Los argentinos Augusto Servello y Andrea Nigosanti mordiendo su medalla de los Juegos Suramericanos (1).avif

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Juegos Suramericanos Santa Fe 2026: medallas, resultados y protagonistas del deporte urbano

<p>El deporte urbano continúa ganando espacio dentro de las competencias deportivas, y los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles, que se llevarán a cabo del lunes 2 al sábado 7 de noviembre en Mar del Plata, no serán la excepción: skateboarding, BMX freestyle, freestyle y básquet 3x3 formarán parte del programa deportivo del certamen.</p><h2>El deporte urbano tendrá su lugar en los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles</h2><p>Los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles, una de las principales competencias deportivas a lo largo y ancho de Argentina, tendrán una importante presencia del deporte urbano en su actual edición.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_87936f054f.png" alt=""><figcaption>Skateboarding en los Juegos Urbanos Evita (Diario Olé).</figcaption></figure><p>El programa incluirá disciplinas convencionales y adaptadas, ampliando el espacio para diferentes expresiones deportivas y permitiendo que jóvenes talentos puedan competir, desarrollarse y mostrar sus habilidades en un escenario de alcance nacional.</p><ul><li>Básquet 3x3</li></ul><ul><li>Básquet 3x3 adaptado</li></ul><ul><li>BMX freestyle</li></ul><ul><li>Freestyle</li></ul><ul><li>Skateboarding</li></ul><p>La presencia de estas disciplinas vuelve a demostrar cómo el deporte urbano continúa incorporándose a los principales programas deportivos y generando espacios de competencia para las nuevas generaciones.</p><h2>¿Qué son los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles?</h2><p>Con un programa que reúne 38 disciplinas, divididas en 31 convencionales y 7 adaptadas, y organizado por la Secretaría de Turismo, Ambiente y Deportes de la Nación, los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles son uno de los principales programas deportivos juveniles de Argentina.</p><p>La competencia cuenta con dos etapas: primero se desarrolla un proceso clasificatorio en cada provincia, donde participan miles de jóvenes de todo el país, y luego llega la fase final en Mar del Plata, que este año reunirá a más de 8.000 participantes.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/wzifLjmZ7iE" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Además de funcionar como un espacio de competencia y encuentro para jóvenes atletas, los Juegos representan una oportunidad para la detección de talentos, con el objetivo de que los deportistas más destacados puedan incorporarse posteriormente a estructuras de alto rendimiento y representar a Argentina en competencias internacionales.</p><p>Entre las disciplinas convencionales aparecen deportes como atletismo, bádminton, boxeo, canotaje, esgrima, gimnasia, hockey, judo y taekwondo, entre muchas otras.</p>

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El deporte urbano llega a los Juegos Deportivos Nacionales Evita Juveniles

<p>Tras más de dos semanas de competencia, los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo llegaron a su fin y el deporte urbano fue uno de los protagonistas del certamen, con el básquet 3x3, el skateboarding y los eSports como grandes representantes.</p><h2>República Dominicana festejó en casa y se quedó con el oro del básquet 3x3</h2><p>La medalla de oro del básquet 3x3 masculino de los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo se quedó en República Dominicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c9f09fbf33.png" alt=""><figcaption>Básquet 3x3 en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><p>El seleccionado local derrotó 18-16 a Puerto Rico en la definición disputada en el Malecón Deportivo y se consagró campeón ante su público de la mano de Rayner Moquete, quien aportó ocho puntos y terminó como máximo anotador de la final.</p><p>El combinado dominicano construyó su camino al título desde la fase de grupos, donde superó a San Cristóbal y Nieves y Jamaica, antes de avanzar en las rondas eliminatorias.</p><p>En cuartos de final, República Dominicana dejó en el camino a Haití, mientras que en semifinales se impuso ante Guatemala para meterse en la definición por el oro. En el partido decisivo, volvió a mostrar su fortaleza y derrotó a Puerto Rico para quedarse con el primer lugar.</p><p>El podio lo completó Guatemala, que venció 21-12 a México en el partido por el bronce. De esta manera, República Dominicana, Puerto Rico y Guatemala fueron los tres seleccionados que terminaron arriba.</p><h2>Puerto Rico y Colombia dominaron el skateboarding en Santo Domingo</h2><p>El skateboarding tuvo al street femenino y masculino como protagonistas en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo y repartió medallas entre Puerto Rico, México, Venezuela y Colombia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_66741c10f5.png" alt=""><figcaption>Skateboarding en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><p>En la rama femenina, Esmeralda Butler (150,76) se quedó con la medalla de oro. La puertorriqueña fue escoltada por la mexicana Geraldine Sánchez (90,62), mientras que la venezolana María Arias (80,08) completó el podio.</p><p>En la competencia masculina, el oro quedó en manos del colombiano Jhancarlos González (176,64), uno de los grandes nombres del continente en la disciplina. El puertorriqueño Gabriel Lavallee (140,22) consiguió la medalla de plata, mientras que el mexicano Brayan Coria (139,08) cerró el podio.</p><h2>MenaRD, Colombia y Panamá: los campeones de los eSports en Santo Domingo</h2><p>Los deportes electrónicos hicieron su debut histórico como disciplina oficial en los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo y tuvieron competencia en tres videojuegos: eFootball, League of Legends y Street Fighter 6.</p><ul><li>eFootball: el oro fue para el panameño Jhonnatan David Mora Moreno.</li><li>League of Legends: Colombia se quedó con el primer puesto.</li><li>Street Fighter 6: el oro fue para el dominicano Saúl Leonardo Mena Segundo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_914fa89c62.png" alt=""><figcaption>El dominicano Saúl Leonardo Mena Segundo, dueño de la medalla de oro en Street Fighter 6, festejando (Juegos Centroamericanos y del Caribe).</figcaption></figure><h2>México, Colombia y Cuba: los tres mejores del medallero</h2><p>México fue el gran dominador de los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo. La delegación cerró la competencia en el primer puesto del medallero con 167 medallas de oro y 407 preseas en total, producto de 125 platas y 115 bronces.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db1skCxN8yo/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db1skCxN8yo/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Colombia terminó en el segundo lugar con 91 medallas doradas y 266 preseas totales, mientras que Cuba completó el podio con 51 oros y 155 medallas.</p><p>Por su parte, República Dominicana, anfitrión de la competencia, finalizó en el quinto lugar con 46 medallas de oro y 150 preseas en total.</p>

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Juegos Centroamericanos y del Caribe de Santo Domingo: conocé los ganadores del deporte urbano

<p>El deporte urbano está acostumbrado a romper sus propios límites, y el skateboarding volvió a demostrarlo con una maniobra que parecía imposible. Esta vez, el protagonista fue Maxim Habanec, quien consiguió el récord mundial del deslizamiento más largo en patineta con un feeble grind de 78 metros de distancia.</p><h2>78 metros de distancia, un feeble grind y una marca histórica: así fue la hazaña de Maxim Habanec</h2><p>Pensar en el deporte urbano sin tener en cuenta la presencia de Red Bull como protagonista principal es casi imposible. No solo por ser una de las organizaciones más involucradas en las disciplinas deportivas más principales dentro del movimiento –desde el patrocinio por las grandes figuras del skateboarding o el BMX Freestyle hasta incluso detrás de la organización de los principales eventos– sino también por impulsar momentos que marcan un antes y un después y se graban en la memoria.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3046b4ef8.png" alt=""><figcaption>Postal del récord de Maxim Habanec (Instagram/Maxim Habanec).</figcaption></figure><p>El drop-in de Sandro Dias en Porto Alegre, el descenso marcha atrás de Tomomi Nishikubo en Hakuba o el salto de Kriss Kyle sobre un auto de Fórmula 1 en el Circuito de Knockhill son tan solo tres de múltiples momentos en los que Red Bull llevó el deporte urbano al siguiente nivel y dejó un momento que quedará en la historia de la disciplina.</p><p>Y hace algunas semanas volvió a ocurrir, esta vez con Maxim Habanec, figura del skateboarding europeo, como protagonista y un grind de más de setenta metros de distancia como objetivo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@redbulllatino/video/7676502743619505428" data-video-id="7676502743619505428" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@redbulllatino/video/7676502743619505428" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>El skater checo logró realizar un feeble grind de 78 metros de largo, superando el hito alcanzado por Kanaan Dern y adueñándose del récord mundial del deslizamiento más largo en patineta. Para entender más la dimensión de lo conseguido por Maxim, es como si hubiese realizado un grind por el Obelisco acostado, y hasta incluso un poco más. Una completa locura.</p><p>El episodio, que rápidamente cosechó miles de visitas y se instaló como el gran episodio del skater checo durante la temporada, se convirtió en uno de los momentos más destacados del skateboarding y volvió a demostrar, una vez más, el vínculo entre Red Bull y el deporte urbano con un nuevo episodio que marcará un antes y un después.</p>

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Maxim Habanec y el feeble grind de 78 metros que hizo historia

<p>La decimotercera edición de los Juegos Suramericanos, que reunirá a más de 4.000 atletas en 43 deportes y 60 disciplinas, aterrizará en la provincia de Santa Fe, desde el próximo sábado 12 hasta el sábado 26 de septiembre, con Rosario, Santa Fe y Rafaela como las tres ciudades sede.</p><h2>Juegos Suramericanos 2026: Argentina se prepara para recibir una nueva edición</h2><p>Luego de la edición anterior realizada en Asunción y tras dos décadas de espera, los Juegos Suramericanos regresarán a tierras argentinas. En esta oportunidad, Rosario, Santa Fe y Rafaela serán las tres ciudades sede de la competencia, que se llevará a cabo del sábado 12 al sábado 26 de septiembre.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYaDudhjxdb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYaDudhjxdb/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La decimotercera edición reunirá a más de 4.000 atletas de distintos países de la región, que competirán en 43 deportes y 60 disciplinas en busca de quedarse con las medallas y convertirse en protagonistas de una nueva edición de los Juegos Suramericanos.</p><p>Además, esta edición cuenta con un hecho histórico: es la primera vez que ODESUR designa a una región como sede de los Juegos, con tres ciudades de la provincia de Santa Fe encargadas de recibir a las distintas competencias.</p><h2>¿Qué países participarán de los Juegos Suramericanos?</h2><p>La decimotercera edición de los Juegos Suramericanos contará con la participación de 15 comités olímpicos nacionales, que buscarán adueñarse del medallero y llevarse el protagonismo de la competencia.</p><p>Los países participantes serán:</p><ul><li>Argentina</li><li>Aruba</li><li>Bolivia</li><li>Brasil</li><li>Chile</li><li>Colombia</li><li>Curazao</li><li>Ecuador</li><li>Guyana</li><li>Panamá</li><li>Paraguay</li><li>Perú</li><li>Surinam</li><li>Uruguay</li><li>Venezuela</li></ul><p>Brasil llegará a la competencia como el último ganador del medallero. En la edición pasada, disputada en Asunción, el país consiguió 133 medallas de oro y 319 preseas en total, y buscará repetir su dominio en tierras argentinas.</p><h2>BMX Freestyle, skateboarding y eSports: los deportes urbanos dicen presente en Santa Fe</h2><p>Dentro de las 60 disciplinas que formarán parte de los Juegos Suramericanos, el deporte urbano y electrónico volverá a tener presencia con tres disciplinas que ya lograron hacerse un lugar en las grandes competencias internacionales: BMX Freestyle, skateboarding y eSports.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7db37bf010.png" alt=""><figcaption>El peruano Deyvid Anderson Tuesta Mota en acción en los Juegos Suramericanos de Asunción (Instagram/Deyvid Anderson).</figcaption></figure><p>El BMX Freestyle y el skateboarding tendrán como sede a Rafaela, mientras que los deportes electrónicos se desarrollarán en Rosario, distribuidos de la siguiente manera:</p><ul><li>eSports: del domingo 13 al miércoles 16 de septiembre en el Mercado del Patio de Rosario.</li><li>BMX Freestyle: lunes 14 y martes 15 de septiembre en el EcoParque de Rafaela.</li><li>Skateboarding: viernes 18 y sábado 19 de septiembre en el EcoParque de Rafaela.</li></ul><p>La competencia contará, además, con seis clústeres y 20 escenarios distribuidos entre distintas locaciones de la provincia: los espacios contemplados serán el Museo del Deporte Santafesino, Parque Independencia, Mercado del Patio, Parque a la Bandera, Jockey Club Rosario y Rosario Golf Club.</p><p>De esta manera, los Juegos Suramericanos 2026 no solo reunirán a algunas de las principales figuras del deporte continental, sino que también volverán a darle protagonismo a disciplinas vinculadas con la cultura urbana y los deportes electrónicos.</p>

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Juegos Suramericanos 2026: fechas, países, disciplinas y sedes en Santa Fe

<p>Luis Rincón, uno de los principales referentes del BMX freestyle colombiano y latinoamericano, fue homenajeado con un mural en el Parque Fontanar del Río de Bogotá. Realizada por el artista urbano RYTMO, la obra une deporte, arte y espacio público para celebrar la trayectoria del rider bogotano en las calles de la capital.</p><h2>Luis Rincón ya tiene su mural en Bogotá: así es el homenaje al rider colombiano</h2><p>No hay dudas de que, en los últimos años, Latinoamérica se consolidó como una de las regiones protagonistas del BMX freestyle a nivel internacional. Figuras como José Torres Gil de Argentina y Macarena Pérez de Chile ayudaron a impulsar el crecimiento de la disciplina, mientras que Colombia encontró en nombres como las hermanas Villegas, Queen Saray y, por supuesto, Luis Rincón, algunos de sus máximos exponentes.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_910aecd2ab.png" alt=""><figcaption>Vista del mural hecho por RYTMO en homenaje a Luis Rincón (IDRD Bogotá).</figcaption></figure><p>Y en los últimos días, el rider bogotano volvió a ser noticia gracias a la inauguración de un mural homenaje en el Parque Fontanar del Río, una intervención que une deporte, arte urbano y espacio público en una de las zonas más representativas de la capital colombiana.</p><p>Realizada por el artista urbano RYTMO, la obra busca reconocer la trayectoria deportiva de Luis Rincón a través de tres imágenes que retratan algunos de los momentos más importantes de su carrera:</p><ul><li>Luis Rincón montado sobre su bicicleta, en la imagen central del mural.</li></ul><ul><li>El rider en pleno vuelo, ejecutando uno de sus característicos trucos.</li></ul><ul><li>El deportista celebrando el título obtenido en el Brussels Urban Sessions, sosteniendo el trofeo de campeón.</li></ul><p>Impulsado por el Instituto Distrital de Recreación y Deporte (IDRD), el proyecto busca destacar el aporte del BMX freestyle al deporte bogotano y reconocer a uno de sus máximos referentes contemporáneos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0875770b36.png" alt=""><figcaption>Luis Rincón firmando con aerosol su homenaje en Bogotá (IDRD Bogotá).</figcaption></figure><p>La inauguración del mural también contó con una exhibición de BMX freestyle junto a niñas, niños y jóvenes, promoviendo el deporte urbano entre las nuevas generaciones. Incluso, el propio Luis Rincón visitó la obra y dejó su firma con aerosol sobre el mural, convirtiéndose en parte del homenaje que celebra su carrera.</p><p>Más allá de transformarse en una nueva intervención dentro del paisaje urbano de Bogotá, el mural de RyTMO también se consolida como un reconocimiento al impacto de Luis Rincón dentro del BMX freestyle colombiano y latinoamericano, inmortalizando su legado en una de las paredes más emblemáticas de la ciudad.</p><h2>¿Quién es RYTMO, el artista detrás del mural de Luis Rincón?</h2><p>Más allá de ser el responsable del reciente homenaje a Luis Rincón en el Parque Fontanar del Río, RYTMO es uno de los grandes referentes del muralismo contemporáneo en Bogotá, con intervenciones que lograron transformar distintos espacios públicos de la capital colombiana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_99f87889ab.png" alt=""><figcaption>El mural de RYTMO en homenaje a Gabriel García Márquez en las calles de Bogotá (RYTMO).</figcaption></figure><p>Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra un imponente mural de más de 400 metros cuadrados dedicado a Gabriel García Márquez, realizado a diez años del fallecimiento del escritor colombiano. Ubicada en la emblemática intersección de la Calle 13 con Carrera Décima, la obra explora el universo literario del Premio Nobel y se convirtió en uno de los murales más representativos de la ciudad.</p><p>Integrante del colectivo “Fuego en el 23”, RYTMO desarrolló un estilo que combina el realismo con el arte urbano contemporáneo, llevando sus creaciones a distintos puntos de Bogotá y consolidándose como una de las figuras más importantes del muralismo colombiano actual.</p>

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Bogotá homenajeó a Luis Rincón con un mural gigante dedicado al BMX Freestyle

<p>Desde Londres hasta Río de Janeiro, Matt Kiatipis logró transformar simples partidos de streetball en un espectáculo viral para redes sociales: trash talk, uno contra uno callejeros, cientos de personas rodeando la cancha y millones de reproducciones.</p><h2>Uno contra uno, trash talk y millones de reproducciones: así es el universo de Matt Kiatipis</h2><p>Más allá de la popularidad en las propias calles y los playgrounds, el deporte urbano también comenzó a construir una enorme comunidad digital de la mano de creadores de contenido que encontraron en las redes sociales una nueva manera de amplificar la escena.</p><p>Y en el caso del baloncesto callejero, uno de los nombres más importantes a nivel internacional —aunque lejos de Latinoamérica— es el canadiense Matt Kiatipis.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8e2904bd3b.png" alt=""><figcaption>Vista aérea de Matt Kiatipis en pleno enfrentamiento de baloncesto callejero (Instagram/Matgt Kiatipis).</figcaption></figure><p>Seguramente te hayas cruzado en Instagram, TikTok o YouTube con algún clip de dos personas enfrentándose en una cancha de básquet callejero donde el trash talk, el talento en el uno contra uno y la tensión del ambiente rodeado de cientos de personas terminan convirtiendo el partido en un espectáculo urbano. Detrás de gran parte de ese fenómeno aparece justamente la figura del ya nombrado Matt Kiatipis.</p><p>Con casi un millón de suscriptores en YouTube y más de tres millones de seguidores en Instagram, el influencer canadiense se transformó en una de las grandes caras digitales del streetball moderno. A través de videos cargados de intensidad, trash talk, jugadas espectaculares y una atmósfera digna de una batalla urbana, Kiatipis logró convertir el clásico uno contra uno en un verdadero espectáculo de consumo masivo para redes sociales, estableciéndose como uno de los emblemas del baloncesto callejero en las plataformas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXBAvesCS56/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXBAvesCS56/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El contenido del canadiense gira alrededor de enfrentamientos callejeros donde no solo importa el talento con la pelota, sino también la personalidad, la presión del público y la tensión propia del ambiente. Cientos de personas rodeando la cancha, gritos, festejos desmedidos, provocaciones entre jugadores y jugadas virales forman parte de una fórmula que terminó posicionándolo como uno de los máximos referentes del baloncesto callejero en internet.</p><p>Lejos de limitarse únicamente a Canadá, Matt Kiatipis construyó un recorrido global de la mano del streetball, llevando este formato a distintas ciudades del mundo como Londres, París, Los Ángeles, Río de Janeiro, San Pablo, Nueva York, Berlín, Atenas, Ciudad de México, Miami, Barcelona o Milán, entre muchas otras. Una expansión internacional que no solo potenció su figura como creador de contenido, sino que también ayudó a reforzar el crecimiento global del baloncesto callejero como fenómeno cultural y digital.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e4f7f72a57.png" alt=""><figcaption>Trash talk, uno de los protagonistas en los duelos callejeros de Matt Kiatipis (Instagram/Matt Kiatipis).</figcaption></figure><p>En tiempos donde los clips cortos dominan el consumo digital, Matt Kiatipis encontró en el streetball una fórmula perfecta para las redes sociales. Sus videos no solo muestran talento arriba de la cancha, sino también el costado más visceral y competitivo del baloncesto callejero: provocaciones, tensión, desafíos personales y una atmósfera donde cada jugada parece definir el orgullo del jugador frente a todo el playground.</p><p>Esa mezcla entre espectáculo urbano, cultura del básquet y entretenimiento de consumo rápido terminó convirtiendo al canadiense en mucho más que un creador de contenido. Hoy, Matt aparece como uno de los grandes responsables de trasladar la esencia del streetball tradicional al universo digital, acercando millones de personas alrededor del mundo a la cultura del baloncesto callejero.</p>

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¿Quién es Matt Kiatipis, el referente del baloncesto callejero en internet?

<p>Videos cortos donde hace rebotar su bicicleta contra el suelo, se lanza marcha atrás por bajadas y ejecuta trucos imposibles: así es el universo viral de Walter Chacón, el rider colombiano que conquista las redes sociales de la mano del BMX Freestyle.</p><h2>Walter Chacón y el lado viral del BMX Freestyle en Latinoamérica</h2><p>Más allá de las competencias, que históricamente siempre funcionaron como la principal vara de medición dentro de las disciplinas urbanas, en los últimos años las redes sociales también se transformaron en una gigantesca vitrina digital para deportistas y riders de todo el mundo. Un espacio donde no solo muestran su talento arriba de la tabla, la bicicleta o los rollers, sino donde además construyen una identidad propia capaz de convertirlos en verdaderas personalidades de internet.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DT8o0zqEVyb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DT8o0zqEVyb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y uno de los grandes fenómenos digitales del BMX Freestyle en Latinoamérica tiene nombre y apellido: Walter Chacón.</p><p>Es probable que leyéndolo así no sepas exactamente de quién estamos hablando, pero también es muy probable que durante el último tiempo te hayas cruzado en Instagram, TikTok o Facebook con algún clip suyo. Videos cortos de no más de treinta segundos donde aparece sosteniendo la bicicleta con las manos, haciéndola rebotar contra el suelo –casi como si estuviese picando una pelota– recuperándola en movimiento y lanzándose marcha atrás por bajadas mientras controla la BMX únicamente con la rueda delantera antes de ejecutar distintos trucos. Un formato tan simple como hipnótico que terminó convirtiéndose en una marca registrada del rider colombiano.</p><p>Con una comunidad de casi 300 mil seguidores en redes sociales, Walter Chacón logró romper la barrera del deportista tradicional y alcanzar el estatus de influencer deportivo. Sus videos acumulan cientos de miles de likes y millones de reproducciones, transformando simples clips de BMX freestyle en contenido de consumo rápido pensado especialmente para las plataformas digitales.</p><p>Y es que más allá del talento técnico que demuestra arriba de la bicicleta, uno de los grandes diferenciales del colombiano pasa también por el tono de sus contenidos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DM0UUwZuzVi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DM0UUwZuzVi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Muchos de sus videos incorporan una cuota humorística y hasta bizarra, con outfits extravagantes, personajes caricaturescos o situaciones absurdas que contrastan con la complejidad de los trucos que ejecuta. A eso se le suma la utilización de distintos rincones urbanos de Colombia como escenario principal de sus grabaciones, convirtiendo cada clip en una mezcla entre BMX freestyle, entretenimiento y cultura callejera latinoamericana. En tiempos donde las redes sociales redefinen constantemente la manera en la que se consume el deporte urbano, Walter Chacón representa uno de los ejemplos más claros de cómo un rider puede trascender las competencias tradicionales y convertirse, simplemente a través de videos virales, en una de las caras más reconocibles del BMX freestyle latinoamericano.</p>

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Walter Chacón, el fenómeno viral del BMX Freestyle latinoamericano

<p>¿Te imaginás realizar una serie de trucos en una pista construida sobre un tren en pleno movimiento? Aunque parezca una escena de una película de acción, ocurrió de verdad y tuvo como protagonista al rider polaco Dawid Godziek.</p><h2>El día que Dawid Godziek llevó el ciclismo urbano a los rieles</h2><p>Si hablamos de deporte urbano y disciplinas de alto riesgo, es imposible que no aparezca en escena el nombre de Red Bull. A lo largo de los años, la marca no solo se consolidó como patrocinadora, sino como verdadera impulsora de proyectos que redefinen los límites de cada disciplina. Desde producciones cinematográficas hasta desafíos que parecen físicamente imposibles, la huella de la empresa líder en bebidas energizantes quedó marcada en el ADN del BMX, el skateboarding, el mountain bike y el freestyle, consolidando una vez más su estampa en la materia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_29463734db.png" alt=""><figcaption>Un tren en movimiento, una pista de menos de tres metros de ancho y una serie de trucos: la hazaña de Dawid Godziek (Red Bull).</figcaption></figure><p>Y en los últimos años, Red Bull no solo reafirmó su vigencia como una de las caras más visibles del deporte urbano, sino que también estuvo detrás de producciones deportivas que marcaron un antes y un después en la historia de estas actividades: el feeble grind de Letícia Bufoni desde un avión en pleno vuelo, el descenso extremo de Sandro Dias por la fachada de 22 pisos del Centro Administrativo Fernando Ferrari o el impactante salto de Kris Kyle sobre un monoplaza de Fórmula 1.</p><p>Y para no perder la costumbre, la compañía de orígen austríaco volvió a estar detrás de un desafío que parece sacado de una escena cinematográfica. Esta vez, el protagonista fue Dawid Godziek, quien llevó su bicicleta a un terreno tan inesperado como extremo: un tren en movimiento. Tal y como lees. El rider polaco realizó un circuito de trucos (backflip, superman y 720 como más destacados) en una pista de poco menos de tres metros de ancho construída sobre un ferrocarril en marcha.</p><h2>El truco por truco del recorrido de Dawid Godziek</h2><p>Desde lo alto de la primera rampa, el recorrido de Dawid Godziek arriba del tren comenzó con un drop preciso que le permitió tomar velocidad sobre los vagones en movimiento. A partir de ahí, lo que siguió fue una combinación milimétrica de técnica y control absoluto: un 360 limpio que marcó el tono del circuito y, luego, un backflip con barspin en el aire, sumando dificultad a una rotación ya compleja.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C_0kFJGIbZk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C_0kFJGIbZk/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La línea de trucos continuó con un Superman perfectamente extendido entre rampas y el cuerpo suspendido en el aire mientras el tren seguía avanzando bajo sus ruedas. Tras aterrizar, el polaco volvió a encadenar un 360 antes de ejecutar un seat grab, tomando el asiento en pleno salto. Más adelante soltó ambas manos en un no-hander, demostrando confianza total en la estabilidad del recorrido.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_33b170b254.png" alt=""><figcaption>El no-hander de Dawid Godziek (Red Bull).</figcaption></figure><p>El punto de mayor exigencia llegó con un 720 —doble giro completo en el aire— seguido de un frontflip técnico que exigía cálculo perfecto en la recepción. Y como cierre, un backflip final sobre una serie de más de diez escalones, sellando una línea que combinó fluidez, riesgo y precisión quirúrgica.</p><p>“<em>¿Un circuito en un tren en movimiento? Pensé que no tenía derecho a triunfar. Sin embargo, lo conseguimos, y fue épico</em>”, comentó Dawid Godziek sobre la hazaña.</p><h2>Ensayo, precisión y cálculo: el paso previo a la hazaña</h2><p>Antes de que el video viera la luz y recorriera el mundo, hubo semanas de preparación silenciosa. La hazaña no nació sobre las vías, sino en un campo de entrenamiento donde se montó una réplica del recorrido: diez vagones dispuestos como estarían luego en movimiento.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_326bcce79b.png" alt=""><figcaption>Dawid Godziek, el polaco protagonista de la hazaña sobre rieles (Red Bull).</figcaption></figure><p>Dawid Godziek repitió una y otra vez cada sección del circuito, probando trucos, corrigiendo apoyos y ajustando la potencia de cada salto. No se trataba solo de creatividad, sino de precisión milimétrica. Cada impulso debía tener la fuerza exacta, cada recepción el ángulo correcto y cada transición la fluidez necesaria para que, llegado el momento real, el margen de error fuera mínimo.</p><p>Pero cuando el tren finalmente comenzó a moverse, el desafío dejó de ser solo técnico para convertirse en una mezcla explosiva de factores imposibles de ignorar.</p><p>El primero fue el viento: a varios metros de altura y con el tren en marcha, cualquier ráfaga podría desestabilizarlo y sacarlo de la línea del circuito. El segundo fue la velocidad. Tanto el tren como la bicicleta debían moverse en perfecta sincronía; todo estaba en movimiento menos la pista bajo sus ruedas. Durante las prácticas, el equipo trabajó calibrando y variando la velocidad del tren para encontrar el punto exacto de control. Y el tercer condimento —quizás el más determinante— era que cada truco debía salir tal como estaba planeado. No había margen para fallas ni segundas oportunidades.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1507571e0e.png" alt=""><figcaption>Dawid Godziek en pleno salto entre vagones (Red Bull).</figcaption></figure><p>Una combinación de viento, velocidad y ejecución perfecta que transformó el recorrido en uno de los desafíos más complejos jamás intentados sobre dos ruedas.</p>

