<p>Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.</p><h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2><p>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure><p>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.</p><p>Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure><p>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.</p><h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2><p>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.</p><ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure><p>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.</p>

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El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

<p>No hay dudas de que la actual Copa del Mundo ya dejó imágenes imborrables: los récords de Lionel Messi, las sorpresas protagonizadas por selecciones como Cabo Verde y Curazao y los goles espectaculares de figuras como Erling Haaland y Kylian Mbappé.</p><p>Sin embargo, en esta edición disputada en Estados Unidos, México y Canadá, otro protagonista también logró captar la atención de los fanáticos: los nuevos botines presentados por Nike, adidas y PUMA.</p><p>En ese contexto, Street Art Latam conversó con Marcelo de Wilde, más conocido como Marcelo Botines, uno de los coleccionistas de calzado futbolístico más reconocidos de Argentina. Con más de 400 pares en su colección, repasó el origen de su pasión, la evolución de los botines a lo largo de los años y analizó las últimas innovaciones presentadas por las principales marcas deportivas.</p><h2>Marcelo Botines, el coleccionista argentino que construyó un museo del calzado futbolístico</h2><p>En cada Copa del Mundo hay un detalle que, además del juego, también capta la atención de millones de fanáticos: los botines que utilizan figuras de la talla de Lionel Messi, Neymar Júnior, Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé o Erling Haaland.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b494acac16.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines dando una conferencia en el evento Kicks and Fest (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Y en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá no es la excepción, con marcas como Nike, Adidas y Puma marcando el pulso del calzado de las grandes estrellas del fútbol internacional.</p><p>Dentro de ese universo aparece Marcelo de Wilde, más conocido en redes sociales como Marcelo Botines, uno de los especialistas más reconocidos de Latinoamérica en materia de calzado futbolístico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una colección de más de 400 pares en impecables condiciones y base en el barrio porteño de Mataderos, el creador de contenido construyó un archivo que reúne desde modelos históricos hasta piezas utilizadas por leyendas como Diego Maradona, Lionel Messi o Sergio Agüero. Junto a su socio Gonzalo Rodríguez, también atesora ediciones limitadas, botines firmados por figuras como Luis Figo, Enzo Fernández y Sergio Goycochea, además de trabajar de cerca con marcas de primer nivel para mostrar lanzamientos, tecnologías y novedades del universo botinero.</p><h2>David Beckham y el par que dio vida a Marcelo Botines</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes especialistas en botines de Latinoamérica y construir una colección con más de 400 pares, Marcelo de Wilde ya arrastraba desde la infancia una fascinación por el calzado deportivo: “<em>Mi pasión por coleccionar botines viene desde chico, que yo tenía muy en claro que me gustaban las zapatillas. En cada local que vendían zapatillas, me paraba a ver que modelo había: siempre buscaba una que me sea cómoda para jugar a la pelota, que la silueta me guste, porque antes solo podíamos comprar un solo calzado y lo teníamos para todo. No había poder económico como para tener un par para la escuela y otro para jugar a la pelota: era uno para todo</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b30d953ffc.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines enseñando calzado deportivo de la marca Skechers (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure><p>Lo que comenzó como un fanatismo por las zapatillas terminó transformándose en una pasión absoluta por los botines, una obsesión que años más tarde encontraría su punto de partida en una pieza muy especial. Y fue en el año 2017, cuando Marcelo adquirió un botín de David Beckham, par que abriría la puerta y daría comienzo al personaje de Marcelo Botines.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/del-vestuario-a-la-tribuna-asi-conquisto-el-streetwear-la-copa-del-mundo/1000217"><u><em>Del vestuario a la tribuna: así conquistó el streetwear la Copa del Mundo</em></u></a></p><h2>La evolución del botín a lo largo de los Mundiales</h2><p>A lo largo de las distintas ediciones de la Copa del Mundo, el calzado deportivo atravesó una transformación constante, no solo desde lo estético, sino también en términos de tecnología, materiales y diseño. En ese recorrido, Marcelo Botines tiene en claro cuál fue una de las irrupciones más importantes en la historia reciente del fútbol y los botines.</p><p>“<em>Las evoluciones más interesantes que tuvimos a lo largo de las Copas del Mundo para mí, luego de pasar todo lo que fue la década del 50, 60 y 70, cuando llegó el Mundial de Estados Unidos 1994, que la marca adidas irrumpe con los Predator y un elemento por encima de la capellada para darle más contacto a la pelota, efecto y un poco más de poder, hay un cambio muy grande</em>”, cuenta Marcelo sobre la que, para él, marcó un antes y un después en el calzado deportivo en Copas del Mundo.</p><p>Sin embargo, dentro de ese repaso histórico, el coleccionista argentino también destaca otros hitos que modificaron la escena, como la irrupción de los botines tipo botita de Nike durante Brasil 2014 o el nacimiento de la línea Mercurial en Francia 1998, torneo en el que Ronaldo Nazário protagonizó además uno de los primeros grandes modelos signature pensados para una estrella del fútbol mundial.</p><p>Aunque Marcelo también reconoce una evolución en cuanto a las cantidades y las variantes de cada marca: “<em>El fútbol tuvo una evolución muy grande y así también los botines. Antes había un botín de cada marca y, ahora, tenemos tres o cuatro silos diferentes dentro de cada marca específicos para las posiciones del campo de juego según la velocidad, la técnica y el estilo</em>”.</p><h2>La visión sobre los diseños de Nike, adidas y PUMA para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá</h2><p>Como bien mencionamos al inicio, marcas como Nike, adidas y PUMA han dejado una huella casi que imborrable en el diseño del calzado deportivo que sus estrellas utilizaran en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, esta vez con el color rosa como tonalidad protagónica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>Para este Mundial, no vemos ninguna tecnología que sea diferente o disruptiva a lo que ya veníamos viendo. Por el lado de Nike, tenemos una cápsula de aire en la placa de la suela y sus otros hilos totalmente idénticos. Desaparece la botita y vuelve a aparecer el Mercurial en todas sus versiones. Por su parte, adidas viene trabajando con los botines de antes (F50, Predator, Copa) y el botín especial para Lionel Messi llamado “El último tango”. PUMA tiene sus hilos Future, Ultra y King sin menciones especiales para algunos de sus jugadores</em>”, comenta el coleccionista sobre la huella de las principales marcas en la presente edición del Mundial.</p>

