Existen canciones que marcan el inicio del éxito para muchos artistas, otras que se convierten en el himno más emblemático de su repertorio y, por último, están esos sencillos que logran un lugar eterno en la historia de la industria musical, y “Danza Kuduro” del puertorriqueño Don Omar es una de las canciones que pertenece a esta última categoría.<h2>“Danza Kuduro”, el hit que marcó una época y se volvió himno global</h2>Lanzada en agosto del año 2010 a través de la discográfica Machete Music, “Danza Kuduro” de Don Omar no solo se ha consolidado como uno de los éxitos más populares del currículum del emblemático reguetonero puertorriqueño, sino que también logró adueñarse de un privilegiado sitio dentro del olimpo de las canciones de la música latinoamericana. Con la participación del cantante luso-francés Lucenzo, el sencillo se convirtió en un himno de fiestas, discotecas y celebraciones alrededor del mundo y marcó un antes y un después en la proyección internacional de la música latina con uno de los estribillos más pegadizos de la escena: “La mano arriba, cintura sola, da media vuelta, danza kuduro. No te canse' ahora, que esto solo empieza, mueve la cabeza, danza kuduro”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Don_Omar_pilar_e_icono_del_reggaeton_latinoamericano_e91b11c3e1.jpg"></figure>Don Omar, pilar e ícono del reggaetón latinoamericano (Burning Ambulance).El videoclip, que fue filmado en la Isla de San Martín y dirigido por el director de videos musicales canadiense Vincent Egret, muestra a los artistas durante un paseo en yate por el Mar Caribe y la vida del millonario acompañados de modelos.El sencillo también formó parte de “Meet the Orphans”, el cuarto álbum de estudio de Don Omar, que contó con la participación de artistas como Plan B, Kendo Kaponi y Zion &amp; Lennox y hits como “Taboo”, “El duro” y “Hooka”.&nbsp;<h2>De discotecas latinas a playlists mundiales: el camino imparable del éxito mundial</h2>“Danza Kuduro” fue un éxito rotundo desde su lanzamiento. El sencillo de Don Omar superó los mil millones de reproducciones en Youtube, logró discos de oro, platino y diamante, fue número uno en las listas de países como Argentina, Alemania, Austria, Chile, España, Estados Unidos, Italia y Países Bajos, entre tantos otros, y fue reconocido por sellos, revistas e instituciones de primer nivel como Billboard, Rolling Stones, Spotify y Guinness World Records. Al mismo tiempo, el sencillo sumó un listado de remix oficiales con las voces de distintos emblemas de la música latina e internacional de la talla de Daddy Yankee, Arcángel, Pitbull y Tiestö.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/7zp1TbLFPp8" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>La viralidad de la canción fue tal que, hasta incluso, traspasó la barrera de la música y se convirtió en la canción tema de la película “Rápidos y furiosos: 5in control”, film donde el artista puertorriqueño interpreta el personaje de Rico Santos.<h2>La historia no conocida de “Danza Kuduro”</h2>Los relatos inesperados son un condimento usual de visualizar en la industria de la música: descubrimiento de jóvenes talentos, canciones que parecían no triunfar y acabaron convirtiéndose en un himno y artistas que, tras años de silencio, regresan para conquistar nuevas generaciones. Y “Danza Kuduro” también lleva consigo una de estas historias.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Don_Omar_sobre_el_escenario_en_pleno_show_89122b4d42.jpg"> Don Omar sobre el escenario en pleno show (Puerto Rico Under)."El tema se le envió a todos mis colegas en la industria de la música urbana y a nadie le gustó. Nadie lo entendió. Yo tengo una amiga en común que trabajaba con su equipo para ese momento, y me dijo '¿Sabes qué? Hemos tratado de enviarle la canción a todo el mundo, nadie la entiende, a nadie le gusta. Por favor, dame la oportunidad aunque sea de escuchar el tema'. Le dije que me la enviase”, contó el puertorriqueño en diálogo con GQ México. El artista llamó por teléfono a su productor con el objetivo de que escuchase la canción y, al momento de oír el coro cantado por el propio Don Omar, la alerta de hit se había encendido. El puertorriqueño corrió al estudio, grabó la canción en media hora y el resto es historia.

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Noticias

Don Omar y quince años de “Danza Kuduro”

La nueva generación de la música urbana puertorriqueña sigue sumando protagonistas, y entre ellos aparece Fanta Rosario, un artista que ya empieza a destacar por su sonido, su imagen y un universo creativo diferente.<h2>De la estética al sonido: las claves detrás del crecimiento de Fanta Rosario</h2>Hablar de Puerto Rico es hablar de una de las grandes cunas de la música urbana a nivel mundial. La isla vio nacer a referentes históricos como Daddy Yankee y Don Omar, y con el paso de los años continuó alimentando la escena con figuras de la talla de Bad Bunny, Anuel AA y Arcángel y, más recientemente, con una nueva generación integrada por artistas como Dei V, Omar Courtz o De La Rose que comenzó a tomar la posta, demostrando que el talento puertorriqueño continúa renovándose año tras año.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_515e82c06a.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario, la nueva joya del género urbano en Puerto Rico (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure>En ese contexto aparece Fanta Rosario, uno de los nombres que poco a poco empieza a hacerse un lugar dentro de la nueva ola urbana de la isla. Con una propuesta que combina trap, reguetón y otros sonidos urbanos, el artista logró construir una identidad reconocible tanto desde lo musical como desde lo visual, convirtiéndose en una de las apariciones más interesantes de la escena puertorriqueña.https://www.streetartlatam.com/articulo/de-la-rose-en-la-cima-descubrila/1145<h2>Gorras planas, lentes Y2K y una estética que no pasa desapercibida: la estética de Fanta Rosario</h2>Gran parte de esa identidad también pasa por su estética. Gorra plana llevada de costado, polos y jerseys, lentes inspirados en la moda de los años 2000, un rosario como sello distintivo y una actitud desenfadada forman parte de una imagen que se traslada a sus videoclips. Allí predominan los colores saturados, las composiciones poco convencionales y una estética inspirada en el internet de comienzos de siglo, construyendo un universo creativo que acompaña a la perfección el sonido de sus canciones.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rwNNcDEVnIU" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>Ese estilo ya quedó plasmado en temas como "Si Me Hiciera El de la Lengua", "ADM", "Dicen", "GUAO" y "No Te Kashi", canciones que acumulan millones de reproducciones y que ayudaron a posicionarlo entre las nuevas figuras del movimiento. A eso se suma el respaldo de artistas ya consolidados como Jon Z, Bryant Myers, Arcángel, Bad Bunny e incluso el argentino Bizarrap, quienes en distintas oportunidades mostraron apoyo hacia su proyecto.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_62cea13a87.png" alt=""><figcaption>Fanta Rosario junto a Jon Z y Luar La L (Instagram/Fanta Rosario).</figcaption></figure>&nbsp;<h2>Fanta Rosario como el futuro de la música urbana puertorriqueña</h2>Con más de un millón de oyentes mensuales en Spotify, colaboraciones cada vez más importantes y una identidad artística que se distingue desde el primer vistazo, Fanta Rosario aparece como uno de los nombres llamados a protagonizar el futuro de la música urbana puertorriqueña, confirmando que la isla continúa siendo una fábrica inagotable de nuevos talentos.https://www.streetartlatam.com/articulo/la-marca-de-gorras-que-eligieron-duki-little-boogie-y-el-kun-agueero/1000279

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¿Quién es Fanta Rosario, una de las nuevas joyas de la música urbana de Puerto Rico?

Mientras buena parte de la música urbana apuesta por explorar nuevas tendencias, 2mileros decidió mirar hacia el pasado para rescatar el sonido del reguetón clásico.Detrás de esa propuesta aparece Prudenz, el productor que transformó esa idea en una identidad musical y que hoy se posiciona como uno de los nombres con mayor proyección dentro de la escena argentina.<h2>¿Quién es Prudenz, el productor detrás del fenómeno 2mileros?</h2>En una escena urbana argentina que no deja de sumar nuevos sonidos, artistas y propuestas, pocos proyectos lograron despertar tanta atención en tan poco tiempo como 2mileros. El trío integrado por Nuno, Ezelinn y Chris encontró en el reguetón clásico de figuras como Daddy Yankee, Don Omar y compañía la fórmula para construir una identidad propia, una apuesta que rápidamente recibió el respaldo de nombres como Duki, María Becerra, Randy y DJ Playero y se convirtió en una de las grandes sensaciones de la música urbana en Argentina.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-regreso-del-regueton-viejo-tiene-nombre-2mileros/1000193">El regreso del reguetón viejo tiene nombre: 2mileros</a><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7646830685356920085" data-video-id="7646830685356920085" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7646830685356920085" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>Sin embargo, detrás de las voces y de la imagen del grupo aparece una figura que resulta clave para comprender la identidad sonora del proyecto. Se trata de Prudenz, nombre artístico de Facundo Prudencio, productor musical que se consolidó como el arquitecto del sonido de 2mileros y como uno de los jóvenes productores con mayor proyección dentro de la escena argentina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cbea2762ba.png" alt=""><figcaption>Prudenz junto a los integrantes de 2mileros (Instagram/2mileros).</figcaption></figure>Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-noticiero-del-genero-urbano-tiene-acento-argentino/2005">El noticiero del género urbano tiene acento argentino</a>Con producciones como &quot;Desabroche&quot; y &quot;Calma&quot;, Prudenz consiguió devolver al primer plano una estética musical que durante años había perdido protagonismo en el país. Lejos de seguir las tendencias más actuales del género urbano, el productor apostó por rescatar la esencia del reguetón de comienzos de los 2000, combinando dembows clásicos, sintetizadores y estructuras que remiten a una de las épocas más recordadas del género.A diferencia de otros productores que desarrollan su trabajo casi exclusivamente detrás del estudio, Prudenz también encontró en las redes sociales una forma de acercar al público al proceso creativo. A través de sus contenidos muestra desde las sesiones de grabación junto a Nuno, Ezelinn y Chris hasta la construcción de las instrumentales, los arreglos finales y las sugerencias que realiza para potenciar cada canción, permitiendo que los seguidores conozcan de primera mano cómo nace el sonido de 2mileros.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7633555317594410261" data-video-id="7633555317594410261" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@tellmeprudenz/video/7633555317594410261" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>Con una propuesta que recupera la esencia del reguetón clásico y una presencia cada vez mayor tanto en el estudio como en las plataformas digitales, Prudenz se convirtió en una de las piezas fundamentales detrás del crecimiento de 2mileros y en uno de los productores que mejor representa el resurgimiento de un sonido que marcó a toda una generación.

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Prudenz, la nueva cara de la producción del reguetón en Argentina