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El desafío imposible que Dawid Godziek hizo realidad

<p>Los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá tuvieron al baloncesto 3x3 como una de las grandes banderas del deporte urbano, donde Uruguay conquistó la medalla de oro en la rama masculina, mientras que Chile hizo lo propio en la competencia femenina tras una campaña perfecta.</p><h2>Uruguay, el dueño del oro del baloncesto 3x3 masculino en Panamá</h2><p>La bandera del deporte urbano en los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá estuvo representada por el baloncesto 3x3, disciplina que tuvo a Uruguay como dueño de la medalla de oro en la rama masculina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1df4fade72.png" alt=""><figcaption>El juego de Brahian Sebastián Gómez González en Panamá (Comité Olímpico Uruguayo).</figcaption></figure><p>El seleccionado charrúa, conformado por Brahian Sebastián Gómez González, Francisco Pereira Díaz, Mateo Sansberro Simonian y Luis Pedro Imas Correa, avanzó a los cuartos de final luego de finalizar en el segundo puesto del Grupo B con cuatro unidades, producto de victorias ante Argentina y Bolivia y una ajustada derrota frente a Paraguay, que culminó como líder invicto de la zona con puntaje perfecto.</p><p>Ya en el cuadro de eliminación directa, Uruguay debutó en los cuartos de final con una aplastante victoria 21-5 ante Surinam, encuentro donde Luis Pedro Imas Correa se destacó como la gran figura tras cerrar el partido con ocho puntos, algo que se convertiría en costumbre a lo largo de la competencia. En semifinales, el rival sería el anfitrión de la competencia: Panamá, que venía de dejar afuera a Argentina y Chile en las rondas previas. Pero al igual que ante Surinam, la moneda nuevamente cayó del lado uruguayo: triunfo 19-5 con otra destacada actuación de la dupla conformada por Imas Correa y Francisco Pereira Díaz, ambos con siete unidades.</p><p>La gran final, disputada en el Anfiteatro - Mirador del Pacífico, tuvo nuevamente a Paraguay del otro lado de la cancha. Y en un partido cargado de tensión y dramatismo, Uruguay logró tomarse revancha de la caída sufrida en fase de grupos y se impuso por un ajustado 15-14 para quedarse con la medalla de oro del baloncesto 3x3 masculino en los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá, otra vez con Luis Pedro Imas Correa como figura del combinado charrúa.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d9ae0f08d5.png" alt=""><figcaption>La lucha por la pelota en el Anfiteatro - Mirador al Pacífico (Comité Olímpico Uruguayo).</figcaption></figure><p>El seleccionado paraguayo terminó quedándose con la medalla de plata, mientras que Panamá completó el podio tras vencer 13-11 a Venezuela en el partido por el tercer puesto y adueñarse de la presea de bronce.</p><h2>Chile dominó el cuadro femenino y conquistó el oro en Panamá</h2><p>Y en la rama femenina, Chile fue la gran dominadora de la competencia. Con puntaje perfecto en la fase de grupos y sin conocer la derrota a lo largo de todo el torneo, el seleccionado trasandino se adueñó de la medalla de oro del baloncesto 3x3 femenino en los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5334d51b28.png" alt=""><figcaption>El tiro de Constanza Belén Mella Reyes en el Anfiteatro - Mirador al Pacífico (Team Chile).</figcaption></figure><p>Chile finalizó en la cima del Grupo A con puntaje ideal luego de vencer a Paraguay y Bolivia en los encuentros correspondientes de la fase inicial. Ya en los cuartos de final, el conjunto trasandino, conformado por Constanza Belén Mella Reyes, Amanda Esther Guineo Torralbo, Emilia Nicole Oliva Ábalos y Agustina Alejandra Mella Reyes, protagonizó una de las actuaciones más contundentes de toda la competencia tras aplastar 21-1 a Panamá, la selección anfitriona, con una exhibición estelar de Constanza Belén Mella Reyes, autora de once puntos.</p><p>En semifinales, Chile volvió a demostrar su superioridad y dejó en el camino a Argentina por 21-8 para avanzar a la gran definición por la medalla dorada. Allí, en el Anfiteatro - Mirador al Pacífico, las trasandinas se impusieron 12-10 frente a Paraguay y terminaron de sellar una campaña perfecta para quedarse con el primer puesto del baloncesto 3x3 femenino en los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7ffa495008.png" alt=""><figcaption>Chile, la selección dueña de la medalla de oro en baloncesto 3x3 femenino en Panamá (Team Chile).</figcaption></figure><p>Al igual que en la rama masculina, Paraguay volvió a quedarse con la medalla de plata, mientras que Argentina completó el podio tras vencer 16-11 a Brasil en el partido por el tercer puesto y adueñarse de la presea de bronce.</p><h2>¿Cómo quedó el medallero de los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá?</h2><p>Más allá de las conquistas de Uruguay y Chile en el baloncesto 3x3, los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá tuvieron a Brasil como dueño absoluto del medallero general de la competencia: el combinado sudamericano cosechó 58 medallas de oro y un total de 157 preseas para quedarse con el primer lugar de la clasificación final.</p><p>Venezuela finalizó en el segundo puesto tras conquistar 33 medallas doradas, mientras que Argentina, con una presea de oro menos, completó el podio y se adueñó del tercer lugar del medallero de los Juegos Suramericanos de la Juventud de Panamá</p><p>Por su parte, Panamá, país anfitrión de la competencia, cerró su participación en el octavo lugar de la clasificación general luego de obtener seis medallas de oro y un total de 29 preseas.</p><h2>¿Qué son los Juegos Suramericanos de la Juventud?</h2><p>Los Juegos Suramericanos de la Juventud son un evento multidisciplinario que convoca a atletas de entre 14 y 17 años y es organizado por la Organización Deportiva Suramericana (ODESUR). Creado oficialmente el 25 de mayo de 2012, el certamen se disputa cada cuatro años como antesala de los Juegos Olímpicos de la Juventud, y tuvo su primera edición en Lima 2013.</p>

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Uruguay y Chile, los reyes del baloncesto 3x3 en los Juegos Suramericanos de la Juventud

<p>Calaveras, guiños futboleros, sneakers y símbolos de la cultura urbana también pueden convertirse en piezas de joyería: ese es el universo que construyó Juan del Beats a través de sus diseños personalizados.</p><h2>La propuesta argentina que une joyería, streetwear y deporte: así es Juan del Beats</h2><p>Dentro de la escena urbana argentina, una de las propuestas que logró hacerse un lugar a través de diseños personalizados y una estética propia es Juan del Beats.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2fa7f50fcd.png" alt=""><figcaption>Nucleo Aka Tintasucia vistiendo piezas de Juan del Beats (Juan del Beats).</figcaption></figure><p>La joyería ubicada en la ciudad de Buenos Aires trabaja con piezas elaboradas en plata 925 y oro de 18 quilates, y desarrolla diseños que combinan referencias del streetwear, el deporte y la cultura urbana. A lo largo de su recorrido, las creaciones de Juan del Beats llegaron a manos de artistas como Luck Ra, Duki, C.R.O, Rels B e, incluso, a figuras internacionales del cine como Johnny Depp.</p><h2>Plata, oro y piezas personalizadas: el universo de Juan del Beats</h2><p>La propuesta de Juan del Beats reúne una amplia variedad de joyas personalizadas y piezas de autor pensadas para quienes buscan llevar accesorios con identidad propia.</p><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Aros</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Dijes</li></ul><ul><li>Coleccionables</li></ul><ul><li>Colaboraciones especiales</li></ul><p>Cada colección desarrolla una estética muy marcada, con referencias que van desde calaveras, armas y elementos del imaginario urbano hasta homenajes al mundo del fútbol, los sneakers y distintos símbolos deportivos</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>También aparecen diseños inspirados en botines, dorsales y siluetas icónicas, construyendo un catálogo que mezcla joyería tradicional con códigos contemporáneos.</p><p>Además, el proyecto ubicado en Buenos Aires realizó colaboraciones especiales, entre ellas una junto al trapero uruguayo Falke 912, ampliando todavía más un universo creativo donde la personalización y el diseño ocupan un lugar protagonista</p><h2>De Duki a C.R.O: los artistas que llevaron piezas de Juan del Beats</h2><p>La joyería logró posicionarse dentro de la escena musical y urbana gracias a distintas colaboraciones y trabajos realizados para reconocidas personalidades.</p><ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Duki</li></ul><ul><li>C.R.O</li></ul><ul><li>Núcleo</li></ul><ul><li>Nucleo Aka Tintasucia</li></ul><ul><li>Rels B</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una identidad visual atravesada por la cultura urbana, el deporte y el diseño personalizado, Juan del Beats continúa consolidándose como una de las propuestas argentinas de joyería que encontró en los accesorios una nueva forma de expresión artística.</p>

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Juan del Beats, la joyería que llevó el diseño urbano a otro nivel

<p>Desde las calles de Melbourne hasta los muros de Chile, Felipe Salinas convirtió su curiosidad por descubrir nuevos lugares en una forma de documentar el arte urbano.</p><h2>De los álbumes familiares al arte urbano: cómo nació la mirada de Felipe Salinas</h2><p>Antes de convertirse en uno de los fotógrafos de arte urbano más reconocidos de Chile y Latinoamérica, Felipe Salinas mantuvo un estrecho vínculo con la fotografía desde su infancia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_50a9066a11.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Nueva York (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>En su hogar siempre hubo cámaras de fotos y de video, además de álbumes familiares repletos de registros de cumpleaños, celebraciones como Navidad o Año Nuevo y distintos eventos escolares capturados por su madre. Revisar esas imágenes y reconstruir historias alrededor de cada recuerdo era una práctica habitual que, con el tiempo, terminó despertando su interés por registrar el mundo que lo rodeaba.</p><p>Con el paso de los años, ese vínculo comenzó a tomar otro significado. El hecho de no contar con un automóvil propio lo llevó a recorrer distintos lugares caminando o utilizando el transporte público, una rutina que le permitió observar con mayor detenimiento los espacios, descubrir detalles y desarrollar una mirada cada vez más curiosa sobre el entorno.</p><p>&quot;<em>He tenido la posibilidad de estar en Chile, Argentina y Australia, rodeado de cosas nuevas que me llamaban la atención, algunas más que otras, que eran las que solía registrar con mi celular y con mi cámara. La curiosidad de ir viendo el mundo me dio la posibilidad de encontrar cosas que valían la pena para mi atención&quot;.</em></p><p>Sin embargo, el verdadero punto de quiebre llegó durante su estadía en Australia. Allí recorrió gran parte de Melbourne con una cámara compacta registrando los murales y las distintas expresiones de arte urbano que encontraba en las calles.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Fue entonces cuando entendió que aquellas fotografías podían convertirse en algo más que simples archivos guardados en una carpeta. Esa idea terminó impulsándolo a crear su perfil de Instagram, un espacio que hoy reúne cerca de 20.000 seguidores y funciona como un archivo visual dedicado al arte urbano de Chile y distintos rincones del mundo.</p><h2>El contexto detrás de cada mural como objetivo fotográfico</h2><p>Felipe Salinas tiene bien en claro qué es lo primero que busca a la hora de registrar una intervención artística. Para el fotógrafo chileno, el entorno en el que está inmersa una obra tiene un papel fundamental a la hora de decidir cuándo sacar la cámara y qué imagen terminará formando parte de su archivo.</p><p>“<em>Lo más importante es el contexto, el ambiente, el entorno donde está sumergida la obra y no solo registrar el mural en sí mismo, sino cómo este convive con otros elementos para crear un panorama completo. Eso es lo que más me motiva a registrar, así como un mural que habla de algún personaje importante o evento histórico que se haya vivido en ese pueblo, ciudad o barrio, porque ahí hay una historia, una intención detrás de rendir honores y homenajear que lo hace muy valioso de registrar</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8124369cdf.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Londres (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>Además del contexto, lo estético también tiene un peso importante en la elección. Un muro cargado de colores, realizado en un formato de grandes dimensiones o con una composición particularmente llamativa, puede convertirse en un elemento mucho más atractivo para el fotógrafo que otra intervención de características diferentes.</p><h2>Cuando el mural desaparece, queda la fotografía: el archivo de Felipe Salinas</h2><p>Todos sabemos que hay murales que viven apenas unos días, otros que permanecen durante semanas y algunos que logran quedarse durante años. En ese escenario, el trabajo de Felipe Salinas adquiere una función documental: fotografiar una obra permite conservar el registro de una intervención que, con el paso del tiempo, puede desaparecer.</p><p>Cada fotografía se convierte así en una especie de recordatorio de aquellos murales que alguna vez ocuparon un espacio de la ciudad y que hoy, por distintas circunstancias, ya no están.</p><p>“<em>El arte callejero le entrega mayor valor al trabajo que uno realiza, porque son muros que ya no existen, obras que no van a volver, pero que existen en los registros que uno va tomando</em>”, señala el chileno.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3fbc635515.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h2>Mucho más que un mural: la evolución de su mirada fotográfica</h2><p>La elección de cómo tomar una fotografía también cambió con el correr de los años para Felipe Salinas. En sus comienzos, el fotógrafo chileno se centraba principalmente en la obra, sus detalles y las características propias de cada intervención.</p><p>Con el tiempo, esa mirada se amplió y el contexto comenzó a ocupar un lugar cada vez más importante. El paisaje, los edificios, las personas y todos aquellos elementos que rodean al mural pasaron a formar parte de la composición.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d8279bc58d.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><p>“<em>Con los años y con la experiencia que uno ha adquirido, lo que forma parte de la composición ha mutado. En un principio, eran más la obra, el muro y los detalles. Con los años, aparecieron el contexto, los elementos del paisaje donde está ubicada la obra (perros, gatos, vecinos, tiendas aledañas) y hoy día intento siempre mostrar algo que sea del lugar. Actualmente trato de incluir algo propio del lugar y, por supuesto, si hay plantas, texturas de metales o maderas donde se nota el paso del tiempo, suma</em>”.</p><p>En la actualidad, Salinas entiende que una de las claves está en transmitir la esencia del momento y conseguir que quien observe la fotografía pueda imaginar qué significaba estar allí. La temperatura, la cantidad de personas que había en el lugar, si se trataba de una zona residencial o de un espacio concurrido y hasta los pequeños detalles del entorno forman parte de esa construcción.</p><h2>La mirada de Felipe Salinas sobre el arte urbano</h2><p>Como fotógrafo especializado en arte urbano, Felipe Salinas también desarrolló una mirada propia sobre la escena y sobre las diferencias que existen entre las distintas ciudades que recorrió. Su experiencia le permitió establecer comparaciones entre el arte urbano latinoamericano y el que encontró en destinos internacionales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>“<em>En Valparaíso, Santiago u otras ciudades, el arte urbano tiene un componente social, político e histórico importante, donde se busca recordar, hacer memoria y resistencia de personajes y eventos históricos. Aunque probablemente se diferencia de lo que hay en destinos como Australia, Estados Unidos, Francia o Alemania, donde se enfoca más en lo estético o la habilidad de los propios artistas, con diferencias más estructurales</em>”.</p><p>Así, su trabajo no solo busca registrar qué hay pintado sobre un muro, sino también comprender qué hay detrás de cada intervención, dónde está ubicada y qué representa dentro de la ciudad que la contiene.</p>

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Arte urbano y fotografía: la mirada de Felipe Salinas

<p>El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.</p><h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

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Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

<p>Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.</p><h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2><p>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.</p><p>Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.</p><h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2><p>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><p>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1000079"><u><em>La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</em></u></a></p><h2>La huella internacional de Ledania</h2><p>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2><p>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.</p><p>Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.</p>

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Ledania, la embajadora colombiana del color en el arte urbano

<p>La escena del arte urbano porteño sumará una nueva propuesta competitiva con Riña de Pinceles, el certamen que llegará el próximo sábado 12 de septiembre al Club Cultural Quetrén, donde diez artistas se enfrentarán en una batalla de creatividad y técnica.</p><h2>Diez artistas, media hora y un jurado especial: así será Riña de Pinceles</h2><p>No hay dudas de que el arte urbano suele asociarse a los grandes murales que transforman las ciudades o a las intervenciones que llenan de color el espacio público. Sin embargo, existe una faceta mucho menos conocida que también gana cada vez más terreno: la competencia en vivo. Y la ciudad de Buenos Aires volverá a convertirse en el escenario de una de ellas.</p><p>Y es que el próximo sábado 12 de septiembre, el Club Cultural Quetrén, una tradicional canchita de fútbol ubicada en el Barrio Chino de la ciudad de Buenos Aires, abrirá sus puertas para recibir una nueva edición de Riña de Pinceles, la competencia que reunirá a diez artistas en una batalla donde el talento, la creatividad y la velocidad definirán quién se adueña del pincel.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d056ba675.png" alt=""><figcaption>Melina Lluvia, artista y organizadora de Riña de Pinceles, en pleno trabajo artístico (Instagram/Melina Lluvia).</figcaption></figure><p>Riña de Pinceles es una competencia de pintura en vivo en la que el público no solo observará el proceso creativo, sino que también tendrá la responsabilidad de elegir al ganador. Cada uno de los diez participantes contará con media hora para realizar una obra sobre un lienzo de 70 por 50 centímetros, que luego será evaluada mediante un sistema de votación abierto para todas aquellas personas que hayan asistido al evento.</p><p>Cada persona que ingrese al evento recibirá tres fichas junto con su entrada. La primera servirá para votar en la ronda inicial de competidores, la segunda para elegir a quienes avanzarán a la siguiente instancia y la tercera estará destinada a definir al ganador entre los tres finalistas que resulten del conteo total de votos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaWX5Q5lPVG/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaWX5Q5lPVG/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con participación apta para mayores de 18 años de edad, la competencia también contará con premios para los tres artistas que logren llegar al podio:</p><ul><li>Primer puesto: $120.000 pesos argentinos, un kit XL de productos Eterna, un overall a elección de Salga la Luna y un kit gráfico de inSUMO Arte.</li></ul><ul><li>Segundo puesto: $80.000 pesos argentinos, un kit XL de productos Eterna, un estuche de acuarelas La Belgrano y un kit gráfico de inSUMO Arte.</li></ul><ul><li>Tercer puesto: un kit XL de productos Eterna, un estuche de acuarelas La Belgrano y un kit gráfico de inSUMO Arte.</li></ul><p>Con una propuesta que combina creatividad, velocidad y participación del público, Riña de Pinceles buscará reunir a algunos de los talentos emergentes del arte urbano porteño en una jornada donde el muralismo dejará por un momento las paredes para convertirse en una verdadera competencia artística. Una iniciativa que demuestra que el arte también puede vivirse con el espíritu de una final, donde cada trazo puede marcar la diferencia entre la victoria y la derrota.</p><h2>¿Quiénes serán los diez participantes de Riña de Pinceles</h2><p>A tan solo días del evento, Riña de Pinceles dio a conocer quiénes serán los diez artistas invitados que formarán parte de la competencia en el Tren Club Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.</p><ul><li>El Keni: callejero fino.</li></ul><ul><li>Xina Ocho: trash sensible.</li></ul><ul><li>Gaspa: expresionista y figurativo.</li></ul><ul><li>Emilia Ciciro: expresionista, figurativo, deconstructivo y dinámico.</li></ul><ul><li>Merfacha: llamativo, queer y colorido.</li></ul><ul><li>Morella: figurativo, realista y expresionista.</li></ul><ul><li>Erika Mangas: cromático, texturado y afro.</li></ul><ul><li>Cimico: realista y sombrío.</li></ul><ul><li>Piu Kun: realista, extravagante, inclusivo y tenaz.</li></ul><ul><li>Roberto Trejo: figurativo, simbolista y situado.</li></ul><p>La jornada estará conducida por Soy Vedette, artista disidente que actualmente impulsa La Rosada, un espacio dedicado al arte drag en todas sus formas.</p><p>Con los diez nombres confirmados, Riña de Pinceles ya tiene todo listo para una jornada en la que el arte, la velocidad y la creatividad volverán a enfrentarse sobre el lienzo.</p>

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El arte urbano competitivo llega a Buenos Aires con Riña de Pinceles

<p>Más allá de las paredes intervenidas y los gigantescos murales que caracterizan a São Paulo, la ciudad también alberga espacios dedicados al street art, y uno de los más destacados es Nucle1, un centro cultural que transformó una antigua fábrica en un verdadero templo del arte contemporáneo.</p><h2>Nucle1, el espacio donde el arte urbano paulista encontró un nuevo hogar</h2><p>Es de público conocimiento que la ciudad de San Pablo no solo es uno de los principales epicentros del arte urbano en Brasil, sino que también se ha convertido en una verdadera referencia a nivel continental. Sus calles, avenidas y edificios funcionan como enormes galerías a cielo abierto, donde murales e intervenciones forman parte del paisaje cotidiano.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_897c631754.png" alt=""><figcaption>Obra del artista Alexandre Puga expuesta en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Sin embargo, más allá de las obras que decoran los espacios públicos paulistas, la ciudad también cuenta con rincones especialmente dedicados a la difusión del movimiento artístico. Y uno de los más importantes surgidos en el último tiempo es Nucle1 (Rua Muniz de Souza 809, Aclimação), un centro cultural de ocho pisos dedicado por completo al arte urbano y contemporáneo.</p><h2>De una fábrica de corbatas a un edificio de ocho pisos dedicado al arte</h2><p>Ubicado en lo que antiguamente funcionó como una fábrica de corbatas, Nucle1 transformó el edificio en un espacio cultural de más de 1.500 metros cuadrados intervenido por el artista Enivo, donde los colores, las formas y las expresiones urbanas toman el protagonismo absoluto.</p><p>Inspirado en experiencias artísticas como “Bauhaus” y “Factory” de Andy Warhol, el centro propone una experiencia inmersiva donde el arte está presente en paredes, techos y prácticamente en cada rincón del edificio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1c32436fe.png" alt=""><figcaption>El talento artístico de Bieto en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure><p>Además de exhibir grafitis e intervenciones urbanas, Nucle1 reúne distintas disciplinas culturales como:</p><ul><li>Arte urbano</li></ul><ul><li>Escultura</li></ul><ul><li>Diseño</li></ul><ul><li>Moda</li></ul><ul><li>Música</li></ul><ul><li>Intervenciones circenses</li></ul><p>Con entrada totalmente gratuita, el espacio se consolidó como uno de los puntos de encuentro más interesantes de la escena artística paulista.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-callejon-mas-famoso-de-san-pablo/317"><u><em>El callejón más famoso de San Pablo</em></u></a></p><h2>Los artistas que dan vida a Nucle1</h2><p>El espacio también funciona como una gran plataforma para artistas brasileños contemporáneos, reuniendo obras de referentes del arte urbano y visual como:</p><ul><li>Fefe Talavera</li></ul><ul><li>Priscila Barbosa</li></ul><ul><li>Katia Suzue</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La propuesta convierte a Nucle1 en una parada obligatoria para quienes buscan descubrir la riqueza del arte urbano brasileño desde una perspectiva diferente, donde distintas disciplinas conviven bajo un mismo techo.</p><p>Abierto de miércoles a viernes de 12:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 18:00, el centro cultural demuestra que San Pablo continúa expandiendo los límites del street art, llevando su identidad más allá de las calles y transformándola en una experiencia artística integral.</p>

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El impresionante centro cultural de ocho pisos que celebra el arte urbano en San Pablo