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Marcelo Botines y una vida dedicada a coleccionar historias del fútbol

<p>¿Te imaginás recorrer Buenos Aires como si fuera un videojuego retro? Gracias al trabajo del desarrollador argentino Nicolás Poore, esa idea dejó de ser una fantasía.</p><p>Con miles de imágenes satelitales, inteligencia artificial y una estética inspirada en el pixel art, logró convertir a la Ciudad de Buenos Aires en un gigantesco mapa interactivo pensado para explorar, perderse y redescubrir cada rincón de la capital.</p><h2>La Ciudad de Buenos Aires hecha en un mundo de píxeles</h2><p>Desde la llegada de la Inteligencia Artificial, el universo digital atraviesa una revolución constante. Herramientas capaces de generar imágenes hiperrealistas, recrear escenarios imposibles o incluso combinar figuras históricas y celebridades en situaciones ficticias forman parte de una nueva realidad tecnológica que, hace apenas algunos años, parecía reservada para la ciencia ficción. Sin embargo, detrás de cada una de estas innovaciones siempre aparece una mente inquieta dispuesta a llevar los límites un paso más allá.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ac5929cf84.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure><p>Y uno de esos casos tiene sello argentino. Se trata de Nicolás Poore, desarrollador full stack y programador con casi dos décadas de experiencia, quien logró convertir a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (CABA) en un <a href="https://caba.nicolaspoore.com/"><u>gigantesco mapa interactivo de pixel art</u></a>.</p><p>Así es. Bajo un proyecto que recrea hasta el último detalle de la capital argentina, Poore trasladó monumentos, avenidas, estadios y rincones emblemáticos al universo de los píxeles. Desde puntos históricos como el Obelisco, la Casa Rosada o el Teatro Colón, pasando por arterias icónicas como la Avenida 9 de Julio y Corrientes, hasta escenarios deportivos como el Monumental de River Plate y La Bombonera de Boca Juniors, todo forma parte de una versión digital de la ciudad que puede recorrerse como si fuera un videojuego.</p><p>La experiencia invita a explorar Buenos Aires desde una perspectiva completamente diferente, descubriendo monumentos, referencias culturales, guiños ocultos y pequeños secretos repartidos a lo largo del mapa. Un proyecto nacido de la inquietud por poner a prueba hasta dónde podía llegar la programación asistida por Inteligencia Artificial en una propuesta de gran escala y, al mismo tiempo, demostrar el potencial creativo de estas nuevas herramientas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3958816e62.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure><p>El resultado fue mucho más allá de un simple experimento tecnológico. Gracias a una combinación de nostalgia gamer, arte digital y patrimonio urbano, el mapa se convirtió en un fenómeno viral en redes sociales, atrayendo a miles de usuarios que ingresan para recorrer la ciudad, reencontrarse con lugares cargados de recuerdos y descubrir Buenos Aires convertida en un inmenso escenario de pixel art.</p><h2>¿Cómo se construyó la Ciudad de Buenos Aires pixelada?</h2><p>Antes de convertirse en un fenómeno digital y de que la Ciudad de Buenos Aires apareciera transformada en un gigantesco mapa de pixel art, Nicolás Poore tuvo que atravesar un complejo proceso de desarrollo dividido en distintas etapas.</p><p>Para hacer posible el proyecto, el programador desglosó el desafío en tres grandes objetivos: obtener imágenes satelitales de toda la ciudad, convertirlas a una estética ilustrada inspirada en el pixel art y, finalmente, transformarlas en un mapa completamente interactivo.</p><p>La primera etapa consistió en reunir el material visual necesario. Para ello utilizó la API de Google Maps y, apoyándose en herramientas de inteligencia artificial, construyó una maqueta digital con los límites exactos de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. A partir de allí generó una cuadrícula que dividió el territorio en secciones de 150 por 150 metros y desarrolló un script capaz de capturar automáticamente cada fragmento del mapa.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9309ce5feb.png" alt=""><figcaption>Imágenes de la Ciudad de Buenos Aires en pixel art (SimCABA).</figcaption></figure><p>La escala del proyecto representó uno de los mayores desafíos. Cubrir la totalidad de Buenos Aires implicó procesar cerca de seis mil imágenes independientes. Una vez obtenidas, utilizó Gemini para unirlas sin que se percibieran los bordes entre cada captura y transformarlas en una estética ilustrada. Las mejores versiones fueron utilizadas para entrenar un modelo de generación de imágenes con inteligencia artificial, permitiendo obtener resultados más consistentes y manteniendo una identidad visual uniforme en todo el mapa. Sin embargo, gran parte del proceso también requirió supervisión manual, corrigiendo errores y ajustando detalles imagen por imagen.</p><p>Con el material terminado llegó la última etapa: construir el mapa interactivo. Para ello generó múltiples versiones de las imágenes en distintas resoluciones, permitiendo diferentes niveles de zoom y mostrando mayor o menor cantidad de detalles según la cercanía de la exploración.</p><p>Pero quizás una de las decisiones más interesantes fue eliminar herramientas habituales de navegación. El mapa no cuenta con buscador de direcciones ni nombres de calles visibles. En cambio, invita a los usuarios a orientarse mediante avenidas, parques, monumentos y edificios emblemáticos, replicando la experiencia de recorrer una ciudad desconocida. Una elección que transforma el proyecto en algo más que un mapa digital: una invitación a perderse, explorar y redescubrir Buenos Aires desde una perspectiva completamente nueva.</p>