Si alguna vez tuviste la oportunidad de conocer la noche argentina, es muy probable que hayas escuchado alguna canción de Doble P, Callejero Fino, Salastkbron o Elaggume, las caras protagonistas del RKT, el movimiento que se adueñó de los parlantes de los boliches en Argentina.<h2>El ritmo que manda en la noche argentina: RKT</h2>La noche argentina siempre tuvo una banda sonora propia: desde el cuarteto, con Córdoba como faro y una identidad bien definida, pasando por la cumbia que dominó bailes y boliches de la mano de figuras como Pablo Lescano, Karina o El Polaco, hasta el reguetón que marcó una era con clásicos de Daddy Yankee y Don Omar. Pero desde hace ya varios años, hay un movimiento urbano que se apoderó de los parlantes y se transformó en el sonido por excelencia de los boliches en Argentina: el RKT, un ritmo nacido en el under urbano que hoy define cómo se baila y se vive la noche a lo largo y ancho del territorio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f13ab1db9f.png" alt=""><figcaption>Doble P, exponente del RKT, en los escenarios del Lollapalooza Argentina (Instagram/Doble P).</figcaption></figure>Con figuras como Callejero Fino, DJ Tao, Peipper, Doble P, Lauty Gram, La Joaqui y otros nombres que emergieron desde la escena urbana, el RKT se consolidó como uno de los fenómenos musicales más fuertes de las noches argentinas. Un género surgido de la fusión entre el reguetón tradicional, la cumbia villera y el trap que encontró su expansión definitiva en las redes sociales, donde fragmentos de canciones se viralizan y funcionan como puerta de entrada para nuevos públicos.Popularizado principalmente entre la juventud argentina, el RKT se distingue por su tempo acelerado, el uso de sintetizadores y bajos pesados característicos del trap, acompañado de letras que retratan la vida en los barrios, las fiestas, el deseo y las experiencias cotidianas de la juventud urbana con un vocabulario propio y directo.Más que un simple ritmo, el RKT se convirtió en un movimiento cultural que refleja una época y una forma particular de habitar la noche en Argentina desde hace años.<h2>Una discoteca, cinco DJs y un nuevo sonido</h2>Más allá de que hoy en día algunos artistas sean las caras más visibles del movimiento, el origen del RKT en Argentina no tuvo como protagonistas a nombres como L-Gante, La Joaqui, Lauty Gram o Kaleb Di Masi.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/SacHyFb_j1o" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Si bien existen versiones que indican que el sonido comenzó a escucharse primero en México, el nacimiento del RKT en Argentina se atribuye a un grupo de DJs integrado por DJ Kbz, DJ Pity, DJ Toty Stylee, Negro DUB y DJ Pirata, quienes musicalizaban las noches de Rescate Bailable, una discoteca ubicada sobre la Avenida Ricardo Balbín, en la ciudad de San Martín. A partir de la abreviación del nombre del boliche, el sonido que hacían sonar terminó bautizándose como RKT, dando identidad a un ritmo que empezaba a tomar forma propia en las pistas.Con el paso del tiempo, y a medida que la popularidad de Rescate Bailable fue disminuyendo, el RKT perdió presencia en la noche y quedó relegado a un segundo plano. Sin embargo, años más tarde, el género volvió a cobrar fuerza de la mano de L-Gante, quien hoy en día es considerado como uno de los estandartes del movimiento tanto a nivel nacional como internacional. El lanzamiento de “L-Gante RKT” marcó un punto de inflexión: la canción se convirtió en un éxito y funcionó como catalizador para la reaparición del sonido, posicionándose como uno de los temas más emblemáticos del movimiento y acercándolo a un público mucho más amplio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_afc198482a.png" alt=""><figcaption>Callejero Fino, una de las caras líderes del movimiento RKT (Instagram/Callejero Fino).</figcaption></figure>En paralelo, otros artistas comenzaron a ganar visibilidad y a acompañar este resurgir. Nombres como El Noba —quien falleció en el auge de su carrera—, Callejero Fino o Perro Primo se sumaron a la expansión del RKT, aportando nuevas voces y consolidando al género dentro de la escena urbana nacional.Un dato clave en este proceso fue la aparición del primer disco asociado directamente al género. El álbum “Hagan Caso” de Callejero Fino marcó un hito al convertirse en el primer trabajo discográfico conceptual del RKT: compuesto por siete canciones, el proyecto estuvo acompañado por un documental homónimo que registra el proceso de grabación y ofrece una mirada íntima sobre la construcción del disco y del movimiento.<h2>La actualidad del RKT en Argentina</h2>En la actualidad y desde hace ya un puñado de años, el RKT atraviesa su etapa de mayor visibilidad y consolidación, instalado como uno de los géneros más escuchados en la noche argentina y con presencia constante tanto en los boliches como en los barrios del país. Con el sonido ya plenamente popularizado, artistas como Salastkbron, La Joaqui, Doble P, Ponte Perro, Alejo Isaak, Elaggume, Lolo OG y Kaleb Di Masi representan el momento de mayor expansión del movimiento: son quienes hoy llevan la bandera del género, lo mantienen vigente y empujan un sonido que alcanzó su punto más alto de alcance y reconocimiento.Dentro de este presente, los DJs continúan ocupando un lugar central en la identidad del RKT, tal como ocurrió en sus orígenes. Aunque no se desempeñan como cantantes, Alan Gómez (Mission), Gusty DJ (Session en el Barrio) y DJ Tao (Turreo Sessions) se consolidaron como pilares fundamentales del movimiento. Inspirados en el formato de las “BZRP Music Sessions” de Bizarrap, lograron trasladar esa lógica al universo del RKT, funcionando como plataforma de difusión para nuevos artistas y colaboraciones, y ampliando el impacto del género dentro y fuera de la escena urbana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ddf8c699f4.png" alt=""><figcaption>El show de Peipper (Instagram/Peipper).</figcaption></figure>El crecimiento del RKT no se limita únicamente a la música y las plataformas digitales, sino que también se trasladó al territorio de la noche. La explosión del género dio lugar a la creación de fiestas exclusivas dedicadas al movimiento, espacios se transformaron en puntos de encuentro para artistas, DJs y público, reforzando el carácter colectivo y cultural del género. A su vez, el sonido ha traspasado la barrera de conquistar los parlantes de las discotecas en Argentina y cosechar millones de reproducciones en las plataformas, sino que también comenzó a formar parte de las carteleras de los festivales más importantes del calendario como el Lollapalooza, llevando el género a los grandes escenarios de la escena.

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El sonido que se adueñó de las discotecas en Argentina

Aunque parezca difícil de creer, en la escena musical argentina hay un trío que decidió mirar al pasado para construir su identidad: su nombre es 2mileros, está integrado por Nuno, Ezelinn y Chris y busca traer de vuelta el sonido del reguetón clásico de Daddy Yankee, Don Omar y compañía.<h2>2mileros, el trío argentino que revive el reguetón clásico</h2>En una industria donde cada vez surgen no solo nuevos artistas, sino también movimientos y sonidos que marcan tendencia, hay quienes deciden avanzar con lo que dicta la actualidad y otros que optan por mirar hacia atrás para recuperar una esencia que alguna vez dominó la escena.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6cfbf89d09.png" alt=""><figcaption>Nuno, Ezelinn y Chris, los integrantes de 2mileros (Instagram/2mileros).</figcaption></figure>Dentro de este último grupo aparece una propuesta que comienza a hacerse lugar en Argentina con una identidad sonora bien definida: <a href="https://www.instagram.com/2mileros.oficial/">2mileros</a>. Conformado por Nuno, Ezelinn y Chris, el trío de origen argentino se apoya en un sonido directamente vinculado al reguetón clásico, ese que tuvo como grandes referentes a figuras como Daddy Yankee, Don Omar y Tego Calderón. En un contexto donde géneros como la cumbia, el trap y el under concentran gran parte de la atención, 2mileros apuesta por un regreso a las raíces. Sin embargo, lo más llamativo del proyecto no radica únicamente en la recuperación de ese sonido con el que creció toda una generación, sino también en la reconstrucción estética que lo acompaña.Desde la indumentaria —con gorras viseras, ropa oversize y accesorios cadenas largas, pendientes y relojes llamativos— hasta la narrativa visual de sus videoclips, el grupo conformado por Nuno, Ezelinn y Chris recrea con precisión la identidad del reguetón de los 2000, trasladándola a una nueva generación de oyentes.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/9239a_p0Pik" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Con canciones como “Desabroche” y “Calma”, que ya acumulan cientos de miles de reproducciones en plataformas digitales, y la banca tanto de figuras locales de la talla de Duki y María Becerra como artistas que se convirtieron en emblemas del género como Randy y DJ Playero, el fenómeno 2mileros comienza a posicionarse no solo como una de las novedades sonoras de la industria en Argentina, sino también como uno de los principales responsables del regreso del reguetón clásico al panorama actual.<h2>El respaldo de Duki, Coscu y Jowell que consolida el fenómeno 2mileros</h2>Considerar a 2mileros como una de las novedades de la industria musical de Argentina no es algo que surja al azar. Y es que su propuesta estética y sonora, acompañada por números que crecen de forma sostenida en plataformas digitales, encuentra además un respaldo clave en la industria tanto a nivel local como internacional.El trío conformado por Nuno, Ezelinn y Chris ha recibido el apoyo de figuras importantes de la escena argentina como María Becerra, quien no solo los invitó a formar parte de sus shows en el estadio de River Plate como teloneros, sino que también incluyó sus canciones entre sus escuchas destacadas. A esto se suma la reacción de Duki, que compartió y comentó algunos de sus temas en redes sociales, así como el respaldo del streamer Coscu, una voz influyente dentro del ecosistema digital y musical.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_921a2f21f0.png" alt=""><figcaption>El reguetón clásico en la figura de 2mileros (Instagram/2mileros).</figcaption></figure>Sin embargo, el fenómeno no se limita únicamente al plano local. La validación también llega desde figuras históricas del reguetón, lo que refuerza aún más la propuesta del grupo. Nombres como DJ Playero, Jowell &amp; Randy y Sir Speedy han mostrado su apoyo, generando un puente simbólico entre las raíces del género y esta nueva generación que busca reinterpretarlo.Es por eso que 2mileros no solo se posiciona como un fenómeno viral, sino como un proyecto que comienza a consolidarse con el aval de referentes que marcaron el camino, potenciando su alcance y legitimidad dentro de la escena urbana actual.

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El regreso del reguetón viejo tiene nombre: 2mileros

A lo largo de la historia deportiva de Puerto Rico, innumerables jugadores se transformaron en íconos locales, al mismo tiempo que ciertos escenarios se consolidaron como pilares culturales, tal y como ocurrió con la emblemática cancha de baloncesto ubicada en el barrio de La Perla.<h2>El rincón puertorriqueño donde vibra el baloncesto callejero</h2>Pensar en Puerto Rico es activar una lista infinita de nombres que marcaron al reggaetón, el género por excelencia del género urbano latinoamericano: desde Daddy Yankee, Don Omar y Tego Calderón, pasando por Bad Bunny, Ozuna y Anuel AA hasta Myke Towers, Omar Courtz y Young Miko. Pero el archipiélago caribeño no es una simple cuna de artistas y ya, a pesar de ser un gran protagonista dentro de su currículum. El deporte de la mano de actividades como el boxeo, el béisbol y el baloncesto también se ha ganado una importante porción dentro de la historia. En esa línea, el emblemático barrio de La Perla celebró recientemente la inauguración de una nueva cancha de baloncesto, reforzando la importancia de la actividad en la población y entregando un nuevo espacio para continuar la propagación del deporte.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DQFUi_BCYju/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DQFUi_BCYju/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Es muy probable que ya conozcas este recinto deportivo. Porque no solo cuenta con años de historia en el baloncesto callejero de La Perla, donde se consolidó como un olimpo, sino que también se ha vuelto un sitio emblemático en la carrera de Myke Towers debido al videoclip de la canción “Michael Myers” en la que el artista grabó múltiples tomas en el espacio. Te lo dijimos: era obvio que te ibas a acordar del sitio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_13051e07d7.png" alt=""><figcaption>El tributo a Sito y Yadier durante la inauguración de la cancha de baloncesto en La Perla (Geezy Nation).</figcaption></figure>Con la presencia del popular reggaetonero De La Ghetto, pieza clave durante la remodelación de la cancha, el acto de inauguración del espacio contó con la participación de líderes comunitarios, vecinos y figuras invitadas, así como también espectáculos musicales y un torneo de baloncesto inaugural con los equipos de la comunidad: G-Town, La Loma, Cascajo y Los Cuernos. “Esta cancha es mucho más que cemento y pintura; es un símbolo de esperanza, de oportunidades y de lo que podemos lograr cuando trabajamos juntos”, expresó uno de los portavoces comunitarios durante la ceremonia, que atrajo a cientos de vecinos de la zona. La cancha se sometió a diferentes reformas (tribunas, repintado y arreglos de estructura) que la dejaron a estrenar y la volvieron a posicionar como uno de los espacios más indispensables para la actividad deportiva del barrio de San Juan.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOXJE4Ejek1/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOXJE4Ejek1/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Durante el acto de inauguración, también se rindió homenaje póstumo a Sito y Yadier, dos miembros muy queridos de la comunidad cuyo legado y recuerdo siguen siendo una parte esencial de la historia y la identidad deportiva del barrio boricua.Para entender la importancia de la cancha de baloncesto dentro de La Perla, basta con conocer este dato. El legendario streamer español Ibai Llanos realizó una recorrido a lo largo y ancho de Latinoamérica, donde visitó rincones como Argentina, México, Uruguay, Chile y Perú y paseó por los sitios más emblemáticos de cada lugar. Durante su parada en Puerto Rico y bajo la guía de las influencers Alondra y Rai, el inventor de La Velada del Año caminó por el recinto deportivo, consolidando a la cancha no solo como un emblema local, sino también como un lugar de interés internacional.