<p>La histórica actuación de la Selección paraguaya en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá no solo quedó grabada en la memoria de los hinchas, sino también en las paredes de la ciudad de Asunción. Tras la clasificación frente a Alemania, el muralista Víctor Servín inmortalizó a Orlando Gill y José Canale en una obra que celebra a dos de los grandes héroes de la Albirroja durante el torneo.</p><h2>Así es el tributo artístico a Orlando Gill y José Canale en Asunción</h2><p>Con tan solo cuatro partidos como saldo restante del cronograma del Mundial de México, Estados Unidos y Canadá, ya podemos hacer un listado de los episodios más importantes que nos dejó esta edición de la competencia más importante del fútbol de selecciones nacionales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_696b210e4c.png" alt=""><figcaption>José Canale inmortalizado artísticamente en los muros de Asunción (Instagram/Victor Servín).</figcaption></figure><p>Y no hay dudas de que dentro de ese recorrido, donde aparecen momentos como el festejo de los hinchas noruegos o la aparición de fans característicos como Lumumba Vea, el aficionado estatua de República Democrática del Congo. Pero si tenemos que hablar de episodios estrictamente futbolísticos y, sobre todo, a nivel latinoamericano, hay que mencionar la actuación de la Selección de Paraguay de Gustavo Alfaro, superando la fase de grupos, dejando fuera a Alemania por penales y cayendo eliminada ante Francia por tan solo un gol. Una participación más que histórica.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-mural-que-celebra-la-huella-de-cucho-hernandez-en-el-mundial/1000143"><u><em>El mural que celebra la huella de Cucho Hernández en el Mundial</em></u></a></p><p>Y la Selección paraguaya no solo dejó su huella en las canchas de la Copa del Mundo, sino que también impactó en la escena del arte urbano nacional con una intervención homenaje en Asunción a dos de las figuras de la Albirroja en el torneo.</p><p>Ubicado en el Superviaducto de Madame Lynch, en la ciudad de Asunción, el muralista Víctor Servín, junto a sus colegas Justo “Toto” Servín y Francisco Rivas, convirtió uno de los muros del sector en un tributo artístico a Orlando Gill y José Canale, los héroes de la histórica clasificación ante Alemania en Boston.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaXyxoCDs7E/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaXyxoCDs7E/?img_index=3" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La intervención representa dos de los momentos más importantes de la tanda de penales entre Paraguay y Alemania: el penal de la clasificación de José Canale en el lado izquierdo y la atajada de Orlando Gill en el otro costado de la superficie, con la presencia de una franja roja y blanca en la parte superior como guiño a la camiseta de la Albirroja.</p><p>“<em>Siempre tuve ese anhelo de pintar en algún túnel o viaducto, como se hace en otros países, y formar parte de eso, pero con una temática nacionalista o, como prefiero decir, paraguayística. Estábamos en plena tendencia futbolera. Paraguay era noticia prácticamente en todo el mundo por la hazaña de eliminar a Alemania, entonces coincidimos en que esta sería una buena temática para esta ocasión</em>”, cuenta el muralista Víctor Servín acerca de la pieza.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fa3be839e2.png" alt=""><figcaption>El homenaje artístico a Orlando Gill del muralista Victor Servín (Instagram/Victor Servín).</figcaption></figure><p>Más allá de su valor artístico, la obra también refleja cómo el Mundial logró trascender el terreno de juego para instalarse en otros espacios de la cultura. En este caso, el muralismo volvió a convertirse en una herramienta para preservar la memoria colectiva y rendir homenaje a dos futbolistas que ya forman parte de una de las páginas más importantes en la historia reciente de la Selección paraguaya.</p>

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Del Mundial al arte urbano: el mural que inmortaliza a Orlando Gill y José Canale en Asunción

<p>Seguir el ritmo del género urbano no es tarea sencilla. Entre lanzamientos, colaboraciones, anuncios de giras y movimientos constantes dentro de la industria, mantenerse actualizado requiere estar atento todo el tiempo, y para eso existe ElBoyGénero, uno de los principales referentes informativos del género urbano en redes sociales.</p><h2>El argentino que informa el día a día del género urbano: ElBoyGénero</h2><p>Uno de los movimientos culturales más importantes de Latinoamérica y que más masas moviliza dentro de las redes sociales es, sin lugar a dudas, el género urbano.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7509233304739056901" data-video-id="7509233304739056901" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7509233304739056901" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Desde lanzamientos de canciones y álbumes hasta anuncios de giras, colaboraciones inesperadas o récords de reproducciones, las novedades del movimiento mantienen la atención de millones de fanáticos en todo el continente.</p><p>Y alrededor de artistas, discos y lanzamientos no solo surgen nuevos talentos que alimentan la escena, sino también creadores de contenido especializados en seguir cada paso de la industria. Así como hay quienes dedican sus plataformas a la actualidad deportiva, la moda o la política, también existen perfiles enfocados exclusivamente en el universo urbano, y uno de los nombres que mejor representa este fenómeno es ElBoyGénero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4600a55609.png" alt=""><figcaption>ElBoyGénero en el Buenos Aires Trap (Instagram/ElBoyGénero).</figcaption></figure><h2>ElBoyGénero y las redes sociales: el noticiero del género urbano</h2><p>Con más de 150 mil seguidores en redes sociales y una comunidad que acompaña cada una de sus publicaciones, el argentino se consolidó como uno de los principales referentes digitales del género urbano en habla hispana. A través de un contenido que funciona como un verdadero noticiero especializado, ElBoyGénero se convirtió en uno de los “referentes periodísticos” de la industria musical latinoamericana en redes: noticias sobre los principales artistas del momento, lanzamientos de canciones, colaboraciones, álbumes, anuncios de giras y todo aquello que impacta en la escena.</p><h2>El contenido de ElBoyGénero: debates, rankings y desafíos musicales</h2><p>Pero su propuesta va mucho más allá de la actualidad. También construyó una identidad propia mediante desafíos, rankings, debates entre artistas, repasos históricos de discos, canciones y colaboraciones que marcaron distintas épocas del movimiento, transformando sus redes en un punto de encuentro para fanáticos de todas las generaciones.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7512965044330630405" data-video-id="7512965044330630405" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@elboygenero/video/7512965044330630405" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Su crecimiento dentro de la comunidad urbana también quedó reflejado en colaboraciones junto a figuras como Álvaro Díaz y Darell, con quienes realizó contenidos especiales que refuerzan su cercanía con algunos de los nombres más importantes de la escena. Hoy, ElBoyGénero no solo informa sobre lo que ocurre dentro del movimiento, sino que se convirtió en una referencia para quienes buscan estar al día con cada novedad del género urbano.</p>

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El noticiero del género urbano tiene acento argentino

<p>Roberto Jiménez encontró en el arte gráfico una manera única de reinterpretar la cultura pop. A través del proyecto artístico llamado Basurita Blanca, el mexicano creó un universo de pósters e ilustraciones donde el humor y las referencias cotidianas son protagonistas.</p><h2>¿Quién es Roberto Jiménez, el creador de Basurita Blanca y sus icónicos pósters de cultura pop?</h2><p>El arte urbano y la ilustración contemporánea encontraron en la cultura pop una fuente inagotable de inspiración. Desde reinterpretaciones de personajes icónicos hasta referencias a películas, series, música y situaciones cotidianas, esta corriente artística logró construir un lenguaje propio que conecta rápidamente con el público. Y dentro de México, uno de los nombres más destacados de esta escena es el de Roberto Jiménez, creador de Basurita Blanca.</p><p>Póster de Basurita Blanca (Basurita Blanca).</p><p>Con un estilo marcado por el humor, la sátira y una fuerte identidad visual, el artista mexicano desarrolló un proyecto que transforma referencias de la cultura popular en pósters e ilustraciones cargadas de personalidad. A través de diseños que mezclan cine, televisión, música, deportes y el día a día con guiños a la identidad mexicana, Basurita Blanca logró construir una comunidad propia de seguidores y convertirse en uno de los proyectos gráficos más llamativos del país.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DWpugK3Bfr0/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DWpugK3Bfr0/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El trabajo de Roberto Jiménez se caracteriza por tomar personajes y situaciones ampliamente reconocibles y reinterpretarlos desde una mirada fresca, divertida y, muchas veces, nostálgica. Sus obras no solo funcionan como ilustraciones o piezas decorativas, sino también como una forma de contar historias y conectar distintas generaciones a través de elementos compartidos de la cultura pop.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_da8d840f33.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Basurita Blanca (Basurita Blanca).</figcaption></figure><p>Y es que el universo de Basurita Blanca va mucho más allá del diseño de un simple póster. Cada creación combina ilustración, humor e identidad cultural, consolidando a Roberto Jiménez como uno de los exponentes mexicanos que mejor supo trasladar el lenguaje de internet y la cultura popular al mundo del arte gráfico contemporáneo.</p>

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Basurita Blanca, el proyecto mexicano que transforma la cultura pop en arte urbano

<p>El universo de One Piece salió de las pantallas para convertirse en arte urbano: en la ciudad de León, más de veinte artistas locales dieron vida a sus principales personajes y crearon un monumental homenaje al universo creado por Eiichiro Oda.</p><h2>Luffy, Zoro y los Sombrero de Paja llegan a León en un mural monumental</h2><p>México es uno de los grandes referentes del muralismo latinoamericano y, dentro de su territorio, León se consolidó durante los últimos años como uno de los puntos destacados para el desarrollo del arte urbano. Ahora, la ciudad volvió a quedar en el centro de la escena gracias a un monumental homenaje al universo de One Piece.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_027ad72c44.png" alt=""><figcaption>Detalles del mural de One Piece en León (IMJU León).</figcaption></figure><p>La obra se encuentra sobre el bulevar José María Morelos, esquina con Rafael Corrales Ayala, y ocupa una superficie de aproximadamente 43 metros de largo por 7 metros de alto. Para llevar adelante el proyecto, más de veinte artistas urbanos locales unieron sus estilos en una intervención encabezada por Sergio Mar Quiroz, conocido artísticamente como Zhot, uno de los principales referentes del arte urbano leonés.</p><p>Con una trayectoria que supera los 150 murales y como uno de los referentes del colectivo RNK, Zhot lideró una obra que funciona como un portal directo hacia el universo creado por Eiichiro Oda, el mangaka detrás de una de las historias más importantes de la cultura japonesa contemporánea.</p><p>El mural reúne una extensa selección de personajes y símbolos reconocibles de One Piece, llevando al formato de gran escala a buena parte de los protagonistas de la historia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrOl4hBFHB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Monkey D. Luffy</li><li>Roronoa Zoro</li><li>Nami</li><li>Usopp</li><li>Sanji</li><li>Tony Tony Chopper</li><li>Nico Robin</li><li>Franky</li><li>Brook</li><li>Jinbe</li></ul><p>Otro de los elementos que más llama la atención es la presencia del Going Merry, el icónico barco que acompañó a los Sombrero de Paja durante una parte fundamental de su aventura, integrado dentro de una composición que conecta a los distintos personajes y momentos de la historia.</p><p>La intervención también incorpora un guiño al fenómeno global que One Piece alcanzó fuera del manga y el anime: la aparición de Iñaki Godoy, actor mexicano que interpreta a Monkey D. Luffy en la adaptación live action de Netflix, que llevó nuevamente el universo de Eiichiro Oda a una audiencia masiva.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6812405743.png" alt=""><figcaption>Fans de One Piece posando con el mural creado por Zhot y compañía en Léon (IMJU León).</figcaption></figure><p>El proyecto contó además con la participación de artistas locales como Mercy, Iturias, Bler, Crook, Chris Brown, Gabe, Mauricio, Frida, Zorbe, Brote, entre otros integrantes del colectivo de más de 20 artistas que participaron de la intervención.</p><p>Así, León suma una nueva pieza a su creciente recorrido dentro del muralismo mexicano con una obra que cruza generaciones, disciplinas y culturas: el arte urbano local se convierte en el escenario para homenajear a una historia que, después de más de mil episodios y décadas de recorrido, logró convertirse en uno de los grandes fenómenos culturales de Japón y del mundo.</p>

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El universo de One Piece toma las calles de León

<p>El fingerboard llevó la esencia del skateboarding a una tabla en miniatura y construyó una comunidad que no para de crecer, y en Argentina, uno de sus grandes referentes es Finger Industries.</p><h2>Finger Industries, un emblema del fingerboard en Argentina</h2><p>El movimiento del fingerboard, una práctica que traslada la esencia del skateboarding a tablas en miniatura controladas con los dedos, continúa creciendo a nivel internacional y cada vez gana más espacio dentro de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d4500e24ac.png" alt=""><figcaption>Fingerboard de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>Más allá de las grandes marcas que dominan el mercado global, cada país desarrolló sus propios protagonistas. En Argentina, uno de esos nombres es Finger Industries, una marca nacional fundada en el año 2015 y con sede en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires.</p><p>Con más de una década de trayectoria, la firma se convirtió en uno de los principales referentes de la escena local gracias a una propuesta que combina fabricación propia, distribución de marcas internacionales y desarrollo de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIPPQMnPMGb/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A eso se suma una fuerte presencia en redes sociales, donde supera los 200 mil seguidores, consolida un vínculo directo con quienes practican fingerboard y ayuda a difundir una disciplina que pasó de ser un hobby de nicho a construir una escena cada vez más grande en Argentina.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/sueno-con-que-cada-provincia-tenga-una-marca-de-fingerboards-propia/1530</p><h2>De fabricar una tabla propia a construir una marca</h2><p>Antes de convertirse en uno de los grandes nombres del fingerboard argentino, Finger Industries tuvo un comienzo mucho más simple. La historia empezó en el año 2015, cuando su fundador no lograba conseguir en Argentina un fingerboard profesional de madera que cumpliera con la calidad que buscaba.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOrMJJoDpMF/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa necesidad se transformó en una oportunidad. A través de pruebas, errores y aprendizaje, comenzó a experimentar con técnicas de laminado y fabricación hasta conseguir tablas que respondieran a sus expectativas.</p><p>Un año más tarde apareció la tienda online, en una etapa en la que, según recuerdan desde la propia marca, vender apenas un par de fingerboards por semana ya representaba un gran logro.</p><p>Desde entonces, Finger Industries comenzó a crecer de manera progresiva a través de eventos, redes sociales y la difusión constante de la disciplina. En el año 2018 amplió su equipo de trabajo para mejorar la producción y aumentar la capacidad de fabricación.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C6mw_P1Nuo-/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El gran salto llegó durante la cuarentena, cuando el fingerboard encontró en el hogar un escenario ideal para crecer y la marca consiguió alcanzar a una audiencia mucho más amplia. Ese proceso desembocó, en el año 2021, en la apertura de Fingershop, un espacio físico pensado no solo para comprar productos, sino también para practicar, encontrarse con otros riders y vivir la cultura del fingerboard de manera presencial.</p><h2>Finger Industries y un catálogo pensado para todos los niveles</h2><p>Decir que Finger Industries funciona como un paraíso para quienes viven el fingerboard no es una exageración. Su catálogo reúne prácticamente todo lo necesario tanto para quienes recién empiezan como para riders que buscan mejorar cada detalle de su setup.</p><ul><li>Tapes</li><li>Ruedas</li><li>Trucks</li><li>Tuercas</li><li>Tablas</li><li>Fingerboards completos</li><li>Bujes</li><li>Racks</li><li>Herramientas</li><li>Accesorios</li><li>Rampas</li><li>Módulos</li><li>Rails</li><li>Finger scooters</li><li>Finger BMX</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_c51156160d.png" alt=""><figcaption>Fingerboards de Finger Industries (Instagram/Finger Industries).</figcaption></figure><p>La propuesta permite desde armar un fingerboard pieza por pieza, eligiendo componentes y diseños de manera personalizada, hasta adquirir modelos completamente armados y listos para usar.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/nestor-el-abuelo-de-74-anos-que-se-convirtio-en-una-estrella-del-fingerboard/1000332</p><p>Además de comercializar productos propios, Finger Industries también distribuye distintas marcas internacionales, ampliando todavía más una oferta pensada para distintos niveles y estilos.</p><p>Todos los productos pueden adquirirse a través de la tienda oficial de la marca o de manera presencial en su local ubicado en Sáenz 179, Lomas de Zamora, un punto de encuentro que combina tienda, práctica y comunidad alrededor del fingerboard.</p>

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Finger Industries, el paraíso del fingerboard en Buenos Aires

<p>Desde retratos y cuadros hasta prendas, sneakers y micrófonos personalizados, el arte encontró en la música urbana un nuevo espacio para expandirse, y en Perú, Erick Jonziel convirtió ese vínculo en su propia disciplina.</p><h2>Erick Jonziel y el arte que llegó a los escenarios de la música urbana</h2><p>Las distintas facetas del arte encuentran en la música urbana un espacio para expandirse: desde la creación de retratos y obras inspiradas en sus protagonistas hasta la personalización de prendas, sneakers y objetos que luego forman parte de sus shows.</p><p>En Perú existe un artista que construyó prácticamente un multiverso alrededor de estas propuestas, y esa persona es Erick Jonziel, conocido también como “el artista de los artistas”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_e189ade310.png" alt=""><figcaption>Erick Jonziel junto a Anuel AA (Instagram/Erick Jonziel).</figcaption></figure><p>Con más de 300 mil seguidores en redes sociales, Erick Jonziel se convirtió en uno de los referentes de una disciplina que une arte, diseño y cultura urbana a través de piezas de colección con acabados lujosos.</p><p>Un trabajo que no solo lo consolidó como un emblema artístico dentro del género urbano regional, sino que también lo llevó a codearse y crear piezas para algunas de las figuras más importantes de la música urbana latinoamericana.</p><ul><li>Nicky Jam</li><li>Ryan Castro</li><li>Anuel</li><li>Omar Courtz</li><li>Nio García</li><li>Myke Towers</li><li>De La Rose</li><li>Chris MJ</li><li>María Becerra</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7434237354627419447" data-video-id="7434237354627419447" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7434237354627419447" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><h2>Retratos, customs y arte para los protagonistas de la música urbana latina: el universo artístico de Erick Jonziel</h2><p>Una de las principales características de su obra aparece en los retratos personalizados, donde el artista lleva la representación de los músicos a una nueva dimensión. Sus cuadros no se limitan a reproducir el rostro o la imagen de sus protagonistas, sino que incorporan elementos que sobresalen físicamente de la pieza. Un claro ejemplo aparece en los retratos de artistas como Nicky Jam, Ryan Castro o Anuel AA, donde el peruano replica sus cadenas y otros accesorios para convertirlos en elementos tridimensionales que salen del cuadro y generan un efecto visual único.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7298022086201724165" data-video-id="7298022086201724165" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@erickjonziel/video/7298022086201724165" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>Pero los cuadros son apenas una parte de su universo creativo. Otro de sus grandes pilares está en la customización de prendas y sneakers, con piezas inspiradas en la identidad, estética y universo de diferentes artistas. El resultado son diseños exclusivos que, en varios casos, terminaron dejando de ser simples piezas de colección para convertirse en parte de los outfits utilizados por los propios músicos durante sus presentaciones.</p><p>La personalización también llegó a uno de los objetos más reconocibles de cualquier show: el micrófono. Cada vez es más habitual que los artistas busquen llevar elementos exclusivos al escenario y Erick Jonziel se convirtió en uno de los especialistas en transformar estos instrumentos en verdaderas piezas de diseño. Entre sus trabajos aparecen customs realizados para figuras como Nicky Jam y Nio García, demostrando que su propuesta puede trasladarse prácticamente a cualquier elemento que forme parte de la identidad visual de un artista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_976d203901.png" alt=""><figcaption>Nio García utilizando un micrófono personalizado por Erick Jonziel en uno de sus conciertos (Instagram/Erick Jonziel).</figcaption></figure><p>Así, entre retratos que salen del lienzo, prendas diseñadas especialmente para los escenarios y micrófonos convertidos en piezas de colección, Erick Jonziel construyó una propuesta artística que tiene a los protagonistas de la música como eje central. Una forma de entender el arte que no solo homenajea a los artistas, sino que también consigue llevar su identidad a objetos y piezas que terminan formando parte de sus propias historias.</p>

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¿Quién es Erick Jonziel, el artista que convierte a los músicos en piezas de colección?

<p>Ilustración, animación 2D y 3D, moda y diseño de personajes forman parte del universo de Artsy Kars, una artista mexicana que convirtió la creación de mundos en su sello personal.</p><h2>Color, personajes y fantasía: la identidad de Artsy Kars</h2><p>Hay artistas que crean obras y otros que construyen universos enteros alrededor de ellas. Y en México, Artsy Kars convirtió la ilustración, la animación y el diseño de personajes en su propia forma de crear mundos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9266ab1ced.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Artsy Kars (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure><p>La artista mexicana Karen Sofía Vega Moreno, conocida artísticamente como Artsy Kars, construyó una identidad visual propia a partir de la combinación de animación, ilustración, diseño de personajes y creación de mundos. Su propuesta se caracteriza por una estética vibrante inspirada en el arte pop, el color y la narrativa, con piezas que mezclan elementos 2D y 3D para desarrollar universos cargados de personajes, emociones y simbolismo.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/el-taller-mexicano-que-mantiene-viva-la-tradicion-zapoteca-jacobo-y-maria-angeles/2175</p><p>Su proceso creativo le permite moverse entre diferentes disciplinas y técnicas, utilizando ilustraciones digitales y animaciones dinámicas para explorar nuevas dimensiones y darles vida a mundos imaginarios. A esto se suma una fuerte influencia de la moda, que aparece tanto en sus personajes como en prendas y artículos que forman parte de su universo artístico.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Uno de los proyectos centrales dentro de su obra es ArtsyWorld, un mundo ficticio en expansión poblado por personajes, criaturas y narrativas mágicas. A través de este espacio, Artsy Kars explora conceptos como la identidad queer, la transformación, la moda, la mitología, la sensualidad y la belleza surrealista de la vida cotidiana, combinando referencias del anime, el arte pop, la cultura urbana y el arte digital contemporáneo.</p><p>Su trabajo también trascendió el ámbito personal para llegar a algunas de las principales industrias del entretenimiento, la música y la moda.</p><ul><li>Sony Music</li><li>Matisse</li><li>Yeri Mua</li><li>Disney</li><li>Adidas</li><li>Natura</li><li>Tecate Emblema</li></ul><p>Dentro de estos proyectos, la mexicana participó en la creación de promocionales animados, key visuals, portadas ilustradas, diseño de personajes y dirección visual integral, llevando su particular lenguaje artístico a diferentes formatos y plataformas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_84eb601541.png" alt=""><figcaption>Karen Sofía Vega Moreno junto a uno de los personajes de su universo artístico (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure><p>La propuesta de Artsy Kars encuentra así uno de sus principales atractivos en la capacidad de construir personajes que funcionan como protagonistas de sus propios mundos: obras combinan color, identidad, moda y narrativa para crear una estética lúdica y expresiva, donde lo cotidiano puede transformarse en escenarios cargados de fantasía.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/brandon-mata-y-el-arte-de-pintar-letreros-a-mano/2169</p><p>Radicada en Ciudad de México, la artista continúa expandiendo su lenguaje a través de la animación, la ilustración, la dirección de arte y la creación de mundos, consolidando una visión artística donde el color y la imaginación funcionan como herramientas para contar historias.</p><p>https://www.streetartlatam.com/articulo/pokemon-arte-huichol-y-piezas-unicas-hechas-a-mano-el-universo-de-taka-arte/2172</p>

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Artsy Kars, la artista mexicana que creó su propio universo de color

<p>De jugar Tony Hawk en PlayStation a conseguir sus primeros sponsors y competir, Kinky Boy, skater oriundo de Mendoza, construyó una historia marcada por el skateboarding.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo comenzó tu vínculo con el skate?</strong></p><p>La primer cercanía con el skate que tuve fue aproximadamente para el año 2007, para ese entonces yo tenía siete años y era un niño que le gustaba mucho jugar Playstation, uno de los juegos que más jugaba era Tony Hawk, tenía varios de la saga, “<em>ProSkater 1 y 2</em>”, “<em>Proving Ground</em>”, “<em>Project 8</em>” y otros, yo tenía una patineta de juguete pero sabía que no era como la que salían en los videos dentro del juego entonces le pedí una “real” a mi padre. En ese entonces mi hermano mayor tenía su skate y era súper distinto a la mía de juguete y ahí surgieron mi duda y ganas de tener una mejor.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f2126fa673.png" alt=""><figcaption>Kinky Boy en acción (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure><p><strong>¿Quiénes fueron tus primeros ídolos o referentes?</strong></p><p>Para ese entonces recuerdo mucho haber visto a un Nyjah Huston niño en sus videopartes de Element que hacía trucos increíbles y ahí nacieron las ganas de patinar , ya que él con 11 años ya hacía locuras que todo niño o adulto querría hacer. Otros skaters que me motivaban también eran Paul Rodriguez, Pj Ladd, Shane Oneill y así te puedo nombrar varios.</p><p><strong>¿Qué momento de tu carrera recordás como el más importante?</strong></p><p>Yo creo que los primeros 5 años de mi comienzo fueron sin saber que quizás un día cumpliría sueños que ni siquiera yo sabia que tenia hasta ese momento, cuando tenia 13/14 años fue cuando me di cuenta que realmente no era un simple juego o hobbie para mi ya que se estaban dando oportunidades de “sponsors” con marcas locales, ganaba algunos campeonatos y ya filmaba video partes en la calle, eso marcó mi trayectoria a lo que soy hoy en dia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DLxeH6XuuRk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DLxeH6XuuRk/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p><strong>¿Cuál fue el truco que más te costó aprender?</strong></p><p>Me costó muchísimo tiempo aprender kickflip como un año aproximadamente, luego de eso empecé a entender un poco más la técnica con los demás trucos y ya me facilitaba para aprender otras combinaciones.</p><p><strong>¿Cómo ves actualmente la escena del skate en tu país?</strong></p><p>En Argentina hay un nivel increíble de chicos que quizás no son tan conocidos o que no cuentan con un apoyo material para la práctica, pero eso también habla de que la industria está un poco estancada ya que es una disciplina bastante costosa monetariamente hablando. En Argentina, por suerte hay eventos casi todo el año para que chicos y chicas se sientan motivados y enfocados para su progreso en la práctica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c2925f26f.png" alt=""><figcaption>Sesión de fotos de Kinky Boy (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué cosas cambiaron desde que comenzaste hasta hoy?</strong></p><p>Cambió muchísimo mi mentalidad a medida que iba creciendo ya que me lo fui tomando más serio cada vez, también los entornos en los que concurría a practicar, al principio era solo calle, después hicieron varios skateparks en mi ciudad que facilitaban un poco más el aprendizaje y la motivación. También los círculos de amigos que hoy en día se dedican a otras cosas ajenas al skateboarding.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CuNugtZp2ND/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CuNugtZp2ND/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p><strong>¿Qué importancia tienen las redes sociales para los skaters actualmente?</strong></p><p>Ayuda bastante el hecho de “hacerse conocido” si se lo utiliza de una forma estratégica para el crecimiento personal, te acerca a gente que quizás no sabía de tu existencia y te ven subiendo contenido todo el rato relacionado al skate. Pienso que es una herramienta que en la modernidad se tiene que usar para favorecer la imagen, pero tampoco abusar de eso.</p><p><strong>¿Qué significa el skate para vos después de todos estos años?</strong></p><p>Para mí y para muchos significa superación, te ayuda a enfocarte, te brinda valores que no se aprenden en todos lados, te enseña a caerte y levantarte las veces que sea necesario, el skate es unión, te conecta con gente de cualquier parte del mundo sin tener que hablar el mismo idioma. El skateboarding salvó mi vida muchas veces y estoy agradecido con la vida por haberme puesto esto en mi camino.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_92571e58fb.png" alt=""><figcaption>Kinky Boy en las calles de Buenos Aires (Instagram/Kinky Boy).</figcaption></figure>