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El proyecto que convirtió Buenos Aires en píxeles

<p>¿Sabías que Nike y adidas ya presentó los botines para sus máximas figuras durante la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá? Con propuestas dominadas por tonalidades rojas, rosas, blancas y negras, ambas marcas conquistaron el escenario más importante del fútbol a través de diseños que combinan innovación, velocidad y una fuerte identidad visual.</p><h2>Los botines como pilar estético de los Mundiales</h2><p>Así como recordamos el emblemático cabezazo de Zinedine Zidane a Marco Materazzi, el gol de Andrés Iniesta ante Países Bajos para entregarle a España su primera Copa del Mundo o la consagración de Lionel Messi en Qatar, también recordamos los botines que acompañaron esos momentos. En muchos casos funcionan como una máquina del tiempo capaz de transportarnos inmediatamente a una edición determinada del torneo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d68eb95838.png" alt=""><figcaption>Los emblemáticos Nike Mercurial de Ronaldo Nazário en el Mundial de Francia 1998 (Ben Radford).</figcaption></figure><p>Y los ejemplos abundan. Desde los Nike Mercurial que utilizó Ronaldo Nazário durante el Mundial de Francia 1998, pasando por las icónicas adidas Predator que marcaron una época en los pies de figuras como David Beckham y Zinedine Zidane hasta llegar a modelos más recientes que acompañaron las grandes historias de los últimos Mundiales como los Nike Magista en la Copa del Mundo de Brasil 2014.</p><p>Y como viene sucediendo desde hace décadas, adidas y Nike volvieron a dominar el escenario del fútbol internacional. A pesar de la presencia de firmas como PUMA, New Balance o Skechers, las dos gigantes del deporte fueron nuevamente las marcas más representadas en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, donde sus nuevos packs ya fueron presentados oficialmente: “Road to Glory” de adidas y “Breakout” de Nike.</p><h2>“Road to Glory”, la apuesta mundialista de adidas</h2><p>Bajo el nombre de “Road to Glory”, adidas presentó la colección de botines que acompaña a sus principales figuras durante el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá. El pack reúne a las tres grandes siluetas de la marca alemana —Predator, F50 y Copa— bajo una identidad visual unificada construida sobre una vibrante base en rojo solar, complementada con detalles en negro y terminaciones doradas inspiradas en el trofeo de la Copa del Mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c74bb58e1d.png" alt=""><figcaption>La colección de botines “Road to Glory” de adidas para la Copa del Mundo (adidas).</figcaption></figure><p>La colección también marca un hito dentro de la historia reciente de adidas, ya que se convierte en el primer pack de botines de la marca en incorporar la figura del trofeo mundialista directamente sobre el talón de cada modelo, reforzando el vínculo entre el calzado y la máxima cita del fútbol internacional.</p><p>En cuanto a los protagonistas, los velocistas de la nueva generación como Lamine Yamal y Ousmane Dembélé lucen las adidas F50, una silueta que combina el rojo solar con detalles negros y acabados metalizados para potenciar una imagen agresiva y llena de energía. Por su parte, figuras como Jude Bellingham y Pedri utilizan las Predator, caracterizadas por una llamativa parte superior roja, la clásica lengüeta negra y las tres franjas plateadas metalizadas que dominan el lateral del botín. Finalmente, Declan Rice es el emblema principal de las Copa, un modelo que mantiene la misma línea cromática de la colección, combinando elegancia clásica con una estética mundialista pensada para brillar en los escenarios más importantes del planeta.</p><h2>Rosa, negro y blanco: la identidad de “Breakout” de Nike</h2><p>Del otro lado de la competencia aparece “Breakout”, la propuesta de Nike para la Copa del Mundo. El gigante estadounidense presentó una colección integrada por cinco modelos que estarán presentes en los pies de algunas de las principales estrellas del torneo, apostando por una combinación de blanco, rosa y negro que promete convertirse en una de las identidades visuales más reconocibles de la competencia.</p><p>El pack está compuesto por las nuevas Mercurial Vapor 17 y Superfly 11, las Tiempo Maestro y las Phantom 6 en sus versiones high y low, una alineación diseñada para acompañar a futbolistas como Kylian Mbappé, Erling Haaland, Vinícius Júnior y Cristiano Ronaldo durante el certamen.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de0fa20d0c.png" alt=""><figcaption>“Breakout”, el pack de botines de Nike para el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá (Nike).</figcaption></figure><p>Las Mercurial son las encargadas de transmitir la idea de velocidad y explosividad a través de bloques de colores verticales y horizontales que refuerzan su perfil dinámico, mientras que las Tiempo Maestro apuestan por una estética mucho más limpia y cercana al monocromatismo. Por su parte, las Phantom 6 se convierten en las más llamativas de la colección gracias a un intenso tono rosa que domina gran parte de la superficie del botín. Una propuesta agresiva, moderna y diseñada para captar todas las miradas durante la máxima cita del fútbol mundial.</p>