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El olimpo del baloncesto callejero en Puerto Rico

Apenas un puñado de días después de su actuación en el entretiempo de la final del Mundial de Clubes entre Chelsea y Paris Saint-Germain en el MetLife Stadium de Nueva Jersey, el colombiano J Balvin estrenó su nuevo proyecto musical: “Mixteip”.<h2>J Balvin lanza su álbum “Mixteip”</h2>Con una esencia audiovisual inspirada en el iPod clásico, línea de reproductores de audio digital portátiles diseñados por Apple, el cantante nacido en Medellín agregó una página a su extensa carrera en la industria musical y lanzó “Mixteip”, su séptimo álbum de estudio.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/MB90ipLdT90" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>El nuevo material discográfico del artista colombiano presenta un tracklist de diez canciones con “Bruz Wein” como tema cabecera del proyecto y un repaso de colaboraciones con pilares del género urbano latino como Lenny Tavárez y Justin Quiles en “Zun Zun”, así como también la presencia internacional del rapero británico Stormzy en “Uuu” y la aparición del cantante puertorriqueño de salsa Gilberto Santa Rosa en “Misterio” y el dominicano Omega, también conocido como “El Rey del Mambo”, en “KLK”.El proyecto, que llega a menos de un año después del estreno de “Rayo”, su sexto álbum de estudio, rinde homenaje al reggaetón de la vieja escuela de los años 90 y principios de los 2000, de la misma manera que también ofrece temas con ritmos del perreo al estilo de Plan B o Zion, trap, funk brasileño, electro-merengue y R&amp;B.<h2>La huella del colombiano en el Mundial de Clubes</h2>Aunque su nuevo disco “Mixteip” ya causó revuelo en la industria musical latinoamericana, J Balvin ha estado en boca de todos luego de haber sido uno de los artistas protagonistas del show musical en el entretiempo de la final del Mundial de Clubes en el MetLife Stadium.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_show_de_J_Balvin_en_la_final_del_Mundial_de_Clubes_en_el_Met_Life_Stadium_90c22c2fe6.jpg">El show de J Balvin en la final del Mundial de Clubes en el MetLife Stadium (Seth Wenig).Vestido enteramente de blanco y acompañado por un grupo de bailarines que portaban un atuendo amarillo con un gorro azul y toques rojos, colores característicos de la bandera de Colombia, el cantante medellinense encabezó la presentación de la mano de éxitos como “Mi Gente” y “Ay Vamos”, show que también tuvo la participación de estrellas internacionales de la talla de Doja Cat, Tems y Coldplay.<h2>Lo que sigue en el camino de J Balvin</h2>Con el show en el Mundial de Clubes y el lanzamiento de “Mixteip” tachados del listado, la próxima parada en el cronograma musical del colombiano será su presentación en el Baja Beach Fest, festival de reggaetón y música latina que se llevará a cabo en Rosarito, México, del viernes 8 al domingo 10 de agosto. J Balvin no solo será uno de los artistas con más renombre del line-up, que cuenta con los nombres de Young Miko, Arcángel, Don Omar, Maluma, Myke Towers y Natanael Cano, sino que también será el show principal de la jornada inaugural del evento.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/J_Balvin_durante_un_show_en_Houston_Texas_c321a0ec08.jpg">J Balvin durante un show en Houston, Texas (Instagram/J Balvin).

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J Balvin enciende la escena urbana con “Mixteip”

Con la presencia de emblemas como el mexicano Peso Pluma, la colombiana Shakira y el puertorriqueño Don Omar, el género urbano latino se adueñó del Sueños Music Festival y conquistó el Grant Park de la ciudad de Chicago de la mano de sus mayores éxitos.<h2>Un viaje por el Sueños Music Festival</h2>El sonido mexicano fue el encargado de abrir las persianas en el Grant Park de la mano de NSQK, quien conquistó la tarima principal con sencillos como “Bobomensotonto”, “Los Alpes” y “Si te portas bien”. La esencia azteca se mantuvo sobre el escenario con la llegada de El Malilla, uno de los artistas sensación de México. Con temas como “Dime”, “Mami tú” y “Vaquero”, el artista también conocido como Mali llevó el reggaetón a la ciudad estadounidense y dio paso a Dei V, quien se adueñó de uno de los platillos fuertes de la jornada inicial. Con un jersey de Chicago Bulls, equipo de baloncesto de la metrópoli, como protagonista del outfit, el puertorriqueño interpretó “VeLDÁ”, “Badgyal”, “Pacto” y “Quién es Dei V?” y brilló sobre el main stage del festival. Otro de los grandes talentos del sonido mexicano es Óscar Maydon, y también dijo presente en Chicago: el mexicalense tocó éxitos como “Madonna”, “Amigos? No”, “Fin de semana” y “Tu boda” y fue bien recibido por el público presente, que coreó las letras.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_sonido_mexicano_llego_al_Suenos_Music_Festival_de_la_mano_de_Oscar_Maydon_611767587e.jpg"></figure>El sonido mexicano llegó al Sueños Music Festival de la mano de Óscar Maydon (Sueños Music Festival).Ya en la recta final del primer día, El Alfa se encargó de llevar el dembow a tierras chicaguenses y deslumbró de la mano de hits como “Mera woo”, “Gogo dance”, “Singapúr” y “La romana”. Arcángel, ícono del reggaetón latinoamericano, apareció sobre la tarima y sacó a relucir un arsenal de éxitos que cautivó a los presentes con “Me acostumbré” y “La ocasión” como grandes protagonistas. Uno de los mejores episodios del día llegó de la mano de Peso Pluma. Los corridos tumbados y el sonido regional mexicano se adueñaron del escenario con temas como “Rubicon”, “Gervonta” y “Nueva vida” y también contó con invitados de lujo como Óscar Maydon, El Alfa, Jasiel Nuñez y Tito Double P, quienes lo acompañaron en “Santal 33”, “Rompe la dompe”, “Plebada” y “Amiri”, entre otros temas. El platillo final de la primera jornada estuvo en manos de la colombiana Shakira, que se presentó en medio de su mega gira de conciertos internacional “Las Mujeres Ya No Lloran World Tour”. En un show que tuvo un despliegue increíble no sólo desde lo visual sino también desde la performance de la artista, la nacida en Barranquilla cantó “Girl like me”, “Waka waka”, “Te felicito”, “TQG”, “La bicicleta” y “Hips don’t lie”, entre otros temas del repertorio, y cerró el día de inauguración del Sueños Music Festival a lo grande.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Jhayco_y_el_reggaeton_sacudieron_el_main_stage_94486edd14.jpg"></figure>Jhayco y el reggaetón sacudieron el main stage (Sueños Music Festival).Con la presencia de Legallyrxx, Gonzy, Bellakath y Kapo como protagonistas, la jornada final del festival comenzó repleta de música. El primer gran momento del día llegó con Omar Courtz, quien se presentó con un jersey de Chicago Blackhawks, otro de los grandes referentes deportivos de la ciudad de Chicago. El puertorriqueño encendió a los presentes con “Sex playlist 1”, “Luces de colores”, “VeLDÁ” y “Q U E V A S H A C E R H O Y ?” y se apropió de uno de los mejores episodios de la jornada. De la mano de éxitos como “Holanda”, “Tarot”, “Corazón roto”, “Medusa” y “Fiel”, Jhayco también fue otro emblema del segundo día y brilló sobre la tarima principal del Sueños Music Festival, que luego recibió la visita de dos grandes referentes del sonido mexicano: Tito Double P y Grupo Frontera. Temas como “Maravilla”, “Blanca, Rosita y María”, “Nadie”, “Tulum”, “Coqueta” y “El amor de su vida” conquistaron el escenario y encendieron al público presente en el Grant Park.El reggaetón de la vieja escuela se adueñó del cierre del festival de la mano de dos de sus máximos referentes en la historia del género. Wisin con éxitos como “Pam pam”, “Escápate conmigo” y “Que viva la vida” y Don Omar, quien brilló arriba del escenario con una performance espectacular, con hits como “Cuentale”, “Dale don” y “Bandoleros” fueron las estrellas que bajaron las persianas del festival en Chicago.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_icono_del_reggaeton_Wisin_tambien_brillo_en_el_Suenos_Music_Festival_85a54cc3b7.jpg">El ícono del reggaetón Wisin también brilló en el Sueños Music Festival (Sueños Music Festival).

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La legendaria Shakira sobre el escenario del Sueños Music Festival.jpg

El sonido latino se apoderó del Sueños Music Festival

Bajo la premisa de homenajear a las grandes figuras femeninas de la industria musical, la tercera edición de Billboard Mujeres Latinas en la Música rindió tributo y premió a artistas como la brasileña Anitta, la mexicana Belinda y la dominicana Natti Natasha, entre otras, por la resiliencia, la evolución y el impacto en el ambiente.<h2>Anitta, la ganadora del Premio Vanguardista</h2>Presentado por la legendaria Shakira, la brasileña Anitta recibió el “Premio Vanguardista”, un galardón que reconoce la capacidad de la artista para abrir nuevos senderos en la música latina y forjar su propio camino en la misma. La cantante nacida en Río de Janeiro le añadió un condimento íntimo y profundo a su reconocimiento e interpretó “Larissa”, una de sus canciones más personales y tema perteneciente a su documental.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_show_de_Anitta_en_Billboard_Mujeres_Latinas_en_la_Musica_copia_8276517e4b.jpg"> El show de Anitta en Billboard Mujeres Latinas en la Música (Latin Billboards).“Yo creo que nosotros, los artistas, estamos en esta posición con mucha gente mirándonos, no solo para entretener, sino para cambiar la sociedad. Tenemos miles de personas observándonos, y la importancia de tener un premio como este. Nos gustaría ver más hombres apoyándonos para que la sociedad cambie; no solo las mujeres deben apoyar la causa, sino también los hombres”, señaló la brasileña tras recibir el ”Premio Vanguardista".<h2>Natti Natasha en modo imparable</h2>La dominicana Natti Natasha fue otro de los emblemas femeninos del género urbano latinoamericana en obtener un reconocimiento en la gala realizada en la ciudad de Miami. La autora de hits como “Criminal” y “Sin pijama” fue galardonada con el “Premio Artista Imparable” e interpretó “Vendaje”, canción de su más reciente álbum “Natti Natasha en Amargue”. “Quiero dedicar este premio a las almas que ya no están con nosotros, personas que simplemente estaban celebrando la vida, este momento también es de ustedes. Demostrar que una mujer sí puede cantarle al mundo entero”, declaró la artista dominicana tras recibir el premio, quien también agradeció a Don Omar, Becky G, Bad Bunny y muchos otros artistas que han marcado su camino en la industria, así como también a su esposo y a su hija.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_presencia_de_Natti_Natasha_en_la_tarima_de_Telemundo_Center_copia_9c05afa5a2.jpg"></figure>La presencia de Natti Natasha en la tarima de Telemundo Center (Latin Billboard).<h2>Selena Gómez, Belinda y Celia Cruz: los otros reconocimientos de la gala</h2>Además de los reconocimientos a la brasileña Anitta y la dominicana Natti Natasha, dos de las grandes representantes femeninas del género urbano latinoamericano, la tercera edición de Billboard Mujeres Latinas en la Música premió a Selena Gómez con el “Premio Mujer del Año”, Chiquis con el “Premio Impacto”, Ha*Ash con el “Premio Inquebrantable”, Olga Tañón con el “Premio Trayectoria Musical” y Belinda con el “Premio Evolución”, así como también rindió homenaje a la cubana Celia Cruz, la eterna “Reina de la Salsa”, quien este año cumpliría cien años de vida.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_show_de_Chiquis_en_Billboard_Mujeres_Latinas_en_la_Musica_28344d363c.jpg"> El show de Chiquis en Billboard Mujeres Latinas en la Música (Latin Billboards).<h2>La faceta musical de la entrega de premios en Miami</h2>Si bien el enfoque de la ceremonia estuvo puesto sobre los reconocimientos a las distintas figuras femeninas de la industria musical, la tercera edición del evento organizado por Billboard también contó con performances de primer nivel. La mexicana Belinda cantó “Cursi de más” y “300 Noches”, Olga Tañón, Ivy Queen y La India formaron parte del homenaje a Celia Cruz interpretando temas como “Yerbero moderno”, “La negra tiene tumbao” y “Quimbara”, la dominicana Natti Natasha cantó “Vendaje”, la dupla Ha*Ash tocó “Perdón, perdón” y la brasileña Anitta deslumbró la tarima de Telemundo Center con una versión acústica de “Larissa”.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Ha_Ash_dijo_presente_en_la_tarima_de_Telemundo_Center_dbcb055306.jpg"> Ha*Ash dijo presente en la tarima de Telemundo Center (Latin Billboards).