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“El skateboarding salvó mi vida muchas veces”

<p>Luego de la acción en Río de Janeiro, Street League Skateboarding llevó el Takeover a Tempe, Arizona, donde Braden Hoban y Yumeka Oda se quedaron con los títulos.</p><h2>Braden Hoban se quedó con la cima del Takever en Tempe</h2><p>El estadounidense Braden Hoban (27.3) brilló en el Mullet Arena de Tempe, Arizona, y se quedó con el primer puesto en la rama masculina del Takeover de la Street League Skateboarding, logrando así su primera victoria en la presente temporada de la competencia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_97002319d9.png" alt=""><figcaption>Braden Hoban besando el trofeo de campeón de la Street League Skateboarding (SLS).</figcaption></figure><p>Además de alzarse con el campeonato, Hoban realizó el truco con mayor puntuación de la noche: un kickflip back noseblunt que recibió un 9.5 en su última pasada.</p><p>El brasileño Felipe Mota (27.0) se quedó con la medalla de plata y también logró la mejor actuación latinoamericana de la competencia, mientras que el japonés Kairi Netsuke (25.7) completó el podio con el tercer puesto.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DctebElBNcs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DctebElBNcs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Los estadounidenses Lazer Crawford (23.6) y Jagger Eaton (17.0) completaron la clasificación final en el cuarto y quinto lugar, respectivamente.</p><h2>Yumeka Oda y una nueva victoria en la Street League Skateboarding</h2><p>La japonesa Yumeka Oda (19.3) se consagró campeona de la rama femenina en el Takeover de la Street League Skateboarding en Tempe, asegurándose su segunda victoria en la competencia y su primer triunfo en este formato.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DcrpGa1B7mG/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DcrpGa1B7mG/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La skater selló el título con un kickflip back 50, en una final que volvió a tener dominio japonés en los primeros puestos: Miyu Ito (18.7) consiguió la medalla de plata, mientras que Coco Yoshizawa (18.4) completó el podio con el tercer lugar.</p><p>La brasileña Maria Lucia (15.0), única representante latinoamericana en la ronda final, terminó en el quinto puesto de la clasificación.</p>

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Braden Hoban y Yumeka Oda, las estrellas del Takeover de la Street League Skateboarding en Tempe

<p>El skateboarding cuenta con diferentes modalidades, cada una con sus propios escenarios, obstáculos y formas de desarrollar los trucos, y Street Art Latam te trae una guía para conocer sus principales disciplinas: street, park y bowl.</p><h2>Street: cuando la ciudad se convierte en un skatepark</h2><p>El street es una de las modalidades más vinculadas con los orígenes urbanos del skateboarding. En lugar de utilizar exclusivamente rampas diseñadas para patinar, los skaters aprovechan elementos del mobiliario urbano para desarrollar sus líneas y trucos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6388c185da.png" alt=""><figcaption>Escenario de street en el mundo del skateboarding (Red Bull).</figcaption></figure><p>Escaleras, barandas, bancos, bordes, muros y desniveles pueden convertirse en obstáculos para realizar diferentes maniobras, mientras que la creatividad y la capacidad para interpretar el entorno tienen un papel fundamental.</p><p>En las competencias de street, los participantes suelen ser evaluados por aspectos como la dificultad de los trucos, la ejecución, la variedad, el uso de los obstáculos y la fluidez de sus recorridos.</p><h2>Park: trucos, velocidad y líneas en un circuito de rampas</h2><p>El park se desarrolla en circuitos especialmente construidos para el skateboarding, que combinan diferentes rampas, transiciones, desniveles y obstáculos.</p><p>A diferencia del street, donde el escenario busca reproducir elementos de la ciudad, los skateparks permiten construir recorridos específicos para que los skaters puedan aprovechar las distintas estructuras y ganar velocidad.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/CmRarO1_NGo" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>Las líneas pueden incluir saltos, giros, grinds y diferentes maniobras realizadas sobre las rampas y obstáculos del circuito, donde la velocidad, la altura y la dificultad de los trucos son algunos de los elementos que adquieren protagonismo.</p><p>Esta modalidad también forma parte del programa olímpico, donde el recorrido se desarrolla sobre un circuito con distintas transiciones y obstáculos.</p><h2>Bowl: velocidad y transiciones dentro de una gran estructura</h2><p>El bowl toma su nombre de la forma de las estructuras en las que se practica. Se trata de espacios con paredes curvas y transiciones que permiten que los skaters recorran el circuito utilizando el impulso generado por sus movimientos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fe9f25ca4b.png" alt=""><figcaption>El skater español Danny León haciendo skate en un bowl (Red Bull).</figcaption></figure><p>En lugar de desplazarse principalmente de un obstáculo a otro, como puede ocurrir en street, el skater aprovecha las paredes y transiciones para mantener la velocidad, subir por los laterales y realizar diferentes maniobras.</p><p>La profundidad y la forma del bowl pueden variar considerablemente, generando diferentes posibilidades para quienes lo utilizan. La modalidad exige un buen control de la velocidad, equilibrio y capacidad para leer las transiciones de la estructura.</p>

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¿Cuáles son las principales modalidades del skateboarding?

<p>El stencil es una de las técnicas más reconocibles del arte urbano y una forma sencilla de llevar una imagen, palabra o diseño a una superficie.</p><p>A diferencia de otras disciplinas, no requiere grandes conocimientos para dar los primeros pasos: con una plantilla, pintura y algunos materiales básicos es posible crear una intervención sobre una superficie permitida.</p><h2>¿Qué es un stencil y qué materiales se necesitan?</h2><p>El stencil consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una imagen o diseño sobre una superficie. Al aplicar pintura sobre las zonas recortadas, el material atraviesa esos espacios y genera la figura elegida.</p><p>Para comenzar, se pueden utilizar materiales relativamente fáciles de conseguir:</p><ul><li>Una hoja de papel o cartulina para realizar el diseño.</li><li>Un material más resistente para crear la plantilla, como acetato, plástico fino o cartón.</li><li>Lápiz y regla.</li><li>Cutter o herramienta de corte.</li><li>Pintura en aerosol o pintura aplicada con rodillo o pincel.</li><li>Una superficie permitida sobre la que realizar el diseño.</li><li>Guantes y, si se utiliza aerosol, protección respiratoria adecuada y buena ventilación.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0345934320.png" alt=""><figcaption>Plantilla de stencil (Ana Fernandes).</figcaption></figure><h2>Del diseño hasta la pintura: el paso a paso para hacer un stencil</h2><h3>Elegí el diseño</h3><p>El primer paso es definir qué imagen, palabra o ilustración querés convertir en stencil. Para empezar, lo recomendable es utilizar una figura sencilla, con pocos detalles y formas fácilmente reconocibles.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artistas pintando sobre un stencil en Chile (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h3>Prepará la plantilla</h3><p>Dibujá o imprimí el diseño sobre el material que vas a utilizar como plantilla. Si la imagen tiene diferentes zonas de color, podés preparar una plantilla independiente para cada capa.</p><h3>Identificá las zonas que vas a recortar</h3><p>Antes de utilizar el cutter, definí qué partes de la imagen deben quedar abiertas para permitir el paso de la pintura. Es importante mantener pequeños puentes de material para que las diferentes partes de la plantilla permanezcan conectadas.</p><h3>Recortá el stencil</h3><p>Con cuidado, recortá las zonas previamente marcadas. Este paso define gran parte del resultado final, por lo que conviene trabajar lentamente y mantener los bordes lo más limpios posible.</p><h3>Fijá la plantilla</h3><p>Colocá el stencil sobre una superficie limpia y permitida y asegurate de que quede bien sujeto. Cuanto menos se mueva durante la aplicación, más definidos quedarán los bordes del diseño.</p><h3>Aplicá la pintura</h3><p>Aplicá una capa fina y uniforme de pintura sobre las zonas abiertas de la plantilla. Si utilizás aerosol, evitá cargar demasiado una misma zona para reducir el riesgo de que la pintura se filtre por debajo del stencil.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce7aa6c5e9.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil finalizada en las calles (Hugo L. Casanova).</figcaption></figure><h3>Retirá la plantilla</h3><p>Una vez aplicada la pintura, retirala con cuidado antes de que se acumule demasiado material en los bordes. De esta manera podrás descubrir el resultado final del diseño.</p><h3>Experimentá con capas y colores</h3><p>Cuando ya tengas práctica, podés combinar diferentes plantillas, colores y capas para crear diseños más complejos. Esta técnica permite pasar de una imagen simple a composiciones mucho más elaboradas.</p><p>El stencil demuestra que el arte urbano también puede construirse a partir de procesos simples: una buena idea, una plantilla bien diseñada y el control de la pintura pueden ser suficientes para transformar una imagen en una pieza visual.</p><p><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208">https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208</a></p><p><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208">https://www.streetartlatam.com/articulo/la-razon-por-la-que-los-muralistas-hacen-garabatos-antes-de-pintar-sus-obras/2208</a></p><p>&nbsp;</p>

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Cómo hacer un stencil: paso a paso para crear tu propia plantilla

<p>Durante años, parkour y freerunning fueron utilizados como sinónimos, pero cada disciplina tiene una identidad propia. Mientras una prioriza la eficiencia y la velocidad, la otra encuentra en la creatividad y las acrobacias su principal forma de expresión, y Street Art Latam te ayuda a identificarlas.</p><h2>Parkour y freerunning: dos disciplinas, un objetivo diferente</h2><p>Es muy probable que muchos piensen que el parkour y el freerunning son la misma disciplina, simplemente con un nombre diferente, como suele ocurrir con otras disciplinas.</p><p>Sin embargo, aunque ambas comparten movimientos, saltos y desplazamientos por el entorno urbano, existe una diferencia fundamental: el objetivo principal de cada una.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a6efe29821.png" alt=""><figcaption>El freerunner Krystian Kowalewski sobre una azotea en la isla griega de Astypalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El parkour busca llegar de un punto A a un punto B de la manera más rápida, eficiente y segura posible. El freerunning, en cambio, prioriza la libertad de movimiento, la creatividad y la expresión personal, incorporando elementos acrobáticos y movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</p><h2>¿Cuáles son las principales diferencias entre parkour y freerunning?</h2><p>Aunque ambas disciplinas nacieron de una misma raíz y comparten numerosas técnicas, con el paso del tiempo desarrollaron identidades propias.</p><ul><li>Objetivo: el parkour prioriza la velocidad, la eficiencia, la técnica y la resolución de obstáculos. El freerunning pone el foco en la creatividad, la expresión personal y la estética de cada movimiento.</li></ul><ul><li>Movimientos: el parkour utiliza desplazamientos, saltos, trepadas, carreras por paredes y otros movimientos destinados a superar obstáculos de manera funcional. El freerunning incorpora además giros, acrobacias, saltos mortales y movimientos más espectaculares.</li></ul><ul><li>Esencia: para el parkour, el recorrido y la manera de superar cada obstáculo son los elementos centrales. En el freerunning, el estilo y la forma de ejecutar cada movimiento también se convierten en protagonistas.</li></ul><ul><li>Libertad: mientras el parkour busca encontrar una solución eficiente para atravesar un espacio, el freerunning permite modificar el recorrido y sumar movimientos que no necesariamente representan el camino más corto.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bc8c323590.png" alt=""><figcaption>Freerunner realizando una acrobacia en una azotea en una azotea de la isla griega de Astipalea (Red Bull).</figcaption></figure><p>El freerunning se popularizó especialmente gracias a Sébastien Foucan, quien ayudó a desarrollar una interpretación más libre y acrobática del movimiento urbano.</p><p>Con el tiempo, esta disciplina encontró su propia identidad y se convirtió en una de las expresiones más reconocibles dentro de los deportes urbanos.</p><p>En definitiva, ambas disciplinas comparten una misma raíz y muchas de sus técnicas, pero su filosofía es diferente: el parkour busca eficiencia; el free running busca expresión.</p>

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¿Por qué el freerunning es diferente al parkour?

<p>Guatemala fue escenario de una nueva edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding, una competencia que tuvo a Costa Rica como líder del medallero y a Guatemala y Panamá entre las principales protagonistas.</p><h2>Guatemala recibió la cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding</h2><p>Después de dos jornadas a puro skateboarding, repletas de competencias, trucos, caídas y muchísimo nivel, la cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding llegó a su fin en Guatemala, con representantes de seis países de la región.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_db5fcbd1fa.png" alt=""><figcaption>La performance de Kevin Pereira Sánchez en el Campeonato Centroamericano de Skateboarding (Strit Foto).</figcaption></figure><p>La competencia tuvo definiciones tanto en la rama masculina como femenina, con representantes de Costa Rica, Guatemala y Panamá entre los principales protagonistas.</p><h3>Rama masculina:</h3><ul><li>Kevin Pereira Sánchez (oro) — Costa Rica</li></ul><ul><li>Elías David Fernández (plata) — Guatemala</li></ul><ul><li>Dionel Jaén (bronce) — Panamá</li></ul><h3>Rama femenina:</h3><ul><li>Isabella Victoria Lima (oro) — Guatemala</li></ul><ul><li>Sheila Laleska Morales (plata) — Costa Rica</li></ul><ul><li>Valerie Sofía Lima (bronce) — Guatemala</li></ul><p>Más allá de las finales, el Campeonato Centroamericano de Skateboarding también contó con competencias de Best Trick, tanto en la rama masculina como femenina, que permitieron poner el foco en algunas de las maniobras más destacadas de la jornada.</p><p>En la competencia general, el costarricense Mariano Villalobos se quedó con el primer puesto del Best Trick masculino, mientras que Isabella Jiménez Pérez consiguió la victoria en la rama femenina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dc0a51c0a0.png" alt=""><figcaption>La performance de Mariano Villalobos  en el Campeonato Centroamericano de Skateboarding (Strit Foto).</figcaption></figure><p>Por su parte, el Best Trick correspondiente a las finales tuvo como ganador al nicaragüense Silvio Javier Castillo en la rama masculina, mientras que la guatemalteca Isabella Victoria Lima, campeona de la final femenina, también se quedó con el reconocimiento en esta categoría.</p><h2>Costa Rica, el rey del medallero del Campeonato Centroamericano de Skateboarding</h2><p>Con los resultados de las distintas competencias, Costa Rica terminó como una de las grandes protagonistas de la cuarta edición del Campeonato Centroamericano, seguida por Guatemala, país anfitrión, y Nicaragua.</p><p>Panamá, por su parte, se ubicó en el cuarto lugar del medallero, mientras que El Salvador y Honduras fueron las únicas dos naciones participantes que no consiguieron sumar preseas durante la competencia.</p><h2>Una muestra del crecimiento del skateboarding centroamericano</h2><p>La cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding dejó mucho más que nombres y medallas. La presencia de seis selecciones permitió reunir en un mismo escenario diferentes estilos, técnicas y formas de entender el skateboarding, en una competencia que también sirvió para demostrar el crecimiento que atraviesa la disciplina en distintos países de Centroamérica.</p><p>Con Costa Rica y Guatemala como las grandes protagonistas de los resultados, el certamen volvió a poner en escena el talento de una región que continúa ganando espacio dentro del mapa del skateboarding latinoamericano.</p>

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Costa Rica dominó el Campeonato Centroamericano de Skateboarding en Guatemala

<p>José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.</p><p><strong>Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?</strong></p><p>Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.</p><p>Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.</p><p><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? </strong></p><p>Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.</p><p>En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.</p><p>Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.</p><p>El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p><strong>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?</strong></p><p>La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.</p><p>Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.</p><p><strong>¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?</strong></p><p>En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.</p><p>Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.</p><p>La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.</p><p>A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.</p><p><strong>¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?</strong></p><p>Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.</p><p>Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.</p><p>En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.</p><p><strong>¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?</strong></p><p>Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.</p><p>Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.</p><p>En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.</p><p><strong>¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?</strong></p><p>También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.</p><p>Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.</p><p><strong>¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?</strong></p><p>Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.</p><p>Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.</p><p>Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.</p><p><strong>¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?</strong></p><p>El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure><p>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.</p><p>Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.</p><p>Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.</p><p>En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.</p><p>En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.</p><p>Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.</p>

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

<p>Si alguna vez viste de cerca el proceso de creación de un mural, probablemente hayas notado algo extraño: antes de pintar, el artista llena la pared de garabatos.</p><p>Y no, no lo hace al azar, sino que es parte de una técnica conocida como <em>doodle grid</em>, que ayuda a trasladar bocetos a gran escala.</p><h2>Doodle grid: por qué los muralistas llenan de garabatos las paredes antes de pintar</h2><p>Es muy probable que, si alguna vez prestaste atención a cómo los artistas realizan sus murales, hayas notado que antes de comenzar con la pintura final suelen llenar la superficie de líneas, formas, letras y garabatos. Y aunque a simple vista pueda parecer algo hecho al azar, en realidad se trata de una técnica utilizada para trasladar un boceto a gran escala con mayor precisión.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e0bb6afe05.png" alt=""><figcaption>Doodle grid hecho por Martín Ron (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure><p>Conocida como <em>doodle grid</em> o cuadrícula de garabatos, esta técnica funciona como una especie de mapa visual sobre la pared. El artista cubre previamente la superficie con diferentes referencias, generalmente utilizando un color claro o spray, para después utilizarlas como puntos de orientación mientras reproduce el diseño a mano alzada.</p><p>A diferencia de una cuadrícula geométrica tradicional, donde la pared se divide en cuadrados para mantener las proporciones, el <em>doodle grid </em>propone una referencia mucho más intuitiva y dinámica. Los garabatos permiten ubicar elementos, calcular proporciones y trasladar partes complejas del boceto sin necesidad de recurrir necesariamente a un proyector.</p><p>Además, esta técnica resulta especialmente útil cuando se trabaja sobre superficies de gran tamaño o en espacios exteriores donde las condiciones de luz pueden dificultar el uso de proyectores. Una vez que comienza la pintura definitiva, las líneas y formas utilizadas como referencia quedan completamente cubiertas, haciendo que desaparezca ese particular “mapa” que permitió construir el mural.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>De esta manera, lo que para cualquier persona puede parecer una pared llena de garabatos sin sentido funciona en realidad como una herramienta de planificación: una manera más rápida, flexible e intuitiva de conservar las proporciones y trasladar un diseño desde un boceto pequeño hasta una obra de grandes dimensiones.</p>

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La razón por la que los muralistas hacen garabatos antes de pintar sus obras

<p>Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.</p><h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2><p>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure><p>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.</p><p>Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure><p>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.</p><h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2><p>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.</p><ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure><p>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.</p>

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El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

<p>La escultura también puede nacer de aquello que queda fuera del circuito del consumo. Y en la Ciudad de México, Gastón Gallardo, conocido artísticamente como Galo Escultor, encuentra en objetos recuperados una materia prima para construir piezas que invitan a mirar el mundo desde otra perspectiva.</p><h2>Galo Escultor, una mirada que convierte los objetos en arte</h2><p>Dentro de la escena artística urbana y contemporánea de México, Gastón Gallardo, conocido en el mundo de la escultura como Galo Escultor o simplemente Galo, construyó una identidad marcada por la experimentación con materiales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2547439625.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Egresado de la Universidad Latinoamericana y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, el artista oriundo de la Ciudad de México combina su formación académica con una búsqueda que encuentra inspiración en aquello que muchas veces queda relegado al descarte.</p><p>Su trabajo parte de la recolección de objetos en mercados y tianguis, elementos que adquieren una nueva lectura cuando pasan por sus manos. En lugar de observarlos únicamente como materiales sin utilidad, Galo los entiende como pequeñas piezas de memoria y vestigios de la vida cotidiana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A partir de ellos crea esculturas únicas e irrepetibles, en las que aparecen figuras como caballos, peces, aves, rinocerontes, gorilas y tecuanes, entre muchas otras formas.</p><p>A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones individuales y colectivas y llevó sus piezas a distintos espacios culturales de México, entre ellos aparecen el Museo de la Ciudad de México, la Academia de San Carlos, la Biblioteca Vasconcelos y la Bienal de Fotografía de Oaxaca.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_59a87a2d53.png" alt=""><figcaption>Trabajos de Galo Escultor (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Su obra también se caracteriza por combinar distintos materiales y objetos de uso cotidiano, generando piezas en las que lo encontrado deja de ser simplemente un elemento viejo para convertirse en parte de una composición artística.</p><h2>Arte, consumo y una segunda vida para los objetos</h2><p>Detrás de cada pieza existe también una reflexión sobre la manera en que la sociedad produce, consume y descarta. La recuperación de materiales funciona como una forma de cuestionar ese ciclo y demostrar que aquello que perdió su función todavía puede adquirir un nuevo significado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_918c9ee247.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure><p>Así, Galo explora lo onírico, lo religioso y lo simbólico, utilizando la escultura como una herramienta para hablar sobre el ambiente y la cultura del descarte.</p><p>Cada creación es, en definitiva, una nueva oportunidad para mirar aquello que normalmente pasa desapercibido: objetos cotidianos que, después de ser encontrados y transformados, pueden convertirse en piezas únicas y volver a tener una historia.</p>

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Galo Escultor, el artista que transforma lo descartado en piezas artísticas

<p>El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.</p><h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2><p>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure><p>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.</p><p>Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.</p><h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2><p>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.</p><p>Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.</p><ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.</p><h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2><p>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.</p><p>Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.</p><h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2><p>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure><p>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.</p><p>Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.</p><p>El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure><p>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.</p><p>En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.</p>

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¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

<p>Aunque todas comparten la bicicleta y la búsqueda de nuevos trucos, las modalidades del BMX Freestyle presentan diferencias en sus escenarios y estilos, y Street Art Latam te explica cuáles son.</p><h2>Park</h2><p>El park se desarrolla en circuitos diseñados especialmente para los riders, con obstáculos como rampas, muros, columnas y saltos. Los competidores encadenan distintos trucos en una misma línea y son evaluados por su ejecución y dificultad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_acadfab49e.png" alt=""><figcaption>Rider haciendo truco en los aires (Stephen Leonardi).</figcaption></figure><h2>Vert</h2><p>El vert toma su nombre de vertical y se disputa sobre una rampa con forma de U, cuyos extremos alcanzan una posición vertical. En esta modalidad, los riders aprovechan la altura para despegar varios metros por encima de la estructura y ejecutar trucos durante el vuelo.</p><h2>Street</h2><p>El street traslada el BMX al entorno urbano y utiliza elementos de la ciudad como parte del recorrido. Escaleras, muros, barandas y otros obstáculos sirven para crear nuevas líneas y ejecutar trucos, con la exploración del espacio como uno de sus principales atractivos.</p><h2>Dirt</h2><p>El dirt se caracteriza por sus grandes saltos sobre montículos de tierra especialmente construidos para generar altura y distancia. Los riders aprovechan el tiempo en el aire para realizar trucos de distinta dificultad antes de completar el aterrizaje.</p><h2>Flatland</h2><p>A diferencia de otras modalidades, el flatland se practica completamente sobre una superficie plana y sin obstáculos. Los riders realizan combinaciones de trucos que incluyen equilibrios, giros y movimientos sobre una o ambas ruedas, donde el control de la bicicleta es fundamental.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0fc085788b.png" alt=""><figcaption>Rider practicando la modalidad flatland de BMX Freestyle (Franco Monsalvo).</figcaption></figure>

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El ABC del BMX Freestyle: conocé sus cinco modalidades

<p>El skateboarding centroamericano se prepara para uno de sus grandes encuentros regionales: Guatemala recibirá la cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding.</p><h2>El skate centroamericano se prepara para una nueva batalla regional: el Campeonato Centroamericano de Skateboarding</h2><p>El skateboarding centroamericano se prepara para uno de sus grandes encuentros regionales del calendario. Y es que, por primera vez en la historia, Guatemala será la sede del Campeonato Centroamericano de Skateboarding, una competencia que reunirá a seis selecciones de la región, entre ellas Costa Rica, Panamá y Nicaragua, durante dos jornadas en la capital guatemalteca, donde buscarán quedarse con el título regional y demostrar todo el talento del skateboarding centroamericano sobre la pista.</p><p>La cuarta edición del campeonato se llevará a cabo el próximo sábado 29 y domingo 30 de agosto en el Salón 4 del Parque de la Industria, ubicado en la Zona 9 de la Ciudad de Guatemala.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db3WeEyud9X/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db3WeEyud9X/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La competencia contará con participación masculina y femenina y tendrá entrada gratuita para los aficionados que quieran acercarse a disfrutar del talento de la región.</p><p>La actividad será organizada por primera vez por la Federación Deportiva Nacional de Patinaje de Guatemala (FEDEPAJ) y representará una oportunidad para fortalecer la participación deportiva regional y acercar el skateboarding al público guatemalteco.</p><p>Además, quienes no puedan asistir en primera persona, podrán seguir la competencia en vivo a través de las transmisiones de Facebook Live y YouTube de FEDEPAJ.</p><h2>¿Qué países participarán del Campeonato Centroamericano de Skateboarding?</h2><p>La cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding contará con la presencia de seis países, que llevarán a Guatemala a algunos de los principales talentos de la región para competir tanto en la rama masculina como femenina.</p><ul><li>Guatemala</li></ul><ul><li>El Salvador</li></ul><ul><li>Honduras</li></ul><ul><li>Nicaragua</li></ul><ul><li>Costa Rica</li></ul><ul><li>Panamá</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_db95a7fe2d.png" alt=""><figcaption>Annie Maccio, representante de Costa Rica en el Campeonato Centroamericano de Skateboarding (Instagram/Annie Maccio).</figcaption></figure><p>La presencia de las seis selecciones permitirá reunir diferentes estilos y técnicas del skateboarding centroamericano en un mismo escenario, en una competencia que buscará fortalecer los vínculos deportivos de la región y darle mayor visibilidad a la disciplina.</p>

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Guatemala recibe la cuarta edición del Campeonato Centroamericano de Skateboarding

<p>Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.</p><p>En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.</p><h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2><p>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.</p><p>En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma </em></p><p><em>de intervenir los espacios</em>”.</p><p>El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “<em>Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad</em>”.</p><h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2><p>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones</em>”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.</p><h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2><p>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.</p><p>“<em>Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.</p><p>Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.</p><h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2><p>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.</p><p>“<em>Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad</em>”.</p><p>Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.</p><h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2><p>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure><p>“<em>Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo</em>”.</p><p>Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.</p>

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“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

