h3><p>Tres años después, Cuestión de Carácter Fest tuvo su segunda edición en el Parque de los Novios. La jornada reunió a más de 250 muralistas, ilustradores y creadores provenientes de distintos puntos de la región, quienes dejaron su huella en la ciudad a través de una nueva construcción colectiva de personajes y estilos.</p><h3>Fiesta de Personajes: una celebración en tres momentos</h3><p>Entre las producciones especiales del festival apareció “Fiesta de Personajes”, una propuesta dividida en tres momentos: fiesta, concierto y after party. La intervención se construyó alrededor del concepto del llamado del muro, con espacios libres en los que cada personaje podía acomodarse a la situación que eligiera, jugando con la identidad de los caracteres y el contexto en el que eran representados.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2d8e2e5427.png" alt=""><figcaption>Muro de Bogotá repleto de caracteres (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><h3>La Última Farra: una reinterpretación de La Última Cena</h3><p>Otra de las producciones especiales fue La Última Farra, una reinterpretación de “La Última Cena” llevada al contexto actual. En esta versión, la mesa se convirtió en el escenario central y estuvo acompañada por objetos y elementos cotidianos que ayudaron a construir una representación cargada de identidad y complicidad.</p><h3>Cuestión de Carácter llegó a Barranquilla</h3><p>La quinta edición, celebrada en mayo de 2026, marcó un nuevo capítulo para el festival al salir de Bogotá y aterrizar en Barranquilla. La jornada reunió a grafiteros, ilustradores y creadores de personajes de Barranquilla, Cartagena, Santa Marta y distintos puntos de la costa, mientras que los caracteres plasmados en el muro incorporaron elementos propios de la escena caribeña, como palmeras, tiburones y gafas oscuras.</p><h3>El festival cruzó las fronteras de Colombia y aterrizó en Quito</h3><p>En junio de 2026, Cuestión de Carácter Fest dio uno de sus pasos más importantes al realizar su primera edición internacional en Quito, Ecuador. El desembarco significó un desafío para el festival al salir de su zona de confort y trasladar su concepto a un nuevo territorio, donde más de 50 artistas invitados llevaron la idea del muro lleno de caracteres a la capital ecuatoriana. Además de la intervención colectiva, la propuesta contó con una exposición de serigrafías y lienzos, batalla de caracteres y jornadas de estampado, entre otras actividades.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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De Bogotá a Latinoamérica: la historia de Cuestión de Carácter Fest

<p>Entre mudanzas, distintos barrios y una infancia atravesada por realidades completamente diferentes, Willy Bronca encontró en la música una forma de contar su historia bajo una propuesta que cruza rap, cumbia, soul, funk y crítica social.</p><h2>Willy Bronca: una infancia entre dos mundos</h2><p>Willy Bronca nació en Perú, pero apenas tres meses después llegó a Argentina junto a su familia. Hijo de un padre peruano y una madre argentina vinculada al arte, creció atravesado por diferentes culturas y realidades sociales que con el tiempo terminarían apareciendo en sus canciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27d0d7faf9.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca en pleno concierto (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure><p>Su infancia estuvo marcada además por las mudanzas. José C. Paz, Villa Crespo, San Telmo, Almagro y Once fueron algunos de los barrios donde vivió, una experiencia que le permitió conocer escenarios completamente diferentes dentro de una misma ciudad.</p><p>El propio artista ha contado que podía pasar de estar en una villa a encontrarse al día siguiente en el Sheraton, o moverse entre Varela y Belgrano. Ese contraste entre mundos se convirtió con los años en uno de los ejes de su mirada artística.</p><p>En su casa convivían influencias musicales diversas, desde la salsa y la música celta hasta canciones de Mambrú y Cheyenne. Sin embargo, fue un CD de rap cubano que recibió de su padrastro durante su infancia el que terminó de acercarlo al género que marcaría su carrera.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX-YLv9swyM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX-YLv9swyM/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A partir de entonces comenzó a descubrir artistas y grupos de Argentina, Estados Unidos, Cuba y Chile, mientras ampliaba progresivamente su universo musical.