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El sonido de la mexicana Belinda hizo vibrar la tercera edición de Billboard Mujeres Latinas - copia.jpg

Lo mejor de Billboard Mujeres Latinas en la Música

Al igual que géneros como el rock, el pop, el trap y la cumbia, el reggaetón también cuenta con un listado de discos que han generado un antes y un después en la historia del estilo musical. Si bien el género nacido en Puerto Rico dispone de varias obras icónicas de leyendas como Bad Bunny, J Balvin, Wisin &amp; Yandel, Tito El Bambino, Ivy Queen y Cosculluela, no hay dudas de que los álbumes de Daddy Yankee, Don Omar y Tego Calderón han marcado una época en la música latina.<h2>The Last Don de Don Omar</h2>Además de ser el álbum debut de uno de los máximos exponentes del reggaetón latino, “The Last Don” de Don Omar integra el listado de los discos más emblemáticos del género musical surgido en Puerto Rico. Con colaboraciones con figuras como Daddy Yankee y Tito El Bambino y con himnos como “Dile” y “Dale Don Dale” en el tracklist del disco, la pieza publicada bajo el sello discográfico VI Music forma parte del olimpo del reggaetón latinoamericano y es, sin dudas, una de las obras más distintivas del puertorriqueño.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/zODmu06pqvg" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><h2>El Abayarde de Tego Calderón</h2>Si de discos icónicos del reggaetón latino hablamos, no hay dudas de que “El Abayarde” del legendario Tego Calderón debe figurar en el listado. Para muchos considerado como la introducción del género a Estados Unidos y a nivel mundial, la obra del nacido en Santurce está compuesta por un tracklist de más de quince canciones, entre las que se destacan “Pa’ Que Retozen”, “Guasa, guasa” y “Al Natural”. Más allá de que el disco publicado bajo el sello White Lion Records cuenta con una faceta reggaetonera, la pieza también dispone de temas de salsa y hip-hop así como sonidos del jazz y percusiones afro-boricuas.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/PnpEOtzb668" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><h2>Barrio Fino de Daddy Yankee</h2>Tras los lanzamientos de “No Mercy” y “ElCangri.com”, Daddy Yankee grabó su nombre en la historia del reggaetón latinoamericano con “Barrio Fino”, uno de los discos más icónicos del género nacido en Puerto Rico. Con himnos como “Gasolina” y “Lo Que Pasó, Pasó”, el álbum no solo fue un éxito en distintos países del continente, sino que también conquistó e impactó en las populares listas de los afamados sitios musicales.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/CCF1_jI8Prk" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>Al mismo tiempo que se ganó un lugar en la mesa de las mejores obras del reggaetón, el tercer disco del puertorriqueño también conquistó los grandes premios de la industria: el álbum fue galardonado por los Grammy Latinos como Mejor Álbum Urbano, por los Latin Billboards como Mejor Álbum De Reggaetón, por los Premios Billboard como Álbum Latino Del Año y por los Premios Lo Nuestro como Álbum Urbano Del Año.

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Daddy Yankee, uno de los máximos referentes del reggaetón latino.jpg

De “The Last Don” a “Barrio Fino”: los álbumes que definieron el reggaetón para siempre

Los argentinos Augusto Servello y Andrea Nigosanti mordiendo su medalla de los Juegos Suramericanos (1).avif

Juegos Suramericanos Santa Fe 2026: medallas, resultados y protagonistas del deporte urbano

Desde retratos y cuadros hasta prendas, sneakers y micrófonos personalizados, el arte encontró en la música urbana un nuevo espacio para expandirse, y en Perú, Erick Jonziel convirtió ese vínculo en su propia disciplina.<h2>Erick Jonziel y el arte que llegó a los escenarios de la música urbana</h2>Las distintas facetas del arte encuentran en la música urbana un espacio para expandirse: desde la creación de retratos y obras inspiradas en sus protagonistas hasta la personalización de prendas, sneakers y objetos que luego forman parte de sus shows.En Perú existe un artista que construyó prácticamente un multiverso alrededor de estas propuestas, y esa persona es Erick Jonziel, conocido también como “el artista de los artistas”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_e189ade310.png" alt=""><figcaption>Erick Jonziel junto a Anuel AA (Instagram/Erick Jonziel).</figcaption></figure>Con más de 300 mil seguidores en redes sociales, Erick Jonziel se convirtió en uno de los referentes de una disciplina que une arte, diseño y cultura urbana a través de piezas de colección con acabados lujosos.Un trabajo que no solo lo consolidó como un emblema artístico dentro del género urbano regional, sino que también lo llevó a codearse y crear piezas para algunas de las figuras más importantes de la música urbana latinoamericana.<ul><li>Nicky Jam</li><li>Ryan Castro</li><li>Anuel</li><li>Omar Courtz</li><li>Nio García</li><li>Myke Towers</li><li>De La Rose</li><li>Chris MJ</li><li>María Becerra</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7434237354627419447" data-video-id="7434237354627419447" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7434237354627419447" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><h2>Retratos, customs y arte para los protagonistas de la música urbana latina: el universo artístico de Erick Jonziel</h2>Una de las principales características de su obra aparece en los retratos personalizados, donde el artista lleva la representación de los músicos a una nueva dimensión. Sus cuadros no se limitan a reproducir el rostro o la imagen de sus protagonistas, sino que incorporan elementos que sobresalen físicamente de la pieza. Un claro ejemplo aparece en los retratos de artistas como Nicky Jam, Ryan Castro o Anuel AA, donde el peruano replica sus cadenas y otros accesorios para convertirlos en elementos tridimensionales que salen del cuadro y generan un efecto visual único.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7298022086201724165" data-video-id="7298022086201724165" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7298022086201724165" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>Pero los cuadros son apenas una parte de su universo creativo. Otro de sus grandes pilares está en la customización de prendas y sneakers, con piezas inspiradas en la identidad, estética y universo de diferentes artistas. El resultado son diseños exclusivos que, en varios casos, terminaron dejando de ser simples piezas de colección para convertirse en parte de los outfits utilizados por los propios músicos durante sus presentaciones.La personalización también llegó a uno de los objetos más reconocibles de cualquier show: el micrófono. Cada vez es más habitual que los artistas busquen llevar elementos exclusivos al escenario y Erick Jonziel se convirtió en uno de los especialistas en transformar estos instrumentos en verdaderas piezas de diseño. Entre sus trabajos aparecen customs realizados para figuras como Nicky Jam y Nio García, demostrando que su propuesta puede trasladarse prácticamente a cualquier elemento que forme parte de la identidad visual de un artista.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_976d203901.png" alt=""><figcaption>Nio García utilizando un micrófono personalizado por Erick Jonziel en uno de sus conciertos (Instagram/Erick Jonziel).</figcaption></figure>Así, entre retratos que salen del lienzo, prendas diseñadas especialmente para los escenarios y micrófonos convertidos en piezas de colección, Erick Jonziel construyó una propuesta artística que tiene a los protagonistas de la música como eje central. Una forma de entender el arte que no solo homenajea a los artistas, sino que también consigue llevar su identidad a objetos y piezas que terminan formando parte de sus propias historias.

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¿Quién es Erick Jonziel, el artista que convierte a los músicos en piezas de colección?

La nueva temporada del freestyle hispanohablante comienza a tomar forma y las principales ligas ya empiezan a revelar a sus protagonistas, y FMS Chile se prepara para su séptimo año con una combinación de históricos, nuevas figuras y presencia internacional.<h2>Un nuevo capítulo para FMS Chile: diez nombres y una corona en juego</h2>Ya con la nueva temporada en marcha, el calendario del freestyle hispanohablante comienza a moverse con anuncios, fechas y participantes. Y Freestyle Master Series, el sistema de ligas organizado por Urban Roosters y una de las principales competencias de la escena, también empieza a tomar forma de cara a un nuevo año.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_22cf84f0bc.png" alt=""><figcaption>Teorema, uno de los MCs de la séptima temporada de FMS Chile, en pleno punchline (FMS Chile).</figcaption></figure>Chile, uno de los países con mayor trayectoria dentro del circuito, ya se prepara para su séptima temporada. Si bien todavía no cuenta con una fecha de inicio confirmada, la liga ya tiene gran parte de su cartel definido después de varios anuncios que terminaron de darle forma a la competencia.De esta manera, FMS Chile se convirtió en uno de los primeros países en confirmar a prácticamente todos sus participantes, después de que Colombia también avanzara con la conformación de su liga. La nueva temporada tendrá la presencia de nombres históricos como Kaiser, Nitro y Teorema, además de nuevas figuras que buscarán hacerse un lugar en una de las ligas más importantes del circuito.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a44c006552.png" alt=""><figcaption>Kaiser, un histórico del freestyle chileno, presente en FMS Chile (FMS Chile).</figcaption></figure>Una de las grandes novedades será también la participación del argentino Stuart, bicampeón de FMS Argentina, quien afrontará un nuevo desafío dentro del sistema de Urban Roosters. Al mismo tiempo, la ausencia de El Menor, campeón internacional chileno y uno de los grandes protagonistas de la escena reciente, será uno de los cambios más importantes respecto a temporadas anteriores.Con una combinación de experiencia, juventud y presencia internacional, FMS Chile comienza a preparar una séptima temporada que todavía tiene dos lugares por definir, pero que ya cuenta con varios de los nombres que buscarán quedarse con el séptimo título de la historia de la liga.<h2>¿Quiénes serán los freestylers de la séptima temporada de FMS Chile?</h2>La séptima temporada de FMS Chile ya tiene ocho participantes confirmados, mientras que los dos lugares restantes se definirán durante la primera jornada de competencia. Para completar el cartel, la organización estableció dos batallas independientes que definirán quiénes consiguen su lugar directo en la liga.<ul><li>Kaiser</li></ul><ul><li>Nitro</li></ul><ul><li>Teorema</li></ul><ul><li>Stuart</li></ul><ul><li>Fusok</li></ul><ul><li>Drose</li></ul><ul><li>Destello</li></ul><ul><li>BTI</li></ul><ul><li>Metal Lingüística o Stigma</li></ul><ul><li>Adesong o Animus</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dc_ls7jvNaF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dc_ls7jvNaF/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Estas dos batallas fueron planteadas como enfrentamientos “vida o muerte”, ya que cada cruce definirá directamente uno de los últimos lugares disponibles para la temporada: los ganadores de cada batalla obtendrán su cupo directo a FMS Chile.Con el cartel prácticamente completo, la liga ya tiene definidos a sus protagonistas y solo resta conocer quiénes serán los dos freestylers que conseguirán los últimos lugares para completar la séptima temporada.

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FMS Chile prepara su séptima temporada con Kaiser, Nitro, Teorema, Stuart y nuevas figuras

El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.<h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure>“Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.<h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “Jamaican heart”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.<h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.

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El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.<h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.<h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.<h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.

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Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

Desde las calles de Melbourne hasta los muros de Chile, Felipe Salinas convirtió su curiosidad por descubrir nuevos lugares en una forma de documentar el arte urbano.<h2>De los álbumes familiares al arte urbano: cómo nació la mirada de Felipe Salinas</h2>Antes de convertirse en uno de los fotógrafos de arte urbano más reconocidos de Chile y Latinoamérica, Felipe Salinas mantuvo un estrecho vínculo con la fotografía desde su infancia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_50a9066a11.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Nueva York (Felipe Salinas).</figcaption></figure>En su hogar siempre hubo cámaras de fotos y de video, además de álbumes familiares repletos de registros de cumpleaños, celebraciones como Navidad o Año Nuevo y distintos eventos escolares capturados por su madre. Revisar esas imágenes y reconstruir historias alrededor de cada recuerdo era una práctica habitual que, con el tiempo, terminó despertando su interés por registrar el mundo que lo rodeaba.Con el paso de los años, ese vínculo comenzó a tomar otro significado. El hecho de no contar con un automóvil propio lo llevó a recorrer distintos lugares caminando o utilizando el transporte público, una rutina que le permitió observar con mayor detenimiento los espacios, descubrir detalles y desarrollar una mirada cada vez más curiosa sobre el entorno.&quot;He tenido la posibilidad de estar en Chile, Argentina y Australia, rodeado de cosas nuevas que me llamaban la atención, algunas más que otras, que eran las que solía registrar con mi celular y con mi cámara. La curiosidad de ir viendo el mundo me dio la posibilidad de encontrar cosas que valían la pena para mi atención&quot;.Sin embargo, el verdadero punto de quiebre llegó durante su estadía en Australia. Allí recorrió gran parte de Melbourne con una cámara compacta registrando los murales y las distintas expresiones de arte urbano que encontraba en las calles.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Fue entonces cuando entendió que aquellas fotografías podían convertirse en algo más que simples archivos guardados en una carpeta. Esa idea terminó impulsándolo a crear su perfil de Instagram, un espacio que hoy reúne cerca de 20.000 seguidores y funciona como un archivo visual dedicado al arte urbano de Chile y distintos rincones del mundo.<h2>El contexto detrás de cada mural como objetivo fotográfico</h2>Felipe Salinas tiene bien en claro qué es lo primero que busca a la hora de registrar una intervención artística. Para el fotógrafo chileno, el entorno en el que está inmersa una obra tiene un papel fundamental a la hora de decidir cuándo sacar la cámara y qué imagen terminará formando parte de su archivo.“Lo más importante es el contexto, el ambiente, el entorno donde está sumergida la obra y no solo registrar el mural en sí mismo, sino cómo este convive con otros elementos para crear un panorama completo. Eso es lo que más me motiva a registrar, así como un mural que habla de algún personaje importante o evento histórico que se haya vivido en ese pueblo, ciudad o barrio, porque ahí hay una historia, una intención detrás de rendir honores y homenajear que lo hace muy valioso de registrar”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8124369cdf.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Londres (Felipe Salinas).</figcaption></figure>Además del contexto, lo estético también tiene un peso importante en la elección. Un muro cargado de colores, realizado en un formato de grandes dimensiones o con una composición particularmente llamativa, puede convertirse en un elemento mucho más atractivo para el fotógrafo que otra intervención de características diferentes.<h2>Cuando el mural desaparece, queda la fotografía: el archivo de Felipe Salinas</h2>Todos sabemos que hay murales que viven apenas unos días, otros que permanecen durante semanas y algunos que logran quedarse durante años. En ese escenario, el trabajo de Felipe Salinas adquiere una función documental: fotografiar una obra permite conservar el registro de una intervención que, con el paso del tiempo, puede desaparecer.Cada fotografía se convierte así en una especie de recordatorio de aquellos murales que alguna vez ocuparon un espacio de la ciudad y que hoy, por distintas circunstancias, ya no están.“El arte callejero le entrega mayor valor al trabajo que uno realiza, porque son muros que ya no existen, obras que no van a volver, pero que existen en los registros que uno va tomando”, señala el chileno.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3fbc635515.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h2>Mucho más que un mural: la evolución de su mirada fotográfica</h2>La elección de cómo tomar una fotografía también cambió con el correr de los años para Felipe Salinas. En sus comienzos, el fotógrafo chileno se centraba principalmente en la obra, sus detalles y las características propias de cada intervención.Con el tiempo, esa mirada se amplió y el contexto comenzó a ocupar un lugar cada vez más importante. El paisaje, los edificios, las personas y todos aquellos elementos que rodean al mural pasaron a formar parte de la composición.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d8279bc58d.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure>“Con los años y con la experiencia que uno ha adquirido, lo que forma parte de la composición ha mutado. En un principio, eran más la obra, el muro y los detalles. Con los años, aparecieron el contexto, los elementos del paisaje donde está ubicada la obra (perros, gatos, vecinos, tiendas aledañas) y hoy día intento siempre mostrar algo que sea del lugar. Actualmente trato de incluir algo propio del lugar y, por supuesto, si hay plantas, texturas de metales o maderas donde se nota el paso del tiempo, suma”.En la actualidad, Salinas entiende que una de las claves está en transmitir la esencia del momento y conseguir que quien observe la fotografía pueda imaginar qué significaba estar allí. La temperatura, la cantidad de personas que había en el lugar, si se trataba de una zona residencial o de un espacio concurrido y hasta los pequeños detalles del entorno forman parte de esa construcción.<h2>La mirada de Felipe Salinas sobre el arte urbano</h2>Como fotógrafo especializado en arte urbano, Felipe Salinas también desarrolló una mirada propia sobre la escena y sobre las diferencias que existen entre las distintas ciudades que recorrió. Su experiencia le permitió establecer comparaciones entre el arte urbano latinoamericano y el que encontró en destinos internacionales.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>“En Valparaíso, Santiago u otras ciudades, el arte urbano tiene un componente social, político e histórico importante, donde se busca recordar, hacer memoria y resistencia de personajes y eventos históricos. Aunque probablemente se diferencia de lo que hay en destinos como Australia, Estados Unidos, Francia o Alemania, donde se enfoca más en lo estético o la habilidad de los propios artistas, con diferencias más estructurales”.Así, su trabajo no solo busca registrar qué hay pintado sobre un muro, sino también comprender qué hay detrás de cada intervención, dónde está ubicada y qué representa dentro de la ciudad que la contiene.