<p>El arte puede aparecer en los lugares y materiales más inesperados: desde una lata de pintura hasta alimentos, arena o elementos reciclados. Y en México, una tradición artesanal encontró una nueva forma de expresarse.</p><p>Se trata de Taka Arte, un proyecto que lleva el arte huichol al universo Pokémon a través de piezas únicas hechas a mano, donde la cultura pop se encuentra con una tradición cargada de simbolismo.</p><h2>Taka Arte y la fusión entre Pokémon y arte huicho</h2><p>El universo artístico no se limita a las obras sobre un bastidor, los murales hechos con pintura o las esculturas tradicionales. Existen propuestas que encuentran en distintos materiales y técnicas una manera de crear, y en México el arte huichol es una de las expresiones que mantiene una fuerte identidad artesanal.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4852f91116.png" alt=""><figcaption>Eevee hecho con arte huichol por Taka Arte (Taka Arte).</figcaption></figure><p>En ese escenario aparece Taka Arte, un proyecto que tomó esta técnica y la llevó hacia uno de los universos más reconocidos de la cultura pop: Pokémon. A través de piezas únicas realizadas a mano, la propuesta combina personajes de distintas generaciones con una estética artesanal que convierte a cada diseño en una obra particular.</p><p>Entre los Pokémon que forman parte de su universo aparecen:</p><ul><li>Mega Gyarados</li></ul><ul><li>Ivysaur</li></ul><ul><li>Charizard X</li></ul><ul><li>Dragonite</li></ul><ul><li>Eevee</li></ul><ul><li>Psyduck</li></ul><ul><li>Squirtle</li></ul><ul><li>Charmander</li></ul><ul><li>Sylveon</li></ul><ul><li>Gengar</li></ul><ul><li>Pikachu</li></ul><ul><li>Rayquaza</li></ul><ul><li>Bulbasaur</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá del componente visual, cada pieza busca conservar el vínculo del arte huichol con la naturaleza y la espiritualidad. Los colores, símbolos y formas no funcionan únicamente como elementos decorativos, sino que pueden representar historias vinculadas con la protección, la vida y la tradición.</p><h2>¿Qué es el arte huichol, la técnica con la que Taka Arte transforma los Pokémon?</h2><p>El arte huichol, también conocido como arte wixárika, es una expresión artesanal vinculada al pueblo wixárika de México. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores intensos, formas simbólicas y elementos relacionados con la naturaleza y la cosmovisión de esta comunidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d82e2f2537.png" alt=""><figcaption>Arte huichol (Marival Resorts).</figcaption></figure><p>Esta tradición puede encontrarse en distintas piezas y objetos decorativos, donde los colores y símbolos adquieren un significado que va más allá de lo estético. Taka Arte toma esa identidad artesanal como punto de partida para trasladarla a personajes y referencias de la cultura pop.</p><p>Así, Pokémon se convierte en el puente entre dos universos diferentes: por un lado, una tradición artística mexicana; por otro, una franquicia reconocida mundialmente.</p>

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Pokémon, arte huichol y piezas únicas hechas a mano: el universo de Taka Arte

<p>Muchas veces el arte urbano se relaciona con grandes murales, aerosoles y paredes intervenidas. Sin embargo, también puede aparecer en formatos mucho más pequeños y cotidianos, como un cartel pintado a mano, y el tapatío Brandon Mata es una eminencia a lo largo y ancho del territorio mexicano.</p><h2>Brandon Mata y el arte detrás de cada letrero</h2><p>En la escena mexicana existen distintos emblemas del arte urbano: algunos encuentran su inspiración en el deporte, otros en la naturaleza y otros en la cultura popular. Pero también están quienes entienden que el arte urbano va mucho más allá de las latas de pintura, los murales y los grafitis.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y es en Guadalajara donde aparece el nombre de Brandon Mata, uno de los artistas que lleva esa mirada a los carteles y letreros pintados completamente a mano.</p><p>Brandon Mata es un artista mexicano oriundo de Guadalajara especializado en rotulación a mano, una técnica que utiliza pinceles y pintura para crear carteles, anuncios y diferentes piezas gráficas directamente sobre distintas superficies.</p><p>Su trabajo puede encontrarse en espacios tan cotidianos como locales gastronómicos, pizzerías, puestos de comida y establecimientos de bebidas. Allí, aquello que a simple vista podría parecer un vinilo o una impresión industrial tiene detrás el pulso y la precisión del artista tapatío.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c26279d8b.png" alt=""><figcaption>El trabajo de Brandon Mata en acción (Instagram/Brandon Mata).</figcaption></figure><p>La rotulación convierte así una herramienta comercial en una pieza visual que combina tipografías, colores, composiciones y detalles realizados completamente a mano.</p><p>Aunque Guadalajara aparece como uno de los principales puntos de trabajo de Mata, su obra también llegó a diferentes ciudades y regiones de México.</p><ul><li>Guadalajara.</li></ul><ul><li>Puerto Vallarta.</li></ul><ul><li>Aguascalientes.</li></ul><ul><li>Nayarit.</li></ul><ul><li>Querétaro.</li></ul><ul><li>Jalisco.</li></ul><p>Su recorrido demuestra cómo la rotulación puede trascender la función de anunciar un producto o negocio para convertirse en una expresión artística propia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/?img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Y en tiempos donde gran parte de la comunicación visual se produce de manera digital, el trabajo de Brandon Mata recupera el valor de una técnica que depende directamente del pulso, la paciencia y la precisión. Cada cartel tiene, de esta manera, un componente irrepetible: detrás de cada letra, dibujo o composición existe una persona que tomó un pincel y construyó la pieza desde cero.</p>

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Brandon Mata y el arte de pintar letreros a mano

<p>Tomomi Nishikubo llevó el ciclismo de trial al límite con un histórico fakie nose manual en Hakuba, Japón, donde estableció dos récords Guinness al descender marcha atrás y sobre la rueda delantera de su bicicleta por un trampolín de esquí.</p><h2>El histórico descenso de Tomomi Nishikubo en Hakuba</h2><p>El vínculo entre Red Bull y los deportes urbanos y de acción creció exponencialmente durante los últimos años y dio lugar a algunas de las hazañas más increíbles de las diferentes disciplinas. Desde el feeble grind de Leticia Bufoni en un skatepark instalado dentro de un avión a más de 3.000 metros de altura hasta el salto de Matt Jones entre dos camiones en movimiento, distintos atletas llevaron sus especialidades a escenarios imposibles.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_26ab1bf65f.png" alt=""><figcaption>El fakie nose manual de Tomomi Nishikubo en el trampolín de salto de esquí en Hakuba (Red Bull).</figcaption></figure><p>Ahora, Tomomi Nishikubo escribió su propia página en ese particular libro de hazañas al llevar el ciclismo de trial al límite. El japonés descendió marcha atrás por el trampolín de salto de esquí en Hakuba, mientras mantenía el equilibrio únicamente sobre la rueda delantera de su bicicleta, a través de una maniobra conocida como fakie nose manual, que le permitió establecer dos récords Guinness.</p><p>Bajar una pendiente pronunciada en bicicleta ya representa un desafío para cualquier rider. Hacerlo marcha atrás aumenta considerablemente la dificultad y hacerlo mientras se mantiene el equilibrio sobre una sola rueda parece directamente imposible. Sin embargo, Nishikubo convirtió esa idea en realidad después de dos años de planificación y preparación.</p><p>La inspiración llegó desde otro deporte y de otro atleta japonés. Nishikubo tomó como referencia a Ryoyu Kobayashi, quien en el año 2024 protagonizó un espectacular salto de 291 metros en una rampa especialmente construida en Hlidarfjall, Islandia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@guinnessworldrecords/video/7673107915993124118" data-video-id="7673107915993124118" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px;min-width:325px;"><section><a href="https://www.tiktok.com/@guinnessworldrecords/video/7673107915993124118" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en TikTok</a></section></blockquote><script async src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div><p>En Hakuba, Nishikubo llevó esa inspiración a su propio terreno. El rider alcanzó velocidades superiores a los 60 km/h y consiguió mantenerse sobre la rueda delantera durante 35 segundos mientras recorría el trampolín de esquí en una maniobra en la que fakie significa desplazarse hacia atrás y nose manual mantener el equilibrio sobre la rueda delantera.</p><h2>Los dos récords Guinness que estableció Nishikubo</h2><p>La hazaña de Tomomi Nishikubo no quedó solamente en una maniobra espectacular. Su descenso por el trampolín de Hakuba le permitió establecer dos nuevos récords mundiales Guinness, relacionados tanto con la inclinación de la superficie como con la distancia recorrida.</p><ul><li>Fakie nose manual en bicicleta más empinado: 37,5 grados de inclinación.</li></ul><ul><li>Mayor distancia recorrida en fakie nose manual en bicicleta sobre un trampolín de esquí: 136,6 metros.</li></ul><p>De esta manera, Nishikubo no solo llevó una disciplina como el ciclismo de trial a un escenario completamente inesperado, sino que convirtió una idea que parecía imposible en dos marcas reconocidas oficialmente por Guinness World Records.</p>

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Tomomi Nishikubo y el descenso marcha atrás que desafió los límites del ciclismo de trial

<p>Red Bull Dance Your Style, la competencia de street dance improvisado más importante del mundo, desembarca en México con clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México rumbo a la final nacional, y Street Art Latam te acerca toda la información.</p><h2>Clasificatorias en Monterrey y Ciudad de México y una final nacional: así será el camino de Red Bull Dance Your Style en México</h2><p>Luego de las paradas realizadas en Brasil, Argentina y Colombia, donde los bailarines André Oliveira, Pacifi y Sharay Posadas se convirtieron en los ganadores, Red Bull Dance Your Style, una de las competencias de street dance improvisado más importantes del mundo, aterriza en México como una nueva parada en el continente latinoamericano.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DcH3sl_RNAA/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reels/DcH3sl_RNAA/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La competencia pondrá frente a frente a dieciséis de los mejores bailarines de street dance del país en batallas uno contra uno, con una particularidad que la diferencia de otros torneos: no hay jueces. Después de cada enfrentamiento, será el público quien vote por su bailarín favorito y decida quién avanza a la siguiente ronda.</p><p>La primera etapa estará compuesta por las clasificatorias, que se desarrollarán en Monterrey y Ciudad de México. La primera cita será el jueves 27 de agosto en Panorama Sky Club, mientras que la segunda tendrá lugar el jueves 10 de septiembre en Fauna Rooftop de Ciudad de México, ciudad que también hospedará la gran definición nacional.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d401b21571.png" alt=""><figcaption>Bailarina mexicana dejando su huella en Red Bull Dance Your Style (Red Bull).</figcaption></figure><p>Los bailarines buscarán demostrar toda su creatividad, musicalidad e improvisación sobre la pista para avanzar hasta la Final Nacional de Red Bull Dance Your Style México, donde volverán a ser los espectadores quienes tengan la última palabra.</p><p>La definición nacional se llevará a cabo el domingo 13 de septiembre en el Polyforum Siqueiros de Ciudad de México. Allí se conocerá al nuevo campeón mexicano, que conseguirá el derecho a representar al país en la Final Mundial de Red Bull Dance Your Style, que tendrá lugar en Zúrich, Suiza.</p>

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Red Bull Dance Your Style llega a México: conocé fechas y sedes

<p>Red Bull Dance Your Style, una de las principales competencias de baile freestyle del mundo, continúa su recorrido por Latinoamérica y aterriza en Chile para conocer a su nuevo campeón.</p><h2>El recorrido latinoamericano de Red Bull Dance Your Style desemboca en Chile</h2><p>Luego de dejar su huella en países como Brasil, Argentina y Colombia y tras superar las rondas clasificatorias realizadas en Santiago, Antofagasta y Concepción, Red Bull Dance Your Style, el certamen número uno de baile improvisado a nivel mundial, prepara su quinta edición en Chile.</p><p>La competencia reunirá a los mejores bailarines del país en una serie de batallas uno contra uno donde la improvisación, la música y la conexión con el público serán protagonistas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7fd94c1964.png" alt=""><figcaption>El cruce de estilos de Dani&#x27;s y Vale Grille en Red Bull Dance Your Style (Red Bull).</figcaption></figure><p>La Final Nacional de Red Bull Dance Your Style Chile tendrá lugar el próximo sábado 5 de septiembre en el Teatro La Cúpula del Parque O&#x27;Higgins, en Santiago.</p><p>El formato propone enfrentamientos individuales en los que los participantes deben adaptarse a canciones que no conocen previamente. A diferencia de otras competencias de baile, el público también tiene un papel decisivo: sus votos determinan quién avanza en cada batalla.</p><p>El campeón chileno conseguirá el boleto para representar al país en la Final Mundial de Red Bull Dance Your Style, programada para el sábado 24 de octubre en Zúrich, Suiza.</p><h2>¿Quiénes competirán en la Final Nacional de Red Bull Dance Your Style Chile?</h2><p>Después de las clasificatorias y la definición de los wildcards, la Final Nacional de Red Bull Dance Your Style Chile ya tiene a sus dieciséis participantes para la gran final.</p><ul><li>Dani&#x27;s — Daniel Villarroel</li></ul><ul><li>Víctor — Víctor Morales</li></ul><ul><li>Cicrone — Nicolás Cheuquepán</li></ul><ul><li>Belluchi — Isabella Santa Cruz</li></ul><ul><li>Yarmuk — Yarmuk Sepúlveda</li></ul><ul><li>Diness — Diego Enríquez</li></ul><ul><li>Deloy — Benjamín Benavides</li></ul><ul><li>Morena — Yvette Ladrón de Guevara</li></ul><ul><li>Dranzer — Sebastián Sepúlveda</li></ul><ul><li>Jazz Monstarz — Jazmín Torres</li></ul><ul><li>Edu — Eduardo Salinas</li></ul><ul><li>Licha — Lisandro Cantón</li></ul><ul><li>Nico Cancino — Nicolás Cancino</li></ul><ul><li>Conichocolate — Constanza Durán</li></ul><ul><li>Valentina Kuruf — Valentina Alarcón</li></ul><ul><li>L — Elisabet Plaza</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_74b9f06e71.png" alt=""><figcaption>La performance de Kanzu en Red Bull Dance Your Style (Red Bull).</figcaption></figure><h2>Todo lo que tenés que saber sobre la Final Nacional de Red Bull Dance Your Style Chile</h2><p>Para quienes quieran vivir en primera persona la quinta Final Nacional de Red Bull Dance Your Style en Chile, la competencia tendrá lugar el próximo sábado 5 de septiembre en el Teatro La Cúpula del Parque O&#x27;Higgins.</p><p>Los tickets se podrán adquirir a través de <a href="https://www.puntoticket.com/redbull-dance-your-style"><u>PuntoTicket</u></a>, una de las principales plataformas de venta de entradas del país.</p><p>Según la información disponible para el evento, los valores de las entradas van desde $4.025 hasta $10.350 pesos chilenos, dependiendo de la ubicación y la categoría seleccionada.</p><p>La competencia será una nueva oportunidad para que el público chileno conozca al bailarín que representará al país en la Final Mundial de Red Bull Dance Your Style y se enfrente a los mejores exponentes internacionales de la disciplina.</p>

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Final Nacional de Red Bull Dance Your Style Chile: fecha, sede, competidores y entradas

<p>El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.</p><h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2><p>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.</p><p>Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>“<em>Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio</em>”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.</p><p>Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.</p><h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2><p>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “<em>Jamaican heart</em>”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.</p><p>Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.</p><h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2><p>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.</p><p>Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure><p>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.</p><p>Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.</p><p>Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.</p>

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El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

<p>La nueva cancha de Clutch Basket llegó con una sorpresa en sus paredes: un gigantesco mural de Maxi Bagnasco que rinde homenaje a las principales figuras de la Generación Dorada.</p><h2>Maxi Bagnasco homenajeó a la Generación Dorada con un mural en la nueva cancha de Clutch Basket</h2><p>La nueva cancha de Clutch Basket, uno de los principales puntos de encuentro del básquet en la Ciudad de Buenos Aires, en colaboración con Duki, sumó una intervención artística que rápidamente captó la atención de los fanáticos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Db6gL4cSxw4/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Db6gL4cSxw4/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En una de las paredes del espacio, el muralista argentino Maxi Bagnasco plasmó los rostros de algunas de las máximas figuras de la historia del básquet argentino.</p><p>La obra funciona como un homenaje a la denominada Generación Dorada, con las figuras de Pepe Sánchez, Fabricio Oberto, Luis Scola, Emanuel Ginóbili, Andrés Nocioni, Carlos Delfino y Pablo Prigioni como protagonistas de la intervención.</p><p>“<em>Así pinté Clutch x Duki, un mural para homenajear a La Generación Dorada. Gracias a la gente de Clutch por volver a confiar en mi trabajo y por dejarme llevar este proyecto a mi manera</em>”, escribió el muralista argentino en sus redes sociales acompañado de un posteo con imágenes del proceso de la intervención.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_771e6d4bae.png" alt=""><figcaption>El primer mural de Clutch Basket hecho por Maxi Bagnasco (Instagram/Maxi Bagnasco).</figcaption></figure><p>La intervención también marcó una nueva colaboración entre Bagnasco y Clutch Basket. El artista ya había dejado su huella en el proyecto creado por Grego Rossello cuando realizó el mural que acompaña a la cancha central y que reúne a algunas de las figuras más importantes de la historia del básquet mundial: Kobe Bryant, Emanuel Ginóbili, Michael Jordan, LeBron James, Allen Iverson y Stephen Curry.</p>

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Maxi Bagnasco llevó a la Generación Dorada a las paredes de Clutch Basket

<p>Mientras muchos artistas trabajan con pintura o lienzos, Toto Tatuer eligió un camino completamente distinto. A través del vidrio fracturado, el artista plástico de Ingeniero Maschwitz desarrolló una técnica propia que transforma las grietas en el principal recurso visual de cada una de sus obras.</p><h2>Conocé a Toto Tatuer, el argentino que crea retratos y símbolos utilizando vidrio fracturado</h2><p>Dentro de la escena artística argentina conviven propuestas de todo tipo: desde artistas dedicados al muralismo de gran escala hasta tatuadores que llevan el realismo como bandera. Y en ese amplio universo aparece Toto Tatuer, un artista que encontró a través de la resignificación de materiales cotidianos como el vidrio, el hierro y las cadenas una manera particular de construir su propia identidad.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Oriundo de Ingeniero Maschwitz, el artista plástico y también tatuador autodidacta logró convertirse en una de las figuras que más llaman la atención dentro de la escena artística de Buenos Aires gracias a una propuesta tan inusual como desafiante.</p><p>Su trabajo parte de elementos que forman parte de la vida cotidiana para transformarlos mediante procesos manuales que requieren precisión, paciencia y, en algunos casos, asumir ciertos riesgos durante su elaboración.</p><p>Actualmente instalado en el barrio porteño de Chacarita, Toto Tatuer llevó su particular mirada artística a proyectos junto a firmas de primer nivel como Samsung, Fernet Branca y McDonald&#x27;s, además de colaborar con figuras de la música como Cazzu.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95a4a74413.png" alt=""><figcaption>La Gioconda hecha con vidrio destrozado por Toto Tatuer (Toto Tatuer).</figcaption></figure><p>De esta manera, la obra del artista de Ingeniero Maschwitz logró trascender el circuito artístico tradicional para encontrar nuevos espacios donde los materiales y objetos cotidianos pueden adquirir una segunda vida.</p><h2>El vidrio roto como sello de identidad artística</h2><p>Más allá de resignificar materiales cotidianos como el vidrio, el hierro o las cadenas, Toto Tatuer desarrolló un lenguaje visual donde las fracturas se convierten en el principal recurso artístico. A través de impactos cuidadosamente controlados sobre el cristal, el artista construye retratos, animales, símbolos, frases e íconos populares utilizando las propias grietas como líneas de composición.</p><p>Entre las obras del artista de Ingeniero Maschwitz aparecen reinterpretaciones de clásicos como La Gioconda, escudos deportivos como el de Boca Juniors, corazones anatómicos, ojos, animales y composiciones tipográficas, siempre manteniendo al vidrio quebrado como protagonista absoluto de cada pieza.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Esa combinación entre técnica, precisión y materiales poco convencionales hace que cada trabajo sea irrepetible, ya que el patrón de fracturas nunca vuelve a repetirse exactamente de la misma manera. El resultado son obras que transforman un elemento asociado a la rotura en una expresión artística cargada de detalle, textura y profundidad.</p><p>En un contexto donde el arte contemporáneo busca constantemente nuevos lenguajes, Toto Tatuer demuestra que incluso un material asociado a la destrucción puede convertirse en el punto de partida para construir belleza. Una obra que invita a mirar las fracturas desde otra perspectiva y confirma que el arte también puede surgir allí donde muchos solo ven un objeto roto.</p>

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Toto Tatuer y el arte de transformar el vidrio roto en obras únicas

<p>El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.</p><h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2><p>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.</p><p>La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.</p><p>Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul><p>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.</p><h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2><p>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.</p><p>En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.</p><p>El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure><p>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.</p><h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2><p>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.</p><p>La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.</p><p>Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.</p><p>La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.</p>

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Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

<p>El básquet argentino encontró en los últimos años nuevas formas de acercarse a públicos que van más allá del deporte tradicional, y una de ellas es La Crossover, la competencia creada por Facundo Campazzo y Germán Beder.</p><h2>¿Qué es La Crossover, el torneo que rompe con el básquet tradicional?</h2><p>La Crossover se convirtió en una propuesta que busca llevar el básquet argentino más allá de la competencia tradicional. Organizado por Facundo Campazzo y Germán Beder, el evento combina deporte, entretenimiento, música, streaming e influencers en un formato pensado tanto para los fanáticos del básquet como para una audiencia más amplia.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_25db3fff94.png" alt=""><figcaption>Facundo Campazzo, una de las caras detrás de La Crossover (La Crossover).</figcaption></figure><p>La competencia reúne a distintos equipos encabezados por figuras reconocidas de la música, el streaming, el deporte y el entretenimiento, donde los protagonistas funcionan como las caras visibles de cada conjunto y son acompañados por basquetbolistas federados y jugadores vinculados a la competencia nacional.</p><h2>El reglamento de La Crossover</h2><p>A diferencia de un partido tradicional, La Crossover incorpora reglas y dinámicas propias que buscan convertir cada encuentro en un espectáculo. Entre ellas aparecen los tiros de cuatro puntos y los aros más bajos, además de concursos, activaciones con marcas y diferentes propuestas que se desarrollan alrededor de los partidos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1cfaa66fac.png" alt=""><figcaption>Baloncesto como pilar de La Crossover (La Crossover).</figcaption></figure><p>De esta manera, el básquet funciona como el eje de una experiencia que también reúne a figuras de distintas industrias y acerca el deporte a nuevos públicos.</p><h2>La edición que puso a La Crossover en el mapa</h2><p>La historia de La Crossover comenzó en agosto del año 2025, cuando el Microestadio Roberto Pando del Club Atlético San Lorenzo de Almagro recibió la primera edición del evento organizado por Facundo Campazzo y Germán Beder.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e86bb166ce.png" alt=""><figcaption>La Crossover, el evento que revolucionó el básquet argentino (La Crossover).</figcaption></figure><p>La jornada reunió a figuras del básquet, la música y el streaming en una competencia que rápidamente se convirtió en una propuesta diferente dentro de la escena deportiva argentina.</p><p>Uno de los principales atractivos fue justamente la combinación de protagonistas: los equipos estuvieron vinculados a reconocidas figuras del entretenimiento, mientras que dentro de la cancha participaron jugadores de básquet con experiencia federada.</p><p>La primera edición contó con la presencia de nombres como Luquitas Rodríguez, Pluzito, Grego Rossello, Juanposite, Andrés “Chapu” Nocioni y Paulo Londra, además de la participación de José Montesano y los propios organizadores, Facundo Campazzo y Germán Beder, como comentaristas de la competencia.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNlf_m3xwA6/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNlf_m3xwA6/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El título quedó en manos de Showtime, equipo capitaneado por Luciana de la Barba, quien actualmente juega en Boca Juniors y cuenta con pasado en la Selección argentina de básquet femenino.</p><p>Así, la primera edición no solo marcó el nacimiento de La Crossover, sino que también estableció la identidad de un evento que busca cruzar al básquet con diferentes expresiones de la cultura popular.</p><h2>De San Lorenzo a La Bombonerita: todas las ediciones de La Crossover</h2><p>Desde aquella primera jornada en el Microestadio Roberto Pando, La Crossover continuó creciendo y sumando nuevas sedes, protagonistas y equipos. El recorrido del evento ya cuenta con tres ediciones, cada una con un campeón diferente.</p><ul><li>Primera edición — San Lorenzo: realizada en el Microestadio Roberto Pando, terminó con Showtime como campeón. El equipo, capitaneado por Luciana de la Barba, se quedó con el primer título de la historia de La Crossover.</li></ul><ul><li>Segunda edición — Zárate: la competencia tuvo una nueva edición en el Espacio DAM de Zárate, donde Speed se quedó con el campeonato después de imponerse ante Carriers.</li></ul><ul><li>Tercera edición — La Bombonerita: la competencia llegó al estadio Luis Conde, conocido como La Bombonerita, para una nueva jornada que terminó con Play to Win, el equipo de Pluzito, como campeón tras vencer a DaleBo.</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Dblw235RMbi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Dblw235RMbi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con tres ediciones y diferentes escenarios, La Crossover fue ampliando una propuesta que mantiene al básquet como protagonista, pero que también apuesta por reunir deporte, entretenimiento, música y cultura digital en un mismo lugar.</p>

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La Crossover, el evento que revolucionó el básquet argentino

<p>No todos los atletas de parkour buscan lo mismo. Mientras algunos intentan completar un recorrido en el menor tiempo posible, otros priorizan la creatividad y la dificultad de sus movimientos, y Street Art Latam te ayuda a entender las diferencias entre las modalidades Speed y Freestyle.</p><h2>Speed: el desafío de completar el recorrido en el menor tiempo</h2><p>El speed es la modalidad competitiva del parkour en la que el objetivo principal es completar un recorrido determinado en el menor tiempo posible. Los atletas deben desplazarse por un circuito que combina diferentes obstáculos, saltos, trepadas y movimientos, buscando encontrar la manera más rápida y eficiente de llegar hasta la meta.</p><div class="raw-html-embed"><iframe width="100%" height="400" src="https://www.youtube.com/embed/cNktWBBM9AI" title="Video de YouTube" loading="lazy" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div><p>En esta modalidad, cada segundo puede marcar la diferencia. Por eso, además de la velocidad, resulta fundamental mantener el control del cuerpo y elegir correctamente la trayectoria para evitar errores que puedan afectar el tiempo final.</p><p>La preparación física también tiene un papel central: acelerar, frenar, saltar, trepar y cambiar rápidamente de dirección exige fuerza, coordinación, equilibrio y resistencia.</p><h2>Freestyle: cuando la creatividad se convierte en protagonista</h2><p>A diferencia del Speed, la modalidad Freestyle no tiene como objetivo principal completar un recorrido lo más rápido posible. En este caso, los atletas cuentan con mayor libertad para construir una rutina y demostrar sus capacidades técnicas y creativas.</p><p>Los movimientos, las acrobacias, las combinaciones y la dificultad de las secuencias forman parte de una presentación en la que el atleta busca diferenciarse.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6e96c493cb.png" alt=""><figcaption>Freestyle como modalidad del parkour (Squarespace).</figcaption></figure><p>La creatividad es uno de los elementos centrales. No se trata solamente de ejecutar movimientos difíciles, sino también de combinarlos de una manera fluida y construir una rutina que tenga identidad propia.</p><p>Dependiendo de la competencia, los jueces pueden valorar aspectos relacionados con la dificultad, ejecución, variedad, creatividad y composición de la rutina.</p>