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Así son los botines protagonistas del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá

<p>¿Alguna vez imaginaste cómo se siente volar? En la provincia de Buenos Aires existe un espacio donde esa experiencia se vuelve realidad gracias a un túnel de viento: conocé Vuela.</p><h2>Vuela, el túnel de viento donde se puede volar en Argentina</h2><p>Por más irreal que suene, en algún momento de nuestras vidas todos sentimos la curiosidad —o incluso el deseo— de poder volar. Desde chicos, la imaginación se alimentó con escenas que parecían imposibles: personajes de dibujos animados como los de Dragon Ball surcando el cielo, superhéroes como Superman atravesando las nubes o esas imágenes que vemos en películas donde el ser humano parece desafiar la gravedad. Incluso para quienes se animan a saltar de un avión, esos primeros segundos de caída libre en paracaídas suelen ser lo más cercano que una persona puede experimentar a la sensación de volar.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d349ec4a7.png" alt=""><figcaption>La sensación de volar en el túnel de viento de Vuela (Vuela).</figcaption></figure><p>Sin embargo, lo que durante décadas pareció una fantasía reservada para la ficción hoy dejó de ser tan impensado. Gracias a la tecnología y a nuevas propuestas de entretenimiento extremo, existen experiencias que permiten recrear esa sensación de ingravidez de forma segura y controlada. Y en Argentina, ese sueño se vuelve realidad en un lugar muy particular que invita a experimentar el vuelo sin necesidad de subir a un avión.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOt9xmaCUbx/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOt9xmaCUbx/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Bajo el nombre de <a href="https://vuela.com.ar/"><u>Vuela</u></a>, la localidad de General Rodríguez, en la provincia de Buenos Aires, alberga el único túnel de viento de Argentina, una instalación que se consolidó como una de las más importantes de América Latina dentro de este tipo de experiencias. Construido por la metalúrgica nacional SanCal junto a Aerotécnica Sur, el proyecto comenzó a gestarse en el año 2012 y, tras años de desarrollo, maquetas y pruebas a escala, finalmente vio la luz con su inauguración a finales del año 2015. Desde entonces, el espacio se convirtió en un referente regional en innovación dentro del ámbito de la aeronáutica aplicada al entretenimiento.</p><h2>La tecnología que permite experimentar la sensación de volar</h2><p>Detrás de la experiencia de volar en Vuela hay una estructura tecnológica diseñada para recrear la sensación de caída libre de manera segura. El túnel de viento cuenta con una altura total de 33 metros y está equipado con cuatro ventiladores de 3,5 metros de diámetro ubicados en la parte superior, capaces de generar corrientes de aire que alcanzan velocidades de hasta 250 kilómetros por hora. Gracias a esta potencia, el sistema crea una corriente ascendente dentro de un área de vuelo de cuatro metros de diámetro, permitiendo que los participantes se mantengan suspendidos en el aire.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C5oHu8Pr7Er/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C5oHu8Pr7Er/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los ventiladores eléctricos funcionan como extractores que generan una fuerte corriente ascendente dentro del túnel. Una vez dentro, los participantes son acompañados por un técnico especializado conocido como “driver”, encargado de regular la velocidad del viento según el peso y las habilidades de cada persona.</p><p>Durante la experiencia se pueden realizar distintas posiciones de vuelo utilizadas en el paracaidismo indoor (belly, back, sit o head down). Y un dato clave para dimensionar la intensidad de la experiencia: un minuto volando dentro del túnel equivale aproximadamente a un salto en paracaídas desde 4.000 metros de altura.</p><h2>Un predio pensado para disfrutar la experiencia de volar</h2><p>Pero la experiencia de Vuela no se limita únicamente al momento del vuelo. El predio fue diseñado para que cada visita sea cómoda, segura y disfrutable, combinando instalaciones técnicas con espacios de recreación y descanso.</p><ul><li>10 mil metros cuadrados de parque para actividades al aire libre</li></ul><ul><li>Recepción y zona de descanso</li></ul><ul><li>Estacionamiento libre</li></ul><ul><li>Carpa semicerrada para eventos especiales</li></ul><ul><li>Servicio de catering</li></ul><ul><li>Vestuarios y lockers</li></ul><ul><li>Sala de proyección</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7d2641bf63.png" alt=""><figcaption>La experiencia Vuela (Vuela).</figcaption></figure><p>De esta manera, el recorrido por el complejo comienza mucho antes de ingresar al túnel y continúa incluso después de finalizar la experiencia.</p><h2>Todo lo que tenés que saber antes de volar en Vuela</h2><p>Para quienes quieran vivir la experiencia, el túnel de viento de Vuela se encuentra ubicado en General Rodríguez (Ruta 6, km 136), en la provincia de Buenos Aires.</p><p>Una de las grandes ventajas de esta actividad es que no se necesita experiencia previa para participar. Cualquier persona a partir de los seis años de edad puede vivir la experiencia de volar dentro del túnel de viento. Durante toda la actividad, cada participante es acompañado por un instructor especializado, encargado de guiar y asistir a los voladores en todo momento.</p><p>En el caso de los menores de 18 años de edad, es necesario contar con una autorización de un adulto responsable. Sin embargo, la actividad no está recomendada para mujeres embarazadas ni para personas con dislocaciones frecuentes de hombro o lesiones graves en cuello o espalda. Además, quienes tengan problemas cardíacos deberían realizar previamente una consulta médica.</p><p>El túnel de viento se encuentra abierto al público los viernes, sábados, domingos y feriados, en un horario que va desde las 10:30 hasta las 18:00 horas. Si bien es posible asistir sin una reserva previa, desde el complejo recomiendan reservar la experiencia con anticipación para garantizar disponibilidad. Las reservas pueden realizarse a través de la página oficial de Vuela, donde también se encuentran los distintos paquetes disponibles: los precios varían según la cantidad de vuelos y servicios incluidos, con valores que actualmente van desde los $65.000 hasta los $350.000 pesos argentinos.</p>