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Arte urbano y fotografía: la mirada de Felipe Salinas

Dentro del streetwear latinoamericano hay nombres que encontraron su lugar lejos de las pasarelas tradicionales, y uno de ellos es Kiko Báez, el creativo mexicano que transformó sus chaquetas personalizadas en piezas elegidas por algunas de las mayores estrellas de la música y el deporte.<h2>Kiko Báez, el diseñador mexicano que llevó sus chaquetas a los mayores escenarios de la música latina</h2>Dentro del mundo de la moda conviven creativos de todos los estilos: desde quienes impulsan la moda sustentable hasta aquellos que encuentran en la alta costura, el cuero o la sastrería su principal sello de identidad. Y es en México donde aparece uno de los nombres que logró construir una huella propia dentro del streetwear latinoamericano: Kiko Báez.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c344da2762.png" alt=""><figcaption>Kiko Báez en el Street Fever (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure>Oriundo de Tijuana, Baja California, y director creativo de la firma familiar Exclusivos Báez, el diseñador mexicano se convirtió en uno de los grandes referentes de la moda urbana gracias a sus piezas completamente personalizadas.A través de un trabajo centrado principalmente en la creación de chaquetas confeccionadas a medida, el mexicano vistió figuras de la música regional mexicana como Christian Nodal, Natanael Cano, Eduin Caz o Banda MS, así como también a grandes exponentes de la música urbana latina como Maluma, Daddy Yankee, Wisin y Yandel, J Balvin, Karol G, Feid e incluso el rapero estadounidense Offset.<h2>El sello creativo que distingue a Kiko Báez: chaquetas personalizadas</h2>Con un sello basado en prendas uno de uno, diseñadas exclusivamente para cada cliente, Kiko Báez logró construir una identidad donde cada pieza busca representar la historia, la personalidad o un momento especial del artista.Sus chaquetas suelen aparecer en conciertos, giras internacionales, videoclips, homenajes, aniversarios, entregas de premios y presentaciones de gran magnitud, convirtiéndose en parte del espectáculo tanto como la música.<ul><li>Canelo Álvarez</li></ul><ul><li>Maluma</li></ul><ul><li>Grupo Frontera</li></ul><ul><li>Cris MJ</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Omar Courtz</li></ul><ul><li>Wisin y Yandel</li></ul><ul><li>J Balvin</li></ul><ul><li>Karol G</li></ul><ul><li>Feid</li></ul><ul><li>Christian Nodal</li></ul><ul><li>Natanael Cano</li></ul><ul><li>Eduin Caz</li></ul><ul><li>Banda MS</li></ul><ul><li>Offset</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7a5be7e6e.png" alt=""><figcaption>Omar Courtz vistiendo una chaqueta personalizada por Kiko Báez durante uno de sus shows (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><h2>El diseño para Canelo Álvarez que cambió su carrera</h2>Uno de los momentos que marcó un antes y un después en su carrera llegó gracias al boxeador Saúl &quot;Canelo&quot; Álvarez. A través de un amigo en común, el diseñador consiguió entregarle una chaqueta confeccionada especialmente para celebrar la conquista del campeonato indiscutido del mexicano.Aunque el boxeador ya tenía preparado el vestuario para la conferencia de prensa posterior al combate, que era un trabajo de la firma Dolce &amp; Gabbana, decidió cambiarse a último momento para lucir el diseño de Kiko Báez frente a los medios, una escena que impulsó definitivamente la carrera del creativo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424" data-video-id="7566507427361754424" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424?lang=es&amp;q=canelo%20alvarezz%20indesputed%20jacket&amp;t=1785352047884" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>Desde entonces, sus piezas comenzaron a multiplicarse en algunos de los escenarios más importantes de la música latina. Entre ellas destacan la chaqueta utilizada por J Balvin durante la participación de Bad Bunny en México en el marco de “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour” y el diseño confeccionado para Natanael Cano durante su presentación en Coachella, uno de los festivales musicales más importantes del mundo.Más allá de las celebridades que visten sus diseños, Kiko Báez representa el crecimiento del diseño mexicano dentro de la moda urbana contemporánea. Con piezas completamente personalizadas y un trabajo artesanal que prioriza la exclusividad, el creativo de Tijuana logró que sus chaquetas dejaran de ser una simple prenda para convertirse en una extensión de la identidad de algunos de los artistas más importantes del panorama latinoamericano.

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El diseñador mexicano que conquistó los escenarios de J Balvin, Feid y Maluma

Arkano no solo dejó su huella en el circuito competitivo del freestyle. Hace casi una década, el español improvisó durante 24 horas, 34 minutos y 27 segundos para convertirse en protagonista de una de las hazañas más importantes en la historia de la disciplina.<h2>La histórica hazaña que llevó a Arkano al Libro Guinness de los Récords</h2>Hablar de Arkano es hablar de uno de los nombres más importantes en la historia de la improvisación en español. El freestyler español no solo dejó una huella imborrable en competencias como Red Bull Batalla, donde conquistó la Final Internacional tras vencer a Tom Crowley en Chile, sino que también protagonizó uno de los momentos más históricos que recuerde la disciplina fuera del circuito competitivo. Y es que fue el encargado de llevar el freestyle hispanohablante al Libro Guinness de los Récords.Hace casi una década, el español consiguió ingresar al prestigioso registro tras completar la sesión de rap improvisado más larga realizada hasta ese momento.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0db6db2d80.png" alt=""><figcaption>El español Arkano improvisando dentro de la estructura transparente instalada en la Puerta del Sol de Madrid (Antena 3).</figcaption></figure>Durante 24 horas, 34 minutos y 27 segundos, Arkano improvisó de manera ininterrumpida, estableciendo una marca que en aquel entonces lo convirtió en el dueño del Récord Guinness y que representó un antes y un después para el freestyle.La hazaña tuvo lugar en una estructura transparente instalada en la Puerta del Sol de Madrid, donde miles de personas pudieron seguir el desafío en vivo. El reto imponía una condición extrema: el rapero no podía permanecer más de tres segundos en silencio. Ese era el único margen que tenía para tomar aire, hidratarse o consumir batidos nutritivos que le permitieran sostener el esfuerzo físico, mientras que dentro del cubículo también contaba con un sistema que le permitía cubrir sus necesidades fisiológicas básicas sin abandonar la improvisación en ningún momento.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/6a8wJ_JTjh8" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Con esa actuación, Arkano superó la marca que hasta entonces pertenecía al estadounidense Murs, quien había improvisado durante 24 horas y 15 minutos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8e4eeedf65.png" alt=""><figcaption>Arkano durante su sesión de improvisación (ABC).</figcaption></figure>Aunque con el paso de los años el registro fue superado por otros artistas, entre ellos el argentino Biz de manera extraoficial y, posteriormente, por nuevas marcas homologadas por Guinness, la gesta del español continúa siendo uno de los momentos más emblemáticos en la historia del freestyle hispanohablante. Más que un récord, fue la demostración de que la improvisación también podía ocupar un lugar entre las grandes hazañas mundiales.

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El día en que Arkano llevó el freestyle hispanohablante al Libro Guinness de los Récords

La presencia femenina se convirtió en una de las grandes fuerzas del freestyle hispanohablante y México tiene en Azuky a una de sus principales referentes.Desde las plazas de Ecatepec hasta los escenarios más importantes del continente, la mexicana construyó una historia marcada por la constancia, el talento y una identidad propia.<h2>Azuky, una de las grandes referentes femeninas del freestyle mexicano</h2>Por más que durante gran parte de la historia del freestyle hispanohablante las figuras masculinas se hayan convertido en los protagonistas de los flyers o en aquellos dueños de los primeros puestos de las competencias más importantes de circuitos como Red Bull Batalla o Freestyle Masters Series, la huella femenina ha crecido extremadamente en los últimos años gracias a nombres como Saras Socas en España, Marithea en Colombia y, por supuesto, Azuky en México, siendo esta última uno de los emblemas con mayor importancia en la región.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7ca8548939.png" alt=""><figcaption>Azuky recibiendo los aplausos de sus fanáticos en la Freestyle Masters Series de México (Instagram/Azuky).</figcaption></figure>Marlene Alejandra Rosales, mejor conocida en la escena de la improvisación bajo el seudónimo de Azuky, ha logrado posicionarse como una de las competidoras más destacadas en la escena del freestyle tanto mexicano como hispanohablante.<h2>De la pasión por el rap a conquistar los grandes escenarios: el camino de Azuky en el freestyle</h2>Originaria de Ecatepec, Estado de México, y con un interés por la cultura rap desde muy pequeña, Azuky inició su recorrido en el freestyle con apenas once años de edad, mas no fue hasta los quince años cuando comenzó a participar en distintos eventos de plazas y competencias callejeras que se llevaban a cabo en la Ciudad de México.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/UGGJMKiBCWI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Con la experiencia de ya haber dado sus primeros pasos y dejado algunos punchlines repartidos en diversas competencias, el auge de Azuky en el freestyle de México llegó con su participación en la Liga Venom, uno de los grandes animadores de la comunidad freestyler a nivel local, donde la mexicana terminó convirtiéndose en un auténtico emblema de la competencia a raíz de sus batallas con cientos de miles de reproducciones y su estilo directo, punzante y sangriento repleto de acotes.Luego de convertirse en la sensación de la Liga Venom y cautivar al panorama nacional con su habilidad para improvisar con rapidez, su inteligencia estratégica y su capacidad para conectar con el público, Azuky dio el salto a las grandes ligas, comenzando a participar de los eventos de Red Bull Batalla, llegando a las Finales Nacionales de México y formando parte del roster de competidores de la Freestyle Masters Series de Urban Roosters, dos hitos que la posicionan como una clara referente del movimiento local.<h2>Azuky y el impulso a una nueva generación de mujeres en el freestyle</h2>Más allá de sus logros individuales, Azuky también se convirtió en una figura fundamental para el crecimiento de la presencia femenina dentro del freestyle mexicano. Su recorrido por distintos escenarios y competencias demostró que las mujeres tienen un lugar propio dentro de una disciplina que durante muchos años estuvo mayormente protagonizada por hombres.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_626a8d08ae.png" alt=""><figcaption>Azuky firmando autógrafos a pequeños fanáticos (Instagram/Azuky).</figcaption></figure>Su figura también funciona como una referencia para las nuevas generaciones de freestylers, que encuentran en su carrera un ejemplo de constancia y crecimiento dentro de la escena. Con su presencia en algunos de los escenarios más importantes del país, Azuky no solo construyó su propio camino, sino que también ayudó a que más mujeres se animaran a tomar el micrófono y buscar su lugar dentro de la cultura del freestyle.