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Speed y Freestyle: las dos caras del parkour que tenés que conocer

<p>Desde su primera edición en Bogotá hasta su desembarco internacional en Quito, Cuestión de Carácter Fest construyó una historia marcada por artistas, personajes y muros colectivos.</p><h2>¿Qué es Cuestión de Carácter Fest, el festival que convirtió los caracteres en protagonistas?</h2><p>Cuestión de Carácter Fest se convirtió no solo en uno de los festivales de arte urbano más importantes de Bogotá, ciudad donde nació, sino también en una propuesta que dejó su huella a lo largo y ancho de Colombia y en distintos puntos de Latinoamérica.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e4188f9f7d.png" alt=""><figcaption>Los primeros trazos de Cuestión de Carácter Fest (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><p>Liderado por los artistas colombianos Lady Rayo y Franco, el festival reúne a cientos de creadores nacionales e internacionales bajo una misma premisa: levantar un muro colectivo repleto de los caracteres más representativos de la región. De esta manera, se consolidó como uno de los encuentros artísticos más destacados del calendario urbano de Bogotá.</p><h2>La historia de Cuestión de Carácter Fest, edición por edición</h2><h3>El comienzo en Bogotá</h3><p>La historia de Cuestión de Carácter Fest comenzó en diciembre del año 2022, cuando su primera edición llegó al centro de Bogotá. Artistas locales, colaboradores e invitados internacionales intervinieron una obra sobre una culata compuesta por una colección de caracteres icónicos a todo color y una pared paralela con los mismos personajes bajo una temática en blanco y negro. Ambas intervenciones se convirtieron en un espacio referente de la ciudad y marcaron el nacimiento del festival.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3>Más de 250 artistas en el Parque de los Novios</h3><p>Tres años después, Cuestión de Carácter Fest tuvo su segunda edición en el Parque de los Novios. La jornada reunió a más de 250 muralistas, ilustradores y creadores provenientes de distintos puntos de la región, quienes dejaron su huella en la ciudad a través de una nueva construcción colectiva de personajes y estilos.</p><h3>Fiesta de Personajes: una celebración en tres momentos</h3><p>Entre las producciones especiales del festival apareció “Fiesta de Personajes”, una propuesta dividida en tres momentos: fiesta, concierto y after party. La intervención se construyó alrededor del concepto del llamado del muro, con espacios libres en los que cada personaje podía acomodarse a la situación que eligiera, jugando con la identidad de los caracteres y el contexto en el que eran representados.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2d8e2e5427.png" alt=""><figcaption>Muro de Bogotá repleto de caracteres (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><h3>La Última Farra: una reinterpretación de La Última Cena</h3><p>Otra de las producciones especiales fue La Última Farra, una reinterpretación de “La Última Cena” llevada al contexto actual. En esta versión, la mesa se convirtió en el escenario central y estuvo acompañada por objetos y elementos cotidianos que ayudaron a construir una representación cargada de identidad y complicidad.</p><h3>Cuestión de Carácter llegó a Barranquilla</h3><p>La quinta edición, celebrada en mayo de 2026, marcó un nuevo capítulo para el festival al salir de Bogotá y aterrizar en Barranquilla. La jornada reunió a grafiteros, ilustradores y creadores de personajes de Barranquilla, Cartagena, Santa Marta y distintos puntos de la costa, mientras que los caracteres plasmados en el muro incorporaron elementos propios de la escena caribeña, como palmeras, tiburones y gafas oscuras.</p><h3>El festival cruzó las fronteras de Colombia y aterrizó en Quito</h3><p>En junio de 2026, Cuestión de Carácter Fest dio uno de sus pasos más importantes al realizar su primera edición internacional en Quito, Ecuador. El desembarco significó un desafío para el festival al salir de su zona de confort y trasladar su concepto a un nuevo territorio, donde más de 50 artistas invitados llevaron la idea del muro lleno de caracteres a la capital ecuatoriana. Además de la intervención colectiva, la propuesta contó con una exposición de serigrafías y lienzos, batalla de caracteres y jornadas de estampado, entre otras actividades.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>

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De Bogotá a Latinoamérica: la historia de Cuestión de Carácter Fest

<p>Toda escena artística tiene figuras que encuentran su identidad en una disciplina, pero también existen quienes deciden explorar distintos lenguajes, y en la Ciudad de México, Rodrigo Roji construyó una propuesta donde el tatuaje, el arte y el diseño conviven bajo una misma identidad.</p><h2>Rodrigo Roji y una identidad que cruza distintas disciplinas</h2><p>Nacido en 1990 y oriundo de Ciudad de México, Rodrigo Roji es un artista visual especializado en tatuaje de línea fina que también desarrolló trabajos vinculados a la pintura y la escultura, bajo una propuesta que se expande más allá de la piel y encuentra diferentes espacios dentro de la escena artística mexicana.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8ca3326281.png" alt=""><figcaption>Rodrigo Roji, el talentoso artista de Ciudad de México (Instagram/Rodrigo Roji).</figcaption></figure><p>Su recorrido lo llevó a ser invitado a tatuar en Bang Bang, uno de los estudios más reconocidos de Nueva York, además de colaborar con compañías mundialmente populares de la talla Apple, adidas, Nike, Corona y New Era.</p><h2>RARR, el universo de coleccionables de Rodrigo Roji</h2><p>Uno de los proyectos que amplió el universo creativo de Roji es RARR, una propuesta de juguetes coleccionables que combina diseño, cultura popular y arte urbano. Las piezas están realizadas en vinilo y, en muchos casos, son ediciones limitadas, con diseños toman referencias de diferentes mundos.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/?hl=es&amp;img_index=1" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Arte urbano y cultura popular.</li></ul><ul><li>Lucha libre.</li></ul><ul><li>Deporte y básquet.</li></ul><ul><li>Streetwear y diseño contemporáneo.</li></ul><p>El proyecto también permitió colaboraciones con nombres como Los Diablos Rojos, NBA y Adidas Originals, consolidando el vínculo del artista con diferentes espacios de la cultura urbana.</p><h2>Del tatuaje al streetwear: la expansión del universo de Rodrigo Roji</h2><p>La exploración de Roji también llegó a la moda con Sad Boy, una línea de ropa y streetwear que reúne prendas y elementos vinculados a su universo visual. Si bien figura temporalmente cerrado en sus canales oficiales, el proyecto también forma parte del recorrido que demuestra la amplitud de su propuesta artística.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dd8be02d98.png" alt=""><figcaption>La colaboración entre Rodrigo Roji y New Era (New Era).</figcaption></figure><p>Roji es además el creador de Not a Gallery, un estudio de tatuaje y galería de arte que funciona como punto de encuentro entre distintas disciplinas.</p><p>Entre tatuajes, esculturas, pinturas, coleccionables y diseño, Rodrigo Roji construyó una identidad que evita quedar encerrada en una única disciplina y conecta diferentes expresiones de la cultura contemporánea.</p>

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Rodrigo Roji, un artista entre tatuajes, pintura y escultura

<p>Meses después de sorprender al mundo con sus imágenes junto al Sol y la Luna, Danny León volvió a combinar skate y astronomía para protagonizar una toma única durante el eclipse solar total en España.</p><h2>Skate y astronomía: la imagen de Danny León que recorre el mundo</h2><p>A meses de su icónica fotografía patinando con la Luna de fondo, una imagen que rápidamente captó la atención de la escena urbana y las redes sociales, Danny León volvió a dejar su huella con una producción que parece salida de una película.</p><p>El skater madrileño protagonizó una escena única al sincronizar un salto sobre un half pipe con el instante exacto de la totalidad del eclipse solar que pudo observarse en España.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/reel/Db89wBgRB3B/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El resultado fue una silueta de León suspendida en el aire mientras la Luna ocultaba por completo al Sol.</p><p>La imagen no tardó en convertirse en un fenómeno en redes sociales. Publicada en el perfil de Instagram del skater español, la producción ya superó las 110 millones de reproducciones y los 11 millones de me gusta, consolidándose como una de las postales deportivas del año.</p><p>El proyecto fue ideado durante meses por León junto al filmmaker Gonzalo González de Vega y el fotógrafo José Ángel Izquierdo, con la participación de otros integrantes del equipo audiovisual. La producción se realizó en Novales, en una finca particular de Huesca, donde se instaló una rampa modulable calculada específicamente para que la altura del salto coincidiera con la posición del Sol vista desde la cámara.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b350af9970.png" alt=""><figcaption>Danny León patinando con la Luna de fondo (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>La dificultad no estaba solamente en ejecutar el truco. Las fotografías y videos fueron registrados desde aproximadamente 400 y 600 metros de distancia, utilizando teleobjetivos para conseguir que Danny, su tabla y el eclipse aparecieran en un mismo plano. Además, el momento de totalidad ofrecía un margen de apenas unos segundos para conseguir la toma perfecta.</p><p>Y esta no fue una imagen aislada: el eclipse cerró una trilogía visual en la que León llevó el skate a convivir con tres protagonistas de la astronomía. Primero fue el Sol, después la Luna y finalmente un eclipse total, completando una serie de producciones que combinan skateboarding, naturaleza y fotografía.</p><h2>¿Quién es Danny León, el skater que patinó en pleno eclipse en España?</h2><p>Aunque esta histórica imagen volvió a llevar su nombre a las redes de todo el mundo, Danny León no es un skater más. Nacido en Móstoles en el año 1994, el español construyó una carrera de más de dos décadas y se convirtió en uno de los principales referentes del skateboarding español.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_01493f6538.png" alt=""><figcaption>Danny León en la última edición del Marisquiño (Instagram/Danny León).</figcaption></figure><p>Su trayectoria también lo llevó a representar a España en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 y París 2024, donde compitió en la modalidad de park, terminó en la novena posición y obtuvo diploma olímpico.</p><p>Ahora, con una imagen que combina precisión deportiva, fotografía y astronomía, León vuelve a demostrar porqué es uno de los nombres más reconocidos del skate español y por qué sus proyectos trascienden las pistas para convertirse en auténticos fenómenos visuales.</p>

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El salto de Danny León durante el eclipse que sorprendió al mundo

<p>Armar un skate desde cero puede parecer una tarea complicada, especialmente para quienes nunca montaron uno. Sin embargo, con los elementos adecuados y siguiendo algunos pasos, es posible hacerlo en casa, y Street Art Latam te cuenta el paso a paso.</p><h2>Conseguir todos los elementos como elemento primordial</h2><p>Antes de comenzar a montar el skate es necesario contar con todas las piezas que lo componen. Aunque existen diferentes tamaños, formas y configuraciones según el estilo y las preferencias de cada skater, hay algunos elementos fundamentales.</p><ul><li>Tabla: la base del skate y puede encontrarse en diferentes anchos, largos y formas.</li></ul><ul><li>Lija: se coloca sobre la parte superior de la tabla para proporcionar el agarre necesario durante la práctica.</li></ul><ul><li>Trucks: son las piezas metálicas que conectan la tabla con las ruedas y permiten controlar los movimientos y giros.</li></ul><ul><li>Ruedas: existen diferentes tamaños y durezas, por lo que su elección depende del tipo de patinaje y la superficie.</li></ul><ul><li>Rodamientos: se colocan dentro de las ruedas y permiten que estas giren alrededor del eje de los trucks.</li></ul><ul><li>Tornillos: sirven para fijar los trucks a la tabla.</li></ul><ul><li>Tuercas: permiten asegurar las ruedas a los ejes de los trucks.</li></ul><ul><li>Herramientas: una llave para ajustar las tuercas y tornillos será necesaria durante el armado.</li></ul><p>Con todos los elementos sobre la mesa, llega el momento de comenzar a montar el skate.</p><h2>Paso a paso: cómo armar un skate</h2><p>Ya con todos los elementos adquiridos, estamos listos para comenzar el proceso de armado del skateboarding, que consta de tres etapas: lija, truck y ruedas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d3b51b8f37.png" alt=""><figcaption>Persona colocando la lija sobre su tabla de skate (Jonathan Cooper).</figcaption></figure><h3>Lija</h3><p>El primer paso es colocar la lija sobre la parte superior de la tabla. Para hacerlo, se retira el papel protector y se pega cuidadosamente sobre la superficie, intentando evitar que queden burbujas o zonas despegadas.</p><p>Una vez colocada, se puede utilizar una herramienta o la propia llave para marcar el contorno de los bordes de la tabla. Al presionar alrededor de los límites, la lija queda marcada y resulta más sencillo retirar el excedente con cuidado.</p><p>Después hay que marcar y abrir los ocho agujeros destinados a los trucks. Estos se encuentran previamente perforados en la tabla, por lo que solamente es necesario atravesar la lija siguiendo su ubicación.</p><h3>Trucks</h3><p>El siguiente paso es colocar los trucks. Los tornillos atraviesan la tabla desde la parte superior y se fijan a los trucks por debajo. Es importante comprobar que ambos estén orientados correctamente y ajustar las tuercas para que queden firmemente sujetos.</p><h3>Ruedas y Rulemanes</h3><p>Con los trucks instalados, llega el turno de las ruedas y los rulemanes. Cada rueda necesita dos rulemanes, que se colocan en el interior de la misma, uno a cada lado.</p><p>Una vez instalados los rulemanes, las ruedas se colocan sobre los ejes de los trucks y se aseguran mediante las tuercas correspondientes. El ajuste debe permitir que la rueda gire libremente sin quedar excesivamente suelta.</p><p>Finalmente, conviene revisar todos los tornillos, tuercas y ruedas para comprobar que ninguna pieza tenga movimientos indeseados y que todo esté correctamente ajustado.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e6e94bb9bc.png" alt=""><figcaption>Persona encerando su  tabla de skate (Tima Miroshnichenko).</figcaption></figure><h2>El skate ya está listo: algunos consejos antes de salir a patinar</h2><p>Una vez terminado el armado, no queda mucho más que hacer que probar el skate y ajustar aquellos componentes que no se sientan cómodos.</p><p>La elección de las ruedas, los rulemanes, los trucks y el ancho de la tabla puede modificarse según las preferencias de cada skater y el tipo de superficie sobre la que se patine. Por eso, el primer armado no necesariamente será la configuración definitiva.</p><p>También es recomendable revisar periódicamente el estado de los tornillos, las ruedas, los rulemanes y los trucks, especialmente después de varias sesiones.</p><p>Con todo ajustado y el skate preparado, solo queda ponerse el casco, encontrar un lugar adecuado y salir a patinar por las calles.</p>

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Guía para armar un skate: qué comprar y cómo armarlo

<p>El ciclismo urbano puede ser mucho más que una forma de trasladarse por la ciudad: también puede convertirse en una experiencia para compartir. Y esa fue la idea que impulsó a Rodrigo Pol a crear Bicipiantes, un proyecto que nació en Instagram y terminó convirtiéndose en una comunidad de amantes del ciclismo.</p><h2>Bicipiantes, el proyecto que nació en Instagram y se transformó en un movimiento ciclista</h2><p>El ciclismo urbano encontró en las redes sociales un nuevo espacio para expandir la disciplina, compartir experiencias y acercar a más personas al mundo de las bicicletas. Y entre esos perfiles apareció Bicipiantes, un proyecto de origen argentino que nació como un espacio de consulta y terminó convirtiéndose en una comunidad.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2a31c71703.png" alt=""><figcaption>Parte de la comunidad de Biciapiantes durante un viaje a Tandil (Bicipiantes).</figcaption></figure><p>Meses antes de la pandemia de COVID-19, Rodrigo Pol tomó una decisión que terminaría cambiando su relación con el ciclismo: creó un perfil en redes sociales para compartir su pasión por las bicicletas y mostrar una mirada diferente sobre la actividad.</p><p>En sus comienzos, Bicipiantes funcionó como un espacio de consulta para quienes buscaban adentrarse en el mundo del ciclismo urbano. El perfil ofrecía consejos sobre distintos aspectos vinculados a la actividad, desde qué ropa utilizar y cuáles eran los mejores recorridos hasta recomendaciones sobre bicicletas, talleres y reparaciones.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C9I8bheOnxe/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C9I8bheOnxe/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Sin embargo, Rodrigo también quería alejarse de una mirada que encontraba cada vez más frecuente en Instagram: la de mostrar únicamente el lado perfecto de cada experiencia.</p><p>Para Pol, el ciclismo también estaba en levantarse temprano para pedalear, terminar cansado después de una salida, pinchar una rueda, ensuciarse o quedar lleno de grasa después de reparar la bicicleta. Esa mirada cotidiana terminó convirtiéndose en una de las características distintivas de Bicipiantes.</p><h2>De una cuenta de Instagram a una comunidad de ciclistas</h2><p>La llegada de la pandemia marcó un punto de inflexión para el proyecto. Con las actividades deportivas limitadas y miles de personas alejadas de sus bicicletas, las redes sociales se transformaron en un espacio para mantener vivo el vínculo entre los amantes del ciclismo.</p><p>Bicipiantes comenzó a sumar seguidores y a generar una comunidad que, pese a encontrarse detrás de una pantalla, compartía una misma pasión y las ganas de volver a pedalear.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667acee6f.png" alt=""><figcaption>La comunidad de Bicipiantes en acción (Bicipiantes).</figcaption></figure><p>Cuando las restricciones comenzaron a flexibilizarse, esa comunidad virtual tuvo la posibilidad de encontrarse por primera vez cara a cara. Rodrigo organizó entonces el primer encuentro de Bicipiantes, una salida que reunió a más de 80 ciclistas en la ciudad de Buenos Aires y que marcó el comienzo de una nueva etapa para el proyecto.</p><p>La experiencia demostró que el vínculo construido en redes podía trasladarse a la calle y convertirse en algo mucho más grande: grupos de amigos, nuevos recorridos y encuentros alrededor de una actividad compartida.</p><h2>Más de cinco años pedaleando juntos: así creció Bicipiantes</h2><p>Con más de cinco años de recorrido, Bicipiantes dejó de ser solamente un perfil dedicado a compartir contenido sobre bicicletas y se consolidó como una comunidad dentro de la escena ciclista bonaerense y argentina.</p><p>El proyecto comenzó a organizar salidas programadas de manera mensual, con recorridos diferentes y propuestas pensadas para que cada vez más personas pudieran sumarse, conocer nuevos lugares y compartir la experiencia de pedalear en grupo.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/C4xxiGKr5eq/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/C4xxiGKr5eq/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La expansión también llevó a Bicipiantes más allá de la ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo, los recorridos llegaron a destinos como Chascomús, San Pedro y Salta, además de otros puntos del país.</p><p>Así, cada salida se convirtió en una oportunidad para conocer nuevos caminos y, al mismo tiempo, fortalecer los vínculos entre los integrantes de la comunidad.</p><p>Lo que alguna vez comenzó como una cuenta de Instagram creada por un fanático de las bicicletas terminó convirtiéndose en un espacio donde el ciclismo funciona como punto de encuentro, con recorridos, amistades y experiencias que continúan creciendo más allá de las redes sociales.</p>

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Bicipiantes: la comunidad que convirtió el ciclismo en una experiencia compartida

<p>Entre obstáculos, camas elásticas, rampas, air tracks y paredes con barandales y con más de 700 metros cuadrados de superficie, Wukong Parkour Point se convirtió en uno de los espacios de referencia para practicar parkour en Ciudad de México.</p><h2>Wukong Parkour Point, el espacio que lleva el parkour al siguiente nivel en CDMX</h2><p>Más allá de la existencia de parques, plazas y distintos espacios públicos que la propia comunidad del parkour fue transformando en sitios de entrenamiento, la disciplina también encontró en la Ciudad de México un lugar diseñado especialmente para practicarla. Se trata de Wukong Parkour Point, uno de los espacios especializados más importantes de la capital mexicana, ubicado en Avenida Extremadura 55, en la colonia Insurgentes Mixcoac, dentro de la alcaldía Benito Juárez.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bbd471e618.png" alt=""><figcaption>Niña entrenando parkour en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><h2>¿Qué podés encontrar en Wukong Parkour Point?</h2><p>El lugar cuenta con una amplia variedad de estructuras y sectores pensados para entrenar movimientos de distintos niveles de dificultad. Entre sus instalaciones se encuentra una cama de aire gigante, donde los practicantes pueden animarse a intentar giros y trucos complejos con mayor seguridad, además de una cama elástica e incluso un air track para practicar combos.</p><p>También hay una zona de recorridos con barras, una rampa destinada a practicar deslizamientos, bancos y obstáculos de distintas formas y tamaños, junto con una pared equipada con barandales para trabajar ascensos y descensos.</p><p>El espacio ubicado en la Ciudad de México también cuenta con distintos obstáculos distribuidos a lo largo de sus instalaciones, bajo la idea de que toda la estructura funcione como un recorrido prácticamente interminable, con diferentes posibilidades para entrenar parkour en cada rincón. Además, el suelo de Wukong Parkour Point está construido con un material pensado para reducir el impacto de las caídas, una característica fundamental para entrenar con mayor seguridad y disminuir riesgos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0201cdef28.png" alt=""><figcaption>Diversión y entrenamiento en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><p>Wukong Parkour Point también cuenta con coaches que acumulan más de quince años de experiencia en la disciplina, por lo que la propuesta no está destinada únicamente a atletas experimentados. El espacio también resulta una alternativa para quienes dejaron de entrenar y quieren volver a la práctica, buscan recuperar su condición física o simplemente quieren incorporar un nuevo deporte a su rutina.</p><h2>Clases y Open Gym: cómo entrenar en Wukong Parkour Point</h2><p>Wukong Parkour Point ofrece distintas alternativas para aprovechar sus instalaciones según la experiencia y los objetivos de cada persona. Las clases cuentan con inscripción gratuita y pueden contratarse con una frecuencia de entre una y cinco veces por semana, por lo que cada practicante puede elegir la modalidad que mejor se adapte a su rutina.</p><p>Los planes pueden contratarse por períodos de tres, seis o doce meses, y el valor varía de acuerdo con la cantidad de clases semanales y la duración elegida, con precios que parten desde $1.147 pesos mexicanos.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2e5e9213e0.png" alt=""><figcaption>Clases de parkour para niños en Wukong Parkour Point (Wukong Parkour Point).</figcaption></figure><h2>¿Tenés experiencia en el parkour? También podés entrenar en Wukong Parkour Point</h2><p>Para quienes ya tienen experiencia y prefieren entrenar por su cuenta, Wukong Parkour Point también cuenta con la modalidad Open Gym. Al igual que las clases, puede contratarse por períodos de tres, seis o doce meses y permite utilizar libremente las diferentes estructuras y sectores del espacio para practicar movimientos, trabajar técnicas específicas o continuar progresando de manera independiente: los planes de Open Gym parten desde $1.160 pesos mexicanos, dependiendo de la duración elegida.</p><p>De esta manera, Wukong Parkour Point se presenta como una alternativa tanto para quienes quieren dar sus primeros pasos en el parkour como para aquellos que ya conocen la disciplina y buscan un espacio equipado para seguir llevando sus habilidades un poco más lejos.</p>

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Wukong Parkour Point, el templo del parkour en CDMX

<p>No todas las obras requieren las mismas herramientas de trabajo. El tamaño, la superficie y el estilo del mural pueden determinar si conviene utilizar aerosol, rodillo o pincel, y desde Street Art Latam te acercamos una guía para conocer cuál es la indicada para cada obra.</p><h2>Aerosol: precisión, color y libertad para crear</h2><p>El aerosol es una de las herramientas más asociadas al arte urbano y resulta especialmente útil cuando se buscan líneas definidas, degradados, detalles y una mayor libertad para trabajar sobre grandes superficies. El hecho de utilizar aerosol también permite superponer colores y crear diferentes efectos según el tipo de boquilla utilizada.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_41498d6a95.png" alt=""><figcaption>Persona utilizando un spray como herramienta de trabajo (Felicity Tai).</figcaption></figure><p>Para murales de estética urbana, graffiti o composiciones que requieren precisión y variedad de trazos, el aerosol suele ser una de las opciones más versátiles y elegidas.</p><h2>Rodillo: la mejor opción para cubrir grandes superficies</h2><p>El rodillo es una herramienta ideal para cubrir grandes superficies de manera rápida y uniforme. A diferencia del aerosol o el pincel, la principal ventaja del rodillo está en la cantidad de pintura que permite aplicar en poco tiempo, por lo que suele utilizarse para fondos, bases de color y zonas amplias del mural.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8605ed7d25.png" alt=""><figcaption>Rodillo, herramienta ideal para cubrir grandes superficies (Tima Miroshnichenko).</figcaption></figure><p>Además, puede combinarse con otras herramientas: por ejemplo, utilizar un rodillo para construir el fondo y después recurrir al aerosol o al pincel para sumar detalles, contornos y elementos más pequeños.</p><h2>Pincel: el aliado para los detalles y las terminaciones</h2><p>El pincel permite trabajar con mayor precisión y control, por lo que resulta especialmente útil para detalles, líneas finas, terminaciones y pequeñas zonas que requieren una aplicación más cuidadosa de la pintura.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_995c5660d9.png" alt=""><figcaption>Detalles hechos con pincel en un mural (K).</figcaption></figure><p>También puede ser una buena opción cuando el mural incorpora técnicas más cercanas a la pintura tradicional o cuando se busca trabajar con diferentes texturas y grosores de trazo. Al igual que el rodillo, puede combinarse con aerosol para conseguir diferentes acabados dentro de una misma obra.</p><h2>¿Aerosol, rodillo o pincel: cuál es mejor para pintar un mural?</h2><p>No existe una única herramienta ideal: la elección depende del tamaño del mural, la superficie, el tipo de pintura y el resultado que se busca conseguir.</p><ul><li>Aerosol: muy bueno para líneas, detalles, degradados, contornos y estética ligada al graffiti.</li></ul><ul><li>Rodillo: excelente para cubrir superficies grandes y aplicar fondos o bases de manera rápida y pareja.</li></ul><ul><li>Pincel: más indicado para detalles, terminaciones, líneas precisas y trabajos que requieren mayor control.</li></ul><p>En muchos casos, además, las tres herramientas pueden utilizarse dentro de una misma obra para aprovechar las ventajas de cada una.</p>

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Aerosol, rodillo o pincel: ¿qué herramienta usar para pintar un mural?

