Efimeridad, espacio público y desafíos del muralismo

Como ocurre con gran parte del Street Art, la obra de Pri Barbosa está atravesada por la efimeridad. Lejos de verlo como un problema, asume la desaparición de los murales como parte natural del proceso. Muchos de sus trabajos se encuentran fuera de Brasil o de São Paulo, lo que la enfrenta a la posibilidad de no volver a verlos. “La nostalgia es parte de un mural, esté ahí o no”, reflexionó. 

Trabajar en el espacio público también implica enfrentar desafíos estructurales. La desvalorización económica es una constante, pero a eso se suma hoy el impacto de la crisis climática, que vuelve cada intervención una experiencia física exigente. “Pintar públicamente en medio de una crisis climática es, como mínimo, intenso”, advirtió.

Para sostener la libertad creativa dentro de estos límites, apuesta por una planificación cuidadosa y flexible. El proyecto previo se vuelve una herramienta fundamental para dialogar con el entorno urbano sin perder la esencia de la obra. “Es necesario unir el deseo con una noción realista y práctica de lo que es posible”, sostuvo.

^{Para Pri Barbosa, pintar en el espacio público implica unir el deseo creativo con la exigencia física del entorno urbano.} 

Evolución artística, comunidad y proceso

El trabajo de Pri Barbosa no responde a una estética cerrada. Tiene un estilo que se encuentra en permanente transformación, impulsado por el aprendizaje técnico y la necesidad de explorar nuevas formas de expresión dentro del arte urbano contemporáneo. “Está siempre en evolución, y claramente la mejora de la técnica te permite experimentar más. Siempre estoy abierta a eso”, explicó.

Esa apertura fue clave para entender uno de los momentos más importantes de su carrera: el mural “Mulheres do Parlamento”, realizado en Galicia. Allí, la experiencia compartida con la comunidad marcó un antes y un después en su manera de concebir el arte público. “Porque el proceso con la comunidad fue tan intenso y tan bonito que me hizo ver que eso es más importante para mí de lo que imaginaba”, señaló.

En lo que respecta a su relación con otros artistas urbanos y con la escena artística en general se apoya en el respeto mutuo y la conciencia de las dificultades que implica vivir del arte. Pri Barbosa reconoce el esfuerzo que conlleva sostener una práctica artística en contextos donde el trabajo creativo suele estar precarizado. “Siempre voy a tener mucho respeto por quienes eligen vivir del arte y construir una vida en un área que nos desvaloriza tanto”, afirmó.

Redes, mensaje y presente del arte urbano latinoamericano

En cuanto a la difusión de su trabajo, la artista reconoce que las redes sociales son aliadas importantes para amplificar el alcance del arte urbano, aunque no reemplazan el valor del encuentro directo con las personas. “No alcanza con construir un personaje online que te dé visibilidad de manera vacía”, remarcó, priorizando el contacto cara a cara que se genera en la calle.

El objetivo central de su obra pasa por generar una experiencia emocional en quienes la observan. “Acompañamiento e identificación”, respondió al definir qué busca provocar con sus murales. En síntesis, el arte urbano como espacio de refugio y reconocimiento.

Desde su mirada, el arte urbano en América Latina atraviesa un momento de gran potencia creativa. La región produce imágenes y también discursos cargados de historia, conflicto y sensibilidad. “Marcamos tendencia, porque tenemos mucho para decir y queremos decirlo”, expresó.

^{Mural pintado en el Túnel Noite Ilustrada, que conecta la Av. Rebouças con la Av. Dr. Arnaldo, en la zona de Pacaembu, São Paulo.}

Aprendizajes y definición de su obra

El recorrido de Pri Barbosa le dejó la enseñanza de respetar los tiempos y procesos propios, algo fundamental para sostener una práctica artística honesta. “Honrar el proceso, siempre”, afirmó. A quienes desean iniciarse en el arte urbano, les recomienda entrenar la observación, reducir la ansiedad por las respuestas rápidas y cuidar el cuerpo. “Aprendé a observar más y a preguntar menos. Y usá protector solar”, aconsejó.

Al momento de definir su obra en pocas palabras, la artista eligió una idea que atraviesa todo su trabajo en el espacio público: “Pequeñas insurgencias cotidianas”, concluyó, una síntesis precisa de su manera de intervenir la ciudad desde lo íntimo, lo político y lo colectivo.

La figura de Melchor Peredo García como ícono del muralismo en México

Hablar del muralismo mexicano —ese movimiento creado por un grupo de intelectuales pintores después de la Revolución Mexicana— es, sin lugar a dudas, hablar de Melchor Peredo García, quien falleció recientemente tras una trayectoria que superó las tres décadas de producción artística. El nombre del artista nacido en la capital quedó ligado a una de las corrientes más representativas del arte latinoamericano, donde la pintura mural se convirtió en una herramienta de identidad, memoria y transformación social.

Melchor Peredo García junto a uno de sus trabajos artísticos (Telam).

Formado junto a referentes como José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros —quien fue su maestro en el Instituto Politécnico Nacional en el el Taller de Ensaye de Materiales de Pintura Mural—, el artista nacido en la Ciudad de México consolidó una obra profundamente atravesada por el realismo social. Su trabajo no solo dialogó con la historia y la cultura de su país, sino que también proyectó esa mirada a nivel continental, posicionándolo como una figura clave del muralismo moderno.

A lo largo de su carrera —caracterizada por el uso del fresco y otras técnicas murales tradicionales— Peredo desarrolló un lenguaje visual enfocado en los procesos sociales, la identidad popular y las luchas colectivas. En ese camino, realizó más de 30 murales en distintos puntos de México, con presencia en estados como Estado de México, Guerrero, Sonora y Veracruz, y extendió su obra a escenarios internacionales en países como Estados Unidos, Francia y Canadá.

La noticia de su fallecimiento fue comunicada por su compañera de vida, Lourdes Hernández Quiñones, quien lo despidió con un mensaje breve y cargado de emoción: “Melchor Peredo, mi compañero de vida, acaba de fallecer. Muralista, antes que pintor, artista de mirada creativa. Hoy vuela alto, ya en un cielo infinito de luz y color”.

El arte de Melchor Peredo en acción (Imagen del golfo).

Con su partida, el muralismo mexicano no solo pierde a uno de sus últimos grandes representantes, sino también a una voz que supo sostener y proyectar el espíritu de un movimiento histórico. Un legado que, a pesar de su partida, permanecerá en cada muro intervenido y en cada obra que trasciende fronteras, consolidándolo como una figura imprescindible tanto dentro como fuera del arte latinoamericano.

El manifiesto de Melchor Peredo García como artista

La huella artística de Melchor Peredo García se encuentra distribuida a lo largo y ancho de México, con murales emplazados en distintos estados, así como también en espacios internacionales de países como Estados Unidos, Francia y Canadá. Sin embargo, dentro de ese vasto recorrido visual y conceptual, hay piezas que logran condensar con mayor fuerza el espíritu de su obra y su compromiso con la historia y los procesos sociales.

Entre ellas se destaca su trabajo mural en Michoacán, particularmente en espacios públicos e institucionales, donde desarrolló composiciones atravesadas por la memoria colectiva, las luchas populares y la identidad latinoamericana. En estas obras, realizadas mediante técnicas tradicionales como el fresco, Peredo plasmó escenas cargadas de simbolismo social, con figuras humanas en tensión, narrativas históricas y una fuerte impronta política, elementos que dialogan directamente con la herencia del muralismo clásico mexicano.

Si bien estas piezas se posicionan como algunos de los puntos más altos de su producción, lo cierto es que la obra de Peredo no puede reducirse a un único mural. Su legado se construye en la totalidad de su recorrido, en cada intervención que llevó el arte a los muros como herramienta de expresión colectiva, consolidando así una trayectoria que trasciende obras individuales para convertirse en un testimonio vivo del arte latinoamericano.

Gaules como estandarte del Counter-Strike en Brasil

Es prácticamente imposible hablar de la escena de los eSports en Latinoamérica sin mencionar a Brasil, el emblema más importante del continente dentro del movimiento: una comunidad de seguidores incomparable, el mercado gamer más grande de la región, uno de los pioneros en apostar con el nacimiento de equipos y competencias y la principal figura en videojuegos como el Counter-Strike de la mano de estrellas como FalleN y coldzera.

Gaules en modo comentarista (Liquidpedia).

Y así como es irrealizable la explicación de los deportes electrónicos en Latinoamérica sin nombrar a Brasil, también es imposible explicar la escena del Counter-Strike en el país sudamericano sin tener en cuenta el nombre de Alexandre Borba, conocido en el ambiente de los eSports bajo el nickname de Gaules.

Con una historia de casi una década de trayectoria en el mundo profesional de los deportes electrónicos, donde se desempeñó como jugador y entrenador de equipos de la talla de g3nerationX y MIBR y compitió en torneos como DreamHack, Intel Extreme Masters y ESL Brasil Premier League, Gaules es una de las figuras más significativas en el mundo Counter-Strike de Brasil. A la altura de estrellas como FalleN, coldzera, fer, fnx y Boltz. Más allá de la importancia en su etapa frente a las pantallas, el streamer oriundo de San Pablo se convirtió en el principal exponente y promotor del movimiento a lo largo y ancho del país sudamericano.

Gaules, el ícono del Counter-Strike en Brasil (Red Bull).

Con una comunidad de 200 mil seguidores en Kick (y más de cuatro millones en Twitch) y un número que supera los 70 mil espectadores en cada emisión, el brasileño fue el encargado de llevar las transmisiones y el seguimiento de las principales competencias del circuito internacional a las principales plataformas y acercarle la actualidad y toda la acción del Counter-Strike a la región. Un pionero con todas las letras y el comentarista número uno en Brasil y Latinoamérica. 

El pasado profesional de Gaules

La historia de Gaules con el Counter-Strike no es algo que comenzó hace un puñado de meses ni tampoco desde el punto de vista de un comentarista. Antes de ser considerado una eminencia y un ícono del videojuego tanto en Brasil como en Latinoamérica, el nacido en San Pablo dio sus primeros pasos en el Counter-Strike en el año 2001, cuando compitió en la Liga Profesional Ciberatleta de Brasil.

Gaules defendiendo la camiseta de G3X (Instagram/Gaules).

Tras varias decepciones en distintos equipos de la región, Gaules decidió fundar g3enerationX, también conocido como G3X, su propio club de eSports, donde comenzó oficialmente su carrera como jugador profesional de Counter-Strike y logró triunfar en campeonatos como Virtual Space Championship y LatinCup, así como también la clasificación a los World Cyber ​​Games en Seúl, competencia en la que lograron un octavo puesto. Por falta de apoyo financiero, el proyecto llegó a su fin en el año 2006 y Gaules decidió dar un paso al costado y dejó su rol como profesional.

Pero ese no sería el adiós definitivo de los deportes electrónicos. Gaules se convirtió en el entrenador de MIBR (Made in Brazil), una función en la que fue pionero a nivel nacional y llevó al equipo compuesto por fnx, btt, ton, bit y cky a levantar trofeos de torneos como DreamHack y GameGume. Tras poco más de un lustro en la escena de los deportes electrónicos, Gaules acabó la carrera de Marketing y consiguió entrar en Samsung, por lo que el mundo de los eSports quedó a un costado. Pero no sería un adiós.

Gaules durante su faceta de entrenador (Instagram/Gaules).