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La cara femenina del freestyle en México: Azuky

Kicks and Friends se convirtió en uno de los grandes referentes de la cultura sneaker y la moda urbana en Argentina. A casi una década de sus inicios, Luciano Corcico repasó junto a Street Art Latam el nacimiento del proyecto, su explosión, los desafíos y el futuro.<h2>Los inicios de Kicks and Friends: de un unboxing entre amigos a una comunidad sneaker</h2>Antes de consolidarse como uno de los grandes referentes de la cultura sneaker en Argentina y como una voz autorizada dentro de la moda urbana a nivel latinoamericano, Kicks and Friends tuvo, como todo proyecto, un punto de partida. En el caso del proyecto encabezado por Juan Posite y Luciano Corcico, todo comenzó con un video de unboxing y review de las Jordan Retro 3 Katrina.“No hubo una previa a ese video. En ese momento andábamos muy atrás de lo que podía llegar, No había información e íbamos muy seguido a los shoppings. Yo veo en un grupo de Facebook que habían salido las Katrina y le aviso a Juan, que estaba en Capital. Cuando lo vi el fin de semana, que nos juntábamos con otros dos amigos, estábamos en lo de Juan y surgió: ‘Che, ¿por qué no hacemos un video, un unboxing de esto?’”, cuenta Lucho.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_406afef661.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite en los inicios de Kicks and Friends (Instagram/Kicks and Friends).</figcaption></figure>Después de publicar el video y observar la repercusión que había generado, con páginas que lo compartían y personas vinculadas a distintas marcas que comenzaban a acercarse, Luciano y Juan empezaron a pensar nuevas secciones y contenidos para darle una estructura al canal. Así, lo que había comenzado casi de manera espontánea empezó a tomar forma y sentó las bases de lo que luego se convertiría en Kicks and Friends.<h2>El video que cambió el rumbo de Kicks and Friends</h2>Más allá del unboxing de las Jordan Retro 3 Katrina, el contenido que realmente marcó un antes y un después en el camino de Kicks and Friends en YouTube fue el video de su visita al Outlet de Quilmes, al que llegaron invitados por Nike para conocer una especie de clearance de la marca.“El Outlet de Quilmes. Hicimos un video yendo al Outlet de Quilmes invitados por Nike, que abría una especie de clearance. Vamos a última hora por el laburo de cada uno y cuando llegamos ya no dejaban pasar más gente. Compramos una locura de cosas a muy buenos precios y, en vez de hacer un video del lugar, hicimos un unboxing de todas las cosas que compramos”.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/rpg5CrXh4Fg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>El contenido se convirtió en uno de los grandes momentos de la historia del canal. No solo generó una importante repercusión en YouTube e Instagram, sino que también llevó a una gran cantidad de personas a descubrir el proyecto y a interesarse por otros videos de “cazando outlets” que ya formaban parte del canal.A ese crecimiento también contribuyeron las colaboraciones con figuras nacionales como Ramita Gram, de Bajoneando por Hay, y PedritoVM, dos encuentros que, en palabras de Luciano, fueron “dos empujones que nos ayudaron muchísimo a posicionarnos relativamente rápido”. En apenas cinco meses, el proyecto había conseguido construir un importante flujo de audiencia en YouTube, lo que abrió las puertas a las primeras conversaciones con marcas y marcó el comienzo de una nueva etapa para Kicks and Friends.<h2>La visión detrás del éxito de Kicks and Friends</h2>Todo proyecto necesita una dosis de fortuna, aparecer en el momento justo o encontrar un nicho que, con el tiempo, pueda convertirse en algo mucho más grande, y sin lugar a dudas, Kicks and Friends tomó un poco de cada una de esas variables. La cultura sneaker todavía no tenía una presencia consolidada en las plataformas digitales argentinas cuando Juan y Luciano decidieron comenzar a mostrar su pasión por las zapatillas frente a una cámara.“Lo que hizo que nos fuera bien es que no había gente que pusiera la cara: había blogs, páginas de noticias y demás, pero nadie haciendo videos. Fue muy loco empezar a verlo después de nosotros. Al día de hoy, marcas y gente que hace contenido nos dicen que abrimos una puerta, que antes era impensado que una marca le pagara a alguien para que hiciera una reseña de su producto”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cb7a47bae.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico de Kicks and Friends en una entrevista en Vorterix (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure>Luciano también reconoce que a la audiencia que comenzó a seguirlos le terminó gustando la naturalidad y el carácter orgánico de sus contenidos. A eso se sumó un contexto cultural especialmente favorable: la explosión del trap en Argentina, el crecimiento de la moda urbana y una escena sneaker que empezaba a ganar cada vez más espacio.“El timing fue buenísimo, aparecimos en el momento perfecto para hablar de zapas y también supimos, con distintas secciones y demás, capitalizar a la gente que nos empezaba a conocer para marcar el terreno y no ser simplemente personas que sacan prendas de una caja”, menciona también Luciano, una de las caras del proyecto.<h2>Marcas, hate y pandemia: los desafíos que Kicks and Friends tuvo que atravesar</h2>Todo proyecto tiene una base de desafíos que debe superar, no solo en el momento previo a comenzar su recorrido, sino también a lo largo de su crecimiento e incluso cuando alcanza su punto más alto. Kicks and Friends lo sabe más que nadie.Entre los distintos obstáculos que debieron afrontar, Luciano recuerda que uno de los primeros fue conseguir trabajar con las marcas. El proyecto había llegado a un punto en el que Juan y él compraban tantas zapatillas que ya no podían mantener el ritmo por sus propios medios. Sin embargo, una vez que lograron establecer vínculos con las marcas y construir un flujo propio de audiencia, apareció un nuevo desafío: mantener todo lo que habían conseguido.La exposición también trajo consigo una parte inevitable del mundo digital: el hate. El propio Luciano lo resume como la necesidad de “bancarse la llegada de gente tirando mierda y acostumbrarse a eso”. A eso se sumaron decisiones personales y profesionales de enorme importancia, como dejar sus trabajos para dedicarse de lleno al proyecto, además de atravesar una pandemia que modificó por completo la vida de millones de personas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2903e182ee.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite, las caras de Kicks and Friends (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure>Pero los desafíos no desaparecieron con la consolidación del proyecto. Después de atravesar distintas turbulencias y convertirse en una referencia de la cultura sneaker argentina, Kicks and Friends todavía tiene nuevos objetivos por delante: “El desafío del día de hoy está en volver a reforzar esa comunidad que supimos tener y que seguimos teniendo. Seguir siendo alguien para las marcas y para la gente que te ve. No te digo volver a explotar, pero mantenernos es el desafío de hoy en día”.<h2>Kicks and Friends y el cambio de una escena que todavía era de nicho</h2>El momento de creación de Kicks and Friends coincidió con una etapa en la que la cultura sneakerhead todavía era un universo de nicho en Argentina, con una comunidad más cerrada y alejada del público general. En ese contexto, Juan y Luciano decidieron hablar de zapatillas desde un lugar diferente y buscar que el contenido pudiera llegar incluso a personas que no tenían conocimientos previos sobre el mundo sneaker.“Cuando empezamos, creo que rompimos con algo bastante importante: no hablarle al sneakerhead. Cuando arrancamos el canal, la idea era hacer videos que, si mi papá está viendo YouTube a la madrugada, los vea y le interesen”.Luciano considera que el proyecto logró cambiar el juego dentro de la escena gracias a una combinación de factores. El timing volvió a ser determinante: Kicks and Friends apareció a la par del crecimiento del trap y en un momento de expansión global de la cultura de las zapatillas. Sin embargo, también hubo una lectura consciente del contexto argentino. El dúo entendió el país desde el que comunicaba, le dedicó tiempo a los productos que podían encontrarse en el mercado local y habló de aquello a lo que la gente realmente podía acceder.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8c29647361.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y su amor por los sneakers (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure>Ese enfoque terminó generando un antes y un después. Con el paso del tiempo, distintas personas vinculadas al ambiente sneaker comenzaron a reconocer la importancia que tuvo Kicks and Friends en la expansión de la cultura en Argentina y en la apertura de una escena que, hasta entonces, se mantenía mucho más cerrada.<h2>El futuro de Kicks and Friends: casi una década de historia y nuevos desafíos</h2>Con casi una década de historia en el plano digital, Kicks and Friends continúa funcionando como un punto de encuentro para los fanáticos de las zapatillas y para todas aquellas personas que todavía buscan abrir la puerta a la cultura sneaker. Sin embargo, como ocurre con cualquier proyecto, también existe la posibilidad de que en algún momento llegue a su fin —aunque ojalá todavía falte mucho para ese día—.Luciano mira ese futuro con la tranquilidad de quien ya siente que cumplió una parte importante de sus objetivos. Después de ocho años viviendo de una actividad que disfruta y que le permitió convertir su pasión en un trabajo, considera que el balance, independientemente de lo que pueda ocurrir más adelante, es positivo.“Si mañana me toca dejar de hacer esto o dejarlo como trabajo, obviamente lo lamentaría, pero al mismo tiempo no me puedo quejar. Son ocho años de vivir haciendo algo que disfruto, que me gusta. Si bien hay días de grabar, de ir a eventos y de pasar videos al editor, no me puedo quejar”, expresa en retrospectiva del camino de Kicks and Friends.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14381f965e.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico con las Suede XL de PUMA (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><h2>El ping pong de Luciano Corcico: zapatillas, moda y referentes</h2>Más allá de su perfil delante de las cámaras como protagonista de Kicks and Friends, Lucho también cuenta con un lado más personal dentro de la cultura sneaker y la moda urbana: desde su marca y silueta favorita hasta el par más importante de su colección y las figuras que considera referentes de estilo.<ul><li>¿Marca favorita de sneakers? Jordan.</li></ul><ul><li>¿Silueta favorita? Jordan 11.</li></ul><ul><li>¿El mejor par de tu colección? Jordan 11 Concord.</li></ul><ul><li>¿Zapatilla favorita? LeBron 5 White Crimson Gold.</li></ul><ul><li>¿Un par que todavía te falta conseguir? Yeezy 350 V2 Zebra.</li></ul><ul><li>¿Marca infravalorada de ropa de Argentina? Cross y Offcourt.</li></ul><ul><li>¿Un artista que siempre viste bien? Duki y Lucho SSJ, y de afuera Oliver Sykes.</li></ul><ul><li>¿Un futbolista que se vista bien? Rodrigo De Paul y Jules Koundé.</li></ul>

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“Nosotros abrimos una puerta para que la gente quiera saber un poco más de zapas"

Hablar de música urbana en Venezuela es hablar de Neutro Shorty. Convertido en una de las principales figuras del género en su país, el artista logró trascender fronteras gracias a un sonido propio, colaboraciones internacionales y un mensaje que inspiró a toda una generación.<h2>¿Quién es Neutro Shorty? El abanderado del trap en Venezuela</h2>Hablar de trap en Venezuela es hablar, inevitablemente, de Neutro Shorty. Nacido como Liomar Acosta, el artista se convirtió con el paso de los años en el máximo referente del género en su país y en uno de los pioneros del movimiento urbano latinoamericano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1885fe5cf1.png" alt=""><figcaption>Neutro Shorty en el backstage de uno de sus shows (Instagram/Neutro Shorty).</figcaption></figure>Sin embargo, su historia comenzó mucho antes de los millones de reproducciones, las giras internacionales y las colaboraciones con algunas de las principales figuras de la escena.Su carrera dio inicio en 2007, cuando apenas tenía 13 años y decidió dejar la escuela para apostar de lleno por la música. Ese mismo año grabó desde su casa &quot;Chicos Estúpidos&quot;, su primera canción, y poco después comenzó a ganar notoriedad en Facebook gracias a distintos videos donde mezclaba rap, freestyle y comedia. Tres años más tarde llegó &quot;Pa las Pokemonas&quot;, un sencillo que retrataba la realidad de muchos jóvenes venezolanos y que terminó marcando el verdadero comienzo de su carrera profesional dentro del trap.<h2>El artista que llevó el trap venezolano al continente</h2>Con el correr de los años, Neutro Shorty dejó de ser una promesa para convertirse en una de las voces más importantes de la música urbana latinoamericana.A través de distintos lanzamientos fue consolidando un sonido propio que mezcla trap, rap y otros géneros urbanos, una identidad que lo llevó a convertirse en una de las figuras más trascendentales de Venezuela durante la última década.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/1Cbxt1HSTgg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Su crecimiento también quedó reflejado en las colaboraciones. A lo largo de su carrera compartió canciones con artistas de la talla de Ñengo Flow, Myke Towers, Duki, Neo Pistea, Arcángel, Eladio Carrión, Yandel e incluso protagonizó una sesión junto a Bizarrap, alianzas que terminaron de posicionarlo como un nombre de peso dentro de la escena internacional. A eso se suman temas que acumulan millones de reproducciones y una comunidad que hoy llega a los casi tres millones de oyentes mensuales en Spotify, cifras que respaldan el impacto de su música dentro y fuera de Venezuela.<h2>Mucho más que música: el mensaje detrás de Neutro Shorty</h2>Más allá de los números, Neutro Shorty también se convirtió en una figura influyente por el mensaje que transmite en sus canciones. Gran parte de sus letras hablan sobre el esfuerzo, la disciplina, la superación personal y la posibilidad de cambiar el propio destino sin importar el lugar del que uno provenga, una temática que conecta especialmente con miles de jóvenes de los barrios venezolanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fb2daf4906.png" alt=""><figcaption>Un concierto de Neutro Shorty repleto de fanáticos (Instagram/Neutro Shorty).</figcaption></figure>Esa cercanía con su público hizo que muchos lo consideraran mucho más que un artista. Para una nueva generación de músicos y fanáticos, Neutro representa la prueba de que es posible abrirse camino desde abajo a través del trabajo, la constancia y la pasión. Gracias a ese equilibrio entre una carrera consolidada, un sonido reconocible y un discurso inspirador, hoy es considerado no solo el máximo exponente del trap venezolano, sino también una de las figuras más importantes de la música urbana de toda Latinoamérica.