<p>El parkour desarrolló un lenguaje propio que acompaña cada salto, recorrido y competencia. Entre movimientos técnicos, formatos de evaluación y conceptos utilizados tanto por atletas, jueces y comentaristas, entender su vocabulario es el primer paso para disfrutar al máximo la disciplina, y Street Art Latam repasa los términos imprescindibles.</p><h2>Los movimientos básicos del parkour</h2><p>El parkour se basa en desplazarse de la manera más eficiente posible superando cualquier obstáculo del entorno. Para lograrlo, los traceurs utilizan una serie de movimientos fundamentales que constituyen la base de la disciplina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_037f928354.png" alt=""><figcaption>La argentina Sara Banchoff realizando un movimiento durante un entrenamiento (Instagram/Sara Banchoff).</figcaption></figure><ul><li>Precision jump: salto preciso de un punto a otro buscando aterrizar con estabilidad.</li></ul><ul><li>Cat leap (Arm jump): salto hacia una pared o estructura, sujetándose con las manos mientras los pies amortiguan el impacto.</li></ul><ul><li>Vault: técnica para superar un obstáculo apoyándose con una o ambas manos.</li></ul><ul><li>Safety vault: uno de los vaults más utilizados, pensado para mantener el control durante el recorrido.</li></ul><ul><li>Speed vault: permite superar un obstáculo a máxima velocidad utilizando una sola mano.</li></ul><ul><li>Lazy vault: salto lateral utilizado para cambiar de dirección mientras se supera un obstáculo.</li></ul><ul><li>Kong vault: el atleta se impulsa con ambas manos y pasa el cuerpo completamente por encima del obstáculo.</li></ul><ul><li>Dash vault: las piernas pasan primero sobre el obstáculo y las manos impulsan el cuerpo desde atrás.</li></ul><ul><li>Wall run: carrera sobre una pared para alcanzar una mayor altura.</li></ul><ul><li>Wall climb: técnica utilizada para trepar un muro utilizando piernas y brazos.</li></ul><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/parkour-en-primera-persona-la-mirada-de-victor-dominguez-1/1038"><u><em>Parkour en primera persona: la mirada de Víctor Domínguez</em></u></a></p><h2>Los movimientos avanzados</h2><p>Con el paso del tiempo, los traceurs incorporan movimientos más técnicos que suelen aparecer en competencias internacionales.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DNyF_HtYuyB/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DNyF_HtYuyB/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><ul><li>Front flip: mortal hacia adelante.</li></ul><ul><li>Backflip: mortal hacia atrás.</li></ul><ul><li>Side flip: giro lateral en el aire.</li></ul><ul><li>Cork: rotación diagonal combinando giro y mortal.</li></ul><ul><li>Gainer: salto hacia adelante con rotación hacia atrás.</li></ul><ul><li>Palm spin: giro utilizando una mano como punto de apoyo.</li></ul><ul><li>Tic Tac: impulso sobre una pared para cambiar de dirección o ganar altura.</li></ul><ul><li>Underbar: atravesar un espacio estrecho pasando el cuerpo entre dos barras o estructuras.</li></ul><ul><li>Lache: balanceo y salto entre barras.</li></ul><ul><li>Cat pass: combinación de un Cat Leap con una salida inmediata.</li></ul><h2>La jerga del parkour</h2><p>Al igual que otras disciplinas urbanas, el parkour tiene un vocabulario propio que aparece constantemente en entrenamientos y competencias.</p><ul><li>Traceur / Traceuse: persona que practica parkour.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para entrenar.</li></ul><ul><li>Flow: capacidad para enlazar movimientos de forma natural.</li></ul><ul><li>Line: secuencia continua de movimientos.</li></ul><ul><li>Challenge: desafío específico propuesto entre atletas.</li></ul><ul><li>Stick: aterrizaje completamente estable, sin dar pasos adicionales.</li></ul><ul><li>Bail: abandonar un movimiento para evitar una caída o lesión.</li></ul><ul><li>Landing: recepción de un salto.</li></ul><ul><li>Take off: punto desde donde comienza el impulso.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a6b56d44b.png" alt=""><figcaption>La neerlandesa Noa Diorgina en acción (Instagram/Noa Diorgina).</figcaption></figure><h2>¿Cómo funciona una competencia de parkour?</h2><p>Además de conocer los movimientos, entender los formatos de competencia ayuda a disfrutar mucho más cada evento.</p><ul><li>Speed: modalidad en la que los atletas deben completar un circuito en el menor tiempo posible.</li></ul><ul><li>Freestyle: formato en el que los competidores realizan recorridos creativos combinando movimientos, técnica, dificultad y estilo.</li></ul><ul><li>Run: recorrido completo realizado por un atleta durante una ronda.</li></ul><ul><li>Dificultad: nivel técnico de los movimientos ejecutados.</li></ul><ul><li>Ejecución: limpieza y precisión con la que se realizan los movimientos.</li></ul><ul><li>Creatividad: capacidad para utilizar el entorno de manera original.</li></ul><ul><li>Fluidez: continuidad entre cada movimiento sin interrupciones.</li></ul><ul><li>Caída: error que puede afectar significativamente la puntuación.</li></ul><ul><li>Jueces: encargados de evaluar aspectos técnicos, creatividad y ejecución durante cada recorrido.</li></ul>

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Los conceptos que tenés que conocer para entender una competencia de parkour

<p>El boxeo influencer continúa expandiéndose por Latinoamérica y Perú volverá a ser uno de sus principales escenarios con La Noche Dorada II, el evento organizado por El Zein que reunirá a algunos de los creadores de contenido más populares del continente el próximo sábado 5 de septiembre en el Coliseo Eduardo Dibós de Lima.</p><h2>La Noche Dorada II lleva el boxeo de influencers a Lima</h2><p>Tan solo un puñado de días después de que el Estadio La Cartuja de Sevilla se convierta en la sede de la sexta edición de La Velada del Año, el formato de velada de boxeo entre creadores de contenidos aterrizará en la ciudad de Lima, esta vez con La Noche Dorada de El Zein como protagonista.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f70ff44556.png" alt=""><figcaption>Zully, una de las influencers presentes en La Noche Dorada II (Instagram/La Noche Dorada).</figcaption></figure><p>Y es que luego de su estreno el año pasado, donde influencers como Shadoune, Zully, Smash, La Pinky y Cristorata se vistieron de boxeadores, el evento tendrá su segunda edición el próximo sábado 5 de septiembre en el Coliseo Eduardo Dibós.</p><p>De la mano de El Zein, la segunda edición de La Noche Dorada reunirá dieciséis peleadores de Perú, Colombia y Chile sobre el ring, entre los que se destacan personalidades de las redes como Shelao, May Osorio y JH de la Cruz, y transformará a la ciudad de Lima en la capital del boxeo amateur entre influencers.</p><p>El evento será transmitido a través del canal oficial de Kick de <a href="https://kick.com/elzeein"><u>El Zein</u></a>.</p><h2>La cartelera completa de La Noche Dorada II</h2><p>Con una cartelera de ocho combates, donde conviven duelos entre creadores de contenido nacionales e internacionales, La Noche Dorada reunirá influencers de Perú, Colombia y Chile sobre el ring, en una jornada que pondrá al evento peruano en el centro de la escena del streaming latinoamericano.</p><ul><li>Pepita versus Pauchikita</li></ul><ul><li>Sr. Pulsera versus Sachauzumaki</li></ul><ul><li>El Jeque versus Jota Shoy</li></ul><ul><li>Emetsuki versus Daniela Taquire</li></ul><ul><li>Bebote versus Kingteka</li></ul><ul><li>Zully versus May Osorio</li></ul><ul><li>Shelao versus Piero Arenas</li></ul><ul><li>Cañita versus JH de la Cruz</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f057f35b0b.png" alt=""><figcaption>La cartelera de combates de La Noche Dorada II (Instagram/La Noche Dorada).</figcaption></figure><h2>Todo lo que tenés que saber sobre La Noche Dorada II</h2><p>La Noche Dorada conquistará el Coliseo Eduardo Dibós el próximo sábado 5 de septiembre con su segunda edición, y si tenés ganas de presenciar los combates de celebridades digitales como Shelao, Daniela Taquire, JH de la Cruz, Zully y El Jeque, Street Art Latam te trae toda la información para seguir el evento.</p><p>Las entradas estarán disponibles a través del sitio digital <a href="https://www.ticketmaster.pe/event/la-noche-dorada-edicion-2026?utm_source=ig&amp;utm_medium=social&amp;utm_content=link_in_bio&amp;fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAc3J0YwZhcHBfaWQPOTM2NjE5NzQzMzkyNDU5AAGnJNGAgagdRAM6qRZ1AYSGomaEIgeulSNTMdPD-eCDeBV49dXVP9yBjRbASMs_aem_cPTgEjrVm9ejdPt0_TD4yA"><u>Ticketmaster</u></a>: los precios van desde $79 hasta $276 soles peruanos, dependiendo de la ubicación dentro del recinto.</p><p>Para todos aquellos que no puedan seguir la competencia desde dentro del Coliseo Eduardo Dibós, podrán hacerlo a través del canal oficial de Kick de El Zein.</p><p>De esta manera, todo está listo para una nueva edición de La Noche Dorada, un evento que buscará consolidarse como una de las principales propuestas del boxeo influencer en Latinoamérica y que volverá a reunir a algunas de las figuras digitales más populares del continente sobre un mismo ring.</p><h2>¿Quién es El Zein, el organizador de La Noche Dorada?</h2><p>Andy Dante Merino Ramírez, mejor conocido en redes sociales como El Zein, se ha consolidado como una de las figuras digitales más importantes tanto de Perú como de América Latina.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a15e40ac7e.png" alt=""><figcaption>El Zein, emblema del streaming peruano (Instagram/El Zein).</figcaption></figure><p>Con más de un millón de seguidores entre sus redes sociales, el peruano conquistó las plataformas con contenido como gameplays de videojuegos, reacciones, vlogs y desafíos y se convirtió en un referente local e internacional.</p>

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El boxeo influencer vuelve a Lima con La Noche Dorada II

<p>Si hay que hablar de referentes femeninas del muralismo contemporáneo en México, el nombre de Camila Ricard ocupa un lugar destacado. En diálogo con Street Art LATAM, la artista repasó sus comienzos, la construcción de su estilo, la escena del arte urbano mexicano y los proyectos que marcaron su carrera.</p><h2>Un estilo artístico en constante evolución</h2><p>En el universo del arte urbano conviven una infinidad de estilos, técnicas y formas de entender la creación. Con el paso del tiempo, cada muralista termina construyendo una identidad propia que no solo define sus obras, sino también la manera en la que observa el mundo. En el caso de Camila Yarahuan Ricard, esa identidad tiene una palabra que la resume por completo: la libertad.</p><p>&quot;<em>Si tuviera que definir mi estilo con una sola palabra, sería libre. Es un estilo que está en constante evolución porque nunca estudié arte de manera formal; todo lo que he aprendido ha sido a través de la experimentación, la intuición y la conexión con las distintas etapas de mi vida</em>&quot;, reconoce la mexicana.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Más allá de esa definición, la muralista mexicana reconoce que cada una de sus obras funciona como un reflejo del momento personal que atraviesa. Actualmente encuentra inspiración en crear piezas con propósito, incorporando símbolos, números, repeticiones y elementos que representan conexiones más profundas. Interesada en explorar el comportamiento humano, la energía y la naturaleza, asegura que más que perseguir un estilo fijo, su principal objetivo es crear desde la autenticidad.</p><p>Entre las influencias que acompañaron el desarrollo de su identidad artística, Camila Ricard destaca a Frida Kahlo como su principal referente. La mexicana admira su capacidad para crear sin filtros y convertir cada etapa de su vida en una obra cargada de significado. Como mujer, también encuentra inspiración en la libertad con la que Kahlo mezclaba símbolos, emociones y experiencias personales.</p><p>Sin embargo, sus referencias no se limitan únicamente al universo artístico. La naturaleza, los viajes, las personas que conoce en el camino y las conversaciones cotidianas también forman parte de un proceso creativo que busca nutrirse constantemente de nuevas vivencias y perspectivas.</p><h2>El arte urbano como herramienta para transformar espacios</h2><p>Para muchos muralistas, el primer acercamiento a las calles nace de la necesidad de expresar una idea, intervenir un espacio o simplemente compartir una parte de sí mismos con quienes transitan la ciudad: “<em>Me parece mágico pensar que una persona pueda cruzarse con una obra en su camino y que, aunque sea por unos segundos, esa experiencia despierte una emoción, una reflexión o simplemente le cambie el día. Poder transformar un espacio compartido en un lugar con identidad y significado es una de las razones por las que disfruto tanto el arte urbano</em>”.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de69395dc8.png" alt=""><figcaption>El proceso creativo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>Con esa filosofía, la artista mexicana asegura que cada mural representa una oportunidad para dejar un lugar un poco mejor de como lo encontró. Más allá del resultado final, entiende al arte como una herramienta capaz de generar encuentros, despertar emociones y transformar la relación entre las personas y los espacios que habitan.</p><p>Más allá del espacio donde pinta, la muralista también tiene claro cuál es el mensaje que busca dejar en cada una de sus intervenciones. A través de sus obras intenta transmitir emoción, energía y libertad, sin perseguir la perfección ni el realismo como objetivo principal.</p><p>Camila explica que trabaja de manera intuitiva, permitiendo que los colores, las formas, las palabras y los símbolos aparezcan de forma natural durante el proceso creativo. Más que controlar cada detalle, siente que actúa como un canal para esas ideas, con la esperanza de que cada obra invite a quien la observa a conectar con algo propio y le recuerde que la creatividad también nace cuando dejamos espacio para sentir.</p><h2>La visión de Camila Ricard sobre la escena del muralismo en México</h2><p>No hay dudas de que México se consolidó como uno de los grandes referentes del arte urbano en Latinoamérica, con una escena que no solo ganó visibilidad en los últimos años, sino que también amplió sus espacios de desarrollo gracias al crecimiento de festivales, convocatorias y proyectos colectivos. Una evolución que también perciben quienes forman parte activa de ese movimiento, como Camila Yarahuan Ricard.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b65a7d6ba3.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><p>“<em>En México el arte urbano está viviendo un momento muy interesante. Cada vez existen más convocatorias, colaboraciones con marcas, festivales y espacios que apuestan por integrar el arte en la vida cotidiana. También veo una comunidad de artistas mucho más unida y abierta a compartir procesos, conocimientos y oportunidades</em>”, reconoce la muralista.</p><h2>El proyecto que marcó un antes y un después en su carrera</h2><p>Todo recorrido artístico tiene una obra o un proyecto que termina marcando un antes y un después. Ya sea por el desafío técnico, el impacto que genera o la historia que lo rodea, hay trabajos que trascienden el resultado final y se convierten en los más significativos de una carrera. Para Camila Ricard, esa experiencia estuvo lejos de un muro y encontró su lugar en el acompañamiento a adolescentes que atravesaban una enfermedad: talleres de arte para adolescentes con cáncer junto a la Fundación ASAC.</p><p>“<em>Cuando tenía 18 años yo también viví un proceso de cáncer, así que regresar años después desde otro lugar, acompañando a jóvenes que estaban atravesando algo similar, fue profundamente significativo</em>”.</p><p>Haber atravesado esa misma experiencia le permitió conectar desde un lugar profundamente personal, convirtiendo al arte en una herramienta de expresión, compañía y contención para quienes transitaban un momento difícil.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d516122acc.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><h2>Consejos para quienes comienzan en el arte urbano</h2><p>Todo camino creativo comienza con una primera obra, un primer trazo o un primer muro. Como sucede en el deporte, la gastronomía o cualquier otra disciplina, quienes recién empiezan suelen buscar referencias y consejos de personas que ya recorrieron ese camino. Y para Camila Charahuan Ricard, hay un mensaje que nunca pierde vigencia.</p><p>“<em>En el mundo creativo es muy fácil compararse y sentir presión por avanzar más rápido, pero cada artista tiene un proceso distinto. Cuando dejas de mirar el tiempo de los demás y empiezas a confiar en el tuyo, todo comienza a fluir de una manera diferente</em>”, aconseja Camila, quien también considera que atreverse es fundamental para descubrir nuevas oportunidades, incluso antes de sentirse completamente preparado. A su vez, invita a no perder la capacidad de divertirse durante el proceso creativo, convencida de que es justamente en ese espacio de libertad, juego y experimentación donde nacen las obras más especiales.</p><h2>La obra que mejor representa su carrera: el balón monumental rumbo al Mundial</h2><p>A lo largo de su carrera, Camila Yarahuan Ricard dejó su huella en distintos rincones de México a través de murales e intervenciones que combinan color, simbolismo y emoción. Sin embargo, uno de los proyectos que más representa su presente artístico llegó de la mano del fútbol y de la cuenta regresiva hacia la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá 2026.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/?hl=zh-cn" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>La muralista mexicana fue una de las artistas seleccionadas por Grupo GICSA para intervenir un balón monumental como parte de Golearte, una iniciativa que reunió a distintos creadores para reinterpretar la pasión que representa el fútbol en México. Sobre la inspiración detrás de la obra, Ricard explicó: &quot;<em>La inspiración nació de la famosa &#x27;ola&#x27; que marcó el Mundial de 1986. A partir de esa idea construí una composición donde cada ola representaba emociones, lugares y personas que conectan a millones dentro y fuera del país</em>&quot;.</p><p>La intervención fue exhibida en Paseo Interlomas, donde miles de personas pudieron recorrerla, fotografiarse y disfrutar del trabajo realizado por todos los artistas participantes, consolidándose como una de las acciones artísticas más representativas del camino hacia el Mundial 2026.</p>

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“Siempre he sentido que el mundo tiene espacio para más arte”

<p>Óscar Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más reconocidos de Latinoamérica gracias a un estilo completamente fuera de lo convencional: crear murales utilizando tapitas de botellas recicladas.</p><h2>Óscar Olivares, el venezolano que transformó el reciclaje en arte</h2><p>Dentro de la escena del arte urbano latinoamericano existen artistas que, con el paso del tiempo, terminan especializándose en un tipo de obra capaz de marcar su estilo y distinguirlos del resto. Desde Mode Orozco, el muralista mexicano que inmortaliza a ídolos del deporte latinoamericano, pasando por Luis Morales, el artista peruano vinculado a la cultura pop y la figura del león, hasta decenas de casos más repartidos a lo largo y ancho del continente que han logrado adueñarse de un estilo y convertirlo en propio, distinguiéndose y marcando tendencia por sobre el resto.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d01d8d64e8.png" alt=""><figcaption>El arte de Óscar Olivares en acción (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Y en Venezuela existe un artista que logró marcar tendencia con una manera de crear arte completamente fuera de lo convencional, dejando de lado la pintura tradicional para transformar residuos plásticos en auténticas obras monumentales.</p><p>Ese es el caso de Óscar Olivares, el venezolano que conquistó el mundo a través de intervenciones creadas con tapitas de botellas recicladas.</p><p>Nacido en Caracas, Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más populares del territorio venezolano gracias a un estilo marcado por la creación de murales y obras utilizando tapas plásticas como principal herramienta artística. Con huella en más de veinte países, el venezolano realizó intervenciones en gran parte de Venezuela y también en destinos internacionales de la talla de Miami, Houston, Denver, Madrid, Santo Domingo y Kuala Lumpur, construyendo una propuesta artística que logró trascender fronteras gracias a la combinación entre muralismo y reciclaje.</p><p>Con un vínculo relacionado al arte desde la adolescencia —cuando con apenas 14 años comenzó a dibujar a figuras del fútbol venezolano—, el caraqueño fue construyendo una carrera que no solo lo posicionó como un emblema del arte urbano en Venezuela, sino también como uno de los máximos exponentes del muralismo ecológico a nivel continental. A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones locales e internacionales, recibió distintos reconocimientos y dejó murales tanto en Venezuela como en Estados Unidos, donde incluso cuenta con una obra en Hollywood considerada como el primer mural venezolano de la zona.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3d0a47cae.png" alt=""><figcaption>Óscar Olivares y la Gioconda latinoamericana, una de sus obras más reconocidas (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Con el correr de los años, el venezolano terminó ampliando un currículum artístico que hoy lo tiene convertido en uno de los grandes referentes internacionales del arte con material reciclado, llevando su sello basado en tapitas de botellas a distintos rincones del planeta y fusionando muralismo, conciencia ecológica y participación comunitaria en una misma obra.</p><h2>El olimpo artístico de Óscar Olivares</h2><p>Todo artista cuenta con una especie de Olimpo de obras seleccionadas, no solo por haber marcado un antes y un después dentro de su carrera, sino también por la relevancia, la magnitud y el impacto que alcanzaron dentro de su currículum artístico. Y, por supuesto, Óscar Olivares también posee dicha sección dentro de su repertorio creativo.</p><ul><li>L’Italia a casa nostra: mural realizado con más de 180.000 tapas de botellas recicladas en la Casa D’Italia de Maracaibo, Venezuela, inspirado en la arquitectura italiana del Coliseo y en esculturas emblemáticas como La Piedad y el David de Miguel Ángel.</li></ul><ul><li><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-nueva-gioconda-hecha-con-100-000-tapas-en-el-salvador/1796"><u>La Gioconda latinoamericana</u></a>: obra creada utilizando más de 100.000 tapas de plástico recicladas en el barrio de Zacamil, El Salvador, que representa a una mujer de rasgos latinos, cabello negro, vestido colorido, pendientes dorados y una mirada penetrante que remite a la icónica expresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.</li></ul><ul><li>Noche estrellada de Plástico: pieza artística realizada con 1.500 tapas recicladas y expuesta en el Carrousel du Louvre de París, reinterpretando la clásica obra de Vincent van Gogh desde una mirada ecológica y contemporánea.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ded3aa8e8.png" alt=""><figcaption>Noche estrellada de Plástico de Óscar Olivares (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure><p>Más allá de la magnitud visual de cada mural, el trabajo del venezolano logró convertir residuos cotidianos en obras capaces de recorrer el mundo y generar conciencia ambiental desde el arte urbano. Un sello artístico que terminó posicionando a Óscar Olivares como uno de los máximos referentes internacionales del muralismo ecológico contemporáneo.</p>

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El artista que transforma tapitas de botellas en increíbles murales

<p>Hablar de Eva Bracamontes es hablar de una artista que encontró en el espacio público mucho más que un soporte para pintar. A través de murales de gran formato, la mexicana construyó una identidad visual que combina color, ilustración y un fuerte compromiso con distintas problemáticas sociales.</p><p>Con una trayectoria internacional que supera la última década, la ilustradora y diseñadora llevó sus obras a diferentes países de América y Europa, consolidándose como una de las referentes del muralismo contemporáneo latinoamericano gracias a un lenguaje gráfico que une sensibilidad artística y conciencia social.</p><h2>¿Quién es Eva Bracamontes, la artista urbana mexicana que transforma los muros en espacios de reflexión social?</h2><p>El arte urbano mexicano reúne a una nueva generación de artistas que encontró en los muros un espacio para desarrollar lenguajes visuales propios. Mientras algunos construyen su identidad a partir de la cultura popular o el mundo del deporte, otros decidieron convertir cada intervención en una oportunidad para abrir el diálogo sobre distintas problemáticas sociales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5f9e1b4018.png" alt=""><figcaption>El mural “Todos los Derechos, Todas las Personas” de la artista urbana Eva Bracamontes (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Y dentro de ese grupo aparece Eva Bracamontes, una artista que logró transformar el muralismo en una herramienta de reflexión y visibilización. A través de un lenguaje cargado de color y simbolismo, sus obras recorrieron distintos países de América y Europa, consolidando una trayectoria que hoy la ubica entre las muralistas mexicanas con mayor proyección internacional.</p><p>Eva Bracamontes es una artista urbana, ilustradora y diseñadora mexicana cuya obra se caracteriza por abordar temáticas vinculadas a los derechos humanos, la migración, el desplazamiento forzado y la violencia contra mujeres, niñas y niños.</p><p>Su vínculo con el arte comenzó mucho antes de dedicarse profesionalmente al muralismo. Hija de Alicia y Joel, ambos arqueólogos, creció rodeada de referencias culturales que terminaron marcando buena parte de su imaginario visual y que hoy continúan presentes en sus composiciones.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5ddc316804.png" alt=""><figcaption>Obra de Eva Bracamontes para Somos México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Antes de comenzar a intervenir espacios públicos, Bracamontes cursó la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde se especializó en ilustración, disciplina que continúa siendo una de sus grandes pasiones. Fue justamente durante el período entre la licenciatura y la maestría cuando empezó a experimentar con el arte urbano, un camino que comenzó como un pasatiempo hace ya más de diez años y que, con el paso de los años, se transformó en su principal forma de expresión.</p><h2>Murales que cruzaron fronteras: la huella artística de Eva Bracamontes</h2><p>Con el paso de los años, Eva Bracamontes llevó su obra mucho más allá de México y participó en festivales, encuentros e intervenciones de arte urbano en distintos países, consolidando una presencia internacional.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-artista-que-crea-murales-que-aparecen-y-desaparecen-con-el-agua/1988"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Actualmente cuenta con murales realizados en:</p><ul><li>Canadá</li></ul><ul><li>Estados Unidos</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>Ecuador</li></ul><ul><li>Venezuela</li></ul><ul><li>Perú</li></ul><ul><li>Argentina</li></ul><ul><li>Francia</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_618f244d33.png" alt=""><figcaption>El homenaje de Eva Bracamontes al boxeador mexicano Juan Manuel Márquez en las calles de Ciudad de México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><p>Dentro de México, su trabajo también puede encontrarse en diferentes ciudades, entre ellas:</p><ul><li>Ciudad de México</li></ul><ul><li>Guadalajara</li></ul><ul><li>Querétaro</li></ul><ul><li>Oaxaca</li></ul><p>Este recorrido refleja no solo el crecimiento de su carrera, sino también el interés de distintas organizaciones e instituciones por una propuesta artística capaz de conectar con públicos diversos sin perder su identidad.</p><h2>El arte como herramienta para hablar de derechos humanos</h2><p>Uno de los aspectos que distingue la producción de Eva Bracamontes es el compromiso social presente en buena parte de sus murales.</p><p>A lo largo de su carrera desarrolló proyectos junto a organizaciones como Save the Children y colaboró con organismos vinculados a Naciones Unidas dedicados a la defensa de los derechos humanos, llevando su lenguaje artístico a iniciativas que buscan generar conciencia sobre distintas problemáticas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b84ad4372.png" alt=""><figcaption>Mural de Eva Bracamontes realizado en el marco de la conmemoración de la lucha por la igualdad de derechos para las mujeres y la recuperación de espacios culturales e históricos (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><ul><li>La migración</li></ul><ul><li>El desplazamiento forzado</li></ul><ul><li>La violencia contra las mujeres</li></ul><ul><li>La protección de niñas y niños</li></ul><ul><li>La defensa de los derechos humanos</li></ul><p>Más que ilustrar estas realidades, sus murales buscan generar conversación y construir espacios donde el arte funcione como un puente entre las personas y las historias que muchas veces permanecen invisibilizadas.</p><h2>Una identidad visual que combina color, ilustración y fuerza femenina</h2><p>La obra de Eva Bracamontes se distingue por una identidad visual fácilmente reconocible. Sus murales suelen estar protagonizados por figuras femeninas de formas voluptuosas, composiciones dinámicas y una paleta cromática intensa que convierte cada intervención en un punto de encuentro para quienes recorren la ciudad.</p><p>A ese universo visual se suman influencias de la ilustración contemporánea y distintos guiños a la gráfica pop, elementos que aportan dinamismo sin perder el carácter reflexivo de cada pieza. El resultado es un lenguaje artístico que consigue equilibrar belleza estética, identidad latinoamericana y contenido social.</p>