Un puñado de años después, volvió a los deportes electrónicos con proyectos como la Selección Nacional de Videojuegos de Brasil y la Liga Brasileña de Videojuegos y retomó su cargo de entrenador, esta vez en g3enerationX. En el año 2017, fue diagnosticado con depresión e intentó quitarse la vida, y el streaming apareció en su camino: con la ayuda de viejos amigos de G3X, el brasileño empezó a hacer transmisiones en vivo en Twitch. Y el resto es historia.

Paladares digitales

La escena gastronómica argentina encontró en Instagram una plataforma de amplificación sin precedentes. Hace una década, la reseña de un crítico de renombre en un diario tradicional era el santo grial de la publicidad para un restaurante. Hoy, una serie de publicaciones atractivas de un instagrammer foodie, acompañada de un engagement genuino, puede llenar un local en cuestión de horas. 

Te traemos una selección de estos influyentes críticos para que los conozcas, sigas y no te pierdas de ninguna novedad.

La Chica del Brunch

La Chica del Brunch es el perfil de Rocío, una influencer gastronómica con casi 5 millones de seguidores en Instagram, donde comparte reseñas de cafeterías, bares, bodegones y casas de té. El contenido se destaca por reels dinámicos, estéticamente cuidados, con un fuerte enfoque en brunchs, postres y experiencias sensoriales. Tiene una fuerte interacción con su comunidad, a través de sorteos y eventos gastronómicos como cenas con seguidores.

Además, es columnista en el programa radial "Vuelta y Media", lo que amplifica su alcance en medios tradicionales. Su promedio de engagement está entre 42.000 y 65.000 interacciones por post, y ocupa el puesto 11 en el ranking de influencers de la categoría “Sweets & Bakery” según HypeAuditor. 

Amantes del Morfi

Amantes del Morfi es el perfil de Yanina Vázquez, una influencer gastronómica y de viajes con más de 917.000 seguidores en Instagram. El contenido que realiza se centra en recomendaciones gastronómicas y experiencias culinarias en diversos lugares, tanto en Buenos Aires como en otras regiones. 

El Inglés Glotón

El Inglés Glotón es el perfil de Joe, conocido como El Inglés Glotón, un crítico gastronómico y creador de contenido, nacido en Inglaterra, pero que reside en Buenos Aires desde hace más de 25 años. Con más de 531.000 seguidores en Instagram y 109.900 en TikTok, comparte reseñas de restaurantes, bodegones y bares, donde destaca tanto la calidad de la comida como la experiencia del lugar. En su contenido incluye sushi libre en "La Pescadería Cocina de Mar" y hasta cafés innovadores servidos en vasos de cookie. Además, organiza sorteos y promociones para su audiencia. Desde hace tiempo, es una figura influyente en la escena gastronómica de la ciudad.

Buenos Aires Random

Buenos Aires Random es una cuenta de contenido lifestyle y turismo urbano manejada por Myrna, periodista enfocada en gastronomía, escapadas y experiencias en Buenos Aires y el mundo. Cuenta con 324.000 seguidores y ya acumula más de 2.400 publicaciones. En su contenido combina recomendaciones de restaurantes, cafés, bares, hoteles y actividades culturales, con un enfoque narrativo y visual cuidado. 

Utiliza reels, carruseles y colaboraciones con marcas para mostrar sus experiencias, en busca inspirar a un público interesado en conocer propuestas originales y accesibles. La estética que desarrolló es limpia y profesional, con textos descriptivos y ganchos efectivos.  

Cami Recorre

Cami Recorre es el perfil de Camila Monasterio, una creadora de contenido gastronómico con más de 99.000 seguidores en Instagram. Licenciada en Comunicación Social, recorre y recomienda diversos lugares para comer y pasear, principalmente en la región de Buenos Aires. Crea un contenido que se caracteriza por reels que muestran desde parrillas libres en zonas rurales como Carlos Keen, cafeterías, heladerías y más. Ofrece un popurrí de reseñas gastronómicas, donde destaca tanto la comida como la experiencia del lugar. 

La preponderancia de los instagrammers foodies va más allá de la mera recomendación de lugares. Ellos generan un impacto económico tangible, impulsan el tráfico en restaurantes, cafeterías y emprendimientos gastronómicos de todos los tamaños. Cada vez son más los establecimientos buscan activamente colaboraciones porque reconocen su poder para llegar a una audiencia vasta y comprometida. 

El karaoke de doblajes que rompe las redes: Dobla Jam

A lo largo del tiempo, las formas de entretenimiento fueron mutando y adaptándose a los intereses de cada generación. Mientras algunos eligen salir a discotecas para mover el esqueleto, otros prefieren reunirse en bares para jugar pool o disfrutar de juegos de mesa, así como también están quienes encuentran en el cine una experiencia inmersiva o quienes optan por propuestas más artísticas, como pintar o crear mientras comparten un momento gastronómico: en definitiva, hay opciones para todos los gustos y estilos de pasatiempos.

En ese contexto, la ciudad de Buenos Aires suma una propuesta que rompe con lo convencional y lleva un formato conocido a un terreno completamente distinto. Se trata de una experiencia que toma la esencia del karaoke tradicional, pero la reinventa desde una perspectiva creativa e interactiva.

El fenómeno Dobla Jam (Dobla Jam).

Creado por Sebastián Casciani y producido por Donato Giovanni, Dobla Jam se posiciona como una de las novedades más llamativas del circuito de entretenimiento porteño, e incluso comienza a expandirse como tendencia en la región. La propuesta combina elementos del cine, el juego y la participación en vivo, con una premisa clara: el público deja de ser espectador para convertirse en protagonista.

Lejos de los micrófonos para cantar hits musicales, el formato propone subir al escenario para doblar escenas icónicas de películas, momentos televisivos o fragmentos virales que dejaron huella en redes sociales. Frente a una pantalla gigante, cada participante interpreta, improvisa y pone su propia voz a historias ya conocidas, generando una experiencia única que mezcla humor, actuación y conexión con el público.

Uno de los grandes atractivos de Dobla Jam está en la variedad de escenas que los participantes pueden reinterpretar sobre el escenario. A lo largo de sus ediciones, se han doblado fragmentos de películas icónicas como Toy Story, Shrek, Batman o Rápidos y Furiosos, así como también clásicos animados como Las chicas superpoderosas y Los Simpsons. A esto se suman momentos televisivos muy reconocidos en Argentina, desde escenas de Showmatch hasta sketches de Peter Capusotto, e incluso películas como Una niñera a prueba de balas. Esta diversidad de contenidos permite que cada presentación sea distinta, apelando tanto a la nostalgia como al humor y la creatividad del público.

De Mendoza al fenómeno regional: el camino de Dobla Jam

La primera edición de Dobla Jam tuvo lugar en la provincia de Mendoza, tierra natal de su creador, Sebastián Cassini. El puntapié inicial se dio en el bar Maldito Perro, en un entorno íntimo y rodeado de doblajistas locales que aportaron su impronta a una propuesta que, en ese entonces, comenzaba a tomar forma. Allí, entre pruebas, risas y primeras interpretaciones, el formato encontró su identidad: una experiencia participativa donde la actuación, la improvisación y el humor se combinan en vivo.

El doblaje de películas como protagonista de Dobla Jam (Dobla Jam).

A partir de esas primeras jornadas, los registros audiovisuales empezaron a circular en redes sociales y no tardaron en captar la atención del público. Los clips, cargados de humor y creatividad, se volvieron rápidamente virales, despertando el interés de usuarios que encontraron en Dobla Jam una propuesta fresca y diferente. En cuestión de semanas, ese crecimiento orgánico impulsó su desembarco en la ciudad de Buenos Aires, donde el formato logró consolidarse como una de las experiencias más llamativas del circuito cultural y nocturno.

Con el correr del tiempo, el fenómeno no se detuvo. La demanda y la repercusión llevaron a Dobla Jam a expandirse más allá de Argentina, sumando fechas en distintos puntos de Latinoamérica. Países como Costa Rica, Colombia, Chile y México comenzaron a incorporar esta propuesta en sus agendas, consolidando al formato nacido en Mendoza como una alternativa de entretenimiento regional que sigue creciendo y sumando adeptos.

Marcianitos en Argentina

En Argentina, los marcianitos se popularizaron a través del Naranjú, un jugo congelado industrial lanzado a comienzos de los años ’80 por la empresa Suschen S.A.. Se vendía en kioscos a muy bajo precio y se convirtió en un ícono del verano argentino durante las décadas del ’80 y ’90.

Se elaboraba con agua, azúcar, edulcorantes y saborizantes artificiales. Los sabores más recordados fueron naranja, manzana verde, frutilla, ananá y lima-limón, además de cola.

^{Envueltos en bolsitas plásticas, representan la esencia de lo simple y lo delicioso [Imagen], por Perú Info.}

Bolis en México

En México, los bolis tienen un origen artesanal que se remonta a las décadas de 1950 y 1960. Desde entonces, forman parte del paisaje urbano y barrial en todo el país.

Se preparan con agua o leche, azúcar y frutas naturales o saborizantes, congelados en bolsas tubulares. Existen versiones de agua y versiones cremosas, ambas muy populares.

Además de los sabores frutales clásicos como limón, fresa, tamarindo o piña, en México realizan combinaciones locales con mango con chamoy, pepino con chile o mazapán. También reciben nombres como hielitos, congeladas o sabalitos, según la región.

Marcianos en Perú

En Perú, el marciano es el helado en bolsita por excelencia. Su consumo está documentado desde el siglo XIX, y su versión moderna se consolidó a mediados del siglo XX.

Se preparan principalmente con jugos de frutas naturales, agua y azúcar, aunque también existen versiones con leche. Su bajo costo los convirtió en una fuente de ingreso familiar muy extendida.

Destacan sabores como maracuyá, mango, fresa, tamarindo, chicha morada y lúcuma, además de opciones cremosas como chocolate o vainilla.

El marciano es un emblema del verano peruano, asociado a la vida de barrio y la economía popular. Es habitual encontrar carteles caseros anunciando su venta en casi cualquier vecindario.

^{También hay opciones de chocolate [Imagen], por Buenazo.}

Similitudes y diferencias entre países

Aunque comparten la misma base, los marcianitos presentan diferencias claras:

• Argentina: predominio industrial y fuerte carga nostálgica.
   
• México: tradición artesanal vigente, gran variedad de sabores y nombres.
   
• Perú: producción casera masiva, fuerte identidad cultural y rol económico.

En todos los casos, el marcianito sigue siendo una golosina popular, económica y refrescante, capaz de atravesar generaciones y fronteras.

Lionel Messi como inspiración del muralismo

La figura de Lionel Messi trascendió hace tiempo las fronteras del fútbol para convertirse en una fuente de inspiración para distintas expresiones culturales alrededor del mundo. Una de las escenas donde su presencia se hizo cada vez más visible es el arte urbano, donde su imagen aparece plasmada en murales, intervenciones y homenajes que celebran jugadas, momentos icónicos de su carrera o simplemente su figura como uno de los deportistas más importantes de todos los tiempos. Y por supuesto que Argentina, tierra natal del rosarino, se consolidó como uno de los lugares donde más tributos artísticos existen dedicados al capitán de la Selección.

Este fenómeno se intensificó especialmente luego de la histórica consagración ante Francia en el Mundial de Qatar, un triunfo que marcó para siempre la relación entre el jugador y el pueblo argentino. Desde entonces, diferentes ciudades del país comenzaron a sumar nuevas intervenciones que celebran al campeón del mundo.