</p><h2>Del rap a la batería: la construcción de su identidad musical</h2><p>La música también apareció desde temprano en su educación. Durante su paso por la escuela tuvo un profesor que acercaba a los alumnos al rock nacional y, cuando tenía alrededor de ocho o nueve años, la cooperadora de la institución compró una batería que le permitió comenzar a estudiar el instrumento.</p><p>Con el paso del tiempo, esa curiosidad se transformó en una formación mucho más amplia. Además de cantar y rapear, Bronca incorporó la guitarra, el piano y las congas a sus herramientas como músico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_113ecb6628.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca como telonero de María Becerra en el estadio de River (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure><p>Su recorrido también estuvo atravesado por el breakdance. Durante una etapa de su vida, el artista argentino se mudó con una amiga que practicaba la disciplina y comenzó a involucrarse en ese universo, hasta formar parte de un grupo que realizaba espectáculos destinados a las infancias.</p><p>El trabajo en los escenarios y las distintas experiencias que acumuló durante esos años le permitieron adquirir herramientas y equipamiento para desarrollar su propio proyecto musical.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/EhUZK8NScrE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En paralelo, durante varios años trabajó en subtes y colectivos mientras comenzaba a darle forma a su carrera artística. Sus primeros registros musicales comenzaron a aparecer en plataformas digitales hacia fines de la década de 2010, con “Angela”, junto a Noah Selene, como uno de sus primeros registros disponibles en YouTube.</p><h2>Una banda de diez músicos para mezclar rap, cumbia, funk y soul</h2><p>Con el tiempo, Willy Bronca terminó de construir una propuesta que va mucho más allá del rap tradicional. Su proyecto incorpora elementos de cumbia, funk carioca, funk, soul, trap y otros géneros para formar un sonido atravesado por sus diferentes influencias.</p><p>Un recorrido que lo llevó a compartir escenarios con algunos de los nombres más importantes de la música. Entre sus presentaciones aparece un show junto a Manu Chao en Obras, además de una actuación junto a Divididos en el Estadio de Argentinos Juniors y ser telonero de María Becerra en el estadio de River Plate ante más de 85.000 personas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c6ad48a425.png" alt=""><figcaption>Willy Bronca, el multiinstrumentista que mezcla rap, barrio y crítica social (Instagram/Willy Bronca).</figcaption></figure><p>A su vez, Bronca tuvo la posibilidad de trabajar junto a León Gieco en una nueva versión de “<em>Amor y Soledad</em>”, sumando otra colaboración de peso a un recorrido que comenzó lejos de los grandes escenarios.</p><h2>Música, barrio y crítica social: el mensaje detrás de Willy Bronca</h2><p>Más allá de la variedad de géneros que atraviesan su propuesta, la música de Willy Bronca tiene un eje que se repite: la mirada sobre las desigualdades, la realidad social y los contrastes que atravesaron su propia vida.</p><p>Su historia familiar y los diferentes barrios en los que creció funcionan como parte de esa construcción. El contraste entre las experiencias de su padre, inmigrante peruano en Argentina, y su madre, artista del Conurbano y descendiente de alemanes, también aparece como parte de la identidad que construyó.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/45WhM2KFYN4" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Esa mirada se traslada directamente a sus canciones. En temas como “<em>No hay plata</em>” y “<em>No la ven</em>”, el artista aborda cuestiones relacionadas con la crisis económica, el individualismo y las tensiones de la sociedad contemporánea.</p><p>Así, su propuesta termina funcionando como una combinación de las distintas partes que forman su historia: el rap que descubrió durante su infancia, los instrumentos que aprendió a tocar, los barrios que recorrió y las diferencias sociales que conoció de primera mano.</p><p>De esa mezcla nació un artista que encontró en la música una manera de transformar sus experiencias en canciones y llevarlas desde los escenarios barriales hasta compartir cartel con algunas de las principales figuras de la escena musical.</p>

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Willy Bronca, el multiinstrumentista que mezcla rap, barrio y crítica social