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Neutro Shorty, la bandera del trap venezolano que conquistó Latinoamérica

De canciones inspiradas en el amor, el desamor y la vida cotidiana a millones de reproducciones en Spotify, YouTube y TikTok: así fue el ascenso de El De Las R&#x27;s, uno de los artistas con mayor crecimiento dentro de la nueva escena del regional mexicano.<h2>Del regional mexicano a los edits de TikTok: el fenómeno de El De Las R’s</h2>En una escena donde el regional mexicano atraviesa uno de los momentos de mayor expansión internacional, cada vez aparecen nuevos artistas que consiguen conquistar las plataformas digitales y hacerse de un nombre dentro de la industria.Y en un mapa donde sobresalen figuras como Grupo Frontera, Natanael Cano, Junior H o Peso Pluma, quienes lograron convertirse en los abanderados del movimiento a nivel nacional, durante los últimos meses otro nombre comenzó a ganar cada vez más protagonismo: El De Las R’s.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_208fe6c41b.png" alt=""><figcaption>El De Las R’s durante una presentación (Instagram/El De Las R’s).</figcaption></figure>Cantante y compositor mexicano, el artista encontró en canciones inspiradas en el amor, el desamor, la vida cotidiana y el entorno militar la fórmula para consolidarse como una de las voces más escuchadas del género. Con casi diez millones de oyentes mensuales en Spotify, Elías Ramírez Rosales —nombre del que nace su apodo por las iniciales de sus dos apellidos— se transformó en uno de los principales exponentes de la nueva generación del regional mexicano.Y es que, aunque su nombre todavía puede resultar desconocido para parte del público, es muy probable que alguna vez hayas escuchado fragmentos de canciones como &quot;Beretta (Los Cerros de la Escuela)&quot; o &quot;La Cheyenne&quot; sin saber quién estaba detrás de ellas. Gran parte de ese alcance llegó gracias a TikTok, donde miles de usuarios comenzaron a utilizar sus temas como banda sonora de edits futbolísticos protagonizados por figuras como Lionel Messi, Cristiano Ronaldo, Lamine Yamal, Kylian Mbappé o Neymar Júnior.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/Pj5Wkb7O1tg" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>Ese fenómeno impulsó todavía más el alcance de su catálogo y permitió que sus canciones llegaran a públicos que hasta entonces permanecían ajenos al regional mexicano. Hoy, con millones de reproducciones acumuladas entre Spotify, YouTube y TikTok y una comunidad de fanáticos que no deja de crecer, El De Las R’s se consolida como una de las grandes revelaciones de la nueva escena musical mexicana.<h2>De &quot;Beretta&quot; a &quot;La Cheyenne&quot;: las canciones que marcaron el crecimiento de El De Las R’s</h2>Si hay algo que explica el crecimiento del cantante mexicano es su catálogo. A lo largo de los últimos años, El De Las R’s construyó una discografía que combina historias de amor, desamor, vivencias cotidianas y referencias al entorno militar, una identidad que le permitió conectar con millones de oyentes y construir un universo musical propio dentro del regional mexicano.<div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/kwBVLvuY6HU" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>El recorrido comenzó de manera modesta con &quot;Burrito Sabanero&quot;, el primer sencillo publicado en su canal de YouTube, una canción que hoy acumula cerca de cinco mil reproducciones. Sin embargo, lanzamiento tras lanzamiento, su carrera comenzó a tomar impulso. Primero llegó &quot;Sexto Sentido&quot;, su primera canción en superar el millón de visualizaciones, y poco después apareció &quot;Militar&quot;, el sencillo que significó su primer gran éxito al alcanzar cerca de veinte millones de reproducciones en la plataforma.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@z7x706/video/7626895609642913045" data-video-id="7626895609642913045" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@z7x706/video/7626895609642913045?lang=es&amp;q=lamine%20yamal%20beretta&amp;t=1782846719250" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>Desde entonces, su crecimiento no se detuvo. Con un repertorio que reúne múltiples canciones con millones de reproducciones, El De Las R’s encontró dos de los mayores pilares de su carrera en &quot;Beretta&quot;, que supera los cuarenta millones de vistas en YouTube, y &quot;La Cheyenne&quot;, que ya sobrepasó los once millones: dos sencillos que no solo figuran entre los más escuchados de su catálogo, sino que también terminaron de consolidarlo como una de las grandes revelaciones del regional mexicano.

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El De Las R's, la nueva sensación del regional mexicano que conquista Spotify y TikTok

Luego de la conquista del Mundial de Qatar, cientos de murales comenzaron a aparecer en distintos puntos de Argentina como homenaje a la tercera estrella. Entre ellos sobresalen los realizados por Maic Bruera, autor de las emblemáticas obras dedicadas a Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez (esquina Gorriti y Pasaje Atalcalco) y Lionel Scaloni (Gorriti 5347).En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó el origen de esas creaciones, el impacto de la Scaloneta en el muralismo y cómo el fútbol puede transformarse en arte.<h2>El motivo de la elección del “Dibu” Martínez y Lionel Scaloni como protagonistas de las obras</h2>Luego de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar, el muralismo argentino atravesó una verdadera &quot;escalonetización&quot;. A lo largo y ancho del país, cientos de paredes se transformaron en homenajes a los protagonistas de la tercera estrella, con Lionel Messi como la figura más retratada. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el foco estuvo puesto en dos nombres distintos: Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez y Lionel Scaloni, una elección que combinó el fanatismo de su hijo por el arquero y la admiración del artista por la faceta más humana del entrenador.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_092d33b017.png" alt=""><figcaption>El quiebre de Lionel Scaloni convertido en mural por Maic Bruera en Palermo (Maic Bruera).</figcaption></figure>“Creo que fue un descarte más que nada. Messi ya estaba tan hecho que no daba para hacerlo de vuelta, y después fue muy obvio. Dibu era como una figura por el personaje que se convirtió en ese Mundial y por la atajada, y después le sumó también que mi hijo se hizo re fanático del Dibu y estaban todos los nenes como que querian ser arqueros, con la remera que se hizo medio icónica, estabe re hypeado. Estaba la foto del chabón en una pose muy copada, no hubo mucha vuelta: la foto está buena, el personaje es un copado, a mi hijo le cabe, está todo más que bien”, cuenta Maic sobre la elección del “Dibu” Martínez.En el caso de Lionel Scaloni, la inspiración pasó por otro lado. Más allá de los resultados deportivos, Bruera encontró en el entrenador una figura serena, auténtica y profundamente humana. Esa personalidad, sumada a los gestos que dejó durante el Mundial, terminó convirtiéndolo en el segundo gran protagonista de sus murales: Scaloni ya fue otra cosa. Era un poquito más de sentirse más representado, había una movida de que el chaboncito estaba como “el tipo que ordenó a la Selección y encontró cómo hacerlo jugar bien a Messi”. Y también estaba la personalidad. Hoy lo ves en el Mundial y el flaco no te grita un gol. Es muy especial y, en un momento, se da la situación de la cámara cuando se quiebra y que lo transforma en ese chabón humano. Son quiebres emocionales que están buenísimo y justo lo agarraron con esa cara de meme”.<h2>De los memes del Mundial al arte urbano</h2>A la hora de retratar un hecho deportivo, muchos artistas urbanos buscan inmortalizar la emoción de un instante para que quien observe la obra vuelva a sentir lo que ocurrió aquel día. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el enfoque fue diferente. Más que transmitir la carga emocional de una jugada, el muralista argentino apostó por capturar esas imágenes que, además de quedar grabadas en la memoria colectiva, también se transformaron en verdaderos memes durante la Copa del Mundo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>“De mi lado fue más el momento meme. Después al ser tan icónico te lleva directamente a lo que vos sentiste en ese momento, pero no buscaba tratar de hacer sentir a la gente un momento especial, sino riamonos y emocionamos un poco. Tratar de ser lo más fotográfico en el sentido de la postal. En el de Scaloni es más difícil, pero en el del Dibu se entiende más: el pasto no es textura pasto, es una línea verde. Te ubica en situación y el personaje en pose. Es la postal de lo que pasó en ese momento”, expresa Maic.<h2>El muralismo como puente entre generaciones</h2>Más allá de intervenir un muro, muchas obras de arte urbano terminan convirtiéndose en verdaderos registros de momentos que marcaron una época. Con el paso de los años, esos murales funcionan como un puente entre distintas generaciones, permitiendo que quienes los observen vuelvan a conectarse con hechos que quedaron grabados en la memoria colectiva. Las representaciones de la atajada del Dibu Martínez y el abrazo de Lionel Scaloni realizadas por Maic Bruera son un claro ejemplo de ello: “Si, porque no sabes cuanto va a durar el mural. Se rompe la pared, pintan arriba, el muralismo es efímero. No importa qué personaje sea. Pero lo que tiene es que por más que se termine rompiendo o quede un poquito de la expresión del mural, te va a venir rápidamente la imagen real. Por ahí es una especie de disparador, ya no se ve o está medio escrachado, pero el recuerdo que te genera es viajar directamente a la final. Esa función la va a seguir cumpliendo”.<h2>Los murales que podrían llegar tras otra estrella</h2>Con el duelo de cuartos de final ante Suiza a la vuelta de la esquina, la Selección argentina quedó a solo tres partidos de conquistar una nueva Copa del Mundo. Y así como la consagración en Qatar inspiró a Maic Bruera a llevar al “Dibu” Martínez y a Lionel Scaloni a distintos muros, el artista ya imagina la posibilidad de volver a tomar los pinceles si la Albiceleste logra escribir un nuevo capítulo en su historia.“Hay situaciones, imagenes que vos las ves. Podes ir por el lado emocional o por el gracioso. Por ahí no de los mismos personajes (Dibu y Scaloni). Pero no voy a estar pintando hasta que no termine este Mundial. Faltan tres partidos y Argentina es una manga de enfermos que siempre aparece una situación que no podes creerla: el cabezazo de Enzo Fernández o la última jugada de Lautaro Martínez gambeteando y haciendo tiempo, que termina pechandose cara a cara. Seguramente alguna imagen va a aparecer y algo vamos a pintar”, dice Maic sobre las ideas acerca de una posible intervención en caso de que la Selección argentina salga campeona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3583cea2da.png" alt=""><figcaption>La atajada del Dibu Martínez inmortalizada en los muros de Palermo por Maic Bruera (Maic Bruera).</figcaption></figure><h2>El orgullo de retratar a una generación histórica</h2>No hay dudas de que la Scaloneta marcó un antes y un después en la historia del fútbol argentino. La conquista de la tercera estrella, los gestos de sus protagonistas y las imágenes que dejó el Mundial de Qatar ya forman parte de la memoria colectiva y serán recordadas por generaciones. En ese camino, artistas como Maic Bruera también aportaron su granito de arena, inmortalizando algunos de esos momentos en murales que hoy funcionan como homenaje y testimonio de una de las etapas más importantes del deporte argentino.“Está bueno que tengamos algo de la Selección. A mi me pasa que fueron muchos años de putearme con la Selección, y de golpe te amigaste de vuelta y sino ganas o si hacen cualquier cosa, ya está. Me da esa sensación de poder pintar algo que está buena y le genera recuerdos a la gente que lo ve. Por más de que se intente ponerlos en una postura política a los personajes, son los jugadores de la Selección y uno lo que quiere es que salgan campeón cada cuatro años. Los murales son una parte positiva del recuerdo”.<h2>Cómo Qatar revolucionó el muralismo argentino</h2>El impacto de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar trascendió el fútbol y también encontró un fuerte eco en el arte urbano. Desde Tierra del Fuego hasta Jujuy, los muros de ciudades y pueblos se transformaron en homenajes a figuras como Lionel Messi, Lionel Scaloni, Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez, Ángel Di María y otros protagonistas de la tercera estrella, dando lugar a uno de los movimientos muralistas vinculados al deporte más importantes de los últimos años.Un fenómeno que no solo fue percibido por quienes forman parte del ambiente artístico, sino también por el público en general y por los propios medios de comunicación.“El muralismo en Argentina se pone muy de moda entre 2010 y 2014, y empieza a crecer. Arranca a ser aceptado por la sociedad, los vecinos, los espacios, pero no te daba nunca una excusa copada para pintar. No ibas a pintar a Sampaoli, no tiene mística, nada. Después tiene momentos tristísimos. Si hubieramos salido campeones en Brasil, el rodillazo de Neuer a Higuaín hubiera sido genial. Pero al mismo tiempo no hay nada muy positivo para recordar, como para pintar un momento. Ya Messi venía muy arriba, ya había muchos murales: lo que le dio salir campeón del mundo fue que todo estaba lleno de murales de él. Le hizo muy bien, creo que las dos cosas se potenciaron: el Mundial con el muralismo y el muralismo con el Mundial”.