Un nuevo homenaje al capitán argentino en Río Cuarto

Con el paso del tiempo, los homenajes a Messi continúan apareciendo y uno de los más recientes se encuentra en la ciudad de Río Cuarto, provincia de Córdoba, donde el artista urbano Gastón Liberto realizó una nueva obra dedicada al capitán argentino.

El mural, que se extiende a lo largo de 25 metros de ancho por 6 metros de alto, destaca la figura de Lionel Messi realizada en blanco y negro, mientras que detrás aparece una bandera argentina intervenida con una estrella en el centro que reemplaza al tradicional Sol de Mayo, un detalle que puede interpretarse como una referencia directa a la consagración de la Selección Argentina en la Copa del Mundo. Además, la intervención realizada por Gastón Liberto envuelve completamente una esquina del centro de la ciudad, realza la imponente fachada de una antigua vivienda de arquitectura italiana que hoy funciona como 495 Club.

Gastón Liberto realizando los últimos detalles del mural de Lionel Messi en Río Cuarto (Instagram/Gastón Liberto).

Según explicó el propio Gastón Liberto, la intervención busca no solo rendir homenaje al futbolista sino también poner en valor la fachada histórica del edificio y transformar el espacio público a través del arte urbano. Durante el proceso de realización, el mural generó una gran curiosidad entre quienes transitaban por la zona: vecinos y transeúntes se acercaron a observar el trabajo, hacer preguntas sobre la obra y compartir sus opiniones mientras la imagen del capitán argentino iba tomando forma sobre la pared.

¿Quién es Gastón Liberto, la estrella detrás del mural de Lionel Messi?

Detrás de esta nueva intervención dedicada a Lionel Messi en territorio argentino aparece la figura de Gastón Liberto, un destacado artista visual nacido en Río Cuarto, provincia de Córdoba, cuya trayectoria logró trascender las fronteras del país, consolidándolo como uno de los representantes argentinos más destacados dentro del arte urbano contemporáneo.

Gastón Liberto pintando en el Qatar International Art Festival (Instagram/Gastón Liberto).

Su vínculo con el arte comenzó desde muy joven. Formado en la Escuela Superior de Bellas Artes “Libero Pierini” de la ciudad de Río Cuarto, Liberto exploró diferentes disciplinas como el dibujo, la pintura y la escultura, herramientas que más adelante se convertirían en la base de su estilo. A fines de la década de 1990, el argentino decidió emigrar a Barcelona, ciudad en la que residió durante más de diez años y donde profundizó su formación artística, perfeccionó su técnica y encontró en el muralismo el camino que marcaría el trayecto de su carrera como artista visual.

El homenaje a la Mona Jiménez de Gastón Liberto (Instagram/Gastón Liberto).

A lo largo de los años, el artista desarrolló un estilo realista, expresivo y cargado de color, que se puede ver reflejado en varios de sus trabajos más reconocidos. Entre ellos, se encuentran murales dedicados a figuras como Lionel Messi, Pablo Aimar y Diego Armando Maradona, además de retratos de personalidades de la cultura como La Mona Jiménez, Pablo Picasso y Rosalía. Sus obras se pueden encontrar en distintas ciudades del mundo, con proyectos realizados en lugares como Miami, Barcelona, Córdoba y Buenos Aires, consolidando a Gastón Liberto como uno de los nombres más representativos del muralismo argentino a nivel internacional.

Final Internacional de Red Bull Batalla: fecha, sede y competidores

La espera terminó. Tras un extenso recorrido que incluyó Finales Regionales, Finales Nacionales y competencias clave como el Torneo de Plazas y definiciones continentales en Sudamérica y Centroamérica, el calendario de Red Bull Batalla llegó a su punto más alto: la Final Internacional, el evento que reúne a los máximos exponentes del freestyle hispanohablante en un mismo escenario.

Los dieciséis competidores de la Final Internacional de Red Bull Batalla (Red Bull Batalla).

El próximo sábado 11 de abril, el Movistar Arena de Santiago de Chile será el epicentro de la escena global al albergar una nueva edición de la Final Internacional de Red Bull Batalla, donde los dieciséis mejores freestylers del mundo se enfrentarán con el objetivo de quedarse con el cinturón y consagrarse como el nuevo campeón internacional.

• Chuty (España)
• Gazir (España)
• Bnet (España)
• Valles-T (Colombia)
• Fat N (Colombia)
• El Menor (Chile)
• Teorema (Chile)
• Larrix (Argentina)
• Éxodo Lirical (República Dominicana)
• Almendrades (Perú)
• Reverse (Estados Unidos)
• Fat Tony (México)
• Lancer Lirical (Venezuela)
• Androide (Honduras)
• Rapder (México)
• Nekroos (Perú)

Los encargados de definir cada veredicto en el Movistar Arena de Santiago de Chile ya están confirmados: el jurado que tendrá en sus manos las votaciones de la gran final internacional de Red Bull Batalla estará compuesto por el español Arkano, el peruano Jota, el puertorriqueño Yartzi, el argentino Trueno y el mexicano Jony Beltrán. Por su parte, Rocío Zarazaga y Jey P El Residente serán los responsables de la previa y de los emparejamientos.

Los jurados de la Final Internacional de Red Bull Batalla (Red Bull Batalla).

En el apartado musical, el encargado de marcar el ritmo de la jornada será DJ Verse, DJ oficial de Red Bull España y una figura ya consolidada dentro del circuito con experiencia en finales internacionales anteriores —incluyendo las ediciones de 2014, 2016 y 2017—.

¿Cómo llegar al Movistar Arena para la Final Internacional de Red Bull Batalla?

Para todas aquellas personas que hayan logrado conseguir su entrada y ya se preparan para vivir la Final Internacional de Red Bull Batalla desde dentro, el Movistar Arena de Santiago de Chile ofrece múltiples opciones de acceso que facilitan la llegada al recinto.

Ubicado dentro del Parque O’Higgins, uno de los puntos más emblemáticos de la ciudad, el estadio cuenta con una ubicación estratégica y bien conectada, lo que permite arribar tanto en transporte público como en vehículo particular o incluso en bicicleta.

• Metro: la estación más cercana es “Parque O’Higgins” (Línea 2), que queda a pocos pasos del recinto y es una de las opciones más rápidas y prácticas para llegar.
• Micro (autobús): diversas líneas de transporte público circulan por las inmediaciones del parque. Se aconseja revisar previamente las rutas que conecten con Avenida Beauchef o zonas cercanas.
• Automóvil: el Movistar Arena dispone de estacionamientos dentro del predio, sujetos a disponibilidad y con costo adicional. Se recomienda reservar con anticipación y considerar accesos por avenidas principales como Av. Matta y Av. Blanco Encalada.
• Bicicleta: para quienes opten por una alternativa más sustentable, existen bicicleteros en los alrededores del Parque O’Higgins, facilitando el acceso al evento.

¿Dónde puedo seguir la Final Internacional de Red Bull Batalla?

En el caso de no haber conseguido entradas para asistir al Movistar Arena de Santiago de Chile, la Final Internacional de Red Bull Batalla podrá seguirse en vivo a través de las plataformas oficiales de Red Bull. Como ya es habitual en los grandes eventos de la organización, la transmisión estará disponible de manera gratuita y para todo el mundo.

Los fanáticos podrán disfrutar de cada batalla, réplica y momento clave de la competencia mediante los canales oficiales en Twitch, YouTube, Facebook, X y TikTok, además de la plataforma Red Bull TV, que ofrecerá la cobertura completa del evento.

Historia, récords y curiosidades de la Final Internacional de Red Bull Batalla

La Final Internacional de Red Bull Batalla volverá a tener a Chile como sede, en lo que será la tercera ocasión en la historia que el país reciba el evento más importante del freestyle hispanohablante. 

Teorema, la huella chilena en la Final Internacional de Red Bull Batalla (Instagram/Teorema).

La primera vez fue en el año 2015, cuando el español Arkano se consagró campeón tras vencer al local Tom Crowley en la Plaza de la Paz, mientras que la segunda fue en el año 2021 en el Anfiteatro de la Quinta Vergara, donde el mexicano Aczino derrotó a Skone en una final histórica y se convirtió en el primer bicampeón internacional de Red Bull Batalla, un hito que redefinió los estándares competitivos dentro del circuito.

Con este antecedente, Chile vuelve a posicionarse como uno de los escenarios más importantes dentro del freestyle, siendo además una de las plazas más influyentes de la escena a nivel mundial.

Más allá de la sede, la edición de este año presenta distintos condimentos que elevan la expectativa. Por un lado, varios competidores buscarán consagrarse campeones internacionales por primera vez, entre ellos nombres como Valles-T, Fat N, El Menor, Teorema, Larrix, Éxodo Lirical, Almendrades, Necros, Reverse, Fat Tony, Lancer Lirical y Android, quienes intentarán dar el salto definitivo en el escenario más exigente del circuito.

Por otro lado, también habrá freestylers que irán en busca de repetir la hazaña y alcanzar su segundo título internacional, como es el caso de Gazir, Bnet y Rapder.

Chuty, uno de los españoles presentes en la Final Internacioal de Red Bul Batalla (Instagram/Chuty).

Sin embargo, uno de los focos principales estará puesto en Chuty, quien tendrá la oportunidad de alcanzar su tercer campeonato internacional e igualar la marca histórica de Aczino, actualmente el único freestyler en haber logrado esa cifra dentro de la competencia.

En este contexto, la Final Internacional no solo definirá a un nuevo campeón, sino que también puede reescribir varios capítulos importantes dentro de la historia del freestyle.

El día que Aczino se convirtió en tricampeón internacional de Red Bull Batalla

Ya lo habíamos adelantado: elegir el momento más importante de Aczino en el circuito de Red Bull Batalla es una tarea compleja. Podría ser tanto aquella primera conquista internacional en la Ciudad de México que significó el comienzo de la leyenda como la victoria en Viña del Mar para convertirse en el primer bicampeón internacional de la competencia, y todos estaríamos de acuerdo.

Sin embargo, a lo largo de la historia ha habido un gran número de freestylers que consiguieron adueñarse del trono internacional y otros muy pocos que llegaron a dicha instancia en múltiples ocasiones, pero solo uno lo pudo conseguir en tres momentos. Y es por eso que la victoria en la Final Internacional del año 2022 en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México es el momento estelar de Aczino en Red Bull Batalla: un triunfo que no solo lo convirtió en la leyenda del circuito, sino que también se estableció como uno de los episodios más icónicos del evento.

El choque entre Aczino y el español Blon en el Palacio de los Deportes (Red Bull).

El mexicano aseguró su lugar en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México tras derrotar al español Skone y consagrarse campeón en Viña del Mar en la pasada edición de la Final Internacional. Blon, campeón de la Final Nacional de Red Bull Batalla España, fue la primera piedra en el camino de Aczino hacia el tricampeonato: con un arsenal repleto de punchlines que se clavaron como dagas en el cuerpo del español, donde destacó “Lleva esperando diez años, para poder venir a los Gallos, me comparan con él, lo que él tardó en ganarla yo lo llevo sin perder”, el mexicano se llevó la batalla de manera unánime y se metió en los cuartos de final.

Nueva ronda, y un nuevo campeón nacional enfrente, en este caso el uruguayo Spektro. Si el nivel mostrado ante Blon ya había sido bueno, lo de Aczino ante Spektro fue una actuación mucho más brillante todavía. El mexicano no solo respondió a los acotes del uruguayo, que demostró un gran nivel con mucha fluidez y rimas interesantes, sino que también repartió punchlines que encendieron a las almas presentes en el Palacio de los Deportes y le bastaron para llevarse el choque de manera unánime una vez más.