<p>Toda escena artística tiene figuras que encuentran su identidad en una disciplina, pero también existen quienes deciden explorar distintos lenguajes, y en la Ciudad de México, Rodrigo Roji construyó una propuesta donde el tatuaje, el arte y el diseño conviven bajo una misma identidad.</p><h2>Rodrigo Roji y una identidad que cruza distintas disciplinas</h2><p>Nacido en 1990 y oriundo de Ciudad de México, Rodrigo Roji es un artista visual especializado en tatuaje de línea fina que también desarrolló trabajos vinculados a la pintura y la escultura, bajo una propuesta que se expande más allá de la piel y encuentra diferentes espacios dentro de la escena artística mexicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8ca3326281.png" alt=""><figcaption>Rodrigo Roji, el talentoso artista de Ciudad de México (Instagram/Rodrigo Roji).</figcaption></figure><p>Su recorrido lo llevó a ser invitado a tatuar en Bang Bang, uno de los estudios más reconocidos de Nueva York, además de colaborar con compañías mundialmente populares de la talla Apple, adidas, Nike, Corona y New Era.</p><h2>RARR, el universo de coleccionables de Rodrigo Roji</h2><p>Uno de los proyectos que amplió el universo creativo de Roji es RARR, una propuesta de juguetes coleccionables que combina diseño, cultura popular y arte urbano. Las piezas están realizadas en vinilo y, en muchos casos, son ediciones limitadas, con diseños toman referencias de diferentes mundos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Arte urbano y cultura popular.</li></ul><ul><li>Lucha libre.</li></ul><ul><li>Deporte y básquet.</li></ul><ul><li>Streetwear y diseño contemporáneo.</li></ul><p>El proyecto también permitió colaboraciones con nombres como Los Diablos Rojos, NBA y Adidas Originals, consolidando el vínculo del artista con diferentes espacios de la cultura urbana.</p><h2>Del tatuaje al streetwear: la expansión del universo de Rodrigo Roji</h2><p>La exploración de Roji también llegó a la moda con Sad Boy, una línea de ropa y streetwear que reúne prendas y elementos vinculados a su universo visual. Si bien figura temporalmente cerrado en sus canales oficiales, el proyecto también forma parte del recorrido que demuestra la amplitud de su propuesta artística.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dd8be02d98.png" alt=""><figcaption>La colaboración entre Rodrigo Roji y New Era (New Era).</figcaption></figure><p>Roji es además el creador de Not a Gallery, un estudio de tatuaje y galería de arte que funciona como punto de encuentro entre distintas disciplinas.</p><p>Entre tatuajes, esculturas, pinturas, coleccionables y diseño, Rodrigo Roji construyó una identidad que evita quedar encerrada en una única disciplina y conecta diferentes expresiones de la cultura contemporánea.</p>

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Rodrigo Roji, un artista entre tatuajes, pintura y escultura

<p>Meses después de sorprender al mundo con sus imágenes junto al Sol y la Luna, Danny León volvió a combinar skate y astronomía para protagonizar una toma única durante el eclipse solar total en España.</p><h2>Skate y astronomía: la imagen de Danny León que recorre el mundo</h2><p>A meses de su icónica fotografía patinando con la Luna de fondo, una imagen que rápidamente captó la atención de la escena urbana y las redes sociales, Danny León volvió a dejar su huella con una producción que parece salida de una película.</p><p>El skater madrileño protagonizó una escena única al sincronizar un salto sobre un half pipe con el instante exacto de la totalidad del eclipse solar que pudo observarse en España.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El resultado fue una silueta de León suspendida en el aire mientras la Luna ocultaba por completo al Sol.</p><p>La imagen no tardó en convertirse en un fenómeno en redes sociales. Publicada en el perfil de Instagram del skater español, la producción ya superó las 110 millones de reproducciones y los 11 millones de me gusta, consolidándose como una de las postales deportivas del año.</p><p>El proyecto fue ideado durante meses por León junto al filmmaker Gonzalo González de Vega y el fotógrafo José Ángel Izquierdo, con la participación de otros integrantes del equipo audiovisual. La producción se realizó en Novales, en una finca particular de Huesca, donde se instaló una rampa modulable calculada específicamente para que la altura del salto coincidiera con la posición del Sol vista desde la cámara.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b350af9970.png" alt=""><figcaption>Danny León patinando con la Luna de fondo (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>La dificultad no estaba solamente en ejecutar el truco. Las fotografías y videos fueron registrados desde aproximadamente 400 y 600 metros de distancia, utilizando teleobjetivos para conseguir que Danny, su tabla y el eclipse aparecieran en un mismo plano. Además, el momento de totalidad ofrecía un margen de apenas unos segundos para conseguir la toma perfecta.