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Maic Bruera, el artista que convirtió al Dibu Martínez y a Scaloni en murales icónicos

En el Barrio Inglés de Temperley, existe un skatepark construido en los alrededores de una casa: se lo conoce como Red Bowl House, fue construído por el skater Fernando Recalt y se convirtió en una de las pistas más icónicas de Buenos Aires.<h2>Red Bowl House, la pista que nació en una casa del sur del Conurbano Bonaerense</h2>A lo largo de la historia, el skateboarding ha presenciado la creación de un sinfín de skateparks en distintas localizaciones: algunos en medio de una plaza, otros debajo de un puente o en el punto más alto de un edificio y, hasta incluso, han existido algunas pistas ubicadas dentro de una iglesia abandonada.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bb88804dfa.png" alt=""><figcaption>El skateboarding como pilar de Red House Bowl (Red House Bowl).</figcaption></figure>En toda esta libertad creativa, también han aparecido construcciones dedicadas a la práctica del skateboarding en los alrededores de un hogar, y uno de los casos más conocidos en Latinoamérica es la pista Red House Bowl de Fernando Recalt en Temperley.Construido en las afueras de su hogar en Temperley, localidad perteneciente al partido de Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires, el Red House Bowl no solo es la propia pista de Fernando Recalt, skater argentino, sino que también es uno de los skateparks más únicos de todo Argentina. El diseño de la pista permite patinar desde el ingreso del hogar, pasando por un pasillo lateral y desembocando la aventura en el patio de la casa a través de un circuito con distintas estructuras y un bowl de gran diámetro que, tranquilamente, podría formar parte de un skatepark tradicional.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOM_c8TjgcQ/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOM_c8TjgcQ/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Ubicado sobre la calle Nóbrega 440 en el Barrio Inglés de Temperley, la pista se ha convertido en una completa atracción para los amantes del skateboarding de las distintas localidades de Buenos Aires: un sitio que rompe con la idea tradicional de skatepark como espacio público institucionalizado y vuelve a llevar a la disciplina a un terreno más íntimo como si fuera una extensión de la casa.<h2>Una casa, una pala y una necesidad: el nacimiento de Red Bowl House</h2>El hecho de que exista una pista de skateboarding en los alrededores de un hogar no es lo único que vuelve especial a Red Bowl House: también lo es la historia que explica cómo el jardín tradicional de una casa de Temperley terminó convirtiéndose en uno de los skateparks más especiales de Buenos Aires.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_feb2efde2d.png" alt=""><figcaption>Los inicios de la construcción de Red Bowl House (Red Bowl House).</figcaption></figure>El skateboarding siempre ha sido una pasión dentro de la vida de Fernando Recalt, quien comenzó a patinar en los años ochenta cuando apareció la cultura de las ruedas y las tablas en Argentina. Luego del nacimiento de sus hijos, el skate quedó alejado de su vida, y volvería unos años después justamente a través de uno de ellos, quien había empezado a dar sus primeros pasos y era acompañado por Fernando a los skateparks. La separación de su esposa fue el motivo por el que el skater decidió regresar a su hogar natal y también retomar la pasión por las tablas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_516da8392d.png" alt=""><figcaption>La pista en la casa de Fernando Recalt terminada (Red Bowl House).</figcaption></figure>Pero había una problemática: Fernando no encontraba un lugar por la zona para patinar. Y la idea de crear un skatepark en los alrededores de su hogar no solo se adueñó de su mente, sino que también comenzó a ser una realidad. La construcción arrancó con una rampa de madera y, al ver el espacio disponible, tomó coraje y empezó con la fabricación de su tan ansiada olla. Las ondulaciones y las rampas también aparecieron como parte de la pista y, después de seis meses de trabajo, el skatepark quedó completamente terminado: un recorrido que comienza en el frente de la casa, pasa por el lateral y desemboca en el patio trasero, todo con un costado de color rojo llamativo que le terminó dando el nombre “Red House Bowl”.<h2>Más allá que una pista dentro de una casa</h2>Y por más que parezca, el skatepark no es una construcción únicamente construída para la diversión de Fernando Recalt, dueño del espacio, y su círculo más íntimo, sino que también recibe la visita de una gran comunidad tanto de niños como adultos que comienza a dar sus primeros pasos en el skateboarding. Con el propio Fernando como profesor, el Red Bowl House es un escenario de clases de skateboarding, a las cuáles cualquiera puede asistir: para conocer más información, podés ingresar a su perfil de <a href="https://www.instagram.com/redhousebowl/?hl=es-la">Instagram</a> o escribir al Whatsapp (+54 11 3056-1290).

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El skatepark escondido en una casa de Temperley

Roberto Jiménez encontró en el arte gráfico una manera única de reinterpretar la cultura pop. A través del proyecto artístico llamado Basurita Blanca, el mexicano creó un universo de pósters e ilustraciones donde el humor y las referencias cotidianas son protagonistas.<h2>¿Quién es Roberto Jiménez, el creador de Basurita Blanca y sus icónicos pósters de cultura pop?</h2>El arte urbano y la ilustración contemporánea encontraron en la cultura pop una fuente inagotable de inspiración. Desde reinterpretaciones de personajes icónicos hasta referencias a películas, series, música y situaciones cotidianas, esta corriente artística logró construir un lenguaje propio que conecta rápidamente con el público. Y dentro de México, uno de los nombres más destacados de esta escena es el de Roberto Jiménez, creador de Basurita Blanca.Póster de Basurita Blanca (Basurita Blanca).Con un estilo marcado por el humor, la sátira y una fuerte identidad visual, el artista mexicano desarrolló un proyecto que transforma referencias de la cultura popular en pósters e ilustraciones cargadas de personalidad. A través de diseños que mezclan cine, televisión, música, deportes y el día a día con guiños a la identidad mexicana, Basurita Blanca logró construir una comunidad propia de seguidores y convertirse en uno de los proyectos gráficos más llamativos del país.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DWpugK3Bfr0/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DWpugK3Bfr0/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>El trabajo de Roberto Jiménez se caracteriza por tomar personajes y situaciones ampliamente reconocibles y reinterpretarlos desde una mirada fresca, divertida y, muchas veces, nostálgica. Sus obras no solo funcionan como ilustraciones o piezas decorativas, sino también como una forma de contar historias y conectar distintas generaciones a través de elementos compartidos de la cultura pop.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_da8d840f33.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Basurita Blanca (Basurita Blanca).</figcaption></figure>Y es que el universo de Basurita Blanca va mucho más allá del diseño de un simple póster. Cada creación combina ilustración, humor e identidad cultural, consolidando a Roberto Jiménez como uno de los exponentes mexicanos que mejor supo trasladar el lenguaje de internet y la cultura popular al mundo del arte gráfico contemporáneo.

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Basurita Blanca, el proyecto mexicano que transforma la cultura pop en arte urbano

Red Bull Batalla sigue ampliando su calendario competitivo y anunció el “Mundial por Equipos”, un torneo de exhibición que reunirá a Argentina, México, Perú y Colombia en un novedoso formato de tres contra tres.La competencia comenzará el próximo martes 23 de junio y tendrá una particularidad que la diferencia de cualquier otro evento: el público reemplazará al jurado tradicional y será el encargado de decidir qué selección avanza y quién se consagra campeón.<h2>¿Qué es el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla?</h2>Luego del anuncio del calendario oficial para una nueva temporada de Red Bull Batalla, que comenzará en el mes de septiembre con la Final Nacional de Perú, y aprovechando la fiebre de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el organismo número uno dentro del freestyle hispanohablante comenzó a calentar los motores de la actual campaña con la presentación del “Mundial por Equipos”.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-freestyle-hispanohablante-ya-tiene-calendario-asi-sera-la-nueva-temporada-de-red-bull-batalla/1000089">El freestyle hispanohablante ya tiene calendario: así será la nueva temporada de Red Bull Batalla</a><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqEHbsTVtM/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqEHbsTVtM/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>Con la presencia de Argentina, México, Colombia y Perú como las naciones participantes, Red Bull Batalla anunció el “Mundial por Equipos”, una competencia de exhibición donde los países se enfrentarán en batallas de formato tres contra tres y, después de cada transmisión, el público será el encargado de decidir al vencedor.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/acru-conquisto-red-bull-batalla-5-vidas-y-se-convirtio-en-el-nuevo-rey-del-formato/1000086">Acru conquistó Red Bull Batalla 5 Vidas y se convirtió en el nuevo rey del formato</a>Una competencia que no solo marca un antes y un después dentro del currículum de Red Bull Batalla al convertirse en el primer torneo en formato mundialista con la presencia de un grupo de freestylers representando a un mismo país, sino también en el hecho de dejar a un lado a los jurados y convertir a los espectadores en los dueños de la decisión final en cada una de las batallas.<h2>Los equipos que competirán por el título mundial</h2>Y como en toda competencia, una de las aristas más importantes dentro del “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla son los nombres que dirán presente arriba del escenario y buscarán alcanzar la gloria al final del torneo.<ul><li>México: Jony Beltrán, Tess La y Fat Tony</li></ul><ul><li>Argentina: Mecha, Exe y Larrix</li></ul><ul><li>Perú: Nekroos, Almendrades y Jota</li></ul><ul><li>Colombia: Valles-T, Fat N y Marithea</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_763561700b.png" alt=""><figcaption>Jony Beltrán, uno de los representantes de México en el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla (Instagram/Jony Beltrán).</figcaption></figure>Un mix de freestylers donde no solo conviven leyendas del circuito latinoamericano como Jony Beltrán o Jota y figuras que llevarán la bandera del movimiento durante los próximos años como Exe, Marithea y Fat N, sino que también confirma lo que todo el mundo pensaba desde el anuncio de la competencia: habrá un altísimo nivel de rimas.<h2>Toda la información que tenés que saber sobre el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla</h2>Es muy probable que después de conocer el formato y las selecciones que formarán parte de la competencia, el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla se haya añadido a tu lista de torneos para seguir, y Street Art Latam te trae toda la información.El “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla comenzará con el enfrentamiento entre Perú y México el próximo martes 23 de junio, seguirá dos días después (jueves 25 de junio) con el duelo que pondrá frente a frente a la Argentina de Larrix frente a la Colombia de Valles-T y culminará el lunes 29 de junio con la gran definición entre las selecciones que consigan adueñarse de la victoria en sus respectivas batallas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ec869cd5dc.png" alt=""><figcaption>Marithea, una de las freestylers presentes en el “Mundial por Equipos” de Red Bull Batalla (Instagram/Marithea).</figcaption></figure>Todas las jornadas se transmitirán en directo a través de los canales oficiales de Red Bull Batalla (YouTube, Twitch, Facebook y TikTok).<ul><li>México: 13:00 horas.</li></ul><ul><li>Colombia y Perú: 14:00 horas.</li></ul><ul><li>Chile: 15:00 horas.</li></ul><ul><li>Argentina: 16:00 horas.</li></ul><ul><li>España: 21:00 horas.</li></ul>En cuanto a la votación, donde el público tomará el papel de jurado, se hará a través de esta página web y los resultados serán anunciados en las cuentas oficiales de Red Bull Batalla. Después de cada transmisión, se abrirá una votación de 48 horas para decidir qué equipos avanzan a la siguiente fase, y durante la final, vos también podrás elegir el país campeón, en este caso con una votación que durará 24 horas.

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