Aczino cara a cara ante Gazir en la Final Internacional (Red Bull).

La instancia eran las semifinales y el rival era el argentino Mecha, el tercer campeón nacional en el camino del mexicano. La batalla comenzó con un round acapella, que dejó destellos por ambos lados y calentó el segundo round, donde se daría uno de los grandes momentos de la Final Internacional un constante ida y vuelta de punchlines y contestaciones con un nivel superlativo de ambos lados. Aczino se llevó la batalla por mayoría de votos y quedó a un paso de conquistar el tricampeonato internacional, donde tendría que batallar ante el español Gazir, que venía de dejar en el camino al chileno Teorema, el colombiano Carpediem y el mexicano Rapder. Con un repertorio de acotes espectacular, donde brillaron rimas como “Este es mi espacio, no puedes matar al Rey y menos dentro del Palacio” y “Voy a Estados Unidos porque allá hay mexicanos, yo le llevé el freestyle a mis hermanos”, Aczino derrotó a Gazir, se consagró campeón en el Palacio de los Deportes y dejó una nueva huella en la historia de Red Bull Batalla: el mexicano se conviritó en el primer tricampeón internacional de la competencia. Legendario.

La plena como fenómeno musical en Uruguay

A lo largo de su historia, Uruguay construyó una identidad musical diversa y profundamente arraigada a su cultura popular, con géneros tradicionales como el tango, la milonga, la murga, el candombe y, más recientemente, la cumbia pop. Con el correr de los años, nuevos estilos fueron sumándose a ese mapa sonoro, acompañando los cambios sociales y generacionales del país. Dentro de ese proceso de transformación cultural aparece la plena uruguaya, un género que nació en los barrios populares de Montevideo y que, con el paso del tiempo, logró consolidarse como uno de los movimientos musicales más escuchados a nivel local.

Maxi Alvarez, figura de la plena en Uruguay (Instagram/Maxi Alvarez).

La plena uruguaya surge como una fusión entre la plena puertorriqueña y ritmos característicos del Río de la Plata, especialmente el candombe, aunque también incorpora elementos de la cumbia y la salsa. El resultado es un estilo de ritmo rápido, repetitivo y festivo, fuertemente apoyado en la percusión, que invita al baile y al canto colectivo. Trompetas, tambores, guitarras y pianos forman parte de la base instrumental del género, construyendo un sonido reconocible y enérgico que se adapta tanto a escenarios como a fiestas barriales y celebraciones populares.

Si bien la plena uruguaya no alcanzó aún el nivel de proyección internacional de otros géneros locales como el candombe o la cumbia pop, su presencia dentro del país es cada vez más fuerte. En los últimos años, el estilo conquistó espacios en programas de televisión, festivales, eventos masivos y celebraciones populares, reforzando su vínculo con la identidad urbana y consolidándose como uno de los sonidos más representativos de la música popular uruguaya contemporánea.

¿Quiénes son las caras de la plena en Uruguay?

Como ocurre en todos los géneros musicales, la plena uruguaya también cuenta con artistas que, por su recorrido, su alcance y su presencia constante, se transformaron en referentes y caras visibles del movimiento. Son quienes sostienen el crecimiento del estilo, lo representan en los escenarios y funcionan como puente entre el sonido barrial y el público masivo.

• La Nueva Escuela
• La DeskargaJuanjo Morgade
• La Dosis
• Maxi Álvarez
• Pushi
• Mateo Creciente
• Denis Elías
• Jotape
• Luana
• La Bocha 12

Jotape en acción en el Antel Arena de Montevideo (Instagram/Jotape).

Más allá de sus números en plataformas digitales y del impacto que generan en redes sociales, estos artistas son considerados los pilares del género por su rol activo en la expansión de la plena uruguaya a lo largo y ancho del territorio. A través de shows, giras y presentaciones en eventos y festivales, fueron los principales responsables de llevar el sonido a distintos puntos del país, consolidando a la plena como un fenómeno musical que trasciende lo virtual y se afirma en el contacto directo con el público.

La conexión entre la plena uruguaya y el mundo fútbol

Con el correr de los últimos años, la plena uruguaya construyó un vínculo particular y cada vez más visible con el mundo del fútbol. Lo que comenzó como una presencia esporádica en vestuarios y celebraciones privadas terminó transformándose en una relación natural entre el género y el deporte más popular de la región. 

Numerosos futbolistas, no solo uruguayos sino también de otros países de Latinoamérica, incorporaron canciones de plena uruguaya en sus publicaciones en redes sociales como Instagram y TikTok, así como también es cada vez más usual toparse con videos en concentraciones, festejos de goles o momentos de distensión muestran a jugadores escuchando el género, ya sea a través de auriculares en los estadios o en los vestuarios, contribuyendo a su difusión y ampliando su alcance fuera de las fronteras de Uruguay.

La relación entre la plena uruguaya y el fútbol también se trasladó al plano institucional. Diversos clubes comenzaron a utilizar canciones del género para musicalizar videos, montajes y contenidos oficiales en redes sociales, reforzando la asociación entre la plena y la identidad popular del deporte. 

De este modo, el género no solo acompaña celebraciones y momentos íntimos de los futbolistas, sino que se integra al imaginario visual y sonoro del fútbol regional, consolidándose como una banda sonora recurrente de la pasión futbolera.

Nacido en Rosario, ciudad de la provincia de Santa Fe, Francisco Zecca, conocido en el mundo de la música como Zecca, es, sin lugar a dudas, uno de los productores más trascendentales y uno de los pilares de la escena local.

¿Quién es Zecca, el productor que brilla en la escena argentina?

Criado en un hogar con el arte y la música como bandera, de padre periodista y de madre antropóloga y con Skrillex como máximo referente, el rosarino comenzó su camino en la producción musical siendo tan solo un niño con canciones de electrónica e imitando los sonidos y el estilo del reconocido DJ estadounidense.

Zecca junto a Skrillex, uno de sus referentes en la producción musical (Instagram/Zecca).

Tras varios años en la producción, Zecca comenzó a destacar después de sus producciones en canciones como “Pastillas”, “Los Fajos”, “Teca” y “WACHA” y se adueñó de un lugar en la mesa de los productores musicales argentinos con mayor futuro en la escena. Luego de sus primeras intervenciones en la corriente local, Francisco también comenzó a participar en la producción de las grandes obras de Duki, pilar de la escena, y a colaborar con las estrellas más importantes del género tales como Bizarrap, Bhavi, Tiago PZK, Khea y Emilia, entre otras figuras.

Triple corona y récord en los Latin Grammys

A pesar de haber participado en varios de los hits más importantes de las figuras del género urbano argentino, no hay dudas de que uno de los momentos más especiales y gloriosos del corto recorrido de Zecca fueron los tres Latin Grammys conseguidos por su participación en las famosas “Bzrp Music Sessions” de Shakira y de Quevedo. El productor rosarino logró ganar tres estatuillas (Mejor canción urbana, Mejor canción pop y Canción del año) y se convirtió en el artista argentino más joven de la historia en recibir el icónico gramófono, y encima lo consiguió en tres ocasiones.

Zecca y los tres gramófonos conseguidos en los Latin Grammys (Instagram/Zecca).

Premios, colaboraciones y trabajos: el currículum de Zecca

Con tan solo 24 años de edad, Zecca ya cuenta con uno de los currículum más laureados y prestigiosos de la escena local, que lo consolidan como uno de los productores más increíbles tanto a lo largo y ancho de Argentina como Latinoamérica. Además de los tres Latin Grammys por su participación en las “Bzrp Music Sessions” de la colombiana Shakira y el español Quevedo, el rosarino ha formado parte de la producción de sencillos y producciones discográficas que marcaron un antes y un después en la escena del género urbano latinoamericano.

Zecca junto a Emilia (Instagram/Zecca).

El productor rosarino ha dejado su huella en trabajos como “Desde el fin del mundo”, “Antes de Ameri” y “Ameri”, tres de los cuatro discos de Duki, una de las piezas más importantes del género urbano argentino, ha colaborado con grandes figuras del movimiento local como Tini, Bizarrap, Khea, Bhavi, Asan, Seven Kayne, Midel, Milo J y Emilia, entre otros, y ha estado detrás de hits del género urbano latino como “Bésame (Remix)”, “Teca (Remix)”, “hARAkiRi”, “No_se_ve.mp3” y “Otro level”.

Letícia Bufoni

Letícia Bufoni es, sin lugar a dudas, una de las mayores exponentes de Latinoamérica en el mundo del skateboarding. Además de contar con un currículum impresionante compuesto por seis medallas de oro en los X Games, uno de los eventos más importantes en la escena del skate a nivel internacional, un Campeonato Mundial de Skateboarding, un Red Bull Conquest y varios Récord Guinness, la nacida en San Pablo también dejó huella fuera de los terrenos de la disciplina más allá de su brillante legado arriba de las tablas: la brasileña se convirtió en la primera mujer en el mundo del skate en ser patrocinada por la marca estadounidense Nike y en una de las primeras skaters en figurar en la saga de videojuegos de Tony Hawk, el máximo ícono del deporte.

Letícia Bufoni en acción (Instagram/Letícia Bufoni).

La brasileña no solo es una figura en el mundo del skate, sino que también es un ícono de internet: Bufoni cuenta con más de cuatro millones de seguidores en sus redes sociales y una infinidad de reproducciones en los videos de sus performances en las competiciones.

Rayssa Leal

A pesar de no ser mayor de edad, Rayssa Leal se grabó en las páginas doradas del skateboarding latinoamericano y se consolidó como uno de los íconos del continente en la disciplina.

Con tan solo 18 años de edad, la nacida en Imperatriz posee una de las vitrinas más destacadas del skate latino: dos medallas de oro en los X Games, un Campeonato Mundial de World Skate, dos preseas doradas en la Street League Skateboarding, una medalla de plata y otra de bronce en los Juegos Olímpicos y una presea dorada en los Juegos Panamericanos.

La sonrisa de la brasileña Rayssa Leal tras conquistar la Street League Skateboarding (Instagram/Rayssa Leal).

Además de ser la única latina con medallas en los Juegos Olímpicos, la máxima cita del deporte mundial, Rayssa también ha trascendido la escena del skate y ha conseguido otros logros fuera de las tablas y los trucos. La brasileña, que cuenta con más de nueve millones de seguidores en sus redes sociales, se convirtió en la primera mujer del país sudamericano embajadora de Louis Vuitton, la marca francesa de lujo.

Milton Martínez

Si bien no cuenta con un listado de títulos y logros como las brasileñas Letícia Bufoni y Rayssa Leal, Milton Martínez es un ícono del skateboarding tanto en Argentina como en Latinoamérica. El nacido en Mar del Plata ha recorrido el mundo con su tabla y se ha establecido como un ejemplo para todos los jóvenes que desean triunfar en la disciplina urbana.

Uno de los éxitos más importantes de la carrera del marplatense fue el premio de Skater of the Year (SOTY) en el año 2019, un galardón otorgado por la prestigiosa revista Thrasher y que han conquistado leyendas de la disciplina como Tony Hawk, Danny Way, Bob Burnquist y Chris Cole, entre otros.

Luan Oliveira

Nacido en Porto Alegre, Luan Oliveira es considerado uno de los mejores skaters del mundo. El brasileño ha dejado una huella en los torneos más importantes de la disciplina a nivel mundial con varios podios en competiciones como el Campeonato Mundial de World Skate, la Street League Skateboarding, donde ganó una medalla de oro, y los X Games, una de las citas más destacadas del mundo skater.