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Eva Bracamontes, la muralista mexicana que transforma el arte en reflexión

<p>Con la cuenta regresiva en marcha hacia La Velada del Año VI, que se celebrará el próximo sábado 25 de julio en Sevilla, Ibai Llanos reveló uno de los detalles más esperados del evento: los premios que recibirán los ganadores de cada combate.</p><h2>¿Cómo son el nuevo cinturón y el anillo de campeón de La Velada del Año VI?</h2><p>A falta de menos de una semana para que La Velada del Año VI vuelva a apoderarse del streaming mundial, la cuenta regresiva continúa tachando casilleros.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8b333e7cf9.png" alt=""><figcaption>Abby, ganadora de la quinta edición de La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>Y uno de los más esperados por los fanáticos era conocer cómo sería el cinturón que influencers como Fernanfloo, Plex, Angie Velasco y el resto de los competidores buscarán levantar el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla.</p><p>A través de sus redes sociales, Ibai Llanos presentó oficialmente el diseño del cinturón que recibirán los ganadores de cada uno de los combates. Un premio que, con el correr de las ediciones, fue ganando cada vez más protagonismo y que para este año apuesta por una estética completamente renovada, inspirada en algunos de los cinturones más icónicos del mundo de los deportes de combate.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/Da2zu41M7Fk/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/Da2zu41M7Fk/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>Con una marcada influencia de los campeonatos que entregan organizaciones como la UFC e incluso la WWE, el cinturón de La Velada del Año VI presenta una estructura de tres placas metálicas, donde predominan los colores rojo y dorado como homenaje a la bandera de España. En el panel central aparece el ya tradicional logotipo de La Velada del Año, acompañado por distintos detalles ornamentales que le otorgan una imagen mucho más cercana a los cinturones del boxeo y las artes marciales mixtas.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1e9c2ae936.png" alt=""><figcaption>Plex levantando el cinturón de la cuarta edición de La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure><p>Sin embargo, esa no será la única recompensa para quienes se impongan sobre el ring. Siguiendo una tradición muy presente en ligas como la NBA, la organización también anunció que cada ganador recibirá un anillo de campeón, una novedad absoluta dentro de la historia del evento.</p><p>Fabricado en plata, el anillo incorpora la inscripción &quot;La Velada del Año VI&quot;, las tres estrellas del torneo, el año 2026, la palabra &quot;Champion&quot; y el característico emblema de las dos &quot;V&quot; superpuestas que identifica al evento. Además, una vez finalizado cada combate, la pieza será personalizada en directo con el nombre del influencer vencedor, convirtiéndose en un recuerdo único que acompañará al cinturón como símbolo de su consagración.</p>

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Así será el cinturón que levantarán los campeones de La Velada del Año VI

<p>En el trabajo de <strong>Pablo Ruarte</strong>, el <strong>arte urbano</strong> aparece como una pausa dentro del ritmo de la ciudad, una imagen que se ofrece al tránsito cotidiano sin imponer un mensaje cerrado. Desde <strong>Buenos Aires, Argentina</strong>, este <strong>muralista de 43 años</strong> construye obras marcadas por el <strong>realismo</strong>, la <strong>naturaleza</strong> y los <strong>rostros cercanos</strong>.</p><h3><strong>Pintar el entorno y la identidad</strong></h3><p>En los muros de <strong>Pablo Ruarte</strong> aparecen plantas, animales y personas que, según explica, buscan representar un <strong>paisaje cercano</strong>. En sus obras hay una presencia clara de la <strong>identidad latinoamericana</strong>, visible tanto en los <strong>rasgos humanos</strong> como en la elección de <strong>especies nativas</strong> del territorio.</p><p>Cada trabajo comienza mucho antes de tocar la pared. Para el artista, el <strong>formato del muro</strong>, el <strong>barrio</strong>, la <strong>circulación de personas</strong> y las <strong>condiciones materiales</strong> influyen en la idea inicial. <strong>Bocetos digitales</strong> o dibujos rápidos le permiten ordenar esa información hasta que la imagen encuentra su forma definitiva en el <strong>espacio público</strong>.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_925de71e7b.png" alt=""><figcaption>Murales colectivos en Moreno, homenajes a Sandra y Rubén, trabajadores de la educación fallecidos en 2018.</figcaption></figure><h3><strong>La calle como experiencia colectiva</strong></h3><p>Pintar en el <strong>espacio público</strong> implica, para Ruarte, aceptar que la obra deja de pertenecer exclusivamente al artista. El <strong>mural</strong> se expone a la mirada masiva, al comentario espontáneo y al encuentro cotidiano. “Un mural puede cambiar el entorno”, afirmó.</p><p>La elección de los <strong>muros</strong> responde, según cuenta, a distintos criterios. En trabajos <strong>institucionales</strong>, el lugar ya está definido. En obras <strong>personales</strong>, la <strong>visibilidad</strong> y la <strong>accesibilidad</strong> son claves, tanto para el <strong>impacto visual</strong> como para el proceso de trabajo.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c4cd686a75.png" alt=""><figcaption>Identidad y entorno.</figcaption></figure><h3><strong>Técnica, tiempo y permanencia</strong></h3><p>La técnica de <strong>Pablo Ruarte</strong> se apoya en <strong>pintura acrílica</strong> y <strong>esmalte al agua</strong>, aplicados principalmente con <strong>pincel</strong>. Con el paso del tiempo, su estilo fue afinándose hacia un <strong>realismo</strong> cada vez más preciso, sin abandonar la <strong>figuración</strong> como eje central del <strong>arte urbano</strong>.</p><p>El <strong>muralismo</strong> también es, en su experiencia, un <strong>trabajo físico</strong>. La <strong>escala de los muros</strong>, el <strong>clima</strong>, las <strong>escaleras</strong> y los <strong>tiempos de ejecución</strong> exigen atención y energía constantes. Una vez finalizada, la obra queda librada al <strong>paso del tiempo</strong> y acepta la <strong>efimeridad</strong> propia del <strong>muralismo urbano</strong>.</p><h3><strong>El descubrimiento de una pasión</strong></h3><p>El <strong>dibujo</strong> fue una constante desde la infancia. Antes de pensar en <strong>murales</strong>, había cuadernos, lápices y tiempo. La <strong>formación académica</strong> llegó después, con un <strong>profesorado en artes visuales</strong> que amplió su mirada sobre la <strong>pintura</strong>, la <strong>escultura</strong> y la <strong>historia del arte</strong>. “Ahí me di cuenta que el arte era lo que quería seguir haciendo”, recordó.</p><p>Durante años, la <strong>pintura de caballete</strong> fue su territorio. El pasaje al <strong>arte urbano</strong> no fue inmediato ni abrupto. Comenzó con <strong>stencil</strong> y derivó en el <strong>mural</strong> cuando, según relata, la <strong>escala</strong> y la <strong>complejidad de la imagen</strong> empezaron a pedir más espacio. La expansión del <strong>arte urbano en Buenos Aires</strong> durante la década de 2010 fue, para él, un impulso creativo.</p><h3><strong>Arte urbano en Latinoamérica y difusión digital</strong></h3><p>Desde su mirada, el <strong>arte urbano en Latinoamérica</strong> creció de manera sostenida en las últimas décadas, lo que permitió que las <strong>culturas locales</strong> se proyecten en otros territorios y continentes. El <strong>mural</strong> funciona, según sostiene, como un <strong>lenguaje común</strong> que conecta escenas y contextos distintos.</p><p>Las <strong>redes sociales</strong> cumplen hoy, en su opinión, un rol clave en la <strong>difusión del arte urbano contemporáneo</strong>, ya que amplían el <strong>alcance de las obras</strong> y generan nuevas <strong>oportunidades para los artistas</strong>.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DStBh9rAePS/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DStBh9rAePS/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>A quienes desean comenzar en el <strong>arte urbano</strong>, <strong>Pablo Ruarte</strong> les recomienda animarse a salir a pintar, formarse <strong>técnicamente</strong> y construir un <strong>lenguaje propio</strong>. “Mientras más conocimientos técnicos tengan, más recursos tendrán al momento de pintar”, concluyó.</p>

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Realismo y naturaleza, la filosofía de Pablo Ruarte

<p>El legado del Indio Solari sumó un nuevo capítulo en el universo del muralismo con la inauguración del mural más grande dedicado al histórico músico argentino. Ubicada en el municipio de Almirante Brown, provincia de Buenos Aires, la intervención reúne referencias a sus discos más emblemáticos y a toda su carrera artística, desde su etapa como solista hasta el éxito al mando de Los Redondos.</p><h2>El monumental homenaje al Indio Solari en las calles de Almirante Brown</h2><p>A poco más de un mes de la partida de Indio Solari, el legado del histórico cantante argentino continúa expandiéndose a través del arte urbano con homenajes que repasan no solo su figura, sino también algunas de las obras más importantes de su carrera.</p><p>Y una de las intervenciones más destacadas fue inaugurada frente al Polideportivo de Ministro Rivadavia, en la intersección de 25 de Mayo y Quiroga, en el municipio de Almirante Brown, donde quedó plasmado el mural más grande realizado hasta el momento en honor al exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9e9a0b9e0d.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure><p>Con una superficie de 530 metros cuadrados, la intervención fue realizada por los artistas Heber Martínez, Gabo Luna, Eki Besada y Gustavo Alderete, con la colaboración de Roger Oner y del equipo integrado por Sebastián, Cocco, Karina y Cristina, bajo la coordinación de TiN y la dirección artística de Nicolás Vicente. La obra propone un recorrido visual por distintas etapas de la trayectoria del músico, convirtiéndose en un verdadero homenaje a una de las figuras más influyentes de la historia del rock argentino.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/guido-palmadessa-la-mirada-de-un-artista-argentino-en-alemania/1000147"><u><em>Guido Palmadessa, la mirada de un artista argentino en Alemania</em></u></a></p><ul><li>“Oktubre”</li></ul><ul><li>“Luzbelito”</li></ul><ul><li>“Lobo Suelto, Cordero Atado”</li></ul><ul><li>“Último Bondi a Finisterre”</li></ul><ul><li>“¡Bang! ¡Bang!... Estás Liquidado”</li></ul><ul><li>“Un baion para el ojo idiota”</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaaWPvtR0RV/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DaaWPvtR0RV/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>El homenaje no se limita únicamente a su etapa junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. La intervención también repasa su carrera como solista mediante referencias a discos como “<em>Porco Rex</em>”, “<em>El perfume de la tempestad y Pajaritos”</em> y “<em>Bravos muchachitos</em>”, entre otras obras, reflejando las distintas etapas que marcaron el recorrido artístico del músico.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56cfd48d52.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure><p>El punto central de la obra está protagonizado por un imponente retrato del propio Indio Solari durante uno de sus conciertos. Allí aparece con los brazos abiertos, en una pose que remite a una figura casi religiosa, acompañado por sus inconfundibles gafas oscuras, una camisa verde y la inscripción &quot;Indio&quot; en grandes letras negras detrás de su figura. Una imagen que sintetiza el vínculo entre el artista y miles de seguidores, transformando el mural en un nuevo punto de encuentro para fanáticos, vecinos y amantes del arte urbano.</p>

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El mural más grande dedicado al Indio Solari ya puede visitarse en Almirante Brown

<p>Cada edición de la Copa del Mundo deja historias que trascienden el resultado. Y en esta oportunidad, el recorrido de Lionel Messi vuelve a poner sobre la mesa una enseñanza que también aparece en el arte, la música y la cultura urbana: los grandes sueños no siempre llegan rápido, pero la perseverancia puede convertir cualquier camino en una historia inolvidable.</p><h2>Las grandes obras no se terminan en el primer intento</h2><p>Durante años, el deporte pareció acostumbrarnos a que las grandes historias debían escribirse rápido. La irrupción de jóvenes como Lamine Yamal, Jude Bellingham o Pau Cubarsí, capaces de disputar instancias decisivas de un Mundial con apenas un puñado de años como profesionales, parece reforzar la idea de que el éxito tiene que llegar cuanto antes. Sin embargo, existen caminos que demuestran exactamente lo contrario. Y pocos representan mejor esa realidad que Lionel Messi.</p><p>El rosarino necesitó atravesar dos décadas vistiendo la camiseta de la Selección argentina para volver a encontrarse a un paso de la gloria mundialista. En Alemania 2006 apenas tuvo minutos y observó gran parte del torneo desde el banco de suplentes. Cuatro años más tarde, en Sudáfrica, cargó con la responsabilidad de liderar un equipo que quedó eliminado con una dura goleada. En Brasil 2014 estuvo a centímetros de tocar la Copa del Mundo, pero una derrota en la final volvió a dejar la imagen de un sueño inconcluso. Rusia 2018 tampoco fue el desenlace esperado y las críticas volvieron a caer sobre sus hombros. Muchos dudaron, otros aseguraban que jamás podría coronarse con la camiseta argentina.</p><p>Pero Messi hizo algo que muchas veces resulta más difícil que ganar: siguió. Volvió a entrenar, volvió a competir, volvió a soportar la presión y volvió a creer. Esa perseverancia lo llevó a levantar la Copa del Mundo en Qatar y hoy le permite afrontar una nueva final, demostrando que el talento necesita tiempo, constancia y resiliencia para alcanzar su máxima expresión.</p><p>Y quizás esa sea la enseñanza más poderosa de toda su historia. Porque el recorrido de Messi no habla únicamente de fútbol. Habla de cualquier persona que alguna vez persiguió un objetivo importante.</p><p>Un muralista no pinta una obra que emocione a toda una ciudad el primer día que toma un aerosol. Antes hubo bocetos, paredes descartadas, errores y horas de práctica. Un freestyler no gana una Red Bull Internacional en su primera regional; antes perdió batallas, improvisó frente a pocas personas y aprendió de cada derrota. Un rider de BMX no aterriza su truco más difícil en el primer intento. Un productor musical no crea un éxito apenas abre un proyecto en el estudio. Un tatuador tampoco realiza una pieza hiperrealista la primera vez que sostiene una máquina.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DXkvqgYADkz/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DXkvqgYADkz/?hl=es" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><p>En todas esas disciplinas existe un punto en común: detrás de cada gran logro hay una enorme cantidad de intentos que casi nadie ve. Existe frustración, existe incertidumbre y también aparecen momentos donde abandonar parece una opción mucho más sencilla que continuar. Sin embargo, quienes finalmente dejan una huella suelen ser aquellos que encuentran la fuerza para levantarse una vez más.</p><p>Vivimos en una época donde las redes sociales muestran únicamente el resultado final. El mural terminado, la canción viral, el campeonato, el nocaut, la medalla o la fotografía perfecta. Muy pocas veces se muestran los años de trabajo silencioso que hicieron posible ese momento. Quizás por eso historias como la de Lionel Messi generan tanta identificación: porque recuerdan que el verdadero éxito rara vez es inmediato.</p><p>EMás allá de lo que ocurra en la final del Mundial, el legado del capitán argentino ya trasciende cualquier resultado. Su recorrido demuestra que el tiempo nunca debería convertirse en una medida para juzgar un sueño. Algunas metas llegan antes y otras necesitan muchos más intentos. Lo verdaderamente importante es seguir avanzando cuando el camino parece cuesta arriba.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_aead18ea78.png" alt=""><figcaption>La felicidad de Lionel Messi tras una nueva clasificación a la final de la Copa del Mundo (AFA).</figcaption></figure><p>Porque al final, tanto en el deporte como en el arte urbano, el freestyle, la música o cualquier otra pasión, las grandes historias no pertenecen únicamente a quienes llegan primero. También son de quienes nunca dejaron de intentarlo. Y quizás ahí esté el verdadero impulso que mueve a todas las personas que buscan dejar su huella en el mundo.</p>

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El arte de insistir: la mayor enseñanza que deja Lionel Messi

<p>Con casi dos décadas dedicadas al arte urbano, Adry del Rocío logró construir una identidad propia a través de murales hiperrealistas y composiciones en 3D que trascendieron las fronteras de México y la consolidaron en un emblema nacional.</p><h2>Murales monumentales, ilusiones ópticas y una gloriosa trayectoria: el universo artístico de Adry del Rocio</h2><p>En el movimiento artístico mexicano existe un sinfín de propuestas que llenan de color, identidad y creatividad los espacios públicos a lo largo y ancho del país. Desde artistas que encuentran en el deporte su principal fuente de inspiración hasta aquellos que convierten las luchas sociales y los derechos humanos en el eje de sus obras, el arte urbano de México se ha consolidado como uno de los más diversos y vibrantes de la región.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f8493557e.png" alt=""><figcaption>Adry del Rocío participando en una de sus intervenciones artísticas (Adry del Rocío).</figcaption></figure><p>Y en ese universo de estilos y expresiones aparece una propuesta capaz de desafiar la percepción del espectador. Se trata de <a href="https://www.instagram.com/adrydelrocio/?hl=es"><u>Adry del Rocío</u></a>, una artista mexicana que, gracias a su dominio del arte urbano hiperrealista y las intervenciones en 3D, logró posicionarse como una de las principales referentes del muralismo contemporáneo tanto a nivel nacional como internacional.</p><p>Con una trayectoria respaldada por premios locales, nacionales e internacionales, exposiciones en ciudades de México, Estados Unidos, Cuba y España, además de colaboraciones con marcas como Disney, Adidas y Nike, la artista ha dejado su huella en distintos rincones del mundo. Sus obras pueden encontrarse en países como Estados Unidos, Emiratos Árabes Unidos, Brasil, Alemania, Dinamarca e Israel, consolidando una carrera que la convirtió en una de las máximas exponentes mexicanas del arte 3D.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5cfbf29f6a.png" alt=""><figcaption>La obra “Sembrando paz” de Adry del Rocío (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>Su sello distintivo son los murales hiperrealistas realizados bajo una técnica que genera monumentales ilusiones ópticas en dos y tres dimensiones, creando composiciones que interactúan con el entorno y cobran vida desde determinados ángulos de observación.</p><p><em>Te podría interesar: </em><a href="https://app.asana.com/1/1207780990286869/project/1207781072078469/calendar/1207781407573130"><u><em>El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</em></u></a></p><p>Nacida en Guadalajara, Jalisco, Adry del Rocío comenzó su formación artística desde muy pequeña. A los diez años inició sus estudios formales de arte y, seis años más tarde, obtuvo su diplomado en Artes Plásticas. Y el año 2008 dio sus primeros pasos en el mundo del arte urbano, disciplina en la que lleva casi dos décadas de trayectoria y que la ha llevado a intervenir espacios públicos y privados en distintos países, convirtiéndose en una de las figuras más destacadas de la escena mexicana.</p><h2>El arte de Adry del Rocío y una trayectoria que recorrió distintos países</h2><p>Hablar de la trayectoria de Adry del Rocío implica recorrer decenas de proyectos, murales y colaboraciones alrededor del mundo. Con casi dos décadas de carrera y una producción artística que atraviesa distintos países y culturas, resulta difícil elegir una obra que represente su legado. Sin embargo, una de las piezas que más repercusión ha generado en los últimos años es “Vuelo Sororo”, un mural ubicado en las calles de la Ciudad de México.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_131d13536a.png" alt=""><figcaption>“Vuelo Sororo”, uno de los tantos murales de Adry del Rocío en la Ciudad de México (Street Art Cities).</figcaption></figure><p>La intervención destaca por su monumentalidad y por el sello artístico que caracteriza a la muralista mexicana. La obra presenta dos figuras femeninas rodeadas por una vibrante paleta de tonos violetas, rosas y naranjas, acompañadas por mariposas y una serie de manos que aportan profundidad y dinamismo a la composición. El resultado es una pieza que dialoga con el espacio urbano y que refleja la capacidad de Adry del Rocío para combinar el hiperrealismo con elementos simbólicos y juegos de perspectiva.</p><p>Aunque “Vuelo Sororo” se convirtió en una de las obras más reconocidas de su repertorio reciente, lo cierto es que representa apenas una parte de una carrera artística construida a través de intervenciones en distintos rincones del mundo. A lo largo de los años, la muralista ha dejado su huella en países como:</p><ul><li>México.</li></ul><ul><li>Estados Unidos.</li></ul><ul><li>Canadá.</li></ul><ul><li>Colombia.</li></ul><ul><li>Brasil.</li></ul><ul><li>Alemania.</li></ul><ul><li>Italia.</li></ul><ul><li>Suecia.</li></ul><ul><li>Emiratos Árabes Unidos.</li></ul><ul><li>Inglaterra.</li></ul><ul><li>Letonia.</li></ul><p>Una trayectoria internacional que, sumada a sus exposiciones, reconocimientos y colaboraciones con importantes marcas, la posiciona como una de las grandes referentes del arte urbano mexicano contemporáneo y una artista con un currículum a la altura de las figuras más destacadas de la escena latinoamericana.</p>

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Adry del Rocío, la artista que llevó el muralismo 3D a las calles del mundo

<p>Para <strong>Lidia Gómez</strong>, el arte no siempre necesita un marco o un museo cerrado. Su incursión en el <strong>arte efímero</strong>, que incluye dibujos gigantes en la arena y esculturas de agua, responde a una conexión espiritual con el entorno de <strong>San Antonio Oeste, Río Negro</strong>. Aunque la marea borre sus trazos, la tecnología se encarga de que el impacto permanezca en la memoria colectiva a través de la fotografía y el video.</p><p><em>&quot;Mi obra es algo versátil que te emociona para siempre&quot;</em>, define. Esta práctica funciona como una ofrenda a la naturaleza donde el desapego es parte del proceso creativo. Ella prioriza la vivencia y el <strong>mensaje ecológico</strong> por sobre la comercialización del objeto artístico tradicional.</p><h3><strong>De la Patagonia al mundo</strong></h3><p>Uno de los hitos más recientes en su carrera es la nominación de su mural <strong>&quot;Polen del Futuro&quot;</strong> al ranking mundial de la plataforma <strong>Street Art Cities</strong>. La obra muestra a una abeja con una máscara antigás, lo que representa una crítica directa al uso de los agroquímicos. En julio del año pasado, esta pieza logró posicionarse entre las 10 mejores del planeta.</p><p><em>&quot;Esa obra marcó un antes y un después por su repercusión significativa&quot;</em>, afirma <strong>Lidia</strong> sobre el reconocimiento. Para ella, el <strong>muralismo</strong> es un lenguaje complejo que narra historias y requiere una planificación técnica que va mucho más allá de un simple dibujo en la pared.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27b394946f.png" alt=""><figcaption>&quot;Polen del Futuro&quot;.</figcaption></figure><h3><strong>La mentoría francesa que rompió el bastidor</strong></h3><p>La artista pintaba cuadros pequeños hasta que un gestor cultural del <strong>Museo de Aquitania</strong> en Burdeos descubrió su trabajo en las redes sociales. Este encuentro cambió su perspectiva de la escala. El desafío de pintar los barcos pesqueros en formatos monumentales la empujó a salir del taller y conquistar la vía pública.</p><p><em>&quot;El gran formato impacta al espectador porque la obra es gigante&quot;</em>, explica la autora sobre su transición al <strong>muralismo</strong>. Esta etapa le permitió realizar residencias artísticas en Europa y sumarse al <strong>Movimiento Internacional de Muralistas Italo-Graci</strong>, lo cual conectó su identidad patagónica con los circuitos internacionales.</p><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_46b589d777.png" alt=""><figcaption>Crear desde el territorio y dialogar con el mundo.</figcaption></figure><h3><strong>Esculturas bajo el agua y fe de cemento</strong></h3><p>El hecho de ser versátil la llevó a crear la <strong>Virgen Stella Maris</strong>, una escultura de casi una tonelada que descansa en el fondo del mar en <strong>Las Grutas</strong>. El desafío técnico fue extremo, ya que utilizó cemento de pH neutro para no dañar el ecosistema marino y diseñó una estructura capaz de resistir las mareas patagónicas más violentas.</p><p><em>&quot;Me consagré como escultora el día que pasó la primera tormenta y la obra siguió ahí&quot;</em>, recuerda con orgullo. Esta pieza no solo es un icono religioso, sino un arrecife artificial que interactúa con la fauna local, lo que logra fusionar el arte con la biología.</p><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/?hl=es-la" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div><h3><strong>El artista como científico y albañil</strong></h3><p><strong>Lidia</strong> defiende una visión de la profesión como un trabajo multifacético. En un entorno con escasez de materiales, ella aprendió a ser su propia <strong>gestora cultural</strong> y a dominar herramientas que van desde la motosierra hasta el software de edición. Su formación técnica le otorga una mirada pragmática sobre la producción de la obra.</p><p><em>&quot;Los artistas somos un poco científicos, electricistas y albañiles&quot;</em>, sostiene para describir la complejidad de su oficio. Para ella, el <strong>arte urbano en Latinoamérica</strong> hoy se equipara con el resto del mundo gracias a esta capacidad de adaptación y a una identidad visual muy marcada por el paisaje del sur.</p><h3><strong>La nueva galería global</strong></h3><p>La tecnología no es un accesorio, sino una herramienta central en su labor diaria. Sus dibujos de <strong>Lionel Messi</strong> y el Papa Francisco durante el Mundial de Qatar se volvieron virales y transformó sus intervenciones en la playa en un clásico esperado por la comunidad digital.</p><p><em>&quot;Las redes influyen y a veces direccionan todo el trabajo artístico&quot;</em>, reflexiona sobre la visibilidad que ofrecen las pantallas. <strong>Lidia</strong> entiende que el impacto hoy es doble, se busca emocionar al vecino que camina por la calle y al espectador que observa desde un celular en cualquier parte del mundo.</p>

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