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El lugar de Buenos Aires donde podés volar sin subir a un avión

<p>Del muralismo al diseño experimental, Luis Morales construyó una obra donde el neón, el futurismo y la cultura pop redefinen los límites del arte urbano: conocé al artista peruano que llevó esa visión hasta el emblemático Vienna Opera Ball.</p><h2>Neón, cultura pop y futurismo: el universo visual de Luis Morales</h2><p>La escena artística peruana se ha consolidado en los últimos años como una de las corrientes más vibrantes dentro del arte urbano latinoamericano, con propuestas que expanden los límites del muralismo tradicional y llevan la práctica hacia nuevos formatos visuales. Y en ese mapa de nombres que hoy posicionan al país como referencia continental, la figura de Luis Morales de la Cruz aparece como uno de sus grandes exponentes.</p><p>Con una estética atravesada por el neón, el futurismo y múltiples guiños a la cultura pop, el artista limeño construyó un lenguaje visual propio basado en colores fluorescentes, fuertes contrastes y composiciones donde conviven lo abstracto y lo figurativo. Un universo visual que convirtió cada una de sus piezas en una experiencia inmersiva donde el arte urbano dialoga con lo digital, el diseño y la experimentación.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb4a12e073.png" alt=""><figcaption>Luis Morales de la Cruz en pleno proceso artístico (Instagram/Luis Morales).</figcaption></figure><p>Pero el trabajo de Luis Morales de la Cruz no se limita a los muros. A través de colaboraciones con marcas de alcance global como Red Bull y Samsung, y mediante intervenciones sobre soportes poco convencionales como tablas de skateboarding, tablas de surf, botellas de tequila e incluso vestidos de alta costura, el peruano expandió el territorio del arte urbano hacia nuevos objetos y escenarios.</p><p>Lejos de encasillarse en el muralismo tradicional, Morales ha construido una propuesta donde el arte urbano se mueve entre la calle, la moda y el diseño contemporáneo. Un camino que no solo lo posicionó como una de las caras protagónicas del arte latinoamericano, sino también como un creador que entiende la obra como una superficie sin límites, atravesada por la innovación y una identidad visual inconfundible.</p><h2>Del muro a la alta costura: la huella de Luis Morales en el Vienna Opera Ball</h2><p>Conocido como “el baile de los bailes”, el Vienna Opera Ball transforma cada año la ópera vienesa en un gran salón marcado por valses, etiqueta rigurosa, música en vivo y una puesta en escena histórica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_17145d14cb.png" alt=""><figcaption>Kristina Worseg luciendo el vestido intervenido por Luis Morales de la Cruz (Instagram/Luis Morales).</figcaption></figure><p>Y durante la pasada edición, el universo de Vienna Opera Ball —considerado uno de los eventos más glamorosos y tradicionales de la temporada social europea— tuvo presencia latinoamericana. Y no de cualquier forma: con una obra llevada sobre un vestido.</p><p>En la más reciente edición del histórico baile celebrado en la Vienna State Opera, el artista peruano Luis Morales de la Cruz fue el encargado de intervenir la pieza que lució Kristina Worseg, llevando su estética neón y futurista a uno de los escenarios más prestigiosos del circuito cultural europeo.</p><p>Dentro de ese marco, Luis Morales de la Cruz llevó su lenguaje visual a una superficie poco habitual para el arte urbano: un vestido de gala concebido como pieza artística. Bajo la idea de retratar a María Teresa como símbolo de fuerza femenina y liderazgo, la obra desplegó retratos intervenidos con rosas, celestes y naranjas fluorescentes, trasladando al textil la identidad cromática que define su producción.</p><p>Más allá del impacto visual, la intervención confirmó cómo el lenguaje del street art puede expandirse mucho más allá de muros, tablas o instalaciones. En manos de Luis Morales, el vestido se convirtió en un soporte artístico donde convivieron moda, pintura y narrativa histórica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3a21191c45.png" alt=""><figcaption>Luis Morales interviniendo el vestido de Kristina Worseg para el Vienna Opera Ball (Instagram/Luis Morales).</figcaption></figure><p>Sobre la pieza, el propio artista celebró la dimensión del proyecto al afirmar que le generaba “gran alegría y curiosidad” ver una de sus obras aparecer en una escena tan prominente en Viena, destacando cómo arte y moda pueden transformarse en “presencia, gesto y mensaje”. Una colaboración que refuerza su búsqueda por llevar el arte urbano a territorios inesperados.</p>

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Luis Morales y el arte fluorescente que conquistó los muros y la alta costura

<p>Luiz Inácio Lula da Silva, junto al ministro Camilo Santana, presentó un programa que incorpora el hip-hop en la educación pública: una medida que apunta a transformar la enseñanza desde la cultura urbana.</p><h2>De la calle al aula: Brasil incorpora el hip-hop en las escuelas públicas</h2><p>En las últimas semanas, el hip-hop se instaló en el centro de la escena en Brasil. Pero no por el lanzamiento de un nuevo disco ni por la visita de alguna figura internacional, sino por una iniciativa que trasciende lo artístico para meterse de lleno en el ámbito educativo: el gobierno busca incorporar esta cultura como herramienta pedagógica dentro de las escuelas públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c03cffeee1.png" alt=""><figcaption>Arte, baile, música y baloncesto: claves del hip-hop (Pexels).</figcaption></figure><p>En ese contexto, el presidente Luiz Inácio Lula da Silva, junto al ministro de Educación Camilo Santana, anunció la creación de la Escuela Nacional de Hip-Hop H2E. Con una inversión de 50 millones de reales en los próximos dos años, el programa tiene como objetivo integrar el hip-hop en los procesos educativos como una herramienta de aprendizaje, formación crítica y construcción de identidad.</p><p>La propuesta, además, apunta a fortalecer la implementación de las leyes 10.639 y 11.645, que establecen la enseñanza obligatoria de la historia y cultura afrobrasileña, africana e indígena en la educación básica. De esta manera, la iniciativa no solo impulsa el reconocimiento del hip-hop como una expresión cultural clave, sino que también lo posiciona como un puente entre la educación, la memoria histórica y las identidades que atraviesan la sociedad brasileña.</p><p>En esa línea, el gobierno también busca impulsar una innovación curricular que ponga en valor la cultura del hip-hop, un movimiento con fuerte identidad y una larga tradición dentro de Brasil. La iniciativa apunta no solo a incorporar estos contenidos en las aulas, sino también a promover una formación docente que permita conectar con los estudiantes desde un lugar más cercano y representativo de sus realidades.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2c76667757.png" alt=""><figcaption>Hip-hop en estado puro (Pexels).</figcaption></figure><p>El programa propone acompañar a las instituciones educativas en la incorporación del hip-hop como herramienta didáctica, fortalecer la capacitación de docentes y generar un puente entre los saberes populares y el conocimiento académico. De esta manera, se busca integrar nuevas formas de enseñanza que dialoguen con las culturas urbanas y amplíen los horizontes pedagógicos tradicionales.</p><h2>Más que educación: un hito para la cultura hip-hop</h2><p>La incorporación del hip-hop en el sistema educativo no solo representa un avance en términos pedagógicos, sino también un reconocimiento institucional a una cultura que históricamente se desarrolló en los márgenes. Que el Estado lo adopte como herramienta de enseñanza implica validar su potencia como lenguaje, como forma de expresión y como vehículo de construcción social.</p><p>La decisión del gobierno de Brasil marca un antes y un después en la historia del movimiento. No solo por su impacto a nivel local, donde el hip-hop ha sido clave en la construcción de identidades, sino también por el precedente que puede sentar a nivel global, posicionándolo como un puente legítimo entre la educación formal y las culturas urbanas.</p>

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El hip-hop llega a las escuelas en Brasil como política educativa

<p>Con el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá cada vez más cerca, la industria de la moda suma nuevos capítulos a su vínculo con el fútbol, y en ese escenario, Jordan Brand y Brasil presentan una colección histórica que marca el debut de la marca en selecciones nacionales.</p><h2>El Mundial como motor de la moda global</h2><p>Con el pitazo inicial de la Copa del Mundo cada vez más cerca, la industria de la moda vuelve a encontrar en el fútbol una de sus principales fuentes de inspiración.</p><p>A medida que se acerca el inicio del torneo más importante del fútbol de selecciones, las marcas comienzan a activar lanzamientos, campañas y colaboraciones que buscan capitalizar el clima mundialista. Desde las camisetas oficiales que utilizarán las selecciones dentro del campo de juego hasta colecciones especiales pensadas para el día a día, el universo del fútbol se expande más allá de lo deportivo para instalarse también en el terreno del lifestyle y la cultura urbana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6f7128213b.png" alt=""><figcaption>Vinícius Júnior como protagonista de la colección entre Jordan Brand y Brasil (Nike).</figcaption></figure><p>En paralelo, el streetwear continúa consolidando su vínculo con el fútbol, incorporando elementos estéticos, históricos y culturales propios del deporte más popular del mundo, y las marcas reinterpretan colores, escudos y símbolos nacionales para dar forma a prendas que combinan identidad y tendencia.</p><h2>Jordan Brand x Brasil: una alianza histórica en el fútbol y en la moda urbana</h2><p>En este contexto, no solo las firmas deportivas tradicionales marcan el pulso, sino también aquellas vinculadas al universo urbano que continúan expandiendo su presencia en el fútbol. Y si hay una marca capaz de moverse con naturalidad entre ambos mundos, esa es Jordan Brand.</p><p>Con una fuerte conexión con Paris Saint-Germain —vigente campeón de la UEFA Champions League—, la firma del Jumpman encontró en el club francés su puerta de entrada al fútbol con múltiples colecciones que fusionan rendimiento e identidad streetwear.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_16d57398bd.png" alt=""><figcaption>Jordan Brand x Brasil (Nike).</figcaption></figure><p>Ahora, la marca decidió dar un paso más en su expansión dentro del deporte y selló una alianza histórica con la Selección de Brasil de cara a la próxima Copa del Mundo, marcando su primera colaboración oficial con un seleccionado nacional.</p><p>El acuerdo tiene como pieza central la segunda equipación del combinado pentacampeón, donde el icónico logotipo Jumpman reemplaza al tradicional swoosh, consolidando una estética que cruza moda, deporte e identidad cultural.</p><p>La colaboración no se limita únicamente al terreno de juego, sino que se expande hacia una cápsula de streetwear inspirada en los colores de Brasil con prendas como sudaderas, camisetas, polos y distintos accesorios.</p><p>Este lanzamiento no solo refuerza el vínculo entre moda urbana y deporte de alto nivel, sino que también consolida una alianza entre una de las marcas más influyentes del streetwear y una de las selecciones más emblemáticas del fútbol mundial.</p><h2>La camiseta alternativa de Brasil como pieza central de la colección</h2><p>Con figuras brasileñas del fútbol mundial como Vinícius Júnior de Real Madrid, Estevão de Chelsea y Matheus Cunha de Manchester United como protagonistas, la pieza principal de la colaboración entre Jordan Brand y la Selección de Brasil es la equipación alternativa que la Canarinha utilizará en la próxima Copa del Mundo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f44b537421.png" alt=""><figcaption>Vinicíus Júnior, Estevão, Marquinhos, Matheus Cunha y Vítor Roque, las caras de la presentación de la camiseta (Nike).</figcaption></figure><p>Pensada para competir en el máximo nivel, la camiseta fue fabricada ciento por ciento con residuos textiles e incorpora tecnología de refrigeración Aero-FIT, combinando innovación, sostenibilidad y rendimiento en una misma prenda.</p><p>A nivel estético, la camiseta presenta un estampado de dos tonos con rayas verticales inspirado en los depredadores más temibles de Brasil, aportando una identidad visual fuerte y agresiva dentro del campo de juego. A esto se le suma el clásico elephant print de Jordan, tomado de las icónicas Air Jordan 3, en un guiño directo al legado del básquet y a la historia de la marca dentro del universo deportivo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7d049d5f31.png" alt=""><figcaption>Los detalles de la camiseta alternativa que utilizará Brasil en la Copa del Mundo (Nike).</figcaption></figure><p>El icónico logo Jumpman reemplaza al tradicional swoosh y se presenta en color amarillo, integrándose con los tonos verde y amarillo que aparecen como ribetes laterales, reforzando la identidad de Brasil. El resultado es un diseño pensado no solo desde lo estético, sino también desde lo simbólico: una camiseta que busca transmitir presencia, carácter y competitividad dentro del campo de juego.</p><h2>Una cápsula completa más allá del fútbol</h2><p>La colaboración no se limita al kit, sino que se expande a una cápsula de más de treinta prendas que incluyen hoodies, chándales oversized, camisetas, musculosas, shorts, pantalones y accesorios como gorras, bolsos y mochilas.</p><p>Inspirada en los colores tradicionales de Brasil —verde, amarillo y azul—, la colección incorpora detalles como el número 23, inscripciones del país y versiones del escudo con el Jumpman como protagonista, reforzando el cruce entre identidad nacional y cultura Jordan.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b97c7c425c.png" alt=""><figcaption>La moda urbana como emblema de la colaboración entre Jordan Brand y Brasil (Nike).</figcaption></figure><p>Además, la cápsula suma guiños directos al mundo del básquet con prendas de corte deportivo, así como también calzado destacado como las Air Jordan 1 Low y otros modelos de la marca. La propuesta se completa con una versión especial de los botines de futsal Nike Tiempo Gato, consolidando una colección que cruza fútbol, baloncesto y streetwear en una misma narrativa estética.</p>

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Brasil y Jordan Brand presentan una colección inédita rumbo a la Copa del Mundo

<p>La ciudad de Buenos Aires se ha convertido en el hogar de una de las propuestas gastronómicas más sorprendentes del último tiempo: un platillo donde el pancho es reemplazado por un roll de sushi acompañado de una explosión de ingredientes.</p><h2>Un sushi con la forma de un pancho: la fórmula de Pancho Sushi by Naoki</h2><p>El mundo de la gastronomía es una vidriera de estilos, propuestas e innovaciones que suma nuevos postulantes día tras días: desde establecimientos especializados en un tipo de platillo, pasando por rincones donde la comida callejera se reinventa hasta espacios que apuestan por la fusión cultural como sello distintivo. En este listado, una de las variantes más explotadas es el producto obtenido a partir de la mezcla de dos platillos, que, por lo general, suelen ser de la misma índole así como una hamburguesa junto a una pizza. Y en Argentina se llevó a cabo uno de los experimentos más novedosos y curiosos de este tipo de corriente gastronómica: el pancho sushi.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSQ4rZAibyY/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSQ4rZAibyY/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sí, así como lees. Un rol de sushi cortado como si fuese un pan de pancho y relleno de una ensalada de ingredientes como queso crema, salmón, langostino, pollo teriyaki, tentaculos de calamar, guacamole, tomate, batatas y doritos, entre cientos de opciones más. Con sucursales distribuidas en Necochea, Lobería y San Cayetano, ciudades pertenecientes a la provincia de Buenos Aires, <a href="https://www.instagram.com/panchosushi.arg?igsh=bXIxdGdyNDB1MDFz"><u>Pancho Sushi by Naoki </u></a>se ha convertido en una de las sensaciones gastronómicas más novedosas dentro de la capital argentina. Un espacio que no solo invita a degustar una combinación poco pensada, sino que también abre el abanico para aquellos fanáticos del sushi y de los panchos con una nueva forma de saborear el platillo.</p><h2>¿Qué puedo comer en Pancho Sushi by Naoki?</h2><p>Con un menú conformado por seis variantes distintas con queso crema y batatas fritas como ingredientes protagonistas, Pancho Sushi by Naoki ofrece una propuesta gastronómica disruptiva e ideal para degustar a la perfección el novedoso platillo.</p><ul><li>Salmón crudo: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, salmón crudo, cremoso de palta con topping de batatas fritas</li></ul><ul><li>Salmón cocido: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, salmón cocido, cremoso de palta con topping de batatas fritas</li></ul><ul><li>Langostino: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, langostinos cocidos, cremoso de palta con topping de batatas fritas</li></ul><ul><li>Kanikama: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, kanikama, cremoso de palta con topping de batatas fritas</li></ul><ul><li>Vegetariano: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, tofu, cremoso de palta, salsa beetroot más salsa acevichada con topping de batatas fritas</li></ul><ul><li>Vegeta: roll caliente cortado al medio con tofu, cremoso de palta, choclo más salsa beetroot con topping de batatas fritas</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DS0BhrDjbsI/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DS0BhrDjbsI/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los pancho sushi cuentan con un valor de $18.000 pesos argentinos cada uno.</p><p>Pero eso no es lo único. A pesar de que los pancho sushi sean el platillo emblemático, el establecimiento presenta otro listado de delicias: poket ensaladas, bombas de salmón, rabas, pinchos de langostinos, ceviche de salmón, pickles de pepino japonés y, por supuesto, las tradicionales piezas de sushi.</p>

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La propuesta que lleva el sushi a la comida callejera

<p>El reconocido muralista australiano <a href="https://www.instagram.com/mitch_foster/"><u><strong>Mitch Foster</strong></u></a> transformó una fachada del barrio de <strong>Coghlan</strong>, en Buenos Aires, con una obra titulada <strong>&quot;Sky Head&quot;</strong>. La ejecución estuvo bajo la organización de la plataforma <strong>Buenos Aires Street Art</strong>. Este proyecto destaca, entre otras cosas, por la implementación de <strong>tecnología de realidad mixta</strong> mediante dispositivos <strong>Meta Quest</strong> para el trazado de la composición.</p><h3><strong>Un puente artístico entre Perth y Buenos Aires</strong></h3><p>Mitch Foster, oriundo de <strong>Perth</strong>, Australia Occidental, aterrizó en la capital argentina tras haber dejado su impronta en muros de México, Estados Unidos, Vietnam y la India. Durante su estadía, el artista aprovechó la ausencia de un encargo comercial restrictivo para volcar una idea personal de larga gestación.</p><p>La obra, denominada <strong>&quot;Sky Head&quot;</strong> (Cabeza de Cielo), surge de la canción <em>Blue Sky in Your Head</em> de la banda <strong>Lighthouse Family</strong>. Según explicó el propio Foster, la pieza explora la <strong>percepción individual de la realidad</strong>. Proyecta un mundo interior que se mezcla directamente con la atmósfera de <em>Alicia en el País de las Maravillas</em>.</p><h3><strong>La técnica</strong></h3><p>Una de las particularidades más distintivas de este proceso creativo fue el uso de cascos de <strong>realidad mixta</strong>. Foster empleó el dispositivo <strong>Meta Quest</strong> para mapear el diseño original, lo que permitió escalar y transferir los contornos a la pared con una precisión milimétrica. Esta innovación tecnológica facilitó el trabajo de campo y permitió que el artista se enfocara en la aplicación de texturas y colores desde la primera jornada.</p><p>En el plano visual, el mural presentó un paisaje de ensueño contenido dentro de una cabeza humana, donde coexisten:</p><ul><li>Un <strong>río</strong> que fluye entre vegetación.</li></ul><ul><li><strong>Árboles</strong> que estructuran la composición natural.</li></ul><ul><li>Un <strong>cielo azul</strong> que da nombre y sentido a la obra.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0b814ede37.png" alt=""><figcaption>Muralismo con realidad mixta [Imagen], por BA Street Art.</figcaption></figure><h3><strong>Trabajo en equipo y calidez vecinal</strong></h3><p>Foster contó con la colaboración de su esposa, la también artista <strong>Ita</strong>. Ambos compartieron jornadas de pintura y diálogo con los residentes de Coghlan, quienes mostraron un notable interés por el proceso. Los vecinos ofrecieron palabras de aliento e incluso tuvieron la oportunidad de probar las <strong>gafas de dibujo</strong> para comprender cómo la tecnología asiste al arte urbano contemporáneo.</p><p>El artista expresó en sus redes su gratitud hacia <strong>Matt</strong>, responsable de @bastreetart, y definió a Buenos Aires como un &quot;santuario para el arte callejero&quot;. La calidez del barrio porteño fue fundamental para el desarrollo de esta pieza, la cual Foster considera un éxito personal al haber podido plasmar una idea abstracta que intentaba comprender desde hace tiempo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_524a3b542b.png" alt=""><figcaption>Dos artistas de Perth que eligieron las calles de Buenos Aires para materializar su visión más personal del arte urbano [Imagen], por BA Street Art.</figcaption></figure>

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