Luan Oliveira realizando un truco (Instagram/Luan Oliveira).

Otras figuras latinas destacadas en el skate

Si bien Letícia Bufoni, Milton Martínez y Rayssa Leal son tres de los máximos exponentes del continente latinoamericano en la escena del skate, el colombiano Jhancarlos González, el peruano Ángelo Caro y el mexicano Marlon Torres también forman parte del grupo de skaters latinos destacados.

De profesor y alumno a Koino Yokan

Frente a una compleja situación económica, Jeremías Oro debió buscar una alternativa para generar ingresos y comenzó a dar clases particulares de guitarra en su casa. Fue en ese contexto donde conoció a Tomás Otero, un joven músico que se acercó para tomar algunas lecciones. Lo que empezó como un vínculo estrictamente académico pronto se transformó en algo más: luego de escucharlo cantar en su hogar, Jeremías quedó impactado por su voz y le propuso dar un paso más allá de las clases y formar un dúo musical.

Los covers como trampolín al reconocimiento

Con una conexión artística inmediata y una sensibilidad compartida, ambos comenzaron a trabajar juntos y a darle forma a un proyecto que pronto tomaría identidad propia. Inspirados en la expresión de origen japonés “Koi No Yokan”, que hace referencia a la premonición del amor —esa sensación de saber que algo importante está por suceder—, nació Koino Yokan, un dúo que desde sus inicios se apoyó en la cercanía, la complicidad y una búsqueda sonora honesta y emocional.

El dueto comenzó su carrera con covers de populares temas tanto argentinos como internacionales como “Mil horas” de Los Abuelos de la Nada, “Limón y sal” de Julieta Venegas, “11 y 6” de Fito Paéz y “Flaca” de Andrés Calamaro, entre otras canciones, y logró conquistar las redes sociales y conseguir una base de seguidores. Mientras continuaban con las reversiones de temas, el dúo conformado por Tomás y Jeremías lanzó “Viaje”, su primera canción propia. Ya con un gran abanico de covers y una popularidad dentro de la escena musical independiente argentina, Koino Yokan dejó a un lado las reversiones y priorizó su música propia: el dúo lanzó canciones como “Cerca de ti”, “La danza del espacio tiempo” y “Laguna manantial”, entre otras, y comenzó aumentar su repertorio de temas propios así como el grupo de fanáticos de su música más personal.

De Buenos Aires al mundo: Koino Yokan, el dúo argentino que conquistó la música independiente (Instagram/Koino Yokan).

Con varios años en la escena local y un amplio currículum de canciones, Koino Yokan tachó otro ítem de su lista al publicar “Lo que ayer callé”, su primer álbum de estudio. El dúo conformado por Tomás y Jeremías no sólo no paró de crecer tanto a nivel exposición como a nivel musical, sino que también comenzó a aumentar el número de conciertos y experimentó sus primeras giras musicales por el país.

El dueto originario de Buenos Aires se instaló como uno de los grupos más populares de la escena musical independiente del país y logró establecerse dentro de la industria con una gran comunidad de seguidores.

Discografía, trayectoria y números: el currículum de Koino Yokan

Con más de cinco años en la industria, Koino Yokan no solo se ha ganado un lugar en la mesa de los grupos más populares de la escena independiente argentina, sino que también ha desarrollado un extenso currículum tanto a nivel musical como en las redes sociales.

Tomás Otero, voz principal de Koino Yokan, en pleno concierto (Instagram/Koino Yokan).

Con “Lo que hoy quieras”, “Todo el día así” y “Cada letra que escribo” como canciones más icónicas, el dúo ya cuenta con más de setenta sencillos y dos álbumes de estudio: “Lo que ayer callé” y “Desandando mis pasos”. A su vez, Tomás y Jeremías ya han recorrido gran parte de Argentina y países como España, Uruguay, México y Costa Rica con shows propios y como invitados en celebraciones o festivales locales.

El dueto también posee más de 300 mil seguidores en sus redes sociales, más de 150 millones de reproducciones en Youtube y 600 mil oyentes mensuales en Spotify, plataforma líder de la música digital.

El significado

“Sembrando Paz” es una pieza que representa a una madre junto a un bebé y una niña. Simboliza el origen de la armonía social desde el núcleo familiar y la educación en el hogar. La obra fue reconocida internacionalmente como el mejor mural del mundo en diciembre por la plataforma Street Art Cities.

^{Un búnker de 30 metros.}

Un desafío técnico entre cables y sol

La ejecución de esta obra no fue una tarea sencilla para Adry del Rocío y su hermano, Carlos Alberto García Hernández. Durante siete jornadas intensas, los artistas trabajaron bajo condiciones climáticas exigentes. Para evitar las temperaturas más altas del mediodía y garantizar la seguridad, las pinceladas se limitaron a las horas de luz solar.

La complejidad del lienzo arquitectónico, que incluye ventanas, aires acondicionados y una densa red de cables, exigió el uso de pintura acrílica de alta resistencia a los rayos UV. La técnica empleada combinó la aplicación con compresora eléctrica para las bases y el uso de brocha para los detalles minuciosos que otorgan realismo a las figuras.

La magia de la anamorfosis

Lo que distingue a este mural es su naturaleza interactiva con el espectador. Al estar diseñado bajo la técnica de la anamorfosis, la imagen solo adquiere una armonía perfecta cuando se observa desde un punto específico en la banqueta de la esquina inferior izquierda del edificio. Desde cualquier otro ángulo, las figuras se perciben alargadas o distorsionadas, lo que obliga al transeúnte a buscar activamente la perspectiva correcta para develar el mensaje de paz.

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El arte como herramienta de resiliencia social

El proyecto surgió de una invitación realizada en mayo de 2025 por la organización Suma Sociedad Unida IAP, bajo su programa ‘Vamos pintando por la paz’. A pesar del contexto de inseguridad que afectó a la región, la artista aceptó el encargo con la convicción de que el arte es un instrumento necesario para la transformación comunitaria. 

La intervención no solo afectó la estética del inmueble, construido en los años 80, sino que también motivó a vecinos como Natanael Gaxiola y Abel Rubio a organizar labores de limpieza y mantenimiento en los espacios comunes.

¿Qué es el celograffiti, la técnica del plástico como lienzo? 

A lo largo de la historia, el arte ha estado en constante transformación: desde las pinceladas cargadas de emoción de Vincent van Gogh hasta el surrealismo de Salvador Dalí, pasando por los grandes muralistas que llevaron el arte a las calles.

Efímero, sustentable y novedoso: el arte del celograffiti (Instagram/Evgeny Ches).

Cada época encontró nuevas formas de expresión y nuevos soportes. En ese recorrido de búsquedas, rupturas e innovaciones, el arte urbano también supo reinventarse, dando lugar a técnicas que desafían los límites tradicionales, y una de las más sorprendentes y originales es el celograffiti.

El celograffiti es una técnica de arte urbano y efímero que propone una intervención poco convencional del espacio público. En lugar de pintar directamente sobre muros, paredes o fachadas, los artistas utilizan cinta adhesiva transparente —generalmente film plástico— tensada entre dos o más superficies, como postes de luz, árboles, rejas o columnas. De esta manera se crea una suerte de “muro flotante” que funciona como soporte artístico, permitiendo la creación de imágenes sin alterar de forma permanente el entorno urbano o natural.

Una de las particularidades más interesantes del celograffiti es su carácter temporal y reversible. Sobre estas superficies transparentes se pueden pegar fotografías para realizar una especie de mosaico, dibujar con aerosoles, intervenir con marcadores o incluso superponer distintas capas de imágenes, generando obras que dialogan con el paisaje que las rodea. Al no dejar rastros una vez retirado el material, la técnica plantea una nueva forma de entender el arte callejero: más respetuosa con el espacio, más experimental y abierta a la interacción y profundamente ligada a lo efímero.

Evgeny Ches, el emblema internacional del celograffiti

Hablar de celograffiti es, casi de manera inevitable, hablar de Evgeny Ches. Artista ruso nacido en la ciudad de Moscú, Ches es considerado el creador y principal referente de esta técnica que transformó la manera de intervenir el espacio público sin dejar huellas permanentes.

Evgeny Ches en plena creación de un celograffiti (Evgeny Ches).

Su obra no solo marcó un punto de inflexión dentro del arte urbano, sino que también abrió la puerta a una nueva relación entre el artista, el entorno y el paisaje natural.

El método que utiliza Evgeny Ches es tan simple como innovador. A través del uso de plástico transparente —similar al film utilizado para envolver alimentos—, el artista crea superficies suspendidas entre dos puntos fijos, generalmente árboles, donde despliega sus dibujos con aerosoles. Estas paredes efímeras funcionan como lienzos flotantes que permiten pintar sin dañar el entorno, integrando la obra al paisaje y respetando el espacio que la rodea.

En cuanto a sus diseños, el universo visual de Ches suele estar profundamente ligado al mundo animal: dinosaurios, ardillas, osos polares, ratas y monos son algunas de las figuras que han protagonizado sus intervenciones. Estas imágenes, que parecen emerger del paisaje, refuerzan el carácter orgánico y temporal del celograffiti, consolidando a Evgeny Ches como una figura clave en la evolución del arte urbano contemporáneo.

El celograffiti propone una nueva forma de intervenir el espacio: efímera, libre y respetuosa. Puede aparecer entre postes de luz o árboles de un bosque, sin dañar el entorno. Un arte rápido, reversible y consciente, que existe solo por un instante.

Las salas interactivas

El circuito actual de Lumiverse se compone de retos diseñados para ser superados en equipos de dos a seis personas. La dinámica no es estática, cada juego dura aproximadamente 10 minutos y exige una respuesta física inmediata:

• El piso es lava & Más piso, más lava: un tablero de más de 400 baldosas LED donde los participantes deben coordinar saltos y movimientos precisos para evitar las zonas prohibidas.
• Murillo Rush: una pared de escalada interactiva sin arneses, donde los jugadores deben presionar botones luminosos que actúan como presas mientras se desplazan lateralmente.
• Pelotas en juego: una reinvención del quemado (dodgeball) donde los equipos deben impactar hexágonos brillantes en muros LED antes de que el tiempo expire.
• El Gran Ojo: un sistema de sensores de vigilancia digital que detecta el movimiento indebido mientras los jugadores completan secuencias en el suelo usando un pilar central como refugio.
• Misión Láser: un laberinto de haces lumínicos que pone a prueba la flexibilidad y la calma, ya que cualquier contacto con el láser activa las alarmas del sistema.
• Basket Flow: una cancha interactiva con aros reactivos que cambian de color y dificultad, de manera que obliga a los jugadores a encestar bajo una presión rítmica constante.

El fin del sedentarismo digital

En Lumiverse Games, el concepto de videojuego se traslada al entorno tangible. La empresa no comercializa aplicaciones para consolas o móviles, su plataforma exclusiva es el recinto de Villa Crespo. La interacción se basa en la retroalimentación inmediata entre los sensores de presión y los sistemas informáticos que procesan el puntaje en tiempo real. Esta propuesta busca atraer tanto a familias como a grupos de amigos que buscan un plan disruptivo, alejándose de las experiencias de realidad virtual tradicionales para apostar por una inmersión táctil y kinestésica.