</p><p>Y esta no fue una imagen aislada: el eclipse cerró una trilogía visual en la que León llevó el skate a convivir con tres protagonistas de la astronomía. Primero fue el Sol, después la Luna y finalmente un eclipse total, completando una serie de producciones que combinan skateboarding, naturaleza y fotografía.</p><h2>¿Quién es Danny León, el skater que patinó en pleno eclipse en España?</h2><p>Aunque esta histórica imagen volvió a llevar su nombre a las redes de todo el mundo, Danny León no es un skater más. Nacido en Móstoles en el año 1994, el español construyó una carrera de más de dos décadas y se convirtió en uno de los principales referentes del skateboarding español.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_01493f6538.png" alt=""><figcaption>Danny León en la última edición del Marisquiño (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>Su trayectoria también lo llevó a representar a España en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 y París 2024, donde compitió en la modalidad de park, terminó en la novena posición y obtuvo diploma olímpico.</p><p>Ahora, con una imagen que combina precisión deportiva, fotografía y astronomía, León vuelve a demostrar porqué es uno de los nombres más reconocidos del skate español y por qué sus proyectos trascienden las pistas para convertirse en auténticos fenómenos visuales.</p>

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El salto de Danny León durante el eclipse que sorprendió al mundo

<p>Desde las calles de Melbourne hasta los muros de Chile, Felipe Salinas convirtió su curiosidad por descubrir nuevos lugares en una forma de documentar el arte urbano.</p><h2>De los álbumes familiares al arte urbano: cómo nació la mirada de Felipe Salinas</h2><p>Antes de convertirse en uno de los fotógrafos de arte urbano más reconocidos de Chile y Latinoamérica, Felipe Salinas mantuvo un estrecho vínculo con la fotografía desde su infancia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_50a9066a11.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Nueva York (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>En su hogar siempre hubo cámaras de fotos y de video, además de álbumes familiares repletos de registros de cumpleaños, celebraciones como Navidad o Año Nuevo y distintos eventos escolares capturados por su madre. Revisar esas imágenes y reconstruir historias alrededor de cada recuerdo era una práctica habitual que, con el tiempo, terminó despertando su interés por registrar el mundo que lo rodeaba.</p><p>Con el paso de los años, ese vínculo comenzó a tomar otro significado. El hecho de no contar con un automóvil propio lo llevó a recorrer distintos lugares caminando o utilizando el transporte público, una rutina que le permitió observar con mayor detenimiento los espacios, descubrir detalles y desarrollar una mirada cada vez más curiosa sobre el entorno.</p><p>&quot;<em>He tenido la posibilidad de estar en Chile, Argentina y Australia, rodeado de cosas nuevas que me llamaban la atención, algunas más que otras, que eran las que solía registrar con mi celular y con mi cámara. La curiosidad de ir viendo el mundo me dio la posibilidad de encontrar cosas que valían la pena para mi atención&quot;.</em></p><p>Sin embargo, el verdadero punto de quiebre llegó durante su estadía en Australia. Allí recorrió gran parte de Melbourne con una cámara compacta registrando los murales y las distintas expresiones de arte urbano que encontraba en las calles.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Fue entonces cuando entendió que aquellas fotografías podían convertirse en algo más que simples archivos guardados en una carpeta. Esa idea terminó impulsándolo a crear su perfil de Instagram, un espacio que hoy reúne cerca de 20.000 seguidores y funciona como un archivo visual dedicado al arte urbano de Chile y distintos rincones del mundo.</p><h2>El contexto detrás de cada mural como objetivo fotográfico</h2><p>Felipe Salinas tiene bien en claro qué es lo primero que busca a la hora de registrar una intervención artística. Para el fotógrafo chileno, el entorno en el que está inmersa una obra tiene un papel fundamental a la hora de decidir cuándo sacar la cámara y qué imagen terminará formando parte de su archivo.</p><p>“<em>Lo más importante es el contexto, el ambiente, el entorno donde está sumergida la obra y no solo registrar el mural en sí mismo, sino cómo este convive con otros elementos para crear un panorama completo. Eso es lo que más me motiva a registrar, así como un mural que habla de algún personaje importante o evento histórico que se haya vivido en ese pueblo, ciudad o barrio, porque ahí hay una historia, una intención detrás de rendir honores y homenajear que lo hace muy valioso de registrar</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8124369cdf.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Londres (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>Además del contexto, lo estético también tiene un peso importante en la elección. Un muro cargado de colores, realizado en un formato de grandes dimensiones o con una composición particularmente llamativa, puede convertirse en un elemento mucho más atractivo para el fotógrafo que otra intervención de características diferentes.</p><h2>Cuando el mural desaparece, queda la fotografía: el archivo de Felipe Salinas</h2><p>Todos sabemos que hay murales que viven apenas unos días, otros que permanecen durante semanas y algunos que logran quedarse durante años. En ese escenario, el trabajo de Felipe Salinas adquiere una función documental: fotografiar una obra permite conservar el registro de una intervención que, con el paso del tiempo, puede desaparecer.</p><p>Cada fotografía se convierte así en una especie de recordatorio de aquellos murales que alguna vez ocuparon un espacio de la ciudad y que hoy, por distintas circunstancias, ya no están.</p><p>“<em>El arte callejero le entrega mayor valor al trabajo que uno realiza, porque son muros que ya no existen, obras que no van a volver, pero que existen en los registros que uno va tomando</em>”, señala el chileno.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3fbc635515.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h2>Mucho más que un mural: la evolución de su mirada fotográfica</h2><p>La elección de cómo tomar una fotografía también cambió con el correr de los años para Felipe Salinas. En sus comienzos, el fotógrafo chileno se centraba principalmente en la obra, sus detalles y las características propias de cada intervención.</p><p>Con el tiempo, esa mirada se amplió y el contexto comenzó a ocupar un lugar cada vez más importante. El paisaje, los edificios, las personas y todos aquellos elementos que rodean al mural pasaron a formar parte de la composición.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d8279bc58d.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>“<em>Con los años y con la experiencia que uno ha adquirido, lo que forma parte de la composición ha mutado. En un principio, eran más la obra, el muro y los detalles. Con los años, aparecieron el contexto, los elementos del paisaje donde está ubicada la obra (perros, gatos, vecinos, tiendas aledañas) y hoy día intento siempre mostrar algo que sea del lugar. Actualmente trato de incluir algo propio del lugar y, por supuesto, si hay plantas, texturas de metales o maderas donde se nota el paso del tiempo, suma</em>”.</p><p>En la actualidad, Salinas entiende que una de las claves está en transmitir la esencia del momento y conseguir que quien observe la fotografía pueda imaginar qué significaba estar allí. La temperatura, la cantidad de personas que había en el lugar, si se trataba de una zona residencial o de un espacio concurrido y hasta los pequeños detalles del entorno forman parte de esa construcción.</p><h2>La mirada de Felipe Salinas sobre el arte urbano</h2><p>Como fotógrafo especializado en arte urbano, Felipe Salinas también desarrolló una mirada propia sobre la escena y sobre las diferencias que existen entre las distintas ciudades que recorrió. Su experiencia le permitió establecer comparaciones entre el arte urbano latinoamericano y el que encontró en destinos internacionales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>En Valparaíso, Santiago u otras ciudades, el arte urbano tiene un componente social, político e histórico importante, donde se busca recordar, hacer memoria y resistencia de personajes y eventos históricos. Aunque probablemente se diferencia de lo que hay en destinos como Australia, Estados Unidos, Francia o Alemania, donde se enfoca más en lo estético o la habilidad de los propios artistas, con diferencias más estructurales</em>”.</p><p>Así, su trabajo no solo busca registrar qué hay pintado sobre un muro, sino también comprender qué hay detrás de cada intervención, dónde está ubicada y qué representa dentro de la ciudad que la contiene.</p>

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