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El origen de la experiencia

Lumiverse Games está ubicado en un terreno con historia. Se trata de una antigua fábrica de camperas de cuero en Murillo 666. Este espacio industrial fue reconvertido por un equipo multidisciplinario de ingenieros, desarrolladores y creativos argentinos en una infraestructura de vanguardia. A diferencia de las franquicias internacionales, el proyecto fue hecho con un desarrollo local de hardware y software. Cada sensor de movimiento, panel luminoso y sistema de control se diseñó a medida para crear una plataforma que combina el gaming con el fitness.

El juego que conquistó las redes

El impacto de Lumiverse se manifestó con fuerza en las redes sociales, donde los videos de las salas en funcionamiento generaron una alta demanda de reservas a través de su sitio oficial lumiverse.com.ar. 

La calle como escuela 

Tras abandonar la educación formal a los quince años, Gabino Silva forjó su carácter en entornos complejos que hoy le permiten conectar con los sectores más vulnerables. Centró su labor actual en la cobertura de conflictos sociales, como las manifestaciones en el Puente Pueyrredón, donde sus registros en primera persona son utilizados tanto por funcionarios como por opositores para validar sus narrativas. A pesar de las advertencias de organizaciones y de las amenazas de agresiones físicas, sostiene una postura de escucha activa. El cronista evita los posicionamientos partidarios rígidos, aunque reconoce que la polarización política intenta constantemente etiquetar su contenido.

^{"EL PUENTE MÁS PELIGROSO DEL PAÍS": UN INFORME DE GABINO SILVA.}

La "trampa" de la fama 

El creador de contenido define la fama en internet como una "trampa" que ofrece una vida irreal basada en el consumo y la nocturnidad. Como respuesta a este agotamiento, Gabino Silva decidió dejar de consumir alcohol hace tres años y se alejó de la vida de influencer tradicional para construir un círculo íntimo de protección. 

Expansión artística 

Gabino diversificó su perfil hacia la música y el entretenimiento digital. En noviembre de 2025, el streamer Martín Cirio confirmó públicamente una relación sentimental con el cronista, la que describió como un vínculo basado en la libertad y la ausencia de rótulos. 

La faceta artística se materializó este año con el lanzamiento de su primer EP titulado "Quizás", una obra que habla de nuevas formas de expresión alejadas de la ironía característica de sus primeros videos de 2019. En lo que respecta a su presencia en Instagram, donde acumula casi 400 mil seguidores, funciona como el puente entre su sensibilidad musical y su labor periodística.

Crónicas globales

La curiosidad de Gabino por lo social lo llevó recientemente a recorrer ciudades como Shanghái y Guangzhou. Durante su estadía en China, experimentó el choque cultural de primera mano, enfrentándose a la barrera idiomática y a costumbres gastronómicas extremas que lo afectaron físicamente. Destacó la falta de debate político en el país asiático y el contraste con la resiliencia argentina. Al comparar las realidades de una feria en China con la vida de un albañil adolescente en Villa Monte, Quilmes, el cronista concluye que la capacidad de "no bajar los brazos" es el rasgo distintivo de la identidad que intenta documentar en sus videos.

La evolución de Gabino Silva demuestra que la relevancia en el siglo XXI depende de interpretar el pulso de la calle. Desde sus inicios en 2019 hasta su consolidación como referente informativo en 2026, supo desmantelar su propia caricatura para transformarse en un relator necesario de la crisis y la esperanza colectiva. Esta es la historia de un joven que, tras escapar de la vacuidad de los algoritmos, encontró en la realidad tangible el único antídoto contra la soledad de la pantalla.

Nómade: una nueva forma de escuchar música en Buenos Aires

A lo largo del tiempo, las expresiones musicales encontraron múltiples formas de manifestarse en el entramado urbano: desde los grandes conciertos en estadios que convocan multitudes, hasta presentaciones íntimas de artistas emergentes que sorprenden en una esquina o una vereda. En ese abanico de posibilidades, durante los últimos años ganaron especial protagonismo los conciertos en vivo que se desarrollan en distintos rincones de la ciudad de Buenos Aires, propuestas que priorizan la cercanía entre músicos y público y resignifican espacios cotidianos a través del sonido. 

Concierto en vivo en Nómade (Nómade Somos).

Un ejemplo de esta tendencia es Sandwich Piano Bar, un rincón del barrio de Chacarita donde un piano en el centro del local se convierte en el foco de atención y en el gran protagonista: artistas emergentes se apropian del instrumento, interpretan canciones en vivo y generan, casi de manera espontánea, un concierto colectivo.

Dentro de este nuevo mapa de conciertos alejados de los formatos tradicionales aparece Nómade, uno de los proyectos que lidera la tendencia de experiencias musicales íntimas en la ciudad de Buenos Aires. Concebido como una comunidad de músicos y amantes de la música, Nómade propone encuentros acústicos, cercanos y cuidadosamente curados, donde el foco está puesto en la escucha atenta y en la conexión genuina entre artistas y público. Lejos de los escenarios convencionales, Nómade construye un espacio de escucha atenta y cercanía, donde artistas y público comparten la experiencia sin intermediarios ni distracciones. Esa búsqueda genuina, que comenzó casi como una reunión entre amigos, encontró rápidamente una respuesta creciente en una audiencia que valora la conexión real, el clima hogareño y la posibilidad de vivir la música de una manera distinta.

Del patio de un PH a una comunidad en crecimiento: la historia de Nómade

Nómade nació de manera simple y casi espontánea: una reunión entre amigos en el patio de una propiedad horizontal, donde la música aparecía sin escenarios ni pretensiones. En esos primeros encuentros, el objetivo era compartir canciones, escuchar con atención y generar un espacio de cercanía, más parecido a una casa que a una sala de conciertos. Ese espíritu inicial, basado en la intimidad y la escucha genuina, sentó las bases de lo que más tarde se convertiría en el ADN del proyecto que conquistó las noches de la ciudad de Buenos Aires con conciertos acústicos.

La música como comunidad en Nómade (Nómade Somos).

Con el paso del tiempo, la propuesta comenzó a resonar dentro de una comunidad cada vez más amplia de amantes de la música en Buenos Aires. Personas que buscaban una forma distinta de disfrutar conciertos en vivo encontraron en Nómade un espacio donde primaba la experiencia por sobre el espectáculo: la difusión boca en boca y el interés creciente de artistas emergentes impulsaron su expansión de manera natural y lo que comenzó como una simple reunión entre amigos pasó a ser un proyecto serio con una comunidad de seguidores que cada vez crecía más.

Con más de quinientos encuentros realizados a lo largo de ocho años, cuatro festivales y alrededor de sesenta artistas emergentes que pasaron por sus conciertos, Nómade se consolidó como una referencia dentro del circuito cultural alternativo de la ciudad de Buenos Aires. Lejos de perder su esencia, el proyecto reúne cada semana a cientos de personas con un mismo propósito: disfrutar de la música en un clima cálido, cercano y auténtico, donde el público no es un espectador pasivo, sino parte activa de una comunidad que se siente como en casa.

¿Qué hay que saber sobre la experiencia Nómade?

La experiencia Nómade comienza incluso antes del primer acorde. Quienes adquieren su entrada reciben recién la noche previa al evento la dirección del encuentro, mientras que el nombre de los artistas se revela al llegar al lugar. Esta modalidad de conciertos secretos refuerza el espíritu del proyecto: desconectarse del ruido y el caos cotidiano para sumergirse en la música en su estado más puro, sin distracciones ni artificios, donde el sonido sin procesar permite una cercanía y una intensidad difícil de replicar en escenarios tradicionales.

Nómade: un espacio de escucha atenta y cercanía (Nómade Somos).

Para todos aquellos que se hayan sentido atraídos por la modalidad, Street Art Latam les trae toda la información acerca de la experiencia Nómade: próximas fechas, contactos y cómo adquirir la entrada para disfrutar de los conciertos en vivo.

Nómade cuenta con un sitio web propio donde es posible conocer la agenda completa de conciertos, buscar eventos por fecha o barrio y descubrir si se trata de encuentros temáticos o con artistas sorpresa. En las próximas semanas, el proyecto propone homenajes y conciertos inspirados en artistas y universos musicales tan diversos como Rosalía, C. Tangana, Luis Alberto Spinetta, Andrés Calamaro, el Pity Álvarez, Soda Stereo, Justin Bieber y Harry Styles. Toda la información necesaria para participar y adquirir entradas se encuentra disponible en la plataforma oficial del proyecto, donde también podrás anotarte para formar parte si eres un artista.

El rastro técnico en el PBE

Las evidencias encontradas en el cliente de pruebas no dejan lugar a la especulación técnica. Los analistas de datos y creadores de contenido, como SkinSpotlights, detectaron nuevas líneas de código y menús de configuración que incluyen la opción "Activar Chat de Voz de Equipo".

A diferencia del sistema actual, que restringe la voz únicamente a los grupos preformados de amigos, esta actualización permitiría que los cinco integrantes de una partida se comuniquen verbalmente de forma nativa. Entre las funciones filtradas destacan:

• Un botón para alternar rápidamente entre el chat de grupo y el chat de equipo.
• Nuevos controles de configuración para la sensibilidad del micrófono.
• Una categoría específica de reporte denominada "Abuso del chat de voz", lo que confirma que la desarrolladora anticipa conflictos de comportamiento.

¿Estrategia o aislamiento?

August Browning, diseñador jefe de League of Legends, compartió reflexiones que ayudan a entender este cambio de rumbo. Según el desarrollador, el juego sufrió un proceso de aislamiento en los últimos cinco años, donde los usuarios sienten que compiten contra "bots" en lugar de personas.

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Browning sostiene que el chat de voz es esencial para los juegos competitivos. Pone como ejemplo a Valorant, donde la comunicación fluida facilita la creación de amistades y la coordinación táctica. No obstante, el diseñador reconoce un "paquete negativo": el riesgo de acoso hacia grupos específicos, como las jugadoras o personas con acentos marcados, quienes enfrentan sabotajes deliberados (throwing) solo por el sonido de su voz.

El desafío de la moderación 

La comunidad veterana de los MOBA observa este avance con escepticismo. La naturaleza de League of Legends, partidas de larga duración con alta dependencia del error ajeno, genera un entorno de alta tensión propenso a los reproches.

La integración de la voz busca reducir la dependencia de aplicaciones externas como Discord, de manera que Riot tenga un control directo sobre los datos de audio para aplicar sanciones. Sin embargo, los críticos argumentan que la herramienta de "mutear" (silenciar) no es una solución definitiva, ya que en niveles altos de juego, prescindir de la voz supone una desventaja competitiva injusta para quienes deciden silenciar a otros para evitar abusos verbales.

^{Los archivos del PBE confirman que el chat de voz ya no será solo para grupos de amigos.}

Por eso, la llegada del chat de voz a League of Legends representa el fin de una era de silencio preventivo y el inicio de un experimento social masivo dentro del ecosistema de Riot Games. Si esta función logra mejorar la coordinación estratégica o si terminará convirtiéndose en un nuevo canal para el hostigamiento dependerá estrictamente de la eficacia de los sistemas de moderación y la madurez de su base de jugadores.

Primer golpe de Juni Kang en la Street League Skateboarding

El surcoreano Juni Kang (27.50) se quedó con la medalla de oro en la rama masculina del “Takeover” de la Street League Skateboarding en el centro de Los Ángeles. Con una actuación sólida, el skater asiático no solo firmó el mejor puntaje de la jornada, que le aseguró el primer puesto en el podio, sino que además consiguió su primer triunfo en el escenario más importante del skateboarding internacional.

Juni Kang en acción en Los Ángeles (SLS).

El estadounidense Jagger Eaton (27.00) se quedó con la medalla de plata y el segundo puesto del podio, mientras que el japonés Toa Sasaki (26.20) completó el tercer lugar y se llevó la medalla de bronce. Por su parte, el continente latinoamericano también dijo presente con los mexicanos Junior Gutiérrez y Greg Rodríguez, quienes no lograron avanzar a la ronda final de la competencia.

Chloe Covell da el salto al oro en Los Ángeles tras su podio en Sídney

En la rama femenina, la australiana Chloe Covell (22.9), quien venía de quedarse con la medalla de bronce en la etapa inicial en Sídney, logró dar el salto a lo más alto del podio y se quedó con la medalla de oro en el “Takeover” en el centro de Los Ángeles, confirmando su gran presente en la élite del skateboarding internacional.

Chloe Covell tras adueñarse del trofeo de campeona de la Street League Skateboarding en Los Ángeles (SLS).

La española Daniela Terol (19.1) finalizó en el segundo lugar y se posicionó como la mejor representante hispanohablante de la jornada, mientras que la estadounidense Paige Heyn (18.2) completó el podio con la medalla de bronce. Por su parte, la filipina Margielyn Didal (18.8) quedó en el cuarto puesto y la estadounidense Shiloh Catori (17.7) cerró la clasificación final de la competencia en la quinta y última posición.

El salto definitivo de Benito a la actuación

Para Bad Bunny, este rol representa la culminación de una transición orgánica hacia el cine. Tras breves apariciones en 'Bullet Train', 'Narcos: México' y 'Cassandro', el artista se enfrenta ahora a la responsabilidad de liderar un reparto coral. Residente enfatizó que no busca simplemente a un intérprete profesional, sino a alguien que sintiera el orgullo y el dolor de la historia de Puerto Rico de manera personal. Este anuncio coincide, y no es casualidad, con el Super Bowl Halftime Show que logró audiencias récord.

^{Bad Bunny en el Super Bowl [Imagen], por Cordon Press.}

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Un wéstern caribeño 

La propuesta narrativa de ‘Porto Rico’ huye de los convencionalismos para presentarse como un "wéstern caribeño épico". La trama se sitúa a finales del siglo XIX, un periodo convulso marcado por la transición del dominio español al control de los Estados Unidos. El título de la cinta hace referencia directa a la grafía impuesta por la administración estadounidense durante tres décadas, debido a la dificultad fonética de pronunciar el nombre original. Según los creadores, la película mostrará las luchas sociales y la reafirmación identitaria de los puertorriqueños.

Un elenco de leyendas

La magnitud de la producción se refleja en un reparto que mezcla la frescura del género urbano con la veteranía actoral. Edward Norton, además de actuar, ejerce como productor a través de su compañía Class 5 Films. Por su parte, Javier Bardem y Viggo Mortensen aportarán la gravedad necesaria a personajes vinculados a los orígenes coloniales y políticos de la isla. El guión es el resultado de una colaboración entre Residente y Alexander Dinelaris, el escritor que alcanzó la gloria en los Premios Oscar por su trabajo en 'Birdman'.

Una producción de alto nivel

Detrás de las cámaras, la estructura financiera y creativa es igualmente robusta. La producción corre a cargo de 1868 Studios, una alianza entre Residente y Sony Music, junto con el respaldo de Live Nation Studios. El equipo se asesoró con historiadores locales para garantizar que la narrativa, aunque sea una ficción épica, respete la veracidad de los hechos que forjaron la nación. Personalidades como Noah Assad y socios estratégicos de la iniciativa Kwanza Jones & José E. Feliciano también forman parte del músculo financiero que busca posicionar esta obra como un referente del cine latino contemporáneo.

^{Trailer NO oficial de la película.}

Un sushi con la forma de un pancho: la fórmula de Pancho Sushi by Naoki

El mundo de la gastronomía es una vidriera de estilos, propuestas e innovaciones que suma nuevos postulantes día tras días: desde establecimientos especializados en un tipo de platillo, pasando por rincones donde la comida callejera se reinventa hasta espacios que apuestan por la fusión cultural como sello distintivo. En este listado, una de las variantes más explotadas es el producto obtenido a partir de la mezcla de dos platillos, que, por lo general, suelen ser de la misma índole así como una hamburguesa junto a una pizza. Y en Argentina se llevó a cabo uno de los experimentos más novedosos y curiosos de este tipo de corriente gastronómica: el pancho sushi.

Sí, así como lees. Un rol de sushi cortado como si fuese un pan de pancho y relleno de una ensalada de ingredientes como queso crema, salmón, langostino, pollo teriyaki, tentaculos de calamar, guacamole, tomate, batatas y doritos, entre cientos de opciones más. Con sucursales distribuidas en Necochea, Lobería y San Cayetano, ciudades pertenecientes a la provincia de Buenos Aires, Pancho Sushi by Naoki se ha convertido en una de las sensaciones gastronómicas más novedosas dentro de la capital argentina. Un espacio que no solo invita a degustar una combinación poco pensada, sino que también abre el abanico para aquellos fanáticos del sushi y de los panchos con una nueva forma de saborear el platillo.

¿Qué puedo comer en Pancho Sushi by Naoki?

Con un menú conformado por seis variantes distintas con queso crema y batatas fritas como ingredientes protagonistas, Pancho Sushi by Naoki ofrece una propuesta gastronómica disruptiva e ideal para degustar a la perfección el novedoso platillo.

• Salmón crudo: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, salmón crudo, cremoso de palta con topping de batatas fritas
• Salmón cocido: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, salmón cocido, cremoso de palta con topping de batatas fritas
• Langostino: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, langostinos cocidos, cremoso de palta con topping de batatas fritas
• Kanikama: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, kanikama, cremoso de palta con topping de batatas fritas
• Vegetariano: roll caliente cortado al medio con base de queso crema, tofu, cremoso de palta, salsa beetroot más salsa acevichada con topping de batatas fritas
• Vegeta: roll caliente cortado al medio con tofu, cremoso de palta, choclo más salsa beetroot con topping de batatas fritas

Los pancho sushi cuentan con un valor de $18.000 pesos argentinos cada uno.

Pero eso no es lo único. A pesar de que los pancho sushi sean el platillo emblemático, el establecimiento presenta otro listado de delicias: poket ensaladas, bombas de salmón, rabas, pinchos de langostinos, ceviche de salmón, pickles de pepino japonés y, por supuesto, las tradicionales piezas de sushi.

Un salto tecnológico a 1912

A diferencia de las exhibiciones convencionales o los videos 360°, esta propuesta desarrollada por Fever y Musealia apuesta por la movilidad total. Los usuarios no son espectadores pasivos. Al colocarse el visor, se convierten en pasajeros con un pase de abordaje personalizado.

La narrativa comienza a 3.800 metros bajo el mar, donde se pueden observar los restos actuales del navío antes de que la tecnología transporte al usuario al esplendor de su viaje inaugural. La precisión histórica del diseño permite interactuar con elementos críticos del barco: es posible lanzar carbón en las calderas, manipular el timón en el puente de mando o activar la bocina de niebla.

^{Los asistentes utilizan visores de realidad virtual para recorrer los pasillos de primera clase con total libertad de movimiento en Samara Satélite.}

Recorrido por el "Buque de los Sueños"

El itinerario físico y virtual abarca los puntos más emblemáticos de la estructura.

• La gran escalinata: símbolo máximo del lujo de la época.
• Camarotes de Primera Clase: espacios detallados donde se puede revisar el menú original y los chalecos salvavidas.
• Sala de máquinas: un encuentro directo con la ingeniería que impulsaba al gigante de acero.
• Cubierta de botes: el clímax de la tragedia, donde se vive la perspectiva de los sobrevivientes tras el choque con el iceberg.

^{Un viaje a través del tiempo.}

Además del componente emocional, la experiencia es un documento educativo. Al explorar las ruinas actuales, se informa sobre la bacteria que consume el casco y se advierte que el pecio podría desaparecer por completo para el año 2030. 

*Aclaración: pecio es el nombre técnico que reciben los restos de un barco que ha naufragado.

Precios, horarios y ubicación

La exhibición se encuentra ubicada en la plaza Samara Satélite, en el municipio de Naucalpan. Para asegurar una visita óptima, la organización recomienda el uso de ropa cómoda y zapatos planos, dado que la actividad requiere desplazamiento físico constante.

• Ubicación: Centro Comercial Samara Satélite, Naucalpan, Estado de México.
• Horarios: la experiencia abre sus puertas de jueves a lunes, en un horario de 12:00 a 19:40 horas.

Costo: el precio del boleto es de $325 pesos por persona.

Latinoamérica pisa fuerte en la Copa de Francia con Maligno Torres como bandera

A casi dos años de su consagración en los Juegos Olímpicos de París —donde se convirtió en el primer medallista dorado en la historia del BMX Freestyle—, José “Maligno” Torres volvió a subirse a lo más alto del podio en suelo francés. Esta vez, el rider argentino se quedó con la primera ronda de la Copa de Francia de BMX Freestyle en la etapa de Vendée del circuito FISE 2026, uno de los más exigentes del calendario internacional.

Maligno Torres en acción en la Copa de Francia de BMX Freestyle (FISE World).

Con una puntuación de 95, Maligno lideró la clasificación final del park en la jornada inaugural de la Copa de Francia de BMX Freestyle y marcó el ritmo en un escenario de alto nivel, confirmando su jerarquía en el arranque de la temporada y llevándose la medalla de oro.

“Que felicidad empezar el año y ponernos a prueba en la primera competencia en Francia. El trabajo que venimos haciendo gracias a Dios viene funcionando. Gracias inmensas a mis patrocinadores que mantienen esa confianza en mí, a la familia y toda la gente que manda su apoyo”, escribió “Maligno” Torres en un posteo de Instagram luego de su actuación en la Copa de Francia.

El británico Jordan Clark (94.33) se quedó con el segundo lugar del podio y la medalla de plata, mientras que el chileno Iván Galdames Salazar (85.67) completó el podio en la tercera posición, firmando una destacada actuación para el BMX latinoamericano en la competencia.

Pero la presencia regional no terminó ahí. El colombiano Juan Camilo Caicedo Hurtado (84) finalizó en el cuarto puesto, quedando a las puertas del podio y consolidando el gran nivel de los riders latinoamericanos en la competencia.

Laury Perez, la dueña del oro femenino en la Copa de Francia

En la rama femenina, la medalla de oro quedó en manos de la local Laury Perez (93.67), quien se impuso en la etapa de Vendée y se subió a lo más alto del podio en la primera ronda de la Copa de Francia de BMX Freestyle.

La británica Sasha Pardoe (93) se quedó con el segundo lugar y la medalla de plata, mientras que la neerlandesa Jikke Schraffordt (88.67) completó el podio en la competencia de park femenino.

A diferencia de lo ocurrido en la rama masculina —donde hubo una fuerte presencia latinoamericana con tres riders dentro de los mejores cinco de la clasificación final—, en esta categoría no se registraron participantes de la región.

Jony Beltrán, el rey del circuito de FMS en México

Tras haber definido a sus campeones en Argentina, Colombia, España y Chile —donde Stuart, Gazir, Chuty y El Menor se consagraron respectivamente—, el calendario de la Freestyle Master Series tuvo su anteúltima parada en México, en la previa de la Final Internacional que se disputará el próximo sábado 25 de abril en la Plaza de la Mexicanidad de Ciudad Juárez.

La jornada decisiva llegaba con tres nombres en la pelea por el título: Marithea, Jony Beltrán y Rapder, cada uno con distintos escenarios posibles para quedarse con el campeonato.

Jony Beltrán tras consagrarse campeón de la FMS México (Instagram/Jony Beltrán).

Por un lado, Marithea dependía de sí misma: necesitaba sumar cuatro puntos en sus dos batallas —ante Jony Beltrán y Lobo Estepario— para alcanzar las 25 unidades y asegurarse el primer puesto, incluso en caso de que Rapder ganara todos sus cruces. Jony Beltrán, en cambio, estaba obligado a rozar la perfección: debía sumar cinco de los seis puntos en juego, combinando una victoria directa y otra tras réplica para llegar a 26 unidades. Más exigente aún era el panorama de Rapder, que necesitaba ganar ambas batallas de forma directa y esperar resultados ajenos para soñar con el tricampeonato.

Finalmente, fue Jony Beltrán quien terminó imponiéndose en la definición. El freestyler oriundo de Acuña consiguió una victoria directa ante Azuky y otra tras réplica frente a Marithea, resultados que le permitieron alcanzar los 26 puntos y consagrarse campeón de la sexta temporada de FMS México, así como también adueñarse del trono mexicano de la liga organizada por Urban Roosters por primera vez.

• 26 puntos.
• 9 victorias.
• 1 derrota.
• 1629 puntos por batalla.
• Competidor con más victorias.
• Competidor con menos derrotas.

Por su parte, Marithea se impuso en sus cruces ante Lobo Estepario, pero cayó frente a Jony Beltrán, sumando un total de 25 puntos que la ubicaron en el segundo lugar y le aseguraron la clasificación a la Final Internacional. Rapder, que llegaba con aspiraciones de tricampeonato, completó el podio en la tercera posición con 21 unidades, quedando fuera de la pelea en la definición final.

¿Quiénes están clasificados a la Final Internacional de FMS?

Con la consagración de Jony Beltrán y la clasificación de Marithea, la Final Internacional de la FMS ya tiene confirmados a doce de los dieciséis freestylers que competirán el próximo sábado 25 de abril en la Plaza de la Mexicanidad de Ciudad Juárez.

• Aczino (México)
• Jony Beltrán (México)
• Chuty (España)
• Arkano (España)
• Gazir (España)
• Teorema (Chile)
• El Menor (Chile)
• Acertijo (Chile)
• Valles-T (Colombia)
• Marithea (Colombia)
• KG (Perú)
• Stuart (Argentina)

Marithea, clasificada a la FMS Internacional en Ciudad Juárez (Instagram/Marithea).

Aún restan definirse cuatro cupos: un MC elegido por votación popular (ligas nacionales), dos plazas para los mejores terceros y una última incógnita que todavía no fue revelada.

Del polo al hype: La Martina y Supreme crean su propio universo

El universo del streetwear se mueve como una montaña rusa: colaboraciones inesperadas, drops que se agotan en cuestión de minutos y alianzas que redefinen el pulso de la industria. En ese escenario, conviven desde duplas ya consolidadas hasta juntes que aparecen una sola vez, pero dejan una marca imborrable.

También están aquellas colaboraciones que rompen todos los esquemas. Cruces entre marcas que, en los papeles, parecen hablar idiomas distintos, pero que terminan encontrando un punto en común para crear algo completamente nuevo dentro de la escena.

En ese terreno aparece la unión entre La Martina y Supreme, una colaboración que conecta la tradición del polo con la estética del streetwear y la moda hype. El lanzamiento no solo destaca por su propuesta, sino por su peso simbólico: representa el primer acercamiento de Supreme a una marca de origen argentino y latinoamericano, al mismo tiempo que marca el desembarco de La Martina en la escena hype. Un junte histórico por el lado que se vea.

El polo de La Martina x Supreme (Supreme).

La cápsula fue presentada en redes con una pieza que resume el cruce de mundos: un polo clásico intervenido con el rojo característico de Supreme, logos de ambas marcas y detalles como el número 3 junto a la inscripción “MMXXVI” en la espalda y el sello “World Famous” en el cuello, reafirmando el ADN de la firma neoyorquina. Al mismo tiempo, también aparece la huella de Jacob & Co., la reconocida empresa de origen estadounidense que vende productos de joyería y relojes de pulsera.

Más allá del diseño, la cápsula también funciona como un puente cultural: acerca la tradición, la historia y la identidad del polo argentino —marcada por la herencia, el esfuerzo y una construcción simbólica ligada al país— a una nueva audiencia global, reinterpretándola dentro de los códigos contemporáneos del streetwear.

Al mismo tiempo, la colaboración expande el mapa del hype hacia territorios que históricamente no habían sido protagonistas dentro de la escena, posicionando a Argentina —y, por extensión, a Latinoamérica— dentro de una conversación global dominada durante años por otros polos culturales. No se trata solo de una cápsula, sino de un gesto que redefine quiénes pueden formar parte del circuito.

Madrid en el centro de la escena gastronómica

En esta oportunidad, la Consejería de Turismo de la Embajada de España en Buenos Aires decidió que la impronta madrileña guíe las hornallas. En las cartas de los establecimientos participantes, los huevos rotos aparecen como protagonistas junto a las infaltables croquetas y los pinchos de taberna. Los cocineros diseñaron propuestas que incluyen una tapa maridada con cerveza, vermut, vino o gaseosa.

Un recorrido federal 

En diferentes rincones del territorio nacional, la identidad local se fusiona con la técnica hispana para ofrecer platos distintivos:

• Zona Norte: preparaciones sofisticadas como el socarrat pil pil elaborado con productos del litoral.
• Córdoba: versiones renovadas de la ensaladilla rusa con mejillones.
• Mar del Plata: aprovecha su cercanía al océano para lucir una mojama de atún rojo.
• Rosario: apuesta por la frescura mediante el carpaccio de pesca del día.
• Mendoza: integra ingredientes andinos en combinaciones experimentales que desafían lo convencional.

^{El alma de la cocina española reside en la calidad de su materia prima.}

Tradición, vanguardia y premios

En el marco del Concurso de la Tapa, el público tiene la potestad de votar por su propuesta predilecta. Como incentivo principal, el restaurante que resulte ganador recibirá dos pasajes a España, premio que también será sorteado entre los comensales que participen de la votación. Más allá de las fronteras argentinas, el festival expande su horizonte este año con una edición simultánea en Uruguay.

^{Tapeando 2026: España llega a Argentina.}

Con el objetivo de facilitar la logística de los asistentes, los organizadores dispusieron rutas gastronómicas pensadas por expertos disponibles en diversas plataformas digitales. A través de este despliegue de mojamas, albóndigas de chorizo y montaditos con anchoas, Tapeando 2026 se ratifica como la cita ineludible para quienes buscan experimentar la efervescencia de las barras españolas sin salir de la Argentina.

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Muralismo y arte urbano

En la sede ubicada en Alsina y Martín Fierro, se desarrollará el taller anual dedicado a las intervenciones estéticas en el espacio público. Esta capacitación propone un recorrido teórico-práctico que abarca desde la historia del muralismo en Latinoamérica hasta las tendencias actuales del street art.

• Inicio de cursada: lunes 6 de abril.
• Día y horario: lunes de 11:00 a 12:30 Hs.
• Cupos: 30 vacantes disponibles.
• Requisitos: No es necesario contar con conocimientos previos en la materia.

^{El flyer oficial del evento.}

Formación coral

Para quienes busquen perfeccionar su técnica de vocalización, el CIC ofrece una alternativa centrada en la expresión sonora. A diferencia del taller de artes visuales, esta propuesta está orientada exclusivamente a un público adulto que desee explorar sus capacidades rítmicas y melódicas.

• Inicio de cursada: jueves 9 de abril.
• Día y horario: jueves de 13:30 a 15:00 Hs.
• Requisito etario: ser mayor de edad.
• Cupos: 20 vacantes disponibles.

^{Formación en técnica vocal y expresión artística, uno de los ejes centrales de la nueva oferta cultural gratuita en el CIC de Burzaco.}

Proceso de inscripción 

Para asegurar un lugar en estos cursos, los interesados deben realizar el trámite de manera presencial. En las oficinas del CIC de Burzaco, situadas junto al CAPS 13. Los postulantes tienen que presentar su DNI original junto con una fotocopia del mismo para completar el registro formal.

Uribe Bakes, el sabor neoyorquino en Versalles

Una de las sensaciones que ha irrumpido en el mundo de la pastelería en el último tiempo han sido las cookies al estilo Nueva York: galletas gruesas, súper mantecosas y de interior suave popularizadas en el distrito de Manhattan.

Las cajas de Uribe Bakes (Uribe Bakes).

Así como toda tendencia, las cookies cruzaron la frontera de Estados Unidos, punto donde se convirtieron en un emblema gastronómico, y se instalaron en los mostradores de los establecimientos pasteleros del mundo, y Argentina fue uno de los lugares donde aterrizó. Y si tenemos que hablar de un sitio que comprendió a la perfección el sabor de las cookies al estilo Nueva York es Uribe Bakes, el foco galletero de Versalles.

Con más de cincuenta mil seguidores en redes sociales, Uribe Bakes capturó con precisión la esencia de las icónicas cookies neoyorquinas y se consolidó como un punto indispensable para los fanáticos en la ciudad de Buenos Aires. Y no solo logró conseguir el sabor y la estética de las galletas surgidas en Nueva York, sino que también cuentan con un toque hogareño al ser producidas por una familia y no ser parte de una pastelería mega reconocida ubicada en el barrio de Palermo y el toque nacional con variantes hechas a base de Chocolinas y Bon o Bon, elementos tradicionales de Argentina.

La cookie Oreo de Uribe Bakes (Uribe Bakes).

Las delicias de Uribe Bakes

Decir que Uribe Bakes es una de los establecimientos que mejor capturó la esencia de las cookies al estilo Nueva York no es algo fácil, pero su carta con más de quince opciones es un gran punto favor: desde variantes locales realizadas con Chocolinas y Bon o Bon hasta galletas para empalagarte de dulce como Kinder y Marshmallow.

• Marshmallow (malvavisco y chocolate Hersheys)
• Chocotorta (relleno de chocotorta y masa hecha con Chocolinas)
• Lotus Cookie (caramelo, ligera canela y un relleno de crema de biscoff)
• Limón y Arándanos (arándanos, chocolate blanco y cubierta por frosting de queso y mermelada de frutos rojos)
• Clásica (galleta con chips de chocolate)
• Bon o Bon masa elaborada con maní, trozos de chocolate y un centro de pasta de bon o bon y un bombón en su superficie)
• Oreo (trozos de oreo, distintos chocolates y relleno de nutella)
• Tiramisú (café, chocolates y crema)
• Red Velvet (chocolate blanco y relleno de queso)
• Crumble Brookie (brownie)
• Pistacho (pistachos naturales y chocolate blanco)
• Dubái (masa fina de kadaif, crema de pistacho en su relleno, masa de cacao con chocolates y pistachos naturales)
• Kinder Cookie (distintos chocolates, galletas y un relleno de nutella)
• Carrot Cookie (nueces tostadas, basada en zanahoria, trozos de chocolate blanco y nueces caramelizadas)
• Cacao (cacao al setenta por ciento y relleno de ganache)
• MyM Marshmallow (rocklets y mini malvaviscos)

Los precios de las cookies van desde $3.600 hasta $6.000 pesos argentinos y pueden adquirirse a través de su página oficial, donde también se puede elegir retirar el pedido en su establecimiento (Bruselas 525, Versalles) o solicitar envío